Número 1 Junio 2017 Ejemplar gratuito
Influencias Te mostramos a los siguientes cuatro grandes ilustradores
Elsa Chang • Bambinomonkey • Hayao Miyazaki • Roy Lichtenstein
Encontrarás: • Ilustraciones • Biografías • Preguntas y respuestas • Curiosidades • Concurso • ¡Y mucho más!
Influencias
Sumario
Influencias nace para mostrarte la vida de 4 ilustradores. Son ilustradores que, o hicieron historia, o harán historia, o son altamente influyentes para mí. Sus trabajos son únicos e irreemplazables. ¡No te los puedes perder!
3
Elsa Chang
6
Bambinomonkey
10
Hayao Miyazaki
13
Roy Lichtenstein Influencias Nº1 Junio 2017 Dirección: Elena Wu Redacción: Elena Wu Maquetación: Elena Wu Tipografías utilizadas: Minion Pro y Sensations and Qualities Prohibida la reproducción por cualquier medio o soporte de los contenidos de esta publicación, en todo o en parte, sin permiso del editor. Las imágenes son propiedad de sus respectivos propietarios,y han sido utilizadas con fines informativos.
Página 2
Influencias
Elsa Chang
Joven promesa: Elsa Chang
Te mostramos algunos de sus trabajos y su metodología de trabajo Elsa Chang nació en Taipei, Taiwan, pero ha vivido en Estados Unidos desde el primer año de edad. Comenzó a dibujar a los 3 años. Asistió a clases de arte desde los 6 hasta los 13. Se graduó en Art Center College of Design y empezó a hacer trabajos como autónoma con varios estudios, incluyendo Disney Interactive y Disney Publishing. Su primer empleo fue en el departamento de desarrollo visual en Walt Disney Animation Studios. Después fue diseñadora de personajes en Sony Animation, Paramount Animation, Nickelodeon y actualmente trabaja para Dreamworks TV Animation.
El primer empleo de Elsa
Walt Disney Animation Studios, es un estudio cinematográfico de animación, con sede en Burbank, Estados Unidos, que produce largometrajes, cortometrajes y especiales de televisión para The Walt Disney Company. Fundada el 16 de octubre de 1923 por Walt Disney,1 es una división de The Walt Disney Studios. Ha realizado 56 películas, Blancanieves y los siete enanitos (1937) fue la primera y Moana (2016) la más reciente. Originalmente establecido como Disney Brothers Cartoon Studio en 1923 e incorporado como Walt Disney Productions en 1929, el estudio, en sus inicios, se dedicó exclusivamente a producir cortometrajes. En 1983, Walt Disney Productions nombró como Walt Disney Pictures a su estudio dedicado a las películas de imagen real. No obstante, durante una reestructuración corporativa tres años después, Walt Disney Productions fue renombrado como The Walt Disney Company y su división animada, renombrada como Walt Disney Feature Animation, se convirtió en subsidiaria de su división cinematográfica, The Walt Disney Studios. En 2006, Walt Disney Feature Animation tomó su nombre actual, Walt Disney Animation Studios, tras la adquisición de Pixar Animation Studios ese mismo año. Durante mucho tiempo, fue reconocido como el estudio de animación principal de los Estados Unidos; desarrolló diversas técnicas, conceptos y principios que se convirtieron en normas de la animación tradicional. También fue precursor del arte del guion gráfico, que es ahora una técnica ampliamente utilizada en la producción de cine animado y de imagen real. Su listado de largometrajes es uno de los activos más destacados de Disney y las estrellas de sus cortometrajes —Mickey Mouse, el Pato Donald, Goofy y Pluto entre otros— se han convertido en figuras reconocidas en la cultura popular y en mascotas de The Walt Disney Company. En la actualidad, el estudio está dirigido por Edwin Catmull y John Lasseter (que también dirigen Pixar) y continúa produciendo películas, tanto por técnicas tradicionales, como por animación digital. Fuente: Wikipedia
Arriba, Good Morning. Abajo, Space Unicorn and Space Cat!, de Elsa Chang.
Página 3
Influencias
Elsa Chang
¿Qué proceso sigue Elsa Chang para realizar sus ilustraciones?
1 2
3
5 4
Página 4
1
Empieza por un boceto sucio.
