Revista Visual No. 140 Diseño by Esteban Espinosa

MAGAZINE DE DISEÑO, CREATIVIDAD GRÁFICA Y COMUNICACIÓN NÚMERO 140. AÑO XXI. 7,21

Gallardón, suspenso en “presentación” Madrid es una ciudad donde el diseño no importa nada a sus dirigentes. Dar una vuelta por el centro es suficiente para cerciorarse de que la identidad gráfica no es una de las prioridades de Gallardón. La variedad de usos incorrectos en los elementos de identidad, empezando por el del escudo, es una realidad. Ahora, el Comité Olímpico da un paso adelante con su informe sobre las candidatas para los juegos de 2016. Mientras Chicago y Tokio obtienen una calificación de “Alta calidad” en la valoración de las presentaciones, y Río de “Muy alta calidad”, lo de “Calidad variable” es un eufemismo que el COI utiliza para propinar a la candidatura madrileña un suspenso en toda regla en lo que a diseño y comunicación se refiere. “Nesecita mejorar”, que diría Manolito Gafotas. Por mucho que el alcalde pretenda que la candidatura ha salido reforzada en el informe –alcoyanismo puro–, lo cierto es que en varios aspectos el varapalo es evidente. En el que nos ocupa, la valoración de las presentaciones, el Comité Olímpico ha sido incluso generoso. La historia viene de atrás, cuando se celebró el concurso para elegir el logo de la candidatura: plagios que hubo que retirar en la fase final, sospechas en el sistema de votaciones, protestas de los profesionales del diseño que asistían asombrados a un proceso donde la profesionalidad era el último valor a tener en cuenta... Después vino el peor eslogan que pueda imaginarse: “tengo una corazonada”. Más allá de lo desafortunada que es la gráfica, conceptualmente es un reconocimiento de las carencias, una excusa de mal estudiante: las corazonadas son siempre la respuesta a la ausencia de evidencias contrastables y argumentos objetivos. ¿Debe sorprendernos este rapapolvo? En absoluto. Madrid es un descampado en

lo que a diseño se refiere. Un feudo de amiguetes que ocupa de prestado un trozo del Matadero y se reparte el pastel con la connivencia institucional. La crítica, por supuesto, es inexistente. Lo raro hubiera sido que esta vez las cosas se hubieran hecho bien. ¿Qué ha valorado el COI para castigar de ese modo al diseño madrileño? No está claro. Pero ni la manita de colores ni el eslogan de la corazonada habrán ayudado. Como tampoco el Dossier de Candidatura, que no aporta nada, y lejos de innovar y proponerse una audacia formal y estructural, parece más bien la memoria económica de una empresa de medio pelo. Madrid y sus ciudadanos no se merecen esto. Es imprescindible abrir el diseño institucional a los buenos diseñadores aunque no se muevan en el cortijo, como lo es también que desde el Ayuntamiento se plantee como prioridad, urgente e ineludible, dotar a la ciudad de una imagen moderna, coherente, o cuando menos, mínimamente correcta. Partiendo de cero, sin amiguismos ni más parches. Valga como ejemplo de esa necesidad –podríamos citar cientos– los chirimbolos y puntos de reciclaje: presentan un identificativo del Ayuntamiento que dejó de usarse, debería haberse dejado, en el año 2004. l

Redacción, publicidad y administración: Abtao, 25 interior, Nave C. 28007 Madrid. Tel.: 91 434 81 78. 91 434 90 53. Fax: 91 434 10 27. Editor/Director: Alvaro Sobrino. Directora de redacción: Beatriz San Román. Redactor jefe: Eduardo Bravo. Redacción: (redaccion@visual.gi) Ester Catoira, Carlos Díaz, Aurora Iraita, Beto Compagnucci, Esther Alumbreros, José Luis Lizano, Javier Royo, Diego Ortiz. Publicidad: Carmen Andrade. Maquetación: Yolanda Vinuesa. Coordinación: Carlos Arredondo. Edita: Blur Ediciones, S.L. Imprime: Grupo Marte. Depósito legal: M-31966–1989. www.visual.gi. informa@visual.gi. ISSN: 1133-0422

VISUAL ES UNA REVISTA ABIERTA A TODAS LAS OPINIONES, PERO NO NECESARIAMENTE SE IDENTIFICA CON LAS DE SUS COLABORADORES Y ENTREVISTADOS.

Sumario

Número 140 • año XXI

LA PORTADA DE ESTE NÚMERO HA SIDO REALIZADA POR TOÑO MERINERO. CRÓNICAS DE PSEUDO/NIMMA. 5 • ¿QUÉ NOS APORTA EL DISEÑO? (I). 6 • ¿Y CON NUESTRAS PORTADAS, QUÉ HACEMOS? 8 • NO DISEÑO. 10 • EL ENANO INTERNÁUTICO. 12 • GALERÍA. 15 • JORGE ALDERETE. UN DON ALGUIEN. 24 • LATIPA: TRES DISEÑADORAS QUE SE MANCHAN LAS MANOS. 32 • HILLMAN CURTIS. UNA HISTORIA DE NUEVA YORK. 40 • BANCOS DE IMÁGENES. EL MUNDO EN UN ‘CLICK’. 45 • FABER&FABER. OCHENTA AÑOS EN PORTADAS. 55 • UN SIGLO DE JAZZ Y DISEÑO GRÁFICO. 58 • LA INTIMIDAD DE MARISCAL. 62 • EXD’09 / LISBOA. MENOS ES MEJOR. 66 • NOTAS SOBRE EL CANON DEL DISEÑO. 72 • VACACIONES SGAE Y DERECHOS DE AUTOR. 80 • LIBROS. 82 • NOTICIAS. 86 • SERVICIO AL LECTOR. 89.

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Precio de este ejemplar: 7,21 e Canarias: 7,51 e, sin IVA, incluidos gastos de transporte.

El diseño del unicornio de la séptima edición es de Javier Royo.

Premios Visual de Diseño de Libros séptima edición

Los Premios Visual de Diseño de Libros, organizados por la revista Visual, se convocan en su séptima edición para destacar y premiar los diseños de las mejores publicaciones editadas en cualquiera de las lenguas oficiales del estado español, o en portugués.

AMPLIACIÓN DEL PLAZO DE RECEPCIÓN DE LIBROS HASTA EL DÍA 15 DE OCTUBRE DE 2009.

Organiza:

Para más información: www.visual.gi/premiosvisual

Patrocinan:

BASES CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN # Las obras participantes deben haber sido impresas durante el período de enero de 2008 - septiembre de 2009, y no haber concurrido a los premios en la edición anterior. Pueden participar todos los libros que cumpliendo la condición anterior hayan sido editados en cualquiera de las lenguas del estado español, o en portugués, independientemente del lugar donde radique la editorial. La participación en este certamen implica la plena aceptación de las presentes bases. PRESENTACIÓN # Pueden presentar piezas el diseñador, el editor o el responsable de la producción gráfica. Se presentarán dos ejemplares de cada libro, junto con una ficha de inscripción (o fotocopia de la misma) debidamente cumplimentada. Los envíos se remitirán a la siguiente dirección: Revista Visual (PREMIOS VISUAL) c/ Abtao, 25. Interior. Nave C. 28007 Madrid. Es responsabilidad única de quienes inscriben la obra la autenticidad de los datos expresados en las fichas de inscripción. Si una misma obra se inscribiera en más de una categoría, se presentará un ejemplar más por cada categoría adicional; para la categoría de colección deben presentarse un mínimo de tres títulos distintos. La inscripción de piezas es gratuita y los premios carecen de dotación económica, recibiendo los trabajos premiados un trofeo y un diploma las obras seleccionadas. Los libros quedarán en poder de la organización, que se reserva el derecho de reproducirlos fotografiados en el catálogo y material informativo de los premios, y utilizarlos en la eventual exposición. El plazo de recepción finalizará a las 12.00 horas del día 1 de octubre de 2009. JURADO # El jurado estará formado por siete profesionales vinculados al mundo del diseño y la edición. CATEGORÍAS # Diseño de libro. Diseño de cubierta. Diseño de colección. Catálogo/ libro de arte. Libro infantil. Libro institucional/ promocional/ de empresa. Premio de ilustración. Premio de fotografía. Premio de aplicación tipográfica. Además, el jurado podrá otorgar un “Premio a la Trayectoria Profesional” y un “Premio a la Trayectoria Editorial”, a un profesional del diseño y a una empresa editora, respectivamente. Existe también un Premio a la Producción Gráfica, al que optan todos aquellos libros que hayan obtenido premio o diploma en otras categorías. En cada categoría, el jurado seleccionará un máximo de diez finalistas que serán reconocidos con un diploma, y otorgará un premio, que puede ser declarado desierto si el jurado lo estima conveniente.

Más información: Alvaro Sobrino. T 91 434 81 78 ı Beatriz San Román. T 93 418 27 39 ı premiosvisual@visual.gi

Premios Visual de Diseño de Libros séptima edición

FICHA DE INSCRIPCIÓN Título Colección Autor del texto Empresa editora

Se presentarán dos ejemplares de cada libro, junto con una ficha de inscripción (o fotocopia de la misma) debidamente cumplimentada.

Diseño de cubiertas Diseño de interiores Ilustrador/es Fotógrafo/s Impresión/ producción gráfica Categorías a las que opta (marcar con una x)

Si una misma obra se inscribiera en más de una categoría, se presentará un ejemplar más por cada categoría adicional. Para la categoría de colección debe presentarse un mínimo de tres títulos distintos.

El plazo de recepción finalizará a las 12.00 horas del día 15 de octubre de 2009. Los envíos se remitirán a:

Revista Visual (PREMIOS VISUAL) c/ Abtao, 25. Interior. Nave C 28007 Madrid

Diseño de libro Diseño de cubierta Diseño de colección Catálogo/ libro de arte Libro infantil Libro institucional/ promocional/ de empresa Premio de ilustración Premio de fotografía Premio de aplicación tipográfica Datos de la persona que inscribe la obra Nombre y apellidos Empresa Dirección Teléfono e-mail

Crónicas de pseudo/nimma

De la innovación, esa de la que todos hablan http://pseudonimma.blogspot.com

innovación. (Del lat. innovatîo, -~õnis). 1. f. Acción y efecto de innovar. 2. f. Creación o modificación de un producto, y su introducción en un mercado. innovar. (Del lat. innovãre). 1. tr. Mudar o alterar algo, introduciendo novedades. 2. tr. ant. Volver algo a su anterior estado. Pido perdón por la pedantería de iniciar este texto citando el diccionario, pero es que me ha hecho falta recurrir a él, interesado como estoy por entender a qué se refieren cuando usan la palabra innovación, de un tiempo a esta parte, en cualquier cosa que tenga que ver con el diseño, la empresa, los mercados, la crisis, el marketing... A mí, casi todas las veces, me parece que sobra, me suena hueco. Son esas muletillas que se incorporan a los discursos, que funcionan como sustitutivo cuando no hay otra mejor, una especie de purga de Benito que, hablando en términos de marketing, vale igual para un roto que para un descosido. Y la cosa va creciendo, creciendo, y acaba por dar nombre a un ministerio. Yo el diseño lo veo lejos de la innovación. El diseño no descubre fórmulas mágicas para resolver el hambre del mundo, ni vacunas para erradicar las enfermedades. El diseño, en la casi totalidad de los casos, aporta pequeñas soluciones, en las que la condición de novedoso no suele ser lo primordial. El diseño incorpora matices que mejoran un poquito lo que ya existe. Normalmente pensando en el bienestar de

las personas, y casi siempre, afortunadamente, reportando unos beneficios económicos a quien lo encargó. Intento recordar diseños realmente innovadores en los últimos años, aportaciones realmente sustanciales que se hayan incorporado después a la cotidianidad. Se me ocurre que el que se inventó el primer frasco con el tapón en la parte de abajo (¿sería un champú, o un ketchup?) sí puede considerarse un diseñador innovador. Y después, el que le puso la válvula antigoteo a los botes de miel. Los dos merecerían para mí el Nobel de la Felicidad, que ya sé que no existe pero habría que inventarlo. En cambio... ¿ha aparecido en los últimos cien años una silla que haya cambiado la evolución de los útiles para sentar nuestras posaderas? ¿una lámpara? ¿un vehículo mejor que los de dos ruedas o los de cuatro? Por supuesto que todo evoluciona y mejora, pero eso no es innovación. Recreación, renovación, reinvención, revisión, mejora, puesta al día... pero innovación es, debería ser, otra cosa. Y si tengo que conceder el beneficio de la duda a quienes defienden el cáracter innovador del diseño en lo que se refiere a los objetos y los productos, niego la mayor si hablamos de diseño gráfico y para la comunicación. ¿Alguna tipografía en los últimos cincuenta años que podamos significar como una aportación imprescindible? ¿una estructura de los elementos de comunicación que haya aterrizado para quedarse, desbancando a las anteriores? Evidentemente, no. Pequeñas mejoras, adaptaciones de lo que teníamos para aprovechar tecnología nueva... y poco más.

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Acaso sea sólo cuestión de terminología, pero debe preocuparnos. Identificar diseño con innovación implica unas expectativas que el diseño no cumple, no debe cumplir. El diseño es una pizca de sabor en el guiso. Los males de la economía no los va a solucionar el diseño. Si seguimos empeñados en la competitividad a través de la innovación obtendremos un éxito por cada cien fracasos. Vamos hacia una economía donde la exclusividad va a dejar de ser un activo tangible, donde a pesar de los esfuerzos por evitarlo que estamos viendo, los productos van a superar a las marcas, donde la batalla de la productividad nos la tienen ganada los países emergentes. En cambio, otros valores que hoy consideramos residuales, casi pintorescos, van a cobrar fuerza en los próximos años: la economía local en aras de una mayor sostenibilidad, la calidad frente a la variedad y la cantidad en el consumo, los bienes inmateriales –la cultura, la creación, las ideas, el conocimiento– como valores de la economía real y, a medio plazo, el decrecimiento como alternativa al sistema económico actual. Entretanto, sólo nos queda esperar que poco a poco vaya remitiendo la fiebre. Como en el cuento, el emperador seguirá vistiéndose de innovación, y todos seguiremos aplaudiendo la iniciativa. Quizá algún niño se atreva a gritar que en realidad va en pelota picada, pero no hay miedo, nadie le hará caso la primera vez. Ni la segunda, ni la tercera... acaso con un poco de suerte, lentamente se extenderá el rumor, irá creciendo, hasta que un día el emperador dirá: voy desnudo porque es lo mejor. Y la innovación dejará de ser la palabra mágica. l

¿Qué nos aporta el diseño? (I)1 Texto: Xènia Viladàs (http://xviladas.blogspot.com) El cálculo del retorno sobre la inversión (ROI) del diseño ha sido objeto de discusión entre los profesionales de la gestión durante años. El motivo de este interés viene de lo que se conoce como la “paradoja del diseño”, o sea, la contradicción entre el conocimiento que tenemos de los beneficios que el diseño aporta a los negocios y la resistencia a invertir en él por parte de las empresas. Existía la creencia de que si por parte del propio sector se podían aportar evidencias de dichos beneficios, la paradoja se disolvería y mejoraría la actitud hacia el diseño en los círculos empresariales. Por la investigación realizada durante años, parecía que la credibilidad del diseño dependiera de la posibilidad de proporcionar algún modelo matemático para calcular el ROI exacto del diseño. Y, francamente: si ésta era la cuestión, la respuesta hasta la fecha ha sido bastante decepcionante. Ahora bien, ¿qué pasa si nos centramos en los verdaderos interesados y comprobamos si esa es o no la cuestión? En el mundo real, tanto desde un punto de vista macroeconómico como micro, la complejidad es tal que ya casi nada se puede explicar en términos aritméticos. Hoy en día necesitamos nuevas herramientas para manejar los conceptos económicos. Además, ¿estamos seguros de que lo que necesitan los negocios para creer en el diseño, son solamente cifras? Mi primera respuesta, intuitiva, era que no. Y lo quise demostrar. Tomando como muestra representativa las empresas que aparecen en la web del proyecto europeo DME2, comprobé las motivaciones reales de 23 de ellas para invertir en diseño. Establecí tres grandes grupos: - Un pequeño grupo está completamente sumergido en lo que llamamos “design thinking”, o sea, en la práctica de la gestión

basada en la metodología y la forma de pensar del diseño. - Otro grupo de compañías para las cuales el diseño es estratégico, se expande de forma integral a través de toda la compañía y sus distintas actividades, y se usa para extender sus valores corporativos a través de los “vectores de visibilidad” (productos o servicios, comunicaciones y espacios), dotándolos de coherencia y sentido. - Y finalmente, un tercer grupo para el que el diseño, tan bueno como pueda ser, es meramente instrumental, una “herramienta de comunicación eficiente en términos de coste”, como dice alguna de ellas. Las motivaciones para la inversión en diseño son, para cada uno de ellos: - En el primer grupo no existe ninguna razón específica, ya que el diseño no es una opción sino más bien una parte de su misión corporativa: el diseño es el ADN y el fundamento, todo se concibe y se realiza a la luz de esta disciplina: desde el desarrollo del producto hasta la organización corporativa. - En el segundo grupo encontramos a todas las empresas que pertenecen a industrias maduras (muebles, cerámica, etc.) que se esfuerzan por mantener su liderazgo, o por lo menos un lugar destacado entre la dura competencia que tiende a bajar los precios y la calidad en conjunto. Para esas empresas, el diseño es la estrategia para permanecer en el mercado, así como la única forma de entender su negocio: estas empresas están dirigidas por personas que aman lo que hacen, que tienen valores, una historia y una fuerte cultura corporativa. El diseño reúne, realza y proyecta esos valo1. Esta es una versión adaptada de un artículo publicado en www.designmanagementeurope.eu en 2008. 2. (www.designmanagementeurope.eu)

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res de manera coherente hacia el espacio del mercado. Para ellos, la decisión de incorporar el diseño claramente no depende de ratios financieros perfectamente calculados: es más bien una cuestión de visión por parte de sus directivos - Finalmente, el tercer grupo está compuesto por esas compañías que siguen viendo el diseño como un mero instrumento de comunicación para obtener un mejor posicionamiento y una mejor imagen. Esas compañías pertenecen normalmente a la industria de los bienes de consumo rápido, en los que los precios unitarios son bajos y la competencia se rige por el precio. Se pueden sacar dos grandes conclusiones de esta observación: - Pocas compañías establecen los números del diseño y muchas, especialmente las más pequeñas, probablemente incluso los ignoran. Sin importar el tamaño o el estilo de gestión, se puede decir que cuanto más estratégico es el uso del diseño en una empresa, menos puede ser segregado y contabilizado, ya que se expande a través de distintas funciones operativas y se convierte tanto en una actitud como en un activo. - En la mayoría de las compañías, una buena experiencia con el diseño es la mejor de las motivaciones y puede llevar al éxito. Cuando publiqué los resultados de este análisis en el DME, concluía que tal vez había que dejar de intentar calcular el ROI en diseño y concentrarse en cambio en entender lo que hace que un empresario confíe en el diseño más allá de las cifras para, quizás con ello, obtener un instrumento realmente eficaz para la promoción del diseño. Hoy toca, sin embargo, introducir nuevas variables. Lo dejo para un siguiente artículo. l

¿Y con nuestras portadas, qué hacemos?

