Art Daily News International Magazine | Revista Internacional de Noticias de Arte Diarias by Fatima Canovas

Art Daily News International Magazine Quarterly Edition | Volume 1 ****

Revista Internacional de Noticias de Art Diarias EdiciĂłn Trimestral |Volumen 1

Connecting the world through art and culture ****

Conectando el mundo a travĂŠs del arte y la cultura

Curatorial Consultant | Consultora Curatorial:

Silvia Medina Advisory Panel | Panel de consejeros:

Aleksander Alembert:

Interior Design | Diseño de interiores

Ileana Collazo:

Philanthroply | Filantropia

Miguel Collazo:

Digital Art & Procreate | Arte digital & Procreate

Kelly Fischer:

International Artistic Ambassador/Liason | Embajadora/intermidiaria artistica internacional

Marjorie Guyon: Public Art | Arte público

Sini Kunnas:

Art for Healing | Arte para revitalizarse

Rene by RR:

Fashion Design | Diseño de moda

Mission:  To educate, entertain, and inform its readership  To provide a free-of charge platform where art buyers, collectors, curators, dealers, and lovers | artists and their representatives | fair, project, pop-up, and show organizers | fashion and interior designers and decorators | for profit and nonprofit institutions and museums | gallerists | public art entities can gaing global exposure and make vital connections  To isolate the adverting section so readers can immerse themselves in the editorial content without distractions Art Daily News International Magazine’s online edition launched June 8th, 2015; its first feature, “Havana’s 21st Biennial, a Half Century Later,” captivated readers and set the publication on the road to worldwide success. January 2019, with international backing and the support of an artistic community eager to share their stories with the world, the magazine is launching its quarterly online/printon-demand edition to complement its on-going online platform. As countless art-related online and print publications pour out of every corner of the world each day, Art Daily News International Magazine aims to stand apart from the rest by providing focused, multi-purpose content that serves as a solid bridge that connects and benefits artists, those who represent and exhibit them, and the art lovers and collectors who admire and acquire their works.

Fatima Cánovas

Misión:  Educar, entretener e informar a sus lectores  Proporcionar una plataforma gratuita donde compradores de arte, coleccionistas, curadores, comerciantes y amantes del arte | artistas y sus representantes | organizadores de ferias y proyectos | diseñadores de moda e interiores y decoradores | organizaciones con y sin fines fines de lucro y museos | galeristas | entidades de arte público pueden presentarse al mundo y formar alianzas  Separar el contenido editorial de la sección de publicidad para que los lectores puedan sumergirse en su contenido sin distracciones. La edición de las redes sociales de la revista fue lanzada el 8 de junio de 2015; su primer articulo, "La 21 Bienal de La Habana, medio siglo después", cautivó a los lectores y propulsó la publicación en el camino al éxito mundial. En enero de 2019, con el respaldo internacional y el apoyo de una comunidad artística ansiosa por compartir sus historias con el mundo, la revista lanza su primera edición trimestral; disponible en linea, con abilidad de ordenar copias imprimidas para complementar su plataforma en en internet. Cada día innumerables publicaciones de arte son impresas y presentadas en el internet en todos los rincones del mundo; la Revista Internacional de Noticias de Arte Diarias propone diferenciarse del resto al proporcionar un contenido enfocado en proveer un solido puente que conecta y beneficia a los artistas, las personas que los representan y exponent y los amantes del arte y coleccionistas que admiran y adquieren sus obras.

Fatima Cánovas

Table of Contents: Creatives: Where it All Begins Present-day Creatives:  The Seeker: Tutua Boshell        

The Innovator: Ileana Collazo The Explorer: Miguel Collazo The International Success: Kelly Fischer The Philosopher: Marjorie Guyon The Arts Healer: Sini Kunnas The Sower of Dreams: Miler Ramirez The Young Rising Star: Consuegra Romero The Communicator: Evelyn Walg

 The Adventurer: Lucía Zalbidea Creatives from the not-too-distant Past:  Man, Woman, and the History of Art: Janet Sobel and Jackson Pollock  Passionate Madness: Séraphine Louis and Vincent van Gogh

Índice de contenido: Los Creativos: El Comienzo de Todo Creativos Contemporaneos:  La indagadora: Tutua Boshell  La innovadora: Ileana Collazo  El explorador: Miguel Collazo  El éxito international: Kelly Fischer  La filósofa: Marjorie Guyon  La revitalizadora por via del arte: Sini Kunnas  El sembrador de sueños: Miler Ramírez  La joven estrella en ascenso: Consuegra Romero  La comunicadora: Evelyn Walg  La aventurera: Lucía Zalbidea Creativos de un pasado cercano:  El hombre, la mujer y la historia del arte: Janet Sobel y Jackson Pollock  Apacionada Locura: Séraphine Louis y Vincent van Gogh

Creatives: Where it All Begins Alluring, captivating, glamorous, and mesmerizing; the art world originates in the garages, living rooms, studios, and any other space artists find nooks to create dumbfounding amounts of work â&#x20AC;&#x201C; most of them overlooked by the world at large, very few presented to art lovers and collectors. But, the glamour and excitement of international art fairs, the alluring art galleries and exhibition spaces, the impressive array of online art-related websites, and the grandeur of art museums cannot exist without creatives. Clumped into categories that include abstract, conceptual, digital, photography, sculpture, their uniqueness can fade in the eyes of their audiences. But, upon closer scrutiny, it becomes quite obvious that each artist strives to make a very personal statement; whether by attempting to break new ground or honoring the past by integrating styles and techniques from a long and rich legacy into their work. The process of creating is a passionate one, a love affair undertaken without regard for risk of failure or the assurance of financial compensation. Still, love is reckless, and every piece of art ever created shares one common imprint; the traces of the heart and soul of the artist that made it. The creatives selected for this edition represent a perfect sampling of the personalized diversity of philosophy and implementation that continues to build on the foundation of the legacy that decorates humanity with the visions of the dreamers and lovers that dedicate their lives to making art.

Los creativos: el comienzo de todo Fascinante, cautivador, glamoroso e hipnotizante; el mundo del arte comienza en los garajes, las salas, los estudios y en cualquier otro espacio donde artistas encuentran rincones para crear asombrosas cantidades de trabajo - la mayoría ignorados, muy pocos presentados a amantes del arte y coleccionistas. Pero el lujo y la emoción de las ferias de arte internacionales, las fascinantes galerías de arte y espacios de exposición, la impresionante variedad de sitios web relacionados con el arte, y la grandeza de los museos que lo exponen no pueden existir sin sus creadores. Agrupados en categorías que incluyen abstracto, conceptual, digital, fotografía, escultura, su singularidad puede desvanecerse ante los ojos del público; pero, tras un análisis más detallado, es obvio que cada artista se esfuerza por compartir una declaración artistica muy personal; ya sea intentando abrir nuevos caminos, o honrando el pasado al integrar estilos y técnicas del historico legado artistico de su trabajo. El proceso de creación es apasionado, una aventura amorosa en la cual se embarca sin importar el riesgo de fracaso o la garantía de compensación financiera. Aun así, el amor es imprudente, y cada pieza de arte creada comparte una cosa en común; las huellas del corazón y el alma del artista que la creó. Los creativos seleccionados para esta edición representan una perfecta muestra de la diversidad de la filosofía y la implementación que continúa agregando a la base del legado que decora la humanidad con las visiones de los amante soñadores que dedican sus vidas al arte.