2
Debajo de la capa del boceto, hace zoom y cuidadosamente pinta en capas diferentes. Usualmente usa pinceles, otras usa la herramienta Lazo.
3
Oculta la capa del boceto y activo el bloqueo de transparencia en todas las capas de color.
4
Empieza a darle luces y sombras, añado texturas, ajusto colores. Todo en sus capas separadas.
5
Da los últimos retoques, ¡y listos!
Influencias
Elsa Chang
Influencias
¿Cómo es un día típico de trabajo en DreamWorks TV Animation? Me siento con mi supervisor y coordinador de diseño de personajes y nos adentramos con la información para el espisodio que esté trabajando durante esa semana. Buscamos poses especiales y extremas para la animática del storyboard, y ellos me indican qué escenas debo trabajar. Entonces, me voy a mi escritorio, me pongo los auriculares y me pongo a trabajar.
Diseños de personajes de Elsa Chang.
Interés personal
¿Cuál es el proceso que sigues mientras ejecutas cualquier poroyecto y cuáles son las herramientas que usas? La primera cosa en la que pienso antes de dibujar un personaje es qué personalidad y qué descripciones tiene, en caso de tenerlas. Entonces pienso en formas y cómo lo quiero contrastar con los otros personajes. Trabajo con un Cintiq HD 22 y Photoshop CS6.
El diseño de personajes siempre ha sido una de mis pasiones. El poder crear algo único, con su propia personalidad, y que pueda formar parte de algo tan importante como el protagonista de un videojuego o una película.
¿Qué mensaje te gustaría dar a astirantes de animación? Seguir dibujando e intentar aprender cada día. Hacer bocetos de gente en los cafés, o en cualquier sitio donde te encuentres sentado con otros extraños. Aprender anatomía humana y animal, los animales a cuatro patas suelen ser difíciles. Informarse sobre pájaros, mamíferos terrestres y animales acuáticos. Es muy importante aprender sobre los gestos humanos para mejorar en simplicidad de formas, anatomía y poses.
He diseñado este personaje siguiendo un poco la estética cartoon de Elsa Chang.
Página 5
Influencias
Bambinomonkey
Ignacio Fernández Maroto, también conocido como BambinoMonkey, es ilustrador y di-
rector de arte especializado en diseño de personajes. Estudió ilustración en la Escuela Número Diez de Madrid. Dio sus primeros pasos profesionales como caricaturista en eventos y dibujando cómics para la editorial MegaMultimedia. Lleva 15 años trabajando en el mundo de la animación y la publicidad, primero en Zinkia Entertainment, y después como freelance para numerosas empresas del sector (Turner/Cartoon Network España, Canal +, Santillana…). Estudios norteamericanos como Psyop, Blind o Elastic cuentan habitualmente con sus servicios de concept designer con una marcada estética cartoon. Recientemente ha colaborado con Sony Animation en uno de sus próximos largometrajes.
Así se define a sí mismo: Nací en 1979 en una familia de elegantes lobos de plastilina. Pronto, dos viejas me enseñarían el arte ninja de punto para el dibujo de puntos. Cuando yo era finalmente capaz de salir a la calle me hice amigo de un mono, una chica tatuada, un robot con un bigote y una patata gigante. A partir de ese momento no fui capaz de dibujar nada más…
Ruta de otoño, de Bambinomonkey.
