Nisimazine Torino 2007 #2 by NISI MASA

NISI MAZINE 2 Tuesday 27 November 2007

A Magazine Created By Nisi Masa, European Network Of Young CinemA

torino

The Blue Hour Bolboreta, mariposa, papallona Alina Marazzi ÂŠ Bolboreta, 2007

25TH torino film festival

NISIMAZINE TORINO

Editorial I

Apicella is nearing a nervous breakdown. This is possibly because someone has stolen his last piece of Sacher Torte. For Apicella, this cruel and criminal act has been the final blow in the struggle to run a film festival. He has arrived at the top of Lingotto not in a Mini but on a Vespa, and before racing through the streets of Torino has left a simple, clear message on his desk that reads: «I’m out of office and don’t know when I will come back.» The events leading to this situation have the same playfulness and irony as in other films by Moretti. Apicella tries to balance his time between running a festival in Northern nisimasa07.pdf

23-11-2007

Italy and keeping in touch with a possible film project in the South. In the middle of all this he finds himself dreaming of the chance to make a special Christmas film with Aurelio De Laurentiis (Apicella always wakes up, not sure whether it has been a nightmare or a dream come true). Then one day, as Apicella thinks he is awake, one of the characters of his would-be film, a tinker bell-like girl dressed in a Christmas outfit (played by Jennifer Beals) comes alive and helps Apicella to open his eyes to the realities of the film industry, reminding him that he is in fact «un autarchico» - self-sufficient. A happy ending follows. While I wait for Moretti to option my film idea and also to make the musical about the politically-committed pastry chef, I am left with a feeling that he comes from the Don Camillo/Peppone school of filmmaking (is there any better?). Besides, I like Sacher too.

17:45:44

A magazine published by the associations NISI MASA and Franti-NISI MASA Italia with the support of the ‘Europe for Citizens’ programme of the European Union. EDITORIAL STAFF Editor-in-chief Matthieu Darras Secretary of the editorial Jude Lister Artistic director Emilie Padellec English translations Jude Lister Italian translations Marta Musso, Elisa Micalef Contributing editors to this issue Luca Döme, Zsuzsanna Kiràly, Jude Lister, Marta Musso, Atso Pärnänen, Delphine Pinatel, Christian Ruthner, Silvia Taborelli, Vittorio Sclaverani COORDINATORS (FRANTI) Giorgia Bonfante, Laura D’Amore, Simone Fenoil, Maddalena Longhi, Nicoletta Rinaudo, Silvia Taborelli Franti-NISI MASA Italia + 39 328 021 08 32 info@frantinisimasa.it www.frantinisimasa.it

NISI MASA (European Office)

Atso Pärnänen

CMY

The latest daily news from all throughout Europe in four languages

English, French, Italian, Spanish

Cineuropa.org is an initiative of Cinergie and Cinecittà Holding, co-funded by the MEDIA Plus Programme of the European Union, Ministère de la Communauté française de Belgique, Ministero per i Beni e le Attività Culturali Direzione generale per il Cinema, Centre National de la Cinématographie, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, Swiss Films, German Films, Filmunio, Luxembourg Film Fund and Malta Film Commission, Irish Film Board, in collaboration with European Film Promotion, Europanet Invideo, Film New Europe

10 rue de l’Echiquier, 75010, Paris, France. + 33 (0)6 32 61 70 26 europe@nisimasa.com www.nisimasa.com

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‘‘Christmas Comes to Michele Apicella’’

can imagine Michele Apicella - played by Nanni Moretti running on top of Lingotto, the old Fiat factory in Torino as the first snowflakes of the winter slowly fall and disappear into the river Po.

Film of the day

Tuesday 27 November 2007 / # 2

The Blue Hour

By Eric Nazarian (USA, “Torino 25”)

??? 3 questions to...

Céline Sciamma (France, “Torino 25”)

•

ric Nazarian, a young director of Armenian origins, is exploring in his first feature film an apparently invisible communication between people living in the same area of Los Angeles by presenting four intertwined stories. The characters talk through their silence. A silence perfectly explainable in each case: a Mexican teenager hanging out all day on a riverbank making graffiti and having little contact with his parents, an Armenian couple who have just lost their child in an accident, a street musician whose mother has died, and a camera repairman living alone with the sharp memory of his dead wife; but also two background characters: an astrologist and a street boy. Loneliness is what determines their different kinds of silence. The links between them are profound yet transparent and fragile, as Eric Nazarian’s work is a film of the senses.