Present-day Creatives

Doing what they love; struggling to make it count ****

Creativos Contemporaneos Haciendo lo que aman; luchando por ser reconocidos

Ileana Collazo: The Innovator | Visual Artist/Poet â&#x20AC;&#x153;I learned all I needed to about creating art as a young girl in my grandmother's garden - where I sat doing what as an adult I call meditating. That quiet spot became my temple. Many years passed before I began to birth the creations conceived in my early daydreams. I started to write fiction and poetry, and then my mind exploded into a galaxy of colors, shapes, and movement as I began to paint on a variety of surfaces, digitally, and then added photography and digital visual art to my artistic spectrum. My art is representative of the twists and turns we take in the course of our daily lives, and of the awe-inspiring beauty that surrounds us. My work is my gift to the world, and to everyone who falls in love with it. I was born in Cuba, and have lived in Spain, New York, Vermont, and Massachusetts. I now reside in Miami, Florida with my artist husband Miguel Collazo, four dogs, and cats in the yard.â&#x20AC;?

Human Woman: The Female Identity | Self-portraits | “Before and Now” | Digital Art | 2018

La innovadora | Artista visual / poeta “Aprendí todo lo que necesitaba para crear arte cuando era niña en el jardín de mi abuela, donde me sentaba a hacer lo que de adultome refiero a meditar; ese tranquilo lugar se convirtió en mi templo. Pasaron muchos años antes de que comenzara a dar luz a las creaciones concebidas en los sueños de mi niñez. Comencé a escribir ficción y poesía, y luego mi mente explotó en una galaxia de colores, formas y movimientos al comenzar a pintar en una variedad de superficies, digitalmente, y luego agregar fotografía y arte visual digital a mi espectro artístico. Mi arte es representativo de los giros y vueltas que tomamos en el curso de nuestras vidas diarias, y de la belleza imponente que nos rodea. Mi trabajo es mi regalo para el mundo y a todos aquellos que se enamoren de él. Nací en Cuba y he vivido en España, Nueva York, Vermont y Massachusetts.

"Ahora recido en Miami, Florida, con mi esposo artista Miguel Collazo, cuatro perros y gatos en el patio". Human Woman: The Female Ientity | Self Portraits | “The Scrapbook of my Life” | Digital Art | 2018

“I take photographs - sometimes of all the obvious things that we all see, and others of things we tend to overlook - like items tossed roadside, a section of what I initially see in the lens's frame... - then, I digitally mix and match the images to create the finished work. When I paint – digitally or on a physical surface - I allow colors, shapes, and movement to guide me to express the language that floats inside my brain. “ Alternate Landscapes | “Alternate Landscapes 11” | Digital Art | 2017

“Some artists stick to one subject, but I find life to be too rich in content for me to do so; that said I invite you to explore the full scope of my subject matter.”

“Algunas veces fotografío lo obvio, otras lo que tendemos a pasar por alto, como objetos descartados en la basura, una sección de lo que inicialmente veo a traves del lente ... – luego combino las imagines digitalmente para crear el trabajo final; cuando pinto, digital o en una superficie física, permito que los colores, las formas y el movimiento me guíen aexpresar el lenguaje que flota dentro de mi cerebro”.

Perfect Chaos Azul 2 | Digitized Acrylic on PBC Board | 201

â&#x20AC;&#x153;Muchos se a un

artistas someten tema

espesifico, pero considero que la vida es demasiado rica en contenido para seguir ese modelo; esto dicho, los invito a explorar el amplio abarque de mis esfuerzos creativos".

Flower Ghosts |

â&#x20AC;&#x153;Glass Flowerâ&#x20AC;? | Digital Art | 2017

"While receiving brings us joy, giving is the gift we give ourselves. Each time we help someone, another flower blooms in earth's garden."

Ileana Collazo , Art Philanthropist

Via her philanthropic chapter, "Love of Philanthropy," Collazo donates to nonprofits - from grassroots to major institutions - on a one-time basis, and ongoing personalized campaigns created, aggressively marketed, and managed for them free of charge. She invites art lovers/collectors, nonprofits, and institutions who wish to support one of her ongoing campaings to visit Philanthropic Projects on her website, or suggest an organization to add to her projects, and make art purchases on their behalf; the entity will receive a percentage of the sales revenue in the donor's name. In collaboration with Art Daily News International Magazine and Art Daily News International Magazine Special Editions, she is able to create campaigns for an infinite number of organizations.

Flower Ghosts | “Night Bloom” | Digital Art | 2018

"Mientras que recibir nos alegra, darle al projimo es el regalo que nos damos a nosotros mismos. Cada vez que ayudamos al projimo, otra flor nace en el jardín colectivo de la humanidad".

Ileana Collazo , Filántropa de Arte

A través de su capítulo filantrópico, "El amor por la filantropía" , Collazo dona a organizaciones sin fines de lucro – de pequeña a alta escala – por una vez, y por campañas en curso personalizadas creadas, agresivamente comercializadas y mantenidas gratuitamente. La artists Invita a los amantes / coleccionistas de arte, organizaciones sin fines de lucro e instituciones que deseen apoyar a una de sus campañas en curso a visitar Proyectos Filantrópicos en su pagina de web, o sugerir una organización para agregar a sus proyectos y adquirir para beneficiarlas; las entidaded recibirán un porcentaje de los ingresos por ventas a nombre del donante. En colaboración con Revista Internacional de Noticias de Arte Diarias y Ediciónes specialeded de la Revista Internacional de Noticias de Arte Diarias, ella puede crear campañas para un número infinito de organizaiones.

At the Dawn of Time | Digital Art | 2015

"I paint with words and write with images."

Ileana Collazo , Poet

â&#x20AC;&#x153;At the dawn of time, visual arts was born, holding its breath until words joined it. Together, they move the senses with a reckless force only matched by nature. I sometimes meld the two to create one experience, and other times let them each forge their separate paths. Music, the elusive ghost, often accompanies me on my creative journey.â&#x20AC;? Click on the links below or visit the Poetry link on the website to read her poetry: On the Road to Eternity | Volume 1 https://issuu.com/fatimacanovas/docs/on_the_road_to_eternity_volume_1 A Sad Sense of Belonging | Volume 2 https://issuu.com/fatimacanovas/docs/a_sad_sense_of_belonging_volume_2 Halfway Down the Lane | Volume 3 https://issuu.com/fatimacanovas/docs/halfway_down_the_lane_volume_3

Abstracts Series | “Memory Stains” |Digital Art | 2018

“Yo pinto con palabras y escribe con imagine.”

Ileana Collazo , Poeta

“Al amanecer del universo, nacieron las artes visuales, conteniendo la respiracion hasta encontrarse con las palabras. Juntas, alumbran los sentidos con una fuerza eminente que solo se compara con la naturaleza. A veces combino los dos artes, y otras permito que cada una forje su propio camino separados; la música, el esquivo fantasma, a menudo me acompaña en mis viaje creativos". La poesía de los 3 volúmenes en la página previa puede ser traducida al español por pedido especial.

