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Mayo/ 28 / 2015
MILTON GLASER Ilustrador y diseñador muy prolífico Pag, 23
Neville Brody “El diseño digital es como la pintura. Salvo por que la pintura nunca se seca.Pag, 4”
David Carson David Carson ha sido considerado como un Dios del diseño, Pag.12
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Brody ganó mucha aclamación pública a través de sus ideas altamente innovadoras en la incorporación y la combinación de tipos de letra en el diseño.
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Neville es un artista que crea tendencia, sobretodo en la capacidad que tiene de innovar, es el caso de las revistas, en el que ha tenido un gran impacto en la comunicación visual. Brody es uno de los artistas más respetados de su generación gráfica. Durante los años sesenta, Brody estudió en London College, una institución que tiene la reputación de la pureza y en estricto apego a las soluciones comerciales orientadas a problemas de diseño. Por lo contrario los intereses en ese momento fueron los movimientos artísticos como el dadaísmo,el constructivismo y el futurismo, y más immediatamente el surgimiento del punk como catalizador para el sentimiento de exclusión y
la necesidad de auto-expresión sentida por sus contemporáneos. Avanzado a su tiempo, y sin mostrarse excesivamente sofisticado, rompió esquemas al enfrentarse a las viejas tradiciones. La retícula ya no era una ley y sus tipografías se permitían el lujo de condicionar la totalidad del diseño, un estilo que le consagró como director artístico de la revista The Face. Mito entre las publicaciones arties de los ochenta, en ella liberó gran parte de su potencial creativo, siendo Typeface Six su máxima expresión.
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NEVILLE BRODY E
s un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta. En 1981 se convirtió en director de arte de TheFace para la que diseñó TypefaceSix una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la new wave. TheFace, de la mano de Brody rompió con la tradición del di-
seño editorial respetuosa con la estructura reticular y los principios de funcionalidad. Brody comenzó a alterar las convenciones tipográficas usadas para la jerarquización de la información. Otras publicaciones en las que trabajó fueron Arena y City Limits. Podrían resumirse sus principales ideas como un rechazo a la concepción del diseño como solución de problemas. Hacia 1988 hizo del ordenador personal la principal herramienta de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas.
En 1994 se publicó la segunda monografía, Thegraphiclanguage of NevilleBrody II, que cubre su trabajo desde 1988.
rompiendo retículas “El diseño digital es como la pintura. Salvo por que la pintura nunca se seca.” Neville Brody
En los diseños de Neville Brody confluyen el constructivismo, el dadaísmo, el situacionismo y, por supuesto, el punk. Su forma de componer páginas para la revista The Face a base de dibujos, recortes, letraset y fotocopias recordaba mucho a los collages del artista soviético Aleksandr Ródchenko, anticipándose el diseño grunge y deslavazado de la década de los 90. Brody transformó la imagen de la revista The Face al tiempo que rompía con las normas de diseño, y más concretamente con la estructura reticular, que habían imperado durante el siglo XX por influencia de diseñadores y teóricos de la talla de Jan Tschichold o Beatrice Warde. El objetivo que se propuso a la hora de renovar la imagen de The Times, era darle una mayor claridad y fuerza y que a su vez los cambios pasasen desapercibidos para la mayor parte de los lectores. Para ello utilizó una nueva tipografía, un nuevo sistema de navegación y remodeló la mancheta.
Hemos difundido la idea de que eres lo que compras en vez de eres lo que expresas.
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ideas innovadoras Neville Se caracteriza por la libertad de experimentar a partir de su propio pensamiento, fue el caso de la música, dónde diseñó las fundas para discos de una manera que era una extensión de la música.
Fue su trabajo en revistas que establecieron firmemente su reputación como uno de los diseñadores gráficos más importantes del mundo. En particular, su contribución artística a la cara revolucionó por completo la forma en la que los diseñadores y los lectores se acercan a la media. Aunque Brody rechazó toda comercialización de su estilo gráfico, sus diseños únicos pronto se convirtieron en modelos mucho imitado para revistas, publicidad y gráficos orientados al consumidor de los años ochenta. Brody también ganó mucha aclamación pública a través de sus ideas altamente innovadoras en la incorporación y la combinación de tipos de letra en el diseño. Más tarde tomó un paso más allá y comenzó a diseñar sus propios tipos de letra, abriendo así el camino para el advenimiento de diseño de tipo digital. Su espíritu pionero en el campo de la tipografía se manifiesta hoy en proyectos como FUSE, una colección publicada regularmente de tipografías experimentales y carteles que desafía los límites entre la tipografía y el diseño gráfico. Mientras trabajaba para Arena (1987-1990) se embarcó en un curso completamente opuesto, utilizando la tipografía minimalista.
