Bailare mx.
Travis payne
Broadway
¿FLAMENCO, ROCK
N’ ROLL, O BREAKDANCE?
Página #1
Bailare mx.
Pรกgina #2
Bailare mx.
Contenido.
HISTORIA DE LA DANZA Página #4-5 ballet Página 8 los básicos del baile Página 18 tips para ser un bailarin profesional Página 21 danza árabe Página 12 Página #3
Bailare mx.
Carta del editor. Cuando inicie con esta revista apróximadamente en mayo del 2012, lo hice con una idea clara: “Crear una revista” de una de mis grandes pasiones: LA DANZA inspirada abiertamente por un gran amigo mío de la universidad Roberto, quien me brindó los medios técnológicos e intelectuales inciales y de quien sigo aprendiendo; comencé con muchos problemas de aspecto técnico y muchas cosas por aprender. Me ilusionaba el hecho de ser esta una actividad lucrativa, más algo paso y hoy a 1 año de haber fundado este espacio puedo decir que las ganancias no son para nada cercanas al sueño inicial, de hecho, al día de hoy, son 2 meses en que nisiquiera veo esta estadística y es algo que no me apura, ¿porque? porque encontré en esto algo más que un simple negocio o un simple trabajo, y esto cambió cuando de un día para otro recibía correos de gente que quería que publicaramos sus fotografías en la revista, eso me llenaba de una alegría incomparable y lo sigue haciendo. Durante 6 años de mi vida estuve apartada de esto, para lo que fui forjada, lo que amo, durante 6 años de mi vida estuve encerrada en un mundo el cúal, aunque aprendí a amar, sabía muy en mi interior que no pertenecía. Regresar a esto y convivir con gente como yo con este amor a la fotografía y al diseño fue una gran liberación para mi.
Erendy Ramírez.
Directorio: LDG. Erendy de María Sierra Ramírez. Contacto: bailaremx@hotmail.com Redes sociales: @BailareMX Bailare MX BailareMX
Página #4
Bailare mx.
¿Qué es la danza?
L
a danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos, que no tiene una duración específica, ya que puede durar segundos, minutos, u horas. Dentro de la danza existe la coreografía, que es el arte de crear danzas. La persona que crea coreografía, se le conoce como coreógrafo. La danza puede bailarse con un número variado de bailarines, que va desde solitario, en pareja o grupos, pero el número por lo general dependerá de la danza que se va a ejecutar y también de su objetivo, y en algunos casos más estructurados, de la idea del coreógrafo. La danza, el primer impulso de comunicar, de expresar, existe mucho antes del lenguaje hablado; relaciona al ser humano con la naturaleza en donde animales, mamíferos, aves, insectos, peces... danzan con finalidades específicas de cortejo, de señalización de peligros, de ubicación de alimento, de luchas territoriales... y danzan con coreografías y códigos transmitidos por generaciones. La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente de música y que sirven como forma de comunicación o expresión.
Página #5
Todo ser humano tiene la cualidad de expresarse a través del movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios, por ejemplo, una acción tan normal como el caminar, al realizarse en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de una situación específica. La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como el ballet y la danza folklórica, o pueden utilizarse gestos simbólicos o efectuar determinadas acciones comunes como mímica, es decir, sin hablar, sólo con el lenguaje del cuerpo, un ejemplo de esta es la danza proveniente de lugares tan lejanos como China o Japón. Asimismo, la danza se manifiesta de diferentes maneras de acuerdo al lugar de donde proviene, y es por eso que usualmente revelan mucho sobre su forma de vivir.
Bailare mx.
HISTORIA DE LA DANZA
L
a danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano, pues ya el hombre primitivo la utilizó, muy tempranamente, como forma de expresión y de comunicación, tanto con los demás seres humanos, como con las fuerzas de la naturaleza que no dominaba y que consideraba divinidades. Entre los hombres primitivos la danza tenía un sentido mágico animista, pero también valor de cohesión social. La danza sirve para infundir ánimo a los guerreros, para el cortejo amoroso, para ejercitarse físicamente, etc. La historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente ritual, celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza. Los primeros en reconocer la danza como un arte fueron los griegos, que le dedicaron en su mitología una musa: Terpsí-
core. Su práctica estaba ligada al culto del dios Dionisos y, junto con la poesía y la música, era elemento indispensable de la tragedia griega, donde la catarsis ponía al individuo en relación con los dioses, aunque también entre los griegos cumplía la danza una función de comunicación y cohesión social. En la antigua Roma la danza perdió importancia y valor social y religioso. De hecho, bailar podía ser algo considerado inconveniente en los hombres, lo que demuestran las críticas dirigidas a Escipión el Africano que tuvo el atrevimiento de danzar ante sus hombres, seguramente una danza guerrera. Edad Media En la Edad Media, la danza estuvo muy apartada del desarrollo de las demás artes, debido a la mentalidad cristiana, que la encontraba cargada de connotaciones sexuales, o sea, pecaminosas. La Iglesia rechazaba todo cultivo del cuerpo con fin estético. Sin embargo, las prohibiciones no tuvieron efecto real, pues tanto el pueblo como los cortesanos siguieron bailando en sus celebraciones. En esta época se produce la separación entre la danza de corte y la popular, lo que perjudicó al desarrollo de la danza como actividad artística. Floreció la danza popular, eso sí, en lo que conocemos como folclore. Muchas de las danzas folclóricas conservadas actualmente tienen su origen en estas danzas medievales Página #6
Bailare mx.
