вернисаж by Анна Смирннова

СПЕЦИАЛЬНЫЙ ВЫПУСК 2012

ВЕРНИСАЖ ИНФОРМАЦИОННО - ИЛЛЮСТРИРОВАННЫЙ ЖУРНАЛ

ARTWORKS ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУСТВА

Африканский стиль

Kent R. Wallis

ВЕРНИСАЖ

СПЕЦИАЛЬНЫЙ ВЫПУСК

2012

ИНФОРМАТИВНО-ИЛЛЮСТРИРОВАННЫЙ ЖУРНАЛ

СОДЕРЖАНИЕ ФОТОГАЛЕРЕЯ Цветочные натюрморты Luisa Gelts www.liveinternet.ru

ПЕЙЗАЖИ Солнечные полотна Kent R. Wallis www.liveinternet.ru

АКВАРЕЛЬ Marie-Claire Houmeau

КОНКУРС

МОЙ МИР ИСКУССВА условия конкурса стр. 34

www.liveinternet.ru

Главный редактор:

ПОРТРЕТЫ Сходство в портрете

Адрес редакции:

Панина Елена Владимировна

www.bibliotekar.ru

г.Тараз ул.С.Тюленина 3

www.museum-online.ru

По вопросам распространения:

Модильяни

МАСТЕРСКАЯ УЮТА Фарфоровые куклы Hildegard Gunzel http://allday.ru

Художественный декупаж Марины Никулиной http://vdekupazhe.ru htth://sangina.ru

КАЛЕЙДОСКОП Магические лики Африки www.liveinternet.ru www..livejournal.com

Звезда Эдуардо Тингатинга www.africana.ru

тел. 8 72622 79104 Тираж: экз. Цена свободная

Горцевич Антон

ФОТОГАЛЕРЕЯ

ЦВЕТОЧНЫЕ ФОТОНАТЮРМОРТЫ 4

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Фотограф Luisa Gelts занимается не

самым популярным жанром фотографии – натюрмортом. Видимо, потому что натюрморт очень специфический жанр со многими своеобразными нюансами. Луиза разобралась со всеми нюансами, вникла во все особенности и теперь не перестает радовать нас своими прекрасными фотографиями. Несмотря на загадочное заморское имя – Luisa Gelts - наш фотограф москвичка. Её основные профессии – это дизайнерфлорист, художница. А фотография, к сожалению, только хобби. Но можно сказать, что и в фотографическом деле Луиза преуспела и достигла мастерства. Наверное, эти профессии очень связаны между собой и одна дополняет другую. Тем более, в таком виде фотографии, как натюрморт. Ведь именно фотонатюрморт имеет самую большую связь с живописью, имеет такие же технические принципы и наследует основные традиции художников. Так что остается признать, что именно человек, сочетающий в себе мастерство художника, флориста, дизайнера и фотографа, идеально подходит на роль фотографа натюрмортов. Хочется сказать отдельно про натюрморт. Натюрморт – один из наиболее трудно поддающихся определению жанров фотографии. Говорят, что в этом жанре можно снять практически все.

Это и объекты размером с ладонь и объекты размером с комнату, рекламу и личностный снимок, так же можно снимать определенные сюжеты, которые требуют долгой и тщательной подготовки. А в наш деловой суматошный век, когда все гонятся за количеством и деньгами, мало найдется людей, которые готовы погрузится в спокойствие и работать качественно. Именно в натюрморте очень важно качество: точная композиция, гармония цветов, идеально выставленный свет, идеальные мельчайшие детали и, кроме того, нужен увлекательный сюжет. А самое важное – интерес и любовь самого фотографа. Потому как без фанатичной любви к своему делу можно покупать дорогущую аппаратуру и инвентарь, работать в наисовременнейшей студии, прочесть тысячи страниц специальной литературы, несколько часов выставлять свет и работать над композицией, а яблоки останутся всего лишь яблоками, и композиция останется пустой и бездушной. И фотографии Луизы Гельтс живой пример тому, как надо делать натюрморты. «Красиво, прекрасно, превосходно, неподражаемо, я тоже так хочу, волшебно, чудесно» – вот примерный ход моих мыслей при знакомстве с работами Луизы. Вот это настоящее талантливое творчество. »»»

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Фотограф Луиза Гельтс определенно знает толк в удачных натюрмортах. Натюрморты Луизы цветочные. Ей удается находить такие моменты, которые увлекают зрителей. У неё получается находить нестандартные цветы, Луиза фотографирует не только привычные академические розы, тюльпаны, орхидеи. А еще такие простые, как цветы гороха, васильки, садовые пионы и еще много с неизвестными названиями.

Кроме того, у Луизы просто идеально выстроена и продумана композиция. Ей удается в рамках такого строгого жанра, находить какие-то новинки и искорки, получается удивить в каждой фотографии.

