Museo tamayo arte contemporáneo memoria anual / recopilation
Primera edición: 2013 D. R. © Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura Reforma y Campo Marte s/n , Chapultepec Polanco, 11560, Miguel Hidalgo, México D. F. D. R. © Fundación Olga y Rufino Tamayo, A. C. Paseo de la Reforma y Ghandi s/n, Bosque de Chapultepec, 11580 Miguel Hidalgo, México, D. F. Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la repografía y el tratamiento informático, la fotocopia o la grabación sin la previa autorización por escrito del Instituto Nacional de Bellas Artes y de la Fundación Olga y Rufino Tamayo A. C. All rights reserved. No part of this publication may be reproduced in any form or by any means without the prior written permission of the Instituto Nacional de Bellas Artes and Fundación Olga y Rufino Tamayo A. C.
Impreso en México · Printed in Mexico
Proyectos de Artista Artist Projects
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Boing boing squirt. Ryan Gander Boing Boing Squirt. Ryan Gander
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Nueva matemática. Michael Stevenson Nueva matemática. Michael Stevenson
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El Día del Ojo. Pierre Hygue El Día del Ojo. Pierre Hygue
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Carlos Amorales. Germinal Carlos Amorales. Germinal
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A∩ B∩ C. Amalia Pica A∩ B∩ C. Amalia Pica
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Floor of the Forest. Trisha Brown Floor of the Forest. Trisha Brown
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Juan Downey. Una Utopía de la Comunicación Juan Downey. An Utopia of Communication Exposiciones colectivas Collective exhibitions
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El Mañana Ya Estuvo Aquí Tomorrow was Already Here
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Olinka, o donde se crea el moviemiento Olinka, or where the movement is created
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Hay Más Rutas que la Nuestra There are Other Routes than Our
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Ciclorama Cyclorama 6 7
PROYECTOS DE ARTISTA ARTIST PROJECTS
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SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
Boing, boing, squirt es una exposición ideada específicamente para el Museo Tamayo que surge a partir de la visita del artista a la Ciudad de México. El proyecto se enfoca en el método de asociación que Gander emplea para ligar conceptos y así generar significados nuevos, súbitos y casi violentos. En el caso de Boing, boing, squirt, Gander construye sus obras a partir de alusiones al cine, la historia del arte minimalista, la arquitectura, al reciente fallecimiento del pintor Cy Twombly y, de manera más concreta, a la escultura The Corridor (El corredor, 1976) de George Segal, que es parte de la colección del museo. A través de las relaciones entre estas referencias podemos entrever la forma en la que Gander trabaja y los nexos que ve entre distintas instancias y sucesos. Estas asociaciones son las que definen su visión y práctica artística y las que dan forma a esta exposición.
Boing, boing, squirt is an exhibition conceived specially for the Museo Tamayo, inspired by the artist’s visit to Mexico City. The project focuses on how Gander associates concepts to create new, sudden and almost violent meanings. In Boing, boing, squirt, Gander bases his artwork on allusions to film, the history of minimalist art, architecture, the recent death of the painter Cy Twombly and, more specifically, George Segal’s sculpture The Corridor held in the museum’s permanent collection. Through the relations between these multiple references we can glimpse Gander’s method of working and the connections he sees between different moments and events. These associations define his vision and work as an artist and give shape to this exhibition.
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LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
Sin motivación política, 2012
No political motivation, 2012
Esta pieza es una reproducción a escala natural que emplea la misma tipografía del internacionalmente reconocido letrero de la policía metropolitana de Londres ‘New Scotland Yard’. Sin embargo, en la frase the world s fair la ausencia del apóstrofo1 entre las letras ‘D’ y ‘S’ genera una nueva lectura. Al remover ese signo ortográfico, el anuncio puede ser interpretado como un enunciado político sobre la naturaleza de los acontecimientos mundiales (“el mundo es justo”), aunque también se puede leer como un una crítica a la comercialización del arte (“la feria del mundo”). De tal forma, el artista juega con la colisión de significados, intenciones, interpretaciones y lecturas paralelas.
This artwork is a life-size reproduction that uses the same typeface as the world famous sign for the headquarters of London’s Metropolitan Police: New Scotland Yard. However, in the phrase the world s fair, the missing apostrophe1 between the letters ‘D’ and ‘S’ creates a new reading. By removing this punctuation mark, the sign can be interpreted as a political statement on the nature of global events (“the world is fair”) or equally as a criticism on the commercialization of art (“the fair of the world”). In this way, the artist plays with the clash of meanings, interpretations and parallel readings.
Signo ortográfico (‘) que indica la supresión de una letra o cifra. Apostrophe is the addressing of a usually absent person or a usually personified thing rhetorically. (http://www.merriam-webster.com/dictionary/apostrophe)
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Consíganme un pastel de chocolate, un paraguas y una venda, 2012
Get me a chocolate cake, an umbrella and a blindfold, 2012
En el fondo de la sala de exposición se levanta una habitación, que por su diseño podría ser una pantalla. En el interior de la habitación (o dentro de la pantalla) nos encontramos con dos actrices ociosas. La escenografía y el vestuario nos remiten a una escena de la película Blow-Up (1966) del cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Sin embargo, aquella escena estaba llena de acción. Aquí, por el contrario, no sucede nada y es que no se trata realmente de la escena, sino del antes o después de la escena. La acción ya ha transcurrido y nos encontramos con los mismos personajes fuera de cuadro, en otro momento.
A room, designed like a screen, is installed at the far end of the exhibition gallery. Inside this room (or inside the screen) we find two idle actresses. The stage and wardrobe evoke the scene in the film Blow-Up (1966) by Italian filmmaker Michelangelo Antonioni. However, that scene was filled with action, whereas here nothing happens because it is really not about the scene itself but about the before or after of the scene. The action has already passed and we now encounter the same characters outside the frame, at another moment.
Al final de la habitación, en un espacio aparte, se alcanza a ver la obra de la colección del Museo Tamayo, The Corridor (1976) de George Segal. La figura en la obra abre o tal vez cierra una puerta que como podemos imaginar conduce a otro lugar. Pero al rodear la habitación para buscar este espacio misterioso nos encontramos con retenedores, y sólo alcanzamos a ver The Poetics of Gig, una obra del artista Pierre Huyghe trabajando en su propia exposición.
At the back of the room, in a separate space, visitors are able to see a piece from the Museo Tamayo’s permanent collection: The Corridor (1976) by George Segal. The figure in this piece opens or perhaps closes a door that as we can imagine leads to a different place. But if we go around the room looking for this mysterious space we find ourselves blocked, and we are only able to see The Poetics of Gig, a piece by the artist Pierre Huyghe working on his own exhibit.
Tiene tan buen corazón, 2012
It’s got such a good heart in it, 2012
Esta pieza es una reconstrucción gigante de una de las Incomplete Cube Variations (variaciones de un cubo incompleto) del artista estadounidense Sol LeWitt. Las afamadas esculturas, emblemas del minimalismo, fueron creadas –según Dan Graham— originalmente por LeWitt como un juguete para su gato. Para su exposición en el Museo Tamayo, Ryan Gander retoma esta anécdota y les devuelve a las esculturas su intención original. Sin embargo, los felinos para los que la obra está planeada no son gatos domésticos. En colaboración con el Zoológico del Bosque de Chapultepec se instaló en la jaula del león africano una reproducción gigante de uno de estos cubos incompletos. Al exhibir la escultura como un fotomural en el interior de la habitación de Get me a chocolate cake, an umbrella and a blindfold, el gesto de rehacer este juguete para gatos y baluarte del arte minimalista se convierte en otra asociación, otra anécdota narrada a través de la imagen que vemos en la exposición.
This artwork is a gigantic reconstruction of Variations of Incomplete Open Cubes by North American artist, Sol LeWitt. According to Dan Graham, these famous sculptures, icons of minimalism, were originally created by LeWitt as a toy for his cat. For the Museo Tamayo exhibition, Ryan Gander uses this anecdote and returns the sculptures to their original use. However, this artwork does not have domestic cats in mind. In collaboration with Mexico City’s central zoo, the Zoológico del Bosque de Chapultepec, an enormous reproduction of these incomplete cubes was installed in the cage of the African lion. By displaying the sculpture as a photomural inside the room created for Get me a chocolate cake, an umbrella and a blindfold, the action of remaking this toy for cats and icon of minimalist art is converted into another association, another anecdote narrated through the image we see in the exhibition.
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Nota personal. Repensar todo, 2012
Note to self. Rethinking everything, 2012
Sobre un mueble de madera hay un número de piezas de cerámica. Se trata de las distintas secciones que, ensambladas, podríamos identificar como el edificio de la ópera de Sidney y el Gomboc, la figura geométrica que siempre se mantiene parada. Esta obra demuestra cómo toda obra plástica y conceptual es en realidad una composición creada a partir de varias partes unidas mediante la asociación.
There are a number of ceramic pieces resting on top of a wooden piece. These are different sections that, if assembled, we would identify as the Sydney Opera House and the Gomboc, the geometric figure that is always self-righting. This artwork shows how every visual and conceptual work is in fact a composition created by various parts joined through association.
Suspiro muere Cy, bye bye Cy, lloro, 2012
Sigh Cy Die, Bye Bye Cy, I Cry, 2012
El reciente fallecimiento del pintor estadounidense Cy Twombly (1928-2011) es el punto de partida para esta obra, conformada por una serie de ocho asientos de bicicleta cubiertos de cuero en diferentes colores pastel y realizados a partir de nueve objetos encontrados. Cada una de las cubiertas exhibe una palabra impresa: Piaggio, Stiaggio, Gucci, Peachy, Pucchi, Patchy, Piddle, Dop, Hum. La obra nos invita a considerar la conexión entre la práctica de Ryan Gander y su afición por Twombly; relación que las esculturas matizan de tal forma que al espectador sólo le queda imaginar cuál o cómo podría haber sido.
This work, a tribute to the late Cy Twombly (1928-2011), an American painter, consists of a series of eight bicycle seats covered in leather of various pastel colors and created using nine found objects. Each cover has a word on it: Piaggio, Stiaggio, Gucci, Peachy, Pucchi, Patchy, Piddle, Dop, Hum. This work invites us to ponder the connection between Ryan Gander’s art and his respect for Twombly; a relationship that the sculptures blend so that the spectator is left to imagine what or how things might have happened.
La poética del evento, 2012
The Poetics of Gig, 2012
Se trata de una fotografía pequeña tomada por Ryan Gander durante la instalación de la obra exhibida por Pierre Huyghe en el Museo Tamayo, de manera simultánea a la exposición de Gander. La imagen pretende ser un guiño a Huyghe y exhibe cómo las aparentemente pequeñas decisiones que involucra el montaje de una exposición pueden tener un impacto en la trayectoria de toda una carrera. Esta fotografía es un ejemplo de cómo Boing, boing, squirt pretende mostrar las metodologías que Gander emplea en su labor artística. Es cierto que se trata de Pierre Huyghe, pero es a fin de cuentas la imagen de un artista trabajando, un artista poniendo en marcha sus métodos de trabajo.
This work is a small photograph taken by Ryan Gander during the installation of Pierre Huyghe’s artwork at the Museo Tamayo, on show at the same time as Gander’s own exhibit. The image is created as a wink to Huyghe and makes evident how the apparently small decisions involved when setting up an exhibition can have a large impact on the path of an entire career. This photograph is an example of how Boing, boing, squirt seeks to reveal Gander’s working methodologies. It is about Pierre Huyghe, of course, but ultimately it’s the image of an artist at work—an artist putting his working strategies into practice.