The film speaks almost without words, replacing them with a colourful cinematic language, well-adapted to the four different stories told which form a unity in a very natural way. The lack of dialogue is not felt whilst watching it since the images and way of filming already fulfil the role of communication implicitly and without being artificial. In fact, one of the film’s biggest merits is its simplicity and naturalness, avoiding direct approaches throughout almost its entire length. It doesn’t want to be more, it shows just as much as is needed to draw the viewer into the narrative flow of the film. The Blue Hour moves by smoothly and sweeps us along with it. This stream doesn’t however remain on the surface but runs among the inner selves and acts of the characters, exploring the different layers between them. Luca Döme

Review The Railroad By Park Heung-sik (South Korea, “Torino 25”)

n a cold and silent night, in a flurry of snow, two lost souls get on a suburban train and find themselves at the last stop. Hanna and Man-Soo are from completely different universes - she is a lecturer, he works as a subway conductor - but they are both in the throes of a personal crisis. As the situation progressively brings them together, we are drawn ever closer into their troubles, with a restrained emotion. For his second feature film, Park Heung-Sik focuses on the loneliness and absence of true communication between people in an anonymous urban world, and humorously deals with the strong pressures and strict traditions in Korean society. He manages to create a modest, metallic and velvety universe as a mirror to the character’s feelings. Delphine Pinatel

as creating your first feature painful? Euphoric? Liberating?

What was particular about Water Lilies was that everything went very fast. I didn’t have to suffer waiting. The film was a sprint. Less than a year passed between the writing and the shooting. This speed involved a certain violence but also great joy. I don’t think that you can free yourself from your demons by making a film; on the contrary, it’s a way to live with them for ever. The film deals with the inner turmoil of three adolescent girls in Parisian suburbs. To what extent do you think this subject can cross borders? It’s the treatment of the subject which gives it a universal dimension. I chose to take the story away from the adolescent folklore of 2006. It’s the ‘mise en scène’ which gives it the power to affect different audiences. This was my ambition. The film was sold in the US, in England, in Japan… What are your next projects? I’ll dedicate the next year to writing. For myself but also for others. I would like to be able to continue in the professions of both scriptwriter and director. Emilie Padellec

Work in progress

Retrospective

“A working class hero is something to be...”

Framed Horizons

f you want to approach American films with the help of some fine paintings, then the work of Charles M. Russel and Frederick Remington come to mind. These two painters of the frontier lead us to the films of John Ford just as Norman Rockwell evokes the best moments of Frank Capra. But as the West was won and skyscrapers started to reach ever upwards, one painter captured the atmosphere of urban America, affecting filmmakers from Hitchcock to Lynch, Wenders and beyond.

In this way Hopper becomes part of his effort to understand the American landscape. Not quite the typical European, yet not pure Hollywood either. In The End of Violence, citizen Wenders goes as far as recreating the most known painting by Hopper, ‘Nighthawks’, on screen.

The paintings of Edward Hopper come Whilst David Lynch captures the inner with a strong sense of narrative. There is world of Hopper’s paintings with his an atmosphere, a promise of something but night rides across American suburbia, also a burden from the past. It is no surprise for Wenders it would seem to be the © «Land of Plenty» by Win Wenders (2004) that his ‘House by the Railroad’ affected surfaces and composition that he wants «Land of Plenty» by Win Wenders (2004) Hitchcock when he was planning Psycho. to touch before moving on to the next However, although Hopper often chose town on the prairie (the poster for rooms as his setting, all of his paintings have movement in Don’t Come Knocking if anything reminds us of Hopper). In them. We expect someone to walk in, or the person portrayed the same way that a good road movie comes from the past to do something in his solitude. We experience a moment and heads for tomorrow, allowing us a moment to follow the that is both private and public. The paintings of Hopper are journey in the present, the paintings of Hopper have a feeling like frames from a film - he often uses space and light in of timeless presence, a feeling of moving and standing still at the same way as the film noir genre, but also the feeling of the same time. Atso Pärnänen

‘Machinegun McCain’ (1969) By Giuliano Montaldo

Word of mouth

As well as being an exceptional director, Montaldo also made his debut in the world of cinema as an actor in the early 50’s, after Carlo Lizzani discovered him on a Genovese stage when he was not even 20 years old. Together they made Achtung! Banditi!, but Montaldo acted also for Emmer, Zurlini, Maselli and Petri. Thus it was no surprise that his most recent appearance was the entertaining cameo of a penniless producer in The Caiman by Nanni Moretti.