СОЛНЕЧНЫЕ ПОЛОТНА KENT R. WALLIS

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

ПЕЙЗАЖИ

АКВАРЕЛЬ

MARIE-CLAIRE HOUMEAU 10

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

ПОРТРЕТЫ

Портрет может считаться удачным,

когда воспроизводит оригинал в точности, со всеми чертами его внешности и внутреннего индивидуального характера, в наиболее привычной для него позе, с наиболее свойственной ему экспрессией. Удовлетворение этим требованиям входит в круг задач искусства и может приводить к высокохудожественным результатам, если исполняется одарёнными художниками, способными вложить в воспроизведение действительности свой личный вкус, талант и мастерство. Автор портрета не бесстрастный регистратор внешних и внутренних особенностей портретируемого: личное отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, его творческая манера накладывают на произведение зримый отпечаток. Известна история с портретом Амбруаза Воллара кисти Пикассо. Воллару портрет не понравился, и картину продали. Д. Левицкий Портрет М. А. Дьяковой

СХОДСТВО В ПОРТРЕТЕ Леонардо да Винчи Портрет Джиневры де Бенчи Несмотря на то, что картина выполнена в кубизме, считается, что Пикассо изобразил Воллара более удачно и проницательно, чем его коллеги, писавшие Воллара реалистично. Обычно различают сходство внешнее, которое имеет ценность как исторический документ или семейная реликвия, и сходство внутреннее —эстетическое, которое убеждает, что именно таким должен быть портретируемый. Философ Коллингвуд пишет: <<Мы можем свободно предположить, что в портретах таких великих художников, как Рафаэль, Тициан, Веласкес или Рембрандт, сходство было достигнуто. Однако, как бы ни было разумно наше предположение, это всего лишь предположение, и только. Натурщики давно уже умерли, так что подобие теперь уже не проверить. Поэтому, если бы единственным достоинством портрета было его сходство с натурой, мы никак не смогли бы отличить хороший портрет от плохого.

ПОРТРЕТЫ На чём основывают свою художественную оценку портрета, уничтожающую или одобрительную? Всегда и прежде всего на сходстве, на сличении модели и картины, на отыскивании соответственных черт, на узнавании живого оригинала. Если оригинал знаком, сличают непосредственно; если он неизвестен, пытаются в своем воображении представить его себе таким, каким он был или должен быть в действительности.

А. Аранышев Портрет молодого человека

И эта работа сличения, эта очная ставка между картиной и действительностью заходит обыкновенно так далеко, что произведение искусства, портрет, перестаёт быть центром внимания, превращается во что-то второстепенное, в какую-то загадку, обманчивый фокус, который нужно разгадать.>>

Дело заключается не в том, чтобы произведение напоминало оригинал, а в том, чтобы чувства, возбуждаемые произведением, напоминали чувства, вызываемые оригиналом (это уже «эмоциональное» изображение). «Подход к сходству в портрете у заказчика и художника различный. Если заказчик, зритель понимает под портретом только и исключительно то, что обладает несомненным сходством с неким лицоморигиналом, то художник, отталкиваясь от оригинала, который он воспринимает, как модель, строит свой особый художественный мир. И непонимание этой разницы взглядов порой приводило в истории портрета к настоящим курьёзам». Иногда клиент или его семья остаются недовольны произведением искусства, и художник сталкивается с необходимостью переписать работу или отказаться от гонорара. Так, знаменитый «Портрет мадам Рекамье» Ж. Л. Давида и не менее известный «Портрет мадам Икс» Джона Сарджента были отклонёны моделью. Виппер даже говорит о прямой «вражде» между портретистом и заказчиком, поскольку у них обоих стоят совершенно разные задачи: у одного — создать произведение искусства, у другого — увидеть на полотне свой внутренний мир. «Существует особая точка зрения по поводу сходства в портрете — мнение портретируемого. Она обычно прямо противоположна мнению художника… Человек очень редко видит себя таким, каков он есть, а если узнаёт, то обычно очень поражён, если художник изобразил его наружность правдиво». Великий Эннёр пристыдил даму, плакавшую, что портрет её, вышел совсем, не похож. «Эх, сударыня! — сказал знаменитый эльзасец, — когда вы умрёте, ваши наследники почтут за счастье иметь прекрасный портрет, подписанный Эннёром, и им будет совершенно всё равно, похожи вы или нет». Жизненные суждения человека о собственной личности, о своей внешности, характере и внутреннем мире далеко не тождественны с тем, что думает на этот счёт художник. И чем сильнее расходятся их взгляды, тем острее может быть конфликт между требованиями заказчика и волей художника. Особенно очевидно это становится при сравнении автопортретов художников и изображений, выполненных их коллегами

