DISE&ARTE by Emerson Alviarez

DISE&ARTE DISE&ARTE.COM J U L I O

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DISEÑO CREATIVIDAD MODA ARTE ARQUITECTURA TECNOLOGÍA MÚSICA

6 Tips para la illustración Digital

Lapicero3D una Herramienta Creativa

Bosco Sodi: Arte con Calidad Intelectual AÑO 1 /N°1 /JULIO 2017

Púrpura Parisiense y otros 2.017 colores.

CRÉDITOS DISE&ARTE Edición N°1 Año N° 1 - Julio 2017 Depósito Legal; pp200602NE2466 ISSN: 1856-6634 Copyright 2008 Comercialización: José Tomas Capobianco jose.capobianco@dise&arte.com Mercadeo: Gretty Ospina gretty.ospina@dise&arte.com Comunicaciones Corporativas: Iris Millán iris.millan@dise&arte.com Proyectos e imagen: José Vicente Fernández jose.fernandez@dise&arte.com Carla Ramos carla.ramos@dise&arte.com Diseño y edición: Grupo trazos Emerson Alviarez, Duilia Antori y Jacobo Senior emersonalviarez@gmail.com Consultor jurídico: Carlos Riveras Colaboración Especial: Yorimar Campos, Jorge Alvarado, Lysnel Camero Investigación y Redacción: Amanda Rezende, María Fernanda Espinoza, Aimara Cañizales, Yenny Barreto, Agustin García y Eduardo Burger Corrector editorial: Agustin García y María Fernarnda Espinoza Fotofrafía: Pedro Itriago, José Féliz Rodriguez,Tucán Shutterstock

CONTENIDO

Bosco Sodi: Arte con Calidad Intelectual

ARTE ACTUAL

ARQUITECTURA

Conรณce la Historia de las Edificaciones Modernas

DISEร AR

7 Tips para la illustracion Digital

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CREATIVOS

TECNOLOGÍA

Lapicero 3D una Herramienta Creativa

El Futuro del Diseño en la Tecnología

MÚSICAD

10 TVideos Musicales Inspirados en Obras de Arte

ARTE ACTUAL El artista cuyo reconocimiento se ha expandido por todo el mercado internacional, considera que el dinero no es el fin, sino un medio para devolver a la comunidad parte de lo que él ha recibido. Nos revela cómo convertir este negocio en un proyecto de futuro que cotice a favor del arte y no del artista. Conversamos con Bosco Sodi, cuya obra ha sido expuesta en Nueva York, Milán, Tokio, Barcelona o Berlín y es uno de los artistas contemporáneos —más allá de etiquetas y nacionalidades— más cotizados en un momento en que prima una tendencia decorativa que choca frontalmente con su propuesta matérica.

¿Cómo ha evolucionado el papel del galerista en los últimos años? El galerista hoy está inmerso en todo el concepto de producción. Antes llegabas a una galería, colgabas tu obra y ya. Ahora el galerista es un promotor, un productor, una herramienta de trabajo… ¿A qué artistas de tu generación sigues? Me gusta mucho la obra de Carlos Amorales, de Héctor Zamora, de José Dávila, de Gustavo Lebrija, de Jorge Méndez Blake, de Damián Ortega, Benjamín Torres, Mauricio Limón…

Bosco Sodi DISE&ARTE 4

Arte con Calidad Intelectual

Biografía

¿Qué relación estableces con los coleccionistas? Muchos de ellos son ya amigos y compañeros de viaje. Tengo mucha suerte en eso porque hay un núcleo duro que son mis cuates y siempre están ahí, van a todas las exposiciones, conocen a mis hijos, vamos a cenar… Son parte de mi familia. Y luego hay también coleccionistas a los que no quieres ni conocer. ¿Qué consejo le darías a un artista joven? Acabo de tener una entrevista con el curador del museo Noguchi en Japón y me hizo esa pregunta. Hay que ser honesto con tu obra, contigo mismo y tu manera de pensar. Si la obra se vende, qué bueno —vivimos de esto—, pero la palabra es honestidad. Y una obligación, si te va bien como artista, es regresar. Eso es muy criticable en Gabriel Orozco y en otros: no han hecho nada por nadie. Soy consciente de que me va bien y siento que tengo una responsabilidad. Por eso hicimos Casa Wabi. Ahora tenemos otros proyectos importantes, como una residencia para artistas mexicanos en Japón y una pequeña galería de Casa Wabi para darle espacio a artistas jóvenes sin objeto comercial. No consiste en negar la importancia del dinero, sino en saber