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el arte de la tipografia Martin Solomon La tipografía fue “el arte de producir mecánicamente letras, números, símbolos y formas con la ayuda del conocimiento de los elementos, los principios y los atributos esenciales del DISEÑO”.
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artin Solomon nació en Nueva York. Estudió Arte de la Comunicación en la Universidad Estatal de Nueva York y en el Instituto Pratt. Trabajó como director de arte en las agencias de publicidad más destacadas de su ciudad natal hasta fundar en 1960 su propio estudio de diseño. Autor del libro The Art of Typography, premiado con numerosas distinciones internacionales, Solomon ha dictado conferencias en todo el mundo (varias en Argentina y especialmente una que recordamos, en Rosario); escribió numerosos artículos para revistas, entre los que podemos destacar sus
aportes como colaborador de la prestigiosa Revista tipoGráfica. Falleció el 4 de mayo de 2006. Por su extraordinario trabajo tipográfico en el año del 2003 recibió el premio a la excelencia tipográfica, la medalla TDC (Type Director Club). Ejemplo de ello, es su libro más conocido “The Art of Typography” y sus logotipos diseñados para Hyundai, R.J. Reynolds Tobacco, Fisher Price, y los automóviles Volvo. Para Martin Solomón la tipografía fue “el arte de producir mecánicamente letras, números, símbolos y fomas con la ayuda del conocimiento de los elementos, los principios y los atributos esenciales del DISEÑO”.
La tipografía se atiende a las mismas reglas que el resto de las formas de expresión artísticas. Martin Solomón
Martin estudió comunicación artística en la Universidad Estatal de Nueva York y en el Instituto Pratt. A muy temprana edad fue director creativo de varias agencias hasta que lo fue de su propia firma Martin Solomon Company desde 1961. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido y exhibido ampliamente en todas las grandes esferas del mundo del diseño gráfico mundial. Se destacó por su labor docente en las más prestigiadas escuelas e instituciones de diseño en Nueva York y expuso su genial labor gráfica en innumerables congresos y reuniones de diseño. Por su extraordinario trabajo tipográfico en el año del 2003 recibió el premio a la excelencia tipográfica, la medalla TDC (Type Director Club). Ejemplo de ello, es su libro más conocido “The Art of Typography” y sus logotipos diseñados para Hyundai, R.J. Reynolds Tobacco, Fisher Price, y los automóviles Volvo.
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Carson diseñó la portada de la edición del verano de 2011 “El tiempo basada Arte” y el catálogo de The Portland Mercurio . Fue invitado juez los Premios Europeos de Diseño en Londres (DD + A) en 2010 y 2011.
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avid Carson ha sido considerado como un Dios del diseño por los jóvenes y las nuevas generaciones, pero también es visto como un traidor al diseño por los diseñadores mas conservadores, en cualquiera de los dos casos, Carson genera tensión, se podría decir que Carson es la izquierda del diseño, siempre polémico y alocado, divirtiendose siempre con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”, sin embargo, el sentido de las letras, el posicionamiento y la estructura de estas es también un arma retórica.
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El diseño sin reglas En el diseño gráfico, existen ciertas normas y reglas para un buen trabajo. tales como el encuadre, los colores, la simplificación de la forma, legibilidad. Pero siempre hay en la vida quienes dictan sus propias reglas.