МОДИЛЬЯНИ Амедео Модильяни жил и умер

Портрет женщины в черном галстуке 1917

Портрет Жанны Эбютерн 1919

в нищете, а сегодня его картины считаются одними из самых дорогих в мире? Талантливых художников много, а культовыми становятся единицы. Посмертная слава художника, непризнанного при жизни, всегда таит в себе некую загадку. Почему художник должен умереть, чтобы его признали? Потому ли, что он опережает свое время, а современникам не хватает времени и мужества понять, что рядом с ними жил гений? Или потому, что “у нас любить умеют только мертвых”? Репродукции с его картин помещают на косметических и винных этикетках, галантерее, посуде, его именем названы духи. Жизнь Модильяни овеяна легендами: красивый, элегантный и остроумный представитель художественной богемы умер молодым, вереница женщин побывала в его спальне, он проводил свои дни в кабаках. Молва о его скандалах и драках разносилась во все стороны. Свои работы он подписывал “Моди”, что пофранцузски значит “проклятый”. Модильяни, точно знавший, чего он добивается и реализовавший свою мечту, был обескуражен всеобщим равнодушием, тем более обидным, что искусство было для него единственным источником существования. Скудость и ненадежность этого источника в значительной степени предопределили его болезнь и преждевременную смерть. Нельзя сказать, что никто не предвидел будущего Модильяни. Торговец картинами Кловис Саго имел нюх на талант и действовал цинично, как гиена. В общении он был приветлив и мил, но подстерегал художников до тех пор, пока они не оказывались в безвыходном положении. Узнав, что Модильяни лежит в больнице при смерти, Саго скупил все его работы у других торговцев, и громко этим хвастался. Один престарелый ценитель работ Модильяни и вовсе был… слепым. Он обходил мастерские, опираясь на плечо девочки, которая описывала то, что она видит на картине. Не видя картин, старик выбирал их »»» фантастически точно.

Анна Ахматова Как-то раз мы, вероятно, плохо сговорились, и я зайдя за Модильяни, не застала его и решила подождать его несколько минут. У меня в руках была охапка красных роз. Окно над запертыми воротами мастерской было открыто. Я, от нечего делать, стала бросать в мастерскую цветы. Не дождавшись Модильяни, я ушла. Когда мы встретились, он выразил недоумение, как я могла попасть в запертую комнату, когда ключ был у него. Я объяснила, как было дело. “Не может быть, — они так красиво лежали...”

Тора. 1923 Амеде́о Клеме́нте Модилья́ни (12 июля 1884, Ливорно,Италия — 24 января 1920, Париж, Франция) — итальянский художник и скульптор.

Человек с трубкой 1918

Женщина с голубыми глазами 1918

Модильяни относят к переживавшему тогда бурный взлет экспрессионизму, для которого характерно преобладание эмоционального выражения над изображением, художественная деформация натуры. Стены его мастерской были увешаны портретами невероятной длины от пола до потолка. Портреты Модильяни полны особой, то угловатой, то плавной грации, чувственны, выразительны и острохарактерны — при полной своей бездейственности и отсутствии мимики. “Человек — вот что меня интересует. Человеческое лицо — наивысшее создание природы”, — повторял он. Действительно, в историю живописи Модильяни вошел, прежде всего, как портретист. Но, несмотря на уверения художника, что главным для него является лицо, его интересовало не столько конкретное лицо, сколько архетип — “фирменные” черты, по которым он был безошибочно узнаваем. Наверное, человек, в понимании Модильяни, устремлен, прочь и ввысь от всего, что его окружает. Он рисовал с утра до вечера и большую часть ночи, не интересуясь природой за окном и бытом вокруг, и в самом деле ходил по жизни, как лунатик по карнизу, каждую минуту рискуя сорваться. Ахматова вспоминала, что он казался ей окруженным плотным кольцом одиночества. Писал Модильяни только хорошо знакомых, близких, дорогих или, по крайней мере – ему симпатичных людей. Как истинный уроженец Италии, Модильяни восхищался телесной красотой, находил гармонию между душой и плотью, и потому прекрасное тело, изысканная форма, изящный силуэт фигуры, как бы вмещающие в себе души его героев – это суть самого Модильяни. Не встретив интереса у арт-дилеров и владельцев галерей, Модильяни был огорчен, но не настолько, чтобы свернуть с таким трудом найденного пути: он никогда не сомневался в собственной гениальности. Это теперь, когда его картины уходят с аукционов за многие миллионы долларов, критики могут хором восторгаться “удивительными изящными плавными линиями”, “экспрессивными формами”, “насыщенными цветами”. А при жизни его работы скупали за бесценок