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Sin motivaci贸n pol铆tica, 2012 No Political Motivation, 2012 Ryan Gander
ConsĂgame un pastel de chocolate, 2012 Get Me a Chocolate Cake, an Umbrella and a Blindfold, 2012 Ryan Gander
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Suspiro muere Cy, bye bye Cy, lloro, 2012 Sigh Cy, Bye Bye Cy, I Cry, 2012 Ryan Gander 22 23
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
El trabajo de Michael Stevenson es producto de investigaciones artísticas que entretejen relaciones poco frecuentes entre la historia, la economía, la política y las matemáticas, para crear ficciones a partir de los hechos y los personajes investigados. Su obra está integrada por diversos medios como la instalación, el video, la escultura y el dibujo. Nueva Matemática puede considerarse como la introducción de un nuevo personaje en las investigaciones de Michael Stevenson. El video Introducción a la teoría de la probabilidad cierra su investigación sobre Mohammed Reza Pahlevi, el último Sha de Irán, y al mismo tiempo incorpora una nueva figura dentro de su obra: José de Jesús Martínez, alias Chuchú. Nueva Matemática explora precisamente diversas teorías de Chuchú, quien fuera matemático, filósofo, piloto, profesor, guardaespaldas y hombre de confianza del General Omar Torrijos. El General Torrijos, tras un golpe militar, gobernó Panamá de 1968 a 1981 y firmó los tratados Torrijos-Carter que le permitirían a su país recuperar el control completo del Canal de Panamá en el año 2000.
Michael Stevenson’s work is the product of artistic research that makes unusual connections between history, economics, politics and mathematics, to create fictions based on the facts and characters he has studied; he uses various media such as installations, video, sculpture and drawing. New Math can be viewed as the introduction to new character in the investigations by Stevenson. The video Introducción a la teoría de la probabilidad (Introduction to Probability Theory) works as the conclusion of his research into Mohammed Reza Pahlevi, the last Shah of Iran, and at the same time incorporates a new figure into his work: José de Jesús Martínez, alias Chuchú. The exhibition delves into various theories put forward by Chuchú, a mathematician, philosopher, pilot, professor, and General Omar Torrijos’ bodyguard and right-hand man. General Torrijos, after a military coup, governed Panama from 1968 to 1981 and signed the Torrijos-Carter Treaties that allowed his country to recover full control of the Panama Canal in 2000.
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LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
El proyecto en el Museo Tamayo se estructura a partir de tres componentes. El primero es el video Introducción a la teoría de la probabilidad que Michael Stevenson realizó para la Bienal de Panamá de 2008. Esta obra, que toma el título de un texto escrito por Chuchú, forma parte de la investigación del artista sobre la figura del último Sha de Irán, quien en 1979 se encontraba exiliado en una isla en Panamá. El video relata –a partir del uso del lenguaje matemático proveniente de la teoría de la probabilidad y de la teoría de conjuntos– el encuentro ficticio en el que se entrecruzan las historias personales y políticas del Sha con el General Torrijos y Chuchú, como el guardaespaldas del General. El juego de cartas presente en el video es un motivo constante en la teoría de la probabilidad, la cual tiene sus orígenes en los trabajos de Blaise Pascal y Pierre Fermat como una teoría de los juegos de azar que permitiera calcular la probabilidad de ganar cada partida. Las investigaciones de Pascal y Fermat contenían, asimismo, los principios para determinar el número de combinaciones de elementos de un conjunto infinito. Esta teoría de la probabilidad es utilizada por Stevenson para narrar el
This project at the Museo Tamayo has three structural elements. The first is the video Introducción a la teoría de la probabilidad which Stevenson made for the 2008 Panama Art Biennial. This artwork, which takes its title from one of Chuchú’s texts, forms part of the artist’s research into the last Shah of Iran who was exiled on a Panamanian island in 1979. The video tells the story—using mathematical language sourced from probability theory and set theory—of a fictional meeting in which the personal and political stories of the Shah are intertwined with those of General Torrijos and Chuchú, as the General’s bodyguard. The game of cards shown in the video is a common motif in probability theory, which is based on the works of Blaise Pascal and Pierre Fermat as a theory of games of chance that might make it possible to calculate the probability of winning every hand. Pascal and Fermat’s studies also contained the principles on how to determine the number of combinations of parts of an infinite set. This probability theory is used by Stevenson to narrate the encounter between these historical figures (the Shah and General Torrijos) and to try to grasp their political motivations as if the whole affair was a game of chance. 28 29
encuentro entre esas figuras históricas (el Sha y el General Torrijos) y tratar de entender sus motivaciones políticas como un juego de azar. El segundo componente es una pieza sonora que dialoga con el video Introducción a la teoría de la probabilidad, y reproduce el ruido de una avioneta como una referencia al ensayo filosófico escrito por Chuchú, titulado “Teoría del vuelo” (1979). Una reedición con motivo de la exposición de Michael Stevenson en el Museo Tamayo, lejos de ser un manual de aviación, es una profunda reflexión llena de metáforas del vuelo en relación con la ligereza, la pérdida del objeto convertido en imagen, la existencia, el tiempo y el infinito. El tercer componente del proyecto está constituido por una instalación conformada por puertas que hacen alusión a otra teoría de Chuchú, difundida en el Departamento de Matemáticas de la Universidad de Panamá, sobre la existencia del diablo, en la que defendía que la prueba de la existencia de éste se manifestaba cada vez que una puerta se atrancaba sin una razón evidente. La investigación acerca de la“Teoría del vuelo” de Chuchú tiene un segundo capítulo, sucedido de manera simultánea en el espacio de arte contemporáneo Portikus, en Frankfurt, Alemania. Para este proyecto, la avioneta que escuchamos en el Museo Tamayo estará presente no de forma física sino mediante la proyección de su imagen.
The second element is a sound piece that interacts with the Introducción a la teoría de la probabilidad video, and reproduces the drone of a light aircraft in allusion to the philosophical text written by Chuchú called “Teoría del vuelo” (1979). The text, re-edited specially for Stevenson’s Museo Tamayo exhibition, is most definitely not an aviation manual but a profound reflection full of metaphors of flight relating to lightness, the loss of the object converted into image, existence, time and the infinite. The project’s third component is an installation consisting of doors that allude to another of Chuchú’s theories, this one on the existence of the devil and taught at the University of Panama’s Mathematics Department, which argues that the devil’s existence can be proved each time a door gets jammed for no apparent reason. The research for Chuchú’s “Teoría del vuelo” has a second chapter, which will take place almost simultaneously in the contemporary art space of Portikus, in Frankfurt, Germany. For this project, the light aircraft we hear in the Museo Tamayo will not be present physically but with its image projected through a camera obscura.
Instalación de puertas (Teoría de Chuchú), 2008 Installation of Doors (Chuchús Theories), 2008 Michael Stevenson
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Instalación de puertas (Teoría de Chuchú), 2008 Installation of Doors (Chuchús Theories), 2008 Michael Stevenson
Instalación de puertas (Teoría de Chuchú), 2008 Installation of Doors (Chuchús Theories), 2008 Michael Stevenson
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Steel del video Introducci贸n a la Teor铆a de la Probabilidad, 2008 Steel of the video Introducci贸n a la Teor铆a de la Probabilidad, 2008 Michael Stevenson
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
Realizado especialmente para el Museo Tamayo a partir de una combinación de viajes, expediciones y encuentros fortuitos en México, El día del ojo es un nuevo proyecto del artista plástico Pierre Huyghe (Francia, 1962), quien explora la presencia de fenómenos naturales y manifestaciones culturales que si bien existen, generalmente no se ven. Como el título lo sugiere, el proyecto está dedicado a la experiencia del sujeto-testigo y a la repercusión de eventos significativos, sean íntimos o públicos, que ésta desencadena. Bajo la superficie del piso de madera, al lado del patio de esculturas del museo, se encuentra una escultura acuática de Huyghe –uno de los tres componentes que forman parte de El día del ojo–, inspirada tanto en cuevas y cenotes naturales, como en cárcamos y acuarios modernos. Oculta por el piso, la escultura se hizo visible con un protocolo de apertura durante la reinauguración del Museo Tamayo, tras su etapa de ampliación arquitectónica. Dentro de ese espacio explorado y descubierto por Huyghe, viven peces ciegos y flotan piedras basálticas provenientes de México. La escultura acuática es una mirada a mundos subterrá-
Pierre Huyghe (France, 1962) conceived El día del ojo specially for the Museo Tamayo; this new project follows the artist’s series of journeys, expeditions and chance encounters across Mexico as he explores natural phenomena and cultural manifestations which exist, yet often go unseen. As its title suggests, the work focuses on the experience of the subject-witness and the repercussion of significant events, either intimate or public, that this experience sets in motion. An aquatic sculpture by Huyghe lies underneath the wooden floorboards, beside the museum’s sculpture patio. This is one of the three component parts of El día del ojo, inspired both by natural caves and cenotes as well as by reservoirs and modern aquariums. Hidden by the floor, the sculpture was revealed during the Museo Tamayo’s reinauguration following the building’s expansion work. Blind cave fish swim among volcanic rocks from Mexico that float in this space explored and uncovered by the artist. The aquatic sculpture offers a glimpse into specific or imagined subterranean worlds. This aquatic sculpture is accompanied by a publication that narrates 38 39
neos, ya sea de entornos concretos o imaginados. Acompañando esta escultura acuática está una publicación que narra el proceso de investigación de Huyghe; funge como herramienta de interpretación a través de imágenes de los encuentros del artista con México: su primera visita a la Ciudad de México en 1987, una expedición a la mina de Naica en Chihuahua, un viaje a los cenotes en Yucatán, así como una visita al Cárcamo de Tláloc. Trátese de estos acercamientos del artista con este país, o del público con este proyecto, la celebración de El día del ojo es en función del testigo cuya experiencia se convertirá, inevitablemente, en recuerdo… u olvido, enterrado, oculto, invisible pero existente.
Huyghe’s research process; it serves as a tool for interpreting with the use of images, the artist’s encounters with Mexico: his first visit to Mexico City in 1987, an expedition to the Naica Mine in Chihuahua, a trip to the cenotes of Yucatan, an expedition to the Cárcamo of Tláloc. Whether it is about the artist’s encounters with Mexico, or the public’s with this project, the celebration of El día del ojo depends on the witness whose experience will become, inevitably, a memory… or oblivion, buried, hidden, invisible yet existent.
Escultura acuรกtica, 2012 Acuatic Sculpture, 2012 Pierre Huyghe
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Este montaje toma como pauta la exposición que Huyghe presenció en su primera visita al Tamayo, en 1987. En un intento por destacar el espacio de interpretación generado entre la memoria y el olvido de las experiencias, este segundo elemento de El día del ojo no es una reconstrucción del montaje de hace veinticinco años, sino que presenta obras que fusionan antigüedad y modernidad, ritos y creencias. Intencionalmente, se han omitido las fechas de las obras en las cédulas con el ánimo de destacar las distintas maneras de crear y percibir el arte, así como el tiempo, lejos de estilos o períodos predeterminados.
This sculptural montage takes its lead from the exhibition that Huyghe saw on his first visit to the Tamayo in 1987. In an attempt to distinguish the space of interpretation generated between the memory and oblivion of experiences, this second element of El día del ojo is not a reconstruction of the montage from twenty-five years ago; instead it presents works that blend antiquity and modernity, rituals and beliefs. Dates have intentionally been left off the labels in order in order to focus attention on the various ways of creating and perceiving art and time, disregarding predetermined styles or periods.
Escultura (Instalaci贸n), 2012 Sculpture (Installation), 2012 Pierre Huyghe
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Patio de Esculturas (Instalaci贸n), 2012 Sculptures Patio (Installation), 2012 Pierre Huyghe
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
Carlos Amorales. Germinal forma parte de una de las líneas curatoriales del Museo Tamayo, que se enfoca en la investigación del acervo artístico de la institución estableciendo líneas de relación con las prácticas contemporáneas. Estas investigaciones se materializan en lecturas de la colección, proyectos específicos y exposiciones de artistas contemporáneos, cuya obra abre nuevas perspectivas al estudio de la colección.