Vittorio Sclaverani

long with the withdrawal into the private sphere in the 80s, after the big struggles of the 60s and 70s, cameras left the factories. Hollywood liked workers, but only when struggling to become pop stars (such as the ultra-sexy engineer Jennifer Beals in Flashdance). Yet if you watch some of the films screened at this festival which deal with the working class (like the marvellous In Fabbrica, by Francesca Comencini, or Signorina Effe by Wilma Labate), you will discover that this is changing.

Maybe men don’t fulfil themselves completely through work, as Marx suggested, but they definitely fulfil an important part of themselves in it. After all, cinema likes heroes, and heroes don’t always wear cloaks; sometimes they’re just the guys who screwed in all of the 10 000 bolts in a car so that someone could drive it. Marta Musso

Into the festival ‘‘Still Images Of Moving Pictures’’ by Wim & Donata Wenders

longside the personal filmography of John Cassavetes the director, the TFF has also programmed 11 titles including appearances from Cassavetes the actor. In the last few days we have had the opportunity to catch the gangster movie Machinegun McCain (1969) presented by its director Giuliano Montaldo, whilst awaiting I Demoni e Dio, based on the trial undergone by Dostoevski, which was shot last spring between Russia and Piedmont. Thanks to the international success of Grand Slam, which starred Edward G. Robinson and Janet Leigh, Montaldo managed to shoot Machinegun McCain in the US with a large part of the Cassavetes factory. It wasn’t by chance however that these two great cineastes met.

Torino used to be a factory workers city. Its fortune was built on their sacrifices: it is therefore very important that its main festival dedicates a prize to cinema that deals with this world: the Cipputi prize. Cipputi is a very important Italian cartoon character: a factory worker so human that Italians by now consider him to be a real person. It’s a real Italian - actually a real Torinese story. However these are stories of common people everywhere, with their local differences and global similarities: the perfect global issue.

‘‘

Bolboreta, Mariposa, Papallona. The title refers to the word ‘butterfly’ in Castilian, Catalan & Galician. The spectre of Pablo Garcia’s film is also multiple: a troupe shooting a documentary on life in a village in Galicia, the doc itself, and the story of how the troupe’s presence affects the townspeople. A penetrating reflection on what a movie is and what a camera should capture.

t the exhibition you see what has been promised: still images of moving pictures, set-photographs and portraits of actors. Wim Wenders is first of all presented as filmmaker and secondary as photographer. The focus is on the photos from the movies and therefore just shows an extract of Wim and Donata Wenders’ work. The characteristic pictures that tell stories of people and the landscapes they live in, taken by Wim Wenders while passionately travelling, are unfortunately missing. The exhibition is an analysis, even more a document, of his style and mise-en-scène of the actors. Nevertheless new perspectives on the movies are lacking. Portraits of famous actors dominate the selection. The missing references to the characters’ environment, that used to be irreplaceable in Wenders’ stories, reduce the intensity and better understanding of the photos. All together these pictures seem unrelated - without the knowledge of the movies. Zsuzsanna Kiràly

Italian window

Not every factory worker wishes to be something else: most of them are proud of what they’re doing. Working class cinema has always seemed deeply connected with politically involved directors; which is why the theme has been all too often relegated to the so-called ‘political film’ genre. Yet a bitter comedy like Irina Palm focuses on the importance of work to define oneself, from an apolitical, original perspective. Other movies like Signorina Effe have a more historical point of view. In Fabbrica is a documentary on Fiat workers which simply lets them speak out.

motion is as fitting here as for the open road and horizon which Wim Wenders incorporates into his own quest for America.

A Five years have passed since the award in Torino and Alina is returning with Vogliamo anche le rose [We also want the Roses] in the ‘Out of competition’ section, in the company of Fabrizio Bentivoglio, Wilma Labate, Francesca Comencini and Peter Del Monte. It will be the film’s Italian premiere. Vogliamo anche le rose was presented last August at the Locarno festival, which offered a screening in the Piazza Grande, one of the biggest open-air cinema in the world. A sign of great recognition from the press and the public, this was a great achievement, not only for documentary film, but for Italian cinema in general. After all the position reached allows rather unique distribution opportunities within the panorama of Italian documentaries