David Ray Carson, un norteamericano nacido el 8 de septiembre de 1954, en la ciudad de Corpus Christi, estado de Texas. De aspecto tranquilo, pero de alma rebelde, paso muchos años de su infancia en su natal Texas, luego asistió a la Universidad Estatal de San Diego, así como Oregon College of Art de Comercio. El primer contacto real de Carson con el diseño gráfico fue realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos, impartido por Boelts Jackson. Más tarde, en 1983, Carson fue la enseñanza de la Sociología en la escuela secundaria del mar de California, donde además cultivó su pasión por el surf. Carson no tenía noción del diseño como tal, hasta que surgió un viaje a Suiza, donde asistió a un taller de tres semanas en el diseño gráfico como parte de su carrera. Aquí es donde conoció a su primera gran influencia, que también pasó a ser el profesor de este curso, Hans-Rudolf Lutz.
Carson se convirtió en el director artístico de la revista Transworld Skateboarding. Entre otras cosas, también se convirtió en un surfista profesional, y en 1989 Carson fue calificado como el noveno mejor surfista del mundo
Durante el período de 1982-1987, Carson trabajó como profesor en Torrey Pines High School en San Diego, California. En 1983, con sus primeras incursiones en el mundo del diseño, Carson comenzó a experimentar y se encontró inmerso en la cultura artística y bohemia del sur de California. A fines de 1980 había desarrollado su estilo característico, el uso de “sucio” de tipo y no convencionales técnicas fotográficas. Fue por esto que fue duramente criticado por los “catedraticos” del diseño, el diseño reglamentado o de “la vieja escuela” del diseño, calificando su trabajo como un absurdo, ilegíble y sin sentido de la coherencia. Si llevaramos el diseño a un hambito religioso, lo habrian quemado en la hoguera por sacrilego. Pero su trabajo sería apreciado y valorado mas temprano que tarde.
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estilo especifico.
Carson nunca se centró en lo que pensaban los demás ni de dónde encaja en o cuál era su estilo.
David Carson es en gran parte responsable de popularizar un estilo que era no convencionales. Comenzó su carrera haciendo lo que amaba se dedicó a sus diseños y poner trozos de sí mismo en cada diseño. Incluso cuando los críticos estaban contra él mantuvo fiel a su estilo específico. Con el tiempo esos mismos críticos comenzaron a complementar su trabajo y, finalmente, le consideran como el padre del grunge . Carson nunca se centró en lo que pensaban los demás ni de dónde encaja en o cuál era su estilo. Él Tenía diversión con todos sus diseños y se entregó sin límites. drían aprender
simplemente aprendió todo lo que pudo sobre los principios de diseño y saltó en su mente y creó. Tenía diversión con todos sus diseños y se entregó sin límites. Esto es algo que muchas próximos diseñadores podrían aprender de.te ser un profesor de secundaria en San Diego, California. A finales de los años ochenta, desarrolló un estilo de la firma usando la tipografía “sucia” y la fotografía no convencionales . Su carrera como surfista eventualmente lo llevó a convertirse en el director de la playa de la Cultura , una revista de surf. Con esta revista hizo un gran impacto en el mundo de la tipografía y el diseño. quibea voloressus vent ullic te doluptatem corissi dipsae.
Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y
no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo.
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El estilo de Carson Rem evellaut asimus quas prate commod qui tet audi ut Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional.
Su arte y los diseños pueden ser descritos como desordenado, saturado, intenso y pesado, que son por lo general en términos de que los diseñadores se quedan lejos de. A primera vista sus diseños parecen muy gráficamente intenso, pero en una inspección más el pensamiento se transmite si te das cuenta o no. Su uso del color, el tamaño, la ubicación y el tipo de pisada finamente en la línea entre la comprensión y el caos . Él realmente es el padre del diseño del grunge, y ha hecho un gran impacto en el mundo de la tipografía y el diseño al jugar con los tratamientos y conceptos que se consideraban tabú. Él abrió la puerta a este estilo y efectivamente le dio al mundo de la tipografía y el diseño de algo que era no mainsteam y delicioso.David Carson es en gran parte responsable de popularizar un estilo que era no convencionales.
Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra.
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s un diseñador y tipógrafo de Estocolmo, Suecia. Sus habilidades como dibujante son realmente increíbles. Vamos a poder aprecial como se llevan a cabo grandes proyectos empezando con bocetos a mano, creador de espléndios y festivos letterings con una sensación de rock, cerveza y elementos de diseño de billetes del siglo XIX con atrayentes curvas y angulos afilados que contrastan y crean una apariencia llamativa.
