Calu Rivero El estudio de diseño vuelve a colaborar con la marca española con una colección cápsula de ropa de casa.
Indice 1 - Pixel Fixer. 2 - Dualism Art. 3 - Equipo Fotográfico.
4 - Alex Webb. 5 - New York.. 6 - Análoga 7 - Christian Lacroix. 8 - Brassaï. 9 - Calu Rivero.ªªª
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The Black Sea Erik Torres TĂŠcnica: Digital B&W
La sexta edición de la muestra fotográfica de los estudiantes de la subespecialización de Fotografía de la Universidad San Francisco de Quito estará abierta hasta el 24 de abril en Quito.
De la pantalla a la pared por: Gabriela Castellanos
P
ixel Fixer exhibe cerca de 50 foto-
bles en el que hacer fotográfico. Pixel, la unidad
grafías realizadas por estudiantes
más pequeña de la imagen digital; y Fixer, el
del Minor de fotografía de la univer-
químico utilizado para fijar la imagen sobre pe-
sidad San Francisco de Quito. De
lícula o papel en el proceso análogo de revelado”.
más de 200 fotografías que fueron recibidas, se seleccionaron las mejores del año. Las imáge-
Raquel Acevedo, coordinadorza del área de
nes que conforman la muestra aplican técnicas
fotografía de la universidad, asegura que esta
análogas y digitales de edición y procesamiento
muestra tiene una gran acogida y reconoce
de fotografías. De estas dos corrientes surge el
que la muesra es el resultado del trabajo de los
nombre de la exposición De estas dos corrien-
estudiantes y los profesores del área a lo largo
tes surge el nombre de la exposición “Pixel Fixer
del año. La idea de generar estos espacios es
hace referencia a dos elementos imprescindi-
establecer un contacto entre los estudiantes y
del arte, el cine y la comunicación visual, lo que se traduce en imágenes con diversos contenidos que hablan por si solas”. En la exposición participaron 23 estudiantes y 6 de ellos fueron parte de los organizadores de la exposición quienes trabajaron durante todo el año para la recepción de trabajos, la selección y la organización de la muestra. Erik Torres, estudiante de la universidad exhibe 7 obras. The Black Sea es una de ellas. En esta fotografía habla de “la representación de la figura femenina a través de los sentidos, resaltando las características propias del cuerpo”. Para él, la fotografía es un canal de expresión. “Representa una ventana para poder sacar y expresar lo que pienso respecto a algún tema en particular, llevándolo a un contexto mas conceptual y quizás el que mas le haga justicia a mi forma de pensar”. Sebastián Benalcázar, quien también formó parte de la organización del evento, expone dos retratos. El primero es un autoretrato donde “busca hablar sobre la sexualidad de las personas”. Se trata de discutir la coexistencia de diversidades sexuales y genéricas en las personas. “yo no veo a mi ser y a los seres cerradas a un género; a un sexo puede ser, no lo eliges, pero a un género si puedes jugar en que te desenvuelves. Entonces yo quería mostrar un lado femenino y otro masculino expresado a través de mi cuerpo en una sola foto”. Sillones Adela Salcedo Técnica: Digital
El fotógrafo Richard Avedon dijo que “a través de mis fotografía puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabras”. La muestra Pixel Fixer problematiza cuestiones
la comunidad. Hugo Burgos, decano del Colegio
de interés social en nuevos formatos, dándoles
de Comunicación y Artes Contemporáneas,
perspectivas diferentes e innovadoras.
asegura que además busca “generar discusión a través de estas imágenes, estas fotografías en la sociedad contemporánea”. Los temas varían en torno a género y sexualidad, violencia, percepción del espacio y del otro, maltrato animal e identidad. Así lo explica Ángela Romero, alumna de fotografía de la Universidad San Francisco de Quito: “la foto se híbrida, se mezcla e interactúa con el lenguaje propio
DUALISM
ART
¿Qué es el arte dualismo? El significado lingüístico de la palabra dualismo es el estado de duplicidad, doble, constantemente en dos partes. Pero el significado conceptual de la palabra es mucho más amplio, el Dualismo es la visión/concepto de que el mundo consiste en dos principios fundamentales que coexisten juntos, ellos se complementan entre sí, como el yin y el yang en la cultura oriental, o entran en conflicto como en la cultura occidental, en virtud de esto viene la dualidad entre la mente y el cuerpo, la mente y la materia, dualidad moral y el conflicto entre el bien y el mal. También, la definición de Dualismo en el arte, en la psicología, en la filosofía, en la religión y en todos los demás aspectos de la vida toma diferentes formas.