считанные почитатели: врач Пол Александер, его брат, дантист Джин, у которого Модильяни лечил зубы, артдиллер Гульем Шерон, забиравший все, что он делал, в уплату за комнату, холст, краски, вино и карманные деньги. Он увековечил их всех в своих портретах, а Пола Александера — трижды. Ретроспективная оценка — дело нехитрое, когда художник “раскручен”, когда вокруг его имени крутятся бешеные деньги. За подчеркнутой условностью, за этими линиями и изгибами умники-критики разглядели ужасные страдания героев, Первую мировую войну, государственные перевороты. А обыватели видели то, что они видели: лица-маски, глаза без зрачков, вытянутые шеи, покатые плечи и вопиющую диспропорцию человеческих тел, которая в свое время возмущала современников Эль-Греко... Модильяни был не просто асоциален, он был подчеркнуто асоциален. Его ничего не интересовало, кроме его искусства. В Нью-Йорке, в Еврейском музее с 21 мая до 19 сентября 2011 года проходила самая представительная за 50 с лишним лет ретроспектива Модильяни — свыше 100 единиц живописи, скульптуры и графики, собранной со всего мира: Соединенных Штатов, Канады, Европы, Южной Америки, Японии, Израиля и Австралии. Большинство работ было из частных коллекций. Представляю, сколько стоила музею страховка этих работ! Боб Гуччионе, издатель, владелец богатейшей коллекции шедевров мировой живописи говорил, что когда он отдал своего Модильяни на выставку, музей застраховал ее на 12 миллионов долларов — столько, сколько она стоила владельцу. Фамилии счастливых обладателей по большей части не фигурировали — из соображений безопасности. Интересно, знали ли предки нынешних владельцев, купивших оригиналы Модильяни за бесценок где-нибудь на развалах Монмартра или у самого художника, какое богатство плывет к ним в руки? Иногда художник продавал свои рисунки за стакан абсента и тарелку макарон. На последних аукционах «Сотбис» в 2010 году две картины Модильяни были проданы по рекордным для его наследия ценам — 60,6 и 68,9 миллиона долларов США.

Тора Клинковсторм 1919

Портрет Жана Кокто 1916

МАСТЕРСКАЯ УЮТА

ехника Декупаж дает практически неограниченные возможности для создания своими руками без длительной художественной подготовки уникальных предметов интерьера. Профессионалы под термином “Декупаж” понимают имитацию художественной росписи на любой поверхности. И чем незаметнее выполнена аппликация, тем выше уровень мастерства декоратора.

Техника Декупажа часто сопровождается различными дополнительными эффектами. Когда в декор включаются элементы рисунка “от руки”, трафаретная роспись, эффект патины или кракеле речь идет о Художественном Декупаже. Если декупажный рисунок наклеивается на пленку для моделирования или на гибкую металлическую пластину, то такая техника носит название Объемного Декупажа.

ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ДЕКУПАЖ МАРИНЫ НИКУЛИНОЙ

1. Выбор изображений Декупаж предоставляет огромные возможности для имитации различных техник: росписи по дереву, стеклу, керамике, фарфору, ткани и другим поверхностям. Очень часто в процессе работы используют тончайшую структуру верхнего слоя обыкновенных салфеток, это, так называемая, «Салфеточная техника». Мотивы на салфетках существуют самые разные: от изображения цветов и фруктов, до стилизованных портретов людей. С помощью специальных Декупажных карт с репродукциями картин великих мастеров можно создать имитацию старинной живописи. Винтажные мотивы Декупажных карт помогают в создании декора в ретростиле. Великое множество самых разнообразных мотивов Декупажных карт, представленных на современном рынке, открывает широкий простор для творчества в технике Декупажа. В этом случае края рисунка истончают различными способами: декупажную карту или открытку размачивают в воде и сдирают часть бумаги; сухую бумагу истончают липкой лентой или скотчем; после приклеивания края бумаги обрабатывают мелкой наждачной бумагой. Можно вырезать декупажный мотив фигурными ножницами и, тем самым, сделать акцент на изящной резной линии.

2. Вырезание Чаще всего, декупажный мотив вырезают по контуру. Правда, этот вариант подходит далеко не для каждого изображения, особенно, если оно содержит мелкие детали. Можно вырезать декупажный мотив, что называется, “с припуском”. Этот ход вполне оправдан в случае создания винтажных предметов интерьера или работы с фотографиями в технике Декупажа. Интересных эффектов можно добиться, если аккуратно, но уверенно надорвать края изображения. Особенно это актуально для работы с тонкой бумагой салфеток для Декупажа.

Такому рисунку, после его приклеивания и полного высыхания на поверхности, часто добавляют еще большую потертость или некоторую небрежность. Делается это при при помощи наждачной бумаги, патинирующих средств или полусухой кисти или губки с акриловой краской. Старинные открытки или фотографии, способные создать из обычного современного изделия уникальный предмет старины. На современном артрынке есть мастера, которые создают новые коллекционные тематические открытки на высоком художественном уровне. Репродукции картин и постеров в каталогах и справочниках, географические карты и схемы строения растений, расположенные в энциклопедиях, а также другие интересные фотографии и рисунки часто привлекают декораторов от Декупажа. Цветное копирование помогает решить эту проблему, а выбор бумаги, на которую будет перенесена копия изображения, остается на ваше усмотрение. Главное, не забыть закрепить печатные чернила на готовом изображении при помощи специального фиксирующего аэрозольного лака.