de creación popular, provenientes de ritos y fiestas paganas (de guerra, de trabajo, de cortejo), que se realizaban a pesar de la prohibición eclesiástica o precisamente contra ella. Sólo las llamadas “danzas de la muerte” tenían relación con la iglesia que las protegía. Eran en realidad danzas de tipo pasacalles, filas en cadeneta que recorrían calles y plazas, en las que estaban representados todos los estamentos sociales; la idea era representar el poder omnímodo de la muerte sobre los seres humanos, idea de la que el hombre medieval tenía buen conocimiento por las epidemias que asolaron Europa. Las celebraciones populares dieron lugar a gran número de danzas, entre las que destacan las llamadas moriscas, de origen hispano-musulmán. Aún se conservan en Inglaterra con el nombre de morris dances: se bailaban en filas, con pañuelos o bastones, y haciendo sonar cascabeles que se llevaban en los vestidos. Con el Renacimiento se produce un cambio de actitud y mentalidad frente al conocimiento y la percepción del mundo. Para el Humanismo, movimiento intelectual de la época, el hombre pasa a ser el centro de la cultura y del pensamiento; esta consideración tiene un efecto importante para el desarrollo de las artes, aunque en lo relativo a la danza, los cambios Página #7
vienen dados por la nueva organización social. Las ciudades italianas, dominadas por grandes señores y enriquecidas por la burguesía, clase social que hace su aparición entonces, compiten entre sí en ofrecer espectáculos a los visitantes extranjeros para mostrar su riqueza y poder. La danza recobra con estos espectáculos su posición perdida. Aparecen en este momento y en Italia los primeros manuales prácticos de danza, siendo el primero de ellos de 1450, cuyo autor fue Domenico Piacenza, considerado el primer coreógrafo de la historia. En su tratado, “De arte saltandi et choreas ducendi”, Piacenza establece ya los elementos fundamentales de la danza: el compás de medida (musicalidad), la manera (carácter del bailarín e interpretación), la memoria (fijación de pasos y evoluciones), la división del terreno (el espacio) y el aire (calidad del salto). También clasifica los pasos de la danza en naturales (como el andar) y accidentales (paso corrido, cambio de pie, etc.). Este tratado teórico vino motivado por la práctica habitual de la danza en medios cortesanos y populares. Hay que destacar la colaboración que los artistas del Renacimiento, como Da Vinci y Botticelli, prestaron a la danza con el diseño de escenografías muy complejas. ta nuestros días gran número de coreografías de la época.
Bailare mx.
Pรกgina #8
Bailare mx.
BALLET E
l ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los seis o siete años.
el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos. La historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente ritual, celebrada en Página #9
ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.5 El ballet surgió en la Italia del Renacimiento (1400-1600). Fue en Francia durante el reinado de Louis XIV, apodado “Rey Sol” que surge la necesidad de la profesionalización y en 1661 se crea la primera escuela de danza: Académie Royale de la danse. En 1700 R. A. Feuillet publicó “Choréographie ou Art de noter la danse” donde por primera vez se reproduce la totalidad de los pasos codificados y se funda un primer conato de transliteración o notación de las figuras. En 1725 P. Rameau con su “Traité Maître à danser” perfeccionó toda la técnica hasta entonces planteada. Fueron de vital importancia de cara al nacimiento del Ballet Romántico las reformas actuadas por G. Magri con su Trattato teorico-practico di Ballo en 1779 proporcionando un repertorio intacto de figuras y por J. G. Noverre con su tratado “Lettre sur le ballets et les arts d’imitation” donde da vida al Ballet d’action el ballet pantomima. En 1713 se creó la segunda Académie Royale lo que hoy conocemos como la Ópera de París. Toda esta reforma fue experimentada y puesta en práctica por F. W. Hilferding en 1735 al regresar a su ciudad natal Viena. Fue nombrado Maestro de Ballet y en 1740 emprendió la tarea de introducir el Realismo en el propio Ballet.
Bailare mx.
Pรกgina #10
Bailare mx.
Pรกgina #11
Bailare mx.
Pรกgina #12
Bailare mx.
ELEMENTOS DEL BAILE La cos
da n z a que
se se
compone
de
di v e r s o s
i n t e r r e l acio n a n ,
e l e m e n to s
lo g r a n d o
bási-
transmi-
t i r e m o cio n es a l p ú b l ic o y pa r a e l m i s m o ba i l a r í n .
Movimiento: El movimiento se refiere al cambio de ubica- Espacio: El espacio físico es el lugar donde se encuentran
ción en el espacio a lo largo del tiempo, tal como es medido por un observador físico. Un poco más generalmente el cambio de ubicación puede verse influido por las propiedades internas de un cuerpo o sistema físico, o incluso el estudio del movimiento en toda su generalidad lleva a considerar el cambio de dicho estado físico. Ritmo: Puede definirse generalmente como un «movimiento marcado por la sucesión regular de elementos débiles y fuertes, o bien de condiciones opuestas o diferentes.»2 Es decir, un flujo de movimiento, controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión. Expresión corporal: Se basa en la forma en que se interpreta emociones por medio de nuestros movimientos: inconsciente y conscientemente, se caracteriza por la disciplina que lleva a expresar emociones. El propósito principal es sentir libertad en la ejecución de cada movimiento artístico basado en los sentimientos que quieren expresar, ejemplo: si se quiere hacer una ejecución de éstas, se utiliza la creatividad para inventar formas y movimientos, además de que tienen que sentirse en completa libertad. Página #13
los objetos y en el que los eventos que ocurren tienen una posición y dirección relativas. Estilo: Tendencia o la corriente que predomina en una cierta época. El estilo, en este sentido, está formado por diversas cualidades y características. El uso predominante de uno u otro elemento no es siempre parejo. En ciertos bailes predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, en otros el estilo, etc. También es importante destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento. Dentro del baile se van creando nuevos géneros y variantes al crear nuevas coreografías y de esta forma se van diversificando. Cuando la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que es el puro bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede complementar con lo que se puede denominar “adicionales no danzantes”. Estos son: mímica, gesto simbólico, canto y palabra.
Bailare mx.
Generos de la danza L
a danza ha ido evolucionado en muchos estilos, desde la Danza Académica o Ballet, hasta el Breakdance y el Krumping. Las definiciones que constituyen a la danza dependen de factores sociales, culturales, estéticos, artísticos y morales, así como también del rango de movimiento funcional (como la danza folclórica) hasta las técnicas virtuosas (como el ballet). Cada danza, no importa el estilo, tienen algo en común, ya que en la mayor parte de los casos implica tener flexibilidad y movimiento del cuerpo, así como condición física.