cómo utilizarlo para regresar algo a tu comunidad, que es el arte, y a tu país. Es la mejor manera de quitarte el sentimiento de culpa. ¿Cómo te enfrentas a las retrospectivas? Tengo un archivo muy completo en el que tengo ubicada toda mi obra. Además, tengo cinco coleccionistas muy buenos que tienen obra de todas mis etapas. En ese sentido, no he sido muy bueno guardando obra mía. Cuando tengo una retrospectiva tengo que acudir a estos coleccionistas para que me presten cuadros. Eso es parte también de mi trabajo: empezar a ubicar las obras, ir a ver dónde está esta pieza, localizarla y tratar de que el dueño te la preste para la exposición. Así se puede observar la evolución en mi trabajo; si sientes que te repites no hay que forzar un cambio, debe ser orgánico. Lo principal es entender para quién haces la obra. Si al comprador le gusta y la disfruta, me da muchísimo placer, pero yo la obra la hago para mí. En el momento en que la obra sale del estudio, ya depende de quién la quiera y lo que haga con ella es su decisión.

Bosco Sodi (1970, Ciudad de México) es conocido por sus pinturas a gran escala, de colores vivos y de gran colorido. Sodi ha descubierto un poder emotivo dentro de la crudeza esencial de los materiales que utiliza para ejecutar sus pinturas. Centrándose en la exploración material, el gesto creativo y la conexión espiritual entre el artista y su obra, Sodi intenta trascender las barreras conceptuales. Sodi deja muchas de sus pinturas sin título, con la intención de eliminar cualquier predisposición o conexión más allá de la existencia inmediata de la obra. El trabajo mismo se convierte en un recuerdo y una reliquia simbólica de la conversación del artista con la materia prima que trajo la pintura a la creación. Las influencias de Sodi van desde l’art informel, mirando a artistas como Antoni Tàpies y Jean Dubuﬀet, a maestros de coloristas como Willem de Kooning, Mark Rothko, y los brillantes matices de su patrimonio nativo.

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ARQUITECTURA Arquitectura Moderna A comienzos del siglo veinte, hubiese resultado inconcebible nuestra forma de vida actual; los edificios que habitamos, nuestros lugares de trabajo, las grandes urbanizaciones e incluso los objetos de uso cotidiano, a menos que usted sea un coleccionista, son modernos o mejor dicho contemporáneos. La arquitectura, el urbanismo, y el diseño, hasta el siglo diecinueve, estaban dominados por el academicismo, que consistía en la repetición, en versión remozada de las glorias del pasado, surgiendo los llamados “estilos”, tales como el neoclásico francés, el neogótico, el neobizantino, el eclético, etc.

La modernidad, abarca lo arquitectónico y lo urbano, creado por un proceso de transformación de la sociedad y la cultura. Para esta tendencia, denominada “historicismo arquitectónico”, lo importante eran los grandes edificios públicos, los palacios y los templos. Los hechos que forzaron la aparición de lo moderno, fueron el derrumbe del sistema político y social europeo posterior a la Gran Guerra, las grandes migraciones urbanas debidas a la revolución industrial y específicamente para la arquitectura y el urbanismo, el desarrollo de nuevos materiales tales como el acero, el hormigón, el vidrio laminado y el aluminio. Si bien el historicismo ya estaba en retirada en el período de pre guerra, debido a la renovación producida por el art noveau y el art decó, ambos tuvieron una influencia más bien efímera ya que el primero muere con labelle époque y el segundo, opulento y macizo, decae con la gran crisis de 1930.

Conóce la Historia de las Edificaciones Modernas DISE&ARTE 6

Es en el período de entre guerras donde se gesta, cristaliza y se desarrolla todo lo que actualmente conocemos como moderno en términos urbanísticos y arquitectónicos. Cinco grandes nombres son los que brillan en el panorama de la arquitectura contemporánea, por su trabajo y por la influencia que proyectaron hasta nuestros días. Todos, menos uno, desarrollaron sus ideas en Europa. Se conocieron, se amistaron y enemistaron, se influyeron y se criticaron. En la Alemania de Weimar, un joven arquitecto llamado Walter Gropius, fundó la escuela de diseño y arquitectura conocida como Bauhaus y cuya traducción es “casa estatal de la construcción” donde se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales. A partir de 1926, Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. En 1933 la Bauhaus es cerrada por el régimen nazi y tanto Gropius como su gran colaborador Ludwig Mies van der Rohe migran a Estados Unidos.