»»» 19

3. Тонирование изображения Если для техники Декупажа вы выбрали, например, мотив старых нот или вырезку из газеты прошлого века, но воспользовались для создании копии изображения простым черно-белым принтером или ксероксом, а распечатали изображение на обыкновенной офисной бумаге, в этом случае вам необходимо затонировать вашу картинку. Это необходимо для того, чтобы состарить белый цвет современной бумаги и загасить яркость свежих чернил. А можно просто перевести изображение на компьютере “в сепию”, воспользовавшись графическим редактором. Для тонирования прекрасно подойдут художественные акварельные краски. Смешивая подходящие по замыслу, а чаще всего это земляные цвета с большим количеством виды, изображение тонируют за один проход. Если водить кистью или губкой дольше, то есть вероятность разрушить исходный красочный слой рисунка. Для тонирования изображений также можно воспользоваться обыкновенным мокрым бумажным пакетиком черного чая, который добавит вашей работе благородных желто-коричневых цветов. Пакетик чая можно прикладывать к картинке, оставляя то насыщенные по цвету, то более светлые отпечатки. А можно с его помощью окрасить воду в блюдце, в которое затем опустить изображение для получения более равномерного тонирования. Получить ровный по насыщенности и своему характеру цветной тон декупажного рисунка можно и в самом конце работы. Речь идет о нанесении на декорируемую поверхность оттеночного лака. Например лака, который придаст работе налет патины и эффект старины. Кракелюрная сетка, затертая битумом, также заключит работу в один общий по цвету тон.

4. Тонирование основы Затонировать можно не только сам декупажный мотив, но и основу для декора. Для дерева, керамики, стекла, картона и другие поверхностей прекрасно подходят современные акриловые краски.

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Тонировка основы в светлые тона позволит проявить яркость и контрастность рисунка, напечатанного на тонкой бумаге, например, на салфетке. Можно загрунтовать поверхность для декора при помощи подходящей белой грунтовки. После приклеивания декупажного мотива очень часто продолжают тонировку основы и самого рисунка с целью снивелировать цветовой переход и, так сказать, “погрузить картинку в среду”.

5. Приклеивание изображения Момент приклеивания изображения на основу является наиболее сложным этапом в технике Декупажа. Перед приклеиванием аппликаций поверхность,чаще всего, необходимо подготовить, а саму бумагу истончить по краям и слегка смочить водой (кроме салфеток).

Поверхность стекла или керамики необходимо обезжирить на месте будущего декупажного рисунка, дерево – зашкурить, очистить и покрыть акриловым грунтом или акриловой краской. Клей для наклеивания аппликации можно подбирать под ту основу, с которой предстоит работать, или исходя их типа декупажного мотива. Например, существуют специальные клеевые составы для салфеточной техники идля работы с декупажными картами. В большинстве случаев, со своей задачей справляется обычный поливинилацетатный клей, проще говоря, клей ПВА. Также можно использовать обычный клей-карандаш, который хорошо подходит для декупажа на деревянной или картонной поверхностях. Многоразовый аэрозольный клей прекрасно подходит для новичков в декупаже. Он позволяет, в случае необходимости, переклеивать изображение несколько раз. Клей образует на поверхности бумаги тонкую эластичную пленку и не допускает разрывов при натяжении. В настоящее время в большинстве художественных магазинов вы сможете найти универсальные клеи, специально предназначенные для техники Декупаж.

Клей-лаки для декупажа обеспечивают склеивание, герметизацию и отделку одновременно. Могут придать работе матовый или глянцевый эффект. Работать с ними легко и приятно. Некоторые виды клея могут содержать глиттеры (цветные блестки). Глиттерный клей можно с успехом использовать при создании подарков или елочных украшений. На современном рынке существуют Клей для декупажа на ткани и Клей для нанесения изображений на свечи. Нанесение клея при выполнении декупажа предполагает использование одного из нескольких вариантов: - Клей наносится на основу, затем изображение прикладывается и разглаживается (для очень тонкой бумаги); - Клей наносится на изнаночную сторону картинки, изображение прикладывается и разглаживается; - Картинка прикладывается к основе, сверху на изображение наносится клей (для очень тонкой бумаги).

6. Дополнительный декор и фиксация После приклеивания декупажный мотив часто дорисовывают акриловыми красками и добавляют декоративных элементов. После этого можно переходить к фиксации результата. Самым простым вариантом является покрытие работы прозрачным акриловым лаком (матовым или глянцевым), жидким или в аэрозоли. Если хочется добавить изделию золотистый налет старины, следует воспользоваться специально предназначенными для этого лаками. О них мы уже упоминали в разговоре о тонировке работы. Это “Патинирующие лаки” или “Лаки для придания картинам старого вида”. На вид эти лаки имеют оттенок от золотистого до темно-бордового и придают работе очень прочное глянцевое золотисто-коричневое покрытие. Если же такого состаривания вам показалось мало, то вы без труда сможете создать на лакированном покрытии Эффект кракелюров, то есть сетку мелких трещинок. Такие трещинки легко получаются при использовании двухкомпонентных лаков для кракелюра от одного производителя.

ФАРФОРОВЫЕ КУКЛЫ HILDEGARD GUNZEL 23

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

МАСТЕРСКАЯ УЮТА

Хильдегард Гюнцель — самая

именитая и титулованная художница в ряду мировых кукольных мастеров. Более четверти века она посвятила созданию одного из самых привлекательных кукольных образов — образа пленительного и изысканного, невинного и мечтательного, окутанного флёром сказочного романтизма. Ее златокудрые, чуть меланхоличные фарфоровые принцессы с особенным «прозрачным» свечением кожи — мечта многочисленных поклонников и коллекционеров волшебных созданий Гюнцель по всему миру.