Modernos
Son bailes que han sido de gran demanda en las últimas décadas, sobre todo por el público juvenil. Muchos de ellos han sido usados principalmente por cantantes como parte de su carrera en conciertos, presentaciones, espectáculos o videos musicales. Ej: Jazz, Breakdance, Salsa, Rock n’ Roll, Funky, Popping, Jumpstyle entre otros.
Clásicos
Principalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados. Estos bailes se practican desde épocas pasadas hasta hoy en día. Ej: Ballet, Danza medieval, Barroca, Renacentista, Danza contemporánea, Ballet contemporáneo.
Tradicionales y folklóricos
Las danzas folclóricas son danzas que por lo general pertenecen a la cultura y etnia de una región, país o comunidad y pertenecen a la cultura popular Ej: Bailes de salón, Tango, Danza Árabe, Baile de las cintas, Flamenco, etc. Página #14
Bailare mx.
L
Danza del vientre
a danza del vientre es una danza que combina elementos tradicionales de Oriente Medio junto con otros del Norte de África. En árabe se la conoce como raqs sharqi (“danza del este” o “danza oriental”). También es denominada en ocasiones como raqs baladi (danza “nacional” o “folk”). El raks baladi es una danza muy elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos principalmente de cadera. A la evolución de esta danza se la llama danza del vientre o raks sharki en Egipto. El término “belly dance” (en español ‘danza del vientre’) es según algunos una mala transcripción o transliteración del vocablo que designa el estilo de danza beledi o baladi y suele atribuirse a Sol Bloom, director de espectáculos en la Exposición Universal de Chicago de 1893. El raks sharqi incluye movimientos del folclore egipcio, danza clásica y contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos de todas las partes del cuerpo, pero sobre todo de la cadera. En Turquía, a la danza del vientre se la conoce como gobek dans o rakasse (ritmo turco). El origen exacto de esta forma de baile es motivo de constante debate entre quienes se interesan por esta danza, debido principalmente a la escasa investigación llevada a
Página #15
cabo al respecto. La mayoría de los estudios los han realizado las propias bailarinas, en un intento por entender sus orígenes. No obstante, suele pasarse por alto que gran parte de la danza en Oriente Medio surge en el contexto social, no tanto en el de las representaciones en cabarets a cargo de bailarinas profesionales, entorno éste más visible y glamuroso. Esto ha provocado una importante confusión en cuanto a la verdadera naturaleza de este baile, dando lugar a teorías contradictorias en un intento por explicar sus orígenes. La danza oriental ha sido tradicionalmente folclórica, improvisada por una sola bailarina, aunque ahora pueden verse espectáculos con coreografía y varias bailarinas. Se caracteriza por sus movimientos suaves y fluidos, disociando y coordinando a la vez las diferentes partes del cuerpo. Por ejemplo, los brazos pueden ir a un ritmo diferente del que va marcando la cadera. La atención se centra principalmente en la cadera y el vientre, alternando movimientos rápidos y lentos y se enfatiza en los músculos abdominales, con movimientos de pecho y hombros, así como con brazos serpenteantes. Los movimientos ondulatorios, rotativos, que por lo general son lentos simbolizan la tristeza; en cambio con los movimientos rápidos, golpes y vibraciones la bailarina expresa alegría. Todos los movimientos de esta danza se relacionan con la naturaleza.
Bailare mx.
E
BREAKDANCE
l término Break Dance fue impuesto por los medios de comunicación al baile conocido como B-Boying, así originalmente llamado por un número significativo de practicantes (B-boys). Es una danza urbana que forma parte de la cultura Hip-Hop surgida en las comunidades afro-americanas de los barrios neoyorquinos como Bronx y Brooklyn en los 70.
La historia de Breakdance se pueden dividir en 4 fases: El Blueprint (1968-1974):Esta fase sentó las bases del breakdance. Comenzó siendo una consecuencia de las guerras entre bandas locales que plagaban el Bronx y Brooklyn. Se sucedían continuas peleas entre ellas en los guetos, sobre todo entre integrantes blancos y negros, entre los que observamos había una espiral de odio continua.
1.
2.
Fundación (1975-1979): La segunda fase comienza con el nacimiento en Puerto Rico del DJ Charlie Chase, que adquirió prominencia con el “estilo latino” y permitió que éste se integrara con la de la comunidad negra. Tomando la inspiración de la Salsa y Capoeira.
la tripulación de los Dynamic Rockers, que junto a los protagonistas de Rock Steady, protagonizaron el famoso desafío en el Lincoln Center de Nueva York en 1981. Este desafío fue el primero en ser transmitido por la cadena ABC. Después fue insertado en el documental “Style Wars” (1982) de PBS.
4.
Hoy (‘90-2008) (2013) La fuerte fama de última hora se redujo en 1990, aunque siguió manteniendo una cierta exposición en medios de comunicación a través de apariciones en películas, anuncios y videojuegos (en el año 2006 lanza la PlayStation de Sony de mercado de B-boy: The Game, el primer juego completamente ambientado en el mundo del breakdance). Para muchos es un estilo de vida, para otros un deporte en el que compiten tanto a nivel nacional como internacional, Alrededor de 2002, el b-boying y los bailes de hip hop volvieron a llamar la atención en todo el mundo y además de la popularidad que tenían en Estados Unidos, ganaron importancia en Alemania, Francia, Corea del Sur y Rusia.
3.
Era del PowerMove (80) En los años ochenta, el Rock Steady Crew se expandió por Nueva York (incluso fuera del Bronx), gracias a los jóvenes Crazy Legs, reclutando muchos B-boys. Ken Swift, Mr. Freeze, Lil Crazy Legs y muchos otros, se convirtieron en miembros de Rock Steady en la zona de Manhattan. En breve, muchos más nacieron, incluida Página #16
Bailare mx.