Selected Works ****

Obras Seleccionadas

Abstracts Series | “Red Tide 2” | Digital Art | 2018

Alternate Landscapes Series | “Alternate Landscapes 2” | Digital Art | 2017

Light Tunnels Series | Galactic Collision | Digital Art | 2017

All the Pretty Things Series | “Moonlit Garden Prowler 1” | Digital Art | 2018

All the Pretty Series | “If I Wings 9” | Art | 2018

All the Things in the Ocean 2Digital

Things had Digital

Pretty Series | “Midnight Deep 4” | Art | 2018

All the Pretty Things Series | “My Heart 2” | Digital Art | 2018

All the Pretty | “One more | Digital Art |

Things Series Rainy Day 1” 2018

Galactic Gardens Series | Galactic Gardens 1 | Digitized Colored Pencils on Paper | 2017

Flower Ghosts Series | â&#x20AC;&#x153;Fading Memory | Digital Art | 2018

Human Woman: The Female Identity Self Portraits Series | “I am Here, Behind the Mask” | Digital Art | 201

Human Woman: The Female Identity She is what She Wears Series | “Workweek Uniform 4” | Digital Art | 2018

Human Woman: The Female Identity She is what She Wears Series | “Champagne Fridays 1” | Digital Art | 2018

Human Woman: The Female Identity Who We are Series | “Bleeding Heart, Papge Wings” | Digital Art | 2015

The Others Series | Holding Hands in the Garden | Digital Art | 2018

Water Gardens Series | Water Gardens 1 | Digitized Acrylic on Mylar | 2016

Universe Miami's Industry Night Performers Platform | on-stage poetry reading | digital projection | Will Call Miami | Miami, Florida | 8/7 The Busk Stop Underground Performance Movement Event | Live Painting | Miami, Florida | 7/25 Miscellaneous: *Artistic Ambassador for the City of Miami *Board Member for Life Is Art *Philanthropist through Collazo Art Studio's Love of Philanthropy Chapter *Public Art Grant Recipient of the 2014 Historic Little Havana Arts District Beautification Project sponsored by the Miami Foundation for a Greater Miami and the Health Foundations of South Florida *Public Art Participant in the 2015 Historic Little Havana Arts District Beautification Project *Public Art Participant in the Miami-Dade County Transit Loves Art Public Transportation Beautification Project *Winner of the 2013 Art Slant 7th & 8th Showdown worldwide competitions *Winner of the 2013 Public Space Challenge, "Make Your Place," Little Havana's Historic Art District Featured in: *Art Daily News International Magazine *Art Districts Magazine *Art Map London *Art Rabbit London International Contemporary Art Platform *Art Talk with Susana Baker Radio *Arte Mundo Latino *Brickell Magazine *El Show de Nancy Venevision Television Network TV *FIU School of Broadcasting Radio *LMG TV *Mia Radio *Miami Art Guide *Miami Art Scene *Self Discovery Radio * Seminario Argentino *The Harriett Lerman Voice of the People Radio * The New Tropic Magazine

The Sower of Dreams: Miler Ramirez “I constantly listen to music while I paint. Life is movement.” For Miler Ramirez, being an amazing creative in his own right is not enough. He aims to leave a much larger imprint on the long artistic legacy started in the caves of our human ancestors. He is accomplishing this mission by helping many other artists realize their dream of successfully exhibiting and selling their works. A trend-setter by nature, Miler founded Peripheries Arts in his Stufenbaur, Ittigen, Switzerland loft in 1996; where he organized exhibitions in his loft apartment for 14 years until 2010 when Peripheries became a “walking” gallery. At present, exhibitions are held in a variety of venues and through exciting partnerships with galleries. The shows present contemporary art by national and international artists that may otherwise not have the opportunity to share their creativity with art lovers and collectors; as well as well-established creatives who share his passion for enhancing the global cultural landscape. Born in Colombia in 1955, Miler Ramirez studied graphic design and design at the University of Bogotá and taught at Cali’s Art College before moving to Switzerland in 1985; where he established himself as a successful independent painter. His artistic expression focuses on employing light and color to express universal concepts like emotions and values. He masterfully accomplishes his task by rendering works in which reflected light occupies space; enveloping and involving the spectators; beckoning them to become an integral part of the work rather than passive observers. The combination of fluorescent acrylics and UV lights bring encrypted messages that do not seem present without illumination. The light source gives voice to the works; paraphrasing slogans and enthusiasm and provoking utopian reflections that speak of man and his destiny and universal metaphors. Each piece becomes a call to action as the light beckons viewers to read the messages; much like the ancient lemon juice on which secret messages only appeared on the paper when exposed to candlelight. Miler’s impactful artistic expression - while employing the new technologies of acrylic paints and light – carry with them a magical aura infused with poetic

mystical and spiritual emotions reminiscent of pre-Columbian art populated with anthropomorphic figures bearing a surprising refinement when considering that his ancestors rendered them over 2,500 in the distant past. His Swiss "Aargauer Urviecher" painted cows – rendered in his captivating style – attract viewers with their pure form and color. His seemingly archaic red, blue, yellow, green, and orange figures rendered in pulsating traces of color move with mesmerizing rhythm as if they are vibrating to a fast beat melody. The artist achieves this effect through a drip-paint technique where he paints and drips in motion on the canvas, layer by layer, creating a rhythmic movement of lines and ethno-figures that dance and free-float on the surface. His work has exhibited in Neuchâtel, Neuenburg, Muri, Bern, Genf, Ittigen, Zurich, and Lugano Switzerland | Miami, Florida, United States | Moscow, Russia | Istanbul, Turkey | Brussels, Belgium | Hamburg and Munich, Germany | Cape Town, South Africa | Andorra I Trieste, Italy | Geneva | Barcelona, Spain Ramirez’s works intend to propose a different experience centered on an alternative way that celebrates the transition from art to culture. A selection of a refined collection of pre-Columbian sculptures dating back to 500 BC included in one of his exhibitions - a corollary to his work - serves as a historical a reference and a link with his expressive language that refers to an art that wants to involve the intellect to express its definition. To view and acquire his work visit: http://miler-art.ch/flash/miler.html

El sembrador de sueños: Miler Ramírez "Siempre pinto acompañado por música. La vidase encentra en el movimiento. " Para Miler Ramírez, ser un impactante creador no es suficiente, su objetivo se enfoca en imprimir una huella mucho más hoda en el largo legado artístico iniciado en las cuevas de nuestros antepasados; y definitivamente está cumpliendo esta misión al ayudar a una multitud de artistas a realizar el sueño de exponer y vender sus obras. Un creador por naturaleza, Miler fundó Peripheries Arts en su buhardilla en Stufenbaur, Ittigen, Suiza en 1996; donde organizó exposiciones en su apartamento/studio dearte durante 14 años hasta el 2010, cuando Peripheries se convirtió en una galería "ambulante". En la actualidad, las exposiciones se llevan a cabo en una gran variedad de lugares y a través de alianzas con galerías; mostrando arte contemporáneo de artistas nacionales e internacionales que de otra manera no tendrían la oportunidad de compartir su creatividad con amantes del arte y coleccionistas; así como creadores bien establecidos que comparten su pasión por impactar el mudo cultural. Nacido en Colombia en 1955, Miler Ramírez estudió diseño gráfico en la Universidad de Bogotá, y enseñó en el Colegio de Arte de Cali antes de mudarse a Suiza en 1985; donde se estableció como un exitoso pintor independiente. Su expresión artística se centra en emplear luz y color para expresar conceptos universales fundidos con emociones y valores; magistralmente realizando su propuesta al presentar trabajos en los cuales la luz reflejada ocupa su propoio espacio, involucrando a los espectadores e invitandoles a que se conviertan en una parte integral del trabajo en vez de observadores pasivos. La combinación de acrílicos fluorescentes y luces UV revelan los mensajes encriptos que no son visibles sin iluminación. La luz da voz a las obras; parafraseando lemas y entusiasmo y provocando reflexiones utópicas que hablan del hombre, su destino, y metáforas universales. Cada pieza se convierte en un llamado a acción, ya que la luz demanda que los mensajes sean leídos; al igual que el antiguo uso del jugo de limón para encriptar mensajes que solo se hacían visibles a la luz de las velas.