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EL DISEÑO TIPOGRÁFICO
El diseño tipográfico es considerado como la columna vertebral del diseño. Este se encarga de relacionar familias y tamaño de letras así como también los espacios entre ellas y sus interlineados y medidas. No solo tiene funcionalidad linguistica, sino que también representa de forma gráfica imagenes y formas. A continuación una selección de excelentes diseños tipográficos.
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El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes
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lustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros. Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía. Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de los años sesen-
ta. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color. En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También creó el logo de DC Comics.
El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.
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Milton Glaser es la personificación del diseño gráfico americano durante la segunda
Las computadoras son para diseñar, como los microondas para cocinar (Milton Glaser).
mitad del siglo XX. Todavía en activo, su presencia e impacto en la profesión a nivel internacional es incuestionable. Su carrera, inmensamente creativa y elocuente, muestra a un hombre moderno del renacimiento –una especie rara de diseñador/ilustrador/intelectual–, que nos acerca una
profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado todo ello con una gran riqueza del lenguaje visual. Un trabajo altamente inventivo y atemporal.Quid qui sin nes nonet laboria ndandit ditiaspit, omnis acearumet am ent re ipit adit voluptat. Met et veratur aliamus que volupta videbitas dolendio Milton Glaser fue cofundador de los revolucionarios Push Pin Studios en 1954 con Seymour Chwast. Años más tarde, en 1968 fundó con Clay Felker Felker New York Magazine, revista dedicada a los estilos de vida, cultura, política… y competidora de The New Yorker, donde Glaser fue presidente y diseñador hasta 1977.
obras que inmortalizan Carácter, integridad, eclecticismo y profundidad son algunos de los valores que han forjado la personalidad de un icono de la historia del diseño gráfico universal. Milton Glaser es un hombre del renacimiento moderno, un intelectual del diseño y la ilustración. Sus creaciones se caracterizan por tener un estilo conceptual moderado y armónico de gran inventiva y riqueza visual. Tranformó la ilustración en una nueva categoría publicitaria artística a pesar de que el trazo de sus primeras ilustraciones
Pe quis at harum res consed eos et endit labo. Met volorecae omnimpos dis mo torehendam everemp oreprem sum nim alisciet in nullectet facipsant, om
Glaser supo aprovechar este impulso creando como contrapartida una gráfica populista basada en antigüas tendencias artísticas (Renacimiento, Modernismo, Surrealismo o la alianza The Vienna Wekstatte) y otras más actuales como el cómic. Glaser ha destacado en el campo del diseño de posters y carteles publicitarios generando durante toda su carrera más de 400 piezas. El era algo torpe. En una épofamoso cartel de Bob Dylan ca en la que se estaba gesse ha convertido en un icono tando el nuevo movimiento de los años 60 artístico ‘Pop Art’, Milton
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Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sansserif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus
HERBERT BAYER
Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sansserif completamente en minúsculEn 1968 preparó la exposición del catálogo 50 años Bauhaus en Stuttgart. La colección de arte moderno del Museo de Arte de Denver ha recibido su nombre
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el artista de la Bauhaus Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sansserif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus
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erbert Bayer (Hagg, Austria, 1900 - Santa Bárbara, Estados Unidos, 1985) fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920.Stadelwand, 1936, Centro M. T. Abraham de Artes Visuales Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz. Tras dejar el taller se interesó por el
manifiesto Bauhaus de Walter Gropius. Tras estudiar durante cuatro años en la Escuela de la Bauhaus,1 con profesores como Wassily Kandinsky2 o LászlóMoholy-Nagy, Gropius nombró a Bayer director de impresión y publicidad. Herbert Bayer (Hagg, Austria, 1900 - Santa Bárbara, Estados Unidos, 1985) fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus.