The film, the fruit of a very personal research project of the director, was the exploration of the figure of her own mother, using a rich family archive (Super8, diaries, letters and photos). However Alina began her cinematographic career well before this personal and public watershed by directing various television and socially-orientated documentaries. Her professional experience is not limited to documentary, including stints as an assistant for various directors of Italian cinema (principally Giuseppe Piccioni), and other work linked to experimental cinema and video art in the years of collaboration with the Studio Azzurro and Fabrica under the direction of Godfrey Reggio.

lina Marazzi carries on her shoulders a filmography of around ten documentaries, but it is almost impossible not to identify her with one film in particular - Un’ora sola ti vorrei [For One More Hour with You] - which, after its Torino Film Festival premiere in 2002, launched her path to success, obtaining a more than welldeserved first Prize and making her a reputed filmmaker in Italy and abroad.

Portrait

Alina Marazzi © Photo: Francesca Cirilli

Vogliamo anche le rose is a return to the stylistic code which represents her best: the authorial elaboration of archive material (her films have the merit of having reawakened interest in Super8 in Italy). Its content continues her exploration of the female world begun in 2002, in which to all effects one can define the second phase of her career. After the moving portrait of her own mother (Un’ora sola ti vorrei) and the difficult photography of life in a convent (Per sempre), Alina confronts herself with a work of more historical scope in order to recount the emancipation of Italian women in the 60’s and 70’s, continuing however to entrust herself to the guidance of diaries, letters and stories which compose the central thread of the film. In 2005 with Per sempre (which also competed in the documentary competition at the TFF), she challenged the expectations and demands of the public and press by dealing with an almost impenetrable subject. The film hasn’t left its mark as much as Un’ora…, but it represents an example of documentary honesty. The impossibility of creating a true in-depth account of the life of the nuns and the overwhelming distance between them and the director has in itself reinstated subjectivity as a real value of documentary cinema. Women, and their complex mixture of courage, fragility and pride, continue to be at the centre of her most recent investigation, which although distancing itself gradually from her own personal life (and it could not be otherwise, Un’ora sola ti vorrei is a stand-alone film) still reveals something of herself and provides us with a form of portrait. Her contemporary narration of the crises and celebrations of women in the diverse yet interwoven frames of her films (the Italian bourgeoisie, the welfare and hypocrisy of a changing nation, the catholic tradition) seems to hiddenly position itself within the heritage of the Antonionian atmosphere. A sort of trilogy of emotions in documentary form.

Ritratto

lina Marazzi ha alle spalle una filmografia di circa dieci documentari ma è quasi impossibile non identificarla con un unico film - Un’ora sola ti vorrei- che proprio da Torino, nel 2002, ha iniziato il suo percorso di successo, ottenendo un meritatissimo primo premio e facendo conoscere la sua figura in Italia e all’estero. I