Con el pie Texto e ilustración: Ramiro Seva (www.ehratas.com)

La portada de la revista del 1 de junio de The New Yorker fue dibujada con el dedo en un iPhone. El responsable fue el ilustrador Jorge Colomo. Hasta aquí todo es correcto. Me parece estupendo que la telefonía haya avanzado hasta el punto de que se pueda ilustrar con un terminal. Lo complicado es discernir si ese dibujo de portada tiene la calidad adecuada independientemente de cómo esté hecho. Jorge Colombo parece haberse convertido en el estandarte del “finger painting” (pintar con el dedo, en la lengua de Cervantes) con el iPhone. No cabe duda de que ha sabido encontrar su hueco en el mundo de la ilustración y no se trata de ningún niñato que acabe de empezar en esto. Eso lo deja bien claro su brillante alopecia y varios puestos de director de arte en Chicago, San Francisco y Nueva York. Quizás gracias a eso cuenta con suficiente credibilidad como para que una revista como The New Yorker cuente con él como el novedoso ilustrador que pinta con su teléfono. Y la verdad es que es fácil preguntarse ¿por qué ha se ha puesto a pintar con el dedo este señor? Pues todo parece indicar que porque promete ser bastante divertido. Además, a pesar de que antes dibujara acuarelas realmente interesantes, difícilmente podría haber llegado a ser noticia con ellas en tantos medios de comunicación como lo ha sido últimamente, incluyendo ABC News. La verdad es que la noticia ha causado bastante ruido dentro del mundo de la ilustración, pero aún más en el de esa gente fascinada por la tecnología a la que desde hace un tiempo se viene denominando Geek. En infinidad de blogs y medios relacionados con Apple se ha comentado la jugada y ha sido el orgullo de todos los usuarios del

iPhone que se sienten mejor usando un teléfono tan importante aunque tenga que ser con determinada compañía. Además, el hecho de que el autor genere vídeos de cómo hace sus dibujos y éstos se puedan incluir en los blogs facilita mucho la viralidad de la noticia; todos sabemos que las publicaciones con video lucen más. En cualquier caso, no es extraña la repercusión: que un dibujo hecho con un móvil sea portada de una revista internacionalmente conocida es relevante, pero en muy pocos sitios he visto dar importancia a si la ilustración está a la altura o no. Sólo en algunos blogs he encontrado comentarios que afirman que hay mejores trabajos hechos de la misma forma por otros artistas. No voy a ser yo quien diga si su trabajo es digno merecedor de tanta atención o no. Mi opinión sincera me la reservaré por el momento, sin embargo me interesaría conocer la del respetable, por lo que indagaré entre mis allegados y estaré encantado de conocer todos los puntos de vista que pueda. Es posible que hayamos llegado a una dominación mundial por parte de los geeks y que sea el momento de agachar la cabeza y comulgar con lo que les haga gracia, aunque no quiero cerrar la puerta a lo que parece comúnmente asumido y es que la ilustración merezca estar ahí. Pero no me basta con su presencia mediática, al menos necesito que unos cuantos se mojen por su valor como imagen. Después de todo, si el cómo está hecha una portada justifica una calidad gráfica por debajo de la media creo que deberíamos revalorizar a todos los que pintan con cualquier parte de su cuerpo fuera de lo común a no ser que entre en juego un componente tecnológico. Por si acaso, voy a empezar a practicar con el pie sobre un Nokia: puede que ése sea el siguiente paso. l

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No diseño Texto e ilustración: Jorge Chamorro www.lacascaraamarga.com En el pasado número de Visual aparecía un artículo de Xènia Viladàs sobre el Slow Design. Nos contaba cómo surge como parte y evolución del movimiento Slow, que empezó a cobrar nombre a través de la famosa Slow Food. Comparto la opinión de Xènia respecto a la importancia de tomar conciencia sobre el trabajo y la de la necesidad de localizar las materias y procesos productivos. Como también comparto su desesperación por las dificultades que supone hacer algo slow en este mundo que va a toda hostia. Así que yo me sumo al movimiento Slow, aunque lo rebautizaría como Movimiento de Andar por Casa (que entroncaría con la apuesta por la comida casera de la Slow Food y no tendría nada que ver con hacer las cosas de aquella manera, sino con hacerlas con amor). Y por la misma línea del Slow Design, iría un paso más allá y pondría una pica en Flandes directamente por el No Design, que llamaría No Diseño, porque a ver si no va a poder haber un movimiento que no tenga el nombre en inglés. En el mundo del No Diseño, lógicamente, no habría diseñadores gráficos, porque sería un mundo maravilloso de andar por casa y en casa no hace falta vender ninguna milonga a nadie y sin vender milongas a nadie poco trabajo puede haber para los diseñadores, amén de que tampoco existiría el dinero (ni por supuesto, las clases sociales ni los estados ni las fronteras. Ole). ¿Qué pasaría con la cultura? ¿Cómo se diseñaría un libro? En el mundo ideal de andar por casa cualquiera tendría la suficiente formación como para poder elegir un tamaño y un tipo de letra legible y para saber destacar un título de un subtítulo, así que problema resuelto, todos seríamos diseñadores. Y tampoco haría falta saber hacer un packaging de leche entera, desnatada y semidesnatada porque la vaca andaría cerca. Si el mundo slow era complicado de conseguir, éste no te quiero ni contar. Pero sin utopía, revolución y estas cosas, yo pierdo el norte. Debe influir también que estoy saturado de tanto mundo fast y tanto mundo design. Y que necesito unas vacaciones como agua de mayo (pero a finales de julio, o sea, imperiosamente). Y necesito unas vacaciones de diseño. Y no me refiero a unas vacaciones diseñadas por una agencia sacaperras en un hotel de diseño, por ende, también sacaperras; quiero decir, literalmente, unas vacaciones de diseño: que adiós al diseño por un rato. Que ahí te quedas, diseño gráfico, que yo me voy. Este artículo saldrá en septiembre, cuando ya hayamos vuelto al redil con las caras mustias y renegando de la vida, pero yo lo estoy escribiendo el día antes de dar carpetazo final e irme de viaje. Y este artículo es mi ultimísimo quehacer laboral. O sea, que

no tengo cara nada mustia y la vida me parece que merece la pena y hasta estupenda. Además de salir de Madrid, de cambiar de aires, de ver mundo y de todos los beneplácitos de los asuetos veraniegos, me apetece muchísimo, como digo, descansar del diseño gráfico. A estas alturas del año, y con la pachorrería propia del momento, estoy más que aburridito de componer, de combinar colores, de buscar la idea genial… por no hablar de cortar y pegar, de ajustar papel, de duplicar capa, de pasar a rgb y de pasar a cmyk. Y no sólo estoy cansado de diseñar; también, y más, de vivir tan inmerso en el diseño, por mi condición de diseñador entusiasta que siempre anda husmeando en lo suyo (esto es culpa mía) y por mi condición de habitante de una gran ciudad donde el diseño abunda hasta el sopor o hasta la mala follá, según sople el viento cada día. Vamos, que lo del No Diseño me viene fenomenal. Y es que, si bien es cierto que el diseño gráfico es mi vida y que me gusta a rabiar, también es cierto que más me gusta el no diseño gráfico, porque cuando no hay diseño alrededor, la vida me parece más vida. No me gustan los restaurantes de diseño ni los bares de diseño y menos las ciudades de diseño y mucho menos aún que la mía pierda tanto el culo por ser una ciudad de diseño. Me gustan las cosas sencillas, los bares de siempre. Me gusta ver Madrid desde la azotea del Patio Maravillas, desde donde no se ven los luminosos de los comercios y el paisaje es todo cielo y teja y la ciudad parece un pueblo en armonía, ajeno a los negocios y a las prisas de la gran urbe. En un bar de diseño y en una ciudad con logotipo me siento gilipollas. Me siento absurdo, tontoneado y timado, porque, a parte de conflictos éticos, políticos y estéticos, también está la cuestión crematística, porque el diseño hay que pagarlo, ya sea en el precio de la caña o en el del metro cuadrado, y las cosas caras no me gustan nada. En definitiva, me gusta estar de andar por casa. Me gusta no ver logotipos. Paradójicamente, hacer logotipos es de las cosas con las que más disfruto. Contradicciones de la vida, aunque supongo que un diseñador desee un mundo sin diseño ya es una contradicción en sí misma. O no, porque si son ciertas todas esas grandes frases de esos grandes diseñadores en las que se refieren al diseño casi como único salvador del género humano y la justicia social, entiendo que en esa nueva sociedad salvada por el buen diseño no sería necesario, como decía antes, vender milongas, porque si empezamos a vender y comprar milongas la historia acabaría irremediablemente degenerando en una nueva sociedad injusta donde, de nuevo, sólo se come el pastel el que más milongas venda. ¿Entonces? Y es que creo que nadie puede negar que este mundo es de locos y sobran milongas y que por eso surgen cosas como el movimiento Slow, para no volvernos majaras del todo. Por eso la gente hace yoga o se va a caminar al monte. Y por eso se va al bar de toda la vida. Este mundo

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loco nos ha separado de la tierra, de nuestros congéneres y de nuestra propia esencia, la vida es menos de verdad, la sangre circula menos caliente y la realidad se ha convertido en mamarrachada, dejando un escenario desquiciado en el que andamos de microchip en microchip buscando algo que se nos perdió hace tiempo y que ya casi no sabemos ni lo qué era. Aquí, en España, en occidente, una mujer tiene un hijo y en lugar de criarlo ella, lo hace otra mujer que viene de un país que está a miles de kilómetros y que a su vez ha dejado allí a sus propios hijos porque no tiene dinero para criarlos. Si esto no es desquicie que me lo expliquen. El diseño por supuesto que no es el culpable de todos los males, pero es uno de los motores y una huella (y muy visible) del sistema éste del desquicie. Por eso el mundo sería mucho más bonito sin logos, sin marcas y sin anuncios, porque significaría que el sistema del desquicie no anda rondando. A través del diseño, uno puede desarrollar enormemente su cerebro y su espíritu y acercarse a las grandes preguntas de la vida, pero en un lugar donde no hay diseño las respuestas están más cerca. Y el progreso, el desarrollo –y el diseño, mientras no lleguemos al No Diseño–, debería tender hacia la sencillez de andar por casa, hacia la famosa esencia, tendría que valer para desmamarrachar la realidad. Porque a este mundo hemos venido a vivir de verdad, con la sangre a su temperatura, para mal y para bien, no a pasar de puntillas por esta parodia inventada por sabe Dios quién. Que la muerte está ahí de verdad, que el neón no la va a esquivar. Y la vida, ya que son dos días, pues habrá que saborearlos, habrá que hacer que cundan, que pasen despacito, slowly, que dirían. Ale, fin del artículo. Carpetazo y carretera y manta. Empiezan las vacaciones. A correr. Pero estábamos hablando todo el rato de ir slowly… Bueno, a veces también hay que correr. l

El Enano Internáutico

La primera pieza de diseño en España Texto: Javier Royo Imagen: © Javier Royo (http://einternautico.blogspot.com) Siento debilidad por los mapas. Su forma y contenido son traducciones de la mentalidad de cada época, de la forma de pensar, de las necesidades y forma de vida de cada sociedad a lo largo de la historia. Cuando escribo estas líneas, a mediados de agosto de 2009, acaba de salir a la luz en diferentes medios de comunicación uno de los hallazgos más importantes en la historia del diseño (más bien en la prehistoria del diseño): el hallazgo de la primera pieza de diseño gráfico en la Europa Occidental: un mapa dibujado por unos cazadores nómadas, hace la friolera de 13.660 años, que posiblemente vivieran en Francia y cruzaran los Pirineos en busca de pieles. El mapa se encontró en 1993 en la cueva navarra de Abauntz, pero no fue hasta este año, cuando Pilar Utrilla y su equipo de arqueólogos en la Universidad de Zaragoza descifraron que aquella piedra era un mapa. Un mapa que indicaba qué zonas eran buenas para la caza de ciervos y cabras, en que zonas había humedales, caminos y ríos. El primer mapa de la Europa Occidental, el primer gráfico con una función clara de perpetuar un conocimiento para los siguientes humanos, o para la memoria. Un elemento con una carga funcional más que evidente. De identificación y señalización: la primera pieza de diseño gráfico peninsular. Este descubrimiento, la primera pieza de diseño de la información en Europa, nos sitúa ante un avanzado sistema de comunicación. Exactamente igual al que supone dibujar un mapa a alguien en un trozo de papel, o enviar por email una dirección de Google Maps para indicar una posición determinada (que a su vez, lleva asociada la necesidad de desarrollar una acción concreta). La relación entre las herramientas de hace 13.600 años y las de ahora son evidentes. Entre la piedra y la pantalla del ordenador (e internet), lo único que ha cambiado es la tecnología, pero las necesidades son las mismas: por ejemplo, las de comer, reconocer el lugar donde se encuentra la comida (sea una zona rica en ciervos o un supermercado), acudir a la comida, “cazarla” o “comprarla”, cocinarla y engullirla… Me fascina ver el dibujo del mapa, la traducción de los diferentes elementos, para inmortalizarlos, para obtener, de forma mágica, una instantánea para el futuro. Agarrar el espacio y el tiempo. Detenerlo para perpetuar la especie. Así, le comento a mi Enano Internáutico la posibilidad de mostrar nueve enlaces relacionados con los mapas. Uno, con este primigenio mapa y pieza de diseño, y a continuación, saltar a los mapas que utilizamos en la actualidad. Adelante, pues con ello… Mi Enano desaparece entre líneas y puntos geográficos… A ver qué tal…

1 EL MAPA MÁS ANTIGUO DE EUROPA OCCIDENTAL http://www.sciencedirect.com/science/journal/00472484 http://www.elmundo.es/elmundo/2009/08/07/ciencia/1249660339.html http://lasombra.blogs.com/la_sombra_del_asno/2009/08/un-mapa-dehace-130-siglos.html El martes 11 de agosto de 2009 es el día en el que salta a la prensa generalista la noticia de la publicación de un increíble trabajo de la arqueóloga Pilar Utrilla y su equipo, donde muestran una piedra de hace 13.660 años, sobre lo que aparece el primer mapa de la historia de Europa Occidental. Esta piedra es encontrada en la cueva navarra de Abauntz en 1993, pero es mucho más tarde cuando es descifrada gracias a que Utrilla, un buen día, observando una foto de la piedra se percata de la similitud de una de las figuras con el perfil del Monte de San Gregorio, que estaba justo enfrente de la cueva y que habían situado ahí unos cazadores nómadas. Es el descubrimiento prehistórico más importante relacionado con el diseño gráfico. El primer antecedente de diseño gráfico en España y Europa. De los dos enlaces que reseño, el primero, corresponde al índice de la publicación del trabajo completo en la revista 'Journal of Human Evolution', el segundo, el enlace en el periódico El Mundo, y el tercero, a la fantástica infografía de Adolfo Arranz, infógrafo de El Mundo, de la noticia del mapa (esto es, el mapa del mapa). 2 GOOGLE MAPS http://maps.google.es Y del primer mapa de la historia, localizando lo que en su momento era lo más importante para el hombre de la época, la caza y los espacios para la subsistencia, pasamos al mapa más utilizado en la historia más reciente. Sé que reseñar Google Maps es como hablar de algo que todos sabemos y que no reseño nada novedoso, pero su uso cotidiano en internet, en móviles y en todas las situaciones, hacen de Google Maps el último de los mapas, la herramienta de geolocalización por excelencia. Además, incluyendo la reciente funcionalidad (bueno, de hace algunos meses ya) del streetview, de la fotografía de (casi) todas las calles de las principales localidades. De la zapatilla al bólido. Del mapa más antiguo en Europa Occidental al mapa global más actual. 3 PANORAMIO http://www.panoramio.com Y enlazando con Google Maps, creo que es importante reseñar esta web, donde es posible visualizar fotografías que han subido diferentes usuarios a lo largo y ancho del mundo , en lo que es el principal objetivo de esta herramienta desde su nacimiento: que sean los propios usuarios quienes ilustren los diferentes lugares del mundo, suban y compartan sus fotografías con otros usuarios. Se trata de un mapa sobre el que los usuarios van colocando y geolocalizando sus forografías. Tuve la oportunidad de conocer a uno de sus co-fundadores, Eduardo Manchón, hará unos dos años, en uno de los cursos de usabilidad que imparte, más o menos en el momento en el que Google adquiría y absorbía Panoramio. Ahora, y desde mayo de 2008, la aplicación de Panoramio está plenamente integrada con Google Maps, mostrando las fotografías que los usuarios han hecho sobre las zonas que buscas.

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4 GOOGLE EARTH http://earth.google.es Y pasamos de la tierra al espacio, sin alejarnos del mastodonte de Google… Es la aplicación de los mapas por excelencia. Se puede descargar directamente de la web que reseñamos, e incluye muchísimas más funcionalidades que Google Maps (por supuesto incluye a Panoramio), pero tambiém la posibilidad de ver la tierra a diferentes horas del día, e incluso de noche, y, como comentaba, la visión al espacio. Es imprescindible… 5 NASA IMAGES http://www.nasaimages.org Seguimos en el espacio, en la web de imágenes de la NASA. No son exactamente mapas, pero nos dan información de cómo se ve la Tierra desde allá arriba, o cómo se ven los diferentes planetas desde el espacio: el Universo, el Sistema Solar, la Tierra, etc… Posiblemente, una de las webs más visitadas del mundo. Curioso. 6 LOS MAPAS DEL TIEMPO http://www.eltiempo.es Y como seres dependientes y conectados a la climatología que somos, no podíamos dejar de hacer una referencia a los mapas del tiempo. La web acerca del tiempo reseñada muestra el mapa de la península ibérica, y la he apuntado por encima de otras por su sencillez a la hora de mostrar el tiempo y su herramienta satélite hora-a-hora, que me parece curiosa. Como esta referencia, existen otras a nivel global, como weather.com, o accuweather.com.

7 VIEWZI http://www.viewzi.com No podía faltar en este recopilatorio de mapas, uno de los buscadores visuales más atractivos que he encontrado: Viewzi. Capaz de realizar mapas de relación en las búsquedas y tener diferentes interfaces que posibilitan ir navegando de forma muy intuituva. Probadlo. 8 MAPAS DE INTERNET / CHRIS HARRISON http://www.chrisharrison.net/projects/InternetMap Chris Harrison nos muestra en esta web algunos mapas relacionados con internet muy interesantes. Mapas para visualizar la red. Muy interesante. Además de estos mapas, tiene otras visualizaciones muy buenas en su web: http://www.chrisharrison.net.

9 MAPA DE LAS REDES SOCIALES http://www.vincos.it/world-map-of-social-networks/ En el blog de Vincenzo Cosenza encontramos un interesante mapa del uso de las diferentes redes sociales a lo largo y ancho del mundo. Además de este mapa, el blog sobre los social media, es muy interesante.

El Enano aparece contento y viajero. Le veo dejar la mochila llena de píxels al lado del teclado y conectarse por el USB para enseñarme cientos de mapas de nuestra época. Yo me pongo un café y a él una tila, que lo veo excitado… Fuera llueve. Manzana: Apagar equipo.

Todas las webs que aparecen en este texto se pueden encontrar en la dirección: http://einternautico.blogspot.com

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Con la colaboraci贸n de:

El vinilo está más vivo que nunca. Por mucho que se empeñen los agoreros e idólatras de la tecnología, ni el CD, el DVD o el MP3 han podido hacer sobra a este soporte que, después de más de medio siglo de existencia, goza de muy buena salud. Una etapa de esplendor acentuada, entre otras razones, por las fantásticas portadas que diseñan especialmente para él estudios como La Camorra que, en esta ocasión, presenta tres nuevos trabajos para los sellos madrileños Munster Records y Vampisoul. Portadas y libretos interiores para Lps de Alfonso Santisteban, el segundo volumen del recopilatorio Sensacional Soul y el siete pulgadas de los Yetis “Me siento loco”. La verdad, ante trabajos como estos, es normal perder la cabeza.

El diseñador Jaime Narváez y la editorial Belleza Infinita han presentado su nuevo cuaderno de notas. En esta ocasión, han dejado a un lado las líneas rectas y sus múltiples posibilidades para adentrarse en el sinuoso mundo de las curvas. Un lanzamiento que coincidió con la inauguración en Madrid de la exposición “Eureka”, formada por siete serigrafías realizadas por Narváez y relacionadas con el desarrollo de este proyecto en el que también participa la papelera Antalis.

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El diseñador e ilustrador Curro Suárez continúa con su magnífico trabajo para el Club Neu! Una labor en la que destacan especialmente los carteles y octavillas que realiza para anunciar la programación de la sala madrileña. Afiches en los que Suárez despliega su personal estilo a la hora de elegir y aplicar las tipografías, su característico trazo en el dibujo y su particular universo, poblado de iconos y referencias procedentes de décadas pasadas.

Kalandraka ha publicado un nuevo título de su colección de libros de alfabetos. Tras publicar las visiones que sobre este conjunto de signos realizaron Miguel Calatayud, Pablo Otero y Esco&Güilmon, esta vez le ha tocado el turno a Joan Fontcuberta, uno de los fotógrafos más interesantes del país reconocido con el Premio Nacional en dicha disciplina en 1998. La propuesta de Fontcuberta se sirve de la fotografía para confeccionar un alfabeto en el que se dan cita la representación gráfica de las letras y su representación dactilológica, o lo que es lo mismo, el lenguaje de las manos. Un libro de autor, caracterizado por su sobriedad y que llamará la atención no sólo de los niños, público al que en principio va dirigido, sino de los adultos y aficionados a la fotografía, siempre atentos a las propuestas de uno de los profesionales de la imagen cuyos trabajos se caracterizan por su belleza estética y su complejidad conceptual.

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Herederos de Rowan, agencia de publicidad radicada en San Sebastián, ha diseñado el cartel para el DonostiKluba09. Una serie de conciertos organizados bajo el lema Conciertos XL en formato mini y cuya imagen gráfica nos recuerda a una fiesta celebrada en la casa de Pixie y Dixie.

“Tebeos al rescate, cassettes y cintas VHS” es el título de la exposición que el ilustrador Luis Pérez Calvo presenta desde el 30 de septiembre en la librería Panta Rhei de Madrid. Un conjunto de originales que reinterpretan, con el característico estilo del ilustrador madrileño, la edad de oro de los tebeos y de la tecnología a través de homenajes a clásicos del cómic, a las cintas de cassette y al vídeo doméstico.

“Un claro ejemplo de lo sencillo que puede ser un buen trabajo” así definen los responsables del estudio Loom su proyecto para la empresa de interiores Paoyanquez. Con tan sPlo una pegatina, han conseguido satisfacer las necesidades del cliente en lo que a papelería corporativa se refiere. Una pieza versátil que puede convertirse en tarjeta de visita, membrete de cartas, remite de sobres o cartel para el buzón.

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Carlos Perrinó, una de las mentes más ingeniosas de la publicidad española, se ha convertido en el Director Creativo de cabecera de la cadena de tiendas Cash Converters. Para ellos ha ideado esta divertida campaña, que transmite de forma clara y contundente a qué se dedican en dicha empresa, que no es otra cosa que a mejorar la vida de sus clientes adquiriendo las cosas que no necesitan y vendiéndoles otras más útiles a precios competitivos. Las gráficas, que cuentan con una imagen realizada por el fotógrafo Andrew Habeck, pueden verse por diferentes ciudades de España y Portugal.

El estudio Hey! de Barcelona firma la nueva campaña para informar a los jóvenes de la labor que realiza Intermon Oxfam, modernizar su imagen y estrechar su relación con ellos. Unas gráficas atractivas, articuladas a través de una ilustración que funciona de titular y cuyo resultado es visualmente muy impactante a pesar (o gracias a) su economía de medios, basada en una sola tinta impresa sobre papeles de diferentes colores.

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Los alumnos del Grupo de Investigación Arte, Ciencia y Naturaleza de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, dirigidos por Toya Legido y Manuel Barbero, han desarrollado la renovación gráfica de los carteles informativos y la señalización del parque biológico Faunia. El proyecto, que se enmarca dentro de un acuerdo de colaboración entre la Universidad y la empresa propietaria del parque, ha sido fruto de un largo proceso de investigación sobre la historia de los animales en cautividad, costumbre que se remonta a la antigua Roma, y el nacimiento y evolución de los zoológicos. El resultado final, claramente inspirado en la iconografía y estética de las expediciones científicas de mediados del siglo XIX, busca transmitir a los visitantes esa idea de aventura que caracterizaba a ese tipo de empresas, adentrándose incluso en el campo de la fantasía de la mano de una tipografía –quizá lo menos acertado del trabajo– que remite a terrenos más propios de Elfos y Hobbits. Desde el punto de vista de la señalética, el proyecto establece un sistema basado en un código de colores que diferencia cada uno de los diferentes pabellones del parque, sistema que se complementa con carteles explicativos que identifican a las diferentes especies y en los que destacan las ilustraciones de Margarita Rodríguez, realizadas con bolígrafo BIC y coloreadas posteriormente.