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Los trabajos de Bayer aparecen en importantes colecciones privadas y públicas, incluyendo el MIT List Visual Arts Center.
estilo y trabajos En 1946, contratado por el industrialista y visionario Walter Paepcke, Bayer volvió a mudarse, esta vez a Aspen, en Colorado, donde Paepcke trataba de promocionar el esquí como deporte popular. En el ámbito arquitectónico, Bayer codiseñó el Aspen Institute y restauró la Wheeler Opera House; además, produjo carteles publicitarios que identificaban el esquí con el ingenio, la emoción y el glamour. Bayer estuvo asociado con Aspen hasta mediados de los años 1970. Entre 1946 y 1956 fue consejero artístico de la ContainerCorporation of America y desde 1966 de la AtlanthicRichfieldCompany. dsu “fonetikalfabet”, un alfabeto fonético para el inglés. Era sansserif y no tenía letras mayúsculas.
Cuando en agosto de 1938 Herbert Bayer consiguió por fin salir de Alemania y poner rumbo a Estados Unidos, hacía ya algunos años que todos sus amigos –la mayoría artistas como él–, se habían visto obligados a buscar refugio en otros países para escapar de la temible e implacable persecución nazi. Sin embargo, había una diferencia entre Bayer y sus
colegas. Mientras éstos habían sido objetivo de los nacionalsocialistas desde su ascenso al poder, el artista austríaco había trabajado durante diez años para quienes acabaron convirtiéndose en sus perseguidores. Herbert Bayer nació en Austria coincidiendo con el inicio del nuevo siglo, en el año 1900.
Influenciado por el minimalismo, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sansserif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus.
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s un fotógrafo milanés que revolucionó los anaqueles de la moda y reinventó las reglas de la publicidad no quiere saber nada de sus dos reencarnaciones anteriores, empeñado como está en reinventarse a sí mismo. Oliviero sigue siendo esencialmente el mismo que conocimos hace ocho años en Milán, cuando la polémica por aquella foto del moribundo de sida
viero scani Pero fue en 1983 cuando se estableció su gran compromiso con la fotografía publicitaria gracias a la firma Benetton. El primer objetivo encargado a Toscani por la casa italiana fue la de “crear una imagen de marca” y a eso ha dedicado gran parte de su inquietante y polémica labor profesional. Se inició en este momento una dura carrera contra la publicidad embellecida y maquillada en pro de la muestra de la realidad tal como es, como si de un espejo se tratara; sus vallas, sus inserciones, “venden” imagen a través del sufrimiento, el dolor, la enfermedad, los problemas de esta sociedad de la opulencia. Todo arranca en un
viaje a Gaza, a principios de los noventa, cuando se empeñó en mostrar los rostros de aquellos cuya existencia oculta el mundo entero. Desde los primeros años noventa, las campañas Benetton mezclaron géneros diversos: antirracismo, actualidad, anti-arquetipos, de forma que perturbaron el espacio publicitario con imágenes nunca utilizadas en este medio; este hecho provocó reacciones políticas y morales. Sus fotos funcionan como un inmenso periódico mural que cuestiona tabúes y miedos, que desencadena preguntas y debates inmediatos por la sola confrontación ante una imagen.
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Golpes visuales Imágenes que trascienden
Toscani es Benetton, esa marca italiana de ropa casual no seria nada en el mundo si no hubiese sido por las campañas de Toscani. Se hubiese quedado en una compañia italiana con un pequeño mercado exterior. Toscani la puso en el mundo, sus ventas se multiplicaron gracias a sus campañas novedosas, polémicas e impactantes. Esa ha sido la formula Toscani, imágenes impactantes sobre un fondo blanco que concentrasen la atención de los consumidores y de toda la prensa inter-
Ha golpeado visualmente a una sociedad conservadora acostumbrada a códigos publicitarios convencionales y ha hecho despertar a sus colegas de profesión que estaban dormidos en los despachos de las grandes agencias mirándose la barriga. Fue un innovador como Bert Stern, cambió la publicidad y aportó ideas nuevas y frescas que funcionaron en el ámbito económico de la marca para la cual trabajaba.
Su trabajo traspasa la mera fotografía publicitaria y sus fotografías se exponen en la Biennale de Venecia y en museos de arte contemporáneo de varias ciudades del
Las imágenes que capta Toscani , no son simples fotos, sino ruidos visuales que generan impacto.
