ÍNDICE
L U J O
C O N
I N T E L I G E N C I A
EDICIÓN N° 4 JUNIO / SEPTIEMBRE DE 2009
PUBLISHER / DIRECTOR
Juan Fernández ASESOR GRÁFICO
Darío Forero
DIRECTOR DE ARTE
Pablo Barreto
EDITORA DE FOTOGRAFÍA
Mónica Barreneche COLABORADORES PERMANENTES
Andrés Ramírez (En la cima) Catalina Gómez (Lugares) Kaveh Kazemi (Lugares) Rossana Rueda (Placeres) Felipe Espinosa (Alta Moda) Carlos Ferreirinha (El camino del lujo) COLABORADORES EN ESTA EDICIÓN
Hugo Sabogal, Stefania Saviolo, Carlos Vasconcellos, Liliana López. FOTOGRAFÍAS
David Rugeles, Mónica Barreneche, Diego Tosoni, Germán Prieto, Kaveh Kazemi, Mark Tomaras. FOTO PORTADA
Cortesía Foster and Partners Carolyn Djanogly CORRECCIÓN DE ESTILO
Edwin B. Rivera G. Marta Sotomayor. PREPRENSA
Producción El Espectador IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA
PRESIDENTE
Gonzalo Córdoba M. DIRECTOR
Fidel Cano C. VICEPRESIDENTE EJECUTIVO
Eduardo Garcés
GERENTE DE REVISTAS
Elva Lucía Daza
GERENTE DE PRODUCCIÓN
Fabio Chica
© Comunican S.A. 2008. Todos los derechos reservados. Avenida El Dorado N°69-76. Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotá, D.C., Colombia. ISSN 2027-1247
FOTO
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La galerista del bajo Manhattan
MÓNICA BARRENECHE
pág.28 Un vuelo con sir Norman Foster pág.44 Los mejores tapetes del mundo pág.53 Homenaje a ‘Romero’
ÍNDICE
L U J O
C O N
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El milagro de Spyker
CORTESÍA SPYKER
pág.66 Aromáticos, suaves y brasileños pág.72 Ron todopoderoso pág.78 Filósofo culinario
ร NDICE
L U J O
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El universo de Julio Larraz FOTO
DIEGO TOSONI
pรกg.83 La profundidad del tiempo pรกg.88 Movimientos de precisiรณn pรกg.90 Alta Moda
CARTA DEL DIRECTOR
L U J O
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JUAN FERNÁNDEZ, DIRECTOR jfernandez@elespectador.com
Si hay algo que identifica a Summus es su alcance global. De lo contrario, sería muy difícil despertar el interés de lectores de diferentes nacionalidades. Por eso en cada edición optamos por recorrer varios países en busca de personajes a los que los une una misma característica: convertir lo ordinario en extraordinario. Esa pesquisa nos llevó a toparnos con la colombiana Cristina Grajales en Nueva York. Su galería de Soho es punto obligado de artistas y millonarios y su casa de campo, en Salt Point, fue escogida por el Instituto de Arquitectos Americanos como la mejor de Estados Unidos en 2008. Aunque ha trabajado con los mejores galeristas, artistas y arquitectos del mundo, Cristina nos ha dado, además, una lección de simpatía y sencillez. El cubano Julio Larraz, uno de los grandes maestros del arte latinoamericano de los últimos 40 años, nos recibió en su casa de Coral Gables para hacer un repaso de su vida y de su obra. Como nunca antes lo había permitido, también abrió las puertas de su estudio para revelar sus secretos y dejarse
fotografiar mientras daba las pinceladas finales a su última pintura. Desde Miami saltamos a Buenos Aires y conocimos de cerca la estrategia que la feria arteBA está implementando para abrir un nuevo espacio para el arte contemporáneo latinoamericano. Al otro lado del mundo, en Irán, descubrimos cómo se fabrican y comercializan los mejores tapetes del mundo. Fue un recorrido que partió del Bazar de Teherán y terminó en Shiraz, a 800 kilómetros de la capital iraní, la tierra en donde los nómadas se asientan en esta época para fabricar sus mejores piezas. Sir Norman Foster, el arquitecto más solicitado del mundo, también atendió nuestro llamado para contarnos por qué los aviones son su mayor pasión y cómo creó en el interior de un Falcon 7X una de las cabinas más lujosos y funcionales del mundo para NetJets, el operador de aviones ejecutivos más grande de Europa. Desde Holanda, Victor Muller, presidente del fabricante de automóviles artesanales Spyker, explica cómo espera mantener viva una de las marcas más tradicionales de la industria automotriz con modelos como el C8 Aileron, un bólido de 190.000 euros que acaba de lanzar pero que ya se ganó un espacio en los garajes de los coleccionistas. Félix Menéndez, hijo de Alonso Menéndez, el creador de los célebres tabacos cubanos Montecristo, muestra cómo está creando puros con los más altos estándares de calidad desde Brasil mientras en Guatemala la química Lorena Vásquez trabaja para que el ron Zacapa permanezca al lado de los grandes whiskies, vodkas y coñacs del mundo. Lo propio hace el chef alemán Heinz Beck, quien desde el último piso del Cavalieri Hilton de Roma, demuestra por qué La Pergola es uno de los restaurantes más sofisticados de Europa. Personajes como ellos son los que, al final, nos invitan a soñar en cada número de Summus.
EL MUNDO SUMMUS INFOGRAFÍA FANCIULLO
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Como en todas nuestras ediciones, generamos para nuestros lectores historias desde diferentes lugares del mundo. De lo contrario, sería imposible tener un carácter global y artículos tan válidos en Bogotá o Cartagena, como en Buenos Aires o Ciudad de Panamá. EL UNIVERSO DE JULIO LARRAZ JUAN FERNÁNDEZ FOTOS DIEGO TOSONI
MODELOS DE NEGOCIO EN LA MODA Y EL LUJO
MIAMI, EE.UU.
STEFANIA SAVIOLO MILÁN, ITALIA
LA GALERISTA DEL BAJO MANHATTAN
EL MILAGRO DE SPYKER
ANDRÉS RAMÍREZ
ZEEWOLDE, HOLANDA
FOTOS MÓNICA BARRENECHE NUEVA YORK, EE.UU.
UN VUELO CON NORMAN FOSTER LONDRES, INGLATERRA
AROMÁTICOS, SUAVES Y BRASILEÑOS
RON TODOPODEROSO
CARLOS VASCONCELLOS
HUGO SABOGAL
BAHÍA, BRASIL
GUATEMALA
LOS MEJORES TAPETES DEL MUNDO
LA APUESTA DE ARTEBA
CATALINA GÓMEZ
JUAN FERNÁNDEZ BUENOS AIRES, ARGENTINA
EL CAMINO DEL LUJO
FOTOS KAVEH KAZEMI
CARLOS FERREIRINHA
TEHERÁN Y SHIRAZ, IRÁN
SÃO PAULO, BRASIL
MOVIMIENTOS DE PRECISIÓN LILIANA LÓPEZ BOGOTÁ, COLOMBIA
DESEOS
POR
ROSSANA RUEDA
ESPACIOS PARA EL DISEÑO
MOSS, NUEVA YORK UN RECORRIDO POR ALGUNAS DE LAS MEJORES GALERÍAS ESPECIALIZADAS EN DISEÑO Y DECORACIÓN.
FOTOS CORTESÍA MOSS
Con locales en Los Ángeles y Nueva York, Moss es un atractivo espacio dedicado a artículos de diseño “poco comunes” y de arte contemporáneo para el hogar. La firma se ha distinguido por crear locales de alto diseño con ambientes agradables que brindan una experiencia de compra única. Durante años, Moss ha apoyado el diseño holandés, presentando exhibiciones de artistas como Hella Jongerius (2002), Tord Boontje (2005), Claudy Jongstra (2005) y Hella Jongerius (2006). Esta galería también les da un constante y notable posicionamiento a artículos vanguardistas holandeses dentro de su espacio, como los desarrollados por Tejo Remy, Ineke Hans, Niels van Eijk, Peter van der Jagt, Rody Graumans, Gijs Bakker, Koninklijke Tichelaar Makkum, Moooi, Marcel Wanders y Richard Hutton. Moss es líder en descubrir segmentos emergentes del diseño para presentarlos en sus espacios. Desde 2005, Moss participa en las ferias de Art Basel y Design Miami.
150 Greene Street Nueva York, NY 10012, EE.UU. Tel: 1-8668886677 www.mossonline.com
FOTOS CORTESÍA SPAZIO PONTACCIO
FOTOS CORTESÍA GAGOSIAN GALLERY
GAGOSIAN GALLERY, ROMA Famosa galería de arte con operaciones en varios espacios en Nueva York, Los Ángeles, Roma y Londres. Es la casa de reconocidos artistas como Jeff Koons y Richard Serra. El espacio en Roma fue abierto en 2007 y remodelado por Firouz Galdo y Adam Caruso, quienes lo transformaron en un espectacular edificio cerca de las Escaleras Españolas, caracterizado por tener un extraordinario salón en forma de óvalo para importantes exhibiciones. En este salón solo se realizan exposiciones individuales como las de Cy Twombly, Damien Hirst, Richard Prince, Georg Baselitz, Lawrence Weiner, Francesco Vezzoli, Anselm Kiefer y Cindy Sherman.
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Este año la galería presentó la exposición “Greed”, de Francesco Vezzoli. Este trabajo del artista italiano replica la estrategia y la estética del lanzamiento de un perfume comercial para expresar su “preocupación por la ambigüedad de la verdad, el poder de la seducción del lenguaje y la inestabilidad de las personas que se dejan influenciar por la cultura de los medios”.
Via Francesco Crispi 16 00187 Roma, Italia Tel:390642086498 www.gagosian.com
SPAZIO PONTACCIO, MILÁN Desde su apertura en 2002, Spazio Pontaccio, ubicada en el sector de Brera, en Milán, es un punto de referencia creativa en Europa. Uno de los artículos más famosos en este almacén es la reedición autorizada del stand para libros “Continental” elaborado en 1965 por Joe Colombo, uno de los diseñadores italianos más representativos del último siglo. Spazio Pontaccio es el único almacén autorizado en el mundo para vender esta pieza de diseño. Aparte de sus ediciones limitadas, la boutique vende artículos de firmas como Knoll, Moooi, Flos, Orizzonti e Ingo Maurer, entre otras. Recientemente, para la concurrida feria “Salone del Mobile”, Spazio Pontaccio lanzó la primera serie de productos creados exclusivamente para este almacén por algunas de las más prestigiosas firmas de diseño. Via Pontaccio 18 Milán,Italia Tel: 39 02 8057025 www.spaziopontaccio.it
AVANT GALLERY, MIAMI Es un llamativo espacio de 5.000 m2 ubicado en el Design District de Miami que fusiona piezas de diseño y arte con una exclusiva selección de candelabros, mueblería y artículos de decoración. La galería posee una exclusiva selección de artículos de lujo como son los tapetes de Dima Loginoff; las piezas numeradas y firmadas por Marcel Wanders; los muebles para baños elaborados por la compañía
FOTOS CORTESÍA AVANT GALLERY
milanesa Raspel, la silla “Relaxer” de Panton, los candelabros gigantes de cristales rojos Swarovski, la silla de caucho negro de Douglas Homer y la silla “vintage” en forma de labios rojos de Carlos Mollino.
3850 N. Miami Ave. Design District Miami FL, EE.UU. Tel: 1305-573-8873 www.avantgallery.com
ENLACIMA
LA GALERISTADEL BAJO LA COLOMBIANA CRISTINA GRAJALES ES UNA DE LAS CONSULTORAS DE ARTE DECORATIVO MÁS RESPETADAS DE NUEVA YORK. SU GALERÍA ES PUNTO OBLIGADO DE ARTISTAS Y COLECCIONISTAS, Y SU CASA DE CAMPO FUE DECLARADA LA MEJOR DE ESTADOS UNIDOS EN 2008. TRABAJÓ CON TONY DE LORENZO Y ACABA DE INTERVENIR EL VESTÍBULO DEL NUEVO EDIFICIO DEL ARQUITECTO RICHARD MEIER EN MANHATTAN. PERFIL.
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El barrio de Soho es una frontera imaginaria que separa el mundo frenético de los banqueros de Wall Street de la pausada y refinada vida de los millonarios del alto Manhattan. Es una particular zona franca donde el glamur se confunde con lo hippie, donde las modelos que acaparan las portadas de Vogue caminan presurosas entre artistas nómadas que bailan capoeira a cambio de algunas monedas. Cristina Grajales es una pereirana de pelo corto y risa fácil que camina por Soho con la naturalidad que tienen aquellos que siempre han pertenecido a un mismo lugar. Camina bajo el incipiente sol de la primavera mientras señala con la mano algunas de las galerías y museos que se esconden detrás de las fachadas de ladrillo y las escaleras metálicas que pululan por el lugar. Mientras camina describe su vida como una larga crónica poblada de pequeñas e inolvidables historias. La mujer que esta mañana lleva puesta una camiseta con el rostro del presidente Barack Obama y que los meseros del restaurante saludan en español es, según la crítica especializada de la ciudad, una de las consultoras de
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MANHATTAN
Vestido número 4 Maniqui con vestido elaborado con guantes de látex. Sebastián Errázuriz, 2008.
arte decorativo más influyentes del mundo. Su galería, ubicada en el cuarto piso de un loft de la calle Greene, es hogar de artistas, arquitectos, músicos, actores y, sobre todo, millonarios dispuestos a pagar por lo que ella les diga qué deben comprar. El camino que llevó a esta sofisticada mujer a la cumbre del cerrado mundo del arte se inició hace treinta años en el inhóspito estado de Maine, Estados Unidos, adonde aterrizó cuando apenas tenía quince años. Llegó a esta ciudad por una sencilla razón: “En la aplicación del intercambio estudiantil puse que quería conocer la nieve”. En este rincón del extremo norte del país terminó el bachillerato y se tituló como comunicadora. Pero la historia no es así de lineal. Después del colegio viajó al este de Europa para estudiar Medicina en la hostil Rumania de Nicolae Ceaucescu. Dice que lo hizo por rebeldía y para descubrir por sí misma el mundo que se escondía detrás de la Cortina de Hierro. “Viajé a Rumania siendo todavía una niña. Era un país encantador pero muy difícil, cerrado al mundo, con muchas carencias y persecuciones políticas. Allí conocí lo que es una vida triste”. Dos años bastaron para que Rumania y la Medicina fueran capítulos superados en su vida. Regresó a Estados Unidos para convertirse en comunicadora y probar suerte en Nueva York. Recuerda entre risas que su primer trabajo en la Gran Manzana fue como traductora en la Corte
Cristina Grajales y Sebastián Errázuriz junto a una de las obras del artista chileno.
POR ANDRÉS
RAMÍREZ SUÁREZ, NUEVA YORK
FOTOS MÓNICA
BARRENECHE, NUEVA YORK
ENLACIMA
Suprema de Justicia de Manhattan. “Mi vida entre los abogados duró poco. Por esos días conocí a una pareja de colombianos propietarios de una pequeña galería de muebles y objetos decorativos del siglo XX. Empecé a trabajar con ellos los fines de semana pero después me propusieron quedarme de tiempo completo. Así fue como empecé”. Su siguiente trabajó fue con Tony de Lorenzo, amigo y propietario de una de las galerías más reconocidas de Madison Avenue, vecina al Central Park. De Lorenzo Gallery es el hogar de la colección Art Deco más importante del mundo y pionera en piezas de maestros del modernismo como Le Corbusier y Jean Prouvé. “A los pocos días de estar allí le dije que no me sentía cómoda en ese lugar tan elegante y estricto. Le pedí que me mandara para abajo, a Soho, donde la movida del arte era más dinámica y relajada. Me puso al frente de una galería en la calle LaFayette que ocupaba un loft de 3.000 m2. Trabajé allí por diez años, convenciendo a los nuevos clientes que una silla de Jean Prouvé podía valer 1.000 dólares –hace veinte años–, cuando en esa época no había más de dos libros sobre las obras de este diseñador francés. Ahora, con toda la información e influencia de los medios, una silla de Prouvé puede costar hasta cien mil dólares”.
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CRISTINA GRAJALES ABRIÓ SU DEL SIGLO
GALERÍA EN 2001
COMO UN ESPACIO DE COLECCIÓN DE PIEZAS DECORATIVAS XX. TAMBIÉN HA INCURSIONADO EN DISEÑO INTERIOR
DE LA MANO DEL DIRECTOR DE CINE DAVID LYNCH
Y EL ARQUITECTO RICHARD
MEIER.