Хильдегард окончила Немецкую школу моды и стала дипломированным дизайнером модной одежды, совершенно не помышляя о будущей блестящей карьере кукольника. Первых своих кукол Гюнцель изготовила в виде кулонов на кожаном шнуре. В 1972 году на свет появилась кукла с гипсовой головкой. Со временем куклы Гюнцель подрастали, превращались в марионеток, затем становились прелестными девочками-подростками 20-х годов. После нескольких лет моделирования в гипсе и церните Гюнцель открывает для себя фарфор. Наступила новая эра, которая означала крутой поворот в художественной технике, а также то, что теперь ее куклы могли производиться небольшими тиражами. Хильдегард открывает одной ей доступный секрет изготовления воска, которым покрывает белоснежные фарфоровые поверхности. Ее фарфоровые ангелочки сияют теплым, природным светом. У нее рождаются прелестные создания с огромными хрустальными глазками, почти человеческими, в кружевной пене и воздушных лентах. Куклы для взрослых женщин. Коллекционеры всего мира сходили с ума от желания обладать ими. Ведь Гюнцель единственная, кто использует абсолютно белый фарфор, состав которого уникален, а затем вручную тонирует его, добиваясь умопомрачительного натурализма. Художница утверждает, что кожа должна светиться изнутри, поэтому она фарфоровые головки покрывает воском, затем расписывает их, затем снова покрывает воском. Хрустальные глазки, со всеми их прожилками и крапинками, сделаны лучшими мастерами вручную. Их цвет подбирается в зависимости от характера каждой куклы. Одежду для своих «деток» Гюнцель проектирует сама, используя тончайший шелк и шифон, жоржет и кашемир, старинное кружево и хлопковое пике. Пальчики на ногах и руках, крошечные ноготки, ямочки на щеках доводятся до ума волшебными руками ХильдегардГюнцель.

»»» 24

“Первую куклу я сделала для своего старшего сына и, признаюсь честно, она была не очень красивая. Затем я мастерила кукол из ткани, потом гипса. В общем, экспериментировала с разными материалами и остановилась на фарфоре. Когда я решила делать куклы, в 1970 годах, само искусство еще не было развито. Именно тогда я провела первый семинар, где рассказывала тем, кто интересовался авторской куклой, о специфике разных материалов, о способах их применения. Такой обмен опытом помог в дальнейшем: я общалась со многими мастерами, они делились своими идеями. Получается, что сначала была практика, а потом теория. После многочисленных семинаров и лекций в Германии и Америке, я начала писать книги по истории куклы. Сегодня наши куклы, можно сказать, выступают носителями культуры, которую уже можно передавать из поколения в поколение. Создание авторской куклы – сложная работа. Сначала должна появиться идея, потом – характер куклы и мелкие детали: одежда, макияж, мимика, жесты. Именно из мелочей складывается образ. И тогда мои куклы вдруг начинают жить самостоятельно... Бывает такое, что кукла “не хочет” надевать то или иное платье. Она будто “говорит”: мне это не подходит. Речь идет не о размере одежды и даже не о расцветке. Наверное, о том, что это платье, скажем, не вписывается в ее образ. В моей практике был такой случай, когда я примеряла одной кукле четыре платья, и лишь пятое ей подошло. Так как каждая кукла эксклюзивна, то все ее детали выполняются вручную. Очень многие аксессуары шьются на заказ у всемирно известных модельеров. Изготовление одежды – это серьезная работа для мастера. Повторюсь - в нашем деле нет мелочей. После того, как кукла полностью готова, ее можно демонстрировать на выставках. Мне часто кажется, что мои куклы – живые." Рассказывает Хильдегард Гюнцель.

МАСТЕРСКАЯ УЮТА В 1988 году появились на свет ее первые куклы из винила. А еще через несколько лет она открывает в Дуйсбурге “Кукольную мануфактуру Хильдегард Гюнцель”. Здесь и рождаются сегодня ее уникальные творения. Готовые куклы объединяются в коллекции. Каждая коллекция состоит из 10-12 кукол ручной работы. Для каждой куклы, которая “покидает” мануфактуру, создается видеофильм и специальный каталог. Каждая деталь ее кукол отличается тончайшей выделкой, а сами куклы поражают совершенством и своей, присущей только им, индивидуальностью. Коллекционеры осаждают ее, а она покоряет одну вершину за другой. С ней хотят работать самые уважаемые компании по производству кукол. В древнем загадочном ремесле кукольника Хильдегард Гюнцель - настоящий мастер. Каждая из ее кукол уникальна и рассказывает свою собственную историю. Сегодня найти первых кукол Гюнцель довольно сложно. Большинство из них находятся в частных коллекциях.