¿Cómo comenzó el equipo y el proyecto? En un principio tuvo el nombre de Las Contradicciones, pero la palabra no capturaba exactamente todo aquello en lo que estaba interesado y esto fue muy limitante. Entonces comencé a buscar el significado y el concepto del Dualismo y descubrí que refleja exactamente las temáticas de las que quiero hablar en el trabajo de arte. Mientras estudiaba arte, el resto de los estudiantes trataban de conseguir trabajos en revistas y en proyectos de moda, además de otros trabajos más comerciales; por otra parte, yo nunca fui bueno recibiendo órdenes de nadie. En consecuencia, comencé a realizar mi propio trabajo. No quería ser la vaca, ¡quería ser el granjero! Como mi trabajo se había desarrollado y había comenzado a crecer, necesité reunir un equipo bajo mi supervisión para manejar los asuntos que no eran específicamente artísticos, como el papeleo, la comunicación y demás cosas, de esta manera tengo tiempo para trabajar en el arte y simplemente vivir mi vida. Al principio era todo bastante privado, me conectaba únicamente con coleccionistas del ámbito privado, pero luego quise hacer algo más desafiante, así surgió la publicación y tuve que aprender sobre la marcha.
¿Cuál fue el motivo (la inspiración) para comenzar el proyecto? Desde que era pequeño estaba fascinado con la dualidad entre el bien y el mal y los dilemas de la condición humana.
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La óptica : debe ser de cristal y que entre más luminosa sea mejores fotos va a tomar, sobre todo en situaciones con baja luz.
Sensor: entre más grande sea este, mejor calidad de imagen tendrá la fotografía. Para una cámara profesional, el sensor debe estar entre APS-C (23.6 mm x 15.6 mm).
Actualmente es usual que las cámaras tengan entre 14 y 16 megapixeles, lo que unido a un buen sensor, procesador y óptica, le darán las imágenes que busca.
Los megapixiles no son lo más importante: Realmente el número de megapixeles no es el único factor a tener en cuenta si lo que se necesita, son fotos de gran calidad o avanzadas.
consejos que debe seguir antes de comprar una cámara profesional:
mismos que cubren todas las posibles necesidades de disparo. Existen distintos tipos de lentes como los estándar, que simulan la visión del ojo humano; los denominados ojos de pez (grandes angulares), que tienen una visión de hasta 180 grados; los angulares, que corrigen la distorsión lineal; los lentes macros, con óptica flotante para garantizar nitidez; y los telefotos, que son ideales para movimiento, por mencionar algunos. Incluso las cámaras profesionales cuentan con un sistema de lentes intercambiables, que facilitan al fotógrafo la captura de distintas imágenes.
Hoy en día, las cámaras réflex digitales cuentan con el respaldo de sistemas más completo de objetivos intercambiables. Desde un gran angular a un telefoto;
y dado que tengo cámaras de varias marcas, prefiero dominar el programa de Adobe (presente en Photoshop y Lightroom) que me permite revelar los archivos de cualquier cámara presente y futura.