LABORATORIO DE IDEAS Cristina Grajales Inc. es un espacio rectangular y minimalista, con ventanas amplias que rozan el techo y pisos de madera recia pintados de gris. La galería, que a primera vista podría confundirse con el estudio de un pintor o el taller de un diseñador de alta costura, acoge esta primavera la obra del chileno Sebastián Errázuriz, un atrevido artista que hace un par de años sembró un árbol en el centro de la cancha del estadio Nacional de Santiago para celebrar un partido de fútbol en memoria de los desaparecidos de la dictadura de Augusto Pinochet. Las obras que Sebastián presenta en Nueva York mantienen la creatividad y la provocación que lo caracterizan: un ataúd con el motor de una lancha en la popa, un maniquí vestido con guantes de látex, una lámpara de mesa que sale de un pato disecado, un comedor apoyado sobre un árbol pintado de negro... La exposición fue un éxito desde la apertura y recibió los mejores comentarios por parte de la despiadada crítica de arte de la ciudad. Mientras hace un recorrido por las obras de Sebastián, Cristina explica el origen del boom que hoy se vive por las artes decorativas en el mundo. “Sucedió que la arquitectura y el diseño dejaron de pertenecer a unas élites educadas”.
Lámpara Pato Pato Taxidérmico con lámpara de metal y componentes acrílicos. 51 cm (altura) x 0.60 gr (peso) x 40 cm (diámetro). Sebastián Errázuriz, 2005.
ENLACIMA
Esa democratización la vio por primera vez durante la Feria del Mueble de Milán de 1998, cuando la prensa aclamó a diseñadores como Philippe Starck, Marc Newton y Ron Arad. En ese mismo escenario, Frank Gehry y Rem Koolhaas empezaban a encarnar lo que hoy se conoce como el star system de la arquitectura mundial. “En esa feria comprendí que si los noventa habían sido para los grandes diseñadores de moda, los primeros años del nuevo milenio serían para los arquitectos y diseñadores industriales”. No se equivocó. Bajo este dinámico y mediático escenario, Cristina se lanzó a recorrer su propio camino. Inauguró
que fui yo quien inventó esta profesión en Nueva York”. La galería extendió con rapidez su radio de acción. Incursionó en campos como el diseño interior con una casa de campo de 4.000 m2 ubicada en un viñedo de California. Para ese encargo, Cristina contrató al director de cine de culto David Lynch, quien diseñó una línea exclusiva de muebles inspirados en la estética de Hollywood. En la actualidad se apresta a intervenir el vestíbulo del nuevo
su galería de Soho en 2001, meses antes del atentado de las Torres Gemelas. La concibió como un espacio de colección de piezas decorativas del siglo XX, en donde se desempeñaba como curadora y consultora de colecciones privadas. “Pero los clientes me pedían que no los dejara solos después de entregar los muebles; querían que los aconsejara en el montaje de las colecciones. Recuerdo que por esos días salieron publicados varios artículos de prensa que narraban los abusos y especulaciones que los decoradores hacían con estas piezas. Entonces tomé la decisión de convertirme en una consejera de artes decorativas. Ahora que lo pienso, se podría decir
edificio del célebre arquitecto Richard Meier, ubicado al oeste de Manhattan. “Es muy difícil sorprender en Nueva York. Pero en esta oportunidad lo logramos con una propuesta decorativa que incluye un tapete de aluminio de gran formato diseñado por la firma colombiana Hechizoo, al que ella representa en el mundo. Richard Meier quedó muy a gusto con el look que va a tener su edificio”. Frente a la pregunta de rigor sobre el efecto de la crisis financiera mundial en el negocio del arte decorativo, Cristina dice que las galerías más “estrictas y solemnes” son las que tendrán problemas para sobrevivir. Afirma que a su galería
El interior de la vivienda es un contenedor de madera de estilo minimalista que alberga seleccionadas piezas de diseño y de arte.
Sofá plegable Sofá de madera laminada plegable con cojines de cuero. 75 cm (altura) x 2.10 m (longitud) x 90 cm (diámetro). Sebastián Errázuriz, 2008.
El equipo de trabajo de la galería lo compone un pequeño grupo de jóvenes educadas en las mejores universidades del mundo. Lindsay Johnson (izquierda) y Elizabeth Murphy.
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La mejor casa de campo de los Estados Unidos en 2008, ubicada en Salt Point, Nueva York, es un volumen rectangular recubierto con una vanguardista piel de acero.
siempre le ha ido bien por su flexibilidad y capacidad de sorpresa. “Creo que eso se debe en parte a mi condición de latina, a esa creatividad natural que desarrollamos por nuestras limitaciones”. Para ilustrar su argumento pone como ejemplo a las tres jóvenes que conforman su equipo de trabajo. “Son mujeres educadas en artes en las mejores universidades del mundo, pero dispuestas a adaptarse a las circunstancias. Hay veces que hasta nos toca diseñar las invitaciones de las exhibiciones porque no tenemos publicistas ni organizadores de eventos. Siempre recalco la importancia de saber hacerlo todo, porque en tiempos como este sabemos cómo sobrevivir”.
LA CASA DEL BOSQUE El río Hudson transita por entre un bosque tupido que apenas despierta a la primavera. Dos horas de camino por una autopista que parte desde el norte de Manhattan y conduce hacia un paisaje de postal que asusta por la soledad del camino y el extraño parecido que tienen las construcciones, como si todas ellas hubiesen sido calcadas de una misma revista de chalets americanos. La casa de campo de Cristina, ubicada en Salt Point, rompe con el molde estético del lugar. El arquitecto Thomas Phifer diseñó la vivienda inspirado en un contenedor de madera recubierto con una piel de acero que filtra la luz a través de pequeñas
perforaciones. A principios de año, el Instituto de Arquitectos Americanos (AIA por su sigla en inglés) escogió este proyecto como la mejor casa de campo de los Estados Unidos en 2008. A Cristina se le ve más feliz cuando camina por el bosque o se sienta a tomar el sol en una silla de madera ubicada frente al lago de su casa. Bajo el sonido arrullador de una cascada cercana, habla de su otra pasión: la naturaleza. Dice que la responsable de convertirla en una enamorada de los bosques y los animales fue Billie, una perrita de pelos rebeldes que adoptó hace diez años después de ver su foto en la sección de animales abandonados de un periódico de Nueva Jersey.
ENLACIMA
“UN GALERISTA ES COMO UN BUEN EDITOR: DEBE ESCUCHAR A LOS ARTISTAS, ENTENDER LO QUE PROPONEN
Y DESPUÉS DECIR CUÁNDO FUNCIONAN O NO SUS IDEAS.
NO CREO EN LAS MENTES ILUMINADAS POR LA INSPIRACIÓN
SINO FORMADAS POR EL RIGOR”
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La conversación salta sin orden aparente entre el paisaje y el arte. Cristina toma su tiempo para pensar y encontrar las palabras precisas que le permitan definir su trabajo: “Un galerista es como un buen editor: debe escuchar a los artistas, entender lo que proponen y después decir cuándo funcionan o no sus ideas. A las personas con las que trabajo las empujo porque sé hasta dónde pueden llegar. No creo en las mentes creativas iluminadas por la inspiración sino formadas por el rigor. Además, soy una mujer exigente y en mi vocabulario no existe la palabra: no”. Bajo su tutoría se encuentra un selecto grupo de artistas y diseñadores provenientes de diferentes nacionalidades y disciplinas. Entre ellos se cuentan diseñadores de textiles y mobiliario, artistas plásticos y de grafitis, joyeros y escultores. “Después de analizar la obra y la trayectoria de los artistas, tomo la decisión de representarlos o no. Es una relación muy intuitiva: si no siento una electricidad que pasa por mis venas apenas veo sus obras, no puedo trabajar con ellos”. En este punto se detiene para hablar de Hechizoo, la empresa de textiles dirigida por el bogotano Jorge Lizarazo. Gracias a la creatividad del diseño, la calidad de los productos y al empuje de Cristina Grajales, Hechizoo se convirtió en un fenómeno que capturó la atención de firmas como Chanel, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior y Tom Ford, por sólo mencionar algunas de las marcas que hoy exhiben estos textiles en sus vitrinas. “Creo en la educación de los clientes. Mi trabajo es brindar la oportunidad de combinar un sofá clásico de 500.000 dólares con un tapete de aluminio hecho a mano por unas mujeres colombianas”. También hacen parte del grupo de diseñadores de la galería las firmas colombianas Poulowi (joyería) y Alexandra Agudelo (platería). El sol rojizo del ocaso se cuela entre los árboles creando un juego de luces y sombras que aumentan la belleza dramática del lugar. Es hora de ir al pueblo por comida, pero antes Cristina Grajales cuenta una anécdota que ilustra la importancia de mantener el buen humor en estos días de crisis financiera mundial: “Hace poco me llamó un arquitecto muy importante que necesitaba comprar para un cliente una pieza de mi galería. Estábamos trabajando en eso cuando volvió a llamar para cancelar la orden debido a la crisis económica. Sin embargo, al día siguiente llegó el mensajero del arquitecto con un cheque por 60.000 dólares. Yo lo llamé para preguntarle lo que estaba sucediendo y él me respondió riéndose: ‘Es lo que pasa en el mundo por estos días. Los millonarios se levantan asustados por lo que leen en el periódico, pero en la tarde ya todo se les olvida’ ”.
NEGOCIOS
*POR STEFANIA SAVIOLO
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MODELOS DE NEGOCIO
EN LA MODA Y EL LUJO
*Profesora de GestiĂłn de compaĂąĂas de moda y lujo de Bocconi University y SDA Business School. Directora del master en Moda, experiencia y gestiĂłn de diseĂąo de la misma universidad. Ph.D. en negocios internacionales.
En la industria de la moda y el lujo estamos acostumbrados a definir cuatro modelos de negocio que coexisten en las grandes ciudades del mundo. Junto con Erica Corbellini, acabamos de presentar en MilĂĄn el libro Managing Fashion and Luxury Companies, en el que desarrollamos cada uno de los modelos los cuales adaptamos para esta ediciĂłn de Summus.
DISEĂ‘ADORES DE MODA Este grupo estĂĄ compuesto por actores que compiten en el segmento alto del mercado de la moda. En este caso, la propuesta de valor estĂĄ relacionada al prestigio e imagen de un diseĂąador, pero tambiĂŠn a la calidad y la capacidad de crear la moda del momento. Gracias a la originalidad y el ĂŠxito de un estilo propio, diseĂąadores como Giorgio Armani, Gianni Versace, Valentino Garavani y Christian Dior han creado imperios de la moda en el mundo. En la actualidad, sus nombres estĂĄn asociados a una amplia selecciĂłn de productos, desde cosmĂŠticos hasta accesorios y telas decorativas. Sin embargo, las prendas, las pasarelas y la renovaciĂłn de cada temporada siguen siendo el centro de la oferta de cada una de estas empresas. En las Ăşltimas dĂŠcadas, algunos diseĂąadores (en particular los italianos) se han integrado verticalmente, incursionando como minoristas y productores, y evolucionando del taller de costura al conglomerado industrial. El tema de importancia aquĂ es el de la capacidad de mantenerse como imperio en el futuro, ligado fuertemente a la posibilidad de lograr que la identidad de estilo del diseĂąador perdure en el tiempo.
MARCAS DE LUJO
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La propuesta de valor de las marcas de lujo es de intemporalidad, herencia cultural y exclusividad. Las marcas de lujo compiten en categorĂas diferentes a la moda, incluyendo relojerĂa, cosmĂŠticos, marroquinerĂa, arte de mesa y elementos de escritura. La mayorĂa de las marcas de lujo comenzaron hace tiempo como empresas marroquineras, como es el caso de
Vuitton y Hermès, o en el mercado de las joyas, como Bulgari o Cartier. Estas empresas construyeron un portafolio completo de categorĂas de producto alrededor de este conocimiento original, incluyendo accesorios y ropa. En tĂŠrminos de modelo de negocio, estas empresas estĂĄn integradas verticalmente, tanto en producciĂłn como en ventas minoristas. Ellos controlan cada paso y cada actividad de la cadena de valor. En estas empresas la marca, mĂĄs que el diseĂąador, es el corazĂłn de la misma, por lo que el tema de la herencia empresarial no es tan importante como lo es para los diseĂąadores de moda. Adicionalmente, detrĂĄs de las marcas de lujo generalmente encontramos familias grandes y fuertes que pueden sostener la misiĂłn y la visiĂłn de la marca a travĂŠs del tiempo. Es el caso de la familia Dumas en Hermès, la familia Wertheimer en Chanel, la familia Bulgari en Bulgari, y la familia Ferragamo en Ferragamo.
MARCAS PREMIUM Este es un grupo bastante amplio y heterogĂŠneo. El rasgo comĂşn consiste en que, en comparaciĂłn con los diseĂąadores de moda o las marcas de lujo, la empresa se encuentra posicionada en el segmento de precio medio a alto y su enfoque es hacia los consumidores jĂłvenes. Sigue una estrategia premium en tĂŠrminos de precio, distribuciĂłn y comunicaciĂłn. La realidad industrial y de distribuciĂłn, al igual que la visiĂłn del empresario, es lo que hace que estas empresas existan, no la inspiraciĂłn de un diseĂąador. Lo anterior se evidencia en marcas como Diesel, Miss Sixty, Coach, Gant y The North Face. Aunque cuentan con un conocimiento tanto industrial como comercial, estas empresas generalmente no estĂĄn integradas de forma vertical. Sin embargo, sĂ manejan grandes redes de proveedores externos y canales de
distribuciĂłn, y controlan rigurosamente el concepto de marca. Con el pasar del tiempo la especializaciĂłn de productos originales dio paso a la expansiĂłn de rango y categorĂas de producto hacia una oferta de estilo de vida (extensiones hacia moda deportiva, fragancias y accesorios). Estos jugadores desarrollaron marcas fuertes y lograron que la comunicaciĂłn evolucionara hacia modelos muy cercanos a los de los diseĂąadores de moda (la pasarela, el portavoz de marca, y el paso de televisiĂłn a revista como medio de comunicaciĂłn predilecto).
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MINORISTAS VERTICALES RĂ PIDOS El mercado masivo de la moda ha cambiado drĂĄsticamente en las Ăşltimas dos dĂŠcadas debido a la incursiĂłn del modelo de minoristas verticales rĂĄpidos. Son tiendas de cadena especializadas que cubren un gran territorio geogrĂĄfico (Promod, Mango, Terranova, Zara, Top Shop y H&M). Antes de que ĂŠstas existieran, el mercado masivo se caracterizaba por precios bajos y poco diseĂąo. La innovaciĂłn que trajeron en tĂŠrminos de propuesta de valor es la de ofrecer un flujo de entrega de mercancĂa con diseĂąo, en tiendas amplias y confortables, a precios muy convenientes. Estas empresas se denominan verticales dado que no restringen sus actividades a la distribuciĂłn minorista. Con el fin de entregar rĂĄpidamente mercancĂa con diseĂąo, llegan hasta el punto de diseĂąar sus propias colecciones. Al hacerlo, desarrollan un proceso de integraciĂłn en relaciĂłn con las funciones de investigaciĂłn y desarrollo de la producciĂłn de una colecciĂłn. Para el minorista vertical rĂĄpido lo mĂĄs importante es la velocidad, y para implementar la estrategia de velocidad requieren un canal de distribuciĂłn flexible, posiblemente renunciando a producir los artĂculos a bajo precio en Asia, para hacerlo rĂĄpidamente a nivel local, aunque a un mayor costo.
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FOTO CORTESÍA DUCATI / WWW.DUCATI.COM
COLECCIÓN ROYAL OAK OFFSHORE
DE LA PISTA A LA CALLE Aunque fue presentada hace un par de años, la Desmosedici RR de Ducati se ha convertido en un ícono para los amantes de las motocicletas. Lo que hizo la marca italiana fue llevar a la calle el modelo con el que ganó el campeonato del mundo de MotoGP en 2006. Es una edición limitada de la que se construyen menos de 400 cada año y cuyo precio ronda los 70.000 dólares. Es la primera moto que ofrece al público todo el performance, los mate-
SU ELEMENTO ES LO EXTREMO CRONÓGRAFO DE TITANIO CON SEGUNDERO PEQUEÑO Y VISUALIZACIÓN DE LA FECHA. MOVIMIENTO AUDEMARS PIGUET DE CARGA AUTOMÁTICA. HERMÉTICO HASTA 100 METROS. TAMBIÉN DISPONIBLE EN ACERO.
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CRUISECONTROL
UN VUELO CON
SIR NORMAN FOSTER LOS AVIONES SON LA GRAN PASIÓN DEL ARQUITECTO MÁS FAMOSO DEL MUNDO. COMO PILOTO O PASAJERO, PASA MÁS DÍAS EN EL AIRE QUE EN LA TIERRA. NO EN VANO, POR AÑOS IMAGINÓ UN AVIÓN EJECUTIVO EN EL QUE SUS OCUPANTES SE OLVIDARAN DEL TIEMPO. AHORA LO ESTÁ HACIENDO REALIDAD CON 24 UNIDADES DEL MODELO FALCON 7X PERTENECIENTES AL OPERADOR DE JETS PRIVADOS MÁS GRANDE DE EUROPA. UNA VEZ MÁS FOSTER SUBE AL CIELO.
