Catalogo exposong from spaces

SALA DE EXPOSICIONES DEL RECTORADO

UNIVERSIDAD DE MÁLAGA

SONGS FROM SPACE

Del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2013

SONGS FROM SPACE

Facultad de Bellas Artes

ESCULTURA EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE MÁLAGA

VICERRECTORADO DE EXTENSIÓN UNIVERSITARIA

SONGS FROM SPACE

ESCULTURA EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE MÁLAGA

Del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2013

SALA DE EXPOSICIONES DEL RECTORADO

UNIVERSIDAD DE MÁLAGA

EXPOSICIÓN

CATÁLOGO

Coordinación: Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la Universidad de Málaga María Eugenia Pérez Navas María Dolores Molina Muñoz Lourdes Lupiáñez Pérez Facutad de Bellas Artes de la Universidad de Málaga

Coordinación: Vicerrectorado de Extensión Universitaria

Comisariado: Jesús Marín Clavijo

Diseño y retoque fotográfico: Agustín Linares Pedrero Maquetación: Patricia del Carmen Moreno González Edición:

Universidad de Málaga Publicaciones y Divulgación Científica Vicerrectorado de Investigación y Transferencia

Vicerrectorado de Extensión Universitaria

Impresión: Imagraf Impresores S.L. Dep. legal: MA 1173-2014 ISBN: 978-84-9747-862-5 © De los textos sus autores

UNIVERSIDAD DE MÁLAGA

RECTORA

Adelaida de la Calle Martín

VICERRECTORA DE EXTENSIÓN UNIVERSITARIA

María Chantal Pérez Hernández

DECANO DE LA FACULTAD DE BELLAS ARTES

Salvador Haro González

SONGS FROM SPACE ESCULTURA EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE MÁLAGA

El lector tiene entre sus manos el catálogo de la exposición SONGS FROM SPACE, compuesto por una serie de obras escultóricas realizadas por los alumnos de la Facultad de Bellas Artes de nuestra universidad, fruto final de algunos de sus trabajos académicos realizados a lo largo del curso. Quien hojee estas páginas podrá hacerse una idea precisa de la variedad temática y de la riqueza técnica de estos artistas en ciernes, que aprenden, investigan y crean al cuidado de un grupo de profesores bien pertrechados del utillaje científico que su labor exige. A la manera socrática, estos docentes son parteros de las formas: con tacto certero, asisten al alumnado para que su talento vea la luz. El resultado es SONGS FROM SPACE, una muestra en la que el espectador es interpelado por múltiples propuestas formales: tallas, vaciados de escayola, instalaciones, ensamblajes con materiales pobres, incluso algún site specific, se dan cita en esta exploración escultórica llena de sugerencias y derivaciones. Contemplar estas obras puede llevarnos a recordar el cuento de E.T.A. Hoffmann El hombre de arena. En su relato, el término alemán Heimlich, que podría traducirse como “familiar”, pero también “secreto”, “oculto” o “escondido”, permite a Hoffmann identificar el campo semántico de lo íntimo. Desde esta óptica,

Hemlich designa la idea matriz que fundamenta esta exposición, al encerrar en sí tres círculos concéntricos, de radio cada vez más ceñido: el ámbito íntimo y protector, en primera instancia; el espacio de lo secreto, a continuación; y por último, el área de lo inquietante, por cuanto puede haber de oculto en lo que nos resulta familiar. Y buena prueba de que esta categoría impregna los trabajos exhibidos lo encontramos en algunos de sus títulos: Ovum, Refugio pérfido, Labra pérfida, Oso morboso, Deseos, Decir, escuchar, leer el aliento

(Cabeza lectora)… Estos ponen al espectador en la pista de ese doble lugar en el que bulle el magma de los secretos: la casa en cuanto espacio físico cerrado y la consciencia en cuanto estancia moral privada. SONGS

FROM SPACE demuestra la perturbadora potencia de la escultura para transformar ese espacio íntimo, revelándolo. La Universidad de Málaga se complace en presentar esta obra colectiva y aprovecha para invitar a la ciudadanía a que se deje seducir por estas investigaciones estéticas. M.ª Chantal Pérez Hernández Vicerrectora de Extensión Universitaria Universidad de Málaga

SONGS FROM SPACE ESCULTURA EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE MÁLAGA

ESCULTURAS PARA UN TIEMPO NUEVO

¿Qué es la escultura? ¿Qué es la pintura? El hombre se aferra siempre a ideas anticuadas, a definiciones caducas, como si la misión del artista no fuera precisamente aportar otras nuevas. Picasso

Hace ahora 70 años, el gran artista malagueño le planteaba esta reflexión al fotógrafo Brassaï. En ella, Picasso se hace eco de una tendencia en la que las fronteras entre los géneros artísticos tienden a diluirse y a contaminarse, en el mejor sentido de la palabra. Pero además, ya en aquellos momentos se estaba asistiendo a un fenómeno singular y que aún perdura: el surgimiento de obras de arte novedosas que no resulta fácil encasillar dentro de los cánones tradicionales. El artista, que mediante su actividad artística había lanzado (y lo seguiría haciendo durante 30 años más todavía) un desafío a las estructuras del arte occidental, plantea aquí por un lado la dificultad (si no la inoportunidad) de la clasificación de algunas obras, y por otro lado, la absoluta necesidad de generar nuevas aportaciones artísticas que hagan tambalear estas “definiciones caducas”. Sin embargo, más de medio siglo después seguimos utilizando los nombres genéricos de escultura y pintura, por tradición y porque es necesario utilizar algún término para referirse a los hechos artísticos. Pero es cierto que estos términos ya no tienen la misma precisión que tenían en tiempos pasados. Designan un territorio más indeterminado, más difuso, pero al mismo tiempo más extenso pues incorporan nuevas acepciones y significados a estos conceptos. Pero si nos preguntáramos, como hacía Picasso, ¿Qué es pintura? o ¿Qué es escultura?, resultaría imposible formular una respuesta unívoca, cuanto más podríamos establecer ideas aproximadas, poco más que una guía de ruta para unos campos en expansión.