En los años veinte, durante la tercera república en Francia surge el trabajo del arquitecto suizo Charles Jeanneret-Gris, más conocido como Le Corbusier quién se sintió atraído desde joven por las posibilidades del hormigón armado. Para Le Corbusier la arquitectura era “el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”. Fue fundador del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM) que influyó en la toda la arquitectura del siglo veinte. Otro de los fundadores del CIAM fue el finlandés Alvar Alto, entusiasta de los principios funcionalistas, la estética industrial y las superficies puras. El único no europeo del grupo fue el norteamericano Frank Lloyd Wright, conocido por las características orgánicas y funcionales de sus diseños. Para los arquitectos vanguardistas, las formas debían ser simples y sin ornamentos, abandonando la composición académica clásica. Los nuevos materiales se debían usar desprovistos de texturas falsas y sus diseños se caracterizan por plantas y secciones ortogonales, generalmente asimétricas, ausencia de decoración en las fachadas y grandes ventanales horizontales conformados por perfiles de acero. Los espacios interiores son luminosos y diáfanos. Sus premisas eran: “la forma sigue a la función” y “lo que funciona bien es bello”. A pesar de las críticas, su influencia en el diseño de nuestro entorno es notable, incluyendo probablemente la silla en que estamos sentados y la revista que estamos leyendo.

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Características de la Arquitectura Moderna El movimiento moderno aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales como el cemento, el hormigón armado, el acero laminado, el vidrio plano en paneles, posibilito la construcción de altas y fuertes estructuras,en grandes dimensiones e hizo que la función social de la arquitectura se reafirmara a través de los años y llevaron al desarrollo de nuevas técnicas constructivas a partir de la revolución industrial, dando lugar al crecimiento de las ciudades de una forma vertiginosa, dando paso al Urbanismo.

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Arquitectura Moderna se ha caracterizado por su simplificación en las formas, la ausencia de ornamento y la huida y renuncia consciente de las composiciones académicas clásicas, siendo sustituida por una estética con referencias a la distintas tendencias del arte moderno como el cubismo, el expresionismo, el neoplastismo, el futurismo y otros, creando grandes plantas y secciones ortogonales, generalmente asimétricas, ausencia de decoración en las fachadas y grandes ventanales horizontales conformados por perfiles de acero con espacios interiores luminosos y diáfanos. Figuras del movimiento moderno William Morris, del Reino Unido entre el 1834-1896, un arquitecto inglés influyente y fundador del movimiento Arts and Crafts, un artista multidisciplina, conocido por diseñar la Red House en Reino Unido en el 1859.

Antoni Gaudí, nacido en España, 18521926, reconocido como el máximo exponente del modernismo, que se caracterizó por su color, sinuosas curvas y motivos de inspiración orgánica, su obra culminante es la iglesia de la Sagrada Familia en Barcelona. Frank Lloyd Wright de EE.UU. del 18671859, con un movimiento racionalista y minimalista, con construcciones con una gran transparencia visual, una profusión de luz, sensación de amplitud y abertura, usando paredes de material ligero y techos de varias alturas para dividir espacios, estableciendo por primera vez la diferencia entre espacios definidos y espacios cerrados, siendo su proyecto más conocido la Casa Fallingwater en Bear Run, Pennsylvania, edificada sobre una gran roca encima de una cascada. Walter Gropius, alemán, 1883-1969, fue el fundador y director de la famosa Bauhaus y arquitecto urbanista, oportó sus ideas de construir a lo alto en las grande ciudades, la creación de bloques de viviendas solucionando problemas sociales y urbanísticos, dos de sus mejores trabajos son la Torre PanAm en Nueva York y los archivos de la Bauhaus.

Ludwig Mies van der Rohe, aleman, 18861969, famoso por ser director de la bauhaus, usaba materiales como el mármol, cristal y hiero con técnicas estructurales avanzadas, aplicando el clasicismo prusiano, una de sus obras más destacada es el Pabellón Alemán, el edificio Seagram en Nueva York, considerado la máxima expresión del estilo internacional, y por último la Casa Farnsworth en Illinois. Le Corbusier nacido en Suiza, 1887-1965, es uno de los arquitectos más famosos y con mayor prestigio, admirador de las líneas puras y limpias, usando el hormigón armado y defensor de los espacios abiertos sin paredes divisorias, con obras como Villa Savoye, la capilla de Notre Dame du Haut, en Francia. Philip Johnson de EE.UU, 1906-2005, poco conocido por su nombre pero muy considerado por su trabajo, colaborando con Mies en el diseño y construcción del famoso edificio Seagram en Nueva york, pero su obra más famosa fue la Casa de Cristal en Connecticut, llamada también Casa Johnson, y también la famosa Catedral de cristal en California.