La impactante expresión artística de Miler – la cual emplea las nuevas tecnologías de pinturas acrílicas y luz - conllevan un aura mágica impregnada con emociones místicas, poéticas, y espirituales que traen a la mente el arte precolombino poblado de figuras antropomórficas que demuestran un refinamiento sorprendente; considerando que fue creado hace más de 2,500 años. "Aargauer Urviecher," sus vacas suizas pintadas en su cautivador estilo, atraen a los espectadores con su pura forma y color. Sus arcaicas figuras en tonalidades de rojo, azul, amarillo, verde y naranja - representadas en pulsantes trazos de color se mueven con un ritmo hipnótico; como si estuvieran vibrando al sonido de una pulsante melodía; el artista logra este efecto a través de una técnica de goteo, donde pinta y gotea, capa por capa, en el lienzo, creando un movimiento rítmico de líneas y etnográficas que bailan y flotan libremente sobre la superficie. Su trabajo ha sido expuesto en Neuchâtel, Neuenburg, Muri, Berna, Genf, Ittigen, Zurich y Lugano Suiza | Miami, Florida, Estados Unidos | Moscú, Rusia | Estambul, Turquía | Bruselas, Bélgica | Hamburgo y Munich, Alemania | Ciudad del Cabo, Sudáfrica | Andorra I Trieste, Italia | Ginebra | Barcelona, España Las obras de Ramírez intentan proponer una experiencia diferente, centrada en una forma alternativa que celebra la transición del arte a la cultura. Una selección de refinadas esculturas precolombinas que datan del año 500 a.c., las cuales frueron incluídas en una de sus exposiciones, sirivieron como un corolario de la obra de la obra del artista; una referencia histórica que formó un vínculo con su lenguaje expresivo, el cual se refiere a un arte que involucra el intelecto para alcanzar su definición. Para ver y adquirir su trabajo visite: http://miler-art.ch/flash/miler.html

The Young Rising Star: Consuegra Romero "I love art. Feeling drawing is feeling the soul of art. Today, the investigation with my artistic commitment focuses on being sincere with me and with the world we live in; seeking the truth and the soul of drawing to strip it of superficiality, lies, and the blinded mediocrity inside which we are buried. Furthermore, I am interested in exploring the ballpoint pen technique to scratch, blur, dirty, draw, and paint; always forgetting that I have a ballpoint pen in my hand."

Congragation Series | “Congragation 5” | Ballpoint Pen and Marker on Paper | 2017

Born in Cordoba, Spain, Consuegra Romero embodies the romantic innocence of the artist who is genuinely in love with art for its own sake. With each stroke of the pen, she scores the paper with exquisite lines that generate characters that mesmerize and captivate art lovers and collectors. Alone or in groups, her “story people” are found in overwhelming situations that beckon viewers to stay fixed on the work, intent on learning all they can about the stories unfolding inside her minuscule invented worlds. Simply rendered with ballpoint pens with an

unrefined stroke that depicts a non-doctrinal graph, these worlds are powerful depictions of deep meaning and emotions. The artist’s love affair with art began at age 15 when she came upon a Salvador Dali book and spent several hours of the afternoon pouring over the images; mesmerized by a world whose existence she was, up to that moment, totally unaware of. That very day she told herself, “I want to do this.” Consuegra draws her inspiration from emotions and experiences; employing drawing as a mirror on which she projects the internal sensations that disturb and unsettle her – cleansing her body, mind and innermost self with each creative session with the paper. While blue ballpoint pens are her primary drawing tool, she uses fluorescent felt pens for pre-meditated color impact over the different blue tonalities. Though she enjoyed mastering a great variety of disciplines in the course of her Fine Arts studies, drawing, painting, and digital art became the primary focus of her later works. Her most impactful encounter with drawing started in the summer of 2015 while she was experiencing an existential crisis. This life event created a turning point in her artistic career. She began to draw in small sheets of paper in the room she slept as a child -scribbling with the only available tool, a ballpoint pen. This unique approach to rendering - coupled with her uncanny storytelling abilities – has quickly catapulted her work into the mainstream of contemporary art and the hands of eager collectors who quickly recognize her mastery and uniqueness. From 2003 to 2015 the artist participated in collective exhibitions in galleries and artistic centers in Spain; exhibiting large format acrylic works and integrating digital art into her creative process. In 2015, she traded brush for pen and canvas for paper; because paints and brushes were not available to her during that fateful summer when, while in the midst of an experiencing an existential crisis, she needed to purge her thoughts and fears through artistic expression. This unexpected turn of events led her to develop her work through drawing. The artist continued to share her work on social media, art galleries, museums, and art fairs until July 2017 when she signed a contract to be represented by Vero Beach, Florida- based Art Concept Alternative; which she refers to as ‘a dream come true.’ “I feel profoundly grateful to Silvia Medina and Niurka Barroso for immediately recognizing my work’s potential when they first met at the 2017

Malaga Art Fair and making my dream of becoming an integral part of the US and international art scene.” Her US debut with Art Concept Alternative took place at the 2017 Boston Fine Art Fair in Boston, MA; followed by Pinta Art Fair during Miami Art Week 2017 and the Sala Museo San Juan de Dios Group Exhibition, “Caminos Encontrados” (“Found Paths”) in Orihuela, Alicante, Spain. Romero’s past exhibitions include: Art Fair Malaga 2017 |Malaga, Spain | 2017; Mulier Mulieris Convocation of Visual Art | The Museum of the University of Alicante | Alicante, Spain in 2017; BANG IX International Video Art Festival | Contrast Gallery and H2O Gallery | Barcelona, Spain | 2016; Collective Exhibition New Arrivals | Gallery Espai | Barcelona, Spain | 2016; International Collective Exhibition DEBUT at Zero Gallery in Barcelona, Spain in 2016; International Art Festival INCUBARTE | The Valencian Museum of Enlightenment and Modernity | Valencia, Spain | 2015; ALART, Art of Nit a Alaró | The Addaya Center of Contemporary Art | Mallorca, Spain | 2015; ARCOTANGENTE Fair | Arcotangente Gallery | Madrid, Spain | 2009; Untangle, Andalusian Competition of Plastic Arts | The Rector of the Malaga University | Malaga, Spain | 2009; Granada University Visual Arts Awards | The Royal Hospital Center | Granada, Spain | 2009; Young Plastic Arts Competition | The Gran Capitán Center | Granada, Spain | 2009; XXLart, Artistic Figuration in Large Format | The Institute of America Center Damián-Bayón | Santa Fe, Spain | 2008. Her work is part of the (MUA) Museum of the University of Alicante Collection and included in the 2017 ART FAIR MALAGA Artists Catalog, and the 2016 FLAMANTES Book of Artists. She created the covers of the 2017 Higinio Orduña’s Potajenesis Album by Ay Manuela Label, Spain and the 2016 Higinio Orduña’s La Cuesta del Recinto EP, Discos Imaginarios Label, Spain. Her collections include: Light On | Feeling Plate | Congregation | By the River | Fiction Life | Back to Back | Face to Face | Blue Heads | Family Meeting | Living Rooms | Paura |Fashion Magazine For more information about the artist contact: Art Concept Alternative To View more of her work visit: http://www.consuegraromero.com/

Selected Works ****

Obras Seleccionadas

Tempest Series | “Tempest 6” | Ballpoint Pen and Marker on Paper | 2018

We are Series | “We are 3” | Ballpoint pne and Marker on Paper | 2018

Light on Series | “Light on 2” | Ballpoint Pen and Marker on Tablecloth | 2017

Feeling plate | Front of the Plate: Adhesive Viniyl on Acacia Wood | 2017

Congregation Series | “Congregation 8” | Ballpoint Pen and Marker on Paper | 2017

By the River Series | “By the River 7” | Ballpoint Pen and Marker on Paper | 2017