Hace dos años mostramos en las mismas salas del Rectorado de la Universidad de Málaga una exposición consagrada al ejercicio pictórico de nuestros alumnos, When Tomorrow Comes. Pintura en la Facultad de

Bellas Artes de Málaga. Presentamos ahora la muestra Songs From Space. Escultura en la Facultad de Bellas Artes Málaga. Cada una de ellas reivindica la presencia de actividad en estos campos tradicionales en nuestro Centro, como no podía ser de otro modo y aunque algunos lo habían cuestionado. Pero, eso sí, una pintura y una escultura contemporáneas, a la escala de nuestro tiempo. Puntualizando sobre la exposición que nos ocupa, consagrada a la escultura, es necesario, como se advertía más arriba, entender este concepto de escultura de un modo extenso, como un ejercicio artístico que utiliza el espacio para su desarrollo plástico, más allá de los tradicionales tallado o modelado. De este modo encontramos desde vaciados a construcciones con materiales pobres, desde agrupaciones de objetos ready-mades a estructuras provistas de ingenios mecánicos. Una exposición, en definitiva, que desafía también al espectador a expandir su mirada y contemplar la escultura contemporánea desde una perspectiva acorde a su desarrollo. Estos trabajos, realizados por los alumnos en las aulas de la Facultad, muchos de ellos de modo interdisciplinar y/o en grupo, provienen de una cuidadosa selección llevada a cabo por el comisario de la muestra, el profesor Jesús Marín, y que tiene por objetivo principal poner de manifiesto tanto el alcance y el nivel del trabajo de nuestros alumnos en este territorio, como presentar un resumen de la actividad docente realizada en este ámbito durante los ocho cursos que lleva funcionando este Centro. Es de destacar que se han seleccionado piezas de todos los niveles de estudios, y no solo de los cursos superiores, para que la visión de conjunto tuviera más sentido. Con estas exposiciones se intenta poner nuestra actividad en conocimiento de la sociedad, que es quien nos sostiene. Estas muestras nos acercan a los malagueños, y de algún modo le devolvemos a la sociedad su apoyo, en forma de producto cultural. Y este producto cultural, permítanme la inmodesta, está al más alto nivel. Esta exposición no desmerecería en ninguno de los grandes centros de arte contemporáneo que tiene nuestro país, lo cual nos enorgullece sobremanera, pues en el trabajo de nuestros alumnos nos vemos reflejados, como docentes y como investigadores. Y sirva este producto, insisto, de alta calidad, para demostrar una vez más, si es que aún es necesario, la excelencia que tanto se exige y también se cuestiona en los últimos tiempos a la Universidad. Nuestros alumnos realizan unos trabajos excelentes, esto es un hecho incontestable, como demuestra esta y otras exposiciones que realiza la Facultad de Bellas Artes. Y estos trabajos son excelentes debido sin duda al talento individual de muchos de ellos, pero también debido al excelente trabajo docente del equipo de profesores, y también del trabajo investigador de los mismos, que finalmente tiene su repercusión en la docencia y en los trabajos de los alumnos. Esta es nuestra marca, pues en nuestro campo de acción la excelencia se demuestra de este modo, presentando buenos trabajos y buenos artistas a la sociedad. Y esto es especialmente importante en un momento en el que el arte actual ha dejado

de ser un mero reflejo de la sociedad, para pasar a ser uno de sus elementos más singulares de innovación y de posicionamiento ético. Desde hace ahora cinco años, la Facultad de Bellas Artes, en su afán de hacer público el trabajo de alumnos y profesores, ha venido realizando una exposición cada curso académico en la sala principal del edificio del Rectorado de la Universidad de Málaga. Haciendo un poco de memoria, la primera de ellas se llevó a cabo en 2008, Configuraciones, una muestra que agrupaba trabajos de nuestros alumnos de tercer curso, por aquel tiempo el curso más alto que teníamos, pues aún estábamos en período de construcción. La siguiente se consagró al concurso de adquisiciones que la Facultad celebra entre su alumnado. Se pudo ver en 2010 bajo el título Segunda bolsa BBAA. La tercera muestra consistió en un monográfico de características similares a la exposición actual, solo que en aquel caso centrada en la actividad pictórica en la Facultad, expuesta bajo el título ya arriba reseñado When Tomorrow Comes. Pintura en la Facultad de Bellas Artes, en 2011. El año pasado realizamos de nuevo una exposición diversa con las obras seleccionadas de nuestro concurso, que recogía dos ediciones del mismo. El título fue On double la mise à sac. 3ª y 4ª bolsa de compra de la Facultad