Carlos Amorales. Germinal is part of one of the Museo Tamayo’s lines of curatorial investigation, focusing on research in the institution’s art collection and establishing relationships with contemporary practices. Such research is materialized in readings of the collection, specific projects, and exhibitions of contemporary artists, whose work opens new perspectives in the study of the collection.
Dentro del acervo hay obra de varios artistas que en distintos momentos de sus carreras se ocuparon de la creación de nuevos lenguajes como Joaquín Torres García (Montevideo, 1874 - 1949); Mathias Goeritz (Danzig, Alemania, 1915 - Ciudad de México, 1990) o el pintor Antoni Tàpies (Barcelona, 1923 - 2012). Estos artistas, desde distintos planos e intereses, vincularon lo visual con el lenguaje como ocurre en esta exposición de uno de los artistas mexicanos más reconocidos en el ámbito internacional.
Within the collection there are works by various artists who, at different moments of their careers, were concerned with the creation of new languages, such as Joaquín Torres García (Montevideo, 1874 - 1949); Mathias Goeritz (Danzig, Germany, 1915 - Mexico City, 1990); or the painter Antoni Tàpies (Barcelona, 1923 2012). Working on different grounds and with different interests, these artists linked the visual to language, as is likewise the case in this exhibition of one of Mexico’s most internationally renowned artists.
Germinal reúne una serie de piezas, algunas creadas especialmente para esta exposición, que muestran una nueva etapa en el trabajo de Carlos Amorales (México, 1970), en la cual el artista desarrolla un lenguaje gráfico que se desprende de la compresión y la fragmentación de las
Germinal brings together a series of pieces, some of which were created especially for this exhibition, showing a new stage in the work of Carlos Amorales (Mexico City, 1970), who 48 49
imágenes recopiladas en su Archivo Líquido, proyecto que desarrolló por más de diez años a partir de 1998. Este proceso dio origen a un alfabeto codificado, al que en principio no tenemos acceso, pero cuya plasticidad lo sitúa en la frontera entre la imagen y el signo. Este lenguaje se utiliza en formatos tradicionales impresos como carteles, libros o periódicos. Sin embargo, al explorar otros medios como la escultura y el video, las obras cuestionan el uso del lenguaje y sus límites, planteando qué es lo que ocurre cuando este lenguaje se acaba. La muestra toma su título de una de las obras que se presentan: un periódico que incluye textos anarquistas e imágenes del terremoto de 1985 en la Ciudad de México. Amorales establece un vínculo entre estos discursos y el sismo, al observar en los días posteriores a la tragedia un momento de excepción en la historia de la ciudad, en el cual ante la anarquía generada por la parálisis del gobierno, se produjo una movilización positiva de la sociedad civil. De manera similar, para el artista la anarquía puede darse en el momento en que se pierde el lenguaje verbal, dando lugar a otras posibilidades de comunicación.
has developed a graphic language that detaches itself from the compression and fragmentation of images compiled in his Liquid Archive, a project that he developed for more than ten years starting in 1998. This process gave rise to a codified alphabet, to which we do not initially have access, but whose plasticity locates it at the limit between image and sign. This language is used in traditional printed formats like posters, books, or newspapers. Nevertheless, in exploring media like sculpture and video, these works question the use of language and its limits, posing the question of what lies beyond the end of language. The show takes its title from one of the works on display, a newspaper that includes anarchist texts and images of the 1985 earthquake in Mexico City. Amorales establishes a link between these discourses and the earthquake, observing a moment of exception in the city’s history in the aftermath the tragedy, during which civil society, confronted by the anarchy generated by the paralysis of the government, was positively mobilized. Similarly, for the artist, anarchy can arise at the moment when verbal language is lost, making room for other communicative possibilities.
Germinal, 2012 Germinal, 2012 Carlos Amorales
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1. Carlos Amorales Vertical Earthquake, 2013 Terremoto Vertical Reglas de acero, grafito sobre pared Steel rulers, graphite on wall Cortesía del artista y Galerie Yvon Lambert, París Courtesy of the artist and Galerie Yvon Lambert, Paris 2. Carlos Amorales Vertical Earthquake 14, 2010 Terremoto Vertical 14 Reglas de acero, grafito sobre pared Steel rulers, graphite on wall Colección Tatiana Bilbao y Sandro Landucci Tatiana Bilbao and Sandro Landucci Collection 3. Carlos Amorales 11 Vertical Earthquake Aftershock, 2010 Terremoto Vertical después del shock 11 Reglas de acero, grafito sobre pared Steel rulers, graphite on wall ciac a. c.
4. Carlos Amorales Vagabond in France and Belgium, 2011 Vagabundo en Francia y Bélgica 6 pósters y libro. Serigrafía sobre papel Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 5. Carlos Amorales Germinal and The Worst Day, 2012 Germinal y El Peor Día Serigrafía sobre papel y grafito Silk-screen on paper and graphite Colección Rocío y Boris Hirmas Collection of Rocío and Boris Hirmas 6. Carlos Amorales The Language of Dead, 2012 La Lengua de los Muertos Serigrafía sobre papel Silk-sreen on paper Cortesía del artista y Galerie Yvon Lambert, París Courtesy of the artist and Galerie Yvon Lambert París
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
7. Carlos Amorales We Will See How Everything Reverberates, 2012 Veremos cómo todo reverbera Instalación. Acero, cobre y pintura epóxica Cortesía del artista y Galerie Yvon Lambert, París Courtesy of the artist and Galerie Yvon Lambert París 8. Carlos Amorales Screenplay for Amsterdam, 2012-2013 Guión para Ámsterdam Fotocopias en blanco y negro Black and white photocopies Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 9. Carlos Amorales Screen/Mask, 2013 Pantalla/Máscara Escultura de resina Resin sculpture Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City
10. Carlos Amorales Dancing Type, 2013 Tipo Bailarín Video blanco y negro sin sonido 7 minutos en loop Silent black and white film 7 minutes on loop Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 11. Carlos Amorales Screenplay for Amsterdam, 2012-2013 Guión para Amsterdam Fotocopias en blanco y negro Black and white photocopies Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 12. Carlos Amorales Amsterdam, 2013 Amsterdam Video blanco y negro con sonido Black and white film with sound Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 52 53
13. Carlos Amorales The Sorcerer’s Apprentice , 2013 El Aprendiz de Brujo Video blanco y negro sin sonido 9 minutos en loop Silent black and white film 9 minutes on loop Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City 14. Carlos Amorales Orellana’s Fantasy, 2013 Fantasía de Orellana Hecho en colaboración con Julián Lede Video blanco y negro con sonido 6 minutos Made in collaboration with Julián Lede Black and white video with sound 6 minutes Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City
15. Carlos Amorales Typographical Patterns for Mass Reproduction, 2013 Patrones tipográficos para reproducción masiva Óleo sobre tela Oil on canvas Cortesía del artista y kurimanzutto, México Courtesy of the artist and kurimanzutto, Mexico City
Veremos c贸mo todo reverbera, 2012 We Will See How Everything Reverberates, 2012 Carlos Amorales
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Terremoto Vertical, 2013 Vertical Earthquake, 2013 Carlos Amorales
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
El trabajo de Amalia Pica (Neuquén, Argentina, 1978) recurre a diferentes formatos, desde los más objetuales como escultura, fotografía y dibujo hasta textos, intervenciones en espacios públicos y performance. En estos distintos formatos Pica ha trabajado con una serie de motivos como megáfonos, micrófonos, antenas, podios y banderas, los cuales, como apunta el curador Jochen Volz, están ligados a acciones como hablar, grabar, recibir o presentar, pero en la obra de Pica estos objetos están desconectados de su función original, siendo únicamente potenciales vehículos de estas acciones. Para la artista argentina su trabajo se centra en “una preocupación por encontrar códigos compartidos, ya sea a través de celebraciones, rituales, artefactos comunicativos o políticas educativas que se emplazan en un imaginario común.”1 De ahí que su trabajo incluya fórmulas de inclusión. A∩ B∩ C (A intersección B intersección C) es el proyecto que Amalia Pica presenta en el Museo Tamayo, y que responde al espacio al que fue invitada; la artista lo lee como un escenario, en donde las escaleras que comunican
The work of Amalia Pica (Neuquén, Argentina, 1978) uses different formats, from objects such as sculpture, photography and drawing, to texts, interventions in public spaces and performance. In these different formats Pica has worked with a number of motives such as megaphones, microphones, antennae, podiums and flags, which, as noted by the curator Jochen Volz, are linked to the acts of talking, recording, receiving or presenting, but in Pica’s oeuvre these objects are disconnected from their original function, becoming only potential vehicles of these actions. For the Argentinean artist, her work focuses on “a preoccupation with finding code sharing, either through celebrations, rituals, artifacts communicative or educational policies that are located in a common imaginary.”¹ Hence, her works includes formulas of inclusion. A intersection B intersection C is the title of the project Amalia Pica presented at Museo Tamayo, which responds to the museum’s space. The artist reads the gallery as a kind of arena where the steps link one gallery to the next functions as a tribune where people can observe what takes place in this part of the museum. 60 61
una sala con otra pueden ser interpretadas como una grada o plataforma desde donde el público observa lo que sucede en ese espacio. En otras ocasiones –en su exposición en Sankt Gallen, Suiza (2012), donde las gradas fueron creadas ex profeso– Pica utiliza las escaleras para crear otra perspectiva del espacio, al tiempo que éstas se convierten en un lugar de encuentro. A∩ B∩ C toma su título del lenguaje empleado en la Teoría de Conjuntos, en la que el símbolo ∩ se refiere a los elementos comunes a dos o más conjuntos. La artista ya había trabajado con esta teoría, específicamente con los diagramas de Venn que son las representaciones gráficas de una agrupación de elementos. Sin embargo, el interés de Pica en el tema no radica en el uso de las representaciones o lenguajes matemáticos, sino en el nuevo significado que se produce al yuxtaponer dos o más lenguajes. En 2011, Amalia Pica presentó Diagramas de Venn (bajo el reflector), obra en la cual recreó mediante luces de colores uno de los esquemas creados por este matemático; junto a esta recreación, la artista colocó un texto sobre la prohibición de la enseñanza de los diagramas de Venn en las escuelas primarias, durante
In other occasions—her last year’s show at Sankt Gallen, Switzerland, the stands were made ex profeso—Pica also uses the stairs to create another perspective of the space, turning them into a meeting point. A∩ B∩ C takes its title from the language used in set theory, in which the symbol refers to elements shared between two or more groups of objects. The artist previously worked with this theory, specifically with the Venn diagrams, which are the graphic representations of a group of elements. However, Pica’s interest in the subject is not in the use of mathematical representations or language, but in the new meaning that is produced by juxtaposing two or more languages. In 2011, Amalia Pica produced a light-based work, Venn Diagrams (Under the Spotlight), inspired by the mathematical model of the same name. Next to the light projection of two circles of different color, depicting the diagram, she placed a caption on the wall explaining that Venn diagrams were banned from elementary school instruction during the military dictatorship in Argentina (1976-1983), because they promoted collective dynamics and modes of collaboration.
los años de la dictadura militar en Argentina (1976 a 1983). De acuerdo con el régimen militar, estos esquemas matemáticos no podían ser aprendidos por los niños porque promovían modelos de colectividad. En consecuencia, los diagramas de Venn en la obra de Pica adquieren otra lectura.
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“Arte para resistir el sinsentido: entrevista a Amalia Pica”, Código, núm. 69 (Junio-Julio, 2012): 36. “Arte para resistir el sinsentido: entrevista a Amalia Pica”, Código, núm. 69 (June-July 2012): 36. 62 63
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
Al partir de la idea de la artista de que una narración altera la percepción de ciertas formas geométricas o abstractas, Pica propone para el Museo Tamayo la intervención de performers. Para la artista se trata de humanizar la geometría con la activación de los objetos, al ser manejado por un grupo de personas que va creando distintas combinaciones con los elementos geométricos. De este modo, se genera una comunicación entre los objetos, por lo que dejan de ser entes aislados para ser parte de un diálogo emprendido por quienes realizan la acción en una conversación no verbal y que no responde a una narrativa tradicional.
