Las 16 mejores bandas by Fel grox

Las 16 Mejores Bandas de Todos los Tiempos por Felipe Curti

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The doors The Doors Esta página trata sobre el grupo de rock. Para su álbum homonómino, véase The Doors (álbum); Para la película de Oliver Stone, véase The Doors (película). The Doors Estarcido con el rostro de Jim Morrison. Información personal Origen

Estados Unidos, Los Ángeles

Información artística Género

Rock, Hard Rock, Garage Rock,rock psicodélico, rock experimental, blues rock, Proto-Punk

Período de actividad

1965 – 1973

Discográfica(s)

Elektra Records Web

Sitio web

www.thedoors.com

[1]

Miembros → Jim Morrison † → Ray Manzarek → John Densmore → Robby Krieger

The Doors fue un grupo de Rock, formado en Los Ángeles (California, Estados Unidos) en julio de 1965 y disuelto en 1973, que junto con bandas como Jefferson Airplane y Grateful Dead, se convirtió en los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60.

Miembros • • • •

→ → → →

Jim Morrison — voz. Ray Manzarek — teclados, coros. Robby Krieger — guitarra, armónica. John Densmore — batería, percusión.

Historia Orígenes: 1965–1966 En 1964, en la playa de Venice, → Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, → Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray le pidió a Jim que le cantara el tema,

The Doors con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidió unirse a su banda. Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que → Robby Krieger y → John Densmore tocaban en The Psychedelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997. Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception. The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso bajo Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan. Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors. Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go.[2] El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".

1966–1971 1966–67: The Doors El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de

The Doors días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales. Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio. En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000. Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show"[3] (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre. Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.

The Doors

1967: Strange Days Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:

→ Ray Manzarek, teclado

Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que → The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió. Paul A. Rothchild

Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino. "Strange Days" consiste parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End". El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days". El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los Mejores 500 Albums de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors luego del suceso de su álbum debut.

The Doors 1968: Waiting for the Sun Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo. La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, → Robby Krieger, guitarra cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live. Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda toco algunos conciertos mas en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes. El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos. Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison. El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono:[4] Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse."

The Doors Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos? ¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo. Después de unos minutos Morrison cambió el tono: Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero veros bailando en la calle este verano! Quiero veros divertiendoos. Quiero veros correr por ahí. Quiero veros pintando la ciudad. Quiero veros haciendo ruido. Quiero veros gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver vuestra diversión !!!. La grabación se acerca su final con las siguientes palabras: ¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco." Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde". Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo. En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard". La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The

The Doors Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre. El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When The Music's Over" y "Celebration of the Lizard". 1969: The Soft Parade Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "undergound", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el bronce muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse. Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de bronce y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido. En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas. Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor norteamericano Tom Baker. 1970: Morrison Hotel El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos. Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como → Jethro Tull, → Jimi Hendrix, → The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.

The Doors El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación. El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer. 1971: L.A. Woman Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Louisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejo el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.

La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989 En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio grabó sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.

The Doors

Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en La tumba de → Jim Morrison en el cementerio realidad tenía 27 años y su talla Père-Lachaise (París), lugar de peregrinación para fans de oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin todo el mundo sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición. Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató. Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser → Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira. Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.

The Doors Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60. En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.

Los años 1990 y después En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era. En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger. Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek publicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation: La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En

The Doors el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.[5] Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de the Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo: Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.[6] The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sim embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo: Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.[7] Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo. Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.

Estilo El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por → Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de → Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.

Filosofía La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. el nombre forma parte de la cita de Huxley " cuando las puertas de la percepción sean depuradas todo se reflejara ante el hombre tal cual es- infinito"

The Doors

Discografía Álbumes de estudio Álbum

Año

The Doors

1967

Strange Days

1967

Waiting for the Sun

1968

The Soft Parade

1969

Morrison Hotel

1970

L.A. Woman

1971

Other Voices

1971

Full Circle

1972

Álbumes en vivo y compilaciones Álbum

Año

Absolutely Live

1970

Live In Boston

1970

Weird Scenes Inside The Gold Mine

1972

An American Prayer

1978

Alive, She Cried

1983

The Best of the Doors

1985

Live At The Hollywood Bowl

1987

The Doors (soundtrack)

1991

In Concert

1991

Box Set

1997

Bright Midnight: Live in America

2002

Live in Hollywood

2002

Legacy: the Absolute Best

2003

The Very Best of The Doors

2003

The Doors

Véase también • • • •

→ Jimi Hendrix Grateful Dead Janis Joplin → Led Zeppelin

Archivos multimedia • Versión de ejemplo de Break on Through

[8]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6]

http:/ / www. thedoors. com Whiskey a Go Go (http:/ / www. shadowplays. com/ archive/ boot. php) http:/ / archives. cnn. com/ 2002/ SHOWBIZ/ TV/ 10/ 03/ ed. sullivan. sidebar/ The Miami Incident (http:/ / www. doors. com/ miami/ one. html) Riders on the Storm (http:/ / www. thenation. com/ doc/ 20020708/ densmore) Drummer Nixes Doors Song for TV Ad (http:/ / www. courant. com/ news/ custom/ latest/ sns-celebrity-1005doorssong,0,2383895. story)

[7] Music Quotes, The Doors (http:/ / www. amiright. com/ quotes/ doors. shtml) [8] http:/ / upload. wikimedia. org/ wikipedia/ en/ e/ e7/ BreakonThrough. ogg

Jim Morrison Jim Morrison

Retrato realista a lápiz de Jim Morrison. Información personal Nombre

James Douglas Morrison Clarke

Nacimiento

8 de diciembre de 1943

Origen

Estados Unidos, Melbourne, Florida

Muerte

3 de julio de 1971 27 años Francia, París

Ocupación(es)

poeta, cantante Información artística

Alias

The Lizard King Mr. Mojo Risin

Género

rock, rock psicodélico, blues

Jim Morrison

Período de actividad

1965 - 1971

Discográfica(s)

Elektra Records

Artistas relacionados

→ The Doors

Miembros → Ray Manzarek → Robby Krieger → John Densmore

James Douglas Morrison (n. 8 de diciembre de 1943, Melbourne, Florida, m. 3 de julio de 1971, París, Francia), mejor conocido como Jim Morrison, fue un poeta, cantante y actor estadounidense, célebre por ser el vocalista del grupo de rock → The Doors.