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a
POR
JUAN FERNÁNDEZ
A los 74 años, sir Norman Foster dice que subirse a un avión lo rejuvenece. Y si lo sigue haciendo con tanta frecuencia como desde hace 30 años, sencillamente nunca morirá. “En un período típico de tres meses vuelo aproximadamente 80.000 millas a través de cuatro continentes, varios países y muchas ciudades”, señala Foster en medio de una de sus cortas escalas en Londres. “Desde hace mucho tiempo he sostenido un romance placentero con el vuelo y he estado fascinado por los aviones y por pilotearlos”. No en vano, Foster se declara un gran afortunado después de que NetJets, el operador de jets privados más grande de Europa, le delegara el diseño interior y exterior de su última adquisición: una flotilla de 24 aviones Falcon 7X, del fabricante francés Dassault, equivalentes a unos 1.000 millones de dólares, una de las mayores órdenes en la historia de la aviación privada. “Soy amigo de NetJets; conozco a su presidente, Mark Booth, y he seguido, quizás de una manera menos activa ahora que en el pasado, la serie de aviones Dassault –comenta el arquitecto–. He estado vinculado al mundo de la aviación como piloto de aeronaves de hélice, jets y planeadores. Todo esto ha hecho que este proyecto sea realmente excitante”. Cuando habla de aviones, Foster se emociona y no duda en asegurar que es en el aire donde experimenta sus mejores sensaciones. “No sabe la enorme emoción que siento cuando durante un día nublado y gris, y en medio de la penumbra, ‘rompo’ de manera cuidadosa las nubes y encuentro la luz del sol. Ese siempre es un momento mágico y memorable”.
FOTOS
CORTESÍA NETJETS
El Falcon 7X fue diseñado para volar 5.950 millas náuticas (unos 11.000 kilómetros), lo que le permite llevar sin escalas, a una velocidad de Mach 0,90 y 51.000 pies de altura, 14 pasajeros (incluida la tripulación) de París a Tokio, de São Paulo a El Cairo o de Buenos Aires a Nueva York. “Es realmente fascinante”, señala Foster. El arquitecto dice que el diseño de este avión es el resultado de una combinación de las largas horas que permanece trabajando dentro de ellos y de los diferentes roles que ha jugado a través de su carrera. “Soy piloto, pasajero y además sé cuidarlos muy bien. Esta situación se traduce en un diseño profundo y refrescantemente diferente. Los aviones se han convertido en algo muy predecible, así es que quise romper con ese molde y crear algo que despertara el interés y al mismo tiempo hiciera sentir a sus ocupantes verdaderamente cómodos. Ese reto inmediatamente conduce a una paleta de colores, texturas y usos de materiales suaves de una forma novedosa si se le compara con lo que estamos acostumbrados a ver en el interior de un jet ejecutivo tradicional”. Cuando usted se mueve por el avión, explica Foster, nota un número importante de diferencias en el diseño. “Si observa detenidamente verá que los asientos son una mezcla de cuero perforado y cuero sólido. El espacio interior luce mejor y está lleno de detalles que facilitan trabajar cómodamente y aseguran un ambiente más tranquilo. Usted puede examinar el avión e identificar los materiales; puede evaluarlos en términos de durabilidad, de qué tan agradables son a la vista y qué tan bien se
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“LOS AVIONES SE HAN CONVERTIDO EN
ALGO MUY PREDECIBLE, ASÍ ES QUE QUISIMOS ROMPER CON ESE MOLDE Y CREAR ALGO QUE DESPERTARA EL INTERÉS Y AL MISMO TIEMPO HICIERA SENTIR A SUS OCUPANTES
VERDADERAMENTE CÓMODOS”.
verán con el paso del tiempo. Las áreas que soportan a la tripulación también son muy importantes. Por eso tuve múltiples conversaciones con los pilotos, auxiliares de vuelo y personal de mantenimiento para así asegurar cada elemento. Por ejemplo, usamos piel de oveja en las sillas de los pilotos, lo que favorece su comodidad”. El Falcon 7X no es sólo cómodo y elegante, está repleto de detalles que lo hacen único. En su interior, incluso, se halla un libro llamado Horizons, de Ivorypress, la editorial fundada por Elena Ochoa, la actual esposa de Foster, que se centra en experiencias de viaje y que explora temas como el riesgo y la diversidad cultural. En él se encuentra una selección de imágenes de los mejores fotógrafos de viajes del mundo y artículos, entre otros, de Álvaro Mutis y Mario Vargas Llosa. El exterior del avión también deja ver el toque personal de Foster. “Lo que hemos hecho aquí es insólito e integra el avión de una mayor forma. La línea que lo atraviesa, que normalmente es muy fina, aquí se hace un elemento mucho más sustancial. También incorpora un color muy rico y mantiene todas las ventanas juntas. No es un capricho. El efecto trabaja con las dimensiones del fuselaje, unifica, simplifica y hace más elegante la forma inherente y muy hermosa del 7X”.
EN TIERRA
FALCON 7X DE NETJETS
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Autonomía de vuelo: 5.950 millas náuticas Número de plazas: 14 Longitud total desde la cabina: 11,91m Altura de la cabina: 1,88m Ancho de la cabina: 2,34m Capacidad para el equipaje: 3,96m3 Velocidad: Mach 0,90
Lord Norman Foster es el arquitecto más famoso y deseado del mundo. En 1961 recibió su título de la Universidad de Manchester y ganó una beca en la Universidad de Yale donde obtuvo un máster en Arquitectura. Su carrera profesional se inició en Team 4, la firma que fundó junto con Richard Rogers y Wendy Cheesman, su primera esposa. En 1967 el equipo se disolvió y Rogers comenzó a colaborar con Renzo Piano en el Centro Pompidou de París. Foster y Wendy crearon Foster + Partners y un año más tarde empezaron a trabajar en algunos proyectos con el visionario Richard Buckminster Fuller. A partir de entonces, ha diseñado desde puentes y edificios hasta aeropuertos y residencias privadas con las que ha logrado más de 470 galardones. Su más reciente reconocimiento, en mayo de 2009, fue el premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 1999 ya había ganado el Premio Pritzker de Arquitectura, año en el cual la reina Isabel II de Inglaterra le otorgó el título nobiliario vitalicio de lord (barón) Foster de Thames Bank. Nueve años atrás, en el
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día de la celebración del cumpleaños de la Reina, había sido nombrado sir (caballero). Lord Foster ha desarrollado obras en más de 50 países y 150 ciudades. Su estudio central de Riverside, en Londres, trabaja 24 horas, siete días a la semana, con un personal que habla 40 idiomas. Siempre ha dicho que la arquitectura es generada por las necesidades materiales y espirituales de la gente y que sus obras, en constante reinvención, están direccionadas hacia la búsqueda de la calidad de vida, cualquiera que sea su uso, siempre y cuando respeten la sostenibilidad del planeta. Entre sus múltiples construcciones se encuentran el viaducto de Millau, en Francia; el puente del Milenio y la torre radial de la BBC, en Londres; el nuevo estadio de Wembley; el Centro de Congresos de Valencia y el metro de Bilbao, en España; la sede central del HSBC en Hong Kong y el aeropuerto de Beijing. Actualmente, el estudio
Las sillas del Falcon 7X han sido diseñadas tanto para trabajar como para dormir cómodamente y están fabricadas con cueros de primera calidad.
La cocina del avión cuenta con todos los elementos necesarios para servir a sus ocupantes en viajes intercontinentales.
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de Foster trabaja, entro otros, en el Abu Dhabi World Trade Center, en los Emiratos Árabes Unidos; el Museo de Finas Artes de Boston; el Club de Yates de Mónaco; el complejo Troika de Kuala Lumpur; el aeropuerto internacional de Queen Alia en Ammán, Jordania; el Campus de la Justicia de Madrid y en la Isla de Cristal, en Moscú. Lord Foster traza sus pensamientos en cualquier pedazo de papel que tenga a la mano. Lo hace cuando imagina sus edificios, estadios, enormes complejos o megayates, como el Ocean Emerald, que presentó recientemente la firma YachtPlus en La Spezia, Italia. Lo mismo hizo con el Falcon 7X, de NetJets. Pero con tantos proyectos, ¿habrá alguno más
especial que otro? “Cada vez que me lo preguntan doy la misma respuesta: cada asignación de diseño es especial y no tiene nada que ver con el tamaño o la complejidad, todos son igualmente importantes. Puede que para alguien que está fuera de nuestra firma sea muy difícil entenderlo y asuma que diseñar el edificio más grande del mundo parezca más importante. En tamaño, el edificio es mayor, pero el reto de diseñar cosas más pequeñas, como el interior del 7X, es bastante especial –expresa lord Foster–. Créame que lo he disfrutado. Para mí el avión es ante todo un lugar de trabajo. Y aunque es un lujo, también es una necesidad; sería imposible poder controlar mi negocio sin él. Todo esto me lleva a pensar que la productividad y el lujo son igual de importantes en estos días”, concluye.
EL FALCON 7X FUE DISEÑADO PARA VOLAR UNOS 11.000 KILÓMETROS, LO QUE LE PERMITE LLEVAR SIN
ESCALAS, A UNA VELOCIDAD DE MACH 0,90 Y 51.000 PIES DE ALTURA,
14 PASAJEROS DE PARÍS A TOKIO, DE
SÃO PAULO A EL CAIRO
O DE BUENOS AIRES A NUEVA YORK.
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POR JUAN FERNÁNDEZ
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EL MILAGRO
DE SPYKER 36
FOTOS CORTESÍA SPYKER
ELABORANDO AUTOS ARTESANALMENTE, VICTOR MULLER RESUCITÓ SPYKER 74 AÑOS DESPUÉS DE QUE LA COMPAÑÍA ENTRARA EN QUIEBRA. LOS POCOS CARROS QUE FABRICA CADA AÑO VAN A LOS GARAJES DE LOS COLECCIONISTAS, Y CON SU ÚLTIMO MODELO, EL C8 AILERON, PRETENDE MANTENER VIVA UNA DE LAS MARCAS MÁS TRADICIONALES DE HOLANDA.
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Victor Muller siempre quiso ser biólogo, por eso se divierte tanto observando aves en las inmediaciones de su cuartel general en Zeewolde, Holanda, o en cualquier país del mundo. Aunque se graduó como abogado de la Universidad de Leiden, buena parte de su carrera la ha dedicado a la reestructuración y rescate de compañías en problemas, como lo hizo en la década de 1990 con el grupo de moda holandés McGregor y el resurgimiento de Spyker. Spyker fue fundada hacia 1890 por los hermanos Hendrik y Jacobus Spijker, quienes iniciaron su carrera como fabricantes de carruajes de lujo. El más ostentoso, bañado en oro, fue construido para la reina Wilhelmina de los Países Bajos y aún es utilizado en ocasiones especiales por la realeza holandesa. En 1898 tuvieron su primer acercamiento con los automóviles y fabricaron una carrocería a la que le instalaron un motor alemán Benz. En 1903, Spyker introdujo el modelo 60/80 HP, el primer automóvil de la época con un motor de seis cilindros y frenos y tracción permanente en las cuatro ruedas. Para 1907, pese a la muerte de Hendrik Spijker, los autos ya habían alcanzado el éxito en Gran Bretaña y las colonias holandesas del este. Su reputación se hizo mayor después de que ese mismo año el modelo 14/18HP Tourer, piloteado por el francés Charles Godard, obtuviera el segundo lugar en el famoso Rally Pekín-París, una competencia que sólo finalizaron cuatro coches y que fue ganada, con 20 días de diferencia, por el príncipe Scipione Borghese, a bordo de un Itala 35/45 hp. Poco antes de iniciarse la Primera Guerra Mundial, el mercado de autos de lujo entró en depresión. Spyker empezó a cambiar de manos y, al igual que otras marcas, terminó produciendo aviones. Entre 1914 y 1918, junto con la Fábrica de Aviones Holandesa, la compañía construyó alrededor de 100 aviones de combate y 200 motores. Después de la guerra, la firma reinició la producción de automóviles y sus modelos, como el Spyker Aerocoque de 1919, terminaron pareciéndose más a un aeroplano que a un automóvil. El modelo más famoso de Spyker vino entrada la década de 1920 y fue bautizado como C4. Tenía un motor poderoso construido por el ingeniero alemán Wilhelm Maybach y en 1921 alcanzó un récord al ser conducido constantemente durante 36 días y cubrir una distancia de 30.000 kilómetros. El famoso piloto británico Selwyn Edge también subió a él y obtuvo otra marca al lograr
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SPYKER C8 AILERON Como todos los modelos de Spyker, el C8 Aileron está inspirado en los aviones. Su chasis es 100% de aluminio y usa un motor Audi de 4.2 litros, V8, 400 caballos de fuerza y caja de seis velocidades. Desarrolla 300 km/h y acelera de 0 a 100 km/h en 4,5 segundos. Su precio: 190.000 euros.
una velocidad promedio de 119 km/h en la Brookland’s Double Twelve de Gran Bretaña. Pero Spyker siempre falló al requerir grandes inversiones y producir pocos y muy costosos automóviles. En 1925, después de haber fabricado unos 2.000 vehículos, entró en quiebra, hasta que 74 años más tarde Maarten de Bruijn y Victor Muller compraron la marca para construir vehículos deportivos de altas prestaciones fabricados a
mano con los mejores materiales. En octubre de 2000 presentaron el Spyker C8 Spyder en el Motor Show de Birmingham y en febrero de 2001, con el C8 Spyder Laviolette, un cupé con aires de jet, captaron la atención en el Motor Show de Amsterdam. En 2002, la marca ingresó a competir en el campeonato GT2 y en 2004 Spyker realizó una oferta pública de acciones. Un año más tarde Bruijn abandonó la compañía. Además de lanzar varias versiones de su C8, Spyker presentó en 2005 el C12 LaTurbie, con un motor de 6 litros y 12 cilindros provisto por Audi. En 2007 vendría el C12 Zagato y más recientemente el C8 Aileron, presentado en marzo pasado, con un costo de 190.000 euros la unidad. Actualmente, Spyker, que produjo 43 carros en 2008, es una compañía pública que cotiza en la bolsa de valores de Amsterdam pero sus mayores accionistas son el millonario ruso de 35 años Vladimir Antonov (30%); la firma Mubadala, perteneciente al gobierno de Abu Dhabi (20%); el fondo de inversión Gemini (10%) y Victor Muller (10%). En la nueva era, la compañía también ha atravesado por problemas financieros. El más reciente, en 2006, fue producto de la compra del equipo Midland F1 Racing Limited. Muller logró su sueño de entrar a la Fórmula 1 pero la decisión le costó más de 100 millones de dólares y la liquidez de la compañía. Afortunadamente encontró un comprador, Orange India Holding, del empresario indio Vijay Mallya y el holandés Michiel Mol, con quienes cerró la venta en septiembre de 2008 y recuperó buena parte del dinero. Después de la crisis, Muller regresó a lo que mejor sabe hacer: construir algunos de los automóviles artesanales más fascinantes de los últimos tiempos.
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VICTOR MULLER EN SIETE PREGUNTAS ¿Quiénes compran sus carros? Nuestros compradores son empresarios independientes, todos millonarios, y últimamente celebridades del deporte y los medios. ¿Qué hace a los modelos de Spyker tan apetecidos por los coleccionistas? Los Spyker simplemente son diferentes. Su producción es limitada, realizada totalmente a mano y sus acabados son exquisitos. Estos nos ponen en otro nivel frente a las marcas de superdeportivos fabricados en serie. Nuestros clientes quieren algo diferente, personalizado y más exclusivo. ¿Han dejado de vender vehículos debido a la crisis económica mundial? La crisis de crédito que estamos experimentando hasta ahora ha tenido poco efecto sobre Spyker. Calculamos que la mayoría de nuestros clientes poseen fortunas promedio de 50 millones de dólares. Las ventas no se han quedado dormidas considerablemente. Incluso muchos de nuestros distribuidores se quedaron sin autos a finales del año pasado. Sin embargo, no estamos tan confiados, una baja en ventas todavía puede ocurrir. ¿Cuál es la estrategia de Spyker? Básicamente, lo que buscamos es tener coches exclusivos y desea-
bles. La producción en serie está fuera de nuestra imaginación y se llevaría por delante nuestra imagen convirtiéndonos en una alternativa más del establecimiento como Ferrari, Aston Martin, Bentley y Lamborghini. Nosotros no competimos con ellos. Buena parte de su vida estuvo dedicado a industrias diferentes a la automotriz. ¿Qué aprendió de ellas? Aprendí que el principio básico de los negocios siempre es el mismo: ventas menos gastos, igual beneficios. La industria automotriz no es la excepción. Fabricar autos deportivos exóticos no es un negocio fácil. ¿Dónde encuentra el placer en un reto de esta magnitud? El placer está en crear precisamente eso: autos exóticos con una belleza que es internacionalmente aclamada y que además es deseable y apreciada por personas con buen gusto. Amaré este negocio hasta la muerte. ¿Qué autos no pueden faltar en una buena colección? Para que sea una buena colección siempre debe tener un Alfa Romeo 8C de los años 30, un Bugatti Type 57 Supercharger, un Ferrari de competición, como el 250 Monza de los 50, y por supuesto un auto moderno y artesanal, como el Spyker C8.