From the idea of the artist that a narrative changes the perception of certain geometrical or abstract forms, Pica proposes the intervention of performers at Museo Tamayo. The artist aims to humanize these forms when they are manipulated by a group of people who create different combinations using the figures, allowing communication between the various objects. The figures, no longer isolated entities, become part of a conversation struck up by those performing the action, involving them in a non-verbal dialogue, a theme found in many of the artist’s works.
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Escena del performance A∩ B∩ C (A intersección B intersección C), 2012 Scene of the performance A∩ B∩ C (A intersection B intersection C), 2012 Amalia Pica
Escena del performance A∩ B∩ C (A intersección B intersección C), 2012 Scene of the performance A∩ B∩ C (A intersection B intersection C), 2012 Amalia Pica
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Instalación A∩ B∩ C (A intersección B intersección C), 2012 Installation A∩ B∩ C (A intersection B intersection C), 2012 Amalia Pica
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
A lo largo de su historia, el Museo Tamayo ha consagrado su patio central a la exposición de obras tridimensionales y este año hemos dado inicio a un programa dedicado a mostrar prácticas escultóricas espacializadas que han emergido desde los años sesenta, con un especial enfoque en los campos expandidos de los medios tradicionales que van más allá de la escultura y se adentran en el territorio de las artes escénicas, como la danza. Asimismo nuestro enfoque se extiende a aquellas prácticas que involucran la participación activa del espectador. Este programa se llevará a cabo dos veces al año y se inicia con el montaje de la pieza escultórica y coreográfica de Trisha Brown, Floor of the Forest (1970), la cual será seguida en agosto por la presentación de una serie de obras producidas por los miembros del Groupe de Recherche d’Art Visuel acompañada por una pequeña exposición documental sobre dicho grupo, organizada por Andrea Torreblanca.
As part of the Museo Tamayo’s ongoing commitment to showcasing three-dimensional works in its “sculpture court”, we have initiated a program devoted to exhibiting spatialized sculptural practices that have emerged since the 1960s focusing on the expanded fields of traditional mediums that go beyond sculpture and into the domains of performance and dance. Moreover, this focus extends to works that engage the spectator’s participation. This program will take place twice a year, and the staging of Trisha Brown’s 1970 choreographic and sculptural piece Floor of the Forest initiates this series, which will be followed in August by the presentation of some of the works produced by members of the Groupe de Recherche d’Art Visuel between 1960 and 1968 accompanied by a small documentary exhibition on the aforementioned artist group, organized by Andrea Torreblanca.
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LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
Floor of the Forest es una pieza de danza/ performance ejecutada por primera vez en 1970 por Trisha Brown y Carmen Beuchat. La obra se compone de una estructura de acero, la cual soporta una malla hecha de ropa. A través de esta plataforma dos bailarines se desplazan, poniéndose y quitándose la ropa. En ciertos momentos, hacen una pausa para permitir que la gravedad ejerza efecto sobre sus cuerpos. El público puede moverse alrededor de la estructura. Fuera de los horarios del performance, la obra funciona como una pieza escultórica. El performance se ha presentado en diversos escenarios, desde festivales de teatro y danza hasta programas de performance y danza contemporáneas en museos como Henry Art Gallery, The Walker Art Center, Hammer Museum, Barbican y dOKUMENTA 12.
Floor of the Forest (1970) is a dance/ performance art piece staged for the first time by Trisha Brown and Carmen Beuchat in 1970. The piece consists of a steel structure holding up a grid made of rope and clothes. Two dancers move through the grid, dressing and undressing their way through the structure. At certain moments they pause and let gravity pull their bodies down towards the ground. The public moves around the structure. Outside of scheduled performance times, the piece functions as a sculpture. This piece has been shown in various contexts—in theater and dance festivals as well as in performance art and contemporary dance programs—at museums such as the Henry Art Gallery, The Walker Art Center, the Hammer Museum, the Barbican, and dOCUMENTA 12.
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Reproducci贸n del performance Floor of The Forest, 2013 Reproduction of the performance Floor of The Forest, 2013 Trisha Brown
Detalle la estructura Floor of The Forest, 2013 Detail of the structure Floor of The Forest, 2013 Trisha Brown
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Performance Floor of The Forest, 2013 Performance Floor of The Forest, 2013 Trisha Brown
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
La obra de Juan Downey (Santiago de Chile, 1940 - Nueva York, 1993) se despliega a través de un amplio espectro de prácticas y medios: dibujo, instalación, video, pintura. Asimismo, aborda una serie de temas complejos y pertinentes en su momento acerca de la utilización de las nuevas tecnologías en el arte y las implicaciones que esto tendría en cuanto a su alcance y significación en un contexto más allá del espacio del museo.
The work of Juan Downey (Santiago de Chile, 1940 – New York, 1993) covers a wide range of practices and mediums: drawing, installation, video, and painting. Likewise, it addresses a series of complex issues, very current at the time, about the use of new technologies in art and the implications this would have in terms of its reach and production of meaning in a context that went far beyond the museum and gallery exhibition space.
La exposición Juan Downey. Una utopía de la comunicación que se presenta en el Museo Tamayo reúne una serie de obras que abarca la mayor parte de sus cuerpos de trabajo, articulados bajo el signo de la retroalimentación como aspecto estructural y constante a lo largo de su trayectoria.
The exhibition Juan Downey. A Communications Utopia presented at the Museo Tamayo presents a significant selection from his major bodies of work, taking as a point of departure the notion of feedback as a constant and structural aspect of his work throughout his entire production.
Juan Downey fue una figura pionera del videoarte en un momento en el que el medio comenzaba a ser utilizado por los artistas, para quienes tenía un enorme potencial; la inmediatez de su transmisión, los circuitos cerrados y sus diversas posibilidades de edición y retroalimentación eran características que se prestaban para múltiples experimentos no sólo
Juan Downey was a pioneering figure of video art in a moment in which the medium was just beginning to be utilized by artists, who saw in it an enormous potential; the communicative power of the television medium, the immediacy of its transmission, its closed circuits and its manifold possibilities of edition and feedback, lent themselves to multiple ex82 83
de imagen sino de percepción y comunicación. Formado en el campo de la arquitectura, la experiencia topológica de la retroalimentación llevó a Downey a concebir arquitecturas desmaterializadas y ecológicas a través de dibujos de proyectos para edificios y ciudades que promovían el flujo de energías entre la naturaleza y el espacio construido.
periments, not only in terms of image but also of perception and communication.Trained as an architect, the topological experience of video feedback led Downey to conceive of dematerialized and ecological architectures through drawings of projects for buildings and cities that promoted the flow of energy between nature and the built environment.
Una de las obras icónicas de este artista es la instalación Video Trans Americas, con base en el concepto de retroalimentación. En 1973 emprendió un viaje que lo llevaría de Nueva York a México, Guatemala, Perú, Bolivia y Chile, donde filmó en video las culturas autóctonas, a las cuales les mostraba los distintos registros que realizó. A raíz de este viaje, el artista decidió irse a vivir a la selva amazónica venezolana, entre los indios Yanomami, produciendo uno de los cuerpos de trabajo más singulares de la época. Con estas obras, fundamentales en su producción, Downey se posicionó a sí mismo como un “comunicador cultural y un antropólogo estético activador, cuyo medio de expresión visual es el video.”
One of Downey’s landmark works is the video-feedback-based installation Video Trans Americas. In 1973 he embarked on a journey that would take him from New York to Mexico, Guatemala, Peru, Bolivia, and Chile, where he recorded the autochthonous cultures of each place and then showing them to the inhabitants of these places and to others during the trip. Later, Downey decided to travel to the Venezuelan Amazonian basin and resided there, among the Yanomami, producing one of the most singular bodies of work in recent art history. With these fundamental works, Downey positions himself as a “cultural communicant, an activating aesthetic anthropologist with a visual means of expression: video tape.”
A su regreso a Nueva York, a finales de los setenta, y hasta su muerte en 1993, Downey continuó haciendo videos que se adentraban en el territorio de la semiótica y reflexionaban sobre los medios, la cultura de masas y la representación, manteniendo vivo el interés por la comunicación que permea toda su producción.
Upon his return to New York, at the end of the seventies and until his death in 1993, Downey continued to make videos that reflected on mass culture, the media, and representation, reaffirming his continued interest in communication structures.
La utopía cibernética proponía una reformulación radical de las relaciones entre el hombre y la tecnología, lo cual se pone de manifiesto en la selección de obras incluidas en esta exposición, y que presenta a Downey como un pensador de ideas visionarias y avanzadas, consciente de las complejidades de su tiempo.
Downey’s cybernetic utopia proposed a radical reformulation of the relations between man and technology, made manifest in the selection of works included in this exhibition, which presents Juan Downey as a thinker, of visionary and advanced ideas, aware of the complexities of his time.
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1. Juan Downey A Fire Sculpture, 1969 Una escultura de fuego Collage Colección privada, cortesía de Henrique Faría Fine Art, Nueva York
5. Juan Downey Communication: The Only Thing, 1967 Comunicación: Lo único Lápiz de color, grafito y acrílico sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
2. Juan Downey Invisible Energy Dictates a Dance Concert, 1976 Energía invisible dicta un baile concierto Tinta grafito sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
6. Juan Downey Untitled, 1967 Sin título Lápiz de color, grafito y acrílico sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
3. Juan Downey The Human Voice, 1969 La voz humana Collage, lápiz de color y tinta sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York 4. Juan Downey Video/Space/Time, The human Voice, 1968 Video/espacio/tiempo, La voz humana Lápiz de color, grafito y tinta sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
7. Juan Downey 7 Critics, 1970 7 críticos Grabado, Método Hayter Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York 8. Juan Downey A Research On The Art World, 1970 Una investigación del mundo del arte Collage, fotocopia, acrílico, lápiz de color Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
9. Juan Downey Plato Now, 1973 Platón ahora Video blanco y negro 30 minutos y 17 segundos Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
13. Juan Downey Untitled, 1965 Sin título Lápiz, “sanguina” sobre papel kraft Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
10. Juan Downey Esquina, 1985 Instalación, papel periódico sobre la pared Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
14. Juan Downey Untitled, 1965 Sin título Lápiz, sanguina sobre papel kraft Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
11. Juan Downey Soil+Water+Air+Light=Flowers+Bees=Honey Suelo+Agua+Aire+Luz=Flores y Abejas= Miel Fotografías documentales Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
15. Juan Downey Do It Yourself, 1967 Hágalo usted mismo Siete grabados, método Viscosidad-Hayter Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
12. Juan Downey Untitled, 1965 Sin título Lápiz, sanguina sobre papel kraft Colección de Marilys Belt de Downey, Nueva York
16. Juan Downey And Lord the God Breathed Into His Nostrils The Breath Of Life And Man Became a Living Soul, 1970 Y el Señor Dios sopló en su nariz el aliento de vida y fue el hombre un ser viviente Lápiz de color, grafito y acrílico sobre papel Colección de Marilys Belt de Downey, 86 Nueva York
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Esquina, 1985 Corner, 1985 Juan Downey
Sín Título, 1965 Untitled, 1965 Juan Downey
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Plat贸n ahora, 1973 Plato Now, 1973 Juan Downey
EXPOSICIONES COLECTIVAS COLLECTIVE EXHIBITIONS
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SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
Durante las últimas dos décadas se han producido algunos desplazamientos en las prácticas artísticas contemporáneas hacia lo que los críticos e historiadores del arte han catalogado como el “impulso archivístico” y el “giro historiográfico”. La Historia ha cobrado importancia como tema y también como medio para los artistas contemporáneos que trabajan dentro de este contexto dando preferencia a los aparatos representativos de los formatos de archivo tales como el cine, el video, y la fotografía, los cuales constituyen vehículos predominantes en sus pesquisas historiográficas. La exposición El mañana ya estuvo aquí aborda el giro historiográfico del arte contemporáneo y proyecta una mirada retrospectiva hacia las visiones pasadas del futuro. El título de la exposición se refiere al recurso de la paradoja de la predestinación, empleado con frecuencia en los relatos de ciencia ficción que tratan de viajes en el tiempo. Dicha paradoja usualmente implica el viaje de un personaje del futuro al pasado, donde a menudo efectúa cambios irreversibles que inciden sobre el futuro y resultan por lo general en la desaparición de dicho personaje del futuro desde donde original-
The past two decades have witnessed major shifts in contemporary art practices towards what some critics and art historians have identified alternatively as the “archival impulse” and the “historiographic turn;” History itself has become an important subject-matter as well as a medium for contemporary artists who favour the representational apparatuses of archival formats such as film, video and photography as prime vehicles for their historiographic endeavours.