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Jorge Alderete. Un Don alguien Uno de los ilustradores más interesantes de la nueva hornada de grafistas surgidos en los últimos años desde la América de habla hispana. Su trabajo resume el espíritu de la efervescente nueva gráfica latinoamericana. La receta es una mezcla de cultura popular del norte y el sur del Río Grande pasada por el tamiz de las técnicas e iconografías contemporáneas. Texto: José Luis Lizano

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Nacido en la Patagonia argentina a comienzos de los años setenta, Jorge Alderete se ha ido convirtiendo, poco a poco, con el transcurso del tiempo y gracias a la calidad de su trabajo, en uno de los ilustradores más visibles y reconocibles del cono sur. Desde su actual residencia en México DF traslada su particular estilo personal a distintos proyectos a lo largo y ancho del mundo. Influido por las películas de ciencia ficción de los años cincuenta, la lucha libre y la música surf, y enamorado de las subculturas tiki, hot rod o trash, se declara ilustrador

pop, aunque sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata reflejan en su título Diseñador en Comunicación Visual. “Si vamos a los papeles mi título dice diseñador, pero en la práctica la ilustración tiene mucho peso, así que me siento cómodo con cualquier denominación… hasta hay quienes se atreven a llamarme ‘artista’”, confiesa entre risas. Desde hace más de una década tiene su centro de operaciones en un amplio apartamento en la colonia Roma de la tercera metrópoli más grande del mundo. Desde su

casa en el barrio culturalmente más activo de ese gigante poblacional desarrolla una tranquila vida diaria, “trabajo en casa, así que el trafico, que es el gran enemigo de mucha gente, no me afecta demasiado. El apartamento es muy grande, lo que permite tener casa y estudio sin que interfieran uno con otro. Voy a ver muchas bandas, por lo general pequeñas en pequeños clubes. no soy muy amante de los megaconciertos en estadios. Hasta hace poco me pasaba casi todos los días por Kong –la tienda/galería de la que era socio hasta su cierre hace unos

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meses–, cuando puedo voy al cine… Llegamos aquí casi de casualidad, la idea inicial era estar un año fuera de Argentina y regresar. Los posibles destinos eran México o España, por una cuestión idiomática sobre todo. Elegimos México y de eso hace ya casi 11 años. En realidad, hoy en día no hay muchas complicaciones para trabajar desde aquí para diferentes puntos del mundo. La Aldea Global, las telecomunicaciones al alcance casi de cualquiera, internet… podría estar trabajando desde cualquier parte del planeta, y seria más o menos igual”.

Reinvención de la gráfica popular Su trabajo es característico por ese original cruce entre la estética de la cultura pop americana y el legado de la gráfica popular de Latinoamérica. Nos encontramos ante el excepcional caso de grafista que ha sabido empaparse sin complejos de sus gustos particulares para dar a luz una obra muy personal, que es mucho más que la suma de sus influencias. Tanto como un puzle en el que es fácil reconocer alguna pieza por separado pero que, visto en conjunto, asombra por lo

original del resultado. “Muchas de mis influencias vienen del pop americano, del cómic, del cine de Hollywood de los años cincuenta… pero a eso se suma la realidad, el día a día, lo que se vive en clubes de rock, en antros, en la calle, en México y, en su momento, en Argentina. Esto es lo que impregna todo de una atmósfera latinoamericana”. Así pues, Jorge Alderete es uno de los máximos representantes de ese espíritu de puesta al día de la estética tradicional y callejera que surca la América de habla hispana y que tan bien reflejaban Latin American

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Graphic Design, de Taschen, o Latino, de Die Gestalten Verlag –libros, ambos, en los que ha participado nuestro protagonista–. “Sí creo que existen vínculos que forman una gráfica latinoamericana. De alguna manera nos unen crisis económicas, golpes de estado, crisis sociales, crisis climáticas. Vamos… unidos por la desgracia. Si bien cada país tiene sus códigos propios, en términos generales tenemos muchas cosas en común, históricamente hablando”. Además de los mencionados libros, su trabajo ha aparecido en las páginas de varias

otras antologías como Illustration Now (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los Logos, Play Loud, (Die Gestalten Verlag); Tatto Icon 3 (Victionary) o Iconography II (idN), entre otros. Asimismo ha ilustrado para medios como Rolling Stone, Página 12 o Clarín, en Argentina; Complot, Quo o el diario Reforma, en México, y El País, Zona de Obras o La Comictiva, en España. Su trabajo se extiende a diferentes medios y soportes, contando su porfolio con clientes que van desde pequeñas disqueras de surf o psychobilly, hasta grandes marcas como Nike, Vans

o Pepsi, que auspició una exposición de balones de fútbol americano ilustrados, con motivo de la última Superbowl en Tampa, en la que participó Alderete. Entre sus obras como animador independiente destacan sus piezas para MTV Latinoamérica y Japón, Nickelodeon Latinoamérica y Brasil o Canal Fox, por citar algunos. Además, cuenta con numerosas exposiciones en su haber y un buen puñado de proyectos personales. Como se puede apreciar, la hiperactividad es un rasgo destacado de este amante del cómic de autor.

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El cliente y yo De entre sus más recientes trabajos, Alderete conserva un muy grato recuerdo de su papel en la gráfica del regreso del mítico grupo argentino Fabulosos Cadillacs. Sobre todo por el aspecto emocional, dado que el ilustrador patagón se confiesa fan desde que compró el primer álbum de la banda en casete en Neuquén, en la Patagonia Argentina. “La verdad fue una experiencia increíble. Llevo diseñados más de medio centenar de discos y es la pri-

mera vez que trabajo con una banda así de masiva, ya que siempre he trabajado con bandas más bien underground, donde, en principio, me puedo involucrar más en el proyecto. Trabajos donde la música es importante y lo primero que hago es escuchar el disco y ver si me gusta, si soy el indicado para hacer el arte. No se trata solo de ‘trabajo remunerado’… Y sorprendentemente el trato con los Fabulosos fue como con cualquier otra banda. Me permitieron proponer e involucrarme un poco más que ‘solo para sacar el trabajo adelante’. Por eso digo

que fue increíble. Hubo complicidad y confianza, como con cualquiera de las bandas con las que trabajé antes”. Además del artwork del álbum y las diferentes piezas relacionadas, elaboró junto al mexicano Alejandro Magallanes unas preciosas animaciones para los shows de la gira del grupo. Este aficionado a las películas en blanco y negro de bajo presupuesto y a los libros de antropología –“me acerque a ellos investigando sobre temas que me atraían gráficamente y que tienen que ver con el

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arte y la estética de las islas del Pacifico Sur”– completa sus horas con un buen puñado de proyectos personales en los que su implicación va más allá del diseño gráfico. La mencionada y ya desaparecida galería Kong, en la que, junto a sus socios –el estudio de diseño gráfico Hula+Hula (Quique Ollervides y Cha) y Clarisa Moura–, se encargaban de preparar exposiciones y de distribuir todo tipo de cachivaches en los que el diseño era protagonista –cómic, juguetes, revistas, camisetas…–; la discográfica Isotonic Records o Plan B,

sello creado junto a Andrés Amaya para producir juguetes urbanos de vinilo, son sus más recientes aventuras. “La actividad de autoedición es algo que aprendí a respetar mucho. Lo empecé haciendo naturalmente, como muchos, cuando comenzaba y no existían los clientes. Traté de mantenerla siempre porque sospeché que sería la única alternativa para hacer cosas que realmente me gusten y fue así durante mucho tiempo. Hoy en día se conjugan mucho ambas facetas. Existe el cliente que me pide que me divierta con su proyecto y me da la libertad

creativa necesaria, y existen mis proyectos más ‘serios’ donde me autoencargo del arte, como es el caso de Plan B –la primera productora de urban toys de México que fundó hace un par de años junto a Andres Amaya–, o Isotonic Records, la discográfica que tengo junto al Reverendo Acapulco. En el caso de Plan B sucede que la industria del juguete no existe como tal en México, de forma que todo es muy artesanal y uno como diseñador-productor termina involucrado en cada uno de los pasos a seguir, desde la idea en papel, hasta tener el jugue-

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te en el mercado, y más allá: hasta cómo distribuirlo y venderlo. De esta forma se convierte en un proceso de mucho aprendizaje, pero muy lento también. No es una queja, al contrario, nos ha servido para aprender cada aspecto del desarrollo del juguete, no únicamente en los que normalmente estaría involucrado un diseñador”.

Un don nadie Para conocer su trabajo resulta muy recomendable acercarse a una obra que hace

unos meses ha publicado la editorial francomexicana Black Cat Bones. Yo soy un Don Nadie, que cuenta con textos de Bruno Galindo y del mítico Gary Panter, recoge una serie de retratos en los que el estilo de Alderete se ve reflejado con precisión. “Conocí a Panter a través de un amigo en común hace dos años aproximadamente. El año pasado lo invitamos a hacer una exposición en Kong, por vez primera en México, y coincidió que yo estaba trabajando en la recta final del libro. Un día en mi casa él y su esposa vieron parte del desarrollo y estuvi-

mos charlando mucho al respecto del rock, de la música, de la escena de México y de la que él vivió en los setenta y, casi naturalmente, surgió la idea de incluir un texto de Gary. El libro es una especie de festejo de mis primeros diez años en la ciudad de México. Cuando empecé a pensar en cómo podía celebrar este décimo aniversario, surgió la idea de una exposición y en ese momento apareció esta editorial francesa, a la que le conté la idea y les encantó. Me di cuenta de que, desde que llegué a la ciudad, uno de los pocos lugares constantes, a lo

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largo de los diez años, era el Foro Alicia. Un club donde tocan bandas de rock, una sala emblemática del underground defeño. Una especie de CBGB mexicano… así que la expo, el libro y mi festejo lo dediqué al club, a su gente, a los que asisten, a los músicos, a los que trabajan ahí… retraté a muchos amigos y conocidos, junto a una pequeña anécdota de cuándo o cómo nos conocimos. Son más de cuarenta retratos de distintos personajes que pasaron por ahí a lo largo de esta década… una mínima Polaroid del underground de México DF”. l

Identidad gráfica para el Bar Sifó. Desarrollo de la carta de menú. Máculas impresas una a una en el plotter del estudio, aplicadas al espacio.

Tres diseñadoras que se manchan las manos LATIPA es el proyecto común de tres jóvenes diseñadoras que comparten una visión lúdica del diseño, creen en la necesidad de la experimentación constante y demuestran en cada proyecto la gran capacidad de comunicación que tienen los materiales. En sus propias palabras, basan su trabajo en la respuesta adecuada para cada necesidad, la investigación en conceptos y materiales, y una relación abierta con los clientes. Sus trabajos, marcadamente contemporáneos, están exentos de hipotecas estilísticas. Su espacio de trabajo es un taller en el que se fabrican ideas y se dialoga con papel, tintas, plásticos, maderas y metales. Texto: Carlos Díaz

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Serie de Objetos, realizados para diferentes momentos festivos del SifĂł

DiseĂąo de etiquetas y packaging para vinos y aceites de la bodega Mas Blanc i JovĂŠ, situada en Lleida

Poble Nou es un histĂłrico barrio de Barcelona, cuyo origen industrial le valiĂł en su dĂa â&#x20AC;&#x201C;de esto hace mĂĄs de un sigloâ&#x20AC;&#x201C; el sobrenombre de â&#x20AC;&#x153;el Manchester catalĂĄnâ&#x20AC;?. En la actualidad, las fĂĄbricas se han reconvertido en sedes de diversos estudios creativos â&#x20AC;&#x201C;como Palo Altoâ&#x20AC;&#x201C; o bien en edificios oficiales de variados usos. Este pasado sobrevive todavĂa en la multitud de pequeĂąas industrias que han aprendido a convivir entre lofts de diseĂąo y planes municipales que suelen consistir en tirarlo todo abajo. Vecino del Barrio OlĂmpico y del mar, el aroma de sus calles es una desacomplejada mixtura de monĂłxido de carbono, brisa

marina, cable quemado, grasa de coche, fritanga de bar y tintas serigrĂĄficas. Los edificios que conforman sus calles presentan una estĂŠtica dura y sin concesiones, pero muy atractiva, con sus escaleras de incendios como Ăşnico y accidental ornamento de las fachadas. En uno de estos edificios tienen su espacio de trabajo LATIPA, un estudio creado hace unos aĂąos por tres diseĂąadoras de diversa procedencia y formaciĂłn: la catalana Andrea Gusi, la argentina Sandra GonzĂĄlez y la canaria Silvia Ponce. Aunque Andrea decidiĂł hace unos meses dejar LATIPA para emprender una nueva etapa profesional, nos

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parecĂa imprescindible su presencia, ya que el objetivo de la entrevista era el de hacer un repaso a la trayectoria que las tres han compartido. En la conversaciĂłn contamos tambiĂŠn con la presencia, silenciosa y atenta, de Sarai Glahn, jovencĂsima diseĂąadora recientemente incorporada al estudio. El azar cruzĂł los caminos de Andrea, Sandra y Silvia, pero fueron la empatĂa personal y la amistad las razones que las llevaron a crear un proyecto en comĂşn. Andrea y Silvia se conocieron el estudio de MĂłnica Mestanza. Andrea luego trabajarĂa en EumogrĂ fic y Silvia en Summa. Tras su

paso por Gráfica y el estudio de José Luis Merino, Sandra coincidió con ambas en el estudio de Rosa Lázaro. Como apunta Silvia: “LATIPA nace de la necesidad de emprender nuestro camino. Necesitábamos tener nuestros propios proyectos, sentir al cliente más cerca. Al principio había cierta incertidumbre, pero cuando vimos que ya empezábamos a consolidar algunos clientes, nos lanzamos: dejamos de trabajar cada una en su casa, alquilamos un local y nació LATIPA”. Tras años de trabajar en estructuras más o menos piramidales, LATIPA supuso un cambio radical. Sandra compara el fun-

cionamiento del estudio al de una cooperativa: “Todas somos iguales y todas hacemos de todo. Al no haber jerarquías, el reto se presuponía más interesante”. Sin embargo, Andrea recuerda que trabajar a seis manos no era sencillo al principio: “Cuando empezamos, quiríamos afrontar cada proyecto entre las tres. Cada una aportando su visión, pero vimos que de esta manera era difícil avanzar, ya que cada paso había que consensuarlo entre todas”. Pronto se dieron cuenta que la mejor manera de funcionar era que cada una se centrara en un proyecto, sin perder de vista las aportaciones de las demás. Lo cual impli-

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caba un esfuerzo extra de comunicación y una responsabilidad añadida: “Trabajar junto a otras personas hace que el nivel de exigencia con tu propio trabajo aumente, porque sabes que aquello que estás proyectando lo tendrás que exponer a tus colegas de profesión”, explica Andrea. Silvia, en este sentido, reconoce que la comunicación no ha sido siempre fácil: “Cada cual tiene su manera de desarrollar un proyecto. Con el paso del tiempo hemos aprendido a discutir y perder el miedo a enseñar las cosas. Aunque no te guste recibir una crítica en un momento dado, es importante que aportemos y digamos lo que pensamos.

RediseĂąo de la marca Grand Valira, desarrollo de la identidad corporativa y aplicaciĂłn grĂĄfica en diferentes soportes de comunicaciĂłn y seĂąalizaciĂłn

Lo fundamental es entendernos. El diĂĄlogo es dĂficil, pero apostamos por ĂŠlâ&#x20AC;?. Aunque a renglĂłn seguido la propia Sandra recuerda que en diseĂąo es importante estar preparado para replantearte las cosas desde cero si es preciso. Si hay algo que define el trabajo de LATIPA, sin duda es un gusto especial por la experimentaciĂłn con los materiales y hay que decir que para estas diseĂąadoras no hay un solo material que no consideren digno de ser manipulado grĂĄficamente. Si entienden que necesitan un determinado soporte, remueven cielo y tierra para dar con el proveedor adecuado. Como el dĂa que recorrie-

ron en automĂłvil toda la comarca vinĂcola del PenedĂŠs bajo una lluvia torrencial â&#x20AC;&#x201C;a Silvia todavĂa le dura el sustoâ&#x20AC;&#x201C;, para conseguir un volumen suficiente de diversos modelos de etiquetas de cava, que luego serigrafiaron y utilizaron como invitaciones para la inauguraciĂłn del SifĂł, un peculiar restaurant y bar de copas de Barcelona. Las tres coinciden en que trabajar para el SifĂł o Cabo San Roque â&#x20AC;&#x201C;clientes que son, ademĂĄs, amigosâ&#x20AC;&#x201C; supone un gran incentivo para la experimentaciĂłn. Son proyectos solucionados con grandes dosis de libertad, frescura e improvisaciĂłn. Una manera de entender la grĂĄfica que luego impregna a otros proyec-

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tos que a priori se presentan como mĂĄs rĂgidos o convencionales. El SifĂł es un encargo en el que se hace palpable este gusto por la bĂşsqueda de resultados imprevistos. Se trata de un local ubicado en el Raval de Barcelona, la multiculturalidad hecha barrio. Silvia nos explica cĂłmo fueron construyendo su imagen grĂĄfica: â&#x20AC;&#x153;Es un local que se abriĂł con muy pocos recursos. El presupuesto para la Identidad grĂĄfica, era cero. AsĂ que nos fuimos a una imprenta amiga, seleccionamos todas las mĂĄculas que nos interesaron, empapelamos las paredes, cambiĂĄbamos las mĂĄculas con regularidad. Al cabo de un tiempo, se hizo la

Imagen gráfica para el 3er disco de Cabo San Roque.

reforma del local y las máculas originales mutaron en plótters que imprimimos aquí en el estudio superponiendo imágenes: una de nosotras imprime una imagen y luego llega otra y, sobre esa misma impresión, superpone otra imagen, y así sucesivamente. Luego desplegamos las imágenes cual alfombra por todo el estudio y vamos buscando los ritmos y equilibrios”. Destaca la carta, en la que jugaron con la forma y contraforma de un plóter troquelado, aplicando un código de colores inspirado por el mismo sistema que utiliza el cocinero del local para equilibrar el aporte nutricional de los diferentes platos. El Sifó es ade-

más un cliente que les permite experimentar con la creación de diversas piezas de carácter artesanal, como las etiquetas de cava que ya hemos mencionado o diversos elementos conmemorativos, como un cigarrillo envuelto en celofán (“el último cigarrillo”, según reza el envoltorio, antes de que entrara en vigor la regulación del consumo de tabaco en locales públicos), o una bolsita con aspecto de delicada chuchería conteniendo fragmentos de los azulejos sacrificados en la reforma. En esta línea, Cabo San Roque, un grupo musical que construye sus instrumentos con materiales tan poco ortodoxos como

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el tambor de una lavadora y que produce un trabajo difícil de clasificar –simplificando mucho, algo así como un cruce entre Pascal Comelade y Nino Rota– le ha otorgado a LATIPA la posibilidad de trabajar con múltiples proveedores y de mancharse las manos en todo tipo de talleres industriales. Como recuerda Andrea: “En el último disco que diseñamos para Cabo, hay implicados hasta siete proveedores”. “Son trabajos con los que nos sentimos especialmente identificadas, porque se convierten en un espacio de investigación, de prueba y error, hasta dar con la solución”, apunta Silvia. “Los mejores proyectos son aquellos en los que el

Identidad corporativa, para nueva productora independiente, orientada a la creaciĂłn de historias basadas en el mundo del juego, el entretenimiento y la magia

Portadas de libros para la Butxaca

diĂĄlogo con el cliente es mayorâ&#x20AC;?, concluye Sandra. De hecho, mientras redacto este artĂculo, escucho algunas de las composiciones de Cabo San Roque y pienso que es la banda sonora ideal para hablar del trabajo de LATIPA, ya que cada una en su terreno, comparten la misma capacidad de trabajar la poĂŠtica de los materiales industriales. La carĂĄtula metĂĄlica del disco â&#x20AC;&#x153;MĂşsica a mĂĄquinaâ&#x20AC;? es un buen ejemplo de ese diseĂąo que no prescinde del azar: la superficie de cada uno de los ejemplares envejece de manera particular, ya que sobre el metal aparecen manchas que los singularizan.