El revelado de archivos RAW puede hacerse mediante los software propietarios de los fabricantes de cámaras (Nikon y Canon, por ejemplo, tienen los suyos) y podría discutirse que es la manera de obtener los mejores resultados. Pero desde hace ya una década, Adobe ofrece dentro de Photoshop el Camera Raw. Personalmente,
todos deberíamos tener al menos un buen flash. Ese es mi consejo. Os dejo con otros videotutoriales de iluminación de la mano de DIY Photography
Las sesiones con iluminación compleja requieren de una preparación previa, una buena idea sería recurrir a aplicaciones dedicadas a crear esquemas de iluminacion. En resumen, tenemos que quedarnos con la idea de que la iluminación lo es todo en la fotografía, que dominarla o al menos intentarlo debe ser uno de los fines de cualquier persona que quiera progresar en este mundo y para ello no hay que escatimar en esfuerzos. Hay que adquirir flashes, por lo menos uno externo de potencia y calidad que haga de fuente principal, luego podemos complementarlo con alguno menor de relleno, pero como digo, Empieza con el papel recomendado por el fabricante. Si nunca has comprado papel lo mejor es empezar por el recomendado y a partir de él ir cogiendo papeles similares más económicos y comparar si la hipotética pérdida de calidad justifica la diferencia de precio. Si estás probando, compra paquetes del menor número de hojas posible. Es cierto que, cuanto más voluminoso el paquete, el coste por hoja se reduce.
Ahí van unos consejos para ayudarte en el proceso:
Resulta muy interesante dar un repaso a las propiedades del papel y enumerar todos los factores a tener en cuenta. Aun así, lo cierto es que la elección del papel ideal va a requerir que experimentes.
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ALEX WEBB renombre detrás del lente Por: Carolina Luciano
“...lo más emocionante de todo es cuando lo totalmente inesperado sucede, y te las arreglas para estar ahí en el lugar correcto en el tiempo correcto - y presionas el obturador en el momento correcto.“
The Suffering of Light Alex Webb 2011
E
l fotógrafo estadounidense nacido en 1952 en San Francisco es uno de los artistas más influyentes en el mundo actual. Estudió Historia y Literatura en Harvard y Fotografía en el Carpenter Center for the Visual Arts, así como también en el Apeiron Photography Workshop en 1972. Inicia su carrera como fotorreportero para Geo, Life, New York Times y posteriormente para National Geographic. Se puede apreciar sus primeros trabajos en b/n y recién a fines de los 70’s empieza a utilizar el color por las sensaciones que éste produce. Su equipo de trabajo era una Leica M6 (pequeña, rápida) y con el paso a digital empieza a utilizar una Leica M9, mostrando así su afinidad por las cámaras Leica. Alex Webb se reconoce a sí mismo como ‘street photographer’ o fotógrafo callejero debido a que la temática de su arte ocurre en la cotidianidad de la calle. Desde 1976, trabajaba como asociado en la famosa agencia fotográfica Magnum, para tres años más tarde, en 1979, pasar a ser el Presidente de la misma. En la actualidad, Webb trabaja como profesor de Fotografía. Los lugares más recurridos por Webb para la realización de su fotografías son principalmente destinos tropicales que producen grandes contrastes entre el color y la luz. Busca, observa y contempla situaciones sociales de desigualdad llenas de ‘momentos decisivos’. Ha trabajado tomando fotos en países en guerra, sin embargo la experiencia que más lo marcó fue en Haití ya que descubrió la intensidad de la vida, contrastes fuertes y luces intensas y ahí es cuando decide dejar el b/n para convertirse en un profesional de los colores y reflejar
una cultura. Webb afirma que sus imágenes no cuentan historias, sino poemas ya que ilustran un instante y cuestionan el sentido mismo de la palabra ‘historia’. Además, el fotógrafo define su trabajo como ‘ambiguo’ porque sostiene que nunca uno puede estar totalmente seguro de lo que ocurre en la imagen. La intención de sus fotografías recae en el hecho de plantear preguntas sin respuestas. Tanto Alex como su esposa Rebecca Morris, son fotógrafos que tienen sus propias producciones fotográficas, sin embargo comparten la página web, un blog y el libro titulado “Violet Isle”. Alex ha recibido varios premios a lo largo de su carrera, entre ellos resaltan el Lucca Photo Festival Award (2008), Leica Medal of Excellence (2000), National Endowment for the Arts Fellowship (1990), Leopold Godowsky, Jr. Color Photography Award (1988) y Overseas Press Club Award (1980). Entre los libros más influyentes que ha publicado se encuentran: Hot Light/HalfMade Worlds: Photographs from the Tropics (1986), Under a Grudging Sun: Photographs from Haiti Libere 1986-1988 (1989), Crossings: Photographs from the U. S. Mexico Border (2003), Istanbul (2007) y su producción más reciente, The Suffering of Light (2011).