SPYKER C12 ZAGATO Lanzado en 2007, el C12 Zagato es uno de los modelos más revolucionarios de Spyker. Cuenta con un motor Audi de 6 litros y 500 caballos de fuerza. Alcanza 310 km /h y acelera de 0 a 100 km/h en 3,8 segundos.
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El modelo más famoso de Spyker se creó entrada la década de 1920 y fue bautizado C4.
En 1903, Spyker introdujo el modelo 60/80 HP, el primer automóvil de la época con un motor de seis cilindros y frenos y tracción permanente en las cuatro ruedas.
ESCAPES
POR
ROSSANA RUEDA
CUANDO CALIENTA EL SOL
BILLIONAIRE CLUB, CERDEÑA Ubicada en la Costa Esmeralda, en la isla italiana de Cerdeña, esta discoteca es propiedad del empresario de la Fórmula 1 Flavio Briatore. Billionaire Club está catalogada como una de las discotecas más exclusivas del verano europeo. Sólo abre de julio a septiembre y encanta cada noche a sus asistentes con una estilizada atmósfera, exquisita gastronomía, vibrante música y espectacular diseño. Este lugar simboliza una “villa” con temas orientales de tres niveles, una piscina y una espectacular vista al Golfo del Pevero. Una noche perfecta en Costa Esmeralda comienza ingresando al exclusivo “Billionaire” y cenando en el tradicional restaurante Cipriani, que se encuentra ubicado dentro de la discoteca, y termina al amanecer después de horas de baile en uno de los lugares más bellos del Mediterráneo.
LOS LUGARES MÁS ARDIENTES DEL VERANO EUROPEO.
Porto Cervo, Costa Esmeralda Cerdeña, Italia Tel. 39 0789 94192 www.billionaireclub.it FOTOS CORTESÍA DE BILLIONAIRE CLUB
FOTOS CORTESÍA DEL HOTEL BELVEDERE FOTOS CORTESÍA DE GIL’S CUISINE & POP LOUNGE
HOTEL BELVEDERE-MYKONOS, GRECIA
GIL’S CUISINE & POP LOUNGE, CROACIA En los últimos años, Croacia se ha convertido en uno de los destinos más selectos y visitados durante la época del verano. Gil’s se encuentra ubicado en la parte antigua de la ciudad de Dubrovnik y es un atractivo restaurante que tiene un reconocido lounge bar con un concepto innovador, delicioso menú, espectacular vista al mar y un excelente servicio. La orientación gastronómica del restaurante es una fusión de co-
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mida europea moderna y tradicional, y francesa contemporánea. En su menú se encuentran platos tan peculiares como el conejo relleno de pistacho y hierbas, foie gras, mantarraya asada con mantequilla y calamares rellenos de arroz basmati y vegetales, entre otros. El restaurante tiene salones interiores y exteriores, pero durante el verano en la Costa Adriática sería un pecado no deleitar la vista sentán-
dose en alguna de sus dos terrazas. El lounge bar ofrece un ambiente divertido con una impresionante selección de cocteles aptos para los días de un caluroso verano.
Sv. Dominika bb 20 000 Dubrovnik, Croacia Tel: 38520322 221 www.gilsdubrovnik.com
El Belvedere, inspirado en la típica aldea de las Islas Cícladas de Grecia, acaba de presentar una nueva generación de habitaciones. El hotel está compuesto por siete pequeños edificios blancos rodeados por una piscina con dos restaurantes, un bar, un gimnasio y un Kiehls spa. La decoración interior del Belvedere está enfocada en el blanco, con pisos de mármol y muebles y accesorios de madera que crean un efecto que simboliza sofisticación,
pero que a su vez es relajante. En el hotel se encuentra el CBar Lounge, orientado a la coctelería y las champañas, y dos restaurantes: uno de comida griega moderna del chef George Calombaris y el segundo, Nobu, del reconocido chef Nobu Matsuhisa. School of Fine Arts District, 84600 Mykonos, Grecia Tel: 30 22890 25122 www. belvederehotel.com
FOTOS CORTESÍA DE LE CAVE DU ROY
LE CAVE DU ROY, SAINT TROPEZ Ubicada en el famoso hotel Byblos, esta discoteca ha sido un ícono desde hace 40 años en Saint Tropez. Es famosa por su estilo, reconocidos Djs y exclusivos asistentes. Este lugar mantiene una decoración característica desde los años 70 pero próximamente será renovada sin perder su inconfundible identidad. Le Cave es una discoteca con espejos gigantes que van de pared a pared, típicas bolas de luces y
palmeras “eléctricas” cercanas a la pista de baile. En Le Cave tampoco faltan los más finos y destacados licores, entre los que la champaña es la gran protagonista para sus asistentes, quienes brindan en las famosas noches de verano en la Costa Azul. Avenue Paul Signac 83990 Saint Tropez, Francia Tel. 33 (0) 4 94 56 68 00 www.byblos.com
LUGARES
EN BUSCA DE LOS
MEJORES TAPETES
DEL MUNDO
UN RECORRIDO QUE INICIA EN EL DESORDEN DEL BAZAR DE TEHERÁN, DONDE ESTÁ EL MERCADO DE TAPETES MÁS GRANDE DEL MUNDO; PASA POR SHIRAZ, LA TIERRA DONDE LOS NÓMADAS SE ASIENTAN EN ESTA ÉPOCA PARA FABRICAR SUS MEJORES TAPICES, Y TERMINA EN UNA DE LAS PLANTAS DE MIRI ESTUDIO, RESPONSABLE DE ALGUNAS DE LAS ALFOMBRAS MÁS VALIOSAS Y DE MÁS ALTA CALIDAD DE IRÁN. POR CATALINA
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GÓMEZ / TEHERÁN Y SHIRAZ
FOTOS
KAVEH KAZEMI / TEHERÁN Y SHIRAZ
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LUGARES
El Gran Bazar de Teherán es un laberinto interminable de corredores angostos de cemento con techos abovedados de ladrillo que se cruzan entre sí como una Torre de Babel con toques dramáticos por los chorros de luz que se cuelan por pequeñas claraboyas. Es un pueblo secreto de 10 kilómetros cuadrados con vida propia construido en el centro de Teherán y que por generaciones ha movido los hilos económicos, sociales y políticos de Irán. No es un Bazar lleno de olores, colores y objetos atractivos para los turistas como otros de Oriente, pero detrás de sus puertas ojivales se mueve el mayor negocio de alfombras del mundo. No en vano, Irán es el principal exportador de tapetes del planeta. “De este Bazar sale lo mejor de Irán”, me dijo al comienzo de mi visita un joven bazarista cuya familia lleva en el negocio cuatro generaciones y que recorre el país permanentemente en busca de los mejores tapetes rústicos para su pequeña tienda, desde donde exporta varios millones de dólares al año. Se calcula que el promedio anual
El Gran Bazar es una ciudad con vida propia en el centro de Teherán. Entre los largos corredores abovedados del interior del Bazar está el sector dedicado a los tapetes persas, conformado por 60 galpones. Allí se mueve el mayor negocio de alfombras del mundo.
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de las exportaciones de tapetes iraníes está por los 550 millones de dólares. Sólo hace falta caminar un rato por el Bazar-e Bozorg (Bazar Grande) para ir topándose con cientos de locales situados a los laterales de los corredores en los que grandes pilas de tapetes se apiñan por todos lados. En esta parte del bazar las alfombras abundan: están colgadas de las barandas de los diferentes pisos que conforman cada uno de los 60 galpones dedicados a este negocio, arrinconadas en las esquinas o tiradas en los corredores sucios por donde miles de personas pasan cada día quitándole, algunas veces, toda sofisticación al negocio. Pero, ¿cómo un objeto tan costoso
está expuesto de esta manera? Para encontrar la respuesta me sumergí en este mundo por unos días para entender que esta es la tradición, que los tapetes son hechos la mayoría de las veces sobre pisos de tierra o en lugares muy humildes, y que un iraní encuentra la belleza de un tapete de una manera diferente a como la encontramos los occidentales, acostumbrados a enamorarnos de un objeto, en gran parte, por la manera como está exhibido. Son tantos los almacenes que se encuentran en el Bazar que con la primera visita a uno de los galpones es fácil creer que se tiene una idea de las regiones de donde provienen, calidades y precios de los tapetes iraníes. Pero el asunto
Para los iranies los tapetes son más que un objeto de decoración, son un elemento escencial para su vida cotidiana. Los usan como comedores -las familias tradicionales comen en el piso-, para cubrir los tradicionales sofás de madera llamados tag, para rezar y cientos de cosas más.
es más complejo. “Se necesita mucho para conocer de tapetes debido a que cada región y pueblo de Irán es un mundo. La gente suele creer que un tapete es bueno por el número de nudos, pero este es otro error que cometen porque cada clase de tapete se hace de manera diferente”, me cuenta uno de esos miles de bazaristas que van vestidos, como es la costumbre, de traje gris y camisa blanca abierta al cuello, y que tienen desplegada en la puerta de su local una gran pila de tapetes gigantes. Todos son de colores claros con arabescos en negro, azul y blanco. Son tapetes de lana y seda hechos en Tabriz, al norte del país, y son la moda entre los iraníes de clase media. Su costo no es inferior a los mil dólares. “Los tapetes de Tabriz se han industrializado mucho y por eso no podría decir que son los mejores de Irán como mucha gente, dentro y fuera del país, piensa. Si de tapetes clásicos hablamos yo prefiero quedarme con un isfahaní antiguo; sus diseños son más limitados pero la calidad es mejor. Incluso con uno de Qom; todos de seda, mucho más nuevos y, claro, muchos más costosos”, me explica minutos más tarde Majid, un hombre de 40 años cuya familia lleva cuatro generaciones en el negocio y que tiene las tiendas más exclusivas del Bazar.
Para poder entender todo este mundo tan complejo decidí acudir a Majid, a quien conocí en una de las visitas al Bazar. En aquella ocasión me había invitado a tomar un té, que es la manera como se comienza todo negocio en Irán, en su local, de cuyas paredes colgaban delicadas alfombras que no tenían nada que ver con los diseños tradicionales que se ven en los locales más grandes del lugar. “El gusto en tapetes de los iraníes no es el mismo que el de los extranjeros −dice−. Los iraníes prefieren los tapetes de diseños tradicionales hechos en ciudades, y a los extranjeros les suelen gustar los tribales como gashgai’s o baluchis, con colores más vivos y diseños geométricos”. Mientras sirve un té para no perder la tradición, Majid hace que sus asistentes me enseñen las diferentes clases de tapetes que se hacen en Irán. “No es que una ciudad o región sea mejor que la otra, lo que pasa es que siempre hay que buscar las mejores versiones de cada uno”. Pero la calidad de los tapetes, según explica Majid y luego otros bazaristas, es una característica que se ha perdido en el negocio. “Es una lástima que ahora lo que se imponga es el beneficio y no la calidad y por eso en ciudades como Mashad –la segunda más grande de Irán- se ha creado una industria paralela donde se están
LUGARES copiando todos los modelos que se hacen en el país”, cuenta Majid mientras se queja de que muchas veces a los clientes extranjeros no les importa comprar baja calidad porque les es más rentable. “Al fin y al cabo la mayoría de la gente afuera de Irán no sabe de tapetes”. Y es que el negocio de los tapetes, especialmente los de buena calidad, es cada vez más complicado para los bazaristas por los altos costos de producción. La inflación del país este año va por el 25 por ciento. Con las alfombras sucede lo mismo: su precio ha aumentado en los últimos cinco años en un porcentaje similar. Bajo las condiciones en que está el negocio, dice Majid, la mayoría de los tapetes que se encuentran fuera de Irán, con algunas excepciones, son de muy baja calidad. En el Bazar dicen que para Latinoamérica es muy difícil vender tapetes buenos: lo que siempre llevan son tapetes de bajo precio. Fuera de Irán, los tapetes de baja calidad son vendidos 10 ó 12 veces más caros y 6 ó 7 veces más cuando son originales, aunque algunos distribuidores en otros países aseguran que los valores no son tan altos.
LA GENTE
“No se desanime con lo que le cuento, esto es un negocio muy grande y todavía hay gente que lo hace con mística.”, comenta Majid al final de la charla. ¿Pero ya no hay nadie que haga alfombras con la calidad de antes? “Son pocos los que vendemos de esas porque ya no se hacen en gran número”.
TRADICIÓN IRANÍ A cinco minutos de una de las entradas del Bazar, después de caminar por unas calles estrechas por las que se las ingenian los coches para transitar, encontramos frente a la entrada un palacete rodeado por un muro de ladrillo que protege de la visión desde el exterior, como sucede con las casas en Irán. “Decidimos irnos del Bazar porque no estaba de acuerdo con los estándares de calidad que se estaban manejando y porque nos dimos cuenta de que si queríamos sobrevivir en este negocio teníamos que cambiar la manera como estábamos haciendo las cosas”, explica Sadegh Miri, sentado en la sala de visitas de esta casa que es la sede de Miri Estudio, tal vez el productor de algunos de los ta-
SUELE CREER QUE UN TAPETE ES BUENO POR EL NÚMERO DE NUDOS, PERO ESTE ES OTRO ERROR QUE COMETEN PORQUE CADA CLASE DE TAPETE
SE HACE DE MANERA DIFERENTE.
El estudio Miri es el responsable de algunas de las piezas más hermosas y costosas que se producen en Irán cada año. Esta familia, que lleva cinco generaciones dedicada al negocio de los tapetes, se preocupa por cada detalle del proceso. Por esa razón sólo utilizan lana de los Zagros que luego hilan los nómadas gashgai’s.
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petes más hermosos de Irán. Sus creaciones se encuentran colgadas en varios museos del mundo, como el Victorian Albert Museum de Londres, donde hay cinco. Los tres hermanos Miri, que llevan este negocio, son la quinta generación de una familia que ha trabajado en el Bazar con tapetes antiguos por siglos pero que hace 20 años llegó a la conclusión de que el negocio estaba cambiando a pasos agigantados y que tenían que dejar de ser intermediarios para entrar en el campo de la producción. Así que empezaron a investigar técnicas y procedimientos para poder hacer tapetes con los estándares antiguos. “Lo más importante para nosotros era volver a recuperar aquello que hacía a los tapetes iraníes los mejores del mundo: el teñido natural de la lana, el uso de lana iraní proveniente de los Zagros, cuya calidad es fundamental para hacer un tapete persa original, y el tipo de tejido”, cuenta
LUGARES Miri, que para ese momento ya nos había llevado a la sala donde exhibe algunos de los tapetes. En el suelo del sótano de esta casona de tres pisos va desplegando tapetes muy distintos a los que habíamos visto en el Bazar: hay desde kilim, pasando por nómadas hasta más clásicos como Tabriz. “Trabajamos en seis zonas de Irán bajo los estándares que siempre se practicaron allí y les enseñamos a los tejedores cosas que sabían hacer sus abuelos”, señala Miri. Los hermanos trabajan sus modelos actuales, sin ser copias, sobre diseños antiquísimos que pertenecían a la colección de su familia. Ellos hacen los patrones en los estudios de Teherán y luego los envían a las tejedoras -la mayoría son mujeres- en las seis provincias del país.
VIAJE A LOS ORÍGENES Majayan está en la única habitación de su casa de paredes y pisos de cemento al aire, sentada sobre uno de los extremos del telar donde en estos momentos trabaja en una alfombra gashga’í, la tribu a la que pertenece, sobre un modelo que le han traído de Miri para quienes lleva trabajando 15 años. Millones de mujeres y niños en Irán tejen alfombras diariamente en las mismas condiciones de Majayan, la única tejedora de este barrio de ex nómadas que continúa trabajando para Miri debido a que no todos los tejedores cumplían con la calidad exigida por la compañía. “En esta zona todo el mundo teje para ganar dinero, pero no todo el mundo está dispuesto a hacerlo bien”, dice Majayan, quien aprendió a tejer hace 20 años, mientras organiza su velo rojo hacía atrás y se enrosca la coleta que tiene hecha debajo de su barbilla. Es una tradición de las mujeres gashgai’s recogerse el pelo hacía adelante. Majayan, que entrecruza los hilos mientras habla, dice que se demora tres meses tejiendo un tapete mediano siempre y cuando trabaje ocho horas diarias continuas. “Tanto yo como las personas que trabajan para nosotros nos encargamos de visitar a los tejedores para controlar que no estén haciendo trampa, por ejemplo con los nudos, que tienen que ser uno por dos hilos. Cuando hay alguna irregularidad les pedimos que cierren la alfombra que están haciendo”, cuenta Razi Miri en la planta cerca de Shiraz, al suroccidente de Irán, donde tienen el pequeño centro industrial –diseñado por él- para teñir naturalmente la lana que les llega de las zonas cercanas y don-
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de también tienen a dos comunidades de tribus trabajando para ellos sobre sus tapetes tradicionales. “Los tapetes nómadas son apasionantes porque dentro de ellos hay involucradas muchas tradiciones”. Razi es el mayor de los hermanos Miri y el creador de este nuevo concepto de trabajar con alfombras iraníes. “Un poeta tiene que leer mucha poesía para entenderla y saber trabajar en ella. Si es bueno empezará a sentirla, lo mismo pasa con los tapetes”, cuenta Miri sentado en una tienda nómada adornada con tapetes de la casa a donde suele recibir a los clientes extranjeros que quieren ir a Irán para entender por qué los tapetes de este estudio son de los más costosos del mercado. El metro cuadrado de una alfombra de Miri puede llegar a costar 6.000 dólares –muchas veces es porque ha sido hecha por una tejedora excepcional a la que nadie puede imitar- y sólo se vende a través de distribuidores, nunca a particulares. Poseen centros de ventas en Dubai, Japón, Alemania y Estados Unidos, desde donde distribuyen al resto del mundo. La familia Miri, tal vez, es el ejemplo vivo de esa Irán donde las alfombras van más allá de ser un objeto que se tiene en casa para convertirse en un elemento fundamental de la cultura. Al fin y al cabo, en los tapetes está contada la historia de Persia y nadie como los Miri, que por siglos se han dedicado a recopilar tapetes antiguos, pueden dar fe de ello. Porque más allá del caos del Bazar de Teherán, y del pesimismo que se vive acerca de la calidad de los tapetes y el futuro del negocio, cuando se pasa por la sede de Miri en Shiraz y se visitan las diferentes tejederas que están repartidas por todos los pueblos y caravanas nómadas de esta zona del país, en la provincia de Fars, queda claro que este es un arte que no puede morir. Y mientras exista gente sensible como los nómadas o como Majayan, habrá buenas alfombras, aunque hacer una de buena calidad sea cada día una tarea más difícil.