МАГИЧЕСКИЕ ЛИКИ АФРИКИ

КАЛЕЙДОСКОП

радиционная культура негритянских народов Африки обладает своей спецификой, которая состоит в их ориентации на прошлое. Это значит, что традиционное африканское мышление выделяет только настоящее и прошлое, понимаемое, однако, иначе, чем в современной европейской культуре. Эти два измерения кенийский ученый Дж. Ибити назвал следующими терминами, взятыми из языка суахили: саса — теперь и залгапи — давно. Саса — это осознание человеком своего собственного существования, время, в котором он сам участвует или участвовал. Чем старше человек, тем длиннее период саса, оно содержит в себе прежде всего динамическое настоящее, ограниченное будущим и уже прожитым прошлым. Будущее имеет только краткую ценность, нет будущего «самого по себе», мышление о будущем является весьма короткой проекцией саса на текущие потребности. И если саса — это автономное микровремя, то залгани — макровремя, все, что было до текущего момента, «кладбище времени», по выражению Дж. Ибити. Однако данное эффектное определение не следует понимать буквально, в духе современной европейской культуры — ведь «кладбище времени» является живым, оно постоянно присутствует в африканском настоящем. Еще одна из особенностей африканского искусства состоит в том, что оно коренится в повседневной жизни. Это проявляется в том значении, которое придается таким обыденным предметам, как чашки, выдолбленные из тыквы, табуреты, посуда, гребни, ножи, копья, шкуры животных, расписанные в различных декоративных стилях. Все они находят практическое применение, но знающий, посвященный видит в них не только слияние предметов искусства с повседневной жизнью, но может прочесть послания и духовные символы, зашифрованные в характерных узорах, украшающих каждый отдельный предмет. Африканское искусство существует в связи с повседневным отношением к жизни, использующим символы

для защиты от дурного глаза и вторжения «неведомых», чуждых сил, злых или добрых. Перед нами подход африканца к произведениям искусства как к фетишам. Его хорошо уловил Пикассо в тот самый момент, когда он впервые соприкоснулся с африканским искусством во Дворце Трокадеро: «Я понял, для чего негры использовали свои скульптуры. Зачем было творить именно так, а не какнибудь иначе? В конце концов, они же не были кубистами! Ведь кубизма просто не существовало... Но все фетиши использовались с одной целью. Они были оружием. Чтобы помочь людям не попасть вновь под влияние духов, чтобы помочь им стать независимыми. Это орудия. Придав духам форму, мы обретаем самостоятельность. Духи, подсознательное (об этом в то время не очень-то рассуждали), эмоции — все это вещи одного порядка». И наконец, общими характеристиками произведений африканского искусства являются: сильный, драматический экспрессионизм, отсутствие натурализма и острые, угловатые формы. Искусствовед В. Марков отмечает, что африканский художник лепит свободные и самостоятельные массы; связывая их, он получает символ человека. Игра тяжестями, массами у художника-негра поистине разнообразна, бесконечно богата идеями и самодовлеюща, как музыка. Реальное передают убедительные символы, в высшей степени характерны черты людей и богов. «Посмотрите на какую-нибудь деталь, — пишет он, — например, на глаз, это — не глаз, иногда это щель, раковина или что-нибудь ее заменяющее, а между тем эта фиктивная форма здесь красива, пластична — это мы и назовем пластическим символом глаза...» Неисчерпаемое богатство пластических символов, нигде нет реальных форм, формы почти произвольны, обслуживают реальные потребности, но пластическим языком. В ещё большей степени это относится к ритуальным предметам, маскам и скульптуре, которые в Европе обычно рассматриваются как чисто декоративные. В Африке же они составляют неотъемлемую часть верований и принадлежат всей общине.

ВЕРНИСАЖ специальный выпуск

Francoise Nielly

КАЛЕЙДОСКОП

Эдуардо Саиди Тингатинга стал

родоначальником удивительной живописи в Танзании. Он рисовал яркими масляными или акриловыми красками на картоне или ткани диковинных животных и птиц невообразимых цветов, растения и людей, сплетающихся то в пестрый орнамент, то в незамысловатый бытовой сюжет. Есть в его работах что-то завораживающее и происходит это не только от причудливости раскраски и буйства фантазии, но и от своеобразного ритма, в котором, как кажется, живет все, что нарисовано художником. Э. Тингатинга родился в 1932 году в бедной крестьянской семье в деревне Намочелиа на самом юге страны. Учился в начальной школе католической миссии, а в 25 лет в поисках заработка подался на север, в область Танга. Работал на сизалевых плантациях, затем перебрался в столицу – Дар эс Салам.

Нанимался садовником, продавал овощи и фрукты, развозя их на велосипеде, плел корзины и циновки, занимался вышивкой и украшал жилища друзей настенной росписью в традициях тех мест, откуда был родом. Рисовать необычные цветные картинки маслом на картоне размером два на два фута Эдуардо Тингатинга начал в 1968 году, когда ему исполнилось 36. В это же время стал играть на маримбе в группе выходцев из знаменитого племени маконде, зарабатывавших на жизнь фольклорной музыкой, песнями и танцами. Говорят, что музыкантом он был неплохим. Еще говорят, что веселый был человек и любил выпить. А картинками этими сам так увлекся, что превратил в подобие студии единственную комнатушку, в которой жил с женой и детьми. Жена и племянник продавали картонки за смешные деньги неподалеку от дома в оживленном торговом местечке.