l film, frutto di una ricerca personale della regista, è l’esplorazione della figura della propria madre attraverso il ricco archivio di famiglia (Super8, diari, lettere e foto). Ma Alina ha iniziato la sua carriera cinematografica ben prima di questo spartiacque personale e pubblico, che indubbiamente influisce sulle aspettative verso i suoi lavori, realizzando diversi documentari televisivi e a carattere sociale. La sua formazione non si limita al documentario comprendendo esperienze di aiuto regia per diversi registi del cinema italiano (principalmente Giuseppe Piccioni) e altri lavori legati al cinema sperimentale, alla video arte negli anni di collaborazione con Studio Azzurro e Fabrica sotto la direzione di Godfrey Reggio. Sono passati cinque anni dal premio a Torino e Alina torna, con Vogliamo anche le rose, nella sezione fuori concorso in compagnia di Fabrizio Bentivoglio, Wilma Labate, Francesca Comencini e Peter Del Monte. Questa sarà l’Anteprima italiana. È stata presentata recentamente al festival di Locarno, che le ha offerto la proiezione del film in Piazza Grande, uno dei cinema all’aperto più grandi del mondo. Un segnale del grande riconoscimento di critica e di pubblico e una conquista, non solo per il documentario, ma per l’intero cinema italiano. La posizione raggiunta le consente del resto opportunità produttive e distributive ancora piuttosto singolari nel panorama del documentario italiano. Vogliamo anche le rose è un ritorno alla cifra stilistica che meglio la rappresenta: l’elaborazione autoriale del materiale d’archivio (il suo film ha il merito di aver risvegliato in Italia il fascino del Super8) e prosegue a livello di contenuti la sua esplorazione nel mondo delle donne iniziata nel 2002, in quella che a tutti gli effetti si può definire la seconda fase della sua carriera. Dopo il commuovente ritratto della propria madre (Un’ora sola ti vorrei) e la difficile fotografia della vita monacale (Per sempre), Alina si confronta con un lavoro dal respiro più storico per raccontare l’emancipazione delle donne in Italia tra gli anni ’60 e ’70, continuando però ad affidarsi alla guida di diari, lettere e di storie che compongono il fil rouge del film. Nel 2005 con Per sempre (passato a sua volta dal concorso doc del TFF) ha sfidato le aspettative e le pretese del pubblico e della critica confrontandosi con un soggetto quasi impenetrabile. Il film, non ha lasciato il segno come il precedente, ma rappresenta un esempio di onestà documentaristica. L’impossibilità di raccontare fino in fondo la vita delle suore di clausura e la distanza incolmabile tra loro e la regista ha di per sé restituito la soggettività come vero valore del cinema documentario. Le donne nella loro complessa mescolanza di coraggio, fragilità e orgoglio continuano dunque a rimanere al centro della sua ricerca, che pur allontanandosi gradualmente dal suo vissuto personale (e non potrebbe essere altrimenti, Un’ora sola ti vorrei è un film unico e a sé stante) continuano a rivelare qualcosa di lei e a fornircene un ritratto. E in questo raccontare contemporaneamente crisi e celebrazione della donna nelle diverse ma intrecciate cornici dei suoi film (borghesia italiana, benessere e ipocrisia dell’Italia che cambia, tradizione cattolica) sembrerebbe celarsi l’eredità delle atmosfere antonioniane, in una sorta di trilogia dei sentimenti in forma di documentario.

Silvia Taborelli

NISIMAZINE Martedì 27 Novembre 2007

torino

Un Magazine Creato Da Nisi Masa, Network Europeo Del Cinema Giovane

NISIMAZINE TORINO

Editoriale

Martedi 27 Novembre 2007 / # 2

‘‘Arriva il Natale per Michele Apicella’’

mmagino Michele Apicella, interpretato da Nanni Moretti, correre sul tetto del Lingotto, mentre il primo fiocco di neve cade lentamente e scompare nel Po. Apicella è sull’orlo di un esaurimento nervoso. Probabilmente perché qualcuno ha rubato il suo ultimo pezzo di torta Sacher. Questo atto crudele rappresenta per Apicella l’ultimo degli affronti nella lotta che è nata per dirigere un festival cinematografico. È arrivato in cima al Lingotto, non su una Mini, ma in Vespa, e prima di buttarsi nelle strade di Torino ha lasciato un semplice e chiaro messaggio sulla scrivania che dice: “Sono fuori ufficio e non so quando rientro”. Gli eventi che portano a questa situazione hanno lo stesso brio e la stessa ironia degli altri film di Moretti. Apicella sta cercando di conciliare la direzione di un festival nel Nord Italia con il progetto di un possibile film

nel Sud. Nel bel mezzo di tutto ciò, sogna di girare un film per Natale con Aurelio De Laurentis (Apicella alla fine si risveglia sempre, mai sicuro che sia stato un incubo o un sogno a diventare realtà). Alla fine, un giorno, mentre Apicella crede di essere sveglio, uno dei personaggi del suo ipotetico film, una Campanellino in abiti Natalizi (interpretata da Jennifer Beals), diventa reale e aiuta Apicella ad aprire gli occhi sulla realtà dell’industria del cinema, ricordandogli che lui è, in realtà, “un autarchico”. A seguire un lieto fine.

Un giornale pubblicato dalle associazioni NISI MASA e Franti-NISI MASA Italia con il supporto del programma “Europa per il Cittadino” dell’Unione Europea. STAFF EDITORIALE Caporedattore Matthieu Darras Segretaria di redazione Jude Lister Direttore artistico Emilie Padellec Traduzioni in inglese Jude Lister Traduzioni in italiano Marta Musso, Elisa Micalef Hanno collaborato a questo numero Luca Döme, Zsuzsanna Kiràly, Jude Lister, Marta Musso, Atso Pärnänen, Delphine Pinatel, Christian Ruthner, Silvia Taborelli, Vittorio Sclaverani COORDINATORI (FRANTI) Giorgia Bonfante, Laura D’Amore, Simone Fenoil, Maddalena Longhi, Nicoletta Rinaudo, Silvia Taborelli

Mentre aspetto che Moretti prenda in considerazione la sceneggiatura del mio film e che giri anche il musical sul pasticcere impegnato politicamente, sono rimasto con la sensazione che lui venga dalla scuola di cinema di Don Camillo e Peppone (ce n’è di migliori?).