de Bellas Artes de Málaga. Y, por último, la presente exposición. En nuestro acuerdo con el Vicerrectorado de Extensión Universitaria, que firmamos en fechas no muy lejanas, se recoge el compromiso de la UMA de ceder su principal sala de exposiciones para la realización de una exposición anual de alumnos de la Facultad de Bellas Artes que permita, como es el deseo de ambas partes, poner en conocimiento de la sociedad malagueña los logros de nuestros jóvenes artistas, que serán los artistas malagueños del mañana. Como ya ha venido marcado por las últimas exposiciones, nuestra intención es la de consagrar estas muestras, alternativamente, a nuestra bolsa de compra, que ha pasado a ser una convocatoria bienal, y a exposiciones monográficas, como la actual dedicada a la escultura, que pongan en valor determinados aspectos de la actividad académica de nuestra Facultad. Nos congratula el interés que la Universidad ha puesto siempre en la difusión pública del arte que se hace en su seno, y creo que es de justicia agradecerlo personalmente tanto a la Rectora, Adelaida de la Calle, como a la anterior Vicerrectora de Extensión Universitaria, Maribel Calero, ahora jubilada pero que ha dejado un excepcional camino trazado. La celebración de este tipo de exposiciones tiene, además, un valor añadido. Para los alumnos que participan resulta una experiencia extraordinaria, pues asisten a un proceso expositivo desde su germen, conocen el proceso de comisariado, participan en el montaje, observan cómo se configura un catálogo, etc. y todo ello desde un punto de vista absolutamente profesional, pues desde la Facultad (y también desde la UMA) tratamos con el máximo mimo estas exposiciones, que cuidamos hasta en el más mínimo detalle, siempre bajo el comisariado de profesores especializados. Nuestros alumnos son conscientes de que están

participando en exposiciones del más alto nivel y eso es para ellos un estímulo excepcional. Pero también para los que no participan. Todos nuestros alumnos son conscientes que estas muestras se realizan después de una muy exhaustiva selección de trabajos. Y esto lo saben desde el principio, desde su primer día en la Facultad. Esto viene a estimularles para que su trabajo alcance las más altas cotas estéticas, tanto en su presentación formal como en su desarrollo conceptual. Creo que esto se evidencia en cada una de las piezas presentadas en esta exposición. Estamos ante una selección de magníficas obras realizadas por nuestros alumnos. Una exposición del más alto nivel con obras de jóvenes estudiantes de Bellas Artes, que debe darnos idea de lo que será la escultura del mañana. Como anunciaba el título de este texto: esculturas para un tiempo nuevo.

Salvador Haro González Decano de la Facultad de Bellas Artes de Málaga

SONGS FROM SPACE ESCULTURA EN LA FACULTAD DE BELLAS ARTES DE MÁLAGA

CANCIONES DESDE EL ESPACIO

Incluso el espacio-tiempo suena cuando el universo es lo suficientemente pequeño. John Cramer. 2004.1

Si el año anterior la Facultad de Bellas Artes mostraba la labor pictórica de sus alumnos, en esta ocasión mostramos los trabajos y logros en el ámbito de lo escultórico, quizás la disciplina más abierta de todas las artísticas, pues encontramos ahora desde esculturas de talla, construcción en diversos materiales, hasta instalaciones de variado signo y técnicas e incluso algún site specific. La muestra consiste básicamente en la exposición de obra escultórica realizada en la Facultad de Bellas Artes, son obras con autoría de alumnos de los títulos de Grado y Licenciatura en Bellas Artes. Estas obras han sido creadas principalmente a lo largo del curso 2012/2013 y son las mejores realizaciones en muchas de las asignaturas del Área de Escultura que los títulos de Bellas Artes tiene. El conjunto de obras presentado es un magnífico destello del brillo y excelencia que se está alcanzando en la docencia en lo artístico y especialmente en lo escultórico, pero no solo tienen lugar estos logros en la finalización de los estudios, cuando egresan, sino que son ejemplo de todos los cursos, desde el primero en donde la entidad de los trabajos son impresionantes con gran ambición formal y discursiva, hasta el cuarto curso en el que el alumno dispone ya de una línea de investigación y discurso asentado. Es una selección con gran mérito pues a la identidad de lo escultórico se le suma la complejidad en cuanto a la conservación, traslado e instalación de las obras. Estas nuevas generaciones de artistas que están formándose en la titulación de Graduado/a de Bellas Artes componen el ejemplo del transcurso de lo artístico desde una docencia cuyo primer objetivo es la búsqueda de lo excelente y son la base de los futuros artistas que representarán a nuestra Universidad y nuestra ciudad.

Con el presente texto no queremos más que de alguna manera acercar al lector las experiencias que las distintas obras nos han permitido vivir en la exposición que la Sala del Rectorado ha acogido. La muestra nos revela la creación escultórica y plástica que en la Facultad de Bellas Artes tiene lugar en todos los cursos académicos de los que está compuesto el título de Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga. Este comisario encargado de seleccionar las piezas y estructurar el argumentario teórico ha establecido una serie de líneas discursivas -canciones o himnos- que aglutinan las obras relacionadas ya sea mediante los materiales usados, procesos creativos que se desarrollaron o ideas y fundamentos conceptuales que las originaron. Unas cuatro canciones que seguidamente pasamos a relatar.

PRIMERA CANCIÓN: Himno gritado en silencio Esta melodía es la configurada por obras en la que el recogimiento se expresa a través del color blanco de los materiales con los que están elaboradas, como la pieza Ovum, talla en escayola blanca de Anaya Cabanding, donde las referencias brancusianas son evidentes, pero aún siendo un trabajo resultado del primer curso del grado, esto no lo hace menos merecedor de nuestra aprobación. La forma obtenida mediante la talla remite a lo más primigenio y ancestral, al concepto puro sin ambages ni rodeos, una forma convexa que se permite el lujo de buscar en un fragmento la extensibilidad de la materia plástica y moldeable. Es decir, en un soporte inerte y rígido como la escayola, consigue representar y referenciar la ductilidad del barro o de la forma virtual y tridimensional totalmente susceptible de ser moldeada. También elaborada con los mismos materiales y procesos encontramos la instalación Ciudad y Arte, realizada a partir de vaciados en escayola y luego manipulados mediante la talla, de Alberto Delgado. Sin embargo aquí terminan las analogías que no las relaciones. Esta instalación se muestra mucho más compleja y a la vez con todos los derechos para reclamar en ella una conseguida maestría y profesionalidad. Partiendo de un proceso de realización en el que el autor se basa en las CGI, Computer Graphic Imaginery, para el diseño y abocetamiento de la idea, determina en su obra varios discursos solapados como capas de significación. La más básica es la representación con los elementos vaciados en escayola de un paisaje urbano, un simulacro de ciudad en pequeño, ciudad de calles largas, con zonas diferenciadas de residencia y administración gracias a la diversa altura de cada uno de ellos. La segunda capa la encontramos en un texto que escribe con todas las secciones visibles o caras superiores de los prismas de escayola. Este texto es crítico respecto al uso del arte, sin embargo establece una relación ambivalente con la ciudad representada, pues nos deja la posibilidad de