Miri escoge los mejores tejedores de cada zona a quienes les entrega un modelo que se ha diseñado bajo los modelos tradicionales de cada una de las regiones que se trabajan. Majayan, en la foto, aprendió a tejer por su madre y desde entonces lleva 20 años ayudando a su familia con las alfombras.
POR JUAN FERNÁNDEZ, BUENOS AIRES / FOTOS CORTESÍA MALBA
HOMENAJE A ‘ROMERO’ EL ARGENTINO LUIS FERNANDO BENEDIT FUE EL PRIMER ARTISTA LATINOAMERICANO INVITADO A EXHIBIR EN EL ESPACIO PROYECTS DEL MUSEO DE ARTE MODERNO DE NUEVA YORK EN 1972. CINCO AÑOS DESPUÉS DE SU ÚLTIMA MUESTRA INDIVIDUAL, EL MUSEO DE ARTE LATINOAMERICANO DE BUENOS AIRES (MALBA) RECIBE UNA SELECCIÓN DE 60 OBRAS RECIENTES EN UNA EXPOSICIÓN TITULADA EQUINUS EQUESTRIS.
PERRO DE PLOMO, 2008
TÉCNICA: Fibra de vidrio, resina epoxi y plomo / DIMENSIONES: 47 x 24 x 80 cm
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POR JUAN FERNÁNDEZ, BUENOS AIRES
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Luis Fernando Benedit (72) observa en silencio su obra Fitotrón en una sala especialmente adecuada en el segundo piso del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba). Es una instalación para cultivos sin tierra que el artista presentó por primera vez en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y que estará expuesta hasta 2010 en el Malba. La obra se describe como “un cultivo hidropónico en una estructura en aluminio y acrílico transparente sobre un suelo de roca volcánica, que recibe el riego periódico de una solución de nutrientes que, a su vez, se drena y recicla entre 200 litros de agua y minerales que circulan de manera automática y mecánica. Un conjunto de lámparas mezcladoras de 250 voltios es la fuente de luz, que asegura la fotosíntesis. Calculado el proceso y sus variables, el Fitotrón es una máquina eficiente para el desarrollo de la producción agrícola”. Bastante ingeniosa teniendo en cuenta que fue presentada hace 37 años. “Hacerla fue muy complicado porque no sabía de hidroponia”, dice Benedit, cuya obra ha estado expuesta, además del MoMa, en el Museo de Ciencias Naturales de Houston y el Reina Sofía, de Madrid. Benedit quería mostrar su obra antes de entrar a la sala que alberga su más reciente exposición: Equinus Equestris, a la que ha llegado casi cinco décadas después de haber iniciado su carrera. La muestra, exhibida hasta el 27 de julio de 2009, presenta objetos realizados con huesos, grabados sobre espejos, chapas esmaltadas, carbonillas, pequeñas acuarelas y una instalación en la que la forma de un caballo es protagonista. “Hace cinco años no hacía una exposición individual, y con esta pude hacer finalmente lo que quise”, confiesa el artista. Para Patricia Rizzo, curadora de la exposición, “en los últimos trabajos, Benedit ha focalizado su mirada en la
Luis Fernando Benedit durante su exposición en el Malba de Buenos Aires. producción de piezas que dan cuenta de los intereses que han prevalecido a través del tiempo, reinventados en distintos formatos, vinculados con el ser nacional y con su propio pasado y memoria familiar”. La muestra de Benedit es una reflexión sobre la cultura gaucha que también se traslada al uso de materiales como los huesos, utilizados para la elaboración de numerosas piezas que integran la exposición. Para el artista, las lecturas que éstos ofrecen son múltiples debido a su
fuerte carga simbólica. “Los huesos me han interesado desde siempre plásticamente. Los que uso en estas obras son de vaca y de caballo y a veces los utilizo en composiciones planas y se ven como cuadros abstractos”, comenta Benedit. Obras relacionadas con la cultura ecuestre también están presentes. “El caballo es un animal político que me encanta –dice Benedit–. Fue el arma de conquista por excelencia y dio a los hombres toda una ética y códigos especiales”.
La exposición también incluye una serie de acuarelas, un conjunto de 16 retratos de descendientes de caciques de la Pampa y un autorretrato del artista. Pero quizás las piezas que más llaman la atención son los perros bull terriers realizados a escala real, en tres versiones: de palos de escoba y leds, de hueso y de plomo. “No es nada más que un homenaje a Romero, el perro que me acompañó por muchos años”, concluye Benedit.
LA OBRA DE BENEDIT
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Las primeras obras de Luis Fernando Benedit, quien es arquitecto de profesión, se relacionan con la estética del informalismo. Después de presentar obras con contenido ecológico, ejecuta una serie entre 1973 y 1978 en lápiz y en acuarela sobre papel que incluye animales, insectos, carretas y ranchos. En la década de 1980 acude a una serie de símbolos que aluden a la actividad del gaucho y a la vida del campo. Hacia 1996, presenta las primeras piezas realizadas en hueso de vaca y de caballo.
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FOTO CORTESÍA arteBA
LA APUESTA DE ARTEBA La venezolana Patricia Phelps de Cisneros, la cubana Ella FontanalsCisneros y el brasileño Carlos Chateaubriand son algunos de los coleccionistas que recorren atentos los 18.000 metros cuadrados de la feria de arte contemporáneo de Buenos Aires. Año tras año visitan arteBA para ampliar sus colecciones y ponerse al día sobre los artistas latinoamericanos que en unos años darán de qué hablar. Aunque la presencia de los coleccionistas es fundamental, lo que ha hecho diferente a arteBA es despertar el interés de una gran cantidad de público por el arte. La última edición de la Feria, que se realizó del 22 al 26 de mayo en La Rural, atrajo cerca de 125.000 personas que visitaron más de 80 galerías con obras de unos 800 artistas. “Los grandes coleccionistas no son los únicos que están en la punta de la pirámide en esta feria –dice Teresa Frías, gerente de la Fundación arteBA–. Hemos hecho la diferencia con la cantidad de propuestas experimentales y provocativas que tenemos”.
SEDUCIENDO A COMPRADORES MÁS JÓVENES, LA FERIA ARGENTINA ABRE UN NUEVO ESPACIO PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO LATINOAMERICANO.
Frías se refiere a propuestas como el Barrio Joven Chandon; el Premio En Obra; el Premio arteBA - Petrobras de Artes Visuales; el Programa Matching Funds arteBAZurich, que permite que tres importantes museos argentinos puedan ampliar sus colecciones con obras elegidas en la Feria; y el Programa American Express / + arte para el bellas artes, que tiene como objetivo incrementar el patrimonio público del museo. El Barrio Joven es uno de los ofrecimientos más estimulantes para las galerías emergentes y de alguna manera legitima el arte joven dentro del recinto. Los galeristas pagan un costo mínimo y tienen derecho a permanecer en el “barrio” durante un período máximo de tres años. Después pueden presentar
una propuesta para que sea evaluada por un comité de selección que definirá si pueden dar el salto a una “galería profesional”, pagando el 50 por ciento del valor del espacio. La Feria va por su edición número 18 y desde hace 10 años Frías está a cargo de su gestión. Hace cinco años, la Fundación optó por volcarla hacia el arte contemporáneo y desde entonces se ha convertido en un referente para los artistas, curadores, galeristas y coleccionistas argentinos. “Este cambio fue muy importante –asegura la gerente de arteBA–. Por décadas el argentino ha sido muy convencional y racionalista; lo mismo sucede con las obras de arte. El bodegón y el paisaje lo tranquilizaban. No se animaba al arte contemporáneo y a través de este espacio han perdido
el miedo. Además, no es lo mismo ir a una galería, donde se siente la obligación de comprar, que a un lugar como este”. Frías asegura que arteBA ha sido un producto de prueba y error. “Empezamos con una feria de galerías tradicionales y año tras año fuimos sumando nuevos elementos que nos han permitido atraer a mucha gente joven, formando un nicho que antes no existía. En un principio, lo que había era un grupo de coleccionistas que casi taponaban al resto. Lo que hicimos fue abrir el abanico: está el ABC1 verdadero que compra obras de arte muy caras y el joven que se está animando a armar sus colecciones en la medida de su bolsillo”. arteBA sigue siendo una feria netamente argentina, pero a través de los años ha vinculado un número mayor de galerías y artistas extranjeros. En esta edición participaron galerías de Chile, Colombia (Sextante), España, Uruguay, Brasil y Estados Unidos. “Vamos despacio por el tema de costos. Creemos en el baby-step y para atraer más países ofrecemos programas de subvención”, comenta Frías, quien asegura que la feria también es un espacio comercial efectivo: “Lo sabemos por la cara de los galeristas y los artistas”, concluye.
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COMO UNO DE LOS PINTORES CONTEMPORÁNEOS MÁS IMPORTANTES DE AMÉRICA LATINA, JULIO LARRAZ HA CREADO UNA OBRA INCONFUNDIBLE QUE ES APETECIDA POR MUSEOS, GALERISTAS Y COLECCIONISTAS PRIVADOS. AUTODIDACTA Y ENAMORADO DE SU OFICIO, EL ARTISTA CUBANO HACE UN REPASO DE SU VIDA Y DE SU OBRA.
POR JUAN
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FERNÁNDEZ, MIAMI
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FOTOS ARTISTA
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DIEGO TOSONI
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FOTOS OBRAS CORTESÍA JULIO LARRAZ
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Como muy pocas veces, Julio Larraz decide salir tres horas antes de lo acostumbrado de su estudio de pintura en Miami. Lo espero antes de lo convenido en su residencia de Coral Gables, una amplia casa de 1924 en la que vive desde hace algunos años. De las paredes de la sala cuelgan varias de sus obras y sobre las mesas descansan unos cuantos ángeles. Son las cuatro de la tarde y el portón principal se abre. Llega conduciendo su Aston Martin Vantage de 8 cilindros. Viste jeans, tenis y una camisa de cuadros. Tiene 65 años, pero parece de menos. Puede que sea su rutina de pesas, de nado, el navegar en su bote los fines de semana o la vitalidad que le transmite la pintura lo que lo hace ver más joven.
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Se sirve un ron para refrescarse y se acomoda en un sofá. Le pregunto por qué tiene tantos ángeles. “Mi mujer los colecciona, debe ser que yo soy un diablo”, dice y se echa a reír. “Vienen de muchos países latinoamericanos. A ella le encantan las antigüedades, seguro por eso me escogió a mí”. Aunque no es un hombre público, Larraz es uno de los grandes maestros del arte latinoamericano de los últimos 40 años. Su obra le ha dado la vuelta al mundo y sus pinturas, llenas de elementos simbólicos, captan desde episodios relacionados con la mitología hasta paisajes caribeños con un sello único. Aunque ha vivido en varias ciudades alrededor del mundo, decidió instalarse en Miami. Sé que lo ha hecho por su familia y aún así le pregunto si una ciudad como esta es el lugar indicado para un artista como él. “El lugar es lo de menos. Yo viví en San Patricio, Nuevo México, en el culo del mundo, a 35 millas de la ciudad más cercana, donde no había absolutamente nada y ahí produje una cantidad de pinturas fantásticas. He vivido en Nueva York, Washington, París, en Florencia y he llegado a la conclusión de que no importa dónde vivas, la obra siempre se cocina dentro de tu cabeza, que es de donde finalmente viene todo”, señala. Larraz nació en Cuba en 1944 y fue el primero de tres hermanos. Su padre, Julio César Fernández, era un hombre influyente en la isla. Poseía una de las bibliotecas privadas más grandes del país con miles de volúmenes sobre historia, filosofía, literatura y pintura. También era dueño
María, María 2008 / Óleo sobre lienzo / 183 x 244 cm
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del periódico La Discusión. “Él siempre tuvo un periódico andando, si no rentaba o vendía la maquinaria para producirlos; esa era su vida”, rememora Larraz. “Lo recuerdo como un maverick, como un tipo que no siempre estaba con el gobierno y al que le gustaba la crítica política como una forma de lograr el balance que no teníamos. Siempre pensó que había una necesidad pero también una posibilidad. Era una combinación de un hombre de negocios y un periodista de corazón con un gran sentir por la justicia. En algún momento, incluso, llegó a creer en el gobierno de Fidel Castro hasta que se dio cuenta de la realidad. Poco después le comunicó a mi madre (Ema Larraz Sorondo) que nos íbamos a Estados Unidos. Era 1961”. Para muchos críticos de arte, Cuba y sus recuerdos han influenciado su obra. Larraz no suena tan convencido y explica parte de la esencia de su trabajo: “Es curioso que la gente piense que uno sigue enamorado de la Cuba antigua. No es así. Ni de la antigua, ni de la moderna, ni de nada; yo salí de Cuba cuando tenía 16 años. Llevo más tiempo en el exilio que en la isla y posiblemente no regrese. Mi padre le dijo al ex presidente Carlos Prío Socarrás, acá en el exilio, delante de mí, en los años 60, ‘allá no volveremos, eso es un régimen de por lo menos 40 años’, y se echó a reír. Sus cálculos no estaban tan mal”. Lo que a mí me interesa, explica Larraz, es el trópico; el trópico de Graham Greene. “Es otra cosa completamente diferen-
te, no es Cuba. Puse el nombre de ‘En Cuba’ a una de mis pinturas pero no es más que una ventana mirando a un mar que me recuerda algo que yo vi, que viví; pero yo no tengo ni añoranzas, ni sentimentalismos ni nada de eso”. Si no hubiese salido de Cuba, le pregunto, ¿a qué cree que se hubiera dedicado.? “Estoy absolutamente seguro de que sería marxista leninista”, y suelta una carcajada. “Eso se llama adaptación”.
EN CARICATURA Antes de dedicarse a la pintura, Larraz se ganaba la vida como caricaturista. “Siempre me gustó, así me vengaba de los profesores y de los curas en Cuba. Las hacía muy rápido y las pegaba por todo el colegio. Es algo que me acompaña desde la niñez y todavía como que se mete dentro de la pintura. Es tan importante que logró influenciar buena parte del arte del siglo XX y no dudo que es un arma mucho más poderosa que la pintura, como decía Picasso. Es mortal: la gente la ve, se identifica, lo niega, pero siempre sabe que ahí está representada”.
EN NUEVA YORK SUS CARICATURAS POLÍTICAS FUERON TAN RECONOCIDAS QUE INCLUSO EL NEW YORK TIMES, QUE NUNCA HABÍA UTILIZADO CARICATURAS
PROPIAS, LO CONTRATÓ. DESPUÉS VINIERON EL WASHINGTON POST,
EL CHICAGO TRIBUNE Y
LA REVISTA VOGUE.
CRÍTICA A LA CRÍTICA Larraz asegura que no pinta para los “conoscenti” sino para la gente del común y da su apreciación sobre los críticos de arte. Evoca The Painted Word, un libro de su amigo Tom Wolfe que establece una dura posición sobre los artistas que
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producen obras de acuerdo con la crítica, y dice: “Cuando los jóvenes artistas me preguntan sobre los críticos les digo: ‘suscríbete a una revista de golf, de barcos, pero nunca de arte. No los leas, al crítico de arte no se le puede leer’. El crí-
tico de arte es para las señoras que van a comprar arte y para los chairman of the board que necesitan decirle a alguien que vaya a comprar arte por ellos. Incluso no leo lo que se publica sobre mí. El artista siempre tiene que ir contra la corriente; si
la corriente es realista, hay que ser abstracto, o al contrario. Me pasó en los años 60 cuando llegué a Nueva York y la gente me decía que si estaba loco porque pintaba figuras de una forma realista. Esa siempre ha sido mi batalla, mi lucha”.