Franti-NISI MASA Italia + 39 328 021 08 32 info@frantinisimasa.it www.frantinisimasa.it NISI MASA (European Office) 10 rue de l’Echiquier, 75010, Paris, France. + 33 (0)6 32 61 70 26 europe@nisimasa.com www.nisimasa.com

Atso Pärnänen

Nel quadro degli incontri paralleli al Torino Film Festival, Franti-Nisi Masa organizza l’incontro:

Within the framework of the Torino Film Festival, Franti-Nisi Masa is organising the meeting:

The Railroad Bolboreta, mariposa, papallona Alina Marazzi © ‘Nighthawks’, Edward Hopper, 1942

25° torino film festival

«I festival stanno cambiando: un nuovo modello per il giornalismo cinematograﬁco?» «Festivals are changing: a new deal for ﬁlm journalism?»

Giovedì 29 novembre alle ore 14:30 Thursday 29 November at 14:30 Al/At Circolo dei Lettori Palazzo Graneri della Roccia, Via Bogino 9

Interverranno, oltre ai redattori del magazine, Steve Della Casa (critico cinematograﬁco e presidente della Film Commission Torino Piemonte), Bruno Fornara (Cineforum), Giorgio Simonelli (storico del cinema e della televisione), Matthieu Darras (Positif, Francia), Eva af Geijerstam (presidente della giuria Fipresci).

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Film del giorno The Blue Hour Di Eric Nazarian (USA, “Torino 25”)

3 domande a...

(Water Lilies, France, “Torino 25”)

el suo film d’esordio, Eric Nazarian, giovane regista di origini armene, racconta l’incrociarsi di quattro storie che rappresentano l’apparente invisibilità della comunicazione anche tra persone che vivono nella stessa area di Los Angeles. I personaggi parlano attraverso il loro silenzio. Un silenzio perfettamente comprensibile in ogni storia: un teenager messicano ha difficili rapporti con i genitori e passa tutto il suo tempo a disegnare graffiti in riva ad un fiume; una coppia armena ha appena perso il figlio in un incidente; un musicista di strada a cui è morta la madre; un riparatore di macchine fotografiche che vive solo ma con la dolorosa memoria della moglie defunta. Presenti anche le vicende di altri due personaggi collaterali: un astrologo e un ragazzo di strada. La solitudine è ciò che determina i loro diversi silenzi. I punti di contatto tra loro sono profondi quanto trasparenti e fragili perché il lavoro di Eric Nazarian è un film di sensazioni.

The Blue Hour parla quasi senza proferire parola ma utilizza un linguaggio filmico del colore che, adattandolo alle quattro diverse storie, si combina in un’unità naturale. La mancanza di dialoghi non si percepisce perché le immagini e le inquadrature svolgono implicitamente da sole il ruolo comunicativo senza sembrare artificiali. In effetti, i più grandi meriti del film sono la sua semplicità e naturalezza, evitando gli approcci diretti per quasi tutta la sua durata. Non vuole essere niente più questo, vuole solo mostrare ciò che serve per accompagnare lo spettatore nel flusso narrativo del film. The Blue Hour si muove dolcemente e ci porta via con sé.

•

a realizzazione del tuo primo lungometraggio è stata un’impresa ardua? Euforica? Liberatoria? La particolarità di Naissance des pieuvres è che tutto è andato molto velocemente. Non ho sofferto l’attesa. Il film è stato come uno scatto. Tra la scrittura e le riprese non è trascorso nemmeno un anno. La velocità comporta una certa violenza, ma anche una grande gioia. Non penso che ci si possa liberare dai proprio demoni girando un film; anzi a dire il vero è un modo per vivere per sempre con loro.

Questa corrente però non rimane mai sulla superficie ma attraversa le profonde ragioni dell’animo e delle azioni dei personaggi esplorandone i diversi livelli.

Il film parla dello scompiglio emotivo di tre ragazze adolescenti nella periferia di Parigi. Fino a che punto pensa che questo argomento possa attraversare i confini?