Pรกgina #17
Bailare mx.
Pรกgina #18
Bailare mx.
FLAMENCO
E
l flamenco es un estilo de música y danza que se originó en Andalucía (España). El flamenco tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII, y tiene como base la música y la danza andaluza. Existe controversia sobre su origen, ya que si existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas puede ser comprobada de forma histórica, y aunque el diccionario de la RAE lo asocia a la etnia gitana,1 esto no debe ser aplicable a su origen, pero, no obstante, ningún estudioso de la materia duda de la aportación gitana inicial a las bases actuales del flamenco. De todas las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es el origen morisco, sólo que el mestizaje cultural que se dio en Andalucía (oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos inmigrantes, judíos, etc.) propició el origen de este género. Gitanos hay en muchas partes del mundo y, sin embargo, el flamenco solo fue originario de Andalucía. Está considerado actualmente como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz. El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco. En los últimos años, la popularidad del flamenco en Iberoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá, El Salvador y Puerto Rico han surgido diversas agrupaciones y academias de flamenco.
Página #19
En noviembre de 2010 la Unesco declaró al flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. En 1783 Carlos III promulgó una pragmática que regulaba la situación social de los gitanos. Esto fue un hecho trascendental en la historia de los gitanos españoles que, tras siglos de marginación y persecuciones, vieron cómo su situación jurídica mejoraba sustancialmente. Tras la Guerra de Independencia Española (1808-1812) se desarrolló en la conciencia española un sentimiento de orgullo racial, que contrapone al ilustrado afrancesado la fuerza telúrica del majo, arquetipo del individualismo, la gracia y el casticismo. En ese ambiente triunfa la moda cañí, pues el casticismo ve en el gitano un modelo ideal de ese individualismo. La eclosión de las escuelas taurinas de Ronda y Sevilla, el auge del bandolerismo y la fascinación por lo andaluz manifestado por los viajeros románticos europeos, fueron conformando el costumbrismo andaluz, que triunfó en la corte madrileña. El baile flamenco puede acompañar distintos palos. Su realización es similar a un ejercicio físico moderado,28 y tiene probados efectos en la salud física y emocional.
Bailare mx.
E
ROCK N’ ROLL
l baile rock ’n’ roll originó simultáneamente con el género musical del mismo nombre. A eso de 1920 en los Estados Unidos nació el swing. De eso se formó el lindy hop, el primer baile que incluyó figuras acrobáticas. En las 1940 se transformó en el boogie woogie, bailado a música más rápida. Con la germinación de la música rock ’n’ roll en 1955 también surgió el baile rock ’n’ roll. Por su proximidad en el tiempo, y por que nació cuando la televisión, en Norteamérica, era ya un fenómeno de mansas, el rock and roll es posiblemente la primera muestra de cultura popular plena y totalmente documentada desde su inicio hasta su fin. Eso no significa que podamos decir cuando nació porque en realidad, no nació sino que fue naciendo, poco a poco, como les ocurre a todas las manifestaciones surgidas desde abajo. La forma de bailar el rock y el propio vocablo que lo designa rondaban desde hacía décadas en la cultura popular norteamericana cuando, a mediados de los años 50, una forma de cantar y tocar empieza a enfebrecer a los jóvenes que ven en ella la vía para canalizar sus ansias de disconformidad y rebeldía. Basta mirar algunas escenas de baile del musical Hellzapoppin’ (1941) y compararlas con las coreografías con las que las parejas bailaban al son de “Rip it upl”,
uno de los primeros rock and roll. Si prescindiéramos del audio, sería difícil dilucidar cuál es el lindi hop y cuál el rock and roll, porque ambos comparten la mayoría de los pasos. Dejando la coreografía a un lado, si nos centramos en la música, el concepto clave es hibridación, sincretismo, mestizaje… y las palabras mágicas para el conjuro el negro rithm and blues y la blanca y sureña Country music. Antes de que las barreras políticas y civiles entre negros y blancos se rompieran en la racista Norteamérica de los 60, los músicos ya habían mezclado su sangre y los géneros comenzaron a fusionarse para crear el rocka billi y el rock and roll y de hecho, por primera vez, para sorpresa de los propios estudios, una pléyade de cantantes negros (Chuck Berry, Little Richard, ) triunfaban también entre la juventud blanca. Si no queremos caer en la mitomanía y el romanticismo de las singularidades, habría que decir que el hondo calado del movimiento juvenil de los rockers en Estados Unidos y los teddy boys en Gran Bretaña fue posible porque, por primera vez, superadas las penurias de la posguerra, existía en el mundo una generación de jóvenes de clase media trabajadora con renta disponible para comprar una ropa diferenciadora, conducir una moto o incluso un coche. Página #20
Bailare mx.
L
TIPOS DE ZAPATO DE BAILE.
a danza se ha utilizado como una forma de comunicación entre los seres humanos y se ha difundido con muchos estilos diferentes. Estos estilos a menudo requieren bailarines que realicen movimientos específicos, y hay zapatos hechos especialmente para cada uno de los diferentes estilos de baile. Al igual que con cualquier tipo de calzado, es importante que se ajusten adecuadamente para evitar posibles problemas del pie.
Zapatos de ballet Los zapatos de ballet son ligeros y están fabricados especialmente para bailarines de ballet de ambos sexos, así como para ayudarles a mantenerse perfectamente equilibrados sobre los dedos de los pies. Los zapatos de ballet vienen de cuero, satén y lona. El tipo de zapato de ballet se escoge dependiendo de la experiencia y preferencia del bailarín. Los zapatos de lona son baratos y se pueden utilizar para los ensayos y la práctica, mientras que los zapatos de cuero pueden ser muy caros y duran más tiempo. Los zapatos de raso se utilizan generalmente sólo para las actuaciones y se desgastan muy rápidamente.