Biografía James Douglas Morrison nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y Steve Morrison. Tuvo 2 hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera militar de su padre y vivir en diversas bases militares (a los 14 años de edad ya había tenido 7 hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en la forma de ser de Jim, tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía. La relación que llevó con su padres (en especial con su madre) y hermanos siempre fue la de quien no quiere ser parte ni comprometerse. A Jim lo confundía enormemente la autoridad que sobre él se ejercía ya que, en las largas ausencias de su padre era su madre quien llevaba la batuta, pero al volver Steve era entonces él quien mandaba a todos, excepto a Clara, la cual solía humillarlo delante de sus hijos ordenándole sacar la basura o lavar el refrigerador. Así lo recordaba Jim amargamente: "Le ordenaba sacar la basura y él sin chistar lo hacía". Esta actitud forjó en Jim un pésimo concepto hacía la autoridad y hacia quien la ejercía, concepto que habría de cargar consigo el resto de su vida (sus arrestos y encuentros con la policía habrían de confirmarlo). El joven James se marchó de su hogar a los 19 años. Era un muchacho alto y fornido, siempre desarrapado que podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudiaba en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, estudiando en la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End, como soundtrack de introducción para su película ambientada en la guerra de Vietnam, titulada: "Apocalypse Now". Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues estaba desilusionado de la carrera y de la comercialización en la industria cinematográfica. Decidió enfocarse de lleno a lo que él considero siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitándoles largos y complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimiento para Jim, por un lado el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, cortesía de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro lado el

Jim Morrison nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier, cosa que rodeaba a Jim pero que jamás adoptaría e incluso desdeñaría debido a su habitual nihilismo y conocimiento avanzado. Por ejemplo, Jim no podía conciliar en su mente temas hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología. Se dice que Jim Morrison tenía un alto coeficiente intelectual:149.[1] Aunque este no esta comprobado en las pruebas de IQ de aquellos días es cierto que Jim leía textos complejos para la mayoría, que tocaban las obras de autores como Friedrich Nietzsche, Aldous Huxley, Jack Kerouac, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Un profesor de Jim incluso relató después a sus biógrafos que iba a la bliblioteca del congreso para ver si existían algunos de los libros que Jim decía leer. Los profesores de la universidad charlaban tendidamente con Jim sobre libros de este tipo, y algunos, también en declaraciones a los autores de la biografía de Jim,[2] definieron esas charlas así: "Parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él". En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con → Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba frente de la banda Rick and the Ravens). Como un medio de difusión para su poesía, Jim le mostró un par de trabajos a los cuales él creía se le podía musicalizar. Manzarek le pidió que le cantará alguno y Jim sentado en la suave arena de Venice entonó los primeros versos del poema denominado Moonlight Drive. Al escucharlo, Manzarek aceptó formar junto con él una banda de rock "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando a The Doors con Manzarek en los teclados, → Robby Krieger en la guitarra y → John Densmore en la batería (estos dos últimos procedenes del grupo The Psychedelic Rangers). El nombre → The Doors, está inspirado en una cita de William Blake: «Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito», y en el título de un ensayo de Aldous Huxley, inspirado también en la cita anterior, Las Puertas de la Percepción que sirven para pasar al otro lado. Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como "Whisky a Go Go". Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada "The End", Morrison añadía o quitaba en ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Una noche, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, tuvo que ser llevado por sus compañeros de banda casi a rastras hacia el bar, de alguna forma lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End y, tal como lo hacía todas las noches, improvisaba sobre la música de esa canción, mas aquella noche habría de terminar formando parte no sólo en la leyenda de The Doors sino en la del la cultura rockera en general cuando Morrison diera su, muy original versión acerca de la tragedia del personaje griego Edipo quien, por azar cruel del destino, terminara matando a su padre y desposando a su madre. Morrison lo dijo así: -Father? (¿Padre?) -Yes, son? (Sí, hijo.) -I want to kill you... (Quiero matarte.)

Jim Morrison -Mother? (¿Madre?) -I want to... fuck you!!!. (Quiero... ¡follarte!) Especificado en la cancion "The End". Para el dueño del local aquello fue demasiado y terminando la función les echó del local, mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes. En 1967 el grupo publicó su primer álbum llamado simplemente The Doors. Fue con el sencillo Light My Fire (escrito íntegramente por Robbie Krieger) que la banda tocó la estratósfera y se mantuvo varias semanas a la cabeza de popularidad en la revista Billboard, en el famoso verano del amor de 1967. Cabe resaltar el dramático cambio que experimentó Morrison hasta convertirse en la estrella del grupo The Doors. Durante su infancia y adolescencia Morrison tuvo muchos problemas de personalidad, que hicieron que fuera una persona muy insegura. Su mayor influencia, de adolescente y como cantante y en cuanto al medio escénico, fue Elvis Presley, a quien no conoció, Retrato de Jim Morrison. ni vio en concierto, pero de quien conocía prácticamente todo su repertorio, especialmente lo producido por Presley en la disquera SUN, como fue "Mystery Train", la cual interpretó muchas veces en sus conciertos en vivo. Su mayor obstáculo para unirse al grupo fue que sufría miedo escénico. Sus primeros conciertos los hizo dando la espalda al público. De hecho, se ha asegurado que Jim Morrison sufría un problema de TLP (Trastorno límite de personalidad, o BDP, Borderline disorder of personality). Esto le llevó a tomar drogas antes de cada concierto. Fue tanto el impacto que tuvieron en él las drogas, que hicieron que se volviera un experto en el tema, en especial con el peyote, interesándose en el chamanismo. Incluso escribió un tratado sobre las drogas. También se dice que se caracterizaba por sus pequeños bailes al estilo indio-chamanista, y que al llegar a la ciudad de Los Ángeles, vio la muerte de un indio en un accidente. La leyenda dice que si ves a un indio morir, su espíritu se entorna hacia a ti, que fue lo que le habría pasado a él. Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, a raíz de una actuación en la que algunos asistentes, aunque no hubo pruebas gráficas fehacientes, afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación (entre otras cosas), fue llevado a juicio; en 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.

Jim Morrison

Es importante hacer notar que Morrison abandonó la carrera musical en su momento de mayor popularidad, y cuando The Doors estaba convirtiéndose en el único grupo norteamericano que competía con éxito con las grandes bandas británicas como → The Beatles o The Rolling Stones. Con su nombre completo, James Douglas Morrison, ya había publicado tres libros de poemas de elevado lirismo y singularidad: The Lords (Los Señores), The New Creatures (Las Nuevas Criaturas), An American Prayer (Una oración americana).

La tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, París.

Estos libros tienen la complejidad de poder leerse como filosofía y, por momentos, como ensayos sociológicos o manifiestos conceptuales. El 3 de Julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, pero también se ha especulado en los últimos años que murió de SIDA por el estilo de vida que llevaba, sin embargo, la enfermedad no era conocida por aquellos años). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa. También se pone en duda su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes, ya que poco tiempo antes de morir él así lo especificó en un testamento. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía (lo que hace pensar en un soborno). Otras versiones dicen que murió de una sobredosis de cocaína (droga a la que era muy aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y posteriormente trasladado a su casa. El epitafio de Jim Morrison está escrito en griego antiguo (Kata ton daimona eaytoy) y se puede traducir como "cada quien su propio demonio".