Luca Döme

È il trattamento dell’argomento che gli conferisce una dimensione universale. Ho scelto di togliere alla storia quel folklore adolescenziale del 2006. È la regia che gli dà la forza di influire sulle diverse tipologie di pubblico: questa era la mia ambizione. Il film è stato venduto negli Stati Uniti, in Inghilterra, in Giappone…

Focus

The Railroad Di Park Heung-sik (Corea del Sud, “Torino 25”)

n una fredda notte silenziosa, durante una tempesta di neve, due anime perse salgono su un treno e si ritrovano all’ultima fermata. Hanna and Man-Soo provengono da due universi completamente diversi - lei è un’assistente universitaria, lui è un autista della metropolitana - ma sono entrambi alle prese con una crisi personale. Man mano che la situazione li avvicina, veniamo catturati sempre più dai loro problemi, con emozione trattenuta. Nel suo secondo film, Park Heung-Sik si concentra sulla solitudine e la mancanza di vera comunicazione tra le persone in un anonimo mondo urbano e parla con tono divertito delle forti pressioni e delle tradizioni rigorose presenti nella società coreana. Egli riesce a creare un universo modesto, metallico e vellutato, come uno specchio dei sentimenti dei personaggi. Delphine Pinatel

Quali sono i tuoi prossimi progetti? Il prossimo anno mi dedicherò alla scrittura. Per me stessa, ma anche per gli altri. Vorrei riuscire a sviluppare entrambe le professioni: sceneggiatrice e regista. Emilie Padellec

Retrospettiva Orizzonti in cornice

e volete accostarvi al cinema americano con l’aiuto di qualche bel quadro, dovreste dare un’occhiata ai lavori di Charles M. Russel e Frederick Remington. Questi due pittori di frontiera ci ricongiungono con i film di John Ford, proprio come Norman Rockwell evoca i migliori momenti di Frank Capra. Ma dopo che il West venne conquistato e i grattacieli iniziarono ad andare ancora più su, un solo pittore catturò l’atmosfera dell’America urbana, influenzando registi come Hitchcock, Lynch, Wenders e molti altri.

Attraverso le sue immagini si fa esperienza di un momento sia privato che pubblico. I suoi dipinti ricordano le inquadrature di un film: lo spazio e le luci sono simili a quelle utilizzate per creare le atmosfere dei noir, come la sensazione di movimento è la stessa delle strade aperte e dell’orizzonte con cui Wenders ci accompagna nella sua ricerca dell’America. In questo modo, Hopper diventa parte del suo sforzo per capire il paesaggio americano: non tipicamente europeo, ma nemmeno hollywoodiano.

In Crimini invisibili, Wenders riesce a ricreare sullo schermo ‘Nighthawks’, il più Le opere di Edward Hopper sono famoso dipinto di Hopper. E come David © «Land of Plenty» by Win Wenders (2004) caratterizzate da un forte senso della Lynch cattura il mondo interiore dei narrazione. Vi ritroviamo l’atmosfera, la «Land of Plenty» by Win Wenders (2004) suoi dipinti, con le scorrazzate notturne © «Land of Plenty» by Win Wenders (2004) promessa di un qualcosa, ma anche il peso «Land of Plenty» di Win Wenders (2004) nell’America suburbana, così Wenders del passato. Non sorprenda il fatto che il predilige le superfici e la ‘composizione suo ‘House by the Railroad’ abbia così «Land of Plenty» di Win Wenders (2004) dell’immagine’, elementi spesso influenzato Hitchcock nella lavorazione di Psycho. E anche riprodotti dal pittore, prima di riconquistare gli spazi aperti, se Hopper prediligeva gli interni per le sue ambientazioni, raggiungendo una nuova città nella prateria (la locandina di in tutte le sue opere ritroviamo molto movimento: c’è sempre Don’t Come Knocking ricorda Hopper come non mai). qualcuno che cammina, o una persona che, in solitudine, Atso Pärnänen compie delle azioni.