interpretación del sentido de la pieza tanto en la suma de valores como en la diferencia o contradicción entre ambas capas, es decir, como resultado tendremos otra capa más de sentido tanto positivo como negativo, al modo de la paradoja del gato de Schrödinger2, ambas posibilidades permanecerán posibles mientras no nos atrevamos a desvelar el secreto. La serie Acotaciones, construcciones de casas de muñecas en las que la poética y lo narrativo son los ladrillos con los que se erigen, es obra de Rocío Reyes. En cada una de las cinco casas de sueños la artista ha construido sendos sueños cuyos sentidos nos atrevemos a interpretar partiendo de los nombres y títulos escogidos. Desde el punto de vista formal, la serie se nos presenta de forma rotunda, aunque también escurridiza. La estrategia de la seriación permite realizar diversas lecturas a partir de la consideración de la misma como obra única o como simple enumeración de elementos, pero lo más interesante es el juego que le permite a la artista. Nos podríamos encontrar con que cada una de ellas son sencillamente diversos estadios en la identidad de la persona, o al modo narrativo del cómic, mostrarnos diversas escenas de una historia mayor que podemos intentar reconstruir, aunque siempre teniendo en cuenta las diversas posibilidades combinatorias. Entonces, quizá no sea tan importante lo que dice cada una de ellas tanto como el hecho de la combinación de las narrativas que se entremezclan.

Broken, de Xenia del Águila, es una instalación que aquí se expone mediante imágenes fotográficas. Es un site specific realizado en una nave dedicada como criadero de pollos y gallinas. En las fotografías aparece sin embargo la arquitectura sencilla pero eficaz desnuda de cualquier elemento y el suelo conseguido con arena apelmazada. En este juego de tonos blancos y ocres la autora despliega los elementos confeccionados con papel y cola a modo de cascarones rotos y vacíos, realiza varias disposiciones siendo la más interesante la lineal pues compone con la arquitectura armónicos ritmos. Pero encontramos en la pieza Darkness el contrapunto necesario en toda melodía. La escultura construida en hierro y pintada en color negro mate en toda su superficie es obra del grupo de alumnos formado por Antonio Jaime Nebro, Enrique Sánchez Torres y Jonathan Sánchez Ávila. Sus formas limpias, sencillas y triangulares son un ejercicio de suprema elegancia con tan pocos medios, un ejercicio estético con base en la escultura concreta y abstracta con claras referencias vanguardistas. Planos sencillos que generan nuevos espacios, formas geométricas básicas que bailan con un gran sentido del equilibrio formal.

SEGUNDA CANCIÓN: Himno al sexo y la forma En esta directriz argumental, formada por las obras que se basan en el uso de materiales plásticos con el color como fundamento, encontramos como primera estación el caso de Estructuras de vacío, instalación que trata el asunto de lo cotidiano a través de su descontextualización y modulación, de Ana Isabel Angulo. El resultado obtenido en este proceso deshumanizador y deconstructivo es paradójico, pues podríamos considerar que los elementos arquitectónicos de tal manera transpuestos generan una estructura arquetípica y atávica en el corpus simbólico de la civilización occidental: el laberinto. Podemos llegar a repensar este concepto como aquel en el que se pervierte lo exterior y lo interior de tal forma que adquieren cada uno de ellos el papel que el otro sostenía en la cotidianidad. También podemos establecer que es el juego perverso de la forma lo que es generador de nuevas posibilidades y reinterpretaciones. Es evidente la voluptuosidad de la forma, lo carnal encarnado en lo cotidiano, en la pieza 90-60-90, de Paloma de la Cruz. El trabajo es creado mediante el uso de un objeto cotidiano considerado como material plástico, un objeto además de uso personal pues se trata de sostenes de diversos tamaños y colores. De nuevo encontramos que la ambigüedad de significados que no de formas ayudan a tramar una tupida red de conceptos, los cuales son principalmente la autoconsciencia del cuerpo como medio expresivo del artista, ya sea de uno u otro sexo, la referencia a la maternidad ligada a lo sexual y por supuesto lo atávico de la relación edípica entre el hombre y la mujer a través de la parte del cuerpo que no está más que representada mediante la prenda que la viste. Esta relación última personificada en el mito de Edipo la podemos encontrar en la pieza que encontramos casi al final de la sala: la instalación reactiva Oso morboso, en la que el objeto entrañable del muñeco de peluche se configura como elemento mecánico y distorsionador de su primera lectura. Esta obra ha sido generada en un grupo de alumnos de primero del Grado, señal inequívoca de la calidad tanto de la docencia como del alumnado. Tenemos que rascar un poco en su primer mensaje lúdico y evidente del canto a la infancia para encontrar en los movimientos sexuados esta conexión con la anterior pieza. Realmente son las técnicas y procesos constructivos los que ayudan también a entender la simbiosis entre los trabajos, pues la acumulación de elementos con la misma carga objetual consiguen generar formas oblongas y casi caóticas.