Su relación con las drogas y después de su muerte Jim Morrison consumía varios tipos de drogas: (LSD, cocaína, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas drogas psicoactivas. Sin embargo, jamás se inyectó heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas, por la cual era imposible que se inyectara esta sustancia. Otro ejemplo claro de lo en contra que estaba Jim de la heroína, es que cierto día encontró a Pamela fuertemente drogada con heroína y fue en busca del proveedor de esta sustancia, que era un conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína era la droga de su predilección por el efecto "acelerador". Varios años después de la muerte de Jim Morrison se realizaron muchas especulaciones: varias personas afirmaban haber visto al conocido "rey lagarto" en un café de París y también fue presuntamente visto en sitios de mala reputación de la ciudad de Los Ángeles vistiendo un atuendo de cuero completamente negro, aunque estos rumores nunca fueron

Jim Morrison comprobados. Las zonas en que se describe haber visto a Jim Morrison son frecuentadas por el underground y la comunidad gay de Los Ángeles. También se ha dicho que, después de su muerte, una persona que vestía como el cantante y alegaba ser él mismo, sacaba dinero con cheques a su nombre. Jim Morrison murio a los 27 años al igual que otros famosos artistas rockeros como Brian Jones, → Kurt Cobain, → Jimi Hendrix y Janis Joplin. → Ray Manzarek (el teclista de The Doors) declaró: “Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte – creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés – y poniendo un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta – África, quien sabe – ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.

Filmografía Jim en vida actuo en la película HWY. • Val Kilmer da vida al cantante en la película The Doors, dirigida por Oliver Stone. → Ray Manzarek ha expresado su descontento con esta película, alegando que Morrison era muy diferente al personaje que se observa en la película de Oliver Stone [3]. • Ashton kutcher también interpretó a Jim Morrison en la película "esa chica me pone" , en el año 2000. • En la película "El Mundo Según Wayne II" Wayne sueña con el espíritu de Jim Morrison.

Bibliografía - Desierto vol. I y II - Los señores - Las nuevas criaturas - Una plegaria americana - Una noche americana - Soledad - Sueño esmeralda

Referencias [1] Biografía de Jim Morrisson [2] Biografía de Jim Morrisson [3] http:/ / www. classicbands. com/ RayManzarekInterview. html

(Danny Sugerman; Jerry Hopkins (1996). Jim Morrison: Nadie Sale Vivo De Aquí. Torrejón de Ardoz: Celeste Ediciones, S.A.. 8482110721.) • Hopkings, Jerry (2005). El rey lagarto Lo esencial de Jim Morrison, 2 ediccion edición, Grupo Editorial Tomo, pp. 340. ISBN 970-666-192-1.

Jim Morrison

Véase también • → The Doors

Enlaces externos Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jim Morrison.

Wikiquote •

Wikiquote alberga frases célebres de Jim Morrison.

• Jim Morrison en Pere-Lachaise (http:/ / www. landrucimetieres. fr/ spip/ spip. php?article663) (en francés)

John Densmore John Densmore Información personal Nombre

John Paul Desnmore

Nacimiento

1 de diciembre de 1944 (64 años)

Ocupación(es)

Baterista Información artística

Alias

John Densmore

Género

Jazz, Rock

Instrumento(s)

Batería, Percusiones

Período de actividad

1965 -

Discográfica(s)

Elektra Records

Artistas relacionados

→ The Doors

Miembros → Jim Morrison → Ray Manzarek → Robby Krieger

John Densmore nació el 1 de diciembre de 1944 en Santa Monica, California fue el baterista de el grupo musical → The Doors Estudió en el Santa Monica College y en el Cal State Northridge. Fue baterista del grupo de Rock "→ The Doors" de 1965 a 1973. John Densmore dejó el rock en los años '80. Se dedicó al dance, integró la Bess Snyder and Co., la cual realizó giras por los Estados Unidos durante dos años. En 1984 debutó como actor en Skins en el Teatro La Mama de Nueva York. Co-produjo la pieza Rounds, que ganó el premio de teatro de la NAACP en 1987. En 1988 actuó en Band Dreams y en Bebop. Escribió y realizó una pieza unipersonal para una historia corta, The King of Jazz, en el teatro Wallenboyd en 1989. Con Adam Ant, co-produjo Be Bop A Lula, en 1992.

John Densmore

Entró al Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998. En el 2007 lanzó su debut como solista, llamado Tribaljazz.

Enlaces externos • Sitio oficial

[1]

Referencias [1] http:/ / www. johndensmore. com/

Ray Manzarek Ray Manzarek

Ray Manzarek Información personal Nombre

Raymond Daniel Manczarek

Nacimiento

12 de febrero de 1939 (70 años) Chicago, Illinois, EE. UU.

Ocupación(es)

Músico, Director, Productor Información artística

Alias

Ray Manzarek Ray "Screaming" Manzarek

Género

Rock, Jazz, Blues

Instrumento(s)

Teclados electrónicos Voz

Período de actividad

1965 hasta la actualidad

Discográfica(s)

Elektra Records

Artistas relacionados

→ The Doors

Miembros → Jim Morrison → Robby Krieger → John Densmore

Ray Manzarek nació el 12 de febrero de 1939 en Chicago, Illinois y su nombre original es Raymond Daniel Manczarek, fue el tecladista de el grupo → The Doors. Sus primeras notas en el piano fueron a los 9 años. Fue tecladista de The Doors entre 1965 y 1973, período en el que la banda actuó con su formación original compuesta también por → Jim Morrison (Voz), → Robby Krieger