Finestra italiana

Passaparola

‘Gli intoccabili’ (1969) Di Giuliano Montaldo

ccanto alla personale completa di John Cassavetes, il TFF ha in programmazione, anche 11 titoli con Cassavetes attore. Nei giorni scorsi abbiamo rivisto il gangster movie Gli intoccabili (1969) presentato dal regista Giuliano Montaldo, in attesa di vedere I Demoni e Dio intorno al processo che subì Dostoevskij girato questa primavera tra la Russia e il Piemonte. Grazie al successo internazionale di Ad ogni costo (1967) con Edward G. Robinson e Janet Leigh, Montaldo riuscì a girare negli Stati Uniti Gli intoccabili con buona parte della factory Cassavetes. Non è un caso, però, che questi due grandi cineasti si siano incontrati. Oltre ad essere due ottimi registi d’attori, anche Montaldo esordì nel mondo del cinema proprio come interprete, nei primi anni ’50 quando Carlo Lizzani lo scoprì su un palcoscenico genovese non ancora vent’enne. Insieme realizzarono Achtung! Banditi!, ma Montaldo ha recitato anche per Emmer, Zurlini, Maselli e Petri. Così come non è un caso che la sua più recente interpretazione sia il divertente cammeo di un produttore squattrinato ne Il Caimano di Nanni Moretti. Vittorio Sclaverani

‘‘ B

olboreta, Mariposa, Papallona. Il titolo è la parola “farfalla” in castigliano, catalano e galiziano. Anche lo spettro del film di Pablo Garcia è triplice: una troupe che gira un film su un villaggio della Galizia, il documentario in sè, e come la presenza della troupe influenza gli abitanti del villaggio. Una riflessione su che cosa è un film, e su dove debba posarsi l’occhio della telecamera.

Work in progress

C “A working class hero is something to be...” Non tutti gli operai vorrebbero essere qualcos’altro: la maggiorparte è orgogliosa di fare esattamente quello che fa. Il cinema sul lavoro dà sempre l’impressione di appartenere solo a registi politicamente molto attivi; ecco perché è diventato un tema troppo spesso relegato alla nicchia del cinema d’impegno. Ma una commedia amara come Irina Palm parla dell’importanza del lavoro da un punto di vista apolitico e originale. Altri film, come Signorina Effe, hanno un approccio più storico. In fabbrica è un documentario che ripercorre la storia degli operai della Fiat attraverso le loro parole.

nsieme al riflusso degli anni ’80, dopo le lotte sociali degli anni ’60 e ’70, le telecamere abbandonano le fabbriche. Hollywood ama gli operai, ma solo se stanno lottando per diventare pop star (come la super sexy Jennifer Beals in Flashdance). Ma se vi capita di guardare alcuni dei bei film che passano al festival e che hanno a che fare con la working class (come il meraviglioso In fabbrica di Francesca Comencini, o Signorina Effe di Wilma Labate), scoprirete che c’è un cambiamento in corso.

Dentro il festival ‘‘Still Images Of Moving Pictures’’ di Wim & Donata Wenders

n questa mostra vedrete ciò che è stato promesso: fermo immagine dei film, fotografie dei set e ritratti di attori. Wim Wenders viene presentato soprattutto come regista, e solo successivamente come fotografo. L’attenzione è puntata sulle foto dei film, e quindi si limita a mostrare degli estratti del lavoro di Wim e Donata Wenders. Le foto particolarissime che raccontano le storie delle persone e dei paesaggi in cui vivono, fatte con passione da Wim Wenders mentre viaggia, sfortunatamente mancano. La mostra è un’analisi, anzi addirittura un documento, del suo stile e della mise-en-scène degli attori. Tuttavia manca anche una prospettiva nuova sui suoi film. A dominare la selezione sono i ritratti degli attori. L’assenza di un riferimento all’ambiente dei personaggi, che è fondamentale nelle storie di Wenders, riduce l’intensità e la comprensione delle foto. Tutte insieme queste foto sembrano non avere un punto di contatto – senza il riferimento al film. Zsuzsanna Kiràly

Torino è stata fino a poco tempo fa la città degli operai, la sua fortuna è stata costruita sul loro sacrificio: è quindi importante che il suo principale festival dedichi un premio speciale proprio al cinema del lavoro: il premio Cipputi. Cipputi è un personaggio dei fumetti così famoso che ormai gli italiani lo considerano una persona vera. E’ una storia molto italiana, molto torinese. Ma sono storie di persone comuni di ogni luogo, con differenze locali e somiglianze globali: un perfetto tema glocal. Forse gli uomini non si realizzeranno completamente nel lavoro, come sosteneva Marx, ma sicuramente vi si realizzano per una parte molto importante. E poi al cinema piaccio gli eroi, e gli eroi non sono solo quelli con il mantello; a volte sono semplicemente le persone che hanno avvitato i 10000 bulloni di un’auto che così può essere guidata. Marta Musso