TERCERA CANCIÓN: Himno de calor y naturaleza Como tercer vector estructural tenemos el concepto de lo natural expresado a través del material pobre y las metodologías instaladoras y constructivas. Esta idea se expresa a través de cuatro grandes piezas, en las que la estética povera abunda como estrategia de acercamiento a la problemática de la relación hombrenaturaleza. La primera que nos encontramos según accedemos a la sala es Etymon, construcción en madera que busca la expresión propia del material y del concepto del equilibrio de masas, realizada por José Ramón MartínezAlgora. Su ambición es clara y rotunda, es sincera y no muestra necesidad de ninguna ambigüedad. Y aquí radica su fortaleza, en esta expresividad contenida y dejada de manos solo de la capacidad del material para manifestarse por sí mismo, con total naturalidad. Tan solo añade el autor la técnica constructiva por la que configura una forma que busca el equilibrio, y que en su organicidad nos permite imaginar cómo se expande en el espacio autogenerado hasta abarcar todo nuestro horizonte y su microcosmos como si de un fractal se tratase. La instalación a partir de elementos construidos, modulados e inspirados en el nido artificial, la pieza

Deseos, cuya autora es Dolores Lozano, es también un ejercicio honesto y rotundo que se apoya en los conceptos de esta línea argumental: lo povera como estrategia de acercamiento al material usado, lo relacional como método narrativo de establecer el sentido de la obra, la cual podríamos también incluirla en el discurso basado en lo antropomórfico. Estas casas nido, con puertas tanto de pájaro como de hombre, son a su vez, seres animados que nos miran atónitos y expectantes, quietos sobre sus extremidades, como un rebaño que mira al unísono en la misma dirección a causa de algún peligro desconocido que acecha. La tercera pieza de este vector povera es Refugio pérfido, realizada por Juan Galán, construcción en madera reciclada a partir de palés de embalajes. Busca la expresión de lo cotidiano como objeto construido que se puede manipular y repensar a partir del diseño virtual 3D. Sus grandes volúmenes interpenetrados gracias a la utilización de las herramientas digitales nos ayudan a entender la intrínseca relación entre las tecnologías de la información y la comunicación así como las CGI con las prácticas artísticas actuales, cómo los procesos de generación de ideas en el arte son enriquecidos con estos medios tecnológicos. Sin embargo no deja de ser una magnífica escultura capaz de interpretar el lenguaje plástico con gran maestría, pues son estos volúmenes rotundos los que más dominan el espacio expositivo.

Y por último llegamos a la importante instalación Las formas del artificio, elaborada con materiales directamente extraídos del entorno natural, cortezas de árbol, que busca la expresividad compositiva que podemos recrear en la naturaleza y cuyo autor es Rubén de la Vega. Una mirada que activamente recrea lo natural, una mirada melancólica que quiere volver a una Arcadia vislumbrada entre las sombras y sonidos susurrantes de las ramas mecidas por el viento. La magistral composición artificial es un canto al paraíso perdido, a los tiempos pasados, a la infancia ingenua del Hombre. Y este recuerdo es rehecho, es mejorado, es aislado profilácticamente por la mano del artista, que aquí suplanta al mismo Creador. En sí mismo es elíptico en su rotundidad, es tautalógico pero no ensimismado. Es sin duda alguna una de las piezas principales de la exposición. CUARTA CANCIÓN: Himno al cuerpo y la muerte Finalmente, como uno de los principales ejes vertebradores de la muestra, en la dirección estructural que desarrolla contenidos referentes a lo antropomórfico, al hombre como elemento central y configurador, encontramos cuatro magníficos ejemplos. El primero es en la pieza Era zurdo de una oreja, instalación con una escultura central de una persona encaramada en un trampolín, cuya autora es Cynthia Gutiérrez. Según la disposición de la sala de exposición principal del Rectorado, en la primera habitación y en una posición frontal respecto al sentido de lectura de la muestra se sitúa y erige la instalación de Cynthia. Una magnífica escultura compuesta entre otros elementos de vaciados de cabeza, manos y pies de un hombre, construido el cuerpo -el traje- además con material usado en medicina para elaborar férulas, todo él sentado sobre un trampolín frente al vacío y en una posición muy alta, casi tocando el techo. Lo que reclama con fuerza la atención del espectador es sin duda sus larguísimas piernas con los pies apoyados en el suelo. Aquí tenemos presente, sin rodeos, al hombre en su contemplación interior, un hombre que nos muestra su necesidad y ambición de alzarse y despegarse del ruin suelo de la realidad, en búsqueda de sueños más allá de nuestro prosaico horizonte natural. En la pieza mecánica Dependiente de Jonathan Rodríguez encontramos la simple proyección de nuestro ser en la realidad objetual cotidiana, esta vez alterada para desarrollar un sueño robótico, la apuesta de dotar de alma los objetos de materia inanimada, no es más que esto, el nacimiento de la escultura según el mito de Pigmalión3, el conseguir que brote la vida de lo representado en un bloque de piedra o madera mediante la talla del cuerpo de la persona perdida, muerta, y así recobrada gracias a la concesión divina del hálito de vida. Toda la Escultura es esto, es esta silla mecánica aquí presentada, el hombre como dador de vida mediante su inteligencia, ciencia y arte. Y aquí radica su maravilloso milagro y su también eterno y genial fracaso.