Página #21
Zapatos de jazz Los zapatos de jazz son un tipo de zapato de baile que se usa tanto para estilo de suelo como para estilo con saltos. Estos zapatos están diseñados para proporcionar a los bailarines la flexibilidad del pie necesaria para hacer los movimientos requeridos en el escenario. Algunos zapatos vienen con una suela de goma que ofrece mayor amortiguación y absorbe el choque durante los saltos y otros movimientos avanzados. La mayoría de los zapatos están hechos de cuero o tela y están disponibles como zapatos sin cordones o con cordones. Algunos zapatos de jazz pueden ser más flexibles que otros y tienen “split-soles”, que hacen que sean más fáciles de doblar y de flexionar los dedos. Zapatos de tap Los zapatos de tap se hacen específicamente para bailarines de claqué y contienen placas de metal en los talones y los dedos de los pies. Estas placas están diseñadas para hacer un fuerte sonido cuando se golpea contra una superficie de escenario o en una actuación sobre ciertas superficies. Las placas de metal se utilizan para crear una percusión que imita el acto de tocar un instrumento musical mientras se baila.
Bailare mx.
Travis Payne
T
ravis Payne ( nacido el 5 de julio de 1971) es un coreógrafo estadounidense , director y productor. Fue el coreógrafo de Michael Jackson This Is It hasta la muerte de Jackson. Payne también fungió como productor asociado para This Is It , y junto con el director, Kenny Ortega, fue ampliamente e íntimamente involucrado en la realización de la película.
Payne con un talento natural y comenzó a bailar a la edad de 4 años. Comenzó la capacitación formal a la edad de 9 , donde estudió en la Academia de Danza de Norma bajo la dirección del difunto Norma B. Mitchell y su hija Djana Bell. En 1984 , Payne fue a la escuela de Northside de las Artes, y estudió bajo la dirección de William G Densmore y actuó en Showbiz Niños de Atlanta. Luego se unió a la compañía de Harrison Danza bajo la dirección de Gary Harrison antes de trasladarse a Los Ángeles, donde pronto conoció a ídolos personales de siempre Kenny Ortega , Michael Peters , Debbie Allen , y Paula Abdul . Hasta la fecha , este es el ingreso bruto en todo el mundo ascendió a $ 261,3 millones durante su carrera teatral por lo que es el documental más
taquillero o una película concierto de todos los tiempos . Payne es el nuevo miembro más joven en la Galería de Grandes , y el destinatario de numerosos premios y nominaciones . Ha sido distinguido con el MTV Video Music Award a la Mejor Coreografía en cuatro ocasiones por su trabajo con el de En Vogue , Salt -N -Pepa , así como Michael Jackson y Janet Jackson en el video musical / cortometraje en “ Scream “, que se enumeran en el Libro Guinness de los Récords como el video musical más caro jamás realizado . También recibió tres premios de coreografía estadounidenses, incluyendo honores por su trabajo en “ Scream” y fantasmas de Michael Jackson . Payne fue nominado para un premio Emmy por su trabajo coreografía con Michael Jackson en el comportamiento “ peligroso “ para los MTV Video Music Awards segmento de apertura 1995 . Volvió a ser nominado para un premio Emmy en 2006 por su trabajo en Disney The Suite Life of Zack & Cody. También es recibido en dos ocasiones el prestigioso Music Video Productores Premio de la Asociación para el logro excepcional en Coreografía por su trabajo con la orquesta de Brian Setzer y Ally McBeal . En diciembre de 2009 , Payne fue presentado con un reportaje en el Michael Jackson Opus y reconocido por su coreografía y contribución por su trabajo con el rey del pop . El 26 de enero de 2011, Travis Payne fue honrado con el Premio a la Trayectoria en el Salón del 12 º aniversario de El Carnaval : Bola del Coreógrafo. Página #22
Bailare mx.
LA DANZA COMO CARRERA
E
l profesional de la danza (bailarines, profesores y coreógrafos) estará preparado con las mejores cualidades técnico-artísticas y las capacidades físicas y mentales para enfrentar los retos de un bailarín profesional con una sólida formación teórica en humanidades; así como para escribir, comentar, hacer crítica e investigar sobre la danza, sus cualidades histórico-artísticas y su proyección en el ámbito nacional, y desenvolverse en la gestión cultural de su especialidad.
Aptitudes requeridas
Edad mínima de 16 años y máxima de 22*; buena salud, coordinación y dominio del cuerpo; interés y vocación por ejercer la danza; haber desarrollado flexibilidad corporal a través de estudios previos de danza; sensibilidad, sentido musical y sentido del ritmo; aptitudes histriónicas y capacidad expresiva. (*) No aplicable para los profesionales que se encuentren en pleno ejercicio de la carrera y desean incorporarse a la nueva Escuela Académico Profesional de Danza para lograr su acreditación académica.
Objetivos de la Carrera
Fomentar y difundir la cultura y las artes por medio de la danza.
Página #23
¿Qué hacer?
Interpreta la danza en sus diferentes géneros como solista o miembro de cuerpos de baile nacionales e internacionales Utiliza creativamente el lenguaje corporal en la interpr tación de la obra dancística, reflejando tanto su identidad personal como la expresión de aspectos colectivos contemporáneos. Investiga y analiza las manifestaciones de la danza en la sociedad. Crea una composición *coreográfica para la construcción de una obra. Para ello maneja símbolos dancísticos, plásticos y musicales consecuentes a la propuesta de la obra. Aporta con técnicas y criterios específicos al diseño de la iluminación para la *coreografía la cual dependerá del tipo de danza, haciendo resaltar el cuerpo y sus movimientos y el espacio donde se mueve. Interpreta danzas teatrales en óperas, comedias musicales, zarzuela, cabaret alemán, musical americano, etc., por medio de las cuales se transmiten historias o ideas.
¿Dónde trabajar?
Compañías de teatro, Televisión, en comedias musicales y montajes artísticos de diverso carácter. Organizaciones públicas a nivel nacional y regional abocadas al desarrollo del arte y la cultura, escuelas universitarias de Teatro y Danza.