Tomorrow was already here is an exhibition that attempts to trace a particular thread of the current historiographic turn in contemporary art by showcasing the work of artists who cast a retrospective gaze towards past visions of the future. The title of the show refers to the device of the predestination paradox, characteristic of time-travel related science fiction, whereby a traveller from the future travels to the past and, more often than not, effects irreversible changes in the future, which result in the traveller’s erasure from that future. Thus, tomorrow returns as a spectral presence from the past; it is no longer within our reach. 96 97
mente viajó. Así, el mañana retorna aquí como una presencia fantasmal del pasado que no está más a nuestro alcance. Aunque no está incluida en la exposición, Le Jetée de Chris Marker es una referencia fundamental y la paradoja temporal que articula la muestra le rinde homenaje a su obra. Los espectros de la modernidad y sus visiones utópicas del futuro se ciernen sobre esta exposición, construida a partir de algunos de los imaginarios predictivos propios de la cultura de la Guerra Fría, muchos de los cuales intersectan el género de la ciencia ficción y se despliegan ante tres escenarios: la angustia provocada por la posibilidad de una aniquilación nuclear; los viajes y la colonización del espacio como tropos significativos de la producción cultural de la época; y la arquitectura como el ámbito visible en el que muchas empresas utópicas del pasado tomaron forma concreta. Obras de la colección del Museo Tamayo sirven para contextualizar los tres imaginarios explorados por la exposición. Estas selecciones de obras de los años cincuenta, sesenta y setenta funcionan como cápsulas de tiempo, a la vez que dialogan con los tres imaginarios de la exposición, pero, sobre todo, presentan distintas versiones de lo moderno.
Though not included in the exhibition, Chris Marker’s La Jetée is an overarching presence in the exhibition and the time-loop paradox that lies at the heart of the exhibition pays tribute to his work. The spectres of modernity and its utopian visions of the future haunt this exhibition, constructed upon some of the predictive cultural imaginaries at the height of the Cold War, many of which intersect the realm of science fiction and are set against three backdrops: anxiety in the face of nuclear annihilation; space travel and colonization as a powerful trope in the culture of the time; and architecture as the visible realm in which many utopian undertakings of the past took concrete form. Works from the collection of the Museo Tamayo serve to contextualize the three realms explored by the exhibition in small period displays, which function as time-capsules, with art works of the 1950s, 1960s and early 1970s that engage in a reflection on similar themes, but also present different iterations of the modern. The notion of potentiality, of the future that could have been but never happened, pervades this exhibition. The works convey, at times, a nostalgic sense of loss in coming to terms with the unrealized potential of the twentieth cen-
La noción de potencialidad –del futuro que ha podido ser pero que nunca se materializó– es una presencia constante en esta exposición. Las obras transmiten, en ocasiones, un sentido nostálgico de pérdida al enfrentarse al potencial no realizado de las visiones del futuro del siglo xx, pero de manera más importante, estos artistas a través de sus obras abordan la historia como una manera de entender el presente y construir una visión del futuro al invocar, una vez más, el espectro de la utopía.
tury’s visions of the future. But more importantly, these artists, through their works, engage history as a way of understand-ing the present and constructing a vision of the future by invoking, yet again, the specter of utopia.
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1. Kenneth Armitage (Leeds, Reino Unido, 1916 - Londres, 2002) Pequeño profeta, Versión ii Small Prophet Version ii, 1962 Bronce, edición de 6 Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta
4. Mathias Goeritz (Danzig, Alemania, 1915 Ciudad de México, 1990) Mensaje xv, Levíticos xx: 18, 1959 Message XV, Leviticus xx: 18 Mixta sobre fibracel Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta
2. Carol Bove (Ginebra, 1971) Viva, 2011 Viva, 2011 Repisas de madera y metal, libros, acero, bronce, collage, enmarcado, plumas, tela, hilo y papel Cortesía de la artista y David Zwirner, Nueva York
5. Simon Starling (Epsom, Reino Unido, 1967) Nachbau, 2007 Réplica 4 impresiones de plata sobre gelatina Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta
3. Fernando Bryce (Lima, 1965) Walter Benjamin, 2002 Serie de 10 dibujos Tinta sobre papel Cortesía del Kunstmuseum St. Gallen, Suiza Colección privada, en calidad de préstamo
6. Gerard Byrne (Dublín, 1969) 1984 y Más Allá 1984 and Beyond, 2007 Instalación de video en 3 canales, duración no-lineal (aproximadamente 60 minutos en total) 20 fotografías en blanco y negro, vinil Cortesía del artista y de Lisson Gallery, Londres
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
7. Adolph Gottlieb (Nueva York, 1903 -1974) Explosión Burst, 1972 Óleo y vinílica sobre tela Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta 8. Barbara Hepworth (Wakefield, Reino Unido, 1903 St. Ives, Reino Unido, 1975) Forma cuadrada con círculos Square Form with Circles, 1963 Bronce vaciado, 3/6 Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta 9. Roberto Matta (Santiago, Chile, 1911 Lacio, Italia, 2002) Pecador justificado Justified Sinner, 1952 Óleo sobre tela Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta
10. Henry Moore (Castleford, Reino Unido, 1898 - Much Hadham, Reino Unido, 1986) Figuras con fondo de humo Figures with Smoke Background, 1976 Litografía a siete colores en papel de TH Saunders, 2/15 HC Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta 11. Henry Moore (Castleford, Reino Unido, 1898 - Much Hadham, Reino Unido, 1986) Gran forma lenta Large Slow Form, 1962 Bronce vaciado, 1/9 Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta 12. Simon Starling (Epsom, Reino Unido, 1967) Proyecto para una escultura pública temporal (Hiroshima) Project for a Temporary Public Sculpture (Hiroshima), 2009 Bronce, acero y correas de fibra sintética Colección Museo Tamayo, inba-Conaculta 100 101
13. Julieta Aranda (Ciudad de México, 1975) …Quisiera empezar desde el principio (el arte de las máquinas heroicas) …Would like to start from the beginning (the art of heroic machines), 2009 Impresión cromogénica montada sobre aluminio Cortesía de la artista 14. Julieta Aranda (Ciudad de México, 1975) Si cuentas la historia bien, no habrá sido una comedia If you tell the story well, it will not have been a comedy, 2009 Película de 16 mm proyectada, periódico Película: 11 minutos Cortesía de la artista 15. Johan Grimonprez (Roeslare, Bélgica, 1962) Double Take, 2008 Instalación: vinil, fotografías, dibujos, y video Video: Beta Digital, 80 minutos, transferido a DVD Estéreo LTRT Idioma original: inglés Producido por Zapomatik, Bélgica Cortesía del artista y LTD Gallery, Los Ángeles
16. Kiluanji Kia Henda (Luanda, Angola, 1978) Ícaro 13 Icarus 13, 2006 Instalación: 8 impresiones cromogénicas montadas sobre acrílico (metacrilato), maqueta, texto de vinilo Cortesía del artista 17. Július Koller (Piestany, Eslovaquia, 1939-2007) Signo de interrogación futurológico universal (U.F.O.) Universal Futurological Question Mark (U.F.O.), 1978 Fotografía en blanco y negro Cortesía de Galerie Martin Janda, Viena 18. Steve McQueen (Londres, 1969) Érase una vez Once Upon a Time, 2002 Proyección en secuencia de 116 imágenes a color con sonido integrado 70 minutos Cortesía del artista y Marian Goodman Gallery de Nueva York y París
19. The Otolith Group (Anjalika Sagar, Londres, 1968 y Kodwo Eshun, Londres, 1967) Otolith I, 2003 Video (color, sonido) 22 minutos y 16 segundos Cortesía de los artistas y LUX 20. Jane y Louise Wilson (Newcastle, Reino Unido, 1967) Protón, unidad, energía, tormenta de nieve Proton, Unity, Energy, Blizzard, 2000 Instalación de video de cuatro canales Cortesía de las artistas y 303 Gallery, Nueva York 21. Martha Boto (Buenos Aires, 1925 - París, 2004) Plus hélicoïdal lumineux, 1969 Metal, plexiglás y motor eléctrico, 61/200 ColecciónMuseo Tamayo, inba - Conaculta 22. Carol Bove (Ginebra, 1971) Amanecer Dawn, 2012 Hilo y 271 clavos Cortesía de la artista, Maccarone, Nueva York y David Zwirner, Nueva York
23. Julio Le Parc (Mendoza, Argentina, 1928) Relief 27, 1970 Relieve 27 Plexiglás ensamblado, ed. 25/200 ColecciónMuseo Tamayo, inba - Conaculta 24. Giò Pomodoro (Orciano de Pesaro, Italia, 1930 - Milán, 2002) Moon Stone iv, 1965 Piedra lunar iv Mármol belga pulido, talla directa ColecciónMuseo Tamayo, inba - Conaculta 25. Earl Reiback (Nueva York, ee. uu., 1943 - Los Ángeles, ee. uu., 2006) Spring Tide, 2009 Marea primaveral Objeto de luz cinético: termoplástico, perspex y madera ColecciónMuseo Tamayo, inba - Conaculta 26. Francisco Sobrino (Guadalajara, España, 1932) Déplacement instable, 1967 Desplazamiento inestable Plexiglás montado, 75/100 ColecciónMuseo Tamayo, inba - Conaculta
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Desplazamiento inestable, 1967 DĂŠplacement instable, 1967 Francisco Sobrino
Marea Primaveral, 2009 Spring Tide, 2009 Earl Reiback
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Proyecto para escultura pĂşblica temporal, 1967 Project for a Temporary Public Sculpture, 1967 Simon Starling
1984 y Mรกs Allรก, 2007 1984 and Beyond, 2007 Gerard Byrne
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Walter BenjamĂn, 2002 Walter Benjamin, 2002 Fernando Bryce
Relieve 27, 1970 Relief 27, 1970 Julio Le Parc
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Viva, 2011 Viva, 2011 Carol Bove
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
En las obras de muchos artistas contemporáneos la historia está presente como una posibilidad que puede materializarse de pronto durante el proceso de evocación y reinterpretación del hecho histórico, en lugar de existir simplemente como una colección imponente de acontecimientos inmutables, guardados en archivos que no pueden modificarse. Como Walter Benjamin señaló: “Articular el pasado de forma histórica no significa reconocerlo ‘como fue’ (Ranke), sino que implica aprehender un recuerdo en cuanto destella en un momento de peligro”. La exposición colectiva Olinka, o donde se crea el movimiento se sustenta en esta interpretación: la historia no se abre como un libro, sino como un abismo, una barranca que de repente se parte en medio de las cosas conocidas. Contrario a los métodos aplicables al estudio y clasificación de los fósiles, la historia también se puede interpretar no como una cronología de acontecimientos guardados en la memoria, sino más bien como una constelación dinámica y siempre cambiante de sitios letárgicos o activos. En esta interpretación geológica y topológica de la historia como un te-
In the works of many contemporary artists, history is present as a possibility that can suddenly materialize during the process of recollection and the rereading of historical material, rather than simply existing as a stately collection of immutable facts, stored in archives and written in stone. As Walter Benjamin noted, “To articulate the past historically does not mean to recognize it ‘the way it was’ (Ranke). It means to seize hold of a memory as it flashes up at a moment of danger.” The exhibition Olinka, or Where Movement Is Created is sustained in this interpretation: history opens not like a book, but as a chasm, a barranca suddenly split open in the middle of known things. Contrary to the methods applicable to the study and classification of fossils, history can also be read not as a timeline of events stored in memory, but rather as a dynamic and ever-changing constellation of dormant or active sites. In this geological and topological interpretation of history as an unstable territory, a terrain built on many layers and shaken by violent quakes and eruptions, a new reading of history can create a movement, like a drop 114 115
rritorio inestable, un terreno construido sobre muchos estratos y sacudido por temblores y erupciones violentos, una nueva lectura de la historia crea movimiento, como una gota de agua que produce ondas concéntricas a través del tiempo que se extienden hasta el futuro, pero pasan por el momento presente. Los sucesos y los personajes históricos resuenan de formas inesperadas en las obras contemporáneas de arte. La historia tiene ventajas y desventajas para la vida; se puede usar y abusar de ella cuando se pone al servicio de los políticos nacionalistas y el capital, pero continúa inspirando acción y sigue siendo una potente herramienta crítica para muchos artistas y pensadores de la actualidad. Si, como Nabokov decía, “el futuro no es más que lo obsoleto al revés”, las cosas enterradas hace mucho tiempo en el pasado tienen un aspecto revolucionario: la nostalgia apunta hacia el futuro y la historia es donde se creó el movimiento. A partir de la metáfora del cambio que representa un temblor, se imaginan otras formas de movimiento violento que afectan a nivel psicológico, emocional e intelectual, y que ejercen influencia en las dimensiones social, ideológica y estética de nuestra existencia, en particular en México, un país asolado por la guerra contra las drogas donde las condiciones de vida son precarias.