Dando un verdadero salto tanto físico como narrativo nos situamos frente a la instalación Labra pérfida, cuyo argumento central es la interpretación y manipulación que el hombre realiza de la naturaleza y de sí mismo usando como herramienta el criterio científico, con Victoria Maldonado como autora. Está, como podemos deducir, intrínsecamente relacionada con la obra anterior de Jonathan Rodríguez en cuanto al concepto base sobre el que se construye la instalación. Como hemos dicho, el cientificismo se conforma como herramienta del hombre para entender la vida y la muerte y como práctica clasificadora de nuestra realidad, de nuestro propio cuerpo. En el caso que nos ocupa encontramos también una feroz crítica mediante el uso del símbolo, aquí creado, seriado y clasificado, del sexo de la mujer. No ha dejado escapar la autora la ocasión para traernos ante nosotros el uso de la mujer como objeto y también del abuso y la discriminación ya sea positiva o negativa de lo femenino en el arte, pero presentado fríamente, calladamente, como objeto de estudio diseccionado y cuidadosamente clasificado. Como colofón a esta línea argumental, nos deslumbramos ante la magnífica instalación Decir, escuchar,

leer el aliento (Cabeza lectora), de Fram Ramírez, cuyos complejos argumentos circulan alrededor de los conceptos de la memoria, el tiempo, y el discurso como material. Los conceptos que hemos visto por separado en las piezas anteriores los vemos aquí magistralmente urdidos y todos ellos configuran y sirven de fundamento para el más determinante de todos y que aquí es novedad, el Tiempo. El tiempo que es vida, el tiempo que es inteligencia, el tiempo que es arte, el tiempo que es muerte. Con la aplicación de los conocimientos mecánicos manifestados en un motor de un microondas casero al que le reduce por dos veces la velocidad de giro, construye un artefacto al que suspende de un brazo giratorio con largos hilos un vaciado de su propia cara, la del artista. Esta gira melancólicamente a una velocidad casi imperceptible emitiendo un pequeño haz de luz fría desde sus labios hasta un disco de cristal apoyado sobre un toro de sección triangular hecho de sal. En la instalación encontramos varios materiales que el artista usa y mezcla con maestría, uno es el cristal o vidrio como material intangible soporte de la doble acción lectora y escritora donde la forma se puede representar suspendida en el espacio como ya nos mostró Duchamp en sus obras, por ejemplo el Gran vidrio, material donde tiene lugar el bucle infinito de la cabeza lectora/grabadora. La sal como metáfora de vida, memoria y muerte, sustancia momificadora de los cuerpos y ritual egipcio en los tránsitos de las almas. El movimiento como representación de la inteligencia y la vida, el movimiento como intermediario, lectura, comprensión e interpretación del espacio y el tiempo. La luz como discurso, como lo que se dice y se escucha, como hálito de vida, como alma del que habla, que no sabe el tiempo transcurrido ni el que le queda por

recorrer. El que mantiene el discurso es el autor presente a través de su autorretrato vaciado en escayola. Esta pieza central de la muestra es una suma de todas las demás, de ahí su importancia y es por esto que su lugar en el recorrido narrativo de la exposición es colofón y también índice de todo lo que las demás obras anteriores nos han mostrado particularmente.

Jesús Marín Clavijo Comisario de la exposición

1 El profesor de Física John Cramer, de la Universidad de Washington en Seattle, ha conseguido reproducir el sonido del Universo temprano a partir de lecturas del cosmos realizadas con el proyecto PLANK de la E.S.A. Fuente: http://faculty.washington.edu/jcramer/ BBSound_2013.html (consultado el 15 de octubre de 2013).

2 El experimento del gato de Schrödinger o paradoja de Schrödinger es un experimento imaginario concebido en 1935 por el físico Erwin Schrödinger para exponer una de las consecuencias menos intuitivas de la mecánica cuántica.

3 Pigmalión es una figura legendaria de Chipre, un antiguo Rey. Aunque Pigmalión es la versión griega del nombre real fenicio Pumayyaton, es más familiar a partir de Las metamorfosis de Ovidio, obra en la que se presenta a Pigmalión como un escultor enamorado de una estatua que había hecho él mismo, y a la que la diosa Afrodita dota de vida.

SONGS FROM SPACE

Rubén de la Vega Prieto LAS FORMAS DEL ARTIFICIO, 2013 Instalación Maderas y cortezas de árbol Dimensiones variables

¿Alguna vez se ha encontrado alejado del ruido de la ciudad? ¿Qué es lo que sintió? Sin duda, lo natural y lo urbano parecen ser los ejemplos perfectos para ilustrar parejas de palabras como “sinónimo/antónimo” o “calor/frío”. Las cuestiones que se plantean en esta obra se encuentran ligadas estrechamente con lo anterior. El sistema actual crea realidades que ocultan lo inherente en el ser humano como, por ejemplo, nuestra necesidad de relación con la naturaleza. Este trabajo recoge una parte de la naturaleza y la exhibe en el espacio expositivo tradicional. La obra que se contempla no pretende cuestionar las funciones del museo o galería. Está presentando como dudoso el acto de trasladar lo natural a lo urbano; de fusionar la sinonimia y la antonimia. Crear un artificio partiendo de lo natural puede desembocar en una nueva naturaleza que pierde su esencia original.