Fiction Life Series | “Fiction life 4” | Ballpoint Pen on Paper | 2016

Whims Series | “Whim 4” | Ballppoint Pen and Marker on Paper | 2017

For You Series | “For you 7 | Ballpoint Pen on Paper | 2017

Games Series | “Games 7” | Ballpoint Pen on Paper | 2016

Who? Series | “Who? 10” | Ballpoint Pen on Paper

Back to Back Series | “Back to back 10” | Ballpoing Pen on Paper | 2016

Face to Face Series | Face to face 5 | Ballpoint Pen on Paper | 2016

Blue Heads Series | “Blue head 14” Ballpoint Pen on Paper | 2016

Family Meeting Series | “Familiy meeting 12” | Ballpoint Pen on Paper | 2016

Living Rooms Series | “Living Room 4” | Ballpoint Pen on Paper | 2015

Paura Series | “Paura 7” | Ballpoint Pen on Paper | 2015

Deux Series | Deux for you 5/7 | Ballpoint Pen on Paper | 2016

Fashion Magazine Series | Magazine 8 | Ballpoint Pen on Paper | 2015

La joven estrella en ascenso: Consuegra Romero "Me encanta el arte. Sentir el dibujo es sentir el alma del arte. Hoy, la investigaciĂłn con mi compromiso artĂstico se centra en ser sincera mi misma y con el mundo en que vivimos, buscando la verdad y el alma del dibujo para despojarlo de la superficialidad, mentiras y mediocridad en la cual nos hemos atrapado. desenfocar, ensuciar, dibujar y pintar; olvidando que tengo un bolĂgrafo en la mano."

Congregation Series | “Congregation 7” | Ballpoint Pen and Marker on Paper | 2017

Nacida en Córdoba, España, Consuegra Romero engendra la inocencia romántica de la artista que está genuinamente enamorada del arte. Con cada trazo del bolígrafo, Consuegra puntúa el papel con líneas exquisitas que generan personajes que hipnotizan y cautivan a amantes del arte y coleccionistas. Solos o en grupos, sus "personajes” se encuentran en situaciones abrumadoras que atrapan a los espectadores en las obras mientras tartan de aprender todo lo que puedan sobre las historias que se desarrollan dentro de sus minúsculos mundos inventados. Simplemente representados con bolígrafos con un trazo no refinado los cuales representan un gráfico no doctrinal, estos mundos muestran poderosas representaciones de profundos significados y emociones. La relación amorosa de la artista con el arte comenzó a los 15 años cuando encontró un libro de Salvador Dalí y pasó varias horas de la tarde hechizada por las imágenes; hipnotizada por un mundo cuya existencia le era, hasta ese momento, totalmente ajeno. Ese día se dijo: "Quiero hacer esto.” A Consuegra la inspiran las emociones y las experiencias; emplea el dibujo como un espejo en el cual proyecta las sensaciones internas que la perturban y la inquietan; limpiando su cuerpo, mente y su más íntimo con cada sesión creativa sobre el papel en el cual dibuja. Los bolígrafos azules son su principal herramienta, pero tambien utiliza rotuladores fluorescentes para crear areas de color sobre las diferentes tonalidades azules. Aunque disfrutó aprender a dominar una gran variedad de disciplinas en el curso de sus estudios de Bellas Artes, el dibujo, la pintura, y el arte digital se convirtieron en los medios principales de ejecutar su trabajo; su enfrente más impactante con el dibujo comenzando en el verano de 2015 cuando se encontró en medio de una crisis existencial. Este evento creó un punto de inflexión en su carrera artística. Comenzó a dibujar en pequeñas hojas de papel en la habitación donde dormía cuando niña, garabateando con la única herramienta disponible; un bolígrafo. Este inovativo modo de representación, acompañado por su increíble habilidad para contar historias, rápidamente ha catapultado su trabajo a un alto nivel del arte contemporáneo y a las manos de entusiastas coleccionistas que instantaneamente reconocen su maestría y singularidad. Del 2003 al 2015 Consuegra participó en exposiciones colectivas en galerías y centros artísticos en España; exponiendo obras en acrílico de gran formato e integrando el arte digital en su proceso creativo. En 2015, cambió el pincel por el

bolígrafo y el lienzo por el papel porque pinturas y pinceles no estaban disponibles durante ese fatídico verano cuando, en medio de una crisis existencial, necesitaba purgar sus pensamientos y miedos a través de la expresión artística; estos acontecimientos inesperados la llevaron a desarrollar su trabajo a través del dibujo. La artista continuó mostrando su trabajo en las redes sociales, galerías, museos y ferias de arte hasta julio de 2017 cuando firmó un contrato para ser representada por Art Concept Alternative, basada en Vero Beach, Florida, Estados Unidos; a lo que ella se refiere como ‘un sueño hecho realidad.’ "Siento un profundo agradecimiento a Silvia Medina y Niurka Barroso por immediatamente reconocer el potencial de mi trabajo cuando me conocieron en la Feria de arte de Málaga 2017, y por hacer realidad mi sueño de ser parte del escenario artístico internacional y estadounidense." Su debut en los Estados Unidos con Art Concept Alternative tuvo lugar en la Feria de bellas artes de Boston 2017 en Boston, MA; seguido de Pinta feria de arte durante la semana de arte en Miami 2017 y la exposición grupal de la Sala Museo San Juan de Dios, "Caminos encontrados" en Orihuela, Alicante, España. Sus exposiciones incluyen: Feria de arte de Málaga 2017 | Convocatoria de arte visual Mulier Mulieris | Museo de la universidad de Alicante | Alicante, España | 2017; BANG IX festival internacional de videoarte en galería Contrast y galería H2O | Barcelona, España | 2016; Exposición colectiva recién llegados a galería Espai | Barcelona, España | 2016; Exposición colectiva internacional DEBUT | Zero Gallery | Barcelona, España | 2016; Festival internacional de arte INCUBARTE | Museo Valenciano de la ilustración y la modernidad | Valencia, España | 2015; ALART, arte de Nit a Alaró | Centro de arte contemporáneo de Addaya | Mallorca, España | 2015; Feria ARCOTANGENTE | Galería Arcotangente | Madrid, España | 2009; Desenrede, Concurso Andaluz de Artes Plásticas | Rectorado de la universidad de Málaga | Málaga, España en 2009 | Premios de artes visuales de la universidad de Granada | Centro hospital real de Granada Granada, España | 2009; Concurso de artes plásticas jóvenes | Centro gran capitán | Granada, España | 2009; XXLarte, Figuración artística en gran formato en el centro de Damián-Bayón del instituto de America | Santa Fe, España | 2008. Sus obras forman parte de la colección del (MUA) Museo de la universidad de Alicante y están incluidas en el Catálogo de artistas 2017 de la feria de arte de

Malaga y en el Libro de artistas 2016 de FLAMANTES. Diseñó las portadas del álbum Potajenesis 2017 de Higinio Orduña por Ay Manuela Label, España y el EP La Cuesta del Recinto, Higinio Orduña 2016, etiqueta discos imaginarios, España. El trabajo de Consuegra está claramente categorizado en las siguientes colecciones: Luces Encendidas Sensación del Plato Congregación Al Borde del Rio Vida de Ficción ¿Quien? Espalda con Espalda Cara a Cara Cabezas Azules Encuentro Familiar Salas Paura Revista de Moda Para más información sobre Consuegra contacte: Art Concept Alternative: http://www.artconceptalternative.org/ Para ver más imágenes de su trabajo visite: http://www.consuegraromero.com/

