Trazandolalínea: ¿Losartistastienenunrol éticoparaconlasociedad?
Escrito por:
William Román Rivera
“El arte, como la moralidad, consiste en trazar la línea en algún lugar.”
– GK Chesterton, escritor, filósofo y crítico de arte
Desde tiempos inmemorables los seres humanos hemos estado compelidos a comunicarnos, resultado de nuestra dilatada y extensa evolución biológica en conjunto al desarrollo de capacidades sociales y cooperativas La habilidad de expresión gestual y verbal, junto a la maduración de nuestras aptitudes de abstracción, han contribuido a nuestra supervivencia como especie La comunicación a través de símbolos, el lenguaje y la escritura han sido instrumentales a nuestra adaptación a los complejos factores geográficos y climáticos al simultáneamente establecer nuevas condiciones socioculturales, de corte lingüístico, semiótico y moral que seguimos en proceso de analizar y problematizar en diferentes áreas de estudio científico Pese a esta aparente disyuntiva inescapable, hemos creado en el arte el proceso por el cual conscientemente desarrollamos una multiplicidad de medios que nos permita expresarnos de manera audiovisual, táctil, kinestésica y representativa
Como consecuencia de participar en el arte, hemos también intentado describir el arte y al artista estableciendo objetivos, expectativas y reglas que nos permitan hacer juicios valorativos sobre aquello que se produce y cómo se pueden interpretar A través de los complejos procesos históricos, hemos ido forjando una ética al artista, en ocasiones contrarias a las propias voluntades de aquellos(as) que componen las comunidades artísticas El artista, además de ser sujeto, también está sujeto a una serie de pautas o reglas simplemente por ser miembro de la sociedad Por consiguiente, su vocación va adquiriendo una serie de imposiciones profesionales relacionadas estrictamente a sus predisposiciones creativas y el medio artístico preferido En el proceso de profesionalización del arte se van implementando normativas sobre las técnicas utilizadas para la obra y sobre la conceptualización temática de la obra Finalmente, las sociedades hemos ido edificando y deconstruyendo también las diversas perspectivas de cómo apreciar paradigmas estéticos, su impacto sobre la cultura a través de la temporalidad y los diversos contextos sociales, culturales, políticos y económicos que podrían determinar la apreciación (o depreciación) del arte. Ha sido una historia larga y espinosa, equitativamente plagada de capirotazos entre visiones irreconciliables y avenencias complementarias entre jerárquicos peritos que protegen los oficios creativos y las mentes revolucionarias que generación tras generación llegan con gran arrogancia e ímpetu para suplantarnos con nuevos marcos de referencia de lo que debe ser considerado la belleza Hoy en día seguimos dedicando blogs, vlogs, ensayos, vídeo ensayos, artículos, conferencias, podcasts, documentales y tratados filosóficos a tono con estos debates He aquí otro intento más, pero en esta ocasión, concentrándonos en el rol ético del artista o el rol percibido/adscrito por y para el artista
De manera introductoria, intentemos darle una definición clara y contundente a lo que llamamos arte, entendiendo que esta definición depende de a quién y cuándo le preguntes a los gestores, obreros y críticos que participan del arte al igual que el entramado de consumidores laicos del arte
I. Entonces, ¿qué es arte y cómo lo apreciamos?
Según el Diccionario de Oxford (2023), el arte es la expresión o la aplicación de talento creativo e imaginativo dirigido a producir obras para ser apreciadas debido a su belleza o impacto emocional Es decir, entre los elementos fundamentales para una obra ser considerada arte debe existir: primero, alguna intención, al igual que, un acto de expresión en contenido, en sustancia, en forma o en una combinación entre estos. Segundo, la obra debe representar algún tipo de perspicacia, algún tipo de técnica empleada para comunicar curiosidad y a coaccionar a la audiencia hacia una reacción Y finalmente, debe aspirar a alguna forma de estimación. En otras palabras, como un producto social, se intuye un deseo de retroalimentación, que puede ser consciente o inconsciente El arte existe para ser apreciado, discutido, y criticado, siempre enfatizando las vías de intercambio entre emisores y receptores, entre significantes y significados El arte entonces es primordialmente sensorial. Es objeto visual, aural y táctil para nuestro deleite, nuestro consumo o nuestra aversión. Pero es igualmente sujeto, y sujeto de aquellas valoraciones y doctrinas estéticas en las cuales nos educamos explícitamente, o internalizamos implícitamente a través de las interacciones cotidianas que sientan nuestras bases éticomorales a diario
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Una vez definido el término "arte”, debemos cuestionarnos, ¿qué rubros se han utilizado históricamente para la apreciación del arte? ¿Quién o quiénes determinan estos rubros? A su vez, si existen rubros que se puedan aplicar universalmente a todo arte, independiente de su historicidad. Por cuestiones de brevedad, en este escrito nos concentraremos en las tradiciones occidentales populares y su percibida pertinencia académica.