“La fotografía es el auténtico arte moderno” . Oliviero Toscani “La fotografía es la memoria histórica de la humanidad”. La frase es del reconocido fotógrafo italiano Oliviero Toscani, quien ayer inauguró junto con Susan Mieselas, otra destacada compañera de profesión, la primera edición del OjodePez Photo Meeting. Este es un congreso de nueva creación que hasta el sábado abordará las nuevas facetas de la fotografía documental en La Virreina, con el objetivo de fomentar un debate alrededor del género, no solo entre profesionales,
sino también con la inclusión de aficionados. Para Oliviero Toscani, “la fotografía actual se encuentra en un momento de gran cambio gracias a las nuevas tecnologías”, pero, además, se mostró convencido de que “es el auténtico arte moderno”. Una contundente afirmación nada desdeñable para un fotógrafo responsable de campañas tan polémicas como la que mostraba a un enfermo moribundo.
A finales de los ’80 la mejor campaña que se hizo en este país fue la del Cuponazo ideada por José María De La Peña. Aquel spot fue innovador, fue una campaña de impacto que sacudió los esquemas aburridos de la época.
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norman rockwell Norman Percevel Rockwell (Nueva York, Estados Unidos, 3 de febrero de 1894 – Stockbridge, Massachusetts, Estados Unidos, 8 de noviembre de 1978) fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor.
Pintó su primer encargo de cuatro tarjetas de Navidad
obras que inmortalizan Su infancia fue feliz, viajando y pasando los veranos en Nueva Jersey junto con su familia. Desde pequeño dio muestras de un gran talento para el dibujo, comenzando con unos acorazados que gustaron mucho a los niños de su localidad. Alrededor de 1908 descubre que su verdadera vocación es, definitivamente, la ilustración, y por ello asiste todos los días desde ese año a las clases de arte de la Chase School en Manhattan. A los quince años, abandona definitivamente los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso, costumbre propia de muchos artistas del siglo XIX, a modo de aprendizaje.
En 1910, Rockwell se trasladó a la Art Students League, donde aprendió anatomía e ilustración, perfeccionando sus conocimientos previos, con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty. Sin embargo su carrera se verá para siempre inmortalizada portodas sus ilustrasiones
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Vida y obras de Rockwell Muy interesante para un viejo zoquete como yo para probar suerte en algo nuevo. Si yo no lo hago de vez en cuando, yo podr铆a convertirse en un f贸sil, ya sabes!
Dusam, nam estem quiam quam nus undiant uremquat lant volorum volumendus soluptus, sit aut mollorpos endiction exerum qui videnempor re doluptatint ditatecus eicabor renit pos enis eum net inis magnatu restiundi dolupta eum qui re porrovi tibeate
volorum quam ni is sitatur? Pedia et as alit lacernatque re, cum necus, quis vendiossi consequis nobistiis rest pa dolorpore sit alignat ionsersperae volecto rupici quaturemped mil ius, cuscid erita ducimagnim ne vollabore qui alit, odi deligni moluptis qui dolorrorum eati ut laccaeprepre laccae. Us nem faccatem qui dolorum fugiti aut esequas eaque prorum eostrum volorem ha-
Los ‘30s y los ‘40s se consideran las décadas más fructuosas de la carrera de Rockwell. En 1930 se casó con Maria Barstow, una maestra de escuela, y la pareja tuvo tres hijos: Jarvis, Thomas, y Peter. La familia se traslada por motivos de trabajo a Arlington, (Vermont) en 1939, y Rockwell comenzó, más constantemente, a reflejar la vida americana de la pequeña ciudad. Rockwell tuvo siempre una tortuosa relación con su arte, y sufrió ataques ocasionales de depresión. Se debatía en una continua duda de si lo que hacía era o no arte con mayúsculas. Y no lo tuvo fácil pues este arte de vanguardia despreció siempre la obra de Rockwell a la que consideraban puritana y en cierta forma un arte menor.
Considerado como el más famoso ilustrador popular de Norteamérica. Estudió en la escuela de arte, de Mamaroneck y en la academia nacional del diseño. Fue ilustrador de periódicos y revistas importantes, como
St. Nicholas, Collier’s, Life, Judge, Look, y Saturday Evening Post (1916-63). ilustró obras clásicas como Tom Sawyer y Huckleberry Finn de Mark Twain. Pintor de la cara amable de la sociedad norteamericana
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