Como subraya Silvia, â&#x20AC;&#x153;si hay algo que caracteriza a LATIPA es ese instinto de bĂşsqueda constante de la esencia de material, disfrutar de el proceso de producciĂłn y, en definitiva, mancharte las manosâ&#x20AC;?. Pero la experimentaciĂłn, como ya se apuntaba anteriormente, impregna a otros encargos. La grĂĄfica del despacho de economistas y abogados Addvante estĂĄ planteada con una insĂłlita frescura dentro de un contexto que no predispone a grandes alegrĂas. Estos trabajos, puntualizan Silvia y Sandra, denotan una gran complicidad con el cliente. â&#x20AC;&#x153;Durante el proceso de desarrollo tratamos de involucrar al cliente, para que

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entre en la dinĂĄmica de trabajo. Le hacemos partĂcipe en la bĂşsqueda de la soluciĂłn a su necesidad antes de ejecutar el diseĂąo definitivo. Esto, deberĂa ser asĂ con todos los clientes/proyectos, pero no siempre es fĂĄcil. SĂłlo y Ăşnicamente con aquellos en los que existe una predisposiciĂłn a un buen conocimiento mutuo. Nuestra preocupaciĂłn, en todo caso, es que la soluciĂłn final debe identificarse con el cliente y no con el estudioâ&#x20AC;?. Un proyecto que da la medida de la versatilidad y capacidad de trabajo de LATIPA (proyecto realizado en colaboraciĂłn con AntĂłn Pinyol, Branding proyects / FIRMA)

Identidad corporativa para un restaurante de autor, establecido por una joven pareja de chefs

DiseĂąo de la nueva identidad corporativa para el despacho de economistas y abogados Addvante.

es el realizado para Grandvalira desde hace seis aĂąos. Se trata del rediseĂąo de la marca, desarrollo de la identidad corporativa y aplicaciĂłn grĂĄfica en mĂşltiples soportes para el dominio esquiable mĂĄs grande de los Pirineos. Un trabajo para el que tuvieron que fijar una estrategia grĂĄfica en un tiempo rĂŠcord, como recuerda Silvia. â&#x20AC;&#x153;En dos meses hicimos el rediseĂąo de la marca, el desarrollo de la identidad grĂĄfica, el manual de seĂąalizaciĂłn para todo el dominio y las principales aplicaciones. No hubo tiempo de dejarlo reposar, asĂ que luego hemos tenido que ir solucionando, subidas al lomo del ritmo vertiginoso de

Grandvalira. A lo largo de estos cinco aĂąos hemos tenido que ir resolviendo necesidades que en principio no se habĂan previsto: es como un interrogatorio constante para el que has de ir teniendo respuestas. Es costoso, pero es de los proyectos que tienen mĂĄs mĂŠrito, ya que entran en juego muchos elementos que hay que tener en cuenta y saberlos coordinarâ&#x20AC;?. Finalmente, Andrea no deja de subrayar cĂłmo, de alguna manera, las diversas procedencias de las componentes de LATIPA â&#x20AC;&#x201C;no sĂłlo geogrĂĄficas, sino de formaciĂłn acadĂŠmica: Andrea estudiĂł en Elisava; Silvia y Sarai en La Massana; y Sandra en la

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Universidad de Buenos Airesâ&#x20AC;&#x201C; han aportado una especial riqueza a su trabajo. Antes de marcharme, â&#x20AC;&#x201C;ya he interrumpido lo suficiente la dinĂĄmica de trabajo del estudioâ&#x20AC;&#x201C; reparo en un curioso biombo que reposa sobre una pared. Es una estructura de madera con cintas de plĂĄsticos de colores trenzadas como una tela. Me dicen que esto formaba parte del diseĂąo de un bar efĂmero montado para la extinta feria de moda Bread & Butter. Ellas mismas trenzaron las cintas. Decididamente, pienso, estas chicas pertenecen a ese selecto grupo de diseĂąadores a los que les gusta mancharse las manos. l

Hillman Curtis Una historia de Nueva York Cuando despuntaba el verano, unos días antes de que problemas de salud le obligasen a cancelar su intervención en el Mad09 –de nuevo un éxito para Doméstika–, uno de los pioneros del diseño web y actualmente cineasta emergente nos hablaba de su vocación y de su forma de entender el diseño desde su soleado estudio en el corazón creativo de Nueva York. Texto: José Luis Lizano La concepción de la web como un espacio en el que el diseño, en diversos aspectos, tiene un papel imprescindible tiene corta trayectoria si lo comparamos con los distintos ámbitos sobre los que históricamente se entiende al diseño como una herramienta perfectamente integrada en el proceso de producción. La confusión de perfiles profesionales con la que arrancó internet ha dejado paso a unas estructuras laborales donde cada papel tiene bien definidas sus funciones y el diseño ya es el eje sobre el que gira todo –no en todos los casos, lo sabemos–. El hecho de que el ritmo en los avances en el diseño web sea vertiginoso nos permite hablar a estas alturas, poco más de quince años después de que internet comenzase su expansión a nivel popular, de auténticos pioneros en esta disciplina. Nuestro interlocu-

tor, que lleva en este gremio desde casi sus comienzos, es, sin duda alguna, uno de ellos. Con una evolución profesional marcada por la tecnología, a pesar de que a día de hoy su pasión es la imagen en movimiento entendida en un formato tradicional –aunque vivida por y para la web–, por sus manos han pasado numerosos proyectos de diseño para las más relevantes compañías en este sector. Adobe, AOL, Hewlett-Packard, Intel o Yahoo! han puesto en algún momento bajo su responsabilidad importantes proyectos de desarrollo en internet. En el corazón del vecindario de DUMBO, una de las zonas con mayor actividad cultural de Brooklyn y espacio urbano para numerosas empresas ligadas al diseño, encontramos la oficina desde la que Hillman Curtis dirije el estudio que fundó

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hace poco más de una década. Trabaja con un pequeño equipo multidisciplinar y comparte espacio laboral con un grupo de arquitectos, “así que siempre hay modelos de edificios alrededor. Nuestra oficina es muy luminosa y estamos en una zona plagada de agencias creativas”. Desde este idílico marco, a donde cada mañana llega pedaleando, disfrutando así de una de sus grandes aficiones ajenas a lo profesional, Curtis rememora su pasado para hallar aquel recuerdo que lo guió hacia donde ahora se encuentra. “Fui bendecido con la posibilidad de crecer con mi padrastro, quien fue un gran coleccionista de libros. Tenía millares, entre los que se incluían monografías de carteles de la II Guerra Mundial. Carteles de propaganda, de tiempos de guerra, a lo largo de mi vida habré pasa-

do horas examinándolos. Lo recuerdo con claridad, no tenía más de diez años y aquellos libros llamaron mi atención. No fue hasta muchos años después, cuando ya estaba embarcado en mi carrera como diseñador, cuando me vi de niño estudiando esos libros; así me dí cuenta de que estaba inmerso en el diseño gráfico ya desde temprana edad”.

El trampolín Macromedia Corredor de fondo en su profesión, su despunte como estrella internacional se produjo en los años anteriores al cambio de siglo de la mano de su trabajo para Macromedia. Compañía a la que accedió tras una meteórica carrera, pasando en menos de un año de premiado freelance a director de arte en el gigante que extendió la tecnología Flash.

Supo exprimir al máximo aquella plataforma, de manera que obtuvo un extenso reconocimiento público además de un elevado aprendizaje profesional, fundamentalmente gracias a las altas dosis de experimentación que aplicó en aquellos años. “El recuerdo que me queda es que, indudablemente, era una gran compañía. Aprendí mucho estando en ella. Recuerdo pasar noches en vela para conseguir algún nuevo logro en Flash y recuerdo trabajar con Neville Brody, quedándome casi sin palabras al lado de semejante diseñador, cuyos libros había estudiado. Creo que en Macromedia fue donde me convertí en diseñador. No me podría considerar como tal hasta mi paso por allí”. Aquellos efervescentes tiempos, donde profesionales como él iban poniendo los cimientos de lo que hoy es el diseño en la

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web, son recordados por su parte con tremendo cariño. “Al echar la vista atrás siento excitación, emoción y sentimiento de comunidad. He crecido y ahora estoy más involucrado en el vídeo pero hace ocho o nueve años estaba muy implicado en la web. El medio era novedoso y parecía infinito; había mucha experimentación… El diseño aplicado a la web ha sufrido durante estos años una constante evolución, quizás actualmente más centrada en la técnica, aunque entiendo que los avances técnicos siempre sirven para dar un empujón al diseño. Un diseñador web se encuentra muy a menudo ante el desafío de diseñar el mejor interfaz o el sistema que se acomode con la nueva tecnología... pero me he dado cuenta de que el diseño actual parece un poco estancado”. Admirador de Charles Eames y del diseño funcional, es partidario siempre de escu-

char con humildad al cliente para aprender de él y así proporcionarle la solución más eficaz, más ajustada a las condiciones en las que su proyecto se mueve. En este sentido admite sin problema que “el cliente puede decirte cuál debería ser la clave del proyecto. Por contra, rara vez podrá ayudarte a la hora de visualizar la solución. En realidad esta es la razón por la que los diseñadores somos contratados. Esto significa que, en mi opinión y según mi experiencia, hay que involucrar al cliente en cada paso del proceso. Siempre me ha sorprendido lo que mejora un proyecto cuando hemos sabido incluir las ideas del cliente”. Para completar las premisas sobre las que fija su trabajo, reivindica el conocimiento de la tecnología por parte del diseñador. Entiende Curtis que ese conocimiento facilita la fijación de objetivos y el desarrollo de un método sobre el que cons-

truir el proyecto. “Es muy importante. Cuando digo que trato de identificar y apoyar el objetivo del proyecto en mi trabajo, significa que la tecnología tiene que dar soporte a ese objetivo perfectamente. Nunca es sólo una ‘solución visual’, el site ha de funcionar”. Partidario de equipos reducidos y contrario a la idea –tan extendida en el negocio web– de hinchar su estudio a base de tocar todos los palos posibles olvidando el cuidado de los detalles y el compromiso con el producto, su método de trabajo para grandes proyectos pasa por unir esfuerzos con colaboradores que aporten conocimientos particulares o, directamente, empotrarse en los departamentos implicados del cliente. “Mi compañía es muy pequeña y siempre lo ha sido. Así que trabajamos en un proyecto o dos, como mucho, a la vez. No hay muchas

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reuniones en marcha. Nos sentamos cerca los unos de los otros y si alguien necesita una rápida revisión u opinión, simplemente preguntamos”.

Web y vídeo en la misma pantalla Su trabajo como diseñador web siempre ha estado muy volcado en dar soluciones que traduzcan de forma clara lo que el cliente quiere transmitir, dando prioridad al carácter comunicador por encima de las consideraciones personales de estilo. “A la hora de enfrentarme a un nuevo encargo, sobre todo si es un trabajo web, trato de averiguar cuál es la motivación de la compañía o del producto. Después, intento comunicarlo en cada píxel. Encontrar el motivo que mueve cada proyecto es como pintar una diana en la pared que tienes delante, siem-

pre sabrás dónde tienes que apuntar. Trato de justificar cada decisión de diseño a través de este objetivo. Siempre he pensado que el diseño ha de servir a un propósito. Adoro las cosas que son hermosamente simples y funcionan bien. Es lo que siempre he intentado hacer en mis trabajos, las tendencias van y vienen y actualmente apenas sigo modas. Para mí el objetivo siempre será hacer algo funcional, tanto interactiva como temáticamente. En el caso de un film o un spot, puedo ser un poco más abierto. Me gusta dejar que elementos incontrolables como el clima, la localización o la química entre los actores influya en el proyecto”. En la actualidad, aunque sigue aportando su profundo conocimiento de la web para ciertos proyectos, como su reciente trabajo para la Metropolitan Opera de Nueva York, lo

que ocupa la mayor parte de su tiempo es la videocreación. Lo mismo aplica su reconocible punto de vista en puesta en escena y edición a cortometrajes narrativos que a spots comerciales para clientes como Rolling Stone, Blackberry o el centro educativo The Getty Villa. En este ámbito destaca, dentro de su producción, su Artist Series, documentales de metraje reducido dedicados a grandes nombres del diseño como Milton Glaser, Stefan Sagmeister, Paula Scher o David Carson, entre otros. “Empecé la serie con Sagmeister. Acababa de comprar una cámara de vídeo y coincidimos viajando juntos para dar una conferencia. Llevé la cámara y filmé a Stefan durante el camino. Tenía horas de metraje pero me di cuenta de que nadie iba iba a ver un film tan largo, así que lo monté en una pieza de siete minutos, lo que se ha converti-

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do en mi rutina de trabajo”. De esta interesante propuesta, que está disponible a través de su web, Curtis ha extraído lecciones importantes. “De Milton aprendí que puedes permanecer en activo y tener relevancia en nuestro campo durante muchos, muchos, años. De Stefan aprendí cómo nutre su creatividad… siempre hace bocetos en cuadernillos y es muy disciplinado en cuanto a lo que es trabajo creativo y trabajo administrativo. Paula tiene una mente muy activa. Siempre está pensando, siempre alerta… de forma que hace bocetos constantemente. Sus ideas fluyen del lápiz al papel… nunca hay un ordenador de por medio. Carson es pura intuición… Sé que da muchas vueltas sobre el concepto y el contenido, pero el modo en el que estructura su trabajo, que es profundamente hermoso, parece totalmente intuitivo”. l

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Bancos de imágenes: el mundo en un ‘click’ En un primer momento podríamos pensar que la democratización de la fotografía, propiciada por la llegada al ámbito doméstico de cámaras digitales semiprofesionales y la proliferación de sitios web donde compartir gratuitamente imágenes de calidad, acabarían con los bancos de imágenes. Sin embargo, éstos han sido mucho más ingeniosos que las compañías musicales y, además de intentar llevar a su terreno (y archivos) a los fotógrafos aficionados con más talento, han hecho de internet su gran aliado en lugar de su enemigo. La web es hoy el hábitat natural de los archivos de imagen, que ofrecen el mundo con sólo hacer “click”. VIDIMENTS www.vidiments.com

SHUTTERSTOCK http://www.shutterstock.com

Archivo de imágenes radicado en España y especializado en satisfacer las necesidades gráficas de los profesionales de la publicidad, tanto interactiva como impresa, gracias a su amplia variedad de temas. Opera de manera independiente y, aunque en ocasiones acepta la realización de fotografías por encargo, su oferta se centra en las más de treinta mil imágenes libres de derechos de su catálogo, disponibles on-line a través de su página web. Disponible en tres idiomas (español, inglés y catalán), permite búsquedas por palabras clave y temáticas sin necesidad de registrarse, pero este paso es indispensable si se desea obtener imágenes en baja resolución para bocetar o comprarlas para su uso comercial. A la hora de la contratación, Vidiments ofrece suscripciones temporales de uno, tres o seis meses que permiten descargar miles de imágenes con un único pago cuya cuantía, abonable en euros, libras o dólares, depende de la duración de la suscripción elegida. Sin embargo, los que quieran comprar una sola imagen encontrarán las tarifas detalladas claramente en la web, que también cuenta con un apartado en el que se invita a los fotógrafos que quieran ser parte de Vidiments a que manden sus trabajos.

Más de ocho millones de fotos libres de derechos disponibles en una web accesible en una decena de idiomas (inglés, español, francés, alemán, portugués, japonés, italiano, ruso, holandés y chino). Sus temas abarcan desde negocios y finanzas, hasta animales y naturaleza, sin olvidar arte, educación, salud, interiores, deportes, transporte, celebridades y así hasta treinta categorías diferentes. Las imágenes pueden consultarse sin necesidad de registro mediante búsqueda por palabra clave, tema, orientación, con derechos de imagen, color, etc. Se pueden descargar para bocetar y adquirir directamente a través de la web mediante diferentes planes de suscripción, que pueden contratarse mediante tarjeta de crédito o transferencia bancaria. Además, para promocionar su fondo y fidelizar a sus visitantes, Shutterstock ofrece cada semana una fotografía y una imagen vectorial gratis. Junto a su oferta de imágenes fijas, la compañía pone a disposición de sus clientes a través de www.footage.shutterstock.com, más de cien mil clips de vídeo, disponibles en diferentes calidades que abarcan temas como arte, negocios, gente, religión, ocio y deporte, o famosos, entre otros. Su operatividad es prácticamente similar a la del archivo fotográfico, pudiéndose crear selecciones personales de vídeos por parte de

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los usuarios como sucede con las cajas de luz en imagen fija. En todo caso, y si aún así surgiera cualquier duda al respecto, siempre es posible acudir a la sección de Preguntas Frecuentes en la que se tratan la práctica totalidad de las dudas que se puedan suscitar del uso de Shutterstock.

LATINSTOCK www.latinstock.es

PHOTONONSTOP www.photononstop.com

Fundado en 1986 en París, Photononstop ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos e incorporar soluciones destinadas a facilitar a sus usuarios la búsqueda y compra de imágenes libres de derechos o derechos protegidos. Unas innovaciones que se iniciaron con la publicación de la revista trimestral Recreation, alcanzaron su máxima cota con la aparición de internet y continúan en la actualidad incorporando servicios como el pago on-line con tarjetas de crédito y Paypal, la creación de un perfil en la red social Facebook y la incorporación de la herramienta Cooliris para la mayor visualización de las imágenes durante la búsqueda. Disponible en cuatro idiomas y presente en cincuenta países, Photononstop ofrece más de tres millones de imágenes procedentes de catálogos como Júpiter, World Portraits, Fancy, Juice Images, Science Photo Library, Author’s Image, Denkou u ojo Images, además del trabajo de cuarenta fotógrafos asociados. Un material que abarca un amplio abanico de temas y que es de libre acceso para labores de consulta a través de motores de búsqueda rápida o búsqueda avanzada, pero que requiere de registro en la web para poder descargar imágenes sin marca de agua para bocetar.

Los archivos de Latinstock contienen más de cien millones de imágenes, aunque sólo (si es que cabe esta expresión cuando se trata de semejantes cantidades) seis millones de ellas están disponibles en su web. Una página de fácil empleo que permite iniciar la búsqueda desde su misma portada (sin necesidad de registrarse o de tener que acceder a otras secciones), por medio de palabras clave, color o blanco y negro, formato, etc., aunque también se puede solicitar que los profesionales de Latinstock localicen la fotografía deseada según los criterios y necesidades del cliente. Dispone de fotografías libres de derechos y derechos protegidos, destacando en este apartado la “Colección Premium” y “The Gallery Collection” en las que se incluyen fotografías de, por ejemplo, Andy Warhol, Ansel Adams, archivo Playboy o Conde Nast y obras de Miró, Dalí, Chagal, Gauguin, Bacon y otros maestros de la pintura. Previo registro, es posible descargar imágenes en baja resolución para bocetar aunque, si se dispone de la calificación de Cliente Cualificado, las imágenes pueden ser descargadas en alta. Desde Noviembre de 2008, Latinstock también gestiona las colecciones de fotografías y películas de Corbis (disponibles a través de la página principal del banco o directamente desde www.corbis.com) así como servicios de gestión de música, derechos de imagen de famosos y contenido audiovisual de cine y televisión pues, no en vano, una de los pilares en los que se asienta Latinstock es en la Seguridad Jurídica respecto a la adquisición de derechos, que evita a sus usuarios problemas ulteriores relativos al uso de los materiales elegidos para sus trabajos.

iSTOCKPHOTO www.istockphoto.es

Archivo de imágenes fotográficas, ilustraciones, vídeo y audio disponibles on-line a través de una web en inglés, español, francés, italiano,

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japonés, ruso, polaco y portugués, en sus variedades portuguesa y brasileña. Cinco millones de archivos, todos ellos libres de derechos, repartidos en temas como arquitectura, animales, arte y entretenimiento, negocios, gente, celebraciones, vacaciones, conceptos, comida, bebida, salud, viajes, objetos, equipamiento y ciencia, que pueden ser localizados según palabras clave, tipo de archivo, forma, color, categoría, etc. Cuenta también con la opción Best Match 2.0 que, gracias a un algoritmo, “aprende” de las búsquedas anteriores del usuario y de sus elecciones pasadas. El acceso a las imágenes en baja resolución es libre, aunque es necesario registrarse para descargar archivos con marca de agua para bocetar o adquirir las imágenes. Éstas, mediante un sistema de suscripciones, están disponibles desde 1$, con diferentes formas de contrato: una licencia estándar para uso en folletos, revistas, webs, presentaciones, etc., y una licencia extendida que permite el uso ilimitado para objetos de consumo o aparatos electrónicos. iStockphoto cuenta, además de con su página web, con una oficina en Berlín desde donde profesionales especializados resolverán, en diferentes idiomas europeos como el alemán, español, italiano, francés e inglés, las dudas que les surjan a los usuarios.

Privilege User que debe de ser concedida por la propia compañía. La compra de las imágenes se puede realizar on-line a través de diferentes tarjetas de crédito y el sistema Paypal. Esta última opción es una muestra más del interés por parte de Iberimage de adaptar las nuevas tecnologías a su empresa. Algo que no sólo ha hecho en lo referente a las formas de pago sino que también está presente en el archivo de las imágenes, que pueden ser geolocalizadas gracias al sistema Google Earth, en la resolución de dudas y problemas a los usuarios a través de un chat, en el envío de noticias y novedades a través de una newsletter o la puesta en marcha de un canal propio en Youtube. Por último, y además de las imágenes disponibles en la web y sus archivos off-line, Iberimage confecciona reportajes a petición del cliente.

GTRESONLINE www.gtresonline.com

IBERIMAGE www.iberimage.com

Autodenominado como “el mayor banco de imágenes de España y Portugal”, la página web de Iberimage se presenta en tres idiomas: español, alemán e inglés. Su fondo, principalmente de fotografías de derechos protegidos, está formado por seiscientas mil imágenes, sesenta mil de ellas disponibles on-line. Pueden ser consultadas a través de una búsqueda de palabras clave o seleccionando diferentes regiones o puntos geográficos de un mapa. La temática de las mismas se focaliza en asuntos relacionados con España y Portugal, aunque también acoge reportajes relacionados con el turismo, el vino, la gastronomía y los monumentos de sesenta países del mundo. No es necesario registrarse para consultar los archivos pero, si se desean descargar imágenes para bocetar, se precisa de la calificación de

Para el usuario que carezca de cuenta abierta con Gtresonline, la web de este banco de imágenes empieza y acaba en su página de inicio, en la que tan solo constan los datos de contacto de la empresa, un logotipo, unas cuantas imágenes y un formulario en el que escribir los datos de usuario y la contraseña para acceder a otro nivel de información. Sin esta identificación es imposible buscar la imagen que se necesita entre los tres millones de fotografías royalty free y derechos protegidos de temática variada que la compañía afirma tener en sus archivos y tampoco es posible descargar imágenes en baja para bocetar pero, aún teniéndolo, las gestiones relacionadas con el pago y la contratación no pueden hacerse on-line. Una curiosa forma de estar en internet, difícil de comprender para aquellos usuarios que creyeron que la red se había inventado para hacer la vida más sencilla.

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constante crecimiento gracias a las fotografías que realizan por propia iniciativa o, previo encargo, siguiendo indicaciones de un cliente. Sus temas, accesibles mediante búsqueda por palabra clave o nombre de la colección, abarcan sectores como la agricultura, la alimentación, la informática, el ocio, la economía, el deporte, naturaleza, transportes, etc. Si bien no es necesario registrarse para consultarlas, sí que es necesario hacerlo para descargar imágenes para bocetar o comprarlas, gestión que ha de hacerse mediante ingreso o transferencia bancaria.

GODOFOTO.NET http://www.godofoto.net

FOTOSEARCH www.fotosearch.com

Godofoto es un “servicio de documentación fotográfica” activo desde 1962. En sus más de cuatro décadas de vida, Godofoto ha ido adaptándose a todas las novedades técnicas que demanda el sector. De esta forma, igual que las diapositivas dieron paso a los archivos digitales, sus catálogos impresos dieron paso a la página web, en la que es posible encontrar más de dos millones de imágenes de derechos protegidos, procedentes de más de quinientas agencias que abarcan todo tipo de temas excepto actualidad. Disponible en español e inglés, la web permite búsquedas por palabras clave, temas o nombre de fotógrafos sin necesidad de registrarse en ella, aunque sí es necesario para acceder a imágenes en baja resolución, para bocetar o adquirirlas on-line. También ofrecen un servicio personalizado de búsqueda, así como un trato individualizado a cada uno de sus clientes, en el que destaca el ajuste de costes según sus necesidades y posibilidades presupuestarias.

GC STUDIO FOTOGRÁFICO http://www.archivofotos.com

GC es un estudio de fotografía radicado en Barcelona especializado en generar imágenes para uso editorial, agencias de publicidad, y estudios de diseño desde hace más de 20 años. Su página web, disponible en español, incluye más de 12 mil imágenes, tanto royalty free como derechos reservados. Una cantidad en

A diferencia de otras compañías, que utilizan una misma página web para todos los usuarios independientemente del lugar del que accedan, Fotosearch ha preferido crear tantos sitios en Internet como países en los que la empresa está implantada. Una inteligente decisión que, aunque no influye en la forma de gestionar sus fondos o asuntos administrativos, de cara al usuario transmite una sensación de cercanía. A esta deferencia para con el cliente se suma la de ofertar los contenidos de esas webs, además de en el idioma oficial del país, en los más hablados en la zona de actuación de la web –como español e inglés en el caso de la web de Estados Unidos, francés, flamenco y alemán en la de Bélgica o francés, alemán e italiano en la de Suiza– y la de disponer de un servicio 24 horas de atención al cliente. Junto con los sistemas de búsqueda rápida y búsqueda avanzada, Fotosearch oferta a sus usuarios un servicio gratuito en el que editores expertos seleccionan las imágenes que más se adaptan a las necesidades de los clientes de entre los más de cinco millones disponibles en formato, jpeg, tiff, eps y vectorial, a las que hay que sumar los más de ochenta mil archivos de vídeo en baja, media, alta resolución y HD. Dispone de imágenes libres de derechos y de derechos gestionados procedentes de más de cien catálogos como Photo Alto, Banana Stock, Ojo Images, Corbis, Image Source, Digital Vision, y que cubren un variado espectro de temas como negocios, familia, animales, naturaleza, arte, niños, belleza, salud, religión, juventud, fondos y texturas. Estas imágenes pueden ser descargadas en resoluciones de 72 y 150 dpi para bocetar, previa inscripción en la web, y adquiridas de forma individual o en Cds temáticos a través de compra on-line con tarjeta de crédito, Paypal, transferencia bancaria, entre otros medios de pago.