ЗВЕЗДА ЭДУАРДО ТИНГАТИНГА

Вот тогда-то, в один прекрасный день фортуна и улыбнулась, наконец, маэстро Эдуардо Саиди Тингатинга. Она явилась в образе туриста-европейца, который положил-таки глаз на чудные картонки. И, видимо, глаз был искушенным. Добрый иностранец заинтересовался картонками настолько, что постарался устроить Эдуардо протекцию – обратил на него внимание организации, которой вменялось в обязанность развивать национальные искусства и ремесла – «National Arts Company». Видно, и там нашлись дельные люди, потому что маэстро сразу же получил от компании серьезный заказ, и платить она согласилась втрое больше против прежних цен. Теперь он мог полностью посвятить себя своему искусству, оставив всё суетное, которым приходилось заниматься для пропитания. Из ближайших родственников составилась небольшая артель. У маэстро Тингатинга появились ученики и последователи. Так была основана школа «тингатинга». Жизнь художника оборвалась в 1972 году нелепо и трагично. Однажды поздним вечером полицейский дорожный патруль по ошибке принял за угнанный ранее грабителями автомобиль «фольксваген», ехавший по центральной улице Дар эс Салама. Водитель, у которого, как оказалось позднее, были просрочены права, решил по этой «причине» скрыться от погони. Полицейские начали стрелять и один их троих, находившихся в салоне «фольксвагена», получил смертельное ранение. Это был Эдуардо Саиди Тингатинга. Сегодня на том самом месте, где тридцать лет назад все начиналось, - в «Морогоро Сторс»- открыта большая галерея кооператива художников, работающих в стиле «тингатинга». Помогли швейцарское правительство и авиакомпания «Свиссэйр». В кооперативе 50 членов, являющихся признанными художниками этого жанра, и 30 учеников. Здесь они создают, выставляют и продают свои произведения. Редко кто из гостей Дар эс Салама не посетит галерею «Тингатинга».

В хорошие дни в галерее продается картинок на сотни долларов. Но и имя мастера имеет значение. Есть ведь уже признанные, много лет работающие в этом жанре художники. А кто-то не сошелся с общей компанией, работает вне кооператива. Теперь картинку «тингатинга» можно купить в любом уголке Танзании, посещаемом туристами. В стиле «тингагинга» расписывают, кажется, абсолютно все. От кружки до автомобиля. Ну чем не визитная карточка страны? В этих произведениях художник являет нам своё видение внутренней гармонии мира и всего сущего в нем и что он сохранил своё чувство удивления, восхищения и радости этим миром. А ведь всё так и есть. Вот он сидит и выводит на холсте прекрасную гигантскую бабочку, оседлавшую маленького бледно-фиолетового бегемота с цветком вместо хвоста. Ну что за чудеса такие выдумал? А может, ничего и не выдумывал, а просто загляделся на эти чудесные, цветущие всеми цветами деревья, на изумрудные холмы и красную землю под вечным ярким солнцем, на бескрайний лазоревый океан и белый парус на горизонте.

КОНКУРС

Эдуард Тингатинга “Африканский слон”

МОЙ МИР ИСКУССТВА О

казавшись на природе, мы мечтаем взять в руки кисть и написать прекрасный пейзаж, передать движение облаков и красоту старинных улочек, запечатлеть своих родителей и друзей. Много фантазировать в свое удовольствие, украшая свой дом удивительными изделиями, такими, каких не найдешь ни в одном магазине.

Африканский стиль является воплощением динамики, экспрессии, бьющей через край жизненной энергии и стремлением обрести чистоту взгляда на мир, присущую неиспорченному цивилизацией сознанию. Визитной карточкой черного континента стали слон, буйвол, жирафа, зебра, барабаны, маски, украшения. Цвета Африки - яркие, теплые, порой даже жаркие, - напоминают африканские пустыни и саванны. Это в первую очередь цвета пламени: оттенки красного, желтого, оранжевого, кирпичного, а также все оттенки коричневого: от песчаного, палевого и терракотового до цвета обугленного дерева. Контраст красного и черного. Оливковый и цвет топленого молока словно противостоят “обжигающим” солнечным и “жженым” оттенкам.

ЛУЧШИЕ РАБОТЫ В АФРИКАНСКОМ СТИЛЕ НА СТРАНИЦАХ ЖУРНАЛА Яркие, красочтые "тингатинга" - диковинные животные и птицы невообразимых цветов, растения и люди, пестрый орнамент, незамысловатый бытовой сюжет. стр.32-33

призовой фонд 10000 тенге Присылайте цветные фотографии разрешением 300 dpi

elena_panina66@mail.ru тема мой мир искусства

Филипп Фараут создает портреты в виде скульптур.

Скрипченко Людмила