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En Nueva York sus caricaturas políticas fueron tan reconocidas que incluso el New York Times, que nunca había utilizado caricaturas propias, lo contrató. Después vinieron el Washington Post, el Chicago Tribune y la revista Vogue. “Eso debió haber sido entre 1968 y 1970, pero después me aburrí de hacerlas. Cuando Nixon se retiró yo también pensé que era momento de hacerlo –dice bromeando– y dedicarme a la pintura, que me apasionaba”. Larraz nunca contó con el dinero suficiente para asistir a una escuela de arte, así que tuvo que aprender solo. Fue el estadounidense Burt Silverman y un grupo de pintores mayores quienes le enseñaron la técnica. El ser un artista autodidacta hace de la suya una obra más valiosa y a él un artista más respetuoso por la historia de la pintura y sin límites imaginativos. “La imaginación es algo poderoso, insondable, casi indomable y una de las cosas más importantes que hay en las artes. Daniel Lemaitre, un gran amigo de Cartagena, y a quien extraño muchísimo, me contó que un día Alejandro Obregón le dijo que la gente pensaba que los toreros eran personas de un valor extraordinario porque nunca han
LARRAZ ES UNO DE LOS
entrado un lunes por la mañana a empezar un cuadro frente a un enorme lienzo blanco. Yo he estado amedrentado delante de un lienzo pero soy un hombre muy terco y me paralizo enfrente hasta que lo resuelva. Lo curioso es que mientras más lo miras, más desarrollas la imaginación. Lo que yo veo son figuras en la mente y después las proyecto”. Larraz dice que pese a que tuvo una suerte extraordinaria y vendió todas sus pinturas, recuerda vagamente su primera exposición porque estaba “muerto de miedo”. “Sucedió en Washington, hacia 1970, y era una exhibición conjunta con Wilfredo Lam; fue un gran honor pero estaba aterrorizado”, dice mientras enseña el catálogo de su última muestra, que le tardó dos años y estuvo expuesta hasta el 6 de junio pasado en la Galería Marlborough, de Nueva York. Su obra, en constante evolución, nunca se podrá divorciar de lo que era la pintura a principios del siglo pasado y está caracterizada
GRANDES MAESTROS DEL ARTE LATINOAMERICANO
DE LOS ÚLTIMOS 40 AÑOS. SU OBRA LE HA DADO LA VUELTA AL MUNDO
Y SUS PINTURAS CAPTAN DESDE EPISODIOS RELACIONADOS CON LA
MITOLOGÍA HASTA PAISAJES CARIBEÑOS
CON UN SELLO ÚNICO.
At the War Room
2008 / Óleo sobre lienzo / 183 x 244 cm
The Sugar Business
2009 / Óleo sobre lienzo / 183 x 153 cm
The Light of Sigma Scorpii
2009 / Óleo sobre lienzo / 153 x 183 cm
Brigadier G. Andrés Malacara
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2005 / Óleo sobre lienzo / 153 x 183 cm
En Cuba 2000/ Óleo sobre lienzo / 131.5 x 101 cm
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por la soledad, la misma de la que dice tener mucho miedo. “Me aterroriza. Es un animal común en un país como este y la puedes encontrar desde en el medio de Manhattan, junto a ocho millones de personas, hasta en la pintura de Edward Hopper”. Para algunos sus pinturas también cargan algo de misterio. “Es posible. Yo no le niego nada a nadie, pero tampoco hago cuentos sobre lo que pinto, nada es premeditado. Al final es un mundo de sueños, es otra dimensión, aunque no quiero que parezca que la pintura es algo que está desprovisto de un amor especial”, expresa el artista. Larraz también se ha divertido haciendo esculturas. Desde las que creaba hace décadas moldeadas en plastilina y que reflejaban sus caricaturas, hasta las más grandes que dejó su paso por Pietrasanta. “Me encantan, pero no las he vuelto a hacer porque el proceso es muy largo. Cuando se logran terminar se te olvida de qué se trataba la cosa”.
C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V A C A V AC A V A C A V AC A V AC A V A C A V A C A V A C POR ROSANA RUEDA / FOTO CORTESÍA DE ARMAND BRIGNAC / WWW. ARMANDDEBRIGNAC.COM
CAMINO AL ESTUDIO
El Supremo en Casa de Juana Campamento 2004 / Óleo sobre lienzo / 127.5 x 101 cm
LA COLOMBIA DE LARRAZ Julio Larraz tiene una estrecha relación con Colombia y desde los años 80 ha expuesto sus obras en el país. Conserva un apartamento en Bogotá en el que tiene lo necesario para pintar. Fue Nohra Haime, la ga-
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lerista colombiana radicada en Nueva York que lo representó hasta 1994, quien le despertó el interés por Colombia y le presentó a Pilar, su segunda esposa. “Me parece que es un país maravilloso y quisiera que mis
hijos se hicieran ciudadanos colombianos. Todo el mundo se lleva las manos a la cabeza, yo también, pero de felicidad”, dice Larraz. En Bogotá lo representa Esteban Jaramillo, de la Galería La Cometa.
Julio Larraz acepta abrir las puertas de su estudio. Está a unos 15 minutos de su casa y pocos han estado en él. Trabaja completamente solo para evitar distraerse y poder entrar, como dice, en otra dimensión acompañado de la pintura, lo que califica como un beneficio extraordinario. El espacio le ha quedado chico y está construyendo uno nuevo justo al lado para tenerlo –asegura– más ordenado. Está terminando su última obra y sobre las mesas hay una gran variedad de paletas. “Como nunca tuve una educación formal, la paleta es un desastre. Utilizo cuatro o cinco al mismo tiempo. Nunca supe cómo hacer esas paletas elegantes de madera. Lo mismo pasa con la cantidad de cacharros muy poco elegantes que uso, por eso no invito a nadie al estudio”. Asegura que el domingo es uno de sus días más felices porque el lunes regresará a pintar. “El problema es que cuando me pongo a pintar se me olvida que existo; de pronto miro el reloj deseando estirar el tiempo para que me alcance más”. Larraz se despide, decide quedarse en su estudio y antes de cerrar la puerta dice: “Este es mi gran amor, ojalá que la próxima vida me la dieran igual”.
UN BRINDIS CON AS DE PICAS La botella es inconfundible y sus cuatro etiquetas en pewter son elaboradas a mano. En su interior guarda la champaña Armand de Brignac Rosé, producida por el viñedo francés de la familia Cattier, fundado en 1763 y calificado como “excelente” por la guía de vinos de Robert Parker. Toda la producción está controlada por Jean Jacques Cattier, quien se encarga de que sus productos sean elaborados con los más estrictos secretos y tradiciones de su familia. Estas champañas son producidas artesanalmente en cantidades limitadas por un staff de sólo ocho personas.
La Armand de Brignac Rosé se crea por medio de un complejo proceso en donde el vino blanco se mezcla con un 12% de vino tinto procedente de uvas Pinot Noir de la región de Champagne, cultivadas exclusivamente para la elaboración de esta bebida. Las uvas de este producto son seleccionadas de viñedos “Premier Cru” y “Grand Cru” en los terrenos “Montagne de Reims”, “Vallée de la Marne” y “Côte des Blancs terroirs”; en la región de Le Marne, en Francia. Antes de ser embotellada, la Armand de Brignac Rosé es añejada durante nueve meses en barriles de robles de Borgoña.
PLACERES
POR CARLOS VASCONCELLOS (AMÉRICAECONOMÍA/LUK)
FOTOS CORTESÍA MENÉNDEZ AMERINO
AROMÁTICOS, SUAVES Y BRASILEÑOS CON MÁS DE 30 AÑOS EN BRASIL, EL CUBANO FÉLIX MENÉNDEZ HACE DEL PURO BAHIANO UNA SABROSA OPCIÓN CON ALTOS ESTÁNDARES DE CALIDAD.
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La familia Menéndez, liderada por Félix (derecha), llegó a Brasil en 1977, donde formó Menéndez Amerino en asociación con la familia bahiana Amerino Portugal.
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Además de la comida condimentada, del clima caluroso, de los orixás, del pueblo fiestero y de la buena música, Bahía tiene algo más en común con la isla de Cuba: buen tabaco y, principalmente, buenos puros. Aunque sin la misma fama internacional de los cubanos, los puros que se fabrican en Bahía ganan cada vez más aficionados. No son tan fuertes ni tienen tanto cuerpo como los habanos, pero, como las uvas vinícolas, el tabaco obtiene sabores y aromas diferentes de acuerdo con elementos como el suelo y el microclima de la localidad donde se produce. Con eso, el puro bahiano ofrece más suavidad y aromas que el cubano, y –de a poco– conquista paladares exigentes en el mercado internacional. Sin embargo, si el tabaco bahiano obtiene reconocimiento como alternativa de los tradicionales habanos, es imposible hablar de puros brasileños de calidad sin citar el nombre de un cubano: Félix Menéndez. Hijo de Alonso Menéndez, el creador de los célebres Montecristo, Félix llegó a Brasil en 1977, donde formó Menéndez Amerino, en asociación con la familia bahiana Amerino Portugal. Más de 30 años después, y perfectamente adaptado en Brasil, el empresario se define como “un bahiano de La Habana”. Pero ¿qué llevó a los Menéndez a Bahía? La historia es larga: cuando las propiedades de la familia fueron tomadas por la Revolución Cubana, no tuvieron otra alternativa que dejar la isla. Entonces se instalaron en las Islas Canarias, donde por casi dos décadas fabricaron puros –con tabaco importado de Bahía– mientras veían al gobierno cubano usar sus marcas en el mercado internacional. “Vinimos a Brasil cuando ya no era posible producir puros artesanales en las Canarias, por el costo de mano de obra”, recuerda Félix. Nacía entonces Menéndez & Amerino, en sociedad con su antiguo proveedor. Desde entonces las cosas no han cambiado mucho. Entre ellas, el gusto del consumidor brasileño. Si las campañas antitabaco alejan parte del público, la apertura del mercado ha sofisticado el gusto del consumidor, que se hizo más exigente. “Se fuma menos y mejor”, dice Félix.
PURO TABACO Corría la década de 1930 y Alonso Menéndez y los hermanos Francisco y Ramón García empezaban a gestar lo que sería una de las carreras más vertiginosas de la industria de los puros en Cuba. Después de fundar Menéndez García Sociedad alcanzaron la fama con el lanzamiento de la legendaria marca Montecristo. En la década de 1950 ya habían tocado el cielo al convertirse en los mayores productores y exportadores de cigarros de la isla, por delante de
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Cifuentes, la compañía dueña de la también célebre marca Partagás. Pero sería 1959 el peor año de sus vidas. Fidel Castro asumió el poder y Alonso optó por el exilio dejando atrás sus bienes para aterrizar en su natal España en donde, junto con sus hijos Benjamín y Félix, fundaron la Compañía Insular Tabacalera. Desde las Islas Canarias, Alonso empezó a tejer una red de nuevos contactos con empresarios del sector, entre ellos Mario Amerino Portugal, cuya familia ha estado
vinculada a la industria del tabaco por más de 100 años. Una de las últimas movidas de Alonso antes de su muerte, en 1965, fue lograr negociar con Portugal la materia prima de su negocio directamente. Después de su muerte la compañía quedó en manos de Benjamín quien, influenciado por Portugal, se mudó a Bahía en busca de condiciones ideales para producir tabacos de alta calidad. Con equipo de técnicos, semillas y tradiciones cubanas, iniciaron su producción con mano de obra
local, en su mayoría femenina, hasta fundar Menéndez Amerino. El resto es historia. Bajo el paraguas de la compañía lanzaron marcas como El Patio, en 1978, y Amerino, en 1979. En 1985 Benjamín se trasladó a República Dominicana para ocupar la vicepresidencia de General Cigar (hoy es vicepresidente Premium Cigars) y Félix siguió con el negocio familiar en Brasil, desde donde ha lanzado marcas como Alonso Menéndez (1980), Doña Flor (1987) y Aquários (2003).
PLACERES A pesar de la competencia de los cubanos importados, el puro brasileño gana espacio en los segmentos más sofisticados. Gran parte de ese éxito se debe a la variedad de tabaco plantada en Bahía, el Braziliense, que así como la especie Habaniense, posee una riqueza de sabor y aroma superior a la de los tabacos híbridos. En cuanto a la fabricación, Menéndez & Amerino, que lideran el mercado nacional, usan las mismas técnicas artesanales de los mejores puros cubanos. En el fondo, el secreto está en el tabaco. “Con un buen tabaco se puede hacer un puro malo. Pero es imposible hacer un buen puro con tabaco malo”, dice Félix. El empresario, sin embargo, incomoda a sus compatriotas cubanos. “Los fabricantes estatales no hacen stocks, y tampoco compran siempre el tabaco a los mismos proveedores, por eso están más sujetos a la variación de cosechas”. Félix sueña con una denominación de origen controlada para el tabaco del Recôncavo Bahiano, aunque sepa que ése es un largo y complicado proceso. Aun así, es más fácil que recuperar algún día los activos de la familia expropiados por el gobierno cubano. “No hago planes. La vida me enseñó a esperar”, dice. Y qué mejor manera de hacerlo que fumando un buen puro, de preferencia bahiano.
“CON UN BUEN TABACO SE PUEDE HACER UN
PURO MALO. PERO ES IMPOSIBLE HACER UN BUEN PURO CON TABACO MALO”,
FÉLIX MENÉNDEZ.
A pesar de la competencia de los cubanos importados, el puro brasileño gana espacio en los segmentos más sofisticados. Gran parte de ese éxito se debe a la variedad de tabaco plantada en Bahía, el Braziliense.
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Menéndez Amerino ha lanzado desde Brasil marcas como Alonso Menéndez (1980), Doña Flor (1987) y Aquários (2003).
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POR HUGO SABOGAL
TODOPODEROSO DE LAS FASCINANTES TIERRAS GUATEMALTECAS VIENE EL ZACAPA, EL MEJOR RON DEL MUNDO. DETRÁS DE SU ÉXITO ESTÁ LA QUÍMICA NICARAGÜENSE LORENA VÁSQUEZ, QUIEN SITUÓ A ESTE LICOR AL LADO DE LOS GRANDES WHISKIES, VODKAS Y COÑACS DEL MUNDO.
FOTOS CORTESÍA MARK TOMARAS/DIAGEO
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L as bebidas destiladas siempre tienen una fascinante historia detrás. Ha sucedido con el whisky y también con el coñac. Y no ha dejado de ocurrir con el vodka. En todos estos casos, hoy se ofrecen ejemplares de cientos de dólares por unidad, envasados en botellas de cristal y empacados en finas cajas con entresijos de terciopelo. En cierta forma, estos deliciosos brebajes, de origen europeo, han alcanzado la gloria y la fama en sus respectivas categorías.
Cuando se le pregunta dónde está la magia del Zacapa, Lorena Vásquez apunta el dedo a las tradiciones y microclimas de Guatemala, y a unas técnicas de elaboración muy depuradas.
“MI INTENCIÓN
ES HACER UN
RON MUY AMIGABLE, PERO, A LA VEZ,
SOFISTICADO Y COMPLEJO”, LORENA VÁSQUEZ.