Bailare mx.
BAILARIN PROFESIONAL
E
l entrenamiento tanto físico como mental del futuro bailarín dependerá del tipo de danza elegido. Hay programas universitarios y de escuelas asociadas a compañías profesionales de danza para la formación especializada. También hay pequeñas academias de propiedad privada, donde los estudiantes pueden formarse en una variedad de estilos de danza, como formas de danza competitiva (por ejemplo, baile latino,jazz, baile de salón, hip-hop,funky, break dance, etc), así como étnico y folklórico. La formación en un conservatorio profesional de danza dura unos 10 años.
Los alumnos de estos centros son seleccionados en una prueba de acceso en la que se tienen en cuenta sus condiciones físicas. Normalmente esta prueba se realiza en torno a los 8 años de edad.3 En los conservatorios el entrenamiento suele ser diario y las disciplinas que se imparten pueden ser: danza clásica (o académica), danza contemporánea, danzas tradicionales (por ejemplo danza española), música, anatomía, técnica de puntas, repertorio, maquillaje, clases de paso a dos, etc. Los bailarines profesionales suelen ser empleados por contrato. La vida profesional de un bailarín es en general un constante cambio de las situaciones de trabajo, la presión de una fuerte competencia y los bajos salarios.5 A menudo,
aquellos bailarines que no trabajan para una compañía grande, tienen que complementar sus ingresos, ya sea en los papeles relacionados con la danza (por ejemplo, la enseñanza de la danza, los entrenadores deportivos de baile, yoga) o la instrucción de Pilates para lograr la estabilidad financiera. El bailarín profesional es titular primigenio de su interpretación dancística en la que, de un modo único e irrepetible, ofrece su propia visión de la realidad que trasmite y trasfigura. En consecuencia, tiene el derecho irrenunciable de aparecer en los programas e informaciones públicas sobre la obra que interpreta y, en consonancia con las leyes de propiedad intelectual emanadas del derecho de la UE y asumidas por la mayoría de los estados miembros de la OMPI; la facultad exclusiva de autorizar o prohibir la fijación, reproducción, distribución y comunicación pública de sus actuaciones, así como impedir cualquier modificación, alteración o atentado contra su interpretación artística o su imagen. Los bailarines contratados por una compañía de danza por periodo indefinido o por temporada, podrán solicitar a la dirección artística de la compañía el poder bailar como invitados en otras compañías o en otros espectáculos de danza, siempre que no ocasionen perjuicios al desarrollo y prestigio de la compañía. Página #24
Bailare mx.
1
¿QUE NECESITO PARA SER UN BAILARÍN PROFESIONAL?
Asegúrate de que esto sea realmente lo que quieres hacer. Se necesita mucha pasión para bailar, ya sea que bailes por hobby o para llegar a ser profesional. Si quieres ser profesional, tal vez tengas que dejar otros deportes o actividades después de la escuela para poder practicar la cantidad de horas necesarias. Recuerda que el baile por sí mismo es un deporte y se requiere de mucha resistencia para bailar todos los días.
2
Decide qué tipo sea ballet, disco, dance, moderno, o gúrate de escoger
de baile disfrutarías hacer. Ya tap, jazz, swing, hip-hop, break la danza del vientre. Solo aseuno que vaya con tu estilo.
3
Busca orientación. Mira videos de música y mira los movimientos de las personas, compra videos con lecciones de baile, lee instrucciones de baile en libros y en el internet, encuentra un tutor, consigue consejos de amigos/ profesionales, etc.
“Cada vez que salgas a bailar, hazlo como si fuera la última vez” Saida, bellydancer, Argentina.
6
Inscríbete en todas las clases de baile posibles. Recuerda que es importante tener una base en ballet al igual que en cualquier otra clase. Habla con los maestros de baile y pídeles que te recomienden clases y que evalúen tu nivel. Mientras más practiques, mejor serás. Si no puedes pagar las clases, podrías conseguir algunas en DVD en alguna tienda, que te enseñe alguna buena técnica de baile. Sin embargo, si planeas convertirte en una bailarina profesional, es necesario tomar lecciones en una escuela de buena reputación.
4
7 8
5
9
Experimenta. ¡Párate enfrente de un espejo de cuerpo completo, dale volumen a la música, y mueve tu cuerpo! Práctica diferentes movimientos con diferentes partes de tu cuerpo. Asegúrate de hacer muy bien la transición de cada movimiento hacia el siguiente. Busca una escuela de baile. Las escuelas de baile pueden encontrarse en tu centro juvenil local o puedes encontrar alguna escuela independiente más intensa. Si estás pensando en bailar durante la preparatoria y la universidad hasta llegar a ser profesional necesitarás una escuela más intensa. Habla con otros bailarines en tu área al igual que con los maestros de cada escuela para escoger la mejor para ti. Página #25
Estírate. Es muy importante en el mundo del baile, mientras más te estiras, más flexibilidad tendrás.
Practica. Ahora que tienes tu estilo de baile, lecciones, y que has escogido los movimientos con los que mejor se ve tu cuerpo, necesitas poner ese conocimiento en acción. Debes tener salud mental y física. El baile es un deporte bastante exigente. Es esencial tener una dieta saludable y balanceada y mantenerse hidratada. Sí sientes que te estás esforzando demasiado, habla con tu maestro de baile y pregúntale si es posible dejar alguna clase.
10
Ten confianza. ¡debes estar segura que lo puedes hacer!
L
LAS MEJORES academias DE BAILE EN MÉXICO
a Escuela de Danza Contemporánea surge en 1998 con el objetivo de formar jóvenes en la especialidad de danza contemporánea a nivel medio superior, mediante la aplicación de un método diseñado para explorar la creatividad, sin dejar de lado la técnica, la disciplina y la reflexión. Actualmente representa una alternativa de educación artística de calidad, que fortalece la expresión de la Danza Contemporánea profesional. Cuenta con una matrícula 54 alumnos atendidos por una planta docente de 21 profesores altamente capacitados.