The Adventurous Explorer: Lucía Zalbidea ”I feel a strong inclination towards experimenting with all kinds of materials: wood, textiles, and objects I find and sometimes intervene; which reflects my career as an art restorer. My artworks explore the course of life, its traces and invisible marks; and relate to the abstract concepts of waiting, memory, and time.” It is the consensus that artists are adventurous by nature, but many are not; while others, like Zalbidea, are passionately driven to consistently experimenting with a wide range of materials and methods to produce bodies of work that challenge the intellect and mesmerize art lovers and collectors. Lucía was born in Valencia, Spain. A graduate in Fine Arts from Valencia’s Polytechnic University; she developed a successful career as an art restorer at P.U.V., the Department of Preservation and Restoration of Cultural Heritage. She is an Arteenred Group member; the co-founder of Al Marge Espai d’Art Gallery in Javea, Alicante, Spain, and the CEO of Aurelia International Publishing House since 1996. She taught several courses related to her praxis and published several articles on Restoration and Art Techniques in specialized books. The artis presently lives and works in Havana, Cuba; where she is an active participant in Amano Oficio y Diseño - a multimedia platform that includes printed, digital and audiovisual support for the promotion and debate on design, architecture, and craftsmanship in Cuba. Her Series include: Merz ScrapBook The Absence of Presence The Heritage of Time Impronte The Passage of Time Poppies Her Solo Exhibitions include: 2018 Rebirth | Art Concept Alternative Raw Space | Vero Beach, FL

La exploradora aventurera: Lucía Zalbidea "Siento una fuerte inclinación hacia la experimentación con todo tipo de materiales: madera, textiles y objetos que encuentro y algunas veces intervengo; lo cual refleja mi carrera como restauradora de arte. Mis obras exploran el curso de la vida, sus huellas y marcas invisibles; y se relacionan con los conceptos abstractos de espera, memoria y tiempo." Es el consenso que los artistas son aventureros por naturaleza, pero muchos no lo son; mientras que otros, como Zalbidea, son apasionadamente inclinados a experimentar con una amplia gama de materiales y métodos para producir cuerpos de trabajo que desafían al intelecto y fascinan a los amantes y coleccionistas de arte. Lucía nació en Valencia, España y es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia; ella desarrolló una exitosa carrera como restauradora de arte en P.U.V., el Departamento de Preservación y Restauración del Patrimonio Cultural, es miembro del Grupo Arteenred, la cofundadora de Al Marge Espai d'Art Gallery en Javea, Alicante, España, y la directora general de Aurelia International Publishing House desde 1996. Ha presentado varios cursos relacionados con su praxis y publicado varios artículos sobre Restauración y Técnicas Artísticas en libros especializados. La artista actualmente vive y trabaja en La Habana, Cuba; donde participa activamente en Amano Oficio y Diseño, una plataforma multimedia que incluye soporte impreso, digital y audiovisual para la promoción y el debate sobre l diseño, la arquitectura y la artesanía en Cuba. Sus Series incluyen: Merz Álbum de recortes La ausencia de la precencia La herencia del tiempo Huellas El paso del tiempo Amapolas

Creatives from the not-too-distant Past Who did what they loved, and left indelible imprints in the history of art ****

Creativos de un pasado cercano Los cuales hicieron lo que amaban, y dejaron huellas indelebles en la historia del arte

Man, Woman, and the History of Art: Janet Sobel and Jackson Pollock Throughout history, the art scale tilts towards the male artist; and Janet Sobel and Jackson Pollock pose the perfect example. Even when the evidence leads to the conclusion that the woman was the originator and the male the one who followed in her footsteps, it is the man who gets all the attention. In the past, some women adopted male identities to become artists, while others never became a part of the artistic legacy. Though there is still a stigma, female artists have made great strides, and continue to strive for balance and recognition. Janet Sobel - one of the many talented, yet overlooked, female artists left out of the art history discourse - lived in New York during the 1940’s. Her work influenced Jackson Pollock, as she is said to have been making full canvas drip paintings before him. It is well documented that he saw her work and stated that she influenced him greatly. The focus placed on the similarities between Sobel and Pollock’s work blurred the differences that set this incredible female artist apart as a truly unique self-taught artist in her own right. Janet started painting at age forty-three. The mother of five grown children and a grandmother with absolutely no artistic training, this amazing creative started experimenting with her son’s art supplies. Sol – one of Sobel’s sons - promoted her work and captured the attention of artists, critics, and prominent art world figures; rapidly advancing her career. Her short-lived burst of popularity lasted from 1943 to 1947, when a move from New York to New Jersey extinguished the art scene buzz about her. Her gender - in the context of abstract expressionist art also played a big part in her exclusion from the 1940’s and 50’s mainstream movement. **** In stark contrast to Janet Sobel, Jackson Pollok became a major figure in the abstract expressionist movement; and very well known for what the art world regards as his unique drip painting style. During his lifetime the artist enjoyed considerable fame and notoriety as one of the major creatives of his generation. Pollock married artist Lee Krasner, for the second time having a woman become an important influence on his career and legacy. In 1956 – four months after his death at age 44 from an alcohol-related single-car accident – the New York Museum of Modern Art, MoMA, presented a memorial retrospective of his work. A more comprehensive exhibition at the MoMA in 1967

and large-scale retrospective exhibitions at MoMA and The Tate in London in 1998 and 1999 further augmented his legacy. Considering Sobel’s work a “possible influence” on Pollock, Peggy Guggenheim included her work in her The Art of This Century Gallery in 1945.Critic Clement Greenberg saw her work at the gallery in Jackson’s company, and in his essay "American-Type Painting," noted those works were the first all-over painting he had seen, and stated, "Pollock admitted that these pictures had made an impression on him.” Lee Krasner - a very good artist in her own right, and the one who helped her husband access individuals who helped his career via her personal connections with influential people in the art world - did not achieve her due recognition until after his death. She lived out her life under the shadow of his fame, first referred to as Jackson Pollock’s wife, and then an artist.

El Hombre, la mujer y la historia del arte: Janet Sobel y Jackson Pollock A través de la historia, la escala del arte se inclina hacia el artista masculino; Janet Sobel y Jackson Pollock representan el perfecto ejemplo. Incluso cuando la evidencia lleva a la conclusión que la mujer fue la originadora y el hombre el que siguió sus pasos, es el hombre quien atrae toda la atención. En el pasado algunas mujeres adoptaron identidades masculinas para convertirse en artistas, mientras que otras nunca alcanzaron a ser parte del legado artístico. Aunque todavía existe este estigma, las mujeres han logrado grandes avances, y continúan luchando por equilibrio y reconocimiento en el mundo artístico. Janet Sobel, una de las artistas femeninas más talentosas de los años 40, fue excluída del discurso de la historia del arte Neoyorquino de esa década. Su trabajo influenció a Jackson Pollock, ya que ella comenzó a crear pinturas de goteo antes que él. Está bien documentado que Pollock vio su trabajo y afirmó que ella lo influenció mucho. El enfoque en las similitudes entre el trabajo de Sobel y Pollock empañó las diferencias que distinguen a esta increíble artista femenina como una creadora autodidacta verdaderamente única por derecho propio. Janet comenzó a pintar a los cuarenta y tres años; madre de cinco hijos adultos y abuela sin ninguna formación artística, esta increíble creadora comenzó a experimentar con los materiales de arte de su hijo. Sol, uno de ellos, promovió su trabajo y capturó la atención de artistas, críticos y otras prominentes figuras del mundo del arte; avanzando rápidamente la carrera de su madre. Su efímero estallido de popularidad duró del 1943 al 1947, cuando un traslado de vivienda de Nueva York a Nueva Jersey extinguió el furor de la escena artística sobre ella y su trabajo. Su género, en el contexto del arte expresionista abstracto, también jugó un papel importante en su exclusión del movimiento mayoritario de los años 40 y 50. **** En impactante contraste con Janet Sobel, Jackson Pollock se convirtió en una figura importante en el movimiento expresionista abstracto; y muy bien conocido en el mundo del arte, el cual considera su estilo de pintura por goteo como un porceso creativo único inventado por el. Durante su vida, el artista disfrutó de considerable fama y notoriedad como uno de los principales creadores de su generación. Lee Krasner, la esposa de Pollock, fue la segunda mujer la cual tuvo una gran influencia en la carrera y el legado del artista.