Página 6
Influencias
Bambinomonkey
¿Te gustaría saber más? Te contamos un poco sobre algunas de las empresas para las cuales trabajó Bambinomonkey Zinkia Entertainment es una compañía es-
Sony Pictures Animation
es una empresa estadounidense dedicada a producir películas animadas por ordenador. Es propiedad de Sony Pictures Entertainment que a su vez pertenece al conglomerado Sony. Fundada en mayo de 2002 en Culver City, California, donde se ubica su sede central. Esta empresa trabaja de la mano con Sony Pictures Imageworks, empresa que supervisa la producción digital y los activos de entretenimiento en línea de Sony Pictures Entertainment. En 2001, Sony Pictures Entertainment considera la venta de su planta de efectos visuales Sony Pictures Imageworks (SPI), después de no poder encontrar un comprador adecuado, y de haber quedado impresionado con las imágenes creadas en Stuart Little 2 , y viendo el éxito de taquilla de Shrek y Monsters Inc. , Sony Pictures Imageworks fue mejorada para convertirse en un estudio de animación. Astro Boy , que tuvo desarrollo en Sony desde 1997 como película de acción en vivo, iba a ser la primera de este estudio hecha totalmente por gráficos de computadora.2 En mayo de 2002, Sony Pictures Animation se creó para desarrollar personajes, historias y películas, con SPI haciéndose cargo de la producción digital,3 manteniendo su producción de efectos visuales.4 Su primer largometraje Open Season fue lanzado el 29 de septiembre de 2006. La Película de mayor éxito financiero hasta la Psyop es una compañía de producción comercial ganadora de Emmy [1] con oficinas en fecha es Los Pitufos. Nueva York y Los Ángeles. Psyop se especializa Sony Pictures Animation está trabajando actualmente en Los en la integración de animación, efectos visuales Pitufos 3 (2017), The Emoji Movie (2017), The Star (2017), Peter Rabbit (2018), Hotel Transylvania 3 (2018), Goosebumps 2 y producción de acción en directo para publicidad, entretenimiento, videojuegos y realidad (2018), The Animated Spider-Man Movie (2018), , Cloudy with a Chance of Meatballs 3 (2019), y Vivo (2020). virtual. Psyop fue fundada en 2000 por Marco Spier, Marie Hyon, Todd Mueller, Kylie Matulick y Eben Mears en la ciudad Fuente: Wikipedia de Nueva York. Con oficinas en NYC y LA, Psyop también fundó la compañía de producción Blacklist. En 2015, Psyop lanzó su primera serie animada en curso, “Los gatos de la abuela están intentando matarla !”, En colaboración con DreamWorks Animation . [4] La serie fue renovada para una segunda temporada en 2016. En 2016, Psyop lanzó su primera experiencia interactiva original de VR, “Kismet”, una máquina virtual que dice fortuna para los auriculares HTC Vive , Oculus Rift y Playstation VR . pañola fundada en el año 2001 por David Cantolla, Colman López y José María Castillejo. Sus trabajo consiste en crear series de animación para televisión, películas para cine, juegos y todo tipo de entretenimiento interactivo tanto para teléfonos móviles, y para consolas u ordenador. La compañía tiene más de 100 empleados y tanto sus series como sus desarrollos interactivos actualmente se distribuyen en más de 150 países en el mundo. Zinkia es tanto creadora, como productora y distribuidora de sus contenidos. En junio de 2006, la serie Pocoyó, tras obtener galardones en España e Italia como «mejor serie de animación para televisión», obtuvo el galardón de la 30th Annecy International Animated Film Festival como mejor serie animada, y esta misma serie obtuvo en diciembre de 2006 el Premio Bafta a mejor serie de animación en el Reino Unido. Actualmente, además de las series que tienen en explotación, Zinkia está desarrollando nuevas propiedades para ser desarrolladas como series de televisión, una película para cine y nuevos juegos para su explotación a nivel internacional.
Página 7
Influencias
Bambinomonkey
Termal couple, de Bambinomonkey.
Piloto espacial, de Bambinomonkey.
Pรกgina 8
Influencias
Bambinomonkey
Interés personal
Me gusta el estilo de Bambinomonkey. Sus obras están realizadas mayoritariamente con vectores. Son piezas sencillas, con colores normalmente planos y muy agradables. No suele contener líneas de contorno. Normalmente dibuja animales personificados. Sus ilutraciones son perfectas para temáticas infantiles. Diga patata, de Bambinomonkey.
He diseñado este fondo siguiendo el estilo de Bambinomonkey: Vectores, sin líneas de contorno, estilo minimalista y colores agradables.