Dentro de lo que se denomina “civilización occidental”, el arte siempre ha parecido tener una posición controvertida entre filósofos, religiosos, legalistas, políticos y, obviamente, sus creadores
Desde el desarrollo de la escritura, vemos como también se va documentando la problematización de la importancia y el impacto del arte sobre la sociedad. Por ejemplo, Sócrates y Platón, considerados los intelectuales más influyentes en la filosofía occidental antigua, guardaban sospecha y, en muchas ocasiones, hasta desprecio ante los artistas y su obra El arte desde su conceptuación, de acuerdo con Platón, es un facsímil de la naturaleza y por ende es una versión imperfecta, debilitada y sospechosa de todos los ideales que nos deberían gobernar En varios de los tratados platónicos más conocidos, La República siendo uno de estos, Platón consideraba el uso de censura ante la poesía como un mecanismo necesario para la educación de las poblaciones en vías de crear una mejor sociedad Platón insistía que los medios artísticos como la poesía contribuían a la corrupción del alma y el alejamiento de los objetivos de su sistema sociopolítico preferido La “licencia artística” podía contradecir aquellas estructuras que Platón denominaba como “justas”, o que correspondan a los talentos y destrezas de cada uno de sus miembros sin ningún tipo de ínfulas de una “igualdad” incongruente con la realidad platónica Mientras tanto, el otro gran pensador socrático, Aristóteles, estaba en total desacuerdo con el platonismo
Figura 2 Imagen generada utilizando Canva Pro con la entrada Platón vs Aristóteles debatiendo el arte
Él no solo disfrutaba del arte, creando las bases de la crítica estética y análisis sustancial del texto de la obra artística, sino que consideraba que medios artísticos como el teatro ocupaban una función importante para toda comunidad. En griego antiguo el término aristotélico “zoon politikón” ( ζῷον πoλιτικόν ), o el animal sociopolítico-cívico, necesita del arte para beneficio de la polis (el estado-comunidad) y para la salud general de las interacciones diarias de los ciudadanos Para Aristóteles, la tragedia, y el arte dramático en general, ofrecen a las audiencias un espacio de contemplación, reflexión y purgación emocional en conjunto, que él nombró “catarsis” (κάθαρσις) En este estudio del arte dramático, sus géneros y formas, existe una exégesis que nos permite entender cómo Aristóteles, y muchos de los pensadores que siguieron sus lecciones, no solo respetaban y valoraban (por lo menos en teoría) al arte y al artista, sino que enaltecían la posición de los creadores
Siendo una de las mechas intelectuales del idealismo alemán como nuevo movimiento europeo en el siglo XVIII y XIX, pero simultáneamente queriendo nutrirse de aspectos de la estética aristotélica, Immanuel Kant hablaba del arte como un medio comunicativo totalmente único. Dentro de su visión de mundo, el deleite del arte no se puede separar de la naturaleza misma.
Más en común con aquel aspecto de la tradición aristotélica de alta estima al arte, existen aquellos pensadores y artistas que ensalzan el arte como esencialmente el acopio más preponderante de todas las actividades humanas Uno de los ejemplos más pertinentes de esta banda, es el filósofo alemán Friedrich Nietzsche, declarando que:
“El arte es esencialmente la afirmación, la bendición, y la deificación de la existencia misma "
Esta visión nietzscheana insiste sobre la trascendencia del arte por y para la humanidad El artista merece reconocimiento y adulación La conexión que la mente creativa puede alcanzar a través de lo lúdico, idealista, lo grotesco o lo sutil, es representativo de un potencial semidivino o sobrehumano dentro de los individuos creativos. De acuerdo con Nietzsche, y muchos de los que compartían su aprecio incalculable ante el arte y al artista, la impresión estética y contextual del arte no debe ser menospreciada ni confundida, sino que ofrece sentido simultáneamente a nuestra existencia y a nuestras capacidades lógicas y emocionales. Movimientos coetáneos de su filosofía en cuanto al arte, como el romanticismo, además de otros personajes radicales inspirados por él, que a su vez influyen o participarán del movimiento existencialista, intuían y se enorgullecían de un apego obstinado ante el arte y su contribución indivisible de la condición humana misma Para muchos de estos defensores absolutos del arte, existía un potencial caótico y, a su vez, constructivo en la libertad total del arte
"El arte es un tipo de padecimiento " - Giacomo Puccini, compositor