Frank Owen Gehry de Canadá, 1929, reconocido por sus innovadores materiales y peculiares formas irregulares, volumétricas, descompensadas y expresivas dando un resultado brillante y original, sus obras destacadas son Casa Frank Gehry en California, Museo Guggenheim en España, la Clinica de Salud Mental Lou Ruvo en las Vegas, entre muchas. Richard Meier, EE.UU.,1934, destaca por conceder la misma importancia a la claridad de línea, a la armonía, espacios y a la luz, siendo en la mayoría sus edificios blancos y puros, su obra más destacada es la iglesia Jubilee Church en Cleveland, Estados Unidos, 2003 y el Macba en Barcelona, España, 1995. Norman Foster de Reino Unido, 1935, algunos dicen que es el que representa mejor la arquitectura de nuestros días, contemporáneo, expresando a la perfección nuestro tiempo y la necesidades de nuestra sociedad, su primer trabajo fue la torre de comunicaciones de Collserola en Barcelona 1991, puesta en marcha con motivo de los Juegos Olímpicos de 1992. Pero destaco por el Metro de Bilbao en España, y la Torre 30 St Mary Axe en Londres.

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DISEÑAR

6 Tips para Comenzar como illustración Digital

PORTFOLIO

Crea un portfolio online donde se puedan ver algunos de tus trabajos. En cualquiera de ellas puedes subir fácilmente tus trabajos. Procura que sean los mejores o más representativos. Con unas 15 imágenes tienes más que suficiente, Mantenlo activo y actualizado de forma periódica.

CREA REDES

Las redes sociales te permiten generar contactos, ver información de interés y dar a conocer tu trabajo. Para los ilustradores recomiendo Facebook, Behance e Instagram. Los tres son grandes escaparates para nuestro trabajo y nos permiten interactuar con clientes potenciales.

PARTICIPA EN EVENTOS

Los encuentros profesionales, las presentaciones, los salones de cómic, las ferias del libro y demás saraos son grandes oportunidades para generar contactos interesantes. En los grandes eventos relacionados con el mundo editorial hay editores o profesionales interesantes a los que preguntar tus dudas o darles tus tarjetas.

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HAZTE UNAS TARJETAS

algún colega, compañero o alguien que creas que pueda generarte trabajo. No seas tímido, piensa que cuanto más abanico de personas abarques, tienes más posibilidades de que alguien se acuerde de ti para algún Hazte unas tarjetas de visita. Acostúmbrate encargo o trabajo. a llevarlas encima y darlas cuando conozcas a

APRENDE A COBRAR

Consulta el libro blanco de la Ilustracion o, si no lo tienes muy claro, consulta con algún compañero que tenga más experiencia para que te asesore. No pongas tu precio sin saber si lo que estás cobrando es un precio justo. Si por cualquier cosa te da apuro, en Facebook existen grupos de ilustradores en los que suelen compartir este tipo de dudas, seguro que eres bienvenido en cualquiera.

QUÍTATE LA PENA

Es fundamental que te pongas pilas. Tienes que echarte adelante, vender tu trabajo, ser sociable, Se abierto a las críticas y escucha a los profesionales, seguramente aprendas algo de ellos. Todos ellos te generará posibles contactos. 11 DISE&ARTE

CREATIVOS De la unión de una pluma estilográfica y una impresora 3D surge 3Doodler, un nuevo bolígrafo 3D que permite crear al instante estructuras rígidas y mallas tridimensionales en el aire, mediante la fusión y enfriamiento de filamentos de plástico. Sus desarrolladores confían en las reducidas dimensiones de su diseño compacto, elegante y de punta ultrafina para diferenciarse de la competencia como el bolígrafo 3D más pequeño del mundo.

La tecnología patentada de 3Doodler permite fundir y enfriar, en unos segundos, el filamento de plástico de 1,75 mm de diámetro con el que se alimenta el bolígrafo para esculpir estructuras verticales en tiempo real. La gran resistencia, flexibilidad y maleabilidad del filamento de ABS, convierten este material en el candidato ideal para la impresión 3D de estructuras a mano con 3Doodler. Además, el dispositivo también es compatible con el filamento de PLA que, aunque tiene menor resistencia y flexibilidad que el ABS, ofrece una interesante gama de colores y niveles de transparencia para diseñadores y arquitectos.