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¡Lo encontrarás todo! 5 millones de fotos, ilustraciones, vectores, vídeos y datos de audio. Encuentra lo que buscas en todo momento. Y desde un euro. www.istockphoto.es

FOTOLIA www.fotolia.com

FERY PRESS http://www.ferypress.es

Por sus fondos, casi seis millones de contenidos –entre los que se encuentran fotografías, vídeos e imágenes vectoriales–, y su implantación a nivel internacional –once oficinas repartidas por diferentes países–, Fotolia se ha convertido en uno de los bancos de imágenes más importantes del mundo. Su página web, disponible en diez idiomas diferentes, entre los que se encuentran el chino, el japonés y el polaco, da acceso a todo ese acervo en unas inmejorables condiciones, que permiten la adquisición de imágenes desde 0,14 euros y resoluciones (aunque no necesariamente en el ejemplo antes descrito) de hasta 30 megapixeles. Especializado en imágenes libres de derechos, sus temáticas son de lo más variado pero siempre sin olvidar que van dirigidas a clientes de sectores profesionales relacionados con la creatividad o el mundo editorial. Su búsqueda puede realizarse, entre otras muchas, por categorías conceptuales, por el tipo de archivo, por el tipo de licencia, tamaño, orientación y, por supuesto, a través de una palabra clave. En este aspecto, Fotolia adjunta en su web un léxico organizado alfabéticamente con objeto de informar al usuario de cuáles han sido las palabras elegidas por la compañía a la hora de etiquetar las imágenes. Un sistema que evita búsquedas infructuosas provocadas porque el concepto solicitado por el cliente, aunque sea sinónimo del que consta en la base de datos, no es exacto a él. El acceso a las imágenes es libre, cuando se trata de búsquedas, pero requiere de registro si se desea descargar imágenes destinadas a realizar bocetos o para su adquisición definitiva. Esta adquisición puede realizarse on-line, a través de un sistema de créditos, por medio de un sistema de compra individual, o con subscripciones temporales que permiten una bajada ilimitada de imágenes durante el tiempo que dure la misma.

Banco de imágenes especializado en derechos protegidos con alrededor de dos millones de fotografías en sus archivos, cuarenta mil de ellas disponibles on-line. La búsqueda puede realizarse por temas o palabras claves y para ello no es necesario registro alguno. Sí lo es para descargar imágenes para bocetos o para comprarlas. En estos casos es necesario llamar por teléfono o remitir un mail a los responsables, quienes proporcionarán las claves de acceso y darán las instrucciones necesarias para realizar el pago, no siendo posible hacerlo de forma automática a través de la web. Entre sus agencias representadas se encuentran DPPI, Sutton Motorsport Images, Sea and See, Frederich Strauss y Oasis, que surten a la web de imágenes de temas variados como cocina, motor, deportes, jardinería o publicidad. Destaca especialmente por sus particularidades y variedad el apartado Historia y arte en el cual es posible encontrar imágenes en blanco y negro de diferentes procedencias, épocas y temáticas y cuyas posibilidades de uso van más allá de lo publicitario o comercial.

DIGITAL BANK www.digitalbank.es

Para acceder al archivo de Digital Bank es necesario pasar antes por una página de sencillo diseño en la que se nos da la posibilidad de seguir adelante y conocer los contenidos de dicho banco de imágenes

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o desviarnos a otro de sus servicios: el Arxiu Fotogràfic de Barcelona. Un archivo al que también se puede llegar desde la página principal de Digital Bank y cuya importancia hace que merezca ser destacado, entre otras muchas cosas, por contener imágenes relacionadas con Barcelona desde 1839 hasta 2004. Una vez dentro de la página principal, que se presenta por defecto en español, el usuario tiene la posibilidad de cambiar este idioma por el catalán o el inglés antes de comenzar su búsqueda entre los más de dos millones de imágenes libres de derechos que conforman el archivo. Una búsqueda abierta u organizada por galerías según los diferentes catálogos disponibles, para la que no es necesario registrarse, aunque sí lo es cuando se desea descargar alguna de las fotografías, bien gratuitamente si se emplea para bocetar o previo pago, si es para su adquisición, y cuya gestión se puede hacer directamente on-line. Además de la compra de imágenes de forma individualizada y “al detalle”, Digital Bank oferta también Cds temáticos con imágenes procedentes de sus agencias representadas como Photo Alto, Imagesource, Food Colletion, Westerd31, Phovoire, Iconotec y Monkey.

ALBUM www.album-online.com

Archivo exclusivamente de imágenes con derechos protegidos. Fotografías procedentes de diferentes agencias, entre las que se encuentran Adoc-photos (especializado en los orígenes de la fotografía desde finales del siglo XIX y principios del siglo XX), Akg-images (archivo histórico con más de 400.000 imágenes), Axel y Zuma Press (imágenes de actualidad de famosos de Inglaterra y E.E.U.U.) y Album, que da nombre al archivo y está especializado en cine y TV, desde 1895 hasta los estrenos más recientes. En total, 5 millones de fotografías de las cuales un millón está disponible en internet y cuyo acceso es gratuito sin necesidad de registrarse, aunque sí que hay que cumplir con este trámite si se desea ver las imágenes a mayor tamaño o descargarlas para bocetar. Las fotografías en alta resolución para su uso definitivo también pueden ser descargadas a través de la web, pero el pago no se puede hacer on-line, por lo que es necesario ponerse en contacto con los responsables del archivo y acordar el uso de la imagen, las tarifas y la forma de pago.

AGE FOTOSTOCK www.agefotostock.com

Sencilla y rápida. Así es la web de age Fotostock. Disponible en español, francés e inglés, permite iniciar la búsqueda de las imágenes que se desean desde su portada, sin necesidad de entrar en otras secciones de la misma. Una búsqueda que puede realizarse según el tipo de cesión de derechos (derechos protegidos o royalty free); criterios de imagen (horizontal, blanco y negro, etc.); categorías temáticas (negocios, conceptos, naturaleza...); por palabra clave, autores e incluso por la denominación “bajo coste”, gracias al servicio Low Budget Royalty Free, en el que se incluyen fotografías de diversos temas a precios reducidos. Más de 7 millones de fotografías en alta resolución procedentes de las más importantes agencias del mundo que pueden ser consultadas sin necesidad de registro, requisito que sí es necesario para descargar imágenes para bocetar. En este caso las imágenes se presentan con marca de agua reducida y una resolución de 540 x 360 píxeles, pero los usuarios que dispongan de una cuenta de Cliente Preferente en age Fotostock pueden descargarlas libres de marca de agua y a mayor resolución, concretamente, hasta 1 Mb en derechos protegidos y 500Kb en royalty free. El registro también habilita para obtener un presupuesto que abarca todos los usos de las imágenes seleccionadas, adquirirlas on-line previo pago mediante tarjetas de crédito y descarga de dicho material en ficheros de hasta 50 Mb. Por último y aunque el desarrollo de internet ha dejado obsoletos los catálogos de imágenes impresos, age Fotostock aún mantiene algunas de estas publicaciones que pueden ser solicitadas a la compañía a través de su página web. l

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Faber&Faber Ochenta años en portadas La editorial Faber&Faber celebra sus ochenta años de existencia con la publicación de un libro en el que recoge algunas de sus mejores portadas. Más de doscientas páginas y varios cientos de magníficos ejemplos del mejor diseño gráfico realizado durante el siglo XX y lo que llevamos del XXI. Texto: Eduardo Bravo

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En contra de lo que pueda parecer por el nombre de su editorial, Faber no hay más que uno, concretamente Geoffrey Faber, que consideró que la repetición de su apellido en la denominación de su empresa resultaría más atractiva y comercial cuando, depués de abandonar su trabajo en Oxford University Press y haber fundado junto a Lady Gwyer Faber&Gwyer, decidió emprender en solitario la aventura de la edición, allá por 1929. Para ello contó con la ayuda de destacados profesionales como T. S. Eliot –quien, además de atraer a la compañía a destacados poetas del momento como Ezra Pound, W. H. Auden, Philip Larkin o Ted Huges, edita-

ría en Faber obras como Tierra Baldía o Asesinato en la Catedral–, y Berthold Wolpe que se encargaría del diseño de las portadas a partir de 1941. Nacido en Offenbach (Alemania), Berthold Ludwig Wolpe destacó desde muy joven por su calidad como diseñador y tipógrafo. Profesor de la escuela de arte de Frankfurt apenas estrenada la veintena, antes de cumplir los 30 ya era autor de una de las tipografías más importantes del siglo XX, la Albertus, habitual de las cubiertas de Faber&Faber. Tras el ascenso al poder del partido nazi al poder, Wolpe abandona Alemania y fija su residencia en Inglaterra, donde entra-

ría en contacto con el tipógrafo Stanley Morrison y comenzaría a trabajar como diseñador para la editorial Fanfare Press hasta que el estallido de la II Guerra Mundial provocó que las autoridades británicas lo deportasen, junto a otros muchos extranjeros que residían en el país, a Australia, de donde no se le permitiría regresar hasta 1941. Ese año, Faber&Faber, que hasta entonces había solucionado las labores de diseño de sus libros con personal freelance como Rex Whisler, McKnight Kauffer, Paul Nash o Barnett Freedman, decide contratar a Wolpe, que disfrutaría de total libertad creativa, excepto en lo referente a la elección de los papeles, primero por cuestiones deri-

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vadas del desabastecimiento provocado por la guerra y, finalizada ésta, por cuestiones económicas y empresariales que aconsejaban no utilizar papeles blanqueados porque los libros expuestos en las librerías se ensuciaban y deterioraban con más facilidad. A diferencia de Penguin, que optó por unas retículas y códigos de color muy estrictos y cerrados para diferenciar sus colecciones, las características estéticas de Faber&Faber resultan dificiles de establecer a consecuencia de la fuerte personalidad y autonomía de decisión de Wolpe que no dudaba en, por ejemplo, seguir encargando trabajos a artistas freelance, utilizar su tipografía Albertus en la casi totalidad de las por-

tadas de la compañía, jugar con sus diferentes cuerpos sin prestar mucha atención a las jerarquías o realizar innovaciones que no siempre agradaron a los escritores en cuyos títulos aparecieron. Este es el caso de Lawrence Durrell que, descontento con la portada de Justine, perteneciente a su Cuarteto de Alejandría, y en la que aparecía la huella de una mano que siempre se rumoreó pertenecía al hijo de Wolpe, cruzo duras misivas con el diseñador criticando y poniendo en duda la calidad de su trabajo. En 1975, Wolpe se jubila, dejando su puesto a Matthew Evans quien, cinco años después, aprovechando el cambio de década, decide que es necesario transformar la

imagen de la compañía. Una complicada labor que prefiere poner en manos de un estudio de diseño independiente. La responsabilidad recaerá en Pentagram, que propone una renovación que rompe totalmente con la línea desarrollada por Fabber&Faber hasta la fecha y en la que la libertad tipográfica o la ausencia de retícula desaparecen para dar paso a reglas más restrictivas a la hora de determinar dónde deben ir los nombres de los autores, el título de la obra y otras informaciones relevantes. A pesar de que estas nuevas directrices no acaban de convencer a la compañía, que en la década de los 90 optará de nuevo por diseñar sus portadas desde su departamen-

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to interno, Pentagram aportará a Faber&Faber un nuevo logotipo magníficamente diseñado y muy reconocible, que se convierte rápidamente en el distintivo de la compañía. Hoy, ochenta años después de su fundación, Joseph Connolly ha recopilado en Eighty years of book cover design la historia de Faber&Faber a través de sus portadas. Un magnífico libro de más de doscientas páginas –distribuido en nuestro país por otra de las grandes editoriales inglesas: Penguin– que además del caso concreto de Faber, repasa la evolución de buena parte del diseño editorial desarrollado a lo largo de casi todo el siglo XX y lo que llevamos del XXI. l

Interpretación de Harlem Jazz, Winold Reiss, (CA 1925).

Jazz Magazine, (Barcelona 1925).

Un siglo de jazz y diseño gráfico El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) acoge hasta el próximo 18 de octubre una muestra sobre la que tal vez haya sido la música más importante del siglo XX y cuyas ramificaciones e influencias alcanzaron al mundo de la pintura, de la comunicación comercial y del diseño gráfico. Texto: Eduardo Bravo

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Tras su paso por el Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto y por el Musée du quai Branly de París, llega a Barcelona El Segle del Jazz. Una ambiciosa exposición que repasa la que muy posiblemente haya sido la música más importante que haya dado el siglo XX, al menos, a la vista de su influencia en otras artes adyacentes como son la pintura, la poesía, la novela, el cinematógrafo y, cómo no, la comunicación comercial y el diseño gráfico. Aunque siempre se asocia al diseño gráfico con las portadas de los discos, en el caso del jazz la relación entre ambas disciplinas

Jim Flora, (1947).

Michel Gyarmathy, (1927).

surgió mucho antes de la aparición de los soportes sonoros. Cuando las compañías discográficas aún no habían comenzado a vender discos, incluso cuando dichas compañías ni siquiera se habían fundado, existían las editoriales musicales cuya actividad era comercializar las partituras de los éxitos del momento. Un material que solía presentarse en cuadernillos de pocas páginas pero, eso sí, con una portada alegórica al cantante o al tema en cuestión y una contraportada en la que se anunciaban otros títulos disponibles en el catálogo. Más tarde, como explica Catherine de Smet en el primero de sus dos

King Zulu, Basquiat, (1986).

textos contenidos en el magnífico catálogo que acompaña a la exposición, las discográficas comenzaron a ver la necesidad de vestir sus productos de una forma más atractiva a como lo hacían hasta entonces. De esta forma, sustituyeron los álbumes genéricos en los que tan solo aparecía el perro Nipper sentado atento ante la bocina de un gramófono de la casa Victor o las Notas Mágicas de Columbia, por portadas llamativas, coloristas y que incorporaban buena parte de las innovaciones que, en el campo de la pintura, fotografía o tipografía, estaban en boga en ese momento.

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Sin ir más lejos, Alex Steinweiss, contratado por Columbia para renovar la imagen de sus discos, seguía a pies juntillas las directrices enunciadas por Jean Tschichold en Die Neue Typographie, publicada en 1928.

De la racionalidad a la locura Tras Steinweiss entra en escena Jim Flora. Un joven diseñador en paro aficionado al jazz que decide mandar a la compañía Columbia una muestra de lo que él considera que debe de ser la comunicación visual en

Público y privado, Larry Rivers, (1983-84).

I like Jazz, diseñador desconocido, (1955).

el campo de la música. Apadrinado por el propio Steinweiss, más partidario de la música clásica que del jazz, Flora es contratado en la discográfica donde desarrollará portadas míticas como Mambo for cats, Gene Krupa and his Orchestra, The panic is on, además de diseñar e ilustrar CODA, la revista interna de la compañía y los catálogos que esta envía a sus clientes para informarles de las novedades. A esta revolución conceptual, estética y técnica, le seguirá, una década más tarde una nueva ola que sustituirá la racionalidad de las teorías de Tschichold, la impresión

Jim Flora, (1947).

en colores planos y las ilustraciones, por innovaciones gráficas, experimentación tipográfica, uso de impactantes fotografías e impresión en cuatricromía. Es la edad de oro de los nuevos sellos como Riverside, Pacific Jazz, side, Atlantic y, por supuesto, Blue Note que revolucionó las portadas de los discos gracias al talento del tándem formado por el diseñador Reid Miles y el fotógrafo, y socio del sello, Francis Wolff. Una pareja que asentó las bases del grafismo discográfico desarrollado en las siguientes décadas y que, salvo honrosas excepciones como las del sello alemán ECM, apenas

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sufrió modificaciones o innovaciones dignas de mención. Hoy, más de un siglo después de que el jazz echase r, buena parte de este material al que hacíamos mención, junto con carteles, revistas y cuadros de artistas que en un momento u otro de su carrera se sintieron interesados en el jazz, como Tàpies, Larry Rivers, Bob Thompson o Massimo Rotella, se expone hasta el próximo octubre en Barcelona. Una magnífica oportunidad para descubrir o redescubrir una música que, aunque es historia, sigue plenamente vigente y en constante evolución. l

La intimidad de Mariscal Del trabajo de Javier Mariscal, o del Estudio Mariscal, hay bibliografía sobrada y se diría que casi omnipresencia. No es una crítica, guste más o menos, su figura ha sido el embajador de nuestro diseño, y hay que reconocerle generosidad y entrega en esa labor. Cuando te cuentan que se va a editar un libro sobre su trabajo, lo primero que uno piensa es que será “otro” libro más. No, no es otro libro más.

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Mariscal Sketches es un volumen de dos kilos de peso, tapa dura y papeles exquisitos, formato espectacular y una impresión de las que hacía tiempo que no veíamos. Puede parecer desproporcionado para un libro de capricho. La sensación es la de que éste es el libro que Javier quería hacer. No es este un libro ni de autopromo ni de factoría. Ni el de su editor, Nova Era, ni el de sus socios de estudio. Y por tanto sorprende. “Son dibujos. Y son dibujos que me han ayudado a vivir y, muchas veces, a ser muy feliz dibujándolos. Me gusta el proceso del dibujo. Siempre he pensado que dibujando todo lo que me rodea, tomando apuntes, entiendo mejor el mundo en el que vivo”. Así narra su relación con lo que hace: dibujar para entender, no para explicar.

Y a partir de ahí, desgrana los trampantojos con los que juega, “cuando dibujo del natural, muy rápidamente y concentrado, me siento una máquina de dibujar. Y soy feliz. Siempre tienes que hacer trampas. Quiero decir, que aunque quieras dibujar perfectamente y muy realista un cactus, por ejemplo, es imposible dar toda la información de los miles de millones de células, matices, detalles, brillos, pinchos, pieles, tramas y flores que tenga el cactus real. La realidad es muy barroca y hay demasiada información. Dibujando, lo que haces es fijar el ‘eso’, la esencia, de lo que es un cactus”. Los bocetos y los procesos despiertan siempre una curiosidad morbosa, es algo que saben los editores y saben los autores. No es un secreto que, como recurso, para las publi-

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caciones muchas veces se crean a posteriori y el lector es cómplice del engaño, que resulta evidente. Pero no es el caso, posiblemente porque al autor no le ha hecho falta. “Tratas de comerte el objeto que tienes delante con los ojos y llegas a un momento muy curioso: una vez que el dibujo empieza a coger forma, pasas ya del objeto y tratas de salvar el dibujo. El apunte, el sketch, toma vida propia y tiene que ser más interesante que el modelo”. Y es a partir de entonces cuando aparece en el ideario de Mariscal el espectador, al que concede un papel activo: “en un apunte tienes que conseguir que los otros entiendan y disfruten del cactus y digan: Mira qué listo soy. He visto cuatro rayas y he entendido perfectamente lo que es: un cactus. Así, el espec-

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tador tiene una descarga de adrenalina y de autoestima positiva. El dibujante se hace más rico, rico en experiencias compartidas, aprende a comunicar mejor, es más ‘buena persona’”. Cuando habla y cuando escribe, a Mariscal se le desliza con frecuencia la palabra felicidad. Es como una obsesión que le aflora inconscientemente, una felicidad que no tiene que ver con el dinero, ni con los grandes asuntos de la vida, para él esta más cerca de las cosas pequeñas y lo aparentemente intrascendente. El material recogido tiene poco que ver con lo que acumulamos en la memoria del trabajo de Mariscal. Evidentemente, el trazo es característico y algunos elementos lo son también –los Garriris, los paisajes urbanos, los retratos– pero en el conjunto

uno se da cuenta de que frente a lo que conocemos, donde el trabajo de equipo y los procesos de aplicación le dan un aire de continuidad, de estandarización, aquí encontramos un Mariscal más primario, más intimista. Tanto, que a veces algunos dibujos no parecen suyos, del Mariscal que conocemos. La estructura del libro, sin ser férrea, sí guarda un orden temático: El viaje a África con Barceló, en el que llama la atención la fuerte influencia que éste ejerce: Mariscal, consciente o no, imita el trazo y la cromía del pintor como si viajar juntos significara crear juntos también. “Me gusta recuperar estos recuerdos y publicar los dibujos, porque son como las fotos sin retocar de un viaje, y sobretodo me acuerdo de que allí con muy poco disfrutaban mucho”. Otra vez, la felicidad como referente.