Página 9
Influencias
Hayao Miyazaki
Hayao Miyazaki quiere volver a dirigir un largometraje La obra se titularía “Boro la oruga” y estaría completada en 2019
El maestro de la animación nipona, Hayao Miyazaki, autor de clásicos como Mi vecino Totoro, Porco Rosso o éxitos como Ponyo en el acantilado, ha reconocido que quiere volver a dirigir un largometraje, empleando además tecnología digital, pese a haber anunciado oficialmente su retirada hace ya más de tres años. El cineasta, de 75 años y ganador de un Oscar honorífico, indicó esta posibilidad durante un programa especial emitido por la cadena pública japonesa NHK en la noche del Aún no se domingo. El documental lo he dicho a mi mujer. Pero se centró en acompañar a Miyazaki durante toda una vez lo la producción de Kemushaga soy cons- hi no Boro (en español, ciente de que Boro la oruga), un cortopuedo morir metraje que ha dirigido a mitad de para el museo de Studio camino Ghibli en Tokio y en el que ha elaborado por primera vez dibujos con el uso de herramientas digitales. El plan sería hacer de Boro la oruga un largometraje que estaría completado en 2019, según refleja el memorando que Miyazaki le ha presentado al productor de Ghibli Toshio Suzuki. “Aún no se lo he dicho a mi mujer. Pero una vez lo haga soy consciente de que puedo morir a mitad de camino de terminar el largometraje. Pero tengo el convencimiento firme de hacerlo”, declaró Miyazaki en el documental. “Es mejor morir mientras estoy en ello, que morir sin hacerlo”, le explicó además a Suzuki. El cineasta admitió también en el documental que durante la producción del corto ha pasado de verse a sí mismo como “un viejo jubilado” a
Pá-
“sentir que resucitaba” mientras dibujaba con una “tablet” y trabajaba con los miembros más jóvenes de Ghibli. “Boro la oruga ha sido una lucha para Miya-san (Miyazaki). Se ha alegrado a veces y se ha desesperado otras tantas. Hayao Miyazaki es el tipo de persona que va producir películas hasta su muerte. Y Ghibli seguirá mientras Miya-san produzca películas”, explicó por su parte Suzuki, de 68 años. Miyazaki y Suzuki, fundaron en 1985 Studio Ghibli junto al también director Isao Takahata y al editor y productor Yasuyoshi Tokuma. La productora tokiota se convirtió con el tiempo en el estudio de animación más respetado del país, especialmente gracias al éxito de público y crítica de películas dirigidas por Miyazaki como La princesa Mononoke (1997) o El viaje de Chihiro (2001), ganadora del Oscar a mejor cinta de animación. El futuro de Ghibli se sigue con especial atención después de que en septiembre de 2013 Miyazaki anunciara que se retiraba y que no dirigiría más largometrajes.
El popular personaje Totoro.
Influencias
Hayao Miyazaki
Nos adentramos con detalle en la vida del director japonés
Hayao Miyazaki nació en Tokio el 5 de enero de 1941. Su padre dirigía un negocio que fabricaba timones para un avión de guerra, por lo que desde muy pequeño Miyazaki desarrolló una gran fascinación tanto por la aviación como por la literatura bélica, algo que más tarde reflejaría en sus películas a través de la inclusión de toda clase de artefactos voladores y su pacifismo. Por otro lado, su madre, una mujer fuerte por la que sentía una gran admiración, influiría decisivamente en una de la señas de identidad de su cine: las mujeres resolutivas y de gran temperamento, una rareza para la cultura nipona. Fuera del ámbito familiar, su principal referencia fue Osamu Tezuka, “el padre del manga”, por el que el joven Miyazaki se aficionó a dibujar. A pesar de sus dotes artísticas, Hayao estudió Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Gakushuin (Tokio), años durante los que leyó a muchos autores occidentales que marcarían su forma de narrar historias. Al finalizar su etapa universitaria entró como intercalador (encargado de dibujos entre movimientos) en Toei Doga, por aquel entonces una recién creada empresa de animación. Poco a poco fue adquiriendo puestos de mayor responsabilidad dentro de la misma, en la que conoció a Isao Takahata, que se convertiría en uno de sus principales colaboradores. Tras su paso por Toei Doga, y ya como animador experimentado, pasó a formar parte de la plantilla de Nippon Animation, compañía responsable de series míticas como Heidi, Marco o Conan, el chico del futuro, esta última la primera serie que dirige Miyazaki en 1978. Un año después, ahora en una nueva empresa llamada Tokio Movie Shinsha, dirige