Ray Manzarek (guitarrista) y → John Densmore (baterista). Conoció a Jim Morrison mientras estudiaba cinematografía en la UCLA. Tras finalizar el curso, en un encuentro casual de ambos en las playas de Venice, California, Morrison leyó y cantó una canción que acababa de escribir, Moonlight Drive, y Manzarek quedó facinado con al crudeza y composición de la misma, Ray invitó a Jim a la banda de él y sus hermanos, llamada Rick & The Ravens, pero al resto de la banda no le parecían las ideas de Jim Morrison, así que Manzarek llamó a unos compañeros de meditación, → Robby Krieger y → John Densmore, ambos provenientes de una llamada The Psicodelic Rangers; se puede decir que Manzarek junto a Morrison son los elementos fundadores del que posteriormente sería famoso cuarteto. Los teclados de Manzarek son básicamente el sonido característico de The Doors, gracias a su estilo psicodélico. Como The Doors no contaban con bajista, ese sonido lo realizaba Manzarek con un "Fender Rhodes Piano Bass" (un teclado que suena como un bajo) en las actuaciones en vivo. En las grabaciones de estudio la banda contó con distintos bajistas contratados para tocar, ya que según Paul A. Rothchild, el ingeniero de sonido de la banda, el bajo ejecutado por los "Fender", no tenía un sonido nítido. En los conciertos en vivo también se contó con su participación vocal, en temas como Close To You, y una versión de Hello, I Love You en vivo desde Europa, también grabó sesiónes en estudio, tales como Tightrope Ride y You Need Meat, incluido en el álbum L.A. Woman (Deluxe Edition). Después de la muerte de Jim Morrison en 1971, Ray Manzarek junto con el resto de la banda, lanzaron un par de discos con mediano éxito, donde él y Robby Krieger hacían de vocales. Manzarek decide disolver la banda en 1973. Ray lanzó algunos discos al mercardo, con muy poco éxito. Para finales de los 70's y principios de los 80's, Ray Manzarek fue productor de la banda de punk californiana The X. Para el año 2000, Ray Manzarek junto a Robby Krieger y Ian Astbury (ex miembro sucesivamente de Southern Death Cult, Death Cult, The Cult y Holy Barbarians), tocan los temas clásicos de la legendaria banda con el nombre de Riders on the Storm, realizando giras internacionales. John Densmore no forma parte del proyecto ya que sufre de acúfenos (tinnitus), enfermedad que le limita para tocar la batería. En febrero de 2007, Ian Astbury decide volver a su legado con The Cult, dejándole el puesto de vocal a Brett Scallions.

Robby Krieger

Robby Krieger Robby Krieger

Información personal Nombre

Robert Alan Krieger

Nacimiento

8 de enero de 1946, 63 años

Origen Ocupación(es)

Estados Unidos, Los Ángeles

Guitarrista Compositor Información artística

Alias

Robby Krieger

Género

Rock Blues Flamenco Jazz

Instrumento(s)

Guitarra (Gibson SG)

Período de actividad

1965 - activo

Discográfica(s)

Elektra Records

Artistas relacionados

→ The Doors

Web Sitio web

Sitio

[1]

Robert Alan Krieger nació el 8 de enero de 1946, en Los Ángeles, California. Guitarrista de Rock and roll y compositor. En la banda → The Doors actuó como guitarrista y escribió algunas de las canciones más famosas, como "Light my fire", "Love Me Two Times", "Touch Me" y "Love Her Madly" Además el 2003 la revista Rolling Stone lo puso en el número 91 en su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Biografía Robby Krieger aprendió a tocar guitarra cuando iba a la Menlo School, un internado en San Francisco. Empezó afinando un ukelele como las cuatro últimas cuerdas de una guitarra e imitaba algunas grabaciones de flamenco. Luego compró una guitarra de flamenco en unas vacaciones de navidad en Puerto Vallarta, en 1963, y se perfeccionó sin necesidad de lecciones. Gradualmente se fue aburriendo de la guitarra flamenco y terminó ayudando a

Robby Krieger

una "jug band" llamada "the Back Bay Chamberpot Terriers with Bill Wolff" (más recientemente "the Peanut Butter Conspiracy"). Formó la banda → The Doors con el teclista → Ray Manzarek, el baterista → John Densmore y el vocalista → Jim Morrison. El estilo único de Krieger en la guitarra eléctrica, sus eclécticos gustos musicales, y su ocasional pero fuerte composición ayudaron a hacer de The Doors un gran fenómeno del rock de los años 60. Luego de la muerte de Morrison en 1971, the Doors continuó como un trío y sacó dos nuevos álbumes Other Voices y Full Circle. Krieger compartió el puesto de vocalista con Ray Manzarek. Después de la separación de The Doors en 1973, Krieger formó "The Butts Band" con el baterista John Densmore. Su talento era tal que disfrutó de cierto éxito como guitarrista de jazz después de su inicial separación con the Doors, grabando un puñado de álbumes en su "The Robby Krieger Band" en los 70s y los 80s, incluyendo Versions (1983) y No Habla (1986). Tocó la guitarra en Blue Öyster Cult y luego reformó The Doors en 2002 con Manzarek y el vocalista Ian Astbury de The Cult. La nueva banda también incluyó al ex baterista de The Police, Stewart Copeland.

Enlaces externos • Sitio Oficial [1] • Sitio oficial de The Doors

[2]

Curiosidades En una grabación de la televisión donde los the doors interpretaron "Touch Me", se puede apreciar como Robby Kriegger tiene un ojo completamente morado, segun la biografía de Jim Morrion "Vida y Muerte" todo es devido a una pelea que tubo Jim Morrison en un bar con unos tipos por haberlos insultados ( logicamente bajo efectos de la bebida) los tipos a los que insulto se pensaron que habia sido Robby el que habia propinado los insultos i estos le dieron una brutal paliza, ante esto Jim Morrison desapareció al insante de la escena de la pelea.

Referencias [1] http:/ / www. robbykrieger. com/ [2] http:/ / www. thedoors. com/ band/

Led Zeppelin Led Zeppelin

Led Zeppelin en 2007. De izquierda a derecha: → John Paul Jones, → Robert Plant y → Jimmy Page Información personal Origen

Londres, Inglaterra Información artística [1]

Género

Hard rock [1] Blues rock Folk rock Rock psicodélico [1] Heavy metal Rock progresivo

Período de actividad

1968 – 1980

Discográfica(s)

Atlantic Records Swan Song

Artistas relacionados

The Yardbirds The Band of Joy The Honeydrippers Web

Sitio web

www.ledzeppelin.com

[2]

Miembros → Jimmy Page → John Paul Jones → Robert Plant → John Bonham †

Led Zeppelin fue un grupo inglés de rock, considerado uno de los más importantes de ese género y uno de los más populares durante la década de los setenta. Fue fundado en 1968 por el guitarrista → Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a → John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos

Led Zeppelin anteriores con The Yardbirds), al vocalista → Robert Plant y a → John Bonham a la batería (que coincidió con Plant en The Band of Joy). Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco. Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,[3] incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos,[3] y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a → The Beatles. Los discos con esta certificación son: Box Set (10 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Led Zeppelin IV (23 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Graffiti (15 millones).