Bailare mx.
Requisitos de ingreso: Requisitos de ingreso Tener entre 17 y 22 años cumplidos. Acta de nacimiento (copia y original para cotejo). CURP Certificado de secundaria y comprobante actual de estar cursando estudios de nivel medio superior (original y fotocopia) 4 fotografías tamaño infantil (recientes e idénticas) Evaluación morfofuncional expedida por la UNAM. Aprobar los exámenes de selección. Cubrir la cuota de inscripción, anualidad y expedición de credencial (es)
Ubicación: Ubicación: Periférico Sur 5141, Col. Isidro Fabela, Delegación Tlalpan, México, D.F., C.P. 14030.
Página #26
Bailare mx.
Musicales
E
l musical es un género teatral o cinematográfico en que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Es una forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y que se representa en grandes escenarios, como los teatros de West End (Londres) o en Broadway (Nueva York) principales sedes del teatro musical, seguido de Argentina, Australia, España, México y Canadá. El origen de esta palabra es angloestadounidense.1 A lo largo del siglo XX tuvo un inmenso éxito, sobre todo en la ciudad de Nueva York. Características El musical remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo XIX, incluida la opereta, la ópera cómica, la comedia musical, la pantomima, el minstrel show, el vodevil y el género burlesco. Historia El musical es una producción presentativa en la que se integran en una trama emocional canciones y bailes, acompañamientos instrumentales e interludios y, a menudo, también danzas. Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa del siglo XIX como una variante de la opereta, aunque en los diferentes países no existía teatro musical con diferentes estilos: zarzuela, género chico Página #27
y comedia musical en España, opera cómica y music hall en Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante la primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados Unidos, país donde ha registrado el máximo desarrollo. El musical moderno se desarrolló por tipos, desde el show boat (el ‘barco-espectáculo’, 1927), hasta las fantasías de jazz de los años treinta, y los musicales dramáticos de los años cuarenta como Oklahoma (1943), Carousel (1945) y South Pacific (1949). En los años ‘1960 y ‘1970 la subida de los costos de producción y salariales apagaron muchos grandes teatros, mientras que proliferaban pequeñas compañías experimentales no comerciales conocidas como el «off Broadway» y el «off off-Broadway». Hoy día, es fácil encontrar obras nuevas en los auténticos teatros de Broadway, cuyos espectáculos principalmente se centran en el musical británico, las reposiciones o alguna representación para estrellas consagradas. Últimamente han aparecido espectáculos musicales con canciones de grupos famosos con tintes de teatro musical como Hoy no me puedo levantar (con canciones de la banda Mecano), Mamma Mia! (del grupo ABBA) y We will rock you de Queen, que no pueden considerarse estrictamente musicales, puesto que las canciones no se han compuesto para la historia, sino a la inversa. Un ejemplo de teatro musical clásico en España sería sin embargo A B C, de Nacho Cano, pues
Bailare mx.
las canciones se escribieron expresamente para ese musical. También se agrega a la lista una de las obras musicales más polémicas: The Rocky Horror Show, dirigido por Jim Sharman, y escrito por Richard O’Brien. La obra es de temática adulta y se presenta principalmente en otoño (en la época de Halloween). Aquí te dejamos una lista de los musicales más votados en nuestras redes sociales.
E
l fantasma de la ópera es un musical con música de Andrew Lloyd Webber, letras de Charles Hart y Richard Stilgoe, y libreto de los propios Andrew Lloyd Webber y Richard Stilgoe. Basado en la novela francesa Le Fantôme de l’Opéra de Gastón Leroux, su trama central se desarrolla en torno a Christine Daaé, una hermosa soprano de la Ópera de París que se convierte en la obsesión de un misterioso compositor desfigurado. Dirigido por Harold Prince y coreografiado por Gillian Lynne.
C
ats es un musical compuesto por Andrew Lloyd Webber basado en el Old Possum’s Book of Practical Cats de T. S. Eliot. El espectáculo cuenta la historia de la tribu de los gatos Jélicos la noche en que toman “la elección jelical” y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia. Entre sus famosas canciones des-
taca el tema “Memory”, que se ha convertido en un estándar y ha sido versionado por múltiples intérpretes. Dirigido por Trevor Nunn y coreografiado por Gillian Lynne.
C
hicago es un musical con música de John Kander, letras de Fred Ebb y libreto de Bob Fosse y el propio Ebb. Ambientado en la ciudad de Chicago durante la época de la ley seca, el espectáculo está basado en la obra teatral del mismo nombre publicada en 1926 por la periodista Maurine Dallas Watkins inspirándose en crímenes reales que ella misma había cubierto para el Chicago Tribune. La historia es una crítica a la corrupción del sistema judicial y al concepto de “criminales estrellas”.
L
os miserables o Les Misérables es un musical completamente cantado basado en la novela homónima de Victor Hugo, con música de Claude-Michel Schönberg, letras originales en francés de Alain Boublil y Jean-Marc Natel y adaptación al inglés de Herbert Kretzmer. Su partitura ganadora del Tony incluye canciones tan conocidas como “I Dreamed a Dream”, “On My Own”, “Do You Hear the People Sing?”, “One Day More”, “Bring Him Home”, “Empty Chairs at Empty Tables”, “Master of the House” y “Castle on a Cloud”. Página #28
Bailare mx.
BROADWAY
C
ircuito de Broadway, llamado simplemente Broadway, son el conjunto de espectáculos teatrales presentados en uno de los 40 grandes teatros profesionales, con más de 500 localidades, situados en el distrito teatral de la Avenida Broadway y en el Lincoln Center en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos. Broadway, junto con el West End theatre, en Londres, son considerados usualmente como los representantes de más alto nivel del teatro comercial en la anglofonía.