La grafía, que entiende como un elemento dibujado. Es la parte más próxima a su perfil de diseñador, la más profesional. Quizá en los resultados, pero no en la actitud: “Las letras son como los pinos. Si están solas o agrupadas adoptan una actitud muy diferente. (…) Las letras ascendentes y las descendentes. Las que tienen serif. Que es como una nariz, una astilla, un grano o un bulto. (…) Las familias que son de palo seco son mucho más serias, son muy eficaces. Se dejan leer muy bien. Algunas son tan palo seco, tan secas, que no saben ni saludar”. Hay mucho más en el libro. Las selvas, que en realidad son texturas, los pinos, las ciudades, las caras, las sillas… pero eso son otras historias que merece la pena descubrir y disfrutar de primera mano, en cada página. l

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EXD’09 / Lisboa Menos es mejor Este septiembre arranca Experimenta Design, la bienal de diseño portuguesa. Su última edición fue en 2005, pues la que tenía que haberse celebrado en Lisboa en 2007 debió ser cancelada repentinamente al haberle retirado el apoyo un alcalde con pocas luces. Y es que, además de ser uno de los eventos internacionales más interesantes sobre diseño, otro de sus grandes atractivos es que muestra la belleza de Lisboa a espuertas. Por Tachy Mora

En todo este tiempo su directora, Guta Moura, ha hecho malabares para que Experimenta Design siguiera en la brecha. En 2008 obtuvo apoyo para celebrar el evento en Ámsterdam (Holanda), al tiempo que preparaba la edición de 2009 en Lisboa al haber recuperado el respaldo del ayuntamiento tras el cese del alcalde obtuso. Experimenta Design vuelve a la carga con su habitual poderío. No podía ser de otra manera. “No se puede ir a menos cuando se tiene entre manos un acontecimiento internacional como éste, no queríamos hacer algo más pequeño y sin el apoyo de la ciudad sólo por estar ahí un año más. Cancelarlo fue una

decisión muy difícil”, nos explicaba la propia Guta cuando se presentó el programa de esta edición el pasado mes de julio. Una edición que además celebra el décimo aniversario del evento y que versará sobre el tiempo: It’s about time. Desde su primera edición en 1999 Experimenta Design ha proyectado una imagen impecable de Portugal. Sobre todo, por la calidad de su programa. Algo que se presupone a un evento de este tipo pero que ya se sabe, por otras experiencias de eventos similares en otros países, que no siempre es así. Muchas convocatorias sobre diseño tienen un programa muy flojo. A veces por falta

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de apoyo económico, pero la mayoría de las veces por falta de un buen comisariado. Algo que es posible que esté ligado entre sí, o no. Esto en Experimenta Design no pasa. Por un lado, su programa destaca por ofrecer proyectos y conceptos originales, impulsando incluso su creación. Es decir, no se limita a recopilar diseños ya existentes sino que también promueve y genera contenidos propios. Su intención es propiciar intersecciones e interrogantes y estimular el debate crítico, más allá de recopilar y mostrar lo que se está haciendo en el mundo del diseño. Por otro lado, el equipo de Moura busca intensamente sus patrocinadores para poder

Exposición Quick, Quick, Slow. Emigre.

Exposición Quick, Quick, Slow. Graphic thought facility.

Exposición Quick, Quick, Slow. Max Huber.

Exposición Quick, Quick, Slow. Edward Fella. Titulos: Nick Bell y Rebecca Mendez.

financiar que el nivel sea de diez. Este año cuenta con la compañía del sector energético Galp, la Caixa Geral de Depósitos y la empresa de seguros Tranquilidade entre otros tantos sponsors y colaboradores. Pero, además, lo realmente bueno de Experimenta Design es que no se ha limitado a un público especializado sino que ha querido llegar también al público general. La manera de conseguirlo ha sido abriéndose a la ciudad. Quien se haya hecho todo el programa de Experimenta Design edición a edición ha ido descubriendo una Lisboa fascinante. Interesantes edificios desconocidos o bellos palacios en

plena decadencia a punto de ser rehabilitados han acogido sus exposiciones y eventos. Espacios que de otra manera quizá nunca hubieran sido abiertos al público o que el extranjero nunca se hubiera acercado a conocer. Sin duda este evento ha ofrecido una imagen de Lisboa desconocida y sobre todo nos ha mostrado el espectacular cambio que ha dado la ciudad en los últimos años. Con este atractivo escenario y siguiendo sus implacables objetivos de promover la cultura contemporánea a través de la discusión y la reflexión, Experimenta Design reunirá este año en Lisboa a profesionales de la

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talla de los diseñadores Peter Saville, Konstantin Grcic o Michael Young, personalidades del mundo del diseño como la directora del área de diseño del MoMA, Paola Antonelli, el gurú Giulio Cappellini o una de las mejores plumas sobre diseño y ex directora del Design Museum de Londres, Alice Rawsthorn. Alrededor de 260 profesionales relacionados de una manera u otra con el diseño participan en esta edición, incluyendo españoles como Martín Azúa o Nacho Carbonell. Aunque el evento durará hasta el 8 de Noviembre, su semana inaugural tendrá lugar entre el 9 y el 13 de septiembre. A lo

Exposición Pace of Design. Michael Young. Bici Cityspeed.

Exposición Pace of Design. Harmanos Campana. Silla Cafe.

Exposición Pace of Design. Ichiro Iwasaki. movil para llda.

largo de estos días se concentra un intenso programa que incluye debates por las mañanas, conferencias en mitad del día, eventos paralelos a mitad de tarde y la inauguración de sus cuatro exposiciones más importantes a ritmo de una por noche. Suerte que se va descubriendo Lisboa por el camino, porque el programa no contempla nada de tiempo libre. Eso sí, el tiempo a lo largo de esta semana estará escrupulosamente gestionado haciendo honor al tema de esta edición, que analiza el tiempo como materia, recurso y desafío. ¿Cómo pensamos el tiempo hoy, como una experiencia subjetiva o un concepto

Exposición Pace of Design. Ichiro Iwasaki. Cafetera para Pyrex.

socialmente definido? ¿Es un bien de lujo o una moneda de cambio básica? Son algunas de las preguntas que lanza al aire la actual edición de Experimenta Design. ¿Cómo pueden los creadores contemporáneos reconciliar la velocidad de nuestro quehacer cotidiano con la necesidad de reflexión? ¿Es posible desarrollar un concepto de “diseño basado en el tiempo”? ¿Cómo abordar las dimensiones subjetivas y emocionales del tiempo? A esto y mucho más, tratará de dar respuesta la bienal. “De alguna forma, todo en nuestras vidas se relaciona con el tiempo, pues se trata de un recurso esencial para cualquier

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persona o actividad. Valoramos el tiempo, lo ahorramos, lo gestionamos, lo combatimos. Para unos, el tiempo nunca parece suficiente; para otros, el tiempo sobra. Con la constante aceleración de la vida contemporánea y la globalización, la comunicación sucede en tiempo real, las decisiones son instantáneas y la resolución de problemas se reduce a improvisaciones de última hora, en lugar de soluciones sostenibles. En un mundo al borde del colapso ambiental y financiero, existe una necesidad urgente de actuar. Pero, ¿pensaremos antes de actuar? Es hora de concentrar esfuerzos en una reflexión madura y en una estrategia de

Exposición Lapse in Time. Fernando Brizio. Painting with Giotto.

Exposición Lapse in Time. Julien Carretero. Floreros Drag.

Exposición Lapse in Time. Tal Gur. Silla Mesh.

cambio consistente. It’s About Time”, reza su manifiesto. La bienal contará con hasta setenta eventos y con la participación de unos 260 profesionales del mundo del diseño. Su programa al completo se puede consultar en la web www.experimentadesign.pt. Aparte de las conferencias y debates de la semana inaugural, el programa contempla cuatro grandes exposiciones que son el plato fuerte de la bienal. Una de ellas, “Quick, Quick, Slow”, versará íntegramente sobre diseño gráfico. Comisariada por Emily King, la muestra propondrá una historia alternativa del diseño gráfico en la relación con el tiem-

po y las nociones de movimiento, mostrando la creciente importancia de los medios digitales en el diseño gráfico. Analizará las influencias e impactos entre el grafismo impreso y el animado así como las ingeniosas soluciones encontradas por los diseñadores de los siglos XX y XXI. De las experiencias tipográficas modernistas pasando por el diseño dinámico de los años 50, los cambios filosóficos extremos de finales de los sesenta y los adelantos tecnológicos de los años 90. En el área gráfica, otra de las contribuciones especiales con las que cuenta Experimenta Design es con la colaboración

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estelar de Ian Anderson. El creador de The Designers Republic, uno de los estudios de comunicación visual más influyentes de los últimas dos décadas, se ha encargado de la dirección creativa de toda la bienal. Una colaboración de lujo, ahora que Anderson además acaba de dar el cerrojazo a The Designers Republic con el objetivo de volver a sus orígenes y empezar de nuevo formando un estudio más pequeño. “Pace of Design” será el título de otra de estas grandes exposiciones que explorará la dimensión subjetiva del tiempo y su impacto en el proceso proyectual mostrando el ritmo y las fases de trabajo de

Exposición Timeless. Anwar Jahangeer. Tienda movil.

Exposición Timeless. Tsai. Estudio Litera.

siete estudios y talleres de diseño de todo el mundo. Comisariada por Tulga Beyerle, la muestra analizará cuál es la influencia de las especificidades locales en las prácticas creativas y cómo les afecta la globalización. La pregunta lanzada al aire es ¿Cuánto vale una hora en San Francisco, Tokio o São Paulo? “Lapse in Time” será, por su parte, la exposición dedicada a los nuevos creadores que huyen del actual ciclo de producción que se limita a repetir variaciones de modelos ya existentes donde la actitud dominante impone fabricar, vender y vuelta a empezar. Situados en el extremo opuesto a esta ten-

dencia, estos jóvenes diseñadores buscan, más que producir objetos, generar contenidos a través de la innovación y la transgresión de los límites de la elasticidad creativa. Se trata de jóvenes diseñadores que comparten una perspectiva extrema del diseño de producto en convergencia con el arte, la ciencia y la sostenibilidad. Una muestra comisariada por Hans Maier-Aichen. Por último, “Tímeless” girará en torno al mensaje principal de la bienal. Versionando la conocida frase del arquitecto Mies van der Rohe “Menos es más”, Experimenta Design reivindicará su particular “Menos es mejor” sobre la idea de que la

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palabra menos pueda adquirir hoy una carga positiva en lugar de ser una mera restricción. Esta exposición tratará de proponer nuevas ideas, conceptos y estrategias que de una vez por todas materialicen la crítica al consumismo exacerbado y el llamamiento al ahorro de recursos energéticos y ambientales que desde hace mucho tiempo forman parte ya del discurso político, económico y mediático de la sociedad contemporánea. Propuestas que deberán implicar menos recursos, sistemas de producción menos complejos y formas de distribución más simples. Menudo reto, sólo por esto ya merece la pena ir a Lisboa este septiembre. l

Entrevista a Guta Moura, Directora de Experimenta Design

Guta por PedroClaudio.

Tu e-mail diciendo que se cancelaba Experimenta Design 2007 nos dejó de piedra ¿Qué paso? Se canceló porque el ayuntamiento retiró todo su apoyo. Todo fue por una mala gestión del alcalde. Unos meses después su propio partido le quitó del puesto. No fue algo que afectó sólo a Experimenta Design, también a otras áreas y eventos. Por eso, por ejemplo, Moda Lisboa se celebra ahora en Cascais. Fue un descalabro total. ¿Nunca pensaste en llevarla a cabo aunque fuera sin el apoyo del ayuntamiento? Podríamos haber hecho una Experimenta Design más pequeña pero cuando tienes un acontecimiento que es una referencia mundial no puedes hacer eso. Tienes que mantener la calidad. El mercado, además, es muy competitivo. No podíamos ir a menos. Fue una decisión muy difícil. Por otro lado, también pensábamos que no se podía hacer una Experimenta Design sin la complicidad que ha tenido siempre con la ciudad, que es uno de los puntos fuertes del evento. ¿Y entonces qué hiciste? Cuando se canceló la edición de 2007 tuvimos que cerrar Experimenta Design. Pero cinco meses después de cancelarse nos llamaron desde Ámsterdam interesándose por celebrar la bienal allí. Empezamos a trabajar con Amsterdam en septiembre de 2007, justo cuando se tenía que estar celebrando la edición de

Lisboa. Al mismo tiempo, además, empezamos a hablar con el nuevo alcalde de la ciudad para retomar la bienal en nuestra ciudad de origen. Nos hubiera gustado mucho que el testigo lo hubiera cogido España. Una Experimenta Design en Madrid o Barcelona hubiera sido fantástico. Pero se adelantó Ámsterdam y finalmente se celebró allí en 2008. ¿Qué va a pasar entonces con Experimenta Design, va a abrir la puerta definitivamente a otras ciudades? Ahora mismo estamos trabajando para hacer la bienal en Brasil. Nos gustaría hacer una conexión con otra plataforma continental. São Paulo es una ciudad de referencia y entre nuestras dos culturas hay una gran relación. Para Experimenta Design es muy interesante estratégicamente hacer algo fuera del ámbito europeo porque una experiencia de este tipo ayuda a cambiar las perspectivas y más si variamos de contexto de una manera tan fuerte. Me parece también que puede ser muy estimulante para nosotros tomar ahora una dirección totalmente inesperada. Ámsterdam, Brasil… ¿Se va a convertir en una franquicia? No, no podemos hacer eso. Hacer una Experimenta Design es una cosa muy compleja y muy energética que no se puede hacer como si fuera una franquicia. No se pueden hacer muchas Experimenta Design al mismo tiempo. Si por ejemplo se tratara de Europa, cada Experimenta Design que tuviera lugar tendría que ser muy diferente porque el público es muy exigente. También por la proximidad, porque quien viene a Lisboa podría ir a Ámsterdam o Londres y no se le puede ofrecer siempre el mismo contenido. Pero si lo hacemos cambiando de plataforma continental, sí que podemos rentabilizar recursos y hacer que los contenidos preparados para Lisboa se puedan adaptar y actualizar para ser mostrados en una Experimenta Design en Brasil, por ejemplo. ¿Tiene algo que ver el concepto del tiempo de esta bienal con el movimiento Slow? No está íntimamente ligado pero claro, cuando se trata un tema como es el tiempo, se te ponen encima de la mesa dos perspectivas: ser más lento o ser más rápido. Todo el tema del Slow Food y el Slow Design es algo que se podría conectar con la bienal pero nosotros no hemos trabajado en la idea del ir más lento sino en la de utilizar el tiempo de una manera mejor. Pensamos que en el siglo XXI no puedes parar la velocidad. No puedes decir: “Ahora voy y me quedo Slow”. La solución tiene que ser otra. Ha sido muy curioso porque todas las propuestas que hemos tenido por parte de los diseñadores

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no iban por el camino de ir más lento sino en la idea de repensar el tiempo. Y para ti ¿qué es el tiempo, un bien de lujo o una moneda de cambio? Personalmente he descubierto que para mí ahora es un bien de lujo. Me busco mis momentitos del día donde pueda concentrar muchas energías, momentos de felicidad, de satisfacción personal y todo eso. Y después, trabajo duro, trabajo duro, trabajo duro. ¿Qué otras cosas haces además de Experimenta Design? He sido recientemente la coordinadora del programa de Arte Contemporáneo en Algarve. Tenía doce exposiciones, fue como una pequeña Experimenta Design pero en el campo del Arte. También estoy como consultora de diseño estratégico en un proyecto que se llama Make it Better, que está siendo desarrollado por los diseñadores La Granja, Pedrita y Miguel Viera Baptista. Se trata de un nuevo concepto de mobiliario de bajo presupuesto. La propuesta consiste en invitar a diseñadores a crear cosas para gente que verdaderamente tiene muy poco dinero, tan poco que ni siquiera puede ir a Ikea. Este septiembre va a empezar a ser comercializado. ¿Transformar “menos en mejor” es el legado que vamos a dejar a la siguiente década? Sin duda. Menos es mejor. Tenemos que aprender a regestionar los recursos energéticos, intelectuales, medioambientales… todos. Cuando en Experimenta Design decimos menos, no estamos hablando de utilizar menos recursos sino de gestionarlos mejor. No hace referencia sólo a lo material. Es algo que está ahora muy presente y que va a afectar a nuestro futuro más inmediato. Era algo, además, de lo que ya nos dábamos cuenta pero que ha sido potenciado por la crisis. Los diseñadores tienen un papel fundamental en todo esto porque es una disciplina extremadamente flexible, con una capacidad extraordinaria para leer el contexto y abrir la mente a los cambios. Los diseñadores trabajan de una forma muy transversal, teniendo en cuenta perspectivas éticas, medioambientales, sociológicas… El diseño va a ser una disciplina fundamental para el siglo XXI. ¿Qué vamos a descubrir en Experimenta Design 2009? Una de las cosas más fascinantes de esta bienal es que aunque hoy hemos presentado el programa —el pasado julio—, en realidad aún no sabemos muy bien cómo se van a desarrollar ciertas cosas. Todo está en manos de los comisarios y de la gente que invitamos a participar. Nosotros les ponemos a trabajar sobre un tema, pero de lo que se vaya a hablar por ejemplo en los debates no sabemos aún nada. Cada edición siempre hay cosas que son un interrogante. Como algunas de las propuestas están en desarrollo hasta el último minuto, no sabemos aún cómo serán. Es muy curioso, incluso para mí. l

Biblia-Misal (Comprada en el Mercado de los Encants).

Notas sobre el canon del diseño ¿Qué tienen en común el Boletín Oficial del Estado, la portada de Sticky Fingers, el logo de Fedex o los títulos de crédito de la película Fahrenheit 451? Todos ellos son algunas de las referencias clave de cuatro destacados diseñadores gráficos de la ciudad condal. Cada uno de los invitados a la tertulia Top 10, organizada recientemente el Club de Creativos en el Disseny Hub Barcelona, tenía que seleccionar diez trabajos que marcaron o influenciaron su trayectoria profesional. Estos trabajos podían variar desde un logotipo o una identidad corporativa, hasta una tipografía o una portada de disco, un cartel o una revista. Como bonus track final, cada diseñador enseñaba un trabajo personal. A lo largo de dos horas, Mario Eskenazi, Albert Folch, Astrid Stavro y Mucho (Pablo Juncadella y Marc Català) explicaron, desde la mayor subjetividad, las razones de cada una de sus selecciones. Texto: Astrid Stavro La ocasión de escuchar a estos cuatro ponentes exponer sus referencias e influencias en un mismo acto es un lujo que no se presenta cada día. El formato de conferencia en la que un diseñador gráfico presenta sus trabajos es un ‘dèja vu’. Pero la oportunidad de ver cómo estos diseñadores desvelan sus referencias y rinden homenajes a sus maestros, explicando desde una perspectiva profesional el porqué de su criterio, convirtió a este evento en un verdadero caramelo. Conocer las influencias de otros diseñadores a los que admiramos produce, por resumirlo en dos palabras, mucho morbo. Cuando me propusieron formar parte de la tertulia acepté encantada. Compartir la cartelera con diseñadores a los que aprecio y admiro era no sólo un honor, sino una oportunidad única para intercambiar opiniones y

aprender. También me daba mucha curiosidad ver si coincidiríamos en algo, si las referencias serían antiguas o modernas, si serían más o menos obvias, si descubriría algo que no conozco... El resultado fue positivo en todos los sentidos. Lo que más me sorprendió, y en esto coincido con las opiniones a posteriori de algunos de los otros ponentes, no fueron tanto las selecciones en sí, sino el perfil particular de cada una de ellas. La selección final nos hizo sufrir a todos. ¿Qué dejar fuera y por qué? ¿Qué tiene éste , que éste otro no tiene? ¿Por qué ‘vale más’ éste que el otro? ¿Qué mensaje quiero comunicar? ¿Qué tono le voy a dar? Destilar la esencia de la historia del diseño gráfico y nuestras trayectorias profesionales en diez proyectos emblemáticos no fue nada fácil. Fue un ejercicio de reflexión personal que consistía en tra-

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zar el árbol genealógico de nuestra forma de pensar y trabajar. Estas cuatro listas deberían representar qué tipo de diseñadores somos o, por lo menos, de qué agua nos gusta beber.

Albert Folch “No soy nada mitómano” “Creo que el resultado final respondió perfectamente al perfil de cada uno de nosotros”, opina Albert. “Astrid me dejó perplejo por la cantidad de referencias increíbles que mostró, dando fe de su meticulosidad y perfeccionismo estético/conceptual de su trabajo. Mucho fueron mucho más académicos, no me sorprendieron sus referentes, pero sí demostraron el porqué de su buena ejecución en su trabajo. La presentación de Mario Eskenazi me resultó muy tierna, reflejando su dilatada expe-

Los Top 10 de Albert Folch Folch Studio (www.albertfolch.com) 1. Biblia-Misal (Comprada en el Mercado de los Encants) 2. Fotografía: Anuschka Bommers & Niels Schumm 3. Publicación: Boletín Oficial del estado (B.O.E.) 4. Corporativo: MOOG (Josep Bagà) 5. Arte Contemporáneo: Ignacio Uriarte 6. Industrial: Rietveld House 7. Dirección de arte: Cornel Windlin, catálogos de Vitra 8. Editorial: The Sunday Times Magazine, (1968) 9. Ilustración: Martin Morck 10. CD: Stereolab, Emperor Tomato Ketchup Bonus Track: Libro del FAD

The Sunday Times Magazine”, (1968).

“Boletín Oficial del estado”, (B.O.E).

riencia en la profesión. Me sorprendió, más que por los referentes de antaño, por los de hoy día. Me parece que oír hablar de Daniel Eatock por alguien como él significa tener una gran dosis de sensibilidad por lo nuevo, por lo distinto, y eso le hace más grande”, concluye. Al no ceñirse exclusivamente a diseño gráfico, los Top 10 de Albert fueron los más amplios en su concepción. Sus referencias incluían fotografía, ilustración, arquitectura y arte. Lo que más me gustó fue su forma de mostrar los elementos en común que comparten todas las disciplinas creativas. Sobre las fotografías de Anuschka Bommers y Niels Schumm, por ejemplo, explicó que “el ejercicio que han hecho ellos podría partir del briefing de un diseñador gráfico que les encarga una campaña de comunicación. Para mí es la misma forma de pensar”.

“Lo que intenté en todo momento fue mostrar una selección mucho más subjetiva de mis inspiraciones, sacrificando referentes mucho más reconocibles por otros mucho más íntimos y personales”, explica, “lo realmente complicado fue encontrar la frontera entre lo íntimo y lo absurdo”. Los referentes que más me llamaron la atención fueron precisamente éstos, trabajos seleccionados no por su diseño sino, todo lo contrario, por su falta de diseño. Rescatar estas piezas me pareció un ejercicio sano y entrañablemente poético. Del Boletín Oficial del Estado, por ejemplo, comenta que “en su interior no hay ninguna intención pero ésa es precisamente la gracia, además cumple perfectamente su función”. Y sigue con la BibliaMisal que compró en el Mercado de los Encantes por un euro. “El que la diseñó no era

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un diseñador gráfico sino un tío que trabajaba en la imprenta y a mí eso me llama mucho la atención”. Algo parecido ocurre con el diseño del Sunday Times Magazine (1968) “Igual es precioso precisamente por las limitaciones técnicas. Al no tener ninguna herramienta digital y tener pocos recursos de composición tipográfica y fotográfica, al final las soluciones son muy simples y muy sinceras”. La dirección de arte de Cornel Windlin para los catálogos de Vitra encaja perfectamente con esta forma de pensar. En estos catálogos Windlin “enseña un producto caro, de lujo, en la más absoluta normalidad (...) No hace falta que tengas toda la casa de super lujo pero sí puedes tener alguna pieza, algún capricho. En este sentido yo creo que hace un favor muy importante (...) Los papeles suelen ser pobres, no son satinados o estucados brillantes, le saca

El País de las Tentaciones.