El bolígrafo 3Doodler tiene una función similar a la de cualquier impresora 3D del mercado, sólo que la versatilidad de sus reducidas dimensiones y la rapidez con la que se funde y enfría el filamento de plástico ABS/PLA permite realizar a mano casi cualquier estructura Para su funcionamiento basta con conectar el cable de alimentación a una toma de corrientridimensional imaginable. te o puerto USB y esperar menos de un minuto El bolígrafo 3D destaca por el diseño com- para que el bolígrafo alcance la temperatura pacto, elegante y ergonómico del cuerpo óptima que garantice la correcta fusión del cilíndrico de 1,40 mm de diámetro fabricado plástico ABS/PLA en el cabezal de extrusión. en aluminio anodizado y sus 16,37 cm de lon- A partir de ahí sólo es cuestión de empezar a gitud. La boquilla de extrusión, ubicada en el esculpir nuestro diseño dibujando en el aire. extremo inferior de la pluma, es capaz de fundir el filamento de plástico que entra desde el Este interesante dispositivo manual de imextremo superior del bolígrafo hasta alcanzar presión 3D ha sido subido recientemente a la los 200 ºC, alimentado desde una toma de co- plataforma Kickstarter y sus creadores confían en alcanzar el objetivo marcado para su prorriente convencional 3.0. ducción y posterior comercialización. Quizá 3Doodler no tenga la precisión de una impresora 3D, pero lo convertirán en una potencial herramienta de trabajo y prototipado para artistas, arquitectos y diseñadores interesados en la impresión 3D y en el trabajo hecho a mano.

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Lapicero3D una Herramienta Creativa

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MacBook El libro mรกs interesante del Mundo

TECNOLOGÍA Actualmente vemos como la tecnología va evolucionando a pasos agigantados, en cambio el diseño de interacción es aún joven, ya que dio sus primeros pasos en los años 90. Hoy la demanda de las compañías tecnológicas por el diseño ha llegado hasta las nubes, pero aún seguimos operando un poco como al estilo del lejano oeste: rápido, impreciso y con jóvenes.

Las mejores prácticas en nuestro campo son de vanguardia, en lugar de ser forjadas a través de décadas de experiencia. Los procesos para la creación de un gran trabajo son tan flexibles como la masa para galletas. Es una época emocionante para ser un diseñador en el mundo de la tecnología. Estamos en medio de un cambio radical, y no puedo esperar a ver como serán las cosas dentro de 10 años. Mirando hacia el futuro y tomando algunas lecciones de otras disciplinas como el diseño industrial, diseño gráfico y de moda, aquí les dejo algunas predicciones del camino que tomará el diseño en la tecnología, en los próximos 10 años: 1- Se espera que los diseñadores logren crear experiencias de extremo a extremo, más realistas y no sólo para las interfaces; productos y servicios que pueden ser totalmente contenidos dentro de la pantalla serán atípicos en lugar de la norma.

El Futuro del Diseño en la Tecnología DISE&ARTE 16

2- En cuanto a la educación, las universidades de diseño tendrán un programa multidisciplinario; una nueva ola de estudiantes serán capaces de entender los principios básicos del diseño gráfico, los software y hardware.

6- Los diseñadores usarán herramientas completamente diferentes dentro de 10 años; veremos el renacer de aplicaciones, que harán que diseñar y el proceso de crear sean más poderosos y eficientes.

3- Al menos la mitad de los productos creados para el público en general, serán enfocados en el diseño y no solo que sean puramente utilidad, esto no quiere decir que se dejará de lado la usabilidad por el estilo.

7- Veremos mucha diversidad en los diseñadores para tecnologías. La mitad de ellos serán mujeres y una tercera parte de otras latitudes.

4- El “Design Thinking” se convertirá en el “Product Thinking” (les recomiendo ver este documental para entender este fascinando concepto del nuevo diseño). 5- La mayoría de las nuevas startups serán fundadas por diseñadores. De igual manera, será muy inusual para cualquier compañía tecnológica, que tenga más de 100 personas, tener un ejecutivo de diseño como puesto de alto mando en la empresa.