su primera película Lupin III: El castillo de Cagliostro, además de algunos episodios de la serie Sherlock Holmes, la última en la que ha colaborado hasta el momento. Después de varios años inmerso en un arduo proceso de lluvia de ideas que servirán de base a muchos de sus proyectos posteriores, y ante la imposibilidad de realizar un largometraje personal de manera independiente, recibe el encargo por parte de la revista Animage de realizar con total libertad creativa un manga que más tarde él mismo adaptará a la gran pantalla en la que será su primera película “como autor”: Nausicaä del Valle del Viento (1984), producida en asociación entre Tokuma Shoten y Topcraft Studio, este último compuesto principalmente de los que serán meses después los trabajadores de Studio Ghibli, fundado en junio de 1985 por Miyazaki y Takahata. Dentro de Studio Ghibli, donde poseerá libertad de movimientos, Miyazaki se embarcará en la dirección y el guion de títulos como El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988), Nicky, la aprendiz de bruja (1989), Porco Rosso (1992) o La princesa Mononoke (1997), su proyecto más ambicioso, que supuso su consagración como maestro de la animación japonesa pero cuyo esfuerzo estuvo a punto de retirarle del cine. Tras este punto de inflexión, Miyazaki volvería con fuerzas renovadas y en plena madurez como creador para elaborar el tramo más brillante de su carrera con películas como El viaje de Chihiro (Óscar a la mejor película de animación 2002), El castillo ambulante (2004) o Ponyo en el acantilado (2008), intercaladas todas ellas de labores de producción o guion en títulos menores de Studio Ghibli. Su última película es El viento se levanta (2013), basada libremente en la novela del mismo nombre escrita por Tatsuo Hori, y la vida de Jir? Horikoshi, ingeniero creador del célebre caza de combate Mitsubishi A6M Zero que Japón utilizó en la II Guerra Mundial. Su primer largometraje cinematográfico fue “El Castillo De Cagliostro” (1979), producción de aventuras de Tokyo Movie Shinsha que llevaba a la gran pantalla el personaje de Lupín, descendiente del Arsene Lupín de Maurice Leblanc que fue creado para un manga por Kazuhito Kato. Su segundo largometraje fue “Nausicaa Del Valle Del Viento” (1984), una historia de ambiente post-apocalíptico que contiene parte de las claves temáticas de su autor, como son el humanismo, la preocupación por el medio ambiente, los hechos iniciáticos o el protagonismo de personajes femeninos con personalidad en aventuras de carácter fantástico con tonos oníricos, mágicos y alegóricos y sentimentales. miyazaki-chihiroEn principio, Miyazaki rechazaba el uso de CGI, optando por el dibujo tradicional, pero con el paso de su carrera ha utilizado la imaginería digital.
Página
Influencias
Hayao Miyazaki
Filmografía 1979 1984
El castillo de Cagliostro
Nausicaa del Valle del Viento En el año 1985 creó el estudio Ghibli con Isao Takahata y en 1986 estrenó “La Fortaleza Celeste”. Más tarde filmó “Mi Vecino Tororo” (1988), “Nicky, La Aprendiz De Bruja” (1989) y “Porco Rosso” (1992). Aunque celebrado en su país, el imaginativo arte de Miyazaki no llegó al gran público hasta el estreno de “La Princesa Mononoke” (1997), una película con excelente recibimiento crítico en los Estados Unidos, hecho que propulsó su lanzamiento definitivo internacional. A partir de ese momento, los largometrajes de animación de Hiyao Miyazaki fueron acogidos con entusiasmo en Occidente, en especial “El Viaje De Chihiro” (2001), un film que ganó el premio Oscar a la mejor película de animación. En “El Castillo Ambulante” (2004), película basada en una novela de Diana Wynne Jones, se narra el vínculo entre una joven llamada Sophie y un mago de nombre Howl. La primera es convertida en anciana por una bruja y ambos intentan revertir el hechizo. “Ponyo En El Acantilado”(2008) cuenta la relación entre Sosuke y Ponyo, un pez de colores que desea convertirse en humano.
1986 La fortaleza Celeste
1989 La aprendiza de bruja
Interés personal
En mi adolescencia vi muchas películas de Hayao Miyazaki, y me han marcado mucho. El estilo de dibujo, las historias... Cada película te sumerge en un mundo único e increíble.