Historia Formación de la banda y primeros trabajos (1968-1969) Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando → Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda Accidente del Hindenburg, foto en la que se basó la portada de Led Zeppelin I. surgió a raíz de un mal chiste de → Keith Moon, batería de → The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban → Jimmy Page, → John Paul Jones, → John Entwistle y el propio → Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería "como un Zeppelin de Plomo".[4] El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos,[4] ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica.[5] Sin embargo, el bajista de → The Who, → John Entwistle, posee su

Led Zeppelin propia versión de los hechos: "Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije 'Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar 'Led Zeppelin'. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio...' Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió 'Led Zeppelin', a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado".[4] El jefe de producción al que se refiere Entwistle es Richard Cole, futuro "road manager" de la banda. The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado → Robert Plant.[6] En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page.[4] Plant tenía un amigo que tocaba la batería, → John Bonham, que también se uniría al grupo.[7] Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. → John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la "química" que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut. Después de la gira, y ya bajo el nombre de "Led Zeppelin", Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield. Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo.[8] Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase sencillos en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que "es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica".[5] Poco después de la edición de este álbum debut, la banda decidió no publicar ningún single en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de los trabajos posteriores.[4] Como curiosidad cabe destacar que, durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin I en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nobs por prohibición de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que

Led Zeppelin

eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco, foto cortesía del ex-bajista de la banda, Chris Dreja.[9] Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo.[4] Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo,[10] que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de → The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como "Whole Lotta Love" y "Heartbreaker". Como apoyo al disco, la banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes debido al aumento de popularidad que supuso la publicación del [11] segundo álbum del grupo, alargando los conciertos durante más de tres horas.

Led Zeppelin III y el álbum sin título (1970-1972) Para la composición del tercer disco de Led Zeppelin, los miembros de la formación se retiraron a Bron-Yr-Aur, una remota casa rural de Gales, en 1970, donde también grabaron el material allí ideado. El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco,

Runas que aparecen en la portada de Led Zeppelin IV y que se corresponden con los cuatro miembros de la banda; de izquierda a derecha: → Jimmy Page, → John Paul Jones, → John Bonham y → Robert [12] Plant.

Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como "Immigrant Song", el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o "Since I've Been Loving You". La banda entera y sobre todo → Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas ( ) uno para cada miembro de la [13] banda. Este álbum, reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como Led Zeppelin IV por inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, "Stairway to Heaven", además de clásicos de la banda como "Black Dog", Rock and Roll", "Going to California" y "When The Levee Breaks", de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de → John Bonham. El solo de guitarra de Stairway To Heaven fue elegido por los lectores de la revista Guitar World Magazine como "el mejor solo de todos los tiempos".[14] El disco vino acompañado de un ligero cambio de imagen de los integrantes del grupo, quienes comenzaron a vestir vistosas ropas y extravagantes collares y joyas al estilo de las grandes estrellas de la época. Es también durante este tiempo cuando se popularizaron los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado (llamado "The Starship"[15] ) alquilando plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras.

Led Zeppelin

Hasta julio de 2006, el cuarto disco de Led Zeppelin ha vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la historia.[16]

Houses of the Holy, Swan Song y Physical Graffiti (1973-1975)

Led Zeppelin en 1970.

Su siguiente disco, Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo[17] [18]

La portada del disco también tuvo su polémica, ya que en ella aparecen varios niños desnudos escalando una especie de cuesta empedrada, por lo que fue prohibido en algunos países, entre ellos España.[19] La gira de presentación del disco fue multitudinaria, consiguiendo en un concierto en Florida la cifra de 56.800 espectadores, superando el récord anterior ostentado por → The Beatles,[4] ingresando ese día 309.000 dólares.[17] Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar.[17] Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música. El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como "Kashmir", de la que Robert Plant dijo que era la canción definitiva de Led Zeppelin, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas.[20] 1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte.[17] El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.

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Presence y In Through the Out Door (1976-1979) Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Múnich y Malibu, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con Led Zeppelin en Chicago, 1975. diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos.[21] Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta".[22] Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal.[17] Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas (heroína) y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor. En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas.[17] La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año.

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Disolución de la banda y Coda (1980-1982) Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciando un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizado ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: → John Bonham murió en la mansión de Page asfixiado por la aspiración accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol.[23] No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.[24] La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos bateristas. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él. Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas. En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda.

Después de la separación En 1982 Plant editó un álbum solista llamado Pictures at Eleven, con un estilo similar al de Led Zeppelin. Luego, en 1983 apareció el disco The Principle of Moments, donde se notan influencias de → Genesis, sobre todo teniendo en cuenta que el batería de dicha banda, → Phil Collins, fue quien grabó las partes de batería en el disco. La primera aparición de Page después de Zeppelin sucedió en 1982 cuando compuso algunos temas para la película Death Wish II (protagonizada por Charles Bronson) y se editó su correspondiente banda sonora. Al mismo tiempo, se encargó de editar el disco Coda, con temas inéditos y descartes de Led Zeppelin. En 1983 se unió a Jeff Beck y a Eric Clapton, ex-compañeros suyos en The Yardbirds, para dar una serie de conciertos de los que se han editado numerosos discos. John Paul Jones, por su parte, compuso la banda sonora de la película Scream For Help (1984), del mismo director de Death Wish II, trabajó con Diamanda Galás y realizó producciones artísticas esporádicas antes de sacar sus actuales discos solistas instrumentales. Actualmente es un conocido productor y arreglista de música rock. En 1984, Page y Plant volvieron a unirse y formaron The Honeydrippers junto a artistas de la talla de Jeff Beck y Paul Shaffer. Su disco se llamó The Honeydrippers Vol. 1 y su tema "Sea of Love" trepó al tercer puesto en las listas norteamericanas, mejor incluso que su famoso tema "Whole Lotta Love". Realizaron una gira, donde tocaron en el Saturday Night Live, y después de eso Page decidió tomar otros rumbos, por lo que la banda se disolvió. Con motivo del concierto benéfico Live Aid, Page, Plant y Jones se reunirían en 1985 para tocar en directo los temas "Rock and Roll", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" en el estadio John F. Kennedy de Filadelfia. En la batería estuvieron → Phil Collins y Tony Thompson.