of water sending concentric ripples across time, reaching toward the future while passing the present moment. Historical events and figures, materialized in monuments that may include texts, buildings and artifacts alike, resonate in unexpected ways in contemporary works of art. History has advantages and disadvantages for life; it can be used and abused in service of nationalist politics and capital, but it continues to inspire action and remains a powerful critical tool for many artists and thinkers today. If, as Nabokov had it, “The future is but the obsolete in reverse,” there is a revolutionary aspect to things long ago buried in the past: Nostalgia points toward a future, and history is where movement is created. From the metaphor of change embodied by earthquake, we can imagine other forms of violent movement that affect us psychologically, emotionally and intellectually, and that exert an influence on social, ideological, and aesthetic dimensions of our existence—particularly in Mexico, the country ravaged by drug war and experiencing precarious life conditions, but also elsewhere. The artists in Olinka, or Where Movement Is Created testify to this state of things through their works.
Entrada de la sala Olinka, o donde se crea el movimiento, 2012 Welcome to Olinka, or Where Movement is Created, 2012 Museo Tamayo Arte Contemporรกneo
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1. Anónimo / Unknown Nahui Olin, 1929 Nahui Olin Plata sobre gelatina Gelatin Silver Colección tomás Zurián, México Collection of Tomás Zurián, Mexico 2. Anónimo / Unknown Nahui Olin, dedicated to Dr. Atl, n. d. Nahui Olin, con dedicatoria al Dr. Atl, s. f. Gelatina sobre bromuro Bromide on gelatin Colección tomás Zurián, México Collection of Tomás Zurián, Mexico 3. Dr. Atl Nahui Olin Hairless, 1923 Nahui Olin pelona Pastel sobre papel Pastel on paper Colección privada Private collection
4. Dr. Atl Portrait of Nahui Olin, n. d. Retrato de Nahui Olin s. f. Archivo Dr. Atl, clasif. 7-10. Fondo Reservado de la Biblioteca Nacional de México 5. Dr. Atl Crear la fuerza, 1952 Germinal y El Peor Día Archivo Dr. Atl, clasif. 7Bis-60. Fondo Reservado de la Biblioteca Nacional de México 6. Dr. Atl México un Centro Internacional de Investigaciones Científicas, 1959 Esquema de un Proyecto para Edificar en México un Centro Internacional de Investigaciones Científicas Archivo Dr. Atl, clasif. 7Bis-65. Fondo Reservado de la Biblioteca Nacional de México
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
7. Dr. Atl Programa General, 1955 Archivo Dr. Atl, clasif. 7-9. Fondo Reservado de la Biblioteca Nacional de México 8. Dr. Atl Sketches, 2012-2013 Bocetos Vista del Valle de México y la Sierra de Santa Catarina Olinka con símbolo Volcán 9. Nairy Baghramian Fugue (part i and ii), 2012 Fuga (parte i y ii) MDF, pintura, hule y Durock MDF, paint, rubber, and Durock Cortesía de la artista y Galerie Buchholz, Colonia Courtesy of the artist and Galerie Buchholz, Cologne
10. Ross Birrell & David Harding Cuarteto, 2012 Video Cortesía de los artistas Con el apoyo de la Orquesta Juvenil Esperanza Azteca de Ciudad Juárez/ Fundación Azteca Courtesy of the artists with the collaboration of Orquesta Juvenil Esperanza Azteca de Ciudad Juárez/ Fundación Azteca 11. David Harding Dr. Atl’s ‘Olinka’: Notes Towards a Film, 2012 “Olinka” del Dr. Atl: Apuntes para una película Cuadernillo Cortesía del artista Booklet Courtesy of the artist 12. Ross Birrell Olinka Variations, 2012 Variaciones Olinka Composición para piano y 12 láminas Composition for piano and 12 prints Cortesía Ellen de Bruijne Projects, Ámsterdam Courtesy of Bruijne Projects, Amsterdam 118 119
13. Mariana Castillo Deball The Skin of the Dear, 2011 La Piel del Venado Death Fed with Life in the First and Last Beat, 2011 La muerte alimentada con la vida en el primer y último compás What was a population of hierogluphs, 2011 Lo que fue una población de jeroglíficos Todas las obras: Tinta china sobre papel de algodón Cortesía de la artista y Galerie Wien Lukatsch, Berlín All works: Indian ink on cotton paper Courtesy of the artist and Galerie Wien Lukatsch, Berlin 14. Kate Davis Disgrace v - viii, 2012 Desgracía v - viii Video HD 9 minutos 36 segundos, color, sonido Video HD 9 minutes 36 seconds, color, sound Courtesy of the artist and Galerie Kamm, Berlin
15. Thea Djordjadze She didn´t have friends, children, sex, religion, marriage, success, a salary or a fear of death. She worked, 2013 Ella no tuvo amigos, hijos, sexo, religión, matrimonio, éxito, un salario o miedo a la muerte. Ella trabajó Acero, hule espuma, yeso de París, madera, pintura Steel, foam, Plaster from Paris, wood, paint Cortesía de la artista y Galerie Sprüth Magers, Berlín/Londres Courtesy of the artist and Galerie Sprüth Magers, Berlin/London 16. Thea Djordjadze Black open water, 2012 Aguas negras abiertas Acero Steel Cortesía de la artista y Galerie Sprüth Magers, Berlín/Londres Courtesy of the artist and Galerie Sprüth Magers, Berlin/London
17. Susan Hiller Measure by Measure, 1933 - 2012 Medida por Medida Cenizas de pinturas quemadas de 1993 a 2012, 20 buretas, tapas de hule, etiquetas de plomo, cuatro jarras de cristal, repisa de acero Ashes of paintings burned from 1993 to 2012, 20 glass burettes, rubber stoppers, lead tags, 4 glass containers, steel shelf Cortesía de la artista y Timothy Taylor Gallery, Londres Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery, London 18. Manuel Rodríguez Lozano The Taxi, 1924 El Taxi Óleo sobre cartón Oil on cardboard Colección Museo Nacional de Arte, inba-Conaculta Collection of Museo Nacional de Arte, inba-Conaculta
19. Vivian Suter Blankets Hung, 2010 - 2012 Mantas colgadas Óleo y acrílico sobre tela Oil and Acrylic on canvas, wooden structure 20. Vivian Suter Agatha, 2012 Agatha Siete pinturas, óleo y acrílico sobre tela Seven paintings, oil and Acrylic on canvas Todas las obras: Cortesía del artista All works: Courtesy of the artist 21. Tercerunquinto Sketch of an unrealized project hidden in the museum, 2012 Boceto de proyecto no realizado escondido en el museo
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22. Danh Vo Untitled, 2012 Sín Título Instalación, 10 fotografías blanco y negro, artefactos huicholes de la colección de Joseph Carrier Cortesía del artista y Joseph Carrier Installation, 10 black and white photographs, artifacts Huichol Collection of Joseph Carrier Courtesy of the artist and Joseph Carrier 23. Elisabeth Wild Phantasies, n. d. Fantasías, s. f. Collages Cortesía de la artista Courtesy of the artist 24. Paulina Olowska Portrait of the Artist - Outdoor, 2012 Retrato de la artista - exterior Óleo sobre tela, impresión de inyección de tinta, lámina transparente Oil on canvas, inkjet print on transparent foil Cortesía de la artista Courtesy of the artist
25. Paulina Olowska The End of Spectacle, 2012 (After Isamu Noguchi set element of Martha Graham’s dance “Cave of the Hearth”) El fin del espectáculo (A partir del elemento escenográfico de Isamu Noguchi para el ballet de Martha Graham “La cueva del corazón”) Base de concreto, alambre de aluminio, pintura en aerosol y serigrafía Cortesía de la artista y Metro Pictures, Nueva York Concrete base, aluminum wire, spray paint and silk-screen on fabric Courtesy of the artist and Metro Pictures, New York 26. Nahui Olin Dr. Atl (“… –cuckold– I have made a cuckold of you with 20 real lovers–old fool–you think you are intelligent because you exploit other people´s talent, n.d. Dr. Atl (“… –cabrito– te he puesto los cuernos con veinte enamorados de verdad –viejo loco– te crees inteligente porque explotas el talento de los demás.”), s.f.