“El mundo se explora al pasear en sus calles“
NEW
YORK Un paisaje diferente, tanto cultural como socialmente. Perspectivas de vida contrarias y complementarias que crean un todo y un nada sin sentido, invalidando un discurso único dentro de una “sociedad” equivalenteaunpensamiento,aunareligiónoaunimaginariocolectivo. En este viaje pude apreciar la diversidad tanto étnica como intelectual. New York es una ciudad única en todos los sentidos, que ve nacer, crecer y caer a los artistas. Lo cotidiano está marcado por la percepción individual del día a día y por la intensidad con la que se perciben los pequeños detalles, las cuales para algunos son normales, pero para otros no; algo tan minúsculo e insignificante en uno y al mismo tiempo tan sencillo y perfecto en otros. Eso es lo que define lo urbano y el arte que se aprecia en las calles, a veces sin darnos cuenta.
ANÁLOGA
Volver a lo análogo. Retomar esta experiencia para crear y jugar. Así nació la muestra Análoga, que este año presenta su segunda edición. Para Martina Avilés es un juego con normas propias. «La primera regla de Análoga fue que la captura debe ser en un medio fotosensible. La regla que añadimos para este año es la intervención, que va desde la creación de las cámaras y la elaboración de la emulsión, hasta la creación de mecanismos muy ingeniosos por el cual se produce el disparo». Con este objetivo en mente, un grupo de fotógrafos se planteó trabajar el lenguaje fotográfico, a partir de diversas técnicas. Isabel Crespo, Juan Manuel Crespo, Sara Flores, Mateo Ponce, La Suerte, Juan el Raro, Teo Monsalve, Alegría Acosta y Martina Avilés participan en esta muestra colectiva. Alegría y Martina nos cuentan su experiencia.
ANÁLOGA ¿En qué se basó al momento de escoger la técnica para trabajar su proyecto? Martina: Personalmente, decidí realizar fotogramas utilizando la cianotipia, porque era el lenguaje que me permitía contar lo que buscaba. Adicionalmente, decidí utilizar esta técnica porque quería explorar algo que no había hecho nunca antes. Leí mucho, investigué y aprendí algo nuevo. Pero para llegar a eso me equivoqué varias veces, los tiempos de exposición no eran los correctos o el papel no era el adecuado. Finalmente aprendí de procesos físicos y químicos, que me llevaron a poder ver la magia de la fotografía, a vivir esa experiencia. ¿Por qué le interesa el proceso analógico de la fotografía? Alegría: Me encanta lo análogo sobre todo por el enfoque y la importancia que le damos al tiempo. En este mundo digital, rápido, instantáneo y acelerado, tenemos que detenernos y volver a darle importancia a la mirada, a la intención con la que nos acercamos a los sujetos, al revelado, al proceso... Tenemos que volver a darle tiempo al tiempo.
Los tiempos son más largos y siento que existe una consciencia bastante particular a la hora de apuntar el lente de la cámara. El instante tiene otro valor. ¿Por qué el proceso fotográfico es tan trascendental al momento de fotografiar? Martina:
El proceso en la fotografía analógica, más que ser trascendental para el momento de fotografiar, es algo que disfruto. Muchas veces son procesos largos en solitario, en los que se aprende a mirar, a estar en silencio y a sentir el tiempo. Además, para mí son procesos que, aunque los repitas varias veces, siempre son diferentes y te vuelves a maravillar una y otra vez. Como el momento de revelado y la ansiedad/emoción que produce la espera de la imagen. Y a todo esto, sumarle las horas de paciencia, frustración, error y repeticiones de los cuales siempre se aprende.
Christian
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Lacroix.
“Salir en París fue como salir en los años 30 vestidos de las Andrews Sisters. Era todo lo que había visto en los libros en la casa de mis abuelos, sólo que era nuestra generación.”