En 1956, cuatro meses después de la muerte de Pollock a los 44 años - causada por un accidente automovilístico relacionado con el alcohol - el Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, presentó una retrospectiva conmemorativa de su trabajo. Una exposición más completa en el MoMA en 1967, y exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y el Tate en Londres en 1998 y 1999 grandemente enriquecieron su legado. Considerando el trabajo de Sobel como una "posible influencia" en Pollock, Peggy Guggenheim incluyó su trabajo en la galería El Arte de este Siglo en 1945. Eric Cliff Greenberg, crítico de arte, vió su trabajo en la galería en compañía de Pollock y en su publicacíon, “Arte al estio Americano” comentó: “esas obras eran la primera ‘pintura de superficie completa que el artista había visto”, agregando, "Pollock admitió que estas imágenes lo habían impresionado." Lee Krasner, una buena artista por derecho propio, no logró su debido reconocimiento hasta después de la muerte de su marido; ella vivió su vida en la sombra de su fama; siempre primero introdicida como la esposa de Jackson Pollock y luego como una artista.

Passionate Madness: Séraphine Louis and Vincent van Gogh Dutch Post-Impressionist painter, Vincent Willem van Gogh, is among the most famous and influential figures in the history of Western art. In just over a decade he created 2,100 artworks; including 860 oil paintings, most of them in the last two years of his life. His landscapes, still lifes, portraits, and self-portraits, are characterized by bold colors and the dramatic, impulsive expressive brushwork that contributed to the foundations of modern art. His suicide July 29th, 1890 at age 37 followed years of mental illness and poverty. Born into an upper-middle-class family on March 30th, 1853, Van Gogh drew as a child and was serious, quiet, and thoughtful. As a young man he worked as an art dealer - often traveling - but became depressed after being transferred to London; turning to religion, and spending time as a Protestant missionary in southern Belgium. He drifted in ill health and solitude before taking up painting in 1881; having moved back home with his parents. His younger brother, Theo, supported him financially; the two kept up a consistent correspondence by letters. His early works - mostly still lifes and depictions of peasant laborers - contain few signs of the vivid color that distinguished his later work. In 1886, he moved to Paris, where he met members of the avant-garde - including Émile Bernard and Paul Gauguin, who were reacting against the Impressionist sensibility. As his work developed, he created a new approach to still lifes and local landscapes. His paintings grew brighter in color as he developed a style that became fully realized during his stay in Arles in the south of France in 1888. During this period, he broadened his subject matter to include a series of olive trees, wheat fields, and sunflowers. This mesmerizing artist suffered from psychotic episodes and delusions and, even though he worried about his mental stability, he often neglected his physical health, did not eat properly, and drank heavily. His friendship with Gauguin ended after a confrontation with a razor when, in a rage, Vincent severed part of his left ear. He spent time in psychiatric hospitals; including a period at Saint-Rémy. After he discharged himself and moved to the Auberge Ravoux in Auvers-sur-Oise near Paris, he came under the care of homeopathic doctor, Paul Gachet. His depression continued, and on July 27th, 1890, he shot himself in the chest with a revolver and died from his injuries two days later. Unsuccessful during his lifetime - considered a madman and a failure - he became famous after his suicide, existing in the public imagination as the quintessential misunderstood genius, ‘the artist where discourses on madness and creativity

converge.’ His reputation began to grow in the early 20th century as elements of his painting style came to be incorporated by the Fauves and German Expressionists. He attained widespread critical, commercial, and popular success over the ensuing decades; and is remembered as an important but tragic painter whose troubled personality typifies the romantic ideal of the tortured artist. **** Naïve style self-taught French painter Séraphine Louis - known as Séraphine de Senlis (Séraphine of Senlis) - was inspired by her religious faith and by stainedglass church windows and other religious art. The intensity of her images – in color and replicative design – is at times interpreted as the reflection of a psyche that walked a tightrope between sublime ecstasy and mental illness. The artist was born in Arsy, Oise on September 3rd, 1864 to a manual labor father and a mother from a farm working family who died on Louis’ first birthday. When her father died before she turned seven, her eldest sister became her charge. First employed as a shepherdess, Séraphine became a domestic worker at the convent of Sisters of Providence in Clermont, Oise; and a housekeeper for middle-class families in the town of Senlis as of 1901. After arduous day jobs, the artist painted by candlelight - mostly in secret isolation until her considerable body of work was discovered in 1912 by German art collector Wilhelm Uhde - who saw an apples still-life she painted at a neighbor’s house and was astonished to learn that the housekeeper was the painted it. His support had barely begun to lift her horizons when he was forced to leave France in August 1914; as the war between France and Germany had made him an unwelcome outsider in Senlis; at around the time Louis began to bring to light her eccentric persona. They re-established contact in 1927 when Uhde – back in France and living in Chantilly – visited an exhibition of local artists in Senlis and, seeing her work, realized she survived and her art flourished. Under his patronage, this amazing creative began painting large canvases - some of them two meters high – and achieved prominence as the naïve painter of her day. In 1929, Uhde organized the exhibition, "Painters of the Sacred Heart," featuring Louis's art and launching her into a period of financial success like she had never known and was ill prepared to manage. In 1930, when the effects of the Great Depression destroyed her patrons’ finances, Uhde had no choice but to stop buying her paintings.

In 1932, Séraphine entered Clermont's lunatic asylum with the diagnosis of chronic psychosis. There, her creativity found no outlet. Uhde reported that she had died in 1934, but some believed she lived until 1942 in a hospital annex at Villers-sous-Erquery, where she died friendless and alone; strangers buried her in a common grave. Uhde continued to exhibit her work: at “The Modern Primitives" in Paris in 1932; "The Popular Masters of Reality" in Paris, Zurich, and New York Museum of Modern Art 1937 to 1938 ; the "Primitives of the 20th Century" in Paris in 1942; and finally, in a solo exhibition of her work in Paris in 1945. Her artworks are predominantly rich fantasies of intensely repeated and embellished floral arrangements; using colors and pigments she made from unusual and exotic ingredients never revealed that have stood the test of time for durable vividness. Her paintings' surfaces have a matte, almost waxy appearance. Sometimes her signature (typically "S. Louis") is carved by knife, revealing a ground of contrasting color. In some cases, she appears to have signed her paintings before creating them. Louis was an artist consumed by an irrepressible urge to create, ‘this famous internal necessity of which Kandinsky spoke;’ terms employed by Bertrand Lorquin, conservator of the Musée Maillol in his introduction to the exhibition "Séraphine Louis dite Séraphine de Senlis" at the Musée Maillol in Paris October 1st, 2008 to May 18th, 2009. Her paintings are part of the Musée d'art de Senlis, the Musée d'art naïf in Nice, and the Musée d'Art Moderne Lille Métropole in Villeneuve-d'Ascq. In 2009, the French biographical film Séraphine by director Martin Provost won seven César Awards; including Best Film and Best Actress for Yolande Moreau, who starred in the title role. The film explores the relationship between Louis and Wilhelm Uhde; from their first encounter in 1912 until her days in the Clermont Asylum.