Eventualmente, tenemos participantes del arte moderno vanguardista y posmoderno (especialmente, después de la segunda mitad del Siglo XX) que se jactan de un aura de contrariedad ante cualquier previa estructura y normativa Michel Foucault, por ejemplo, siempre discute el arte y su apreciación en el contexto de cómo es utilizado en las relaciones humanas de poder. El arte y las jerarquías dentro del conocimiento del arte son herramientas socioculturales, políticas, económicas y psicológicas para reforzarse a si mismas e internalizarse en nuestros hábitos y el cómo nos relacionamos entre sí. Este poder incide sobre nosotros físicamente, no solo en abstracción Entonces, si el arte y la obra es con vista contestataria al poder establecido, debe romper esquemas previamente manufacturados Otros estudiantes del potencial radical del arte en el siglo XX minimizan cualquier presunción relacionada al arte En resumen, tenemos artistas restándole al impacto social del arte, a su estatus de exclusividad o a su percibida importancia singular sobre la vida humana. Algunos portavoces de esta posición llegaron a parodiar el arte o a describir el arte como algún tipo de defecto En algunas instancias, estos artistas problematizadores hasta disfrutaban la transaccionalidad de prestigio en círculos de arte a cambio de obras producidas con “poco esfuerzo” o intencionalmente vacuas en cuanto a su significado
"El arte es con lo que sea que te puedas zafar " - Andy Warhol, gestor artístico
"El arte es el arte Todo lo demás es todo lo demás " - Ad Reinhardt, artista
Como resultado de décadas de un ímpetu desafiante y anárquico dentro de los diversos métodos creativos, se van estableciendo cambios en orden de prioridad en su apreciación. La originalidad, el desarrollo de la técnica, la calidad y la profundidad de la obra, que en algún momento se consideraban cruciales para el arte, se van intercambiando con valores nuevos de potencial mercadeable, la comerciabilidad de marca y su facilidad en reproducción. Tenemos en los finales del siglo XX y principios del siglo XXI, lo que Zygmunt Bauman llamaría la “modernidad líquida” y lo que Kenneth Goldsmith la “escritura no-creativa”. Las fuerzas del mercado y la saturación de cultura popular obligan a una reapreciación democratizante del arte y su obra Al mismo tiempo se hace de la estética y la ética del artista lo que se puede considerar una mundana y susceptible solo a la oferta y la demanda de la “mano invisible del mercado” Parece ser que el cinismo ha contagiado al arte y su potencial ¿Qué influencia moral tiene el artista y su obra si sus fundamentos han sido tan debilitados a través de la historia? ¿Se puede decir con seriedad que el artista tiene un rol ético en nuestra sociedad?
I.¿Cuál es la función de un artista en una sociedad? ¿Esa función social conlleva algún rol ético?
“Artistas usan las mentiras para decir la verdad. Sí, yo creé una mentira. Pero porque tú la creíste, tú descubriste algo verdadero acerca de ti mismo.” - Alan Moore, escritor (V for Vendetta, 1989)
Desde el origen de lo que llamamos arte, el artista y su obra se han visto insertados en una continua búsqueda por significado. Además, el artista ha estado inmerso en una lucha constante por reconocimiento y relevancia dentro de sociedades que no siempre los reciben con brazos abiertos. Los artistas han establecido orden a través de su control de espacio o el balance de tonos o su manipulación de perspectiva en sus creaciones A través de sus composiciones, los artistas han descifrado la belleza en lo simple o en lo cargado
Los artistas han sido protectores de técnicas materiales ancestrales, de tradiciones orales, sonoras y escritas que nos permiten auscultar las idiosincrasias de nuestros pasados y posibles futuros. Los artistas han idealizado y construido mejores sociedades, aunque solo en sus obras. Los artistas han servido de bufones, satíricos y la personificación de la duda y el escepticismo en beneficio de la razón y la ciencia Los artistas han sido obreros y artesanos conscientes acerca de las dinámicas de clase social y las circunstancias históricas que informan e influyen sobre sus esculturas, sobre sus pinturas en lienzos, sobre sus tarimas y pantallas grandes Los artistas han sido críticos acérrimos de regímenes totalitarios y han apuntado a los sufrimientos ajenos Han sido aliados en luchas y han sido agentes de cambio Pero los artistas también han tenido su parte en normalizar la ignorancia y la falta de curiosidad intelectual Los artistas también han participado del lado oscuro de la humanidad Han existido grandes creadores que han sido seres falibles en medio de épocas moralmente complejas sino también cómplices o hasta instigadores de la opresión. Sin lugar a duda, el artista tiene un rol ético en la sociedad. Siempre lo ha tenido y siempre lo tendrá mientras existan seres humanos. Mientras exista nuestra compulsión por expresarnos, el arte será intrínsecamente relacionado a cuál sea la brújula moral de aquel artista que imparta de su creatividad e intencionalidad para llevar un mensaje con recursos estéticos Esa responsabilidad social y ética del artista se puede considerar sacrosanta por más secular que pueda ser Pese al potencial de autosabotaje que conlleva tal responsabilidad, el artista es partícipe tal como nosotros somos responsables de nuestras comunidades y nuestro mundo, aunque no nos consideremos preparados para ese peso El artista es un ente ético, aunque su naturaleza rebelde no se lo permita aceptar
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