Dolores Lozano Palomo DESEOS, 2013 Construcción en madera 170 x 300 x 200 cm Es una escultura y son varias a la vez, son pequeños “personajes” con vida propia e independiente. Su altura a través de sus patas… esa especie de zancos. Son la cura para protegernos de las heridas asignadas por esos agentes que condicionan nuestra sociedad, a la vez que construyen nuestro lugar de resguardo. La escultura preocupada por la forma y la idea de la casa puede ayudamos a comprender estructuras básicas, que hoy ya definitivamente parecen estar caducas, estas propuestas intentan reflexionar, casi siempre mediante metáforas, sobre el mundo que los hombres se han construido desde que fueron expulsados del paraíso, desde que los hombres son hombres, desde que vivimos la vida. La sociedad de hoy, crea imposiciones que limitan nuestros movimientos y nos privan de libertad, aludiendo a condicionantes sociales que catalogan nuestra cultura. Por tanto, y como “deseos” de… espacio…, protección…, libertad…, actualidad…, altura…, creatividad…, e inspirada en los mismos, doy forma a mi trabajo, como obra poética y artística. El “deseo” es la iniciativa para hacer cosas que quizá nunca haríamos. Si deseas algo con mucha fuerza déjalo en libertad, si vuelve a ti, siempre fue tuyo; si no regresa, no te pertenecía desde el principio. Desear es esperanza, es vivir, sentir, soñar, volar. <<Es un gran privilegio ser capaz de trabajar con mis sentimientos (y también fuera de ellos) a través de la escultura. >> Louise Bourgeois.

Antonio Jaime Nebro Enrique Sánchez Torres Jonathan Sánchez Ávila DARKNESS, 2013 Escultura de hierro blanco y pintura acrílica negra mate 60 x 90 x 90 cm

Con la realización de esta escultura se intenta transmitir un ritmo a través de los planos creados en la obra que hacen al espectador observarla de un modo continuo. Vemos cómo se puede abarcar un determinado espacio solo con la delimitación de unos pocos planos, y cómo se forma un volumen sin la necesidad de llenar el espacio, acotándolo con estos mismos planos, así como también con el plegamiento de algunos puntos de la estructura se consigue que esta adopte un volumen más pronunciado. Cabe destacar la importancia de los juegos de luces y sombras sobre esta obra, por lo que el color negro mate de la escultura se torna en diferentes tonos según sea la incidencia de la luz sobre esta.

Cynthia Gutiérrez Reyes ERA ZURDO DE UNA OREJA, 2013 (Obra perteneciente al proyecto Balada del mar salado) Técnica mixta Dimensiones variables

Bajo los auspicios de la poética de la desaparición, se yerguen imágenes construidas a razón del extrañamiento del propio personaje en derredor. Se establecen, mediante el juego de fragmentos, ideas aparentemente desconectadas. Acentuando la sensación de desasosiego a partir de el uso de un espacio, donde el espectador es partícipe de la escena y se hace eco de ese deseo del suelo por ser recorrido.

Ana Isabel Angulo Delgado ESTRUCTURAS DE VACÍO, 2013 Construcción con tablero de aglomerado y pintura Dimensiones variables

<<El amaestramiento social ya no se realiza por imposición disciplinaria ni tan solo por sublimación, se efectúa ahora por autoseducción. El narcisismo, nueva tecnología de control flexible y autogestionado, socializa dessocializando, pone de acuerdo a los individuos con un sistema social pulverizado, mientras glorifica el reino de la expansión del ego puro>>. Lipovetsky. El cuerpo de un edificio como estructura de vacío nos puede contar muchas historias. Aquí el pasillo toma intimidad cuando suele ser un lugar de encuentro y las habitaciones quedan expuestas. ¿Somos acaso como edificios vacíos haciendo pública nuestra vida privada en la era de las redes sociales y del individualismo?

Rocío Reyes Sánchez (de derecha a izquierda): ACOTACIÓN I. DIBUJANDO EN EL TECHO DE LA MESA, 2012 Técnica mixta 45 x 50 x 20 cm ACOTACIÓN II. MERENDANDO BAJO LA SILLA, 2012 Técnica mixta 45 x 55 x 20 cm ACOTACIÓN III. ANIDANDO EN EL TRASTERO, 2012 Técnica mixta 45 x 50 x 20 cm ACOTACIÓN IV. LEYENDO BAJO EL PARAGUAS, 2012 Técnica mixta 45 x 55 x 20 cm ACOTACIÓN V. ALICATANDO UN SUEÑO, 2012 Técnica mixta 50 x 45 x 20 cm

La búsqueda de refugios es una práctica innata en el ser humano que se intensifica en la infancia, donde el uso incorrecto de los objetos cotidianos se generaliza. La casa es un elemento de integración sicológica, morada de recuerdos y de olvidos. Como dijo Bachelard, es el primer universo de la cotidianidad, pero se proyecta como un auténtico “microcosmos”: una unidad de imagen y recuerdo. Su funcionalidad reside en que sirve como detonante del proceso de reminiscencia, de la evocación de unos conceptos claros que a menudo coinciden en la mente de cada individuo. Las piezas desprenden un halo de juego que invita al adulto a recuperar la ilusión infantil de descubrir secretos escondidos.

Alberto Delgado Arcas CIUDAD Y ARTE, 2013 Vaciado y talla en escayola Dimensiones variables

<<El Arte es una herramienta que ha de servir al público para comprender las inquietudes del artista, sean de un modo conceptual o explícito, pero de manera que cualquier observador entienda, ya que las artes son el medio de comunicación entre el artista y el espectador. Si el vehículo del mensaje es equívoco, la percepción será errónea>>.

Jonathan Rodríguez Santibáñez DEPENDIENTE, 2013 Construcción en madera y mecanismo articulado 80 x 50 x 60 cm

Las tecnologías son algo intrínseco al ser humano, nos constituyen desde estratos muy profundos. Han estado con nosotros desde que comenzamos como especie y cada vez son más necesarias a medida que nos vamos desarrollando y se van desarrollando. Es por tanto imposible prescindir de ellas. Hoy en día, rodeados de tantas tecnologías y de medios tan variados podemos comprender que los cambios que estas provocan en nosotros son en conjunto tantos y de tan diversos tipos que es imposible desprendernos de ellas sin perder por el camino parte de lo que somos. Nuestra relación con ellas es tan estrecha que somos realmente uno con la tecnología. Se integran en nosotros mismos, nuestros cuerpos reaccionan para incorporarlas. Quitarte esas “extensiones” sería equivalente a una amputación.