Los 80, una época de buena música y donde el arte era una de las principales musas de inspiración; sin duda alguna también fue una de las mejores épocas en el mundo de la moda, donde se empezaban a crear leyendas vivientes como Christian Lacroix.. Al momento de hablar sobre “Haute Couture”, es indispensable nombrar al increíble e innovador Lacroix. Un revolucionario que cambió la idea que se tenía sobre la moda, dejó fluir todas sus ideas sin ponerles una barrera y está dejando un legado, que por siempre recordaremos. Uno de los momentos que nunca olvidaremos es cuando Mr. Lacroix anunció que cerraría definitivamente su casa de “Haute Couture” por problemas financieros; Aun así dejó impreso su legado en cada una de las prendas que había realizado. Desde el momento en que decidió abrir su Maison, Lacroix nos brindó colecciones llenas de color donde podíamos observar una silueta juvenil, libre y elegante. Cargado de detalles lujosos, temporada tras temporada sorprendía al mundo con sus diseños. Posterior a eso el lanzamiento de su línea “Prêt-à- Porter” dejó hechizados a muchos, arriesgó demasiado, pero aun así salió vencedor. Lacroix ha vestido a personalidades como Christina Aguilera, a la cual le diseñó especialmente su vestido de novia en 2009. Otra celebridad que ha sido honrada en múltiples ocasiones con sus diseños es Lady Gaga, un simple ejemplo de ello es el vestuario para el vídeo “Judas” de la cantante, creado completamente por él.
BRASSA誰
“La fotografía no es simplemente apuntar y disparar, tiene que producirle una sensación al espectador al momento que emite su aura. De esta manera, deja de ser únicamente fotografía para convertirse en arte. Un gran y experimentado fotógrafo no es el único capaz de lograr este trabajo, a veces el propósito principal es solamente documentar o comunicar algo en específico, sin embargo estas imágenes logran cautivar profundamente.”
√ El fotógrafo de la noche Por: Carolina Luciano
B
rassaï es un gran fotoperiodista húngaro reconocido mundialmente ya que, a través de su cámara, documenta una realidad que muchas veces es pasada por alto debido a que no es la más hermosa ni la más pura, pero es aquella realidad en la que vivimos y nos hace percatarnos de lo importante que es tener una visión más panorámica del mundo. De esta manera, Brassaï ha logrado trascender al transmitir un mensaje más profundo al documentar la vida nocturna de la ciudad de París desde 1933. Gyula Halász, mejor conocido como Brassaï, fue un periodista nacido en Hungría en 1899 que acude a la fotografía para acompañar a sus artículos. Logró gran reconocimiento por “París de noche”, libro publicado en 1933 que contiene una colección de sus imágenes que mostraban escenas de la vida nocturna parisina. Prostitutas, travestis, matones, homosexuales y amantes eran de los principales sujetos retratados en sus fotografías. La fotografía “Prostitute” sobresalta en especial porque expone
claramente lo que Brassaï quería develar y uno de sus temas más explotados, una prostituta parada en una esquina. La manera en que la luz cae diagonalmente sobre ella emitiendo una sombra que se arrastra hasta nosotros es lo que hace que la fotografía logre fuerte impacto. Este manejo de la luz, la pose y la oscura silueta de la prostituta, muestran la vida solitaria y fría que tiene aquella muje r en esa esquina. Es una imagen silenciosa que muestra mucho desde el ángulo que fue tomada, lo que produce una increíble composición porque aunque no se logra ver su cara, su sombra es mucho más expresiva. El contraste de blanco y negro de la foto, debido a la técnica de aquella época, la placa seca de gelatinobromuro y el ángulo del que fue captada, se mezclan perfectamente para mostrar la imagen de una prostituta en su sitio de trabajo ya que lo que más sobresale de la foto es ella y la esquina dónde se encuentra parada. Asimismo, el fuerte contraste y las sombras en la foto de Brassaï refleja una realidad más cruda y oscura.
“La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón.”