Página 12
Mi vecino Totoro
1992
Porco Rosso
1997 La princesa Mononoke 2001
El viaje de Chihiro
2004 El castillo Ambulante
2008 Ponyo en el alcantilado
En “El Viento Se Levanta” (2013) biografió a Jiro Horikoshi, ingeniero aeronáutico que creó cazas para el ejército japonés en la Segunda Guerra Mundial. Fuente: Wikipedia
1988
2013 El viento se levanta
He hecho esta ilustración basándome en el personaje Totoro.
Influencias
Roy Lichtenstein
Lichtenstein: El rey del Pop Art
Te contamos la vida del artista más importante del mundo del Pop Art Roy Fox Lichtenstein nace el 27 de octubre de 1923. La familia vive en la Upper West Side, en la calle 86 Oeste, donde Lichtenstein crece junto a su hermana, Renée, cuatro años menor. Durante su juventud, Lichtenstein desarrolla un gran interés por el dibujo y pasa mucho tiempo dibujando y construyendo maquetas de aviones. Entre sus programas de radio favoritos de aquellos años están Flash Gordon y Mandrake el mago. A los trece años, Lichtenstein ingresa en un colegio privado para chicos cercano a su casa, la Escuela Franklin. Durante el ciclo de secundaria, Lichtenstein se apasiona por el jazz y crea, junto a otros estudiantes, un pequeño grupo de música en el que toca el clarinete, la flauta y el piano. Entre sus obras de esta etapa estudiantil se encuentran estudios de músicos de jazz inspirados en los artistas a los que había escuchado en los clubs infames de los alrededores de la calle 52 Este. Encuentra también inspiración para otra serie de dibujos en el musical Porgy & Bess de George Gershwin. En el otoño de 1940 comienza sus estudios en la Universidad de Ohio, en Columbus. Sus obras de este período incluyen retratos y naturalezas muertas en la línea de Picasso y Braque. En una asignatura de escultura emplea un horno eléctrico de fabricación casera para crear piezas con formas animales en cerámica y esmalte vitrificado. En 1942 Lichtenstein se apunta a un curso del profesor Hoyt L. Sherman titulado Dibujar mirando, en el que los estudiantes, sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos colocados o suspendidos en medio de una habitación, iluminados durante un solo segundo por un fogonazo de luz. A partir de ese momento, las teorías de Sherman sobre la “percepción organizada” o la unidad visual y perceptiva constituyen la base del trabajo de Lichtenstein.
En febrero de 1943 Lichtenstein es reclutado por el ejército de Estados Unidos y abandona la Universidad de Ohio para incorporarse a filas. Posteriormente trabaja como oficinista y dibujante, agrandando para su oficial viñetas del periódico del ejército Stars & Stripes (Estrellas y Barras). En marzo de 1946 Lichtenstein regresa a la Universidad de Ohio y en junio termina la licenciatura en Bellas Artes. Entre sus trabajos de esta época se encuentran unas esculturas de estilo precolombino, algunas talladas en piedra y otras realizadas en terracota o cerámica.
¿
¿Qué es el Pop Art?
El Pop Art fue un movimiento que surgió a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la temática. Fuente: Arteespana.com
Influencias
Roy Lichtenstein
A comienzos de 1952, Lichtenstein se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones traviesas y rotundamente trazadas de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo destacado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos. Como es frecuente en Lichtenstein, el pintor los representa utilizando una gran variedad de técnicas — óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a partir de grabados de madera y de lino. En el otoño de 1957, Lichtenstein acepta un puesto como profesor asistente en la State University of New York en Oswego, en la parte norte del estado de Nueva York. Su obra se vuelve más abstracta y expresionista. Ya en 1958 se pueden descifrar imágenes de Mickey Mouse, el Pato Donald y Bugs Bunny ocultas en algunos de sus trabajos. Otros puede que se usaran como cortinas de teatro y se destruyeran. Sus cuadros abstractos, luminosos y muy empastados, se exhiben en la Riley Gallery de Nueva York en junio de 1959. M-Maybe (1965), popular obra de Lichtenstein.