“The Guardian”, (rediseño de David Hillman). Portada de “New Order”, Peter Saville.

mucho provecho a materiales muy rústicos y no caros”. Como bonus track, Albert enseñó el libro del FAD, uno de los trabajos emblemáticos de su estudio y merecedor de un Trofeo Laus en el 2008. Explica que fue “muy complicado darle una intención de diseño que tenga cierta coherencia con su contenido, porque contenido no tiene más allá de que es un álbum de cromos de todos los diseñadores del FAD (...) Cortar un libro es un pecado para un diseñador gráfico pero en este caso está muy justificado”.

Mucho “El diseño gráfico es un lenguaje” La selección de Mucho fue de las más obvias en sentido icónico, pero resultó muy intere-

sante entender cómo y por qué cada uno de estos iconos ha influenciado (y sigue influenciando) su trabajo. Quizá esta falta de intención conceptual en cuanto al tono de la selección hizo que esta presentación fuese de las más directas y transparentes. Pablo explicó que “muchas veces diferimos en cuanto a nuestra influencias pero sí que hay ciertas verdades absolutas. Este Top 10 son cosas que para nosotros son verdades absolutas”. Marc añade que “son referencias muy reales y muy presentes en el día a día, especialmente cuando atacamos proyectos”. Entre las “verdades absolutas” estaban el logo de Fedex, las portadas de George Lois para Esquire, MüllerBrockmann, y la portada de Peter Saville para New Order, entre otros. De éste último se declaran “fans absolutos”.

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Me llamó la atención un comentario que hizo Marc mientras explicaba otra de las selecciones, el rediseño de Penguin de Jan Tschichold de quien admiran su capacidad de reinventarse y cuestionarse constantemente: “Últimamente o desde hace algún tiempo, una de mis obsesiones es cómo desaprender las cosas que sé, porque de alguna manera me parece la única manera de aprender de nuevas, porque empiezo a tener manías y me preocupa tener manías, porque empiezo a hacer las cosas de la misma manera”. Quizá la selección más interesante y sorprendente fue la del japonés Kenya Hara. Incluir a un diseñador oriental refleja una considerable apertura de miras. Lo que les fascina es la cantidad de registros distintos que se encuentra en su trabajo, algo que Mucho intenta hacer en su propio trabajo

Portada de “Esquire”, George Lois, (años 60).

“BIG”, Vince Frost.

Müller-Brockmann.

Logotipo Fedex.

Los Top 10 de Pablo Juncadella, Marc Català Mucho (www.mucho.ws) 1. Logotipo Fedex 2. Penguin (Rediseño de Tschichold) 3. Müller-Brockmann 4. The Guardian (rediseño de David Hillman) 5. Portada de New Order, Peter Saville 6. Portadas de Esquire, George Lois, (años 60) 7. Kenya Hara 8. BIG, Vince Frost 9. El País de las Tentaciones 10. Colors, Tibor Kalman Bonus track: Biosca & Botey Kenya Hara.

para “no aburrirnos y no aburrir a los demás. “Es pluridisciplinar en el sentido más amplio de la palabra”, explica Pablo, “cada pieza es una poesía que en el mundo occidental no sé si entendemos”. Marc añade que “la cultura japonesa, con esta obsesión por la perfección, les lleva a un nivel de intención en los proyectos que para mí es superior”. Entre la selección de trabajos editoriales estaban, entre otros, Colors, El País de las Tentaciones, Big y The Guardian. Refiriéndose al rediseño de The Guardian, Pablo explica que “hay un antes y un después de este periódico, y es algo que no podía haber pasado sin la relación de confianza entre un editor y un director de arte, algo que en prensa se da muy poco”. Esto es justo lo contrario de lo que ha pasado con el mítico El País de las Tentaciones, un proyecto que ense-

ñan, explica Marc, como “una reivindicación, ya que estamos muy tristes con lo que ha pasado con esta publicación”. Sobre Colors, Marc explica que “si existe un lenguaje grafico, que sí que existe, Tibor Kalman dominaba a nivel fotográfico la secuencia de imágenes de una forma increíble. (...) Cuenta historias como lo pueden hacer una película o un libro”. El bonus track de Mucho es el gran trabajo que han hecho para Biosca & Botey a lo largo de tres años, una temporada que definen como “un matrimonio feliz”. Mostraron las distintas formas de reinterpretar gráficamente la iluminación a través de campañas globales de comunicación, escaparates y catálogos. “Picamos mucha piedra”, explica Pablo. Mientras se ganaban la confianza del cliente pudieron “ir exprimiendo la naranja” poco a poco, convirtiendo a la comunicación de

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Biosca & Botey en un verdadero referente a nivel nacional.

Mario Eskenazi “No me interesa el trabajo efímero” Como era de esperar, Mario puso los puntos sobre las íes, en todos los sentidos. Al contextualizar cada uno de los trabajos seleccionados en un tiempo, lugar, y momento específico en la trayectoria de cada diseñador, resultaba fácil entender la grandeza conceptual y formal de cada uno de los proyectos. El orden cronológico se basaba en “cómo yo los he ido recibiendo”. Empezó diciendo que “para mí fue difícil preparar este Top 10 porque llevo vividos los últimos 40 años de la historia del diseño gráfico, he pasado por todas las corrientes desde al año 60 hasta hoy.

La Cantatrice Chauve, Robert Massin, (1954).

Sticky Fingers (The Rolling Stones), Andy Warhol, (1971).

Iconos MAC, Susan Kare, (1982).

Hacer el Top 10 que figuraría en los libros me pareció que ya existe. Cualquiera abre un libro de diseño y está Müller-Brockmann, Paul Rand...”. Explicó que un Top 10 debería incluir desde los jeroglíficos egipcios hasta la Biblia de Gutenberg pero “mi decisión fue poner trabajos que me hayan impresionado desde que yo empecé a trabajar hasta hoy. Me impresionaron por calidad, excelencia, fuerza y durabilidad (...) y a día de hoy son válidos”. El amplio abanico de Mario empezó en el año 1954 con la puesta en escena tipográfica de Massin para la Cantatrice Chauve de Ionesco. Nos lleva al año 1963, a la película From Russia with Love. De los títulos de crédito de Robert Bownjohn comenta que “una cosa que para mí es importante en todo trabajo es la economía de medios”. Pasamos a

The Beatles, Richard Hamilton, (1968).

1968, el apogeo del reinado de los Beatles. “Los Beatles tenían portadas soberbias, eran el grupo más conocido y Richard Hamilton dijo: a ustedes no les hace falta nada, y ése es el disco con la portada blanca”, comenta Mario. “Hasta el día de hoy me gustaría hacer algo así, blanco, la nada, o sea, diseño que no contamina, donde el diseño es la idea”. Pasamos a 1971, a la portada Sticky Fingers diseñada por Andy Warhol para los Rolling Stones “La cremallera de Mick Jagger era de verdad, se bajaba... pero para mí la maravilla es la idea, los Rolling Stones eran sexualidad y la figura sexual era Mick Jagger” y, a continuación, a 1982 y a la aparición de los primeros iconos de los ordenadores Mac: “Una de las cosas que me sorprendió cuando empecé a usar ordenadores fueron estos iconos (...). De pronto descubro que hay una señora que es dise-

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ñadora gráfica de píxeles y que con píxeles hace maravillas. (...) Se pueden hacer iconos que no sean obviedades sino ideas. La bomba no existía hasta ese momento, la basura nunca había sido así, hasta el día de hoy creo que son los mejores iconos”. Eskenazi también eligió la comunicación gráfica del restaurante Florent, Nueva York, 1986-1990. “Tibor Kalman es un diseñador, pero es un pensador del diseño. Su intención es, aparte de provocar, recuperar lo cotidiano. (...) Para mí todo eran poemas visuales”. Después pasamos de Scott King al emblemático póster de Sagmeister para su conferencia en Cranbrook en 1999 (“todas esas letras son un acto de amor al diseño”), la identidad de Big Brother, 2000-2007: “Daniel Eatock me parece una de las personas más inteligentes que hay en este momento en el

Los Top 10 de Mario Eskenazi Mario Eskenazi (www.m-eskenazi.ws) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

La Cantatrice Chauve, Robert Massin, (1954) From Russia with Love, Robert Brownjohn, (1963) The Beatles, Richard Hamilton, (1968) Sticky Fingers (The Rolling Stones), Andy Warhol, (1971) Iconos MAC, Susan Kare, (1982) Florent, Tibor Kalman, (1986-1990) Joy Division (1998), The Rolling Stones (1998), Elvis Presley (2003), Scott King 8. Aiga, Cranbrook, Stefan Sagmeister, (1999) 9. Big Brother, Daniel Eatock, (2000-2007) 10. Frieze Art Fair, Graphic Thought Facility, (2003-2009) Bonus Track: BCNeta!

Florent, Tibor Kalman, (1986-1990).

Big Brother, Daniel Eatock, (2000-2007).

mundo del diseño”, es increíble “cómo a partir de un ojo hizo un sistema”. Por último, la identidad para el Frieze Art Fair diseñada por Graphic Thought Facility en el año 2000. “Para mí GTF son los diseñadores más importantes de los últimos 15 años. Aparte de ser soberbios en sus ejecuciones, en el conocimiento técnico, las ideas, las realizaciones... son inimitables. Cada trabajo que hacen es un mundo diferente y se sabe que es de ellos”. El bonus track de Mario es la emblemática identidad de BCNeta! Explica que “el diseño es fundamentalmente una idea, no me interesa que se note nada decorado, quiero que sea invisible... Siento que lo que tengo que hacer tiene que ser limpio, transparente, no invasor, que se note pero que no se vea o que se vea pero no se note y que se integre en el medio”. Un equilibrio que ha solucionado a la

Joy Division, Scott King, (1998).

Big Brother, Daniel Eatock, (2000-2007).

perfección tanto con este proyecto como con su sucesor, la nueva identidad de Barcelona pel Medi Ambient.

Astrid Stavro “Los mejores trabajos basan la forma en el contenido” Lo que me interesaba era no mostrar, como dijo Mario en su introducción, las obviedades que se encuentran en cualquier libro sobre la historia del diseño, para eso están los libros. Quizá la particularidad de mi selección es que decidí enfocarla alrededor de un sólo tema: libros (portadas, colecciones y libros completos, a excepción de los título de crédito ‘hablados’ de la película Fahrenheit 451). Contrastar un libro con un póster o un logotipo me pareció que sería como mezclar peras

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Aiga, Cranbrook, Stefan Sagmeister, (1999).

con olmos. Por otro lado, el formato libro se adecuaba perfectamente a lo que era la esencia de mi mensaje: los mejores trabajos basan la forma en el contenido. En algunos hay una fusión total entre forma y contenido y, en otros (quizá los más interesantes), el rol del diseñador va más allá que la forma, convirtiéndolo en autor o editor. Lo que tienen en común todos estos trabajos es que son soluciones sencillas e inteligentes a problemas más o menos complejos. Todos ellos comparten una misma forma de pensar. Son trabajos que me hubiese encantado hacer y que consulto más o menos regularmente en el día a día del estudio. Lo que he intentado, sobretodo, es cuestionar y ampliar la lista de lo que consideramos iconos del diseño. Hay libros técnicamente perfectos que son casi como libros

Baghdad Calling, Armand Mevis & Linda van Deursen, (2008).

The Dictionary of Visual Language, Philip Thompson & Peter Davenport, (1980).

Unforgettable Imges that Changed our Lives, Peter Davenport, (2003).

Point it, Dieter Graf, (1992). Penguin Education, Derek Birdsall, (1971-1972).

The Book of Common Worship, Derek Birdsall, (2000).

de Tschichold, y reflejan la importancia de los acabados y de los materiales adecuados en diseño editorial, como The Book of Common Worship diseñada por Derek Birdsall y John Morgan en el año 2000. La fusión tipográfica entre lo moderno y lo clásico en esta Biblia es ejemplar. Hay libros brillantes por su sencillez y perfección conceptual, como Point It, un diccionario visual con fotos de todo lo que un viajero pueda necesitar. Este libro encarna uno de los pilares del diseño gráfico: comunicación total y funcional que no tiene fronteras y que se entiende por igual por todos y en todo el mundo. Hay libros que consiguen una perfecta comunión entre forma y contenido, como Baghdad Calling, una crónica fotográfica de la guerra de Irak, impresa sobre papel prensa, que narra la historia a través de foto-

grafías sacadas con los teléfonos móviles de los refugiados iraquíes. Hay libros históricos que definen su momento tanto por su contenido como por su diseño. Es el caso de Ways of Seeing de John Berger, diseñado por Richard Hollis en 1972. Un libro que demuestra cómo los mejores, libros son el resultado del esfuerzo colectivo entre editor y diseñador, donde el rol del diseñador va mucho más allá que la simple forma del libro. Hay colecciones enteras, como Penguin Education diseñada por Derek Birdsall, que mantienen la personalidad e individualidad de cada título y al mismo tiempo tienen presencia y coherencia como colección. Hay libros enteros concebidos, editados y diseñados por diseñadores gráficos. The Dictionary of Visual Language ayuda a comprender las posibilidades del diseño gráfico e ilustra la

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gramática del diseño mediante ejemplos de trabajos de distintos diseñadores. Unforgettable Images that Changed our Lives hace una reflexión sociológica sobre las imágenes que forman parte de nuestra memoria visual colectiva. Es increíble cómo, con tan solo simples pies de página y sin una sola imagen, Peter Davenport nos recuerda el enorme impacto que tienen la fotografía, el arte, y el diseño gráfico. Mi bonus track fue un trabajo que no es ni nuestro favorito ni el más emblemático pero sí uno de los más recientes. En Junio la revista Creative Review nos pidió que diseñásemos la portada. El briefing era que teníamos que ilustrar los contenidos con tipografía. Decidimos grabarlos sobre chapas de plástico, con distintas tipografías para cada uno de los contenidos.

The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction, David Pearson, (2008).

Ways of Seeing, Richard Hollis, (1972).

Colección Arcoiris, Suhrkamp, Willy Fleckhaus, (1963). Los Top 10 de Astrid Stavro Estudio Astrid Stavro (www.astridstavro.com) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

Fahrenheit 451, François Truffaut, (1966).

El diseño como continua evolución Una de las cosas a destacar a posteriori, aparte de los distintos enfoques de cada ponente, es la falta de repeticiones que hubo en las selecciones de estos cuatro diseñadores. El debate sobre el canon del diseño despierta opiniones acaloradas y dispares por parte de diseñadores gráficos de todo el mundo. Sobretodo porque en realidad no existe un canon del diseño como tal, sino un consentimiento común pero en ocasiones variable sobre los trabajos que son icónicos y los que no lo son. Un canon es una lista de trabajos individuales que, según los historiadores y profesionales del diseño, reflejan los conceptos clave, técnicas o cambios filosóficos de la profesión. Son iconos visuales no tanto por su

Fahrenheit 451, François Truffaut, (1966).

The Book of Common Worship, Derek Birdsall, (2000) Point it, Dieter Graf, (1992) Baghdad Calling, Armand Mevis & Linda van Deursen, (2008) Colección Arcoiris, Suhrkamp, Willy Fleckhaus, (1963) Ways of Seeing, Richard Hollis, (1972) Penguin Education, Derek Birdsall, (1971-1972) The Dictionary of Visual Language, Philip Thompson & Peter Davenport, (1980) 8. The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction, David Pearson, (2008) 9. Unforgettable Images that Changed our Lives, Peter Davenport, (2003) 10. Fahrenheit 451, François Truffaut, (1966) Bonus Track: Portada de Creative Review, (Junio 2009)

estética, sino por el espíritu con el que fueron creados. Trabajos influyentes que no envejecen y que cambiaron los valores de su tiempo. Pero definir lo que convierte a un trabajo particular en icónico es problemático. La cuestión radica que el canon puede crear la impresión (a alguien nuevo a la profesión) de que no hace falta profundizar más, que los mejores trabajos se conocen y que no vale la pena conocer el resto. Según Rick Poynor lo que resulta alarmante no es la cantidad de diseñadores canónicos que conocemos, sino la cantidad de grandes diseñadores que desconocemos. La pregunta del millón es cómo y con qué criterio/s, entre los miles de nuevos trabajos que los diseñadores gráficos creamos cada año, sólo un diminuto porcentaje pasa a ser considerado como trabajo realmente

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emblemático e influyente, trabajo que merece un lugar sobresaliente en la historia del diseño y eso sólo se entiende cuando se estudia el contexto en el que fueron creados. Por supuesto, tanto los diseñadores invitados a esta tertulia como los otros tienen su propia percepción de la realidad y visión subjetiva de lo que significa la comunicación. A lo largo de nuestras vidas profesionales estos principios se van gestando y definiendo. Es precisamente esta diferencia la que nos enriquece. La historia del diseño debería ser un debate constante y no una serie de reglas. Todos tenemos que encontrar nuestras verdades absolutas, pero lo importante es seguir descubriendo nuevas verdades absolutas y seguir cuestionando las que ya tenemos. Como dice Mario, “el diseño, y eso lo he vivido en carne propia, es una continua evolución”. l

Vacaciones SGAE y derechos de autor Javier F. González Martín & Asociados www.javiergonzalez.org

El verano es tiempo de diversión y vacaciones. En estas fechas se celebran en toda España multitud de fiestas populares. Y dentro de éstas cobran especial atención las manifestaciones artísticas de todo tipo. Así por ejemplo, las bandas municipales y grupos similares de todos los pueblos de España amenizan los festejos tradicionales de pueblos y ciudades, los pasacalles y las fiestas patronales. Estas mismas fiestas son también escenario para la ejecución de temas de música folclórica y tradicional o para la interpretación de piezas populares de teatro. De la misma forma se multiplican los conciertos de música de todo tipo, desde artistas de primer plano comercial a las tradicionales bandas de

repertorio veraniegos que inundan con sus bolos las plazas de todos los pueblos. En fin, España entera bulle en fiestas, música, folclore y espectáculos artísticos. Hasta los pueblos más pequeños tiran la casa por la ventana en la organización de todo tipo de eventos que garanticen la diversión de sus vecinos. Pues bien, este ambiente festero repleto de manifestaciones artísticas y folclóricas es el campo abonado para poner de manifiesto lo descabellado del sistema de gestión colectiva de los derechos de autor, especialmente el de la Sociedad General de Autores y Editores. Hablemos de ello. Como sabemos, algunos derechos de autor son de gestión colectiva obligatoria,

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es decir, su cobro se gestiona por las Sociedades de Gestión Colectiva reguladas en la Ley de Propiedad Intelectual y luego éstas reparten la recaudación entre los titulares de derechos. En relación con lo que estamos hablando, las ejecuciones musicales, coreográficas o teatrales generan derechos de propiedad intelectual que han de abonar los organizadores de los espectáculos a las Sociedades de 'estión (SGAE) para que éstas lo repartan entre sus autores. Hasta aquí todo puede parecer lógico de conformidad con el sistema actual de Propiedad Intelectual. Pero una interpretación voraz y contraria a la propia Ley, en mi

opinión, lleva a unos excesos que claman al cielo. Pongamos algunos ejemplos: Recientemente ha sido publicado por la prensa que la SGAE pretende cobrar al Ayuntamiento de Zalamea de la Serena por la interpretación que anualmente hacen sus vecinos de forma altruista de la obra de Pedro Calderón de la Barca, El Alcalde de Zalamea. Como sabemos, las obras protegidas por la Propiedad Intelectual pasan al dominio público a los setenta años de la muerte de su autor y, desde ese momento, cualquiera puede servirse de ellas de forma gratuita. Pues bien, D. Pedro Calderón de la Barca descansa en paz, ajeno totalmente a esta polémica desde 1681. Las obras son por tanto de dominio público y ninguna sociedad de gestión colectiva puede esgrimir sus estatutos para cobrar derechos de autor por su utilización. Idéntica cuestión se plantea en el cordobés pueblo de Fuente Ovejuna. Sus vecinos celebran anualmente la fiesta del pueblo con una interpretación popular de la obra de D. Lope de Vega y Carpio. Al igual que en el caso anterior D. Lope de Vega y Carpio falleció en 1635 y, por tanto, esta obra es de dominio público. Por la representación de estas obras la SGAE pretende cobrar el 10 % del presupuesto de la fiesta como tarifa fijada unilateralmente (y nos preguntamos porqué no el 99 %, ya puestos). Ante las recientes protestas de los ediles de estos pueblo la SGAE aclara que por lo que cobra es por los derechos de las adaptaciones de estas obras, cosa que desmiente la Alcaldesa de Fuente Ovejuna que manifiesta que la adaptación se realiza sobre la marcha cada año por el director de turno. “Me parece un saqueo” se lamenta la alcaldesa, que piensa que todos los Ayuntamientos debieran unirse contra estos desmanes de la SGAE. Y ojalá lo hiciesen. Pienso escribirle ofreciéndole mi colaboración. Sería una cuestión interesante ver a varios Ayuntamientos reunidos plantándole cara a la SGAE por estos temas.

Pero no cesan aquí los desmanes. A la SGAE no le basta cobrar por el dominio público. Como es sabido, muchas de estas fiestas populares se nutren de repertorio de autores anónimos. Por su misma naturaleza popular, el folclore está plagado de piezas cuyos autores no se conocen. Pues bien, también la SGAE pasa factura en estos actos. Según manifiesta, por las adaptaciones, sin acreditar si existe o no esta adaptación y sin acreditar si esta adaptación tiene la originalidad suficiente para ser considerada como una obra protegible por la Legislación sobre Propiedad Intelectual. Tal es el caso de los festivales folclóricos de Jaca u Oviedo a quien esa sociedad exige cantidades por la ejecución de piezas populares. O de la Casa de la Menoria de Al Andalus, de Sevilla, a quien se le pretende cobrar 60.000 € por el uso de obras anónimas. Pero no hemos terminado. Similar desmán ocurre con las ejecuciones que realizan las bandas de música municipales formadas por aficionados que, en miles de pueblos, amenizan de forma desinteresada fiestas organizadas por los Ayuntamientos para sus propios vecinos, sin ánimo de lucro. También en estos casos la SGAE cobra el 10% del presupuesto municipal de la fiesta como tarifa fijada unilateralmente y de forma innegociable. En fin, creemos que todos estos ejemplos ponen de manifiesto la forma abusiva en la que las Sociedades de Gestión Colectiva de Derechos de Autor hacen uso de la Ley para recaudar derechos de Autor. Porque queremos repetir que no es la Ley de Propiedad Intelectual la que establece este sistema de gestión concreto sino las Sociedades de Gestión Colectiva. En resumen, a todas luces un sistema manifiestamente mejorable mediante una normativa más racional en la materia. El peor de los inconvenientes para esta modificación normativa, es que en materia de Propiedad Intelectual los gobiernos (este igual que los anteriores sin distinción de partidos) no hacen nada. Será el calor del verano. l

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Libros The 4th element

para lo cual han optado por una encuadernación en tela morada, con estampaciones en dorado en el lomo y unas imágenes lenticulares en la portada y contraportada.