Prostitute Brassa誰 1933
E
l uso de la luz artificial nocturna es lo que hace que la foto sea propiamente perteneciente al estilo único de Brassaï, quien está claramente sumergido en la vida cotidiana de París para mostrar una visión desde adentro de la ciudad, lo que hace que estas fotos tengan tanto sensacionalismo porque emiten una realidad verdadera que está latiendo y no es una mera recreación o una visión desde afuera; es lo que le da vida tanto a esta foto como a todo su trabajo fotográfico. “Prostitute” logra una combinación excepcional de lo que creemos que es ‘la cultura baja’ con una gran composición y visión artística. El tema fotografiado, que generalmente provoca rechazos o es visto como vulgar, logra renacer de estas críticas para convertirse en una obra de arte porque aunque el tema siga siendo el mismo, la manera de mostrarlo es delicada y misteriosa e incluso invita al espectador a ser parte de la imagen para interpretar la historia que pudo atravesar esta mujer que no deja de ser una persona marginada que por lo general puede ser percibida como peligrosa o indeseada. Por otra parte, el espectador puede reflexionar sobre las diferentes realidades que existen y las historias detrás de las mismas. El gran valor de sus fotos surge de las dificultades técnicas al enfrentarse a climas fríos, neblina, la oscuridad de la noche y la desincronización de su flash portátil con la luz artificial nocturna lo que hace que la calidad de la luz de sus fotos no sea la mejor, es a veces muy fuerte y puntual. No obstante, esto le permitía producir fotos con “menos piedad, más directas y descriptivas del hecho”. El trabajo fotográfico de Brassaï ha alcanzado significancia histórica y gran reconocimiento por su propósito de congelar momentos importantes de principios del siglo XX y mostrar una vida nocturna marginada que no es muy bien vista ni aceptada. Brassaï fue un gran fotoperiodista que marcó un cambio en la historia de la Fotografía con su ideologías y estilo único; siendo un claro ejemplo que el fotoperiodismo también es arte.
“La Fotografía me permite atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla.”
The Eiffel Tower at Twilight Brassaï 1932
Calu Rivero
Jean Seberg, Brigitte Bardot, Twiggy, Jean Shrimpton... 13 iconos de la década inspiran un shopping retro con el binomio de moda: blanco y negro
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arina Valera — Quizás esperábamos tonos pastel y estampados florales pero el pasado septiembre nos quedó muy claro que la tendencia de la primavera se escribe en blanco y negro. Este binomio clásico e imperecedero se vuelve absolutamente moderno en manos de la moda una vez más: en clave psicodélica en Marc Jacobs, con silueta minimal en Jil Sander, futurista en las chicas de Alexander Wang, muy lady según Karl Lagerfeld para Chanel o rockera en 3.1 Phillip Lim, por citar solo unas pocas firmas que han dado todo por este mágico contraste entre la luz y la oscuridad. Un dúo casi sagrado al que se le rindió total pleitesía en los años 60’s –también absoluta tendencia esta temporada– brindándonos una inspiración sin límites de manos de algunos de los iconos más importantes de la época y de la moda. No es pura coincidencia que algunas de las más bellas imágenes de estas musas sean en blanco y negro como los propios colores de su ropa.
La tendencia que vino de los 60’s
Jean Seberg y su encantador corte garçon dejaron una impronta estética única gracias a la camiseta a rayas –un clásico entre las francesas nativas o adoptivas, como es su caso– que luce en Al Final de la Escapada (1960); Brigitte Bardot combinó el blanco y el negro en sus trajes masculinos acompañados de su frondosa y absolutamente femenina melena; los cuellos de bebé contrastados fueron tan característicos de Mary Quant como su peinado made in Vidal Sassoon; y la imagen de Audrey Hepburn no sería la misma sin su irresistible vestido negro de Givenchy en Desayuno con Diamantes (1961) al igual que la de Jane Birkin sin su clásico pitillo blanco rodeada de fotógrafos en las playas de Cannes. Estas 13 instantáneas míticas nos inspiran a crear este shopping único, que podrás encontrar en los centros de El Corte Inglés, para que la tendencia vaya desde las pasarelas hasta tu armario pero con todo el sabor de la década de los 60’s. El chic francés y la irreverencia inglesa en
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