José Ramón Jiménez Martínez-Algora ETYMON, 2013 Construcción en madera 300 x 80 x 80 cm

Etymon aborda el espacio como contexto contenedor social del individuo y la capacidad de este a su adaptabilidad, no exenta de confusión, conflicto y fractura encarnada en la confrontación intimista de sus propias percepciones, cuestionamientos y reflexiones. Una visión intrínseca del individuo como entidad focalizada y enraizada, en su necesidad y complejidad de crear mundos vertebrados a partir de una concatenación de marcos referenciales impuestos, que inducen a un articulado y aún así precario equilibrio de su voluntad, anexado de temores, desestructuración e inseguridades que marcan y reformulan profundamente su propia raíz.

Paloma de la Cruz 90-60-90, 2013 Construcción en tela 150 x 50 x 55 cm

La diversidad es lo que nos hace ser especiales y nos confiere una personalidad diferente a la de los demás. Si seguimos escuchando y acatando lo que nos impone la sociedad actual, todas las mujeres terminaremos por usar un único sostén.

Fram Ramírez DECIR, ESCUCHAR, LEER EL ALIENTO (CABEZA LECTORA), 2013 Cristal, escayola, motor, cable de acero, led Cristal: 100 cm diámetro. Medidas variables

El proyecto Por desgracia del verbo, reflexiona desde la escultura en torno a varias cuestiones, entre ellas la idea de la boca como lugar corpogeográfico que acoge inmanencia y trascendencia: la ingesta, el sexo, el vómito, el lenguaje, el canto, y el aliento. Decir o escribir “aliento” es solo manifestar una palabra, un sustituto. El aliento se dice al expirar, es la palabra primera del verbo previa al lenguaje. Decir el aliento es existir y decirlo, y escucharlo, con el oído interno, un sonido que deviene lectura aural de nuestro propio ritmo respiratorio. El aliento es aquí encarnado en luz, revelado al observador, pero invisible para la cabeza lectora de ojos cerrados -Narciso invidente-, que retorna escuchando su reflejo alentado en la transparente fragilidad de su existencia.

Elena Anaya Cabanding Ana Durán Martín Alba Ruiz Mora OSO MORBOSO, 2013 Peluches, hilos y motores Dimensiones variables

Vivimos en un tiempo en el que los niños tienen una consola antes que un peluche, donde la sobreinformacion nos embriaga y las influencias nos conducen por otros caminos. Hablamos de inocencias corrompidas por las nuevas tecnologías y por la presión social que nos obliga a crecer aún cuando no es el momento. Los niños dejan de lado los juguetes infantiles para intentar adentrarse en el mundo adulto llegando la sexualidad a sus manos antes de lo previsto.

Juan Galán Molina Francisco M. Dorado Redondo REFUGIO PÉRFIDO, 2013 Construcción en madera 210 x 150 x 180 cm

El concepto parte desde la idea de cabañas de árbol, estos refugios personales eran nuestros espacios creativos. En él fluían nuestros pensamientos y crecimos en él. Ese entorno poseía nuestras identidades y tenían nuestros nombres. Mientras crecíamos ellos también cambiaban. Lo malo de que la gente crezca y se haga mayor es que con el tiempo abandonan estos sitios para formarse como personas objetos, en lo cual les va a servir para prepararse en este mundo y ser personas productivas, que a veces no es así, sino que el camino de toda esta sintonía acaba en un fracaso educativo y social. Lo mismo pasa con estos lugares, con el tiempo suelen ser transformados o deteriorados como las personas. Por eso digo que las personas maduran con el entorno, y este con el ente humano.

Xenia del Águila Albacete BROKEN, 2013 Papel fotográfico sobre foam Tamaño de las fotografías: 100 x 70 cm

“...cuando volví ya no quedaba nada, todos mis recuerdos se habían llenado de grietas y polvo...”

Victoria Maldonado LABRA PÉRFIDA, 2013 Instalación Varios materiales 170 x 220 x 50 cm

Victoria Maldonado construye un fundamento de ficción que se convierte en el leitmotiv de su pérfido sistema de representación. Así, entiende que el arte está en un continuo periodo de renovación, y a su vez acumula una compleja arqueología difícil de exponer de una forma totalmente transparente. Por ello, adopta una mirada irónica apropiándose del lenguaje de la ciencia de la entomología, generando una obra muerta, en la cuál cada parte de su proceso queda plasmada de una forma instantánea con un tiempo registrado y clasificado, una obra sin presente basada en huellas ficticias que construyen un recuerdo falaz, generando una arqueología del presente. Todo ello, enfatizado a través de la tautología—repetición inútil y viciosa—que caracteriza la obra, lo que potencia su carácter hilarante.

Elena Anaya Cabanding OVUM, 2013 Talla en escayola 30 x 33 x 38 cm

Pese a su juventud artística, demuestra en esta pieza que sabe trabajar con la minuciosidad, el amor y la exactitud con la que articula un artista que se compromete con su obra. Además de conseguir dotar de vida y movimiento a una materia inerte, mediante sutiles tensiones, es capaz de recrear en nuestro imaginario, una protoforma que está por nacer o desarrollarse; sin llegar a ser ninguno en concreto, representa un cigoto o un huevo en evolución.