Led Zeppelin En 1988, y con motivo del 25 aniversario de Atlantic Records, el grupo vuelve a unirse para un concierto de conmemoración, ocupando el puesto de John Bonham su hijo Jason. Page formó The Firm con Paul Rodgers y Chris Slade, y más tardé publicó algunos discos en solitario como Outrider (1988), en el que colaboraron Plant y Jason. En 1993 grabó un disco con el cantante de Whitesnake y → Deep Purple, David Coverdale. Se llamó Coverdale/Page, aunque en un principio iba a llamarse Legends (leyendas). Por su parte, Plant ha sacado algún disco en solitario con colaboraciones de Page. En 1994 Page y Plant grabaron el especial Unledded para la MTV (aunque sin contar con Jones) al que siguieron los discos No Quarter y Walking into Clarksdale. En 2003, se edita un disco triple en directo bajo el nombre de How the West Was Won, que incluía versiones en directo de la banda, además de una colección en vídeo titulada Led Zeppelin DVD, que vendió 520.000 copias a finales de 2003. En el año 2005, Led Zeppelin recibe un premio Grammy como premio a su carrera, llegando un año después al Salón de la Fama del Reino Unido. El 10 de diciembre de 2007 tuvo lugar en el O2 Arena de Londres un único concierto de la banda con el reemplazo de Jason Bonham, hijo del fallecido Led Zeppelin en su concierto de reunión el 10 de diciembre de 2007. De izquierda a John Bonham, en la batería. Este concierto fue derecha: → Robert Plant y → Jimmy Page. realizado como parte del Concierto Tributo a Ahmet Ertegün, cofundador de Atlantic Records, quien falleció el 14 de diciembre de 2006.[25] Más de 20.000 personas acudieron al primer concierto completo de la banda tras 27 años,[26] ese mismo año se rumoreaba una posible gira mundial de la banda para el año 2008 pero esta nunca se realizó.[26] Este concierto estaba planeado para celebrarse el 26 de noviembre, pero una inoportuna rotura de un dedo del guitarrista → Jimmy Page aplazó la actuación hasta el 10 de diciembre.[27] El 3 de marzo de 2008, el diario británico The Sunday Mirror publicó que la banda, después de meditar la vuelta a los escenarios de nuevo para realizar una gira mundial, decidió no llevar a cabo esta decisión después de la negativa de → Robert Plant a embarcarse en ella debido a razones personales. No influyeron en la decisión los 100 millones de libras esterlinas que se le ofrecía a los miembros del grupo por llevarla a cabo, ya que según este diario británico, «Plant es más feliz siguiendo sus ideales».[28] Un mes antes, → Jimmy Page había manifestado su intención de dar un tour por todo el mundo después del concierto de diciembre de 2007, en el que se reunieron más de 20.000 espectadores.[29]

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Características Canciones de Led Zeppelin con referencias a la obra de Tolkien Una de las obsesiones líricas de Led Zeppelin, en especial de → Robert Plant, es la obra de J. R. R. Tolkien. Así podemos encontrar varias referencias a las novelas del escritor británico en canciones como «Bron-Y-Aur Stomp», «Ramble on» o «The Battle of Evermore»; y en el título de la canción «Misty Mountain Hop».[30] Además hay referencias a la mitología escandinava, como por ejemplo en la canción «Immigrant Song» en donde menciona «We come from the land of the ice and snow» pudiendo hacer referencia a Asgard, o también donde nombra «Hammer of the Gods» pudiendo hacer referencia al martillo de Thor, Mjolnir, y donde clama «Valhalla I am coming» donde Valhalla es el paraíso al cual los héroes van, al morir en combate. Parece ser que la inspiración de esta canción hay que encontrarla en un viaje a Islandia del grupo, en el año 1970.[31]

Las portadas de sus discos El arte de las portadas de sus discos era por demás desconcertante y original. La foto de la portada del disco debut de la banda fue tomada por Chris Dreja, antiguo componente de The Yardbirds que empezó su carrera como fotógrafo después de retirarse de la música. Dicha portada trajo la polémica de la mano de la baronesa Von Zeppelin, quien se opuso a que la banda actuara bajo el nombre de Led Zeppelin en Dinamarca a causa de la portada de su primer disco, que muestra un zeppelin en llamas. En la carátula de Led Zeppelin II, diseñada por Davod Juniper, aparece una foto de la banda junto con otros personajes desconocidos, que no presentan ninguna alusión hacia ellos en todo el libreto del disco. Dicha foto está basada en una instantánea tomada a la división Jasta de la Luftwaffe (Bundeswehr), fuerza aérea alemana, con las caras de los inquilinos de dicha foto cambiadas en favor de los rostros de los miembros de la banda, el mánager Peter Grant, Richard Cole, Blind Willie Johnson (músico de jazz) y Glynis Johns, que actúa como madre en la película Mary Poppins. Ésta última parece ser que fue incluida como una broma del grupo al productor de su antiguo álbum, Glyns Johns. La sombra blanca del zeppelin bajo fondo marrón, que también aparece en la portada del álbum, hizo que el sobrenombre del disco fuese The Brown Bomber. Como última curiosidad, cabe destacar que las primeras ediciones del disco contaban con una frase en la parte de abajo de dicha portada, "The only way to fly" (la única manera de volar), lo que explica que dichas ediciones se paguen a precio de oro.[30] El cuarto álbum no llevaba título, ni siquiera el nombre del grupo; tal es así que hoy se lo llama de muchas formas (Led Zeppelin IV, ZOSO, Four Simbols, "el de las runas", etc.) pero no hay una oficial. Evidentemente, el truco no representó obstáculo para las ventas, que en la actualidad sobrepasan los 40 millones de copias en el mundo. La banda explicó que la decisión de no escribir su nombre ni el del disco era que la música se vendía sola, sin necesidad de conocer cual era el autor, contestando así a las críticas negativas a su predecesor, Led Zeppelin III. El edificio de la portada de Physical Graffiti es el número 97 de St. Mark Street, en Nueva York. Casualmente, en el sótano de dicho edificio había una tienda de ropa llamada Physical Graffiti, aunque no se sabe si fue fundada antes o después de la edición del disco.[18] El hombre sentado en las escaleras del edificio sostiene dos cachorros de perro negros, quizá

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en referencia a la canción Black Dog, del Led Zeppelin IV. Presence posee en todas las fotos de su edición en vinilo un objeto negro que el fotógrafo y creador de la idea, Storm Thorgerson, resumió: "Me gustan las fotos que no tengan una explicación evidente [...] Recuerdo que la idea de Presence era mezclar fotos nostálgicas de los años 30 y 40 con un objeto del futuro, que era básicamente un agujero negro con una forma curiosa. Para mí, representaba la energía de Led Zeppelin, de la que la gente en casa, o en la escuela, necesitaría una dosis cada pocas horas, como la última droga. Así que el diseño estaba relacionado con la banda y sin embargo de forma extremadamente leve, del mismo modo que lo más gratificante de la música es que te hace formar tus propias imágenes".[21] Esta idea fue repetida por → Jimmy Page en su disco en colaboración con David Coverdale al colocar una señal de tráfico que nada tiene que ver con el resto del conjunto de las fotos.[21]

Vida social Otra característica fue que no se llevaban bien con la prensa, solían considerarla amarillista y conservadora y es por tal razón que las entrevistas realizadas a Led Zeppelin en su época de oro fueron escasas. Además, la banda rara vez extraía algún single de alguno de sus discos, siendo la primera canción acreditada como tal Immigrant Song, del Led Zeppelin III, así como tampoco concedía muchos shows por televisión, argumentando que lo mejor era que el público los viese en directo, cuyos conciertos solían durar unas tres horas.