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El continente americano –tal vez por su juventud– ha trasegado una senda más rústica y agreste. El Bourbon estadounidense –la bebida favorita de los colonizadores del Oeste– ha sido un trago para machos. E igual papel ha cumplido, en México, el tequila. Y en Centroamérica y el Caribe, el ron, la pócima de rigor, es una herencia directa de piratas, marinos y bucaneros. En la zona andina, el aguardiente y el pisco han estado inevitablemente atados a una modesta vida rural y han quedado estancados en el tiempo como sencillos néctares populares. En los últimos tres lustros, sin embargo, los productores de pisco y tequila han decidido dar un salto adelante, mejorando tanto el licor
de base como los envases y las etiquetas. Esta reinvención de sus productos les ha permitido abrirse paso entre los más sofisticados paladares del globo. Pero quizás el destilado americano que más terreno ha avanzado en su perfección y mejoramiento ha sido el ron. Sin ninguna duda, el principal estandarte de esta categoría es el Zacapa, producido un grupo de talentosos master blenders en las fascinantes tierras guatemaltecas. A la cabeza de este gran proyecto ha estado la pequeña pero ambiciosa química nicaragüense Lorena Vásquez, quien lo ha llevado al Salón de la Fama en Estados Unidos. El ron se elabora a partir de la caña de azúcar, tras un proceso de fermentación de los jugos vírgenes o melazas, sometidas luego a destilación alcohólica y a su respectivo envejecimiento en barricas de roble. La bebida data del siglo XVII y se le considera un producto estrictamente americano. Entre algunos de sus primeros nombres figuran Matadiablo (Kill Devil), aunque su raíz etimológica más directa es la expresión rumbullion (de origen inglés), que significa “gran tumulto”. A partir de mediados de 1600 empezó a conocérsele, simplemente, como rum o ron. Cuando se le pregunta dónde está la magia del Zacapa, Lorena Vásquez apunta el dedo a las
A la cabeza de un grupo de talentosos master blenders está la química nicaragüense Lorena Vásquez, quien ha llevado el Zacapa al Salón de la Fama en Estados Unidos.
tradiciones y microclimas de Guatemala, y a unas técnicas de elaboración muy depuradas. La caña de azúcar fue llevada a Guatemala por los padres dominicos, en el siglo XVI. Al molerla y querer guardar el jugo, se optó por obtener una miel virgen, que consistía en calentar el jugo de la caña, evaporar el agua y guardar la miel, sin pérdida de ningún otro componente. Esta miel luego se fermenta y se destila, dando origen a un aguardiente de caña de máxima calidad. La levadura de fermentación se extrae de la piña, que, al mezclarse en los jugos vírgenes, arroja un perfil de aromas y sabores únicos. El líquido luego se guarda en una sucesión de barricas de roble, adquiridas a productores de Bourbon, Jerez y Pedro Jiménez (un vino dulce español). Mediante añejamiento según el sistema de solera español, el ron de una barrica se mezcla con el de otra, y el resultado, a su vez, se introduce en otro recipiente hasta obtener la mezcla que, según la memoria de Lorena Vásquez, corresponde a cada una de sus principales líneas: Ron Zacapa Centenario 15 años, Ron Zacapa Centenario 23 años y Ron Zacapa Centenario XO. Como contraste, la gran mayoría de los rones internacionales utiliza melaza, un subproducto del refinamiento de la caña, que se ca-
lienta una y otra vez hasta agotar su capacidad de producir cristales. A diferencia de las mieles vírgenes, la melaza no tiene encantos aromáticos ni gustativos. El intenso color del Zacapa resulta de añejar el líquido en barricas quemadas por dentro. El tostado, transformado casi en carbón, suaviza el licor y le permite al líquido, a través de las grietas producidas por el calor, introducirse en el corazón de la madera para extraer más atributos. Otros productores utilizan caramelo para corregir la claridad de muchos rones. Gracias a la calidad de la caña (producida directamente por Industrias Licoreras de Guatemala), al parque variado de barricas de roble (seres vivos responsables de fijar la naturaleza del néctar) y a las habilidades de Lorena Vásquez, Zacapa es un producto diseñado, casi exclusivamente, para tomar a tragos cortos, con excepción del añejo de 15 años, que se usa también en coctelería. “Mi intención es hacer un ron muy amigable, pero, a la vez,sofisticado y complejo. La idea es que no aburra. Servido en la copa, tiene que garantizar que, cada minuto que pasa, se convierta en algo diferente. A mí todavía me intriga cada sorbo, a pesar de que los pruebo todos los días”. En manos de Lorena Vásquez, el ron americano –en este caso el guatemalteco– se ha convertido en una pequeña obra de arte hecho licor. El XO se envasa en un decantador de cristal, elaborado en Francia, y se vende en una caja de joyería. Sin duda, el Zacapa es la graduación final del destilado americano, que hoy puede figurar al lado de los grandes whiskies, vodkas y coñacs del mundo.
PLACERES
POR
ROSSANA RUEDA
DE BOCA EN BOCA
TRES VISITAS OBLIGADAS EN LONDRES, PARÍS Y BOSTON QUE DELEITARÁN SUS SENTIDOS.
FINALE DESSERTERIE & BAKERY, BOSTON Es la “meca” de los postres de Boston. Los chefs y pasteleros elaboran sus productos con los mejores ingredientes, como el chocolate francés Valrhona y la vainilla tahitiana. Finale fue aclamado por el Food Network como el mejor lugar de postres en América. Finale no es solo un salón de postres, es una experiencia sensorial en un ambiente contemporáneo en el que además de postres y pastelería, se puede disfrutar de una gran variedad de cafés, tés, cocteles, vinos y champañas. Entre sus más destacadas creaciones se encuentran el “Molten Chocolate” (soufflé de chocolate) acompañado de gelato de café, el “Manjarie Mousse” y el “Chocolate Paradise” y el “Fantasia”. One Columbus Avenue Boston MA 02116, EE. UU. Tel: 617-4233184
FOTOS CORTESÍA DE FINALE DESSERTERIE & BAKERY FOTOS CORTESÍA DE PAXTON & WHITFIELD
PAXTON & WHITFIELD, LONDRES En este lugar reservado para la gastronomía se pueden encontrar diversos quesos ingleses y europeos que cuentan con el “Royal Warrant of Appointment”, la certificación dada por la familia real británica a las compañías que surten mercancía y prestan servicios a la Corona. Paxton & Whitfield fue fundado en 1797 e inició su célebre reputación al surtir de sus productos a la reina Victoria. Sus clientes saben que sólo en este lugar encontrarán los mejores quesos y no dudan en citar a Winston Churchill, quien decía: “Un caballero sólo compra sus quesos en Paxton & Whitfield”. Paxton & Whitfield, que surte a los más exclusivos hoteles, restaurantes y almacenes gastronómicos de Inglaterra, también posee locales en Stratford Upon Avon y Bath.
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PIERRE HERMÉ, PARÍS
FINEST STILTON El queso Stilton es un queso azul de leche de vaca elaborado a mano que puede ser tierno, semicurado o curado. Este queso es producido exclusivamente en Inglaterra en Derbyshire, Leicestershire y Nottinghamshire, y es elaborado de acuerdo con ciertas normas y estrictos estándares para poder ser catalogado como “Stilton”. Únicamente existen seis queserías en Inglaterra acreditadas con el estándar europeo con licencia para elaborar este producto. Este es uno de los pocos quesos británicos a los que la Comisión Europea ha concedido el estatus de “Denominación de Origen Protegida”.
No se pude visitar París sin hacer una parada en uno de sus íconos: la boutique Pierre Hermé. La vocación de esta marca, que lleva el nombre de su creador, es compartir un mundo de dulces sabores en los ciclos de las estaciones. Esta boutique deleita con sabrosas creaciones que van desde exquisitos bombones de chocolate y sus famosos “macarons”, hasta elaborados postres y sorprendente pastelería con el inconfundible toque personal Pierre Hermé.
93 Jermyn Street, Londres, Inglaterra, SW1Y 6JE Tel: 44020 7930 0259 www. paxtonandwhitfield.co.uk
72 Rue Bonaparte 75006 París-Francia Tel: 33 (1) 43 54 47 77 www.pierreherme.com
FOTOS CORTESÍA PIERRE HERMÉ
WHISKY COFFRET & CHOCOLAT Cofre compuesto por las siguientes combinaciones de whiskies y chocolates Pierre Hermé: WHISKY ESCOCÉS POWER 12 AÑOS Y ”CHOCOLAT SENSATION” (Chocolate con praliné envuelto en chocolate negro) MALTA ESCOCESA DALMORE 12 AÑOS Y “CHOCOLAT MATHILDA” (Praliné de almendras, cáscaras de limón y galletitas envuelto en chocolate de leche con almendras tostadas) MALTA JAPONESA “NIKKA PURE MALT WHITE” Y “CHOCOLAT INTENSE” (Ganache de chocolate amargo envuelto en chocolate negro) WHISKY BOURBON ELIJAH CRAIG 12 AÑOS Y “CHOCOLAT TSUKI” (Paté de naranja y praliné crocante envuelto en chocolate negro)
PLACERES
POR JUAN FERNÁNDEZ
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FILÓSOFO CULINARIO DESDE EL ÚLTIMO PISO DEL CAVALIERI HILTON DE ROMA, HEINZ BECK DELEITA A LOS PALADARES MÁS EXIGENTES DEL MUNDO CON LOS CERCA DE 50 PLATOS QUE INVENTA CADA AÑO.
La vista de La Pergola, con tres estrellas de Michellin y en el último piso del Cavalieri Hilton de Roma, es inigualable.
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FOTOS CORTESÍA HEINZ BECK/LA PERGOLA
Si no se encuentra en la cocina de La Pergola, Heinz Beck está visitando alguna exposición de arte, pensando en su próximo libro o imaginando alguno de los platos que inventa cada año. Es un hombre de pocas palabras y sus respuestas son cortas. Su cocina es casi tan silenciosa como una biblioteca y siempre ha dicho que su única misión es satisfacer a sus clientes, no a su propio ego, y hacerlos sentir como reyes. Quizás por eso no hay una noche en la que las mesas del lugar no estén totalmente reservadas. Sus libros son su escape y dice que el último, lanzado en mayo pasado, lo ha dejado muy satisfecho. “Se llama L’ingrediente Segreto, y me emociona porque no sólo es un libro de recetas (contiene 32); en él también está la memoria de mi vida y plasmada toda mi filosofía”, señala Beck. Sus cinco libros anteriores (Beck Heinz; Finger food; Pasta; Arte y scienza del servicio y Vegetariano) han sido premiados. Incluso Beck Heinz fue galardonado como “el mejor libro realizado por un chef en 2002” entre 3.500 publicaciones de 33 idiomas y 56 países. Beck nació en Alemania en noviembre de 1963 y Hermann, su hermano gemelo, es el gerente del Hotel Royal Victoria, en Sheffield, Gran Bretaña. Siempre quiso ser pintor pero su padre no se lo permitió, así que optó por la cocina. En 1983 obtuvo su título de chef en Alemania e inició su práctica en la cocina del Hotel Holzapfel, en Bad Fuessing, Alemania. Dos años más tarde obtuvo su primer empleo en la firma de catering Feinkost Kaefer y un año más tarde alcanzó la posición de chef de partie en el Hotel Colombi, de Friburgo. En 1989 Beck regresó a Munich para trabajar en Tantris, un restaurante gourmet con tres estrellas Michelin. En 1991 decidió salir de Alemania y fue contratado en Tristan, el restaurante con dos estrellas Michelin que está ubicado en Mallorca, España. Pero al poco tiempo regresó a su país para enrolarse en Residenz, el hotel cinco estrellas de Heinz Winkler, el chef más exitoso de Alemania y creador de la “cocina vital”, ubicado en Aschau. Beck, quien también es sommelier profesional, llegó en octubre
PLACERES
Heinz Beck es sommelier profesional y ha instalado en La Pergola una gran cava con una de las selecciones de vinos más importantes de Italia.
de 1994 a Roma para hacerse cargo de La Pergola. Desde entonces, se ha convertido en el chef más famoso de Roma y ha hecho del restaurante del último piso del Cavalieri Hilton de la capital italiana, con tres estrellas Michelin y una de las cavas de vinos mejor abastecidas de Italia, uno de los más sobresalientes de Europa. El chef alemán define la suya como “una cocina saludable de sabores mediterráneos” y en sus platos es común ver el uso de hidrógeno y nitrógeno líquidos. Su creación favorita es el Fiore Di Zucca, zucchini freído en aceite con huevos de codorniz y caviar sobre un consomé de azafrán. Sin embargo, advierte que no hay como la pasta bucatini, con sardinas frescas, de su esposa Teresa, la persona más interesante a la que, asegura, le ha cocinado. ¿Cuál es su relación con el arte? Lo amo desde que era un niño. Mi gran sueño fue haber sido pintor. Es curioso que el mejor chef de Roma sea alemán y cocine en un hotel americano... La vida está llena de sorpresas y este ha sido un excelente reto para mí. ¿Quién fue su mentor y qué aprendió de él? Heinz Winkler, de Residenz, en Aschau. Aprendí de él rigor, pasión y la importancia de los estándares de calidad. Dicen que usted no soporta el ruido en su cocina… Si usted quiere grandes creaciones y alta calidad necesita concentración. En mi cocina los ruidos inútiles deben ser evitados. ¿Cómo logra crear tantos nuevos platos cada año? A veces me levanto en la noche con la inspiración. También hay elementos externos que me inspiran como las flores, las pinturas y la arquitectura. ¿Dónde compra sus mejores ingredientes? En el mercado “Campo de Fiori” de Roma, es un lugar mágico para las frutas y los vegetales. ¿Dónde está el punto de encuentro entre los nuevos sabores, las técnicas y los platos saludables? Cada plato necesita y debe responder a esas tres características. ¿Dónde está la mejor cocina del mundo? En Italia.
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PLACERES
POR RICARDO KLING
LA PROFUNDIDAD
DEL TIEMPO DESDE HACE CASI 90 AÑOS, LAS CASAS RELOJERAS DESARROLLAN RELOJES CADA VEZ MÁS PRECISOS Y RESISTENTES AL AGUA Y A LOS GOLPES. UN RECORRIDO HISTÓRICO POR LOS MÁS FANTÁSTICOS RELOJES SUBMARINOS ALGUNA VEZ DISEÑADOS.
IWC AQUATIMER CRONÓGRAFO “COUSTEAU DIVERS” En acero con correa de caucho negra. Representación del «Calypso» en la tapa del reloj. Edición limitada a 2.500 ejemplares.
¿Cuáles son las ventajas de trabajar en un hotel? No es cualquier hotel. Es el Cavalieri de Roma, un lugar hermoso y único. ¿Cuál es su plato favorito? No hay como un buen plato de pasta, la amo. ¿Y el que menos le gusta? Las ostras; ni me gustan ni les gusto, soy alérgico a ellas. ¿Por qué los mejores chefs del mundo son hombres y no mujeres? No siempre. De los cinco restaurantes con tres estrellas Michelin en
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Italia, tres son dirigidos por una chef. Además, no hay como la cocina de las madres o las abuelas, quienes por lo general son la fuente de inspiración de todos los grandes chefs. ¿Qué es lo que más lo divierte además de la cocina? Visitar exhibiciones de arte y viajar alrededor del mundo. ¿Cómo ve la cocina en diez años? Aparte de cualquier tipo de evolución, la tradición y el uso de ingredientes locales estacionales siempre permanecerán y serán fundamentales en la creación de alimentos
sanos. También habrá una mayor investigación para hacer una cocina cada vez más sana y para descifrar los gustos de los comensales. ¿Cuál es su restaurante favorito? El Café Les Paillotes, en Pescara, por su maravilloso pescado y cocina territorial. ¿Cuál es su ingrediente favorito? La alcachofa, es uno de los ingredientes más versátiles. ¿Cuál es la importancia de ser un sommelier? El vino complementa y completa la comida; así es, hay una gran sinergia entre los dos.
Leí que hace algunos años bebió en una noche algunas de las mejores botellas de vino del mundo... Fue una noche inolvidable con algunos amigos cercanos. El vino más joven era de 1959. ¿Cuál es su vino favorite? Chateau d’Yquem, 1995. ¿Qué tan importante es la tradición en la cocina moderna? La tradición es la base de cualquier clase de evolución en la cocina. ¿Dónde ha tenido su mejor experiencia culinaria? La he tenido en una simple trattoria romana.
MÁQUINAS DE TIEMPO
OMEGA SEAMASTER PROFESSIONAL Corona de válvula de escape de gases. Resistente al agua hasta 600 metros. Edición especial 007.
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Cuando los relojes de bolsillo empezaron su evolución hacia relojes de pulsera, no eran otra cosa que pesados y frágiles instrumentos de poca precisión llenos de problemas técnicos como la resistencia a los golpes, al polvo y a la humedad. No pasaría mucho tiempo antes de que los inconvenientes fueran resueltos hábilmente por las casas relojeras, que entre los años 1920 y 1930 idearon los movimientos antichoques y las cajas de reloj impermeables. Para aquel entonces el alemán Hans Wilsdorf descubrió que el punto más débil de los relojes era la corona de remontuar, por entre la cual se filtraba generalmente el mugre y la humedad, elementos que deterioraban rápida y fatalmente los finos mecanismos. Adaptando un tubo roscado a la corona de modo que esta se pudiera literalmente atornillar a la caja, garantizó una impermeabilidad suficiente para que el reloj pudiera ser usado en el agua. Así, con un ingenioso plan de mercadeo, el señor Wilsdorf, fundador de Rolex, colocó en 1927 en la muñeca de una nadadora uno de sus relojes para que atravesara el Canal de la Mancha. La inglesa Mercedes Gleitze triunfó en su hazaña y convirtió al ‘Oyster’, el reloj más famoso de Rolex, en el símbolo del reloj deportivo de lujo y el más exitoso de la historia. En esos mismos años, Omega lanzó su modelo ‘Marine’ que, pese a no tener la corona atornillable, contaba con una segunda caja en el interior del reloj en la cual se alojaba el mecanismo y le brindaba una protección relativamente adecuada contra la humedad. Simultáneamente, el pachá de Marrakesh encargó al joyero francés Louis Cartier un reloj con el cual pudiera nadar en la piscina de su palacio. Así, poco a poco,
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PASHA SEATIMER DE CARTIER Hermético hasta 100 metros. Función cronógrafo y bisel giratorio. Movimiento mecánico automático calibre Cartier 8630.
JAEGER-LECOULTRE MASTER COMPRESSOR DIVING PRO GEOGRAPHIC Doble zona horaria. Indicador de profundidad. Caja de titanio grado 5 resistente al agua hasta 300 metros.
AUDEMARS PIGUET ROYAL OAK OFFSHORE BOUTIQUE SCUBA Edición especial limitada a 300 relojes. Producido especialmente para la inauguración de la boutique de la marca en Ginebra en 2008.
fueron surgiendo alternativas para proveer a muchos relojes alguna resistencia al agua.