En 1960, Lichtenstein deja su puesto docente en Oswego para incorporarse como profesor asistente de Arte en el Douglass College, el college de chicas de la Rutgers State University of New Jersey en New Brunswick, Nueva Jersey, no muy lejos de la ciudad de Nueva York. En Rutgers conoce a Allan Kaprow, que le presenta a Claes Oldenburg, Lucas Samaras, George Segal, Robert Watts, Robert Whitman y a otros artistas implicados en la escena artística de los llamados Happenings. A principios del verano de 1961, Lichtenstein pinta Look Mickey, su primer trabajo clásico con una viñeta, en el que emplea un efecto de media tonalidad con los puntos Benday que obtiene sumergiendo un pincel de pelo de perro en pintura de óleo. Ese mismo año, Lichtenstein empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Benday en los lienzos en los que representa viñetas y la imaginería de productos de consumo. Ese otoño Leo Castelli acepta representar las obras de Lichtenstein y las ventas pronto se disparan. En febrero de 1962, Leo Castelli exhibe los cuadros de Lichtenstein en una exposición monográfica de obras basadas en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones por todo el país. Al año siguiente pide una excedencia en Douglass, se separa de nuevo de Isabel y traslada su domicilio y su estudio a la calle 26 Oeste, donde comienza una serie sobre mujeres de seriales televisivos y motivos bélicos de la Segunda Guerra Mundial que había encontrado en las páginas de D. C. Comics. Con un proyector opaco amplía en sus lienzos los bocetos realizados con lápices de colores y comienza a usar una pintura acrílica de secado rápido soluble en aguarrás llamada Magna para las grandes superficies de sus lienzos, pero, dado que ésta se seca demasiado rápido, sigue pintando los puntos Benday con óleo, usando para ello unas pantallas de metal perforadas que adquiere en tiendas. En 1964, Lichtenstein retoma las imágenes inventadas con una serie de paisajes de horizonte compuestos principalmente de puntos Benday. Su tercera exposición en Castelli, en octubre de ese año, muestra una serie de piezas para pared realizadas en esmalte, que consistían en paisajes e imágenes de tebeos junto a
Página 14
esculturas que semejaban fuertes explosiones de esmalte puestas en pie. El primer mural de Lichtenstein fue instalado en la Exposición Universal de 1964. En 1965, separado de Isabel (se divorciarán oficialmente en 1967), se traslada a la tercera planta de un antiguo banco alemán en el Bowery neoyorquino. Allí comienza una serie con cabezas realizadas en cerámica y con platos y tazas apilados. Al mismo tiempo, pinta grandes óleos a base de gigantescas pinceladas que cruzan el lienzo. Al año siguiente, crea paisajes terrestres y marinas utilizando materiales industriales como plexiglás, metal, motores, lámparas y un plástico multi-lente llamado Rowlux, que produce un efecto de resplandor. En 1967 comienza su serie sobre pintura moderna inspirada en los motivos Art Déco del Radio City Music Hall del Rockefeller Center en Manhattan e introduce en su trabajo el efecto de graduación de los puntos Benday. Ese otoño crea su primera serie de esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco. Poco después llegarán las pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños. En 1969 inspirado por las series de cuadros de Claude Monet, Lichtenstein introduce el tema de los almiares y de la catedral de Rouen vista a distintas horas del día. Este tema propicia su vuelta a los grabados sencillos y es el origen de su colaboración a largo plazo con Gemini G.E.L. en California. También realiza su primera y última película para el programa Arte y Tecnología del Los Ángeles County Museum of Art. Espejos y entablamentos son centrales en sus trabajos de 1970. Al año siguiente, Lichtenstein deja Manhattan y decide irse a vivir y trabajar a Southampton, en la punta este de Long Island. Lichtenstein toma prestados algunos temas de maestros modernos y pasa los años siguientes creando naturalezas muertas que sintetizan su estilo propio y el de los maestros. También empieza a experimentar con nuevos colores y texturas en sus cuadros. Las esculturas a gran escala y pintadas de lámparas iluminadas, cántaros encima de mesas y humeantes tazas de café incorporan el bronce a su repertorio de materiales en 1977. Al año siguiente Lichtenstein reintroduce la temática de los indios americanos. Al final de la década, sus