8- En una compañía habrá un incremento en diseñadores, llegando a un margen de 1 diseñador por cada 4 ingenieros, esto porque el diseño se volverá algo más valorado por la crítica, y es necesario el personal con conocimiento multidisciplinarios, y experiencias especializadas. 9- Los fabricantes de productos tendrán a su disposición una mayor fluidez de conocimientos de diseño, debido a mejores niveles de educación, esto les permitirá tener un panorama de creación más amplio, no solo desde el punto de vista funcional, sino también visual.

10- Los productos y servicios más populares, no serán percibidos en la vida cotidiana y prácticamente serán invisibles, haciendo referencia a productos más avanzados como la nube, compras online o hosting. 11- Con la creación de impresoras 3D, los diseñadores podrán fabricar con mayor facilidad modelos para posteriormente serán producidos en masa, esto ocurre en la actualidad, pero a pequeñas escala, y no con la funcionalidad de producir cualquier objeto, y que tenga un impacto en la vida cotidiana de las personas. Estas son algunas predicciones, que creemos serán las que moverán el diseño en el cambiante mundo de la tecnología.

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MÚSICAD

10 Videos Musicales Inspirados en Obras de Arte

Nicki Minaj Yayoi Kusama

Aunque no todos los videos de esta lista pudieran catalogarse como piezas artísticas, las obras y artistas en los que se están inspirados Nicki Minaj ft. Cassie - The Boys han marcado un partea guas en el arte Esta es la prueba de que la música pop se preocupa lo suficiente por el arte contemclásico o contemporáneo. poráneo. El video de Minaj está inspirado en No es extraño que los músicos, bandas y crea- la obra de Kusama y sus puntos obsesivos. dores de videos musicales se inspiren en otras artes u obras para realizar sus clips. Las artes suelen alimentarse unas a otras para inspirarse o rendir tributo.

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St. Vincent Ron Mueck St. Vincent - Cheerleader La banda usa diferentes esculturas de Ron Mueck en su video. ¿Que quién es Ron Mueck? Quizá el más afamado artista que realiza esculturas hiperrealistas a gran escala y abarrota los museos y galerías donde su obra se presenta.

Madonna Guy Bourdin Madonna - Hollywood Madonna es una experta en arte contemporáneo. Fue pareja de Jean Michel Basquiat y puso a Frida Kahlo en el mapa del mercado del arte. Ha sido de las grandes promotoras de Tamara de Lempicka y en este video utiliza el estilo y muchas de las obras del fotógrafo francés Guy Bourdin.

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Christina Aguilera David LaChapelle Christina Aguilera ft. Redman - Dirrty Dave LaChappelle es fotógrafo de moda, publicitario y de grandes producciones que hizo de las suyas en el mundo de la música. Fue el director de este video y lo describió como “una orgía post-apocalíptica”.

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Hold Your Horses - 70 Million El grupo Hold Your Horses! reconstruye algunas de las obras más representativas del Arte Universal y tienen como referencia evidente “La Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp”, la “Venus” de Botticelli y la “Maja Desnuda” de Goya, entre muchas otras.

Hold Your Horses! Varios artistas

Red Hot Chili Peppers Erwin Wurml Red Hot Chili Peppers - Can’t Stop Wurm se menciona en el video musical “Can’t Stop” de los Red Hot Chili Peppers, en el que una señal indica que su arte es una inspiración para el video. En una reciente entrevista de iTunes, Flea menciona que la imagen de Wurm de un hombre con un lápiz en la nariz, fue una influencia significativa en el video.

The Cars Andy Warhol The Cars - Hello Again Dirigido por el mismisimo Andy Warhol al que vemos actuando como un barman que observa el mundo, este video tuvo su propia polémica en sus años por su contenido de sexo y violencia.

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R.E.M. Caravaggio R.E.M. - Losing My Religion Las obras del siglo XVI de Caravaggio representaban tanto historias bíblicas como acontecimientos reales con personas reales, que pintó junto a su equipo de ladrones y prostitutas como modelos. El uso de luces del escenario para imitar su claroscuro es realmente impresionante en este video.

Rihanna Varios Artistas Rihanna - Rude Boy Este video incluye muchas referencias a artistas como Andy Warhol, Basquiat, Lichtenstein, Keith Haring y Annie Leibovitz. Hay más artistas aludidos en este video que en el libro de historia de arte de E. H. Gombrich.

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Thom Yorke Banksy Thom Yorke - The Hollow Earth Aunque el artista nunca ha afirmado que este video tome inspiraciรณn en la obra de uno de los artistas urbanos mรกs famosos de la actualidad, las referencias son reconocibles en todo el video clip.

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Artistas nacidos aquĂ.

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