WATERPROOF WRIST WATCH La gran innovación se llevó a cabo durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los diferentes ejércitos del mundo requerían de mayor resistencia y fiabilidad en sus relojes. Se desarrollaron interesantes y mejores instrumentos a prueba de golpes, antimagnéticos y herméticos. Surgieron los relojes de piloto IWC, los ‘Omega Marine’ mejorados, los Hamilton en la Marina norteamericana, pero definitivamente fue el Rolex el que se consolidó con su caja 100% impermeable y fiabilidad impresionante. Incluso un Panerai, que se adaptó para la Marina italiana, tuvo un dispositivo de palanca de presión sobre la corona del reloj que garantizaba una impermeabilidad de hasta 30 metros de profundidad, pero cuyo uso civil fue mínimo dado su tamaño e incómodo diseño.
PATEK PHILIPPE AQUANAUT EXTRA-LARGE Automático. Impermeable a 120 metros. Reserva de poder de 45 horas.
IWC AQUATIMER DEEP TWO Con indicador de profundidad máxima y mínima de inmersión. Caja de acero de 46 milímetros.
MÁQUINAS DE TIEMPO
El salto de la relojería hacia las profundidades del mar sucedió en los años 1950 cuando a su vez se desarrollaron equipos más eficientes para el buceo profesional y deportivo. En la feria de Basilea de 1954, Rolex presentó formalmente su modelo ‘Submariner’ referencia 6204 para uso civil. Su aspecto, muy parecido al ‘Submariner’ de hoy, poseía una resistencia hasta 660 pies de profundidad, una verdadera maravilla para la tecnología relojera. Su bisel giratorio unidireccional además proveía al buzo de un importante sistema para medir el tiempo parcial de descompresión cuando ascendía nuevamente de las profundidades del océano. Audazmente, los técnicos de Rolex desarrollaron entonces una versión especial del ‘Oyster’ que fue atornillado al exterior del batiscafo del profesor Piccard y que descendió a la impresionante profundidad de 3.150 metros. En 1960 utilizaron un ‘Deep Sea’ para el batiscafo ‘Trieste’ que descendió a más de 10.000 metros. Debido al éxito de las películas y series de TV de Lloyd Bridges (El investigador submarino) y las
después, normas internacionales acordaron eliminar el uso de la palabra “waterproof” y establecieron términos más precisos para describir y anunciar la capacidad de resistencia de un reloj. Hoy esta medición, normalmente es grabada en la parte posterior del reloj y establece la profundidad a la cual éste se puede llevar. La presión de la profundidad se mide en atmósferas (Atm.). Cada 10 metros de profundidad en el agua del océano equivalen a 1 atmósfera. Normalmente un buzo aficionado desciende a no más de 30 metros pero por la presión que se ejerce al reloj durante el ejercicio y los impactos que pueda recibir a esa profundidad, se recomienda un reloj resistente a 100 metros.
Después de atravesar el Canal de la Mancha en 1927 con un Rolex, la inglesa Mercedes Gleitze convirtió al ‘Oyster’ en el reloj más famoso de la marca.
PRESTIGIO Y ESTILO
Primer Rolex Oyster con corona de atornillar. ROLEX SUBMARINER DATE
hazañas de Jacques Cousteau en su barco Calypso, rápidamente el interés por los relojes impermeables creció hasta obligar a casi todos los fabricantes a lanzar sus relojes especiales. Así, Eterna-Matic presentó su ‘Kontiki’ que fue llevado por Thor Heyerdahl en su aventura del océano Pacífico, y Omega introdujo su legendario ‘Seamaster’. Casi simultáneamente Blancpain lanzó su reloj ‘Phantom’, del cual vendió 50 piezas. International Watch Co. de Schaffhausen, al norte de Suiza, lanzó su famoso ‘Aquatimer’ y Jaeger le Coultre el reloj ‘Polaris’. Mucho después, en los años 1970, Audemars Piguet introdujo el ‘Royal Oak’ y Patek Philippe su ‘Nautilus’, que, pese a no haber sido diseñados oficialmente para bucear, poseían claras características de impermeabilidad. Vale la pena mencionar que la diferencia que existía entre los relojes “resistentes al agua” (water-resistant) e “impermeables” (waterproof) radicaba en la resistencia adicional a la humedad que otorgaba la corona del reloj cuando ésta era atornillable. Años
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En 1960 el Rolex ‘Deep Sea’, atado al batiscafo ‘Trieste’, descendió a más de 10.000 metros.
Hermético hasta 300 metros. Movimiento automático, caja de 40 milímetros. Bisel unidireccional para medir el tiempo de inmersión.
En la actualidad casi todas las marcas finas de relojes tienen modelos impermeables. Entre los más conocidos y confiables están: el Rolex ‘Submariner’ y su versión especial ‘Sea Dweller Deep Sea’, garantizado para ser sumergido a profundidades de hasta 3.900 metros; y el Omega ‘Seamaster’, que posee una válvula especial de escape de gases. Este sofisticado mecanismo provee la posibilidad de que los gases acumulados en el proceso de descompresión salgan con el fin de evitar que el reloj se explote en la mano del usuario. El ‘Aquatimer’ de IWC recientemente presentó su “DEEP 2” que cuenta con una válvula que registra la profundidad máxima y mínima de la inmersión. Jaeger le Coultre tiene un bello ejemplar con una función similar, el “Master Compressor”. Aficionados al Scuba Diving incluyen entre sus favoritos también al Chopard ‘Pro-One’, al ‘Aquanaut’ de Patek Philippe, al ‘Royal Oak’ de Audemars Piguet, el ‘Pasha’ de Cartier y, en general, a los relojes de prestigio con mecanismo mecánico o automático, lo que garantiza su funcionamiento en las profundidades y un aspecto fabuloso en la superficie. No hay que ser experto para reconocer que la alta relojería tiene preciosos ejemplares que llevan consigo el prestigio de la marca, son sinónimo de una vida moderna llena de desafíos y a la vez se constituyen en patrimonio importante de los coleccionistas que hacen honor a la técnica de hermeticidad para defender al reloj de las inclemencias del ambiente.
POR LILIANA LÓPEZ SORZANO
MÁQUINAS DE TIEMPO
FOTO DAVID RUGELES
MOVIMIENTOS DE
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Ser atendido como nadie más en el mundo es la máxima de lujo para François-Henry Bennahmias. Y ese, asegura, es el tipo de servicio que ofrece Audemars Piguet. Bennahmias nació en París y llegó a ser golfista profesional. Ocupó la posición 25 en el ranking del tour francés de golf y desde ahí tejió una red de contactos que lo llevaron a desempeñar cargos en firmas como Giorgio Armani, Les Copains y Vilebrequin. En 1994 inició su carrera en Audemars Piguet y fue responsable de la marca en Francia, Alemania, España, Italia, Australia, Malasia y Singapur. En 1999 fue promovido como presidente para Norteamérica y a sus responsabilidades se ha sumado la dirección de mercadeo para América Latina.
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PRECISIÓN Vive en Nueva York, una ciudad en la que dice “no hay un final para nada; ni para una noche, ni para un negocio y en la que todo es posible”. Aunque recuerda sus años como golfista, lo suyo ahora es el póker. Lleva dos años participando en el campeonato mundial y sueña con ser algún día el campeón. Mientras lo logra, analiza los vaivenes del mercado y no descuida ni un detalle de su estrategia para que la operación de Audemars Piguet en el continente siga funcionando con la precisión de un reloj suizo. ¿Qué lo ha sorprendido de la operación de Audemars Piguet en América Latina? Mi primer viaje a Latinoamérica me hizo caer en la cuenta de cuánto se aprecia la marca en la región. No sabía que fuera así; me llevé una gran sorpresa. ¿Cuál es el desafío más grande en tiempos de crisis? Enfrentarnos a la tormenta lo mejor que podamos. Entender que hemos sido afectados, como todos los demás. Mientras tanto lo que podemos hacer es asegurarnos de ofrecer el mejor servicio posible y mantener nuestra creatividad. Es
INTERPRETANDO LOS AIRES DEL TIEMPO DESDE 1875, AUDEMARS PIGUET SE HA GANADO UN ESPACIO EN LA RESPETADA COFRADÍA DE LA ALTA RELOJERÍA SUIZA. FRANÇOIS-HENRY BENNAHMIAS, PRESIDENTE DE LA COMPAÑÍA PARA NORTEAMÉRICA, ECHA UN VISTAZO AL PRESENTE Y EL FUTURO DE LA MARCA. por esto último que la gente nos adora. En marketing, tenemos que mantener nuestra diferencia porque somos una compañía orientada al estilo de vida, presente en los deportes, en el mundo del entretenimiento y en la cultura. Audemars Piguet ha sido reconocida por utilizar e ingeniar nuevos materiales... Sí, y en el futuro veremos aún más innovación. En estos momentos estamos trabajando, por ejemplo, en un nuevo material que no se raya. Otro –que nunca se ha usado– saldrá en los próximos tres años. Aún no podemos revelarlo pero promete mucha calidad y un mejor diseño. Siempre estamos a la caza de innovaciones. ¿El mercado americano es más difícil que el europeo? Sin duda alguna. Pero lo es para toda la industria. Las exportaciones de la relojería suiza a este mercado han disminuido en un 54 por ciento. Estamos trabajando en un presupuesto para el mercado americano que bajará en un 20 por ciento en comparación con el año pasado. Todavía tenemos una gran labor de educar a la gente sobre la cultura del reloj y creemos que hay mucho campo para crecer en este mercado. ¿A qué tipo de persona están dirigidos sus relojes, a quién le gustaría ver portando uno de ellos? Es difícil identificarlo, el rango es bastante amplio. Estamos vendiendo en nuestra tienda en Nueva York regalos para los nietos, lo que significa que estos jóvenes están pidiendo de regalo de grado, por ejemplo, un reloj de nuestra marca. Audemars Piguet se está volviendo más joven, lo que es muy importante para nosotros. Pero si hablamos de personalidades, sería una persona de carácter fuerte que trabaja y juega duro, que consigue sus metas, que tiene una fuerte pasión por la vida y la quiere celebrar. Otra marca muy conocida, dice que uno nunca tiene un reloj sino
que lo hereda, y se pasa de generación en generación. Nuestros clientes lo compran para satisfacerse porque trabajan duro y se merecen disfrutarlo. Quizá después piensen en darlo a sus nietos. Si pudiera escoger un producto que representara a la marca, ¿cuál elegiría? Sería nuestro próximo reloj que hace parte de la colección ‘Royal Oak Offshore’. Estos son cronógrafos de talla supergrande con los que hemos sacado ediciones limitadas como el Alinghi, el Rubens Barrichello o el Survivor. Representan la audacia que tenemos al buscar siempre nuevos materiales, nuevos diseños y nuevas formas que nos ubican en un lugar aparte de la competencia. Por otra parte está la colección clásica ‘Jules Audemars Equation of Time’, que representa todo lo que somos. Cada pequeño detalle de ese reloj hace sentir al dueño como si fuera un único producto por el nivel de personalización. Pueden por ejemplo ajustar el amanecer y el atardecer en cualquier parte del mundo, las iníciales se pueden grabar (trabajo preciso porque se calcula el peso de las letras pues una L es menos pesada que una H para asegurarse de que el reloj esté perfectamente balanceado). Es lo último en personalización. ¿Cuál otra marca sería su mayor competencia? Patek Philippe sería esa marca. Sin embargo, es muy conservadora, ellos hacen cosas que nunca haríamos y viceversa. Podemos estar equiparados en precios, en calidad, en oficio. Es como una carrera de ventas, unos por el lado derecho, los otros por el izquierdo para llegar al mismo lugar al final. Pero hoy en día la competencia puede ser cualquier cosa y no necesariamente tiene que ser una compañía relojera. Puede ser un viaje, un auto, un bote o una joya teniendo en cuenta que el valor de un reloj puede equipararse a muchas de esas cosas.
Para enfrentar los nuevos tiempos, François-Henry Bennahmias, de Audemars Piguet pretende asegurar el mejor servicio posible sin olvidar la creatividad.
A LTA M O D A
MOVIMIENTOSDE VANGUARDIA
ENTERIZO STRAPLESS DE ALGODÓN LYCRADO DE STUDIO F. COLLAR METÁLICO DE BEATRIZ CAMACHO. PULSERA EN ACRÍLICO Y CADENAS METÁLICAS DE FERNANDA ARIAS. ENTERIZO CON MANGAS DE ALGODÓN LYCRADO DE STUDIO F. COLLAR Y PULSERA METÁLICOS DE BEATRIZ CAMACHO.
M Ó N I C A B A R R P E L O Y M A Q M O D E L O S : D I A N A L E M U S , D E A S I S T E N T E D E F A S I S T E N T E S D E S T Y L I N C O L A B O R A C I Ó N E S F O T Ó G R A F A :
E U L O G P
N I A T : E
E C H E / S T Y L I N G : F E L I P E E S P I N O S A L L A J E : Á L E X O S P I N A A G E N C I A ; D I A N A C O R T E Z , D E I N F O R M A Ó G R A F A : G E R M Á N P R I E T O C É S A R L E Ó N Y Y E I N E R G A R N I C A C I A L : S E B A S T I Á N R A M Í R E Z
A LTA M O D A
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CHALECO DE ALGODÓN NEGRO DE MANGO. ENTERIZO DE ALGODÓN TIPO ESMOQUIN DE DIESEL. PULSERAS DE MADERA Y ACRÍLICO DE MANGO.
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A LTA M O D A
CHALECO DE ALGODÓN NEGRO DE MANGO. FALDA PITILLO DE LENTEJUELAS DORADAS DE JOHANNA RUBIANO. SANDALIAS DE CUERO MULTICOLOR DE ISABEL HENAO. ENTERIZO DE ALGODÓN TIPO ESMOQUIN DE DIESEL. PULSERAS DE MADERA Y ACRÍLICO DE MANGO. ZAPATOS DE CUERO CHAROLADO DE 2.
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POR CARLOS FERREIRINHA*
* Carlos Ferreirinha - Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina. www.mcfconsultoria.com.br
EL CAMINO DEL LUJO
LA HORA DE LOS
PEQUEÑOS SECRETOS
La historia del lujo con tradición siempre ha estado basada en las pequeñas marcas que convierten el espíritu del artesano en obras de arte. No importa el tipo de producto: carteras, zapatos, ropa, perfumes. Todo está hecho con la más profunda precisión, con los más nobles materiales, en pequeñas escalas y pocas cantidades. Es el valor de la artesanía, de la producción individualizada, de lo especial y poco frecuente.
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Con los cambios que la industria ha experimentado en los últimos años, es un “lujo” todavía tener acceso a estas supervivientes pequeñas marcas. Son secretos bien guardados que pocas personas conocen. En esta coyuntura, las principales marcas también están volviendo al pasado para intentar rescatar el principio de la artesanía absoluta, de las cantidades limitadas, de lo hecho a mano, de lo realmente exclusivo. Y será en este año de adversidades económicas cuando aumentarán las oportunidades de estos pequeños lujos; de los secretos bien guardados. Todos estamos dispuestos a aventurarnos nuevamente en este tipo particular de consumo único y exclusivo. Lo haremos a través de los movimientos de las marcas que ya están presentes en nuestras mentes, de las nuevas empresas e incluso de aquellas que aún permanecían ocultas. El proyecto “Take Vienna Home” en asociación con Wien Products y la Cámara de Comercio de Austria, que tuve el placer de conocer recientemente, es ejemplo de ello y sorprende a todos con el concepto de “cultura de mesa” a través de productos de marcas con mucha historia, tradición y calidad única. La marca Woka Lámparas trabaja con diseñadores como Josef Hoffmann y Adolf Loos, de la corriente del art nouveau, al lado de la moderna y contemporánea diseñadora Christiane Büssgen.
La cristalería Lobmeyer, fundada en 1823, tiene en todos sus diseños la capacidad de transportarnos a los castillos de las principales familias monárquicas europeas y a muchos de sus palacios de gobierno. De la marca sorprende la araña lustre stardust Gilbert que está en el museo Metropolitano de Nueva York. Aún más fascinante es la marca de porcelana Augarten, posiblemente uno de los más antiguos fabricantes de porcelana en Europa, con aproximadamente 300 años de existencia. Trabajo impecable y personalizado, pintado por manos de artistas –toda la producción está a cargo de sólo 35 personas–. Pequeños secretos bien guardados que emocionan. También está la marca Wiener Silber Manufactur, que produce a mano toda su línea de cubiertos de plata, con los modelos utilizados por la Casa Imperial de Habsburgo. Para terminar este baúl de secretos íntimos, se encuentra la marca Zur Schwabischen Jungfrau, un ícono en líneas de cama, mesa y baño y que está en funcionamiento desde 1720, cuando la emperatriz María Teresa tenía sólo tres años de edad. Son estas sólo algunas pocas historias de aquellas marcas que tienen tradición, originalidad, obsesión por los detalles y que inician un nuevo momento de su historia procurando alternativas para el crecimiento en diversos lugares del mundo, inclusive en nuestros países.