Led Zeppelin y el ocultismo Muchos de los mitos de la banda que se mantienen hasta la actualidad son los rumores acerca de que la banda practicaba magia negra y que en los temas «Dazed & Confused», «Whole Lotta Love», «The Battle of Evermore», «Stairway to Heaven», «Four Sticks», «No Quarter» y «Kashmir» aparecían mensajes satánicos ya que por entonces los alucinógenos y movimientos eran del todo psicodélicos e innovadores.

Aleister Crowley, ocultista supuestamente idolatrado por Page, quien adquirió su mansión de veraneo.

La controversia más famosa está relacionada con «Stairway to Heaven», ya que han sido bastantes personas quienes aseguran haber percibido mensajes satánicos («Here's to my sweet satan» / «Aquí está mi dulce Satanás») reproduciendo la canción al revés,[32] cosa que siempre ha sido negada por la banda. Otra de las canciones sospechosas de contener mensajes de carácter satánico es «Dazed and Confused».

Otra pista obtenida de posible mensaje subliminal remonta al nombre de la banda, dado que si lo modificamos un poco podemos obtener Eddo Zeppelion. Eddo Zeppelion es un ritual practicado por Aleister Crowley y muy popular en la magia negra. Page siempre estuvo interesado en la vida y obra de este atípico personaje, llegando a adquirir la mansión de veraneo de éste, curiosamente en la que murió Bonham.[9] Cabe también destacar que al final del disco Led Zeppelin III puede escucharse una famosa cita de Crowley, que dice: «Hacer lo que quieras será toda tu ley».[31]

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Led Zeppelin y el plagio Numerosas acusaciones de plagio han surgido a lo largo de la carrera de la banda. John Mendelsohn, periodista de la revista Rolling Stone, acusó a la banda de haber copiado el riff de la canción «Your Time Is Gonna Come» de la canción «Dear Mr. Fantasy» del grupo Traffic. Este mismo periodista también señaló la semejanza entre la canción «Black Mountain Side» y «Black Water Side» de Bert Jansch. Las dos canciones supuestamente plagiadas se incluyeron en el álbum debut de la banda. Estas acusaciones fueron las que dieron pie a la mala relación de Led Zeppelin con la prensa, especialmente con Rolling Stone.[33] «Dazed and Confused» es una versión bastante alejada de la canción original de Jake Holmes. Inicialmente, The Yardbirds, con Page a la cabeza, versionaron la canción llamándola «I'm Confused» pero cuando se formó Led Zeppelin, Page retocó la canción para editarse en el álbum inicial del grupo. Sin embargo, Holmes nunca recibió ningún tipo de aportación monetaria por parte de la banda a pesar de enviar una carta de petición de su parte legal. A pesar de esto, Holmes nunca interpuso ninguna demanda judicial a la banda por ello. En 1970, la revista Arc Music demandó a la banda por haber copiado la canción «Bring It on Home», versión original de Sonny Boy Williamson, del tema «Bring it on Back» de Willie Dixon. La demanda fue aceptada y la publicación recibió una suma de dinero que, finalmente, no fue reportada a Dixon.[34] Dixon volvió a demandar a la banda por sí solo debido a las comparaciones de la canción «Whole Lotta Love» con su tema «You Need Love/Woman You Need Love», gracias a la cual la banda acredita a Dixon como compositor de la canción en las recientes ediciones de Led Zeppelin II. «The Lemon Song», canción que aparece en el disco Led Zeppelin II, originó una demanda legal de Howlin' Wolf, quien defendía que Led Zeppelin le había copiado la canción de su tema «Killing Floor» (además, en las primeras ediciones de Led Zeppelin II, la canción llevó ese nombre).[30] «Stairway to Heaven» tiene una progresión rítmica inicial muy parecida al tema instrumental «Taurus» del grupo Spirit, banda para la cual Led Zeppelin había sido telonera en 1968.[13] «Nobody's Fault But Mine», que aparece en el disco Presence, es una canción original de Blind Willie Johnson, pero la banda se tomó sus licencias a la hora de reclamar su autoría. Robert Plant dijo al respecto: "En primer lugar, es de dominio público porque lleva muerto mucho tiempo. Y en segundo lugar, no es su canción; nadie sabe de donde viene".[21]

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Estilo e influencia en bandas posteriores Estilo Led Zeppelin ha sido una de las más influyentes formaciones dentro del desarrollo del hard rock,[9] sentando a su vez las bases de lo que después sería conocido como heavy metal junto con grupos como Black Sabbath o → Deep Purple durante la década de los '70.[35] Esto último vino dado con la publicación del disco debut de la banda, Led Zeppelin I, en 1969, el cual incluía un sonido mucho más duro y contundente que el de muchas The Yardbirds en 2006, anterior banda de Jimmy Page bandas de la época sin abandonar el sonido que ayudó a configurar el estilo de Led Zeppelin. orientado hacia el blues presente en el anterior grupo de Jimmy Page, The Yardbirds, en el que se explotaba más dicha tendencia. Durante toda su discografía también se puede observar trazos de música psicodélica heredada de músicos como → Jimi Hendrix.[35] El sonido presente en el siguiente trabajo de la formación, Led Zeppelin II, continúa con el sonido de su antecesor mezclando blues, hard rock y psicodelia a partes iguales. El primer cambio de rumbo dentro de la discografía de la banda se da en Led Zeppelin III, en el que el estilo más acústico y folk predomina a lo largo de gran parte de las canciones incluidas en el trabajo,[36] aunque sin abandonar el hard rock presente en los dos anteriores discos del grupo. Sin embargo, el trabajo más importante en la carrera del grupo es para muchos Led Zeppelin IV. Dicha observación viene respaldada por el número de ventas del disco, hasta la fecha el más exitoso de Led Zeppelin en este campo, gracias en gran medida a la inclusión de Stairway to Heaven, la canción más famosa de la banda. El álbum está considerado como pieza clave en la posterior evolución del rock.[37] Después de la publicación del cuarto trabajo del grupo, éstos editan Houses of the Holy, en el que se fusiona el hard rock y el blues con elementos tomados del reggae o del funk.[38] De vuelta de nuevo a sus raíces, la banda publica Physical Graffiti bajo la constante estilística de los trabajos de debut, así como Presence y In Through the Out Door.