Apacionada Locura: Séraphine Louis y Vincent van Gogh El pintor postimpresionista holandés, Vincent Willem van Gogh, se cuenta entre las figuras más famosas e influyentes de la historia del arte occidental. En poco más de una década creó 2,100 obras de arte; incluyendo 860 pinturas al óleo; la mayoría de ellas en los últimos dos años de su vida. Sus paisajes, naturalezas muertas, retratos, y autorretratos se caracterizan por sus vivos colores vivos y dramaticas e impulsivas pinceladas que contribuyeron a los cimientos del arte modern; au suicidio el 29 de julio de 1890 a la edad de 37 años fue la concecuencia de años de enfermedad mental y pobreza. Nacido en una familia de clase media el 30 de marzo de 1853, Van Gogh – el cual dibujó desde niño - era serio, callado, y reflexivo. De joven, trabajó como vendedor de arte – viajando a menudo y callendo en una depresión al ser transferido a Londres- regresó a la religion y pasó un tiempo sirviendo como misionero protestante en el sur de Bélgica. La mala salud y la soledad lo afligieron mucho antes de comenzar a pintar en el 1881 cuando regresó a vivir en casa de sus padres. Theo, su hermano menor, lo apoyó financieramente, y los dos mantuvieron una consistente correspondencia por carta. Sus primeras obras -en su mayoría naturalezas muertas y representaciones de campesinos - contienen poco del vivo color que distinguió su trabajo posterior. En el 1886, se mudó a París, donde conoció miembros de la vanguardia incluyendo Émile Bernard y Paul Gauguin; quines reaccionaban contra la sensibilidad impresionista. A medida de que su trabajo se desarrolló, puso nuevo enfoque en las naturalezas muertas y los paisajes locales. Sus pinturas adquirieron un color más brillante a medida que adquirió un estilo que se realizó plenamente durante su estancia en Arles, en el sur de Francia, en 1888. Durante este período, amplió su temática para incluir series de matas de olivo, campos de trigo y girasoles. Este fascinante artista sufría episodios de delirio y psicósys y, aunque le preocupaba su estabilidad mental, tendía a descuidar su salud, no comía bien, y bebía mucho; su amistad con Gauguin terminó después de una confrontación con una navaja de afeitar cuando, furioso, Vincent se cortó parte de su oreja izquierda. Pasó tiempo internado en un hospital psiquiátrico; incluyendo un período en Saint-Rémy. Después de que se dio de alta y se mudó al Auberge Ravoux en Auvers-sur-Oise, cerca de París, estuvo bajo el cuidado del médico homeópata Paul Gachet. Su depresión continuó, y el 27 de julio de 1890, se pegó un tiro en el pecho con un revólver y murió de sus heridas dos días después.

Aunque no tuvo éxito durante su vida – siendo considerado un loco y un fracas se hizo famoso después de su suicidio; existiendo en la imaginación pública como el genio erxcelente pero incomprendido, ‘el artista donde convergen los discursos sobre la locura y la creatividad.’ Su reputación comenzó a crecer al pasar los años; y en el siglo XX, los elementos de su estilo de pintura fueron incorporados por los fauves y los expresionistas alemanes. Logró un éxito generalizado, commercial, y popular durante las siguientes décadas; recordado como un pintor importante pero trágico, cuya personalidad problemática tipifica el ideal romántico del artista torturado. **** La pintora francesa autodidacta de estilo ingenuo Séraphine Louis, conocida como Séraphine de Senlis, encontró su inspirarción en su fé religiosa, los vidrios de las ventanas de las Iglesias, y otras obras de arte religioso. La intensidad de sus imágenes - en color y diseño replicativo - a veces se interpreta como el reflejo de una psique que caminaba por la cuerda floja entre el éxtasis sublime y la enfermedad mental. La artista nació en Arsy, Oise el 3 de septiembre de 1864; su padre dedicado al trabajo manual y su madre de una familia campesina que murió cuando Louis cumplio un año. Al morir su padre antes de que ella cumpliera siete años, su hermana mayor asumió la reponsibilidad de cuidarla; empleada por primera vez como pastora, se convirtió en trabajadora doméstica en el convento de las Hermanas de la providencia en Clermont, Oise; y luego como ama de llaves para familias de clase media Senlis desde el 1901. Cada día despues de terminarl su ardua labor, Louis pintaba a la luz de las velas en mayor parte en secreto y aislamiento - hasta que su considerable cuerpo de trabajo fue descubierto en 1912 por el coleccionista de arte alemán Wilhelm Uhde; el cual descubrió una naturaleza muerta de manzanas que ella había pintado en la casa de un vecino; quedandose asombrador al conocer que el ama de llaves era el artista. Su apoyo apenas había comenzado a levantar los horizontes de la artista cuando se vio obligado a abandonar Francia en agosto de 1914 cunado la guerra entre Francia y Alemania lo convertio en un viaitante no apreciado en Senlis; al mismo tiempo que Séraphine comenzó a mostrar su excéntrica personalidad. Louis y el coleccionista restablecieron contacto en 1927 cuando Uhde -de vuelta en Francia y viviendo en Chantilly - visitó una exposición de artistas locales en Senlis y, al ver su trabajo, se dio cuenta de que había

sobrevivido y su arte había avanzado. Bajo su patrocinio, esta increíble creativa comenzó a pintar grandes lienzos - algunos de ellos de dos metros de alto - y alcanzó prominencia como la pintora ingenua mas importante de su época. En 1929, Uhde organizó la exposición, "Pintores del sagrado corazón," presentando el arte de Louis y lanzándola a un período de éxito financiero como nunca había conocido y el cual estaba mal preparada para manejar. En 1930, cuando los efectos de la Ggran depresión destruyeron las finanzas de sus patrocinadores, Uhde no tuvo más remedio que dejar de comprar sus pinturas. En 1932, Séraphine ingresó en el manicomio de Clermont con el diagnóstico de psicosis crónica; allí, su creatividad no encontró regugio. Uhde informó al public que ella había muerto en 1934, pero algunos creen que vivió hasta 1942 en un anexo de un hospital en Villers-sous-Erquery, donde murió sola y sin amigos; y que desconocidos la enterraron en una tumba común. Uhde continuó exhibiendo su trabajo: en "Los modernos primitivos" en París en 1932, "Los popular maestros del realismo" en París, Zurich, y el Museo de Arte Moderno de Nueva York del 1937 al 1938; los "Primitivos del siglo XX" en París en 1942 y, finalmente, en una exposición individual de su obra en París en 1945. Sus obras son predominantemente ricas fantasías de arreglos florales intensamente repetidos y embellecidos; usando colores y pigmentos que ella mezclaba con ingredientes inusuales y exóticos nunca revelados los cuales han resistido la prueba del tiempo mateniendo la viveza y riqueza de sus coloridos. Las superficies de sus pinturas tienen una apariencia mate, casi cerosa. Algunas veces su firma (típicamente "S. Louis") está tallada con un cuchillo, revelando un terreno de color contrastante. En algunos casos, ela parece haber firmado sus pinturas antes de crearlas. Louis era un artista consumida por un impulso irreprimible de crear, ‘esta famosa necesidad interna de la que habló Kandinsky,’ términos empleados por Bertrand Lorquin, conservador del museo Maillol en su introducción a la exposición "Séraphine Louis dite Séraphine de Senlis" en el museo Maillol en París presentada desdel el 1 de octubre de 2008 al 18 de mayo de 2009. Sus pinturas forman parte del museo de Arte de Senlis, el museo de Arte Naïf en Niza y el museo de Arte Moderno de Lille Métropole en Villeneuve-d ' Ascq. En 2009, la película biográfica francesa Séraphine por el director de cinematografía, Martin Provost, ganó siete premios César, incluyendo la mejor

película y la mejor actriz para Yolande Moreau; la cual protagonizó el papel principal. La película explora la relación de Louis y Wilhelm Uhde; desde su primer encuentro en 1912 hasta sus días en el asilo de Clermont.