bocetos de Naturalezas muertas, Cabezas y Paisajes han recorrido todo el espectro estilístico, desde el cubismo al surrealismo y al expresionismo alemán. En los ochenta, Lichtenstein decide reinstalar su estudio en Manhattan, primero en la calle 29 Este y más tarde en un edificio que compra en el Meatpacking district del Greenwich Village, en el este de Manhattan. Se centra entonces en las líneas del estilo abstracto. En su indagación del expresionismo abstracto yuxtapone pinceladas desestructuradas junto a réplicas firmadas de sus pinceladas. Algunos años después, a principios de 1985, la abstracción geométrica es objeto de una atención semejante en sus series Perfecto, Imperfecto y Plus y Minus. Al final de la década, la reflexión es el tema predominante en su trabajo. Lichtenstein reconfigura algunos de los motivos, unos icónicos y otros menos conocidos, de su repertorio Pop con un formato de composición nuevo y audaz. En los noventa, las siguientes series de Lichtenstein muestran colosales vistas interiores de casas sacadas de los pequeños anuncios de las páginas amarillas. A estas obras les suceden, a mediados de la década, unos desnudos retozantes. Estos años también coinciden con la finalización de una serie de proyectos escultóricos y pictóricos a gran escala que le habían sido encargados desde los sectores público y privado. En los noventa, el trabajo y las indagaciones de Lichtenstein sobre el ilusionismo, la abstracción, la serialización, la estilización y apropiación siguen presentes en todos los medios. Como pintor, escultor y grabador recibe numerosos premios internacionales y distinciones académicas de varias universidades. La Medalla Nacional de la Artes le es concedida en 1995. En el momento de su muerte, en 1997, a los 73 años, estaba empezando a investigar una nueva realidad fabricada, los llamados “cuadros virtuales”.
Influencias
Roy Lichtenstein
? a t e s i m a c a c sti á t n a f a t s e r es gana
¿Quier En septiembre de ese mismo año Lichtenstein acepta un puesto como profesor de arte en la OSU. Entre las clases que imparte está el curso Design 423, en el que emplea un “Flash Lab” (laboratorio de flash) similar al de Sherman. En estas clases pide a los alumnos que dibujen sobre papel de periódico, utilizando grandes bloques de carboncillo o ceras, objetos iluminados fugazmente . En enero de 1947 ingresa en el programa de estudios superiores de esta misma universidad. Al año siguiente Lichtenstein forma parte de una exposición colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una cooperativa de artistas donde conoce a la que será su futura esposa, Isabel Wilson, la asistente de la galería. Allí expone cuadros de músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas formas biomórficas bien delineadas, que plasman el estilo caprichoso e infantil de Paul Klee. Un año después, sus retratos tipo son sustituidos por sujetos inspirados en cuentos de hadas a los que rodea de una selección de flora y fauna surrealista. En agosto de 1949, Lichtenstein participa en una exposición colectiva en la Chinese Gallery de Nueva York, galería que expone con frecuencia los trabajos del grupo de artistas abstractos norteamericanos además de piezas clásicas de arte chino.
Para los fans de Lichtenstein, estáis de suerte. ¡Sorteamos 50 camisetas! Es muy fácil participar. ¡Tan sólo tienes que seguirnos en Twitter, y entrarás automáticamente en el sorteo! @revista_influencias
En su primera exposición en solitario en Nueva York, en abril de 1951 en la Carlebach Gallery, se exhiben, junto a sus cuadros, totems tallados en madera y divertidos ensamblajes de reyes, caballos y guerreros fabricados con metal y piezas encontradas como tuercas y brocas. En junio finaliza su contrato con la OSU, y se traslada con su familia a Cleveland, donde Isabel puede desarrollar su trabajo como exitosa decoradora de interiores y Lichtenstein realiza una serie de trabajos ad hoc relacionados con la ingeniería comercial y el dibujo. Fuente: Wikipedia
Interés personal
La fuerte línea de contorno me llama mucho la atención. Sumada a colores vivos y cálidos, y el cacaterístico patrón de puntos, ha sido algo que siempre me ha parecido curioso.
He hecho esta ilustración basándome en el Pop Art, a pesar de que no incluyo líneas de contorno ni patrón de puntos.
Página 15
ยกNo te pierdas Influencias del mes de Julio! ยกTe volveremos a traer mรกs ilustradores y concursos geniales!