27. Nahui Olin Woman with Glasses, n.d. Oleo sobre cartón Oil on cardboard
29. Nahui Olin Woman with Glasses, n.d. Oleo sobre cartón Oil on cardboard
28. Nahui Olin Cycle Trip to Nautla: Self-portrait with Antonio Garduño at village of Martínez de la Torre, Veracruz, n.d. Ciclo de Viaje a Nautla: Autorretrato con Antonio Garduño en el pueblo de Martínez de la Torre, Veracruz, s.f. Tinta china, acuarela, lápices de colores y pastel Indian ink, watercolor, crayons and pastel
28. Nahui Olin Cycle Trip to Nautla: Jazz Band Playing in a pickup truck on the way to Nautla and Enjoying the sea and the food, n.d. Ciclo del Viaje a Nautla: Banda de Jazz tocando en un camión de redilas en el camino a Nautla y Disfrutar del mar y la comida, s.f. Ciclo de Viaje a Nautla: Autorretrato con Antonio Garduño en el pueblo de Martínez de la Torre, Veracruz, s.f. Tinta china y acuarela sobre papel Indian ink and watercolor on paper
28. Nahui Olin Cycle Trip to Nautla: Portraits of Mr. Guerrero and Mr. Enrique Bert. Portrait of Mr. Rosendo Montenegro, n.d. Ciclo del Viaje a Nautla: Retratos de los señores Guerrero y Enrique Bert. Retrato del señor Rosendo Montenegro, s.f. Tinta china y acuarela sobre papel Indian ink and watercolor on paper
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Entrada de la sala Olinka, o donde se crea el movimiento, 2012 Welcome to Olinka, or Where Movement is Created, 2012 Museo Tamayo Arte Contemporรกneo
Instalaci贸n Olinka, o donde se crea el movimiento, 2012 Installation Olinka, or Where the Movement is Created, 2012 Museo Tamayo Arte Contempor谩neo
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Instalaci贸n Olinka, o donde se crea el movimiento, 2012 Installation Olinka, or Where the Movement is Created, 2012 Museo Tamayo Arte Contempor谩neo
Ella no tuvo amigos, hijos, sexo, religi贸n, matrimonio, 茅xito, un salario o miedo a la muerte. Ella trabaj贸, 2013 She didn麓t have friends, children, sex, religion, marriage, success, a salary or a fear of death. She worked, 2013 Thea Djordjadze
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Mujer con lentes, s. f. Woman with Glasses, n. d. Nahui Olin
SĂn tĂtulo, s. f. Untitled, n. d. Nahui Olin
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Instalaci贸n Olinka, o donde se crea el moviemiento, 2012 Installation Olinka, or Where the Movement is Created, 2012 Museo Tamayo Arte Contempor谩neo
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
En el 2000 el historiador del arte Olivier Debroise llevó a cabo la exposición Tamayo en el torbellino de la modernidad, a la par que colocaba en perspectiva crítica las intenciones subyacentes a la construcción del Museo Tamayo. De forma paralela a la vida del artista oaxaqueño, esta institución tiene sus antecedentes en las controversias entre el muralismo nacionalista –cuya máxima descansaba en la consigna que inscribió David Alfaro Siqueiros en 1944: “No hay más ruta que la nuestra”– y la visión internacionalista defendida por Rufino Tamayo. El Museo Tamayo sería una plataforma para visibilizar el arte contemporáneo internacional en suelo mexicano, subsidiado por la iniciativa privada. Aunque temporalmente distante a los años hegemónicos de la Escuela Mexicana, tal empresa encontraría su misión como consecuencia de las disputas de la modernidad entre la figuración, el realismo y la abstracción, el muralismo y la pintura de caballete y la aspiración universal del arte.
In the year 2000, art historian Olivier Debroise curated the show Tamayo en el torbellino de la modernidad, while also calling into critical question the underlying objectives of the creation of the Museo Tamayo. Similar to the life story of the Oaxacan artist, the roots of this institution lie in the polemic between nationalistic muralism (whose maxim was based on David Alfaro Siqueiros’ statement of 1944: “There is no other route than ours”) and the internationalist vision defended by Rufino Tamayo. The Museo Tamayo has acted as a forum spotlighting international contemporary art in Mexico, subsidized by private initiative. Though distanced from the hegemonic years of the Mexican School, the museum’s mission came about as a consequence of modern disputes between figuration, realism, abstraction, muralism, easel painting and the aspiration toward universal art.
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Hay más rutas que la nuestra se concibe como un campo de tensiones estéticas entre las colecciones del Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, en Oaxaca, y la de este museo de arte internacional. De manera similar a las pugnas artísticas que dieron aliento al Museo Tamayo, la muestra incluye obras prehispánicas, modernas y contemporáneas para contraponer los modos de asimilación de lo autóctono con los cánones internacionales del mainstream, sean éstos modernos o recientes. Para ello, las obras y los documentos expuestos evocan al “realismo” de la Escuela Mexicana, en la medida en que confrontan a la retórica nacionalista con los lenguajes abstractos del arte internacional y las estrategias contemporáneas de apropiación simbólica y crítica del idealismo de la modernidad. La selección de obras se inclina por las cualidades pictóricas matéricas, la ambivalencia entre abstracción y figuración precolombinas, las técnicas artesanales, como también los paisajes rurales, populares y mediáticos de los anuncios y los rótulos urbanos. Por otra parte, la presentación del tapiz de gran formato, Henequén rojo y negro, de Josep Grau-Garriga (1981), aunado al Mural Sol, de Gabriel Orozco (2000), y el Muro Baleado de Teresa Margolles (2009), incitan a pensar otras narrativas después de la modernidad cosmológica y universal de los contemporáneos de
There are Other Routes than Ours is designed to create a field of aesthetic tension between the collections of the Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo in Oaxaca and this museum of international art in Mexico City. Not unlike the artistic conflicts that breathed life into the Museo Tamayo, the show includes pre-Hispanic, modern and contemporary works of art in order to contrast the different ways that the indigenous aesthetic and mainstream international canons (whether they be from the modern age or from more recent expressions) have been assimilated. To this end, the works and documents included in this show evoke the “realism” of the Mexican Painting School, to the extent that they contrast the nationalistic rhetoric with the abstract languages of international art and the contemporary strategies of the symbolic and critical appropriation of the idealism of modernity. The selection of works is based on their material pictorial qualities, the ambivalent relationship among abstraction, pre-Columbian figuration, artisanal techniques, as well as rural landscapes and folk and media depictions of advertisements and urban signage. Furthermore, the presence of Josep Grau-Garriga’s large-format tapestry Henequén rojo y negro (1981) alongside Gabriel Orozco’s Mural Sol (2000) and Teresa Margolles’ Muro Baleado
Tamayo. De forma general, las relaciones entre estas obras despliegan –más que una historiografía– otras rutas, posturas y modelos estéticos que se confrontan al tiempo que muestran, desde los lenguajes internacionales del arte, complejas “realidades sociales”.
(2009), prompt us to think about other narratives that reflect the cosmological and universal modernity of Tamayo’s contemporaries. In general, the relationships among these works are not so much historiographic as they are based on other aesthetic routes, postures and models which confront each other at the same time as they show, in the international languages of art, complex “social realities.”
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1. Josep Grau-Garriga Red and Black Henequen, 1980-1981 Henequén rojo y negro Escultura blanda en alto lizo: lana, henequén y algodón Gelatin Silver Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
5. John Chamberlain Medina ataxina, 1984 Medina taxina Lámina de fierro pintada y cromada Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
2. Rufino Tamayo Man in Red, 1976 Hombre en Rojo Óleo sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
6. Jonathan Monk Colour Reversal Nonsite with Ensuite Bathroom, 2009 No-sitio de inversión de color con baño privado Acero inoxidable Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
3. Teresa Margolles Bullet-Ridden Wall (Culiacan), 2009 Muro Baleado (Culiacán) 115 piezas de block con intervenciones de bala Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
7. Francisco Toledo Chapulín, 1980 Chapulín Óleo sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
4. Gabriel Orozco G.O. Swissair, 2010 G.O. Swissair Tinta sobre papel impreso, recortado Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
8. Francisco Toledo Fish, 1960 Pez Gouache sobre cartulina Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
9. Francisco Toledo Spider Webs, 1974 Telas de araña Óleo sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
13. Isamu Noguchi Mannari, 1957 Mannari Piedra arenisca tallada Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
10. Victor Brauner Terre espirit, 1963 Tierra espiritual Acrílico sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
14. Vicente Rojo Remembrance 122, 1979 Recuerdo 122 Acrílico sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
11. Günther Gerzso Jungle of the Woman, 1974 Jungla de la mujer Litografía sobre papel Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
15. Marx Ernst Untitled, 1947 Sin título Óleo sobre papel montado en madera Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
12. Carlos Mérida The Eye of the Prophet, 1965 El ojo del adivino Óleo y acrílico sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
16. Joan Miró Peinture, 1927 Pintura Temple sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
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17. Mathias Goeritz Message XV, Leviticus XX:18, 1959 Mensaje XV, Levíticos XX:18 Mixta sobre fibracel Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
21. Carlos Amorales Inner vs Outer, 1997-2003 Interior vs exterior 46 impresiones fotográficas Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
18. Josep Guinovart Untitled, 1977 Sin título Mixta sobre triplay Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
22. Wolfgang Tillmans Moonrise Puerto Rico, 1995 Salida de luna Puerto Rico C Print Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
19. Wojciech Sadley Hypnos, 1973 Hypnos Tapiz alto lizo, libre yute Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
23. Jimmy Ernst No. 15 from the Unknown Earth Portfolio, 1973-1974 Núm. 15 del portafolio Tierra incógnita Cromolitografía Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
20. Francis Alÿs Sin título, (The Liar, The Copy of the Liar), 2010 Sin título, (El mentiroso, la copia del mentiroso) Pintura de Francis Alÿs: óleo sobre tela Pintura de Enrique Huerta: esmalte sobre placa de metal Pintura de Juan García: esmalte sobre placa de metal Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
24. Louise Nevelson Sky Wall, 1974 Pared del cielo Madera ensamblada y pintada Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
25. Gabriel Orozco Mural Sol, 2000 Mural Sol Mural rotulado Cortesía del artista y Galería kurimanzutto, México 26. Bill Brandt Coal Searcher Going Home to Jarrow, 1983 Buscador de carbón yendo a casa en Jarrow Plata sobre gelatina Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo 27. Joaquín Torres García Contructive with Bell, 1932 Constructivo con campana Óleo sobre tela Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
29. Estudio Herrera Portrait of Rufino Tamayo at his home in San Angel, 1988 Retrato de Rufino Tamayo en su casa de San Ángel Fotografía en color Colección Fundación Olga y Rufino Tamayo, A. C. 30. Nicolas Muray Portrait of Rufino Tamayo, 1960 Retrato de Rufino Tamayo Fotografía en color Colección Fundación Olga y Rufino Tamayo, A. C.
28. Juan Guzmán Tamayo next to a Teotihuacan Mask, 1950 Tamayo junto a una máscara teotihuacana Tres fotografías Plata sobre gelatina Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo
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Detalle de la instalaci贸n, 2013 Detail of the installation, 2013 Museo Tamayo Arte Contempor谩neo
Hombre en rojo, 1976 Man in Red, 1976 Rufino Tamayo
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ChapulĂn, 1980 Chapulin, 1980 Francisco Toledo
Detalle de la instalaciรณn (figuras prehispรกnicas), 2013 Detail of the installation (prehispanic figures), 2013 Museo Tamayo Arte Contemporรกneo
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Interior vs exterior, 1997 - 2003 Inner vs Outer, 1997 - 2003 Carlos Amorales
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Muro Baleado, 2009 Bullet-Ridden Wall, 2012 Teresa Margolles 148 149
SOBRE EL PROYECTO ABOUT THE PROJECT
Ciclorama aborda el concepto de la mirada a partir del paisaje, uno de los temas que con más frecuencia ha sido representado, politizado e intervenido a través de los siglos. En su devenir histórico, el paisaje ha sido concebido desde un espacio social, pasando por una categoría estética, hasta un lugar que los especialistas han relacionado con el colonialismo, la expansión imperial o la era industrial, y han percibido el impacto que el paisaje tuvo en la forma de ver el mundo. Esta exposición tiene como referencia los siglos xviii y xix, durante los cuales las formas de ver se transformaron a la par que las máquinas modernas reemplazaron la economía antigua, los científicos nombraron nuevas especies, los viajeros domesticaron el paisaje exótico y la geología desmitificó las teorías bíblicas sobre la formación de la Tierra. En 1787, el pintor irlandés Robert Barker inventó un edificio circular que contenía una pintura monumental de un paisaje para ser visto como espectáculo. Pronto, la popularidad del nuevo panorama-ciclorama —el cual Barker registró con el nombre “la naturaleza de un vis-
C yclorama explores the concept of the gaze through landscape, a theme that has been frequently represented, politicized and the subject of interventions over the centuries. In its historical construction, the landscape that was once regarded as a social space, later became an aesthetic category that specialists have recently associated to colonialism, imperial expansion and the industrial era. This exhibition takes as its point of departure the eighteenth and nineteenth centuries, a period when our way of seeing became transformed at a time when modern machines were taking over from the pre-industrial economy, scientists were naming new species, travelers were domesticating exotic landscapes, and geological studies were disproving biblical theories about how the Earth was formed. In 1787, the Irish painter Robert Barker invented a circular building that contained a monumental painting of a landscape to be viewed as a spectacle. The popularity of the new panorama/ cyclorama—described by Barker as “nature at a glance”—soon revealed not only a growing interest in the landscape but also how people’s gaze had altered with the advent of modernity. 152 153
tazo”— evidenció no sólo el creciente interés por el paisaje, sino los cambios que en la mirada comenzaban a darse debido a la vida moderna. Salvatore Arancio, Elena Damiani, Haris Epaminonda, Cyprien Gaillard y Matts Leiderstam, artistas que forman parte de esta exposición, tienen una estrategia en común: la apropiación del pasado. A partir de copias de pinturas clásicas, manipulaciones de grabados antiguos, collage de fotografías y citas, alusiones y referencias a la historia, los cinco artistas tienen un interés en lo que revelan las imágenes en el presente y cómo la mirada se aproxima a este pasado desde un discurso actual. Sus obras nos confrontan, simultáneamente, con imágenes que evocan el paisaje desde su origen como género (siglo xvii) hasta la deconstrucción de un paisaje posmoderno, abstracto y atemporal, en los siglos xx y xxi. Las obras aquí reunidas también hacen alusión a la “musealización” de la mirada y el paisaje: desde la naturaleza que empezó por ser catalogada en el gabinete de maravillas del siglo xvi; los paisajes clásicos que fueron reconocidos dentro del museo; la contradicción que representó insertar el paisaje físico dentro de un cubo blanco; y por último, las estrategias museográficas que han construido la mirada del espectador.