Disign from here, now and beyond Artpower 256 páginas Inglés

100% European Graphic Design Portfolio Pageone 408 páginas Inglés

Display, comercial space & sign design Vol. 36 Rikuyosha 362 páginas Inglés / Japonés

Es difícil definir el contenido de este libro. ¿Es un libro sobre diseño real? Ese que puede presentarse a cualquier cliente y producir a gran escala con técnicas al alcance de cualquiera ¿O es sobre diseño ideal? Ese que se fabrica al detalle en pocas unidades y de forma casi manual. Para sus responsables, “The 4th element” es una recopilación de llamativos e interesantes trabajos promocionales de todo tipo procedentes de cualquier lugar del mundo; para el lector será una fuente de ingeniosas propuestas de comunicación comercial con sorprendentes producciones. Sin embargo, ambos estarán de acuerdo en que muchos de los trabajos de este volumen parecen complicados de llevar a cabo en procesos a gran escala. Nos referimos a esos cuadernos cosidos a mano, las encuadernaciones artesanales en fieltro, plástico y otros materiales, las cubiertas bordadas, las impresiones en serigrafía, los troqueles de hojas interiores y los estuches para libros o envases para bebidas. Trabajos que conviven en sus páginas con productos menos elaborados desde el punto de vista de la forma, pero imaginativos e innovadores en su diseño y concepto. Por último, y para que su propuesta no pueda ser tachada de incoherente, los editores de “The 4th element” han decidido presentar su libro de una forma poco usual pero susceptible de ser llevada a cabo en una producción seriada,

Enciclopédico libro en el que se recogen trabajos recientes en el campo de la señalética, diseño de interiores para tiendas y comercios, diseño expositivo y stands para ferias y congresos. A pesar de que en muchos casos este tipo de trabajos tienen un carácter efímero, es sorprendente cómo en esta disciplina, el diseño despliega una capacidad de experimentación sorprendente y unos presupuestos que, al menos aparentemente, no reparan en gastos. Esa puede ser la explicación de que muchos de los ejemplos que aparecen en este libro sorprendan por la combinación de las técnicas clásicas del diseño con las nuevas tecnologías de sectores como el vídeo, la iluminación o la arquitectura. Un libro perfecto para los diseñadores relacionados con este tipo de proyectos, que también resultará interesante para los especializados en diseño gráfico que tengan curiosidad por ver cómo se aplican los elementos gráficos de las diferentes empresas en grandes dimensiones y superficies que no tiene nada que ver con el papel u otros soportes semejantes.

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Europa ha sido la cuna del diseño contemporáneo. Desde el movimiento Art&Crafts a la renovación de escuelas como Bauhaus, sin olvidar el modernismo o el Art Noveau, Europa ha tenido mucho que ver a la hora de guiar el desarrollo de esta disciplina durante el siglo XX. Patiendo de esa premisa, los editores de “100% Graphic Design Portfolio” han querido analizar, o mejor dicho poner de manifiesto, el buen estado del diseño europeo actual, acudiendo para ello a los diseñadores más jóvenes y sus propuestas. El problema es que joven y europeo no es necesariamente garantía de buen diseño, como tampoco lo es un abundante número de páginas o una cuidada presentación a la hora de determinar la calidad de un libro. Por eso, a pesar de las buenas intenciones y la magnífica presentación de “100% European Graphic Design Portfolio”, la sensación que deja tras su lectura es un tanto insatisfactoria. Es indudable la gran calidad de muchos de los estudios representados, sin embargo, su elevado número, sumado a la poco acertada elección de los trabajos publicados, no juega a favor del resultado final. Tanto es así, que el lector llega a pensar que está ante uno de esos anuarios en los que es posible aparecer previo pago de una cuota a la editorial responsable de la publicación aunque, por lo que hemos podido averiguar, no sea así.

Retórica tipográfica

Tamara Drewe

Alberto Carrere Cuadernos de imagen y reflexión nº8 Universidad Politécnica de Valencia 134 páginas Castellano

Posy Simmonds Sins entido 272 páginas Castellano

conseguir integrarse en el conjunto de la página. Salvo esta objeción, que pasa a un segundo plano en el momento en el que el lector se zambulle en las relaciones de los diferentes habitantes de Stonefield, “Tamara Drewe” es uno de los trabajos más interesantes de los editados últimamente en el mundo del tebeo.

@Supermarket: Package designs Foods, drinks and various consumer products PIE Books 160 páginas Inglés / Japonés

Me acuerdo. Beirut Zeina Abirached Sins entido 96 páginas Castellano

A pesar de que forma parte de una colección de cuadernos editados por la Universidad Politécnica de Valencia, “Retórica tipográfica” no tiene nada que ver con ese tipo de publicaciones universitarias que responden más a las necesidades de los profesores de los diferentes departamentos para afianzar su carrera profesional, que a las necesidades científicas de la disciplina o a las demandas de conocimiento de los alumnos. La primera de sus diferencias es su cuidada presentación, en la que destaca una correcta maquetación y un muy buen uso de la tipografía, como no podía ser de otra manera. La segunda es un contenido que aborda uno de los temas clásicos del diseño gráfico no desde el punto de vista de la estética sino del de la percepción y la semiótica. Un libro de sencilla lectura que, si bien no descubre nada nuevo, aclara de forma amena muchos de los conceptos relacionados con el uso y aplicación de la tipografía. Un título cuya única pega radica en el hecho de que, a consecuencia de su breve extensión, reproduce gráficamente muy pocos de los ejemplos a los que se hace mención en el texto. Tal vez en un futuro, “Retórica tipográfica” disfrute de una edición en la que este pequeño detalle pueda ser subsanado para beneficio del libro y, por supuesto, de sus lectores.

En los últimos tiempos estamos asistiendo, por evidentes motivos de mercadotecnia, a un abuso del término “novela gráfica” para definir lo que toda la vida han sido tebeos y posteriormente cómics. Sin embargo, “Tamara Drewe” no sólo encaja a la perfección en la definición que del término novela gráfica acuñó su creador, Will Eisner, sino que incluso podríamos decir que la excede. En ocasiones, la nueva obra de Posy Simmonds funciona como un tebeo con mucha letra y, en otras, como un libro ilustrado. En ambos casos, el resultado es realmente sorprendente gracias a la maestría de Simmonds para el dibujo y su talento narrativo para urdir una trama compleja y divertida, con diferentes niveles de lectura, y que pone de manifiesto muchas de las posibilidades que posee el cómic como expresión artística. Se echa a faltar, sin embargo, un mejor uso de las tipografías por parte de la autora a la hora de separar esos diferentes niveles de lectura. Un descuido que afea el conjunto y que, por una vez, no es exclusivo de la edición española, pues ya estaba presente en la edición original inglesa. Un problema que radica en el abuso por parte de los dibujantes de tipografías digitales por resultar más cómodas que las rotuladas a mano, olvidando que, en ocasiones, y especialmente cuando nos encontramos ante un dibujo en el que tienen mucho protagonismo el trazo y las texturas, las tipografías realizadas con ordenador resultan demasiado frías, impersonales, distantes, hasta el punto de no

Si en un hipotético futuro consiguiéramos que en los lineales del supermercado aparecieran los trabajos que se recogen en este “@Supermarket: Package designs”, el acto de ir a la compra sería una actividad cultural semejante a la de visitar un museo o asistir a un concierto. De nuevo, la editorial nipona PIE Books nos sorprende con un libro en el que se recopila una muestra de diseño realizado para productos del Tomando como referencia “Me sector de la alimentación. acuerdo”, Libro de Gorge Perec Más de un centenar de magníficos inspirado a su vez en “I Remember” ejemplos procedentes de todo el de Joe Brainard, Zeina Abirached mundo, aunque con predominio de los recopila en este libro algunas de realizados en Japón por razones sus vivencias durante su infancia en obvias, presentados de una forma el Beirut asolado por la guerra. atractiva gracias a las ilustraciones Un libro que, a pesar de su vínculo realizadas con la técnica del collage con Perec, funciona más como una Natsko Seki y Taiko & Associates y segunda parte de su “Juego de las que sirven de separación a las golondrinas” que como un diferentes secciones del libro. verdadero homenaje al escritor Además de las virtudes gráficas de los francés. trabajos seleccionados, cabe destacar En este aspecto, el libro adolece de la innovación en los envases que se ha las mismas pegas que su producido en los últimos tiempos y el antecedente, su excesivo parecido hecho de la paulatina incorporación al estético y narrativo con Marjane sector de la alimentación de Satrapi, algo que si sigue recipientes y contenedores que, por su repitiéndose en el futuro puede forma y aspecto, parecían más propios lastrar, hasta el punto de frustrarla, de sectores como el de la limpieza la incipiente carrera de Abirached. doméstica o el automovilismo. Una Si se deja a un lado este hecho (y arriesgada innovación que funciona y esa tipografía ornamentada y un enriquece un mundo como el del tanto infantilista empleada por la packaging, en el que parece que está autora) lo cierto es que el libro todo inventado pero que no deja de tiene a su favor ciertas virtudes, sorprendernos. como que es breve, de sencilla lectura, con algunos recursos narrativos brillantes y ameno.

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Un buen hombre VV. AA. Glénat 78 páginas Castellano

Por último, el libro se completa con un prólogo de Rosa Torán, Historiadora y Presidenta de “Amical de Mautaushen y otros campos” y un breve anexo en el que el autor detalla, a través de fotografías y textos, cuáles son los escenarios y los personajes reales en los que inspiraron “Un buen hombre”.

Desvestidas El cuerpo y la forma real Carlos Reyero Alianza Editorial 400 páginas Castellano

Javier Cosnava firma el guión de este álbum que narra la vida de los habitantes de Ciudad Jardín, una urbanización residencial apenas a un kilómetro de distancia de un campo de concentración, en la que viven las familias de los oficiales encargados de la gestión del mismo. Una historia basada en hechos reales, cuya crudeza ha tenido que ser rebajada con objeto de que resulte verosímil al lector, hecho que nos da una idea de las atrocidades cometidas contra los prisioneros durante su internamiento. Además del interés histórico, “Un buen hombre” cuenta con el atractivo de estar ilustrado por diez dibujantes, que dan forma a la historia principal a través de los puntos de vista de los diferentes personajes. Una decisión que, a pesar de los distintos estilos de cada uno de estos profesionales o su experiencia (a algunos se les nota más veteranía que a otros), no afecta a la unidad del proyecto que se lee como una obra homogénea, gracias a, entre otras cosas, al establecimiento de unas pautas para uso común, algunas de las cuales se pueden ver al final del libro en forma de bocetos de los personajes. De esta forma, los ilustradores pudieron recrear a cada uno de los actores de este drama sin renunciar a su estilo personal y evitando que el lector se despistase al ver que sus rasgos cambiaban de un autor a otro.

física hacia la mujer representada por parte del autor. Una interesante teoría ilustrada con más de un centenar de imágenes que, a diferencia de lo que sucedía con los títulos clásicos de Alianza Forma en los que abundaba la fotografía en blanco y negro, están impresas a todo color. “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” tiene visos de convertirse en un título clásico de esta colección. Un libro que compartirá estantería con “La escultura. Procesos y principios” de Rudolf Wittkower, “La interacción del color” de Josef Albers, “Historia de la Arquitectura” de Kostof o “El diseño gráfico en España” y “El diseño gráfico: desde los orígenes a nuestros días” de Satué.

Romper las reglas Tipografía suiza de los turbulentos años ochenta VV. AA. Campgràfic 238 páginas Castellano

Para varias generaciones, Alianza Editorial es sinónimo de libros asequibles, cuidados y de calidad. Colecciones como Libro de Bolsillo, Alianza Tres o Alianza Forma forman parte del paisaje doméstico de muchas familias españolas gracias a una política que no fija sus miras en las fluctuaciones del mercado ni apuesta por un libro efímero. Este es el caso de “Desvestidas. El cuerpo y la forma real” un interesante tratado del Catedrático de Historia del Arte Carlos Reyero que arroja una nueva mirada a obras de arte cuya característica principal es el desnudo. Una nueva forma de abordar estas obras pensada para perdurar en el futuro gracias a un planteamiento que rompe con la idea acuñada en el XIX, que afirmaba que las mujeres representadas en los cuadros o esculturas no estaban desnudas sino “desvestidas”. Para Reyero, la representación femenina en el arte responde, además de a cuestiones estéticas, a una evidente atracción

La editorial valenciana Campgràfic continúa con su valiosa labor en el campo de la tipografía con la publicación de textos relacionados con dicha disciplina y que, de no ser por ellos, aún continuarían inéditos en castellano. En esta ocasión presentan “Romper las reglas” un volumen editado con motivo de la exposición del mismo nombre celebrada en el Museu Valencià de la Il·lustració i de las Modernitat (Muvium) que recoge textos relacionados con el diseño, la tipografía y el cartelismo suizo firmados por diferentes autores, algunos de ellos estrechamente

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relacionados con el tema, como Bettina Richter, Armin Hofmann y Wolfgang Weingart. El libro cuenta además con numerosas ilustraciones y trabajos de la época, que ponen de manifiesto la calidad y capacidad de ruptura que durante los años ochenta desplegó el diseño gráfico suizo, habitualmente asociado al racionalismo, la mesura, el equilibrio y otros conceptos heredados de movimientos vecinos geográficamente como la Bauhaus, pero que en esa época coqueteaba con fenómenos como el punk y los movimientos estéticos más underground. Un libro que demuestra que el buen hacer de Campgràfic como editorial no sólo está en el mero hecho de publicar libros y hacerlo muy correctamente sino en su inteligencia a la hora de elegir qué títulos incluye en su catálogo.

La vida es buena si no te rindes Seth Sins entido 200 páginas Castellano

A petición del público, Sins entido reedita en tapa dura “La vida es buena si no te rindes”, uno de los mejores títulos de su catálogo y del dibujante canadiense Seth, que declara en él su amor por los tebeos, los grandes maestros del género y sus personajes, como Schulz y la pandilla de Snoopy, Reg Smythe y su Andy Capp, Hergè y Tintín, Dr. Seuss y antiguos dibujantes de la mítica New Yorker, donde también publica el propio Seth.

Un lanzamiento que, de paso, se adelanta al “George Sprott: (18941975)”, el trabajo más reciente del canadiense y que será publicado en España por Mondadori. Dividido en seis partes y realizado en un asombroso bitono, “La vida es buena si no te rindes” es un tratado de cómo debe de ser un buen álbum de cómics, empezando por el título y acabando en los materiales que se adjuntan al final del mismo y que completan la narración, aunque no lo suficiente como para que el lector consiga discernir si la historia de la que acaba de ser testigo es real o una completa invención. “La vida es buena si no te rindes” narra las peripecias de un dibujante, trasunto del propio Seth, que intenta reconstruir la vida de Kalo, un desconocido ilustrador de los años 30 y 40, a través de las pocas viñetas que ha publicado a lo largo de su carrera. Una aventura que nos lleva por tiendas de libros de segunda mano, pueblos perdidos de Norteamérica, visitas a antiguos conocidos y familiares de Kalo, mientras el autor reflexiona sobre la infancia, los recuerdos, los tebeos y la vida moderna.

Just for you Designs from the heart Pablo Correa Índex Books 300 páginas Castellano / Inglés

Pablo Correa ha diseñado y seleccionado los trabajos incluidos en “Just for you”. Una colección de piezas procedentes de distintos lugares del mundo cuyo denominador común es que todas ellas están vinculadas afectivamente con el diseñador que las firma.

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Tarjetas, carteles, ilustraciones, recordatorios de nacimientos, invitaciones de boda, envoltorios para CDs, cuadernos de viaje, felicitaciones navideñas, chapas, muñecos de trapo... y otras muchas formas de transmitir afectos a través de piezas visuales son algunos de los ejemplos que se incluyen en este libro, cuyo diseño encaja perfectamente con su contenido. Un logro fruto de la inteligencia al mezclar la estética racionalista con el caos o el orden y el desorden, conceptos estrechamente relacionados con los sentimientos y los afectos. Un libro que muestra otra forma de hacer diseño, mucho más libre, sin algunas de las ataduras derivadas de los encargos y que prueba que los diseñadores también tienen su corazoncito.

Noticias

El Centro Tecnológico

Favini presentará durante el Luxe Pack, feria de productos de lujo que se celebrará en Mónaco los próximos 21 y 23 de octubre, sus líneas de papeles Classic, Chameleon y Kuxus, pertenecientes a la colección Majestic. Distribuida en España por Unión Papelera, Majestic se caracteriza por sus acabados metálicos, con certificado FSC y está especialmente pensada para satisfacer las necesidades de diseñadores y clientes que desarrollan productos de alta gama.

de Artes Gráficas CIT ha anunciado su presencia en la vigésimo segunda edición de la feria Viscon Sign 2009 que se celebrará en Madrid durante los días 22, 23 y 24 de octubre. Además de con un stand, CIT impartirá dos seminarios el viernes 23. El primero, de 9 a 16 horas lleva por título PDF sin Problemas y el segundo, que se celebrará de 15:30 a 19:00, tratará sobre Gestión de Color.

Shopkit ha reinventado su Xblock, un perfil de aluminio con ranura inferior de 8mm para fijación de señales mediante tornillo allen, disponible en diferentes medidas estándar y susceptible de ser producido previo encargo según las medidas proporcionadas por el cliente. Para apoyar este lanzamiento, Shopkit ha decidido ofertar Xblock a un precio especial a todos los pedidos que se realicen durante la próxima edición de la feria Sign.

Ebualà, estudio formado por nombres como Lluisa Morató, Marcos Martínez y Javier Herrero, firma el diseño de Midoni, un taburete inspirado en uno de los personajes de la novela Tokio Blues, de Haruki Murakami. Comercializado por la empresa Sancal, el taburete Midori se presenta en dos alturas diferentes y como silla sin brazos ligera y completa a otros diseños ya existentes como la silla con brazos y la butaca, pertenecientes a la misma colección y también comercializados por Sancal.

Animadrid, el festival de cine de animación que se celebrará en Madrid del 26 de septiembre al 2 de octubre contará, además de con su interesante programación en la que se darán cita trabajos procedentes de todo el mundo realizados tanto con técnicas clásicas como con la última tecnología, con un stand gestionado por la librería Graphisbook en el que los aficionados encontraran interesantes títulos relacionados con la ilustración, el diseño, la comunicación visual y la animación.

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BenQ ha puesto a la venta una nueva pantalla de TV de LCD de 22 pulgadas pensada para sacarle todo el partido a otros electrodomésticos de la casa como son el PC, la cámara digital o la consola de vídeojuegos gracias a su capacidad para adaptarse y optimizar los diferentes formatos de imagen, vídeo y sonido. Además, la nueva SE2241 está preparada para recibir la señal de la emisión digital y los nuevos soportes de imagen como el Blue-Ray.

Morillas Brand Design

El Museo Nacional

ha desarrollado la identidad visual y el diseño de packaging de Densia, marca que ha sido lanzada recientemente al mercado por la empresa de alimentación Danone. Un trabajo cuya principal finalidad es destacar las virtudes del producto, atraer la atención de su público objetivo, concretamente las mayores de 45 años, y diferenciar la marca de los productos comercializados por marcas competidoras.

de Ciencias Naturales acogerá, del 26 al 29 de octubre, el curso Identificación y conservación de material en color. Impartido por Ángel Fuentes de Cía y organizado con colaboración de la Sociedad de Amigos del Museo, el objetivo del curso es analizar la evolución sufrida por la fotografía en color desde su aparición y determinar cuáles son las metodologías utilizadas para determinar las amenazas de dicho soporte y sus posibles soluciones. Las sesiones se celebrarán de 16 a 21:30 horas y el número de plazas es limitado a 25 asistentes que deberán abonar 150 euros aunque existe una tarifa reducida para los Amigos del Museo.

HP ha presentado una nueva batería de larga duración para portátiles que permite cargas más rápidas y prolonga hasta tres veces su ciclo de vida. Pensada para su uso en portátiles de empresa, la nueva batería cuenta con una garantía de tres años y, a diferencia de las baterías convencionales, que comienzan a deteriorarse a partir de las 300 cargas, mantiene su capacidad como el primer día hasta las mil cargas gracias a la tecnología Sonata Lithium-ion.

Entrefotos,

Batllegroup ha sido la empresa responsable de la imagen gráfica de Las Primeras Jornadas Tipográficas de la Escuela Superior de Diseño Bau. Un proyecto que pretende asentar las bases estéticas y de comunicación para futuras ediciones y que ha optado por una gama cromática basada en el amarillo, el negro y el blanco, un logotipo que se inspira en los orígenes de la primera tipogafía adaptada a la imprenta y una denominación anglosajona, Typoweek que, además de resumir la esencia de las actividades que se realizaron, asegura proyección internacional.

la tradicional feria fotográfica que promueve el contacto directo entre profesionales, aficionados y coleccionistas, celebra del 1 al 4 de octubre su décimo primera edición. La cita tendrá lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid ubicado en el Centro Cultural Conde Duque y contará con las presencia de cuarenta autores, entre los que se encuentran jóvenes profesionales como Rubén Morales, María Primo, María Jesús Velasco o Ángel Gutiérrez y veteranos como Pilar Pequeño, Margarita González o Fernando Puche.

Cémex ha presentado una nueva carta de colores de Ibersec Juntas. Pensado para diseñadores de interiores y arquitectos, sus principales características son su funcionalidad y el hecho de contener veinte muestras físicas con una textura idéntica a la real por haber sido realizadas con el material original. Esta novedad se suma a la aparición de una nueva presentación del producto en un envase de plástico de 5 kilos que permite su mezcla in situ.

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servicio al lector

Un compendio general de los grandes capítulos del diseño, ordenando aquellos conceptos y postulados teóricos y prácticos que remiten inequívocamente a la interacción de las posibilidades de la intertextualidad de esta disciplina con el ámbito de la creación humana y con la parcela de la comunicación social.

ISBN 8 4 232 Pá -607-3554-0 gs. 14x 22 cm .

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