El distrito teatral de Broadway es una atracción turística popular en la ciudad de Nueva York. La mayoría de los productores y de los propietarios de teatros en Broadway son miembros de la denominada Liga de Broadway (antes llamada “La Liga de Teatros y Productores Estadounidenses”), una organización que promueve el teatro de Broadway como conjunto, negocia contratos con varias uniones teatrales y acuerdos con los sindicatos y co-administra los Premios Tony junto al Ala Teatral Estadounidense (American Theatre Wing), una organización de servicios. Aunque la Liga y las uniones teatrales desacuerdan en los períodos en los que se negocian contratos, también cooperan en varios proyectos y eventos Página #29
dirigidos a promover el teatro profesional en Nueva York. Las tres compañías sin fines de lucro con teatros en Broadway (“casas”) pertenecen a la Liga de Teatros Residentes (League of Resident Theatres, LORT) y tienen contratos con las uniones teatrales que son negociados separadamente de los otros teatros y productores. (Disney también negocia aparte de la Liga, así como lo hizo la Corporación Canadiense de Entretenimiento (Live Entertainment Corporation of Canada, Livent) antes de cerrar. Sin embargo, generalmente los espectáculos que se presentan en cualquiera de las casas de Broadway son aptos para los Premios Tony. La mayoría de los teatros en Broadway pertenecen o son regenteados por tres organizaciones: The Shubert Organization, una rama lucrativa de la fundación sin fines de lucro Shubert Foundation, que es dueña de diecisiete teatros; Nederlander Organization, que controla nueve salas; y Jujamcyn, a quien pertenecen cinco casas. The Black Crook es considerada la primera pieza que se adapta a la concepción moderna de un musical (agregando baile y música original que ayudan a contar la historia), que debutó en Nueva York el 12 de septiembre de 1866. La producción duraba unas tambaleantes 5 1/2 horas pero, a pesar de su extensión, se presentó durante 474 actuaciones récord. En el mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer show en llamarse “comedia musical”.
Bailare mx.
28 de Diciembre Guadalajara Jalisco. 8:00PM ยกCompra ya tus boletos!
Pรกgina #30
Bailare mx.
LA DANZA Y EL CINE
E
l origen del cine arrojó muchas investigaciones a través de los años. La ilusión de movimiento fue una técnica que permitió repensar el tratamiento y la sensibilidad en la percepción de la imagen. Representar el movimiento a través de imágenes sucesivas produjo una verdadera transformación a finales del siglo XIX y principios del XX. La danza fue una manifestación que estuvo en los comienzos del cine. A partir de allí comenzará a desarrollarse diversos experimentos entre ellos, la inclusión del movimiento corporal como metáfora, como la esencia misma de la fotografía y el movimiento. Esto permite que podamos pensar en la danza como uno de los grandes momentos en la Historia del Cine. El descubrimiento del espacio y la acción de las primeras películas de los hermanos Lumiére, así como también la idea del personaje y la magia en los films de George Meilès, tenemos que hacer referencia a la idea del movimiento como metáfora. Es decir, la danza como la principal identidad en la ilusión del movimiento. La danza en los clásicos de cine también nos puede servir para entender este arte que tiene más que ver con la poesía -por aquello de expresar emociones-, pero que cuando se pone al servicio de una historia, como en el caso del cine, le da un valor añadido a las historias narradas y una dimensión psicológica a los personajes. Actualmente, también se está usando en el teatro que en un determinado momento el monólogo de un per-
Página #31
sonaje se complementa con un solo danzado que nos trasmite la profundidad de su situación anímica. El apogeo en todo el mundo de el “baile en pareja” a partir de los ritmos latinos como la salsa, la bachata, el tango... y últimante la kizomba angoleña y otras variantes locales, han contribuido a la aparición de films de “historias de vida” que tienen como hilo conductor los personajes, temas y conflictos alrededor del baile. Los invitamos a empezar por estos clásicos y más adelante haremos una recopilación de las nuevas películas sobre danza. Con la representación realizada a partir del cine se configura un espacio distinto para la danza. La escena dancística transmuta en una escena cinematográfica y permite observar elementos que no se perciben en las proyecciones escénicas.
L a da n z a c o n t e n i da e n e l ci n e es r e i n t e r p r e ta da y a pa rt i r d e e l lo s e esta b l ec e u n a r e l aci ó n y u n ac e r ca m i e n to dist i n to c o n e l es p ec ta d o r . Así que mediante la proyección de la danza bajo la mirada del cine, se pronuncia una especie de discurso doble, el inherente al movimiento dancístico y la interpretación que de éste establece el cine.
Bailare mx.
CISNE NEGRO Thriller psicológico ambientado en el mundo del ballet de la ciudad de Nueva York, CISNE NEGRO está protagonizado por Natalie Portman, que interpreta a Nina, una aventajada bailarina que se ve inmersa en una misteriosa y competitiva lucha con su nueva rival en la compañía (Mila Kunis). Presentada por Fox Searchlight Pictures y dirigida por el visionario director Darren Aronofsky (EL LUCHADOR), la película CISNE NEGRO se adentra en un emocionante y, en ocasiones, aterrador viaje por la mente de una joven bailarina, cuya interpretación de Reina de los Cisnes se convierte en un personaje para el que ella resulta inquietantemente idónea. CISNE NEGRO narra la historia de Nina (Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astu-
cia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.
FICHA TÉCNICA Título: Cisne negro Dirección: Darren Aronofsky País: Estados Unidos Año: 2010 Fecha de estreno: 18/02/2011 Duración: 103 min Género: Drama, Thriller Calificación: No recomendada para menores de 18 años Reparto: Mila Kunis, Natalie Portman, Christopher Gartin. Guión: Mark Heyman, Andres Heinz Distribuidora: 20th Century Fox Productora: Phoenix Pictures, Protozoa Pictures, Cross Creek Pictures
Página #32
Bailare mx.
Mรกs informacioN: www.maccosmetics.com.mx
Pรกgina #33
VIVA GLAM
Bailare mx.
Pรกgina #34
Bailare mx.
Pรกgina #35
Bailare mx.
Pรกgina #36