For this exhibition, the artists Salvatore Arancio, Elena Damiani, Haris Epaminonda, Cyprien Gaillard and Matts Leiderstam have adopted a common strategy: the appropriation of the past. By copying classical paintings, manipulating old engravings, making collages of photographs and quotes, historical allusions and references, the five artists focus on showing what the images reveal to us today, and how the gaze approximates to the past from a contemporary discourse. As a result, their work confronts us simultaneously with images that evoke the landscape from its beginnings as a genre (in the seventeenth century) until the deconstruction of a post-modern, abstract and timeless landscape in the twentieth and twenty-first centuries. The works also allude to the ‘museum gaze’ and the landscape: from the classification of nature in sixteenth-century cabinets of curiosities, the prominence given to classical landscapes by museums, the contradiction of inserting a physical landscape within a white cube, and finally the exhibition design strategies that have shaped the perception of the spectator. In Cyclorama, visitors will randomly encounter elements of the sublime and the picturesque, the romantic and the political, the scientific and
En Ciclorama, el visitante encontrará, aleatoriamente, indicios de lo sublime y lo pintoresco; lo romántico y lo político; lo científico y lo poético hasta la representación inmaterial y teórica del paisaje. Desde estas distintas perspectivas, la construcción del paisaje invoca las múltiples maneras en las que nuestra mirada se ha formado desde la visión europea.
the poetical, even theoretical and non-material representation of landscape. From these varied angles, the construction of the landscape reveals the myriad ways in which this European vision has formed our perception of the world around.
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1. Salvatore Arancio The Little Man with the Big Hat, 2012 El pequeño hombre del bosque con el sombrero grande Cinco cerámicas vidiriadas, gouaches sobre papel impreso, perspex, MDF pintado Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
5. Salvatore Arancio Solidified Conical Peak among Curved Silurian Rocks and Boulders, 2009 Pico cónico solidificado entre rocas y piedras silúricas curvadas Fotograbado sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
2. Salvatore Arancio Bear’s Head, 2012 Cabezas de oso Giclée impreso sobre tela Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
6. Salvatore Arancio Study for the Creation of a Moonchild, 2011 Estudio para la creación de un niño de luna Tinta sobre papel impreso Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
3. Salvatore Arancio Birds, 2012 Pájaros Video para proyección con loop 6 minutos, 31 segundos Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
7. Salvatore Arancio Mass of Cooled Lava formed Over a Spiracle, 2011 Masa de lava enfriada formada sobre un espiráculo Fotograbado sobre papel, MDF Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
4. Salvatore Arancio Lava Fountain Several Yards in Height Shoots High, 2012 fuente de lava de varias yardas de altura en disparos hacia el cielo Fotograbado en papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
8. Salvatore Arancio The Onset of the Eruption of a Volcanic Island Expellind Dense Clouds, 2009 El comienzo de la erupción de una isla volcánica expulsando nubes densas Fotograbado sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
LISTA DE OBRA LIST OF WORKS
9. Salvatore Arancio Giant Boulder Exposed by Erosion, 2009 Roca gigante expuesta por erosión Fotograbado sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma 10. Salvatore Arancio Geyser Shooting Above a Series of Bottomless Cauldrons of Lava Extending Down into the Earth’s Mantle, 2009 Géiser disparando sobre una serie de calderas de lava sin fondo extendiéndose hacia abajo dentro del manto de la Tierra Fotograbado sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma 11. Salvatore Arancio Hard Sandstone Sculpted into Tall Pillars, 2009 Arenisca dura esculpida sobre pilares altos Fotogradabo sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma 12. Salvatore Arancio Volcano Emitting Rapidly Expanding Gases Containing Millions of Tons of Rocks, 2009 Volcán emitiendo rápidamente gases expandidos conteniendo millones de toneladas de rocas Fotograbado sobre papel Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma
13. Salvatore Arancio Wonders of the Volcano (Special Edition), 2011 Maravillas del volcán (Edición especial) Libro de tapa dura, cuadernillo, fotograbado sobre papel, caja de madera con terciopelo Cortesía Ferecida Schiavo Gallery, Roma 14. Elena Damiani Mexico, 2013 México Cortesía del artista Comisión del Museo Tamayo Arte Contemporáneo 15. Elena Damiani Macelo 1, 2011 Marcelo 1 Mármol, vidrio, collage Cortesía Revolver Galería, Lima 16. Elena Damiani The Mountaineer, 2011 El alpinista Impresión sobre lámina de libro Cortesía Giancarlo Scaglia y Revolver Galería, Lima 156 157
17. Elena Damiani Fading Hill 1, 2011 Campo evanescente 1 Impresión sobre chiffon de seda Cortesía Colección Patricia Phelps de Cisneros, Caracas
21. Elena Damiani C5 (From Not every resultant is traceable in its components, 2012 C5 (De la serie No todos los resultantes son rastreables) Impresión Cortesía Selma Feriani Gallery, Londres
18. Elena Damiani Notes on a traveler with good memory (Low Slab), 2011 Notas sobre un viajero memorioso (Losa baja) Cortesía Revolver Galería, Lima
22. Haris Epaminonda Untitled #11 o/g, 2012 Sin título #11 o/g Estructura de metal, base de madera Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul
19. Elena Damiani The Twins (Diptych), 2012 Los gemelos (díptico) Cortesía Revolver Galería, Lima
23. Haris Epaminonda Untitled #02 o/g (diptych), 2009 Sin título #02 o/g (díptico) Dos imágenes encontradas y enmarcadas Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul
20. Elena Damiani The Exhibition (Part I), 2011 La exhibición (Parte I) Serie de 10 collages, marcos de haya natural con vidrio Cortesía Elaine Levy Project, Bruselas, y Selma Feriani Gallery, Londres
24. Haris Epaminonda Untitled #18 n/g (VIII) 2011, variation #1, 2009 Sin títuo #18 n/g (VIII) 2011, variación #1 Dos imágenes encontradas y enmarcadas Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul
25. Haris Epaminonda Untitled #04 n/g, 2011, 2011 Sin título #04 n/g Columna dodecágona, madera Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul 26. Haris Epaminonda Untitled #20 n/g, 2011, 2009 Sin título #20 n/g Estructura de madera Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul 27. Haris Epaminonda Chronicles XVIII, 2012 Crónicas XVIII Filme en Super-8 transferido a digital 6 minutos 1 segundo en loop, sin sonido Cortesía de la artista y Rodeo, Estambul 28. Haris Epaminonda y Daniel Gustav Cramer Book #15, from The Infinite Library Libro #15 de la Biblioteca Infinita Contenidos: Konrad Onasch, Ikonen Teil 1 - 6, Union Verlag, Berlin, 1969 - 1974 Copyright/cortesía de los artistas: Daniel Gustav Cramer y Haris Epaminonda
29. Haris Epaminonda Book #17, fron The Infinite Library Libro #17 de la Biblioteca Infinita Contenidos: Alfred Wunderwald: Skizzen 1954, Die kleine Form mit Feder und Pinsel, A. Wunderwald, Druck Uerlings + Schall, Kreuzau, 1954 Copyright/cortesía de los artistas: Daniel Gustav Cramer y Haris Epaminonda 30. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres 31. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres 32. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres 158 159
33. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres
37. Matts Leiderstam Grand Tour, 1997 - 2013 Gran Tour Instalación de medidas y materiales variables Cortesía Magasin 3, Suecia
34. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres
38. Matts Leiderstam Periscope, 2013 Periscopio Madera y espejos Comisión del Museo Tamayo Arte Contemporáneo
35. Cyprien Gaillard New Picturesque, 2012 Nuevo pintoresco Postal papel Cortesía Sprueth Magers, Berlín/Londres 36. Cyprien Gaillard Real Remnants of Fictive Wars II, 2004 Remanentes reales guerras ficticias II Película de 35 mm transferida a DVD 7 minutos 25 segundos Cortesía Sprueth Magers Berlín/Londres/ Bugada & Cargnel, París/ Laura Barlett Galery, Londres
39. José María Velasco The Valley of Mexico fron the Tepeyac, 1891 El Valle de Mexico desde el Tepeyac Óleo sobre tela Colección Museo Nacional de Arte, inba-Conaculta 40. José María Velasco The Valley of Mexico from the Lomas of Tacubaya, 1984 El Valle de México desde las Lomas de Tacubaya Óleo sobre tela Colección Museo Nacional de Arte, inba-Conaculta
41. José María Velasco Valley of Mexico from the Lomas de Dolores, 1875 Valle de México desde las Lomas de Dolores Óleo sobre tela Colección Museo Nacional de Arte, inba-Conaculta 42. Conrad Wise Chapman View of Hacienda, 1866 Vista de hacienda Óleo sobre tela Colección Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim 43. August Löhr Mexican Landscape, c. 1869 Paisaje mexicano Óleo sobre lienzo Colección Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim
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Gran tour, 1997 - 2003 Grand Tour, 1997 - 2003 Matts Leiderstam
Instalaci贸n, 2013 Installation, 2013 Museo Tamayo Arte Contempor谩neo
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Campo evanescente 1, 2011 Fading Field 1, 2011 Elena Damiani
El Mundo 3, 2013 The World 3, 2013 Elena Damiani
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Serie, 2009 Serie, 2009 Salvatore Arancio
Detalle de la instalaci贸n (Gran tour) 1997 - 2003 Detail of the installation (Grand Tour), 1997 - 2003 Matts Leiderstam
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Obras de José María Velasco Works of José María Velasco Museo Tamayo Arte Contemporáneo 168 169
Museo Tamayo Arte Contemporáneo / Memoria Anual se terminó de imprimir en el mes de noviembre 2013 en los talleres de Abiliti Illinois, Ampliación Napóles, Benito Juárez, México, D. F., C. P. 03810. Para sus composición se utilizaron las familias tipográficas Sabon y Futura Book. Impreso en Cocuhé mate, 130 gr. El cuidado de la impresión estuvo a cargo de Nayeli Chacón. El tiraje consta de 2 ejemplares. Museo Tamayo Arte Contemporáneo / Recopilation was printed in November 2013 in the workshops of Abiliti Illinois, Ampliación Napóles, Benito Juárez, México, D. F., C. P. 03810. Typeset in Sabon and Futura Book. It was printed on Coché matt paper. Production supervision was done by Nayeli Chacón. This edition is limited to 2 copies.