Influencias La importancia de Led Zeppelin se observa claramente en el gran número de bandas que se consideran influidas por ellos. Entre ellas cabe destacar a Wolfmother,[39] Tool,[40] Stone Temple Pilots,[41] Rage Against the Machine,[42] Blind Melon,[43] , The White Stripes,[44] Kingdom Come o Living Colour, así como sentar parte del estilo sobre el que se cimenta el hard rock heredado por el grunge en la década de los '90. Tal ha sido la influencia de la banda en la historia del rock que han sido diversas las formaciones creadas en tributo a Led Zeppelin, entre las que hay que destacar Dread Zeppelin, Get the Led Out o Lez Zeppelin, integrada enteramente por mujeres. Led Zeppelin también está considerada como la banda que allanó el camino a las posteriores bandas de heavy metal setentero, como → Deep Purple o Black Sabbath.[45]

Led Zeppelin En el año 1995, se decidió grabar un disco homenaje a Led Zeppelin, titulado Encomium, que incluye versiones realizadas por otros artistas de canciones originales del cuarteto británico. Entre dichos artistas cabe destacar Stone Temple Pilots, Blind Melon, Sheryl Crow o Duran Duran.[42]

Discografía Discografía oficial • • • • • • • • •

Led Zeppelin (1969) Led Zeppelin II (1969) Led Zeppelin III (1970) Led Zeppelin IV (1971) Houses of the Holy (1973) Physical Graffiti (1975) Presence (1976) The Song Remains the Same (1976) In Through the Out Door (1979)

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Coda (1982) BBC Sessions (1997) How the West Was Won (2003) The Song Remains the Same (Remastered & Expanded) (2007)

Recopilaciones • • • • • • • •

Boxed Set (1990) Remasters (1992) Remasters (Edición especial) (1992) Boxed Set II (1993) Complete Studio Recordings (1993) Early Days: The Best of Led Zeppelin, Vol. 1 (1999) Latter Days: The Best of Led Zeppelin, Vol. 2 (2000) Mothership (2007)

Videografía • The Song Remains the Same (1976) • Led Zeppelin DVD (2003) • The Song Remains the Same (Two Disc Special Edition) (2007)

Miembros • • • •

→ → → →

Robert Plant, voz, armónica y pandereta. Jimmy Page, guitarra eléctrica y acústica. John Paul Jones, bajo, teclados y mandolina. John Bonham, batería y percusión.

Led Zeppelin

Referencias Bibliografía • Gus Cabezas, Led Zeppelin, ISBN 84-376-1524-0, 316 páginas. • Jordi Sierra i Fabra, Led Zeppelin, la furia del heavy rock, Teorema S.A • Stephen Davis, Led Zeppelin. El martillo de los dioses. (Ma-Non Troppo)

Enlaces externos Commons • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Led Zeppelin. • Página oficial [46]. • Led Zeppelin [47] en AlohaPopRock. • Led Zeppelin [48] en MySpace.

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Robert Plant

Robert Plant Robert Plant

Robert Plant en 2007 Información personal Nombre

Robert Anthony Plant

Nacimiento

20 de agosto de 1948 (60 años)

Origen

West Bromwich, Staffordshire, Inglaterra

Ocupación(es)

Cantante Información artística

Alias

Percy

Género

Rock and roll, Hard Rock, Blues rock, Folk rock

Instrumento(s)

Armónica , guitarra , triángulo eléctrico y voz

Artistas relacionados

The Yardbirds → Led Zeppelin Page and Plant Web

Sitio web

www.robertplant.com

[1]

Robert Anthony Plant CBE (nacido el 20 de agosto de 1948 - ) es un cantante inglés de rock and roll, famoso por ser el vocalista de → Led Zeppelin. Tiene una poderosa voz y amplio registro vocal. Es considerado uno de los mejores vocalistas de toda la historia del rock, su manera de cantar habría de influir en vocalistas como Rob Halford, Bruce Dickinson, Axl Rose, Steven Tyler, etc.

Biografía Nació el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich, Staffordshire, Inglaterra. Se interesó por el canto y desde los 13 años se unía a diversos grupos. Tenía un especial interés por la música blues. Incluso existe la leyenda, de que se inspiró en cantar después de escuchar la versión de Bobby Parker de Blues Get Off My Shoulder. A los 16 años, dejó su casa y cantó para grupos como The Crawling, Robert Plant Kingsnake Blues Band, Black Snake Moan y The Delta Blues Band. La primera tenía a → John Bonham como baterista. En 1966 formó un grupo llamado Listen, que obtuvo un contrato con la CBS de 3 singles, ninguno tuvo gran éxito. Su siguiente proyecto fue The Band Of Joy, donde también tocaba Bonham. El grupo tuvo éxito en clubs, pero sus constantes cambios y la incapacidad de

Robert Plant obtener un contrato seguro, hicieron que la banda se separara a mediados de 1968. Plant luego trabajó con el veterano del blues Alexis Korner. También participó en Hobbstweedle, con el primo de John, Bill Bonham. → Jimmy Page lo conoce en un concierto realizado con esta banda y es entonces cuando se une a → Led Zeppelin, en ese entonces aún conocido como The New Yardbirds. Es Plant quien recomienda a → John Bonham como baterista. En el primer disco de → Led Zeppelin, Plant no recibe ningún crédito como compositor pues su contrato con la CBS estaba vigente. Robert Plant se casó con Maureen Wilson el 9 de noviembre de 1968, tras haberla conocido 2 años antes. Su única hija, Carmen Jane, nació el 21 de noviembre del mismo año del matrimonio. Su primer hijo Karac Pendragon murió en julio de 1977, con seis años, de una infección estomacal. Su segundo hijo, Logan Romero, nació el 21 de enero de 1979. También tiene otro hijo - Jesse Lee con la hermana de su ex-mujer, que se llamaba Shirly Wilson. Este nació en el septiembre de 1991. Es conocido el cambio de voz que sufrió Robert Plant en 1973, aunque nadie conoce la verdadera causa, hay muchas especulaciones: -Plant tenía una muy mala dentadura, al hacérsela corregir, su voz se puede haber modificado. -El consumo de cocaína puede generar cierta deformación en la vías respiratorias, la corrección de este mal produce una voz más nasal. -Plant acostumbraba forzar su voz mucho y muy seguido, llegando a lastimar sus cuerdas vocales, lo que produciera unos nódulos en su garganta y en efecto se los extirpa en 1974, por lo que también éste podría haberle influenciado el cambio de voz. El 4 de agosto de 1975, en la isla griega de Rodas, Plant tuvo un accidente automovilístico viajando con su esposa. Esta pasó varias semanas en el hospital. Plant se rompió el tobillo, la pierna y el codo derecho y no se recuperó completamente hasta pasados 2 años. La grabación del disco Presence, se realizó con Plant en una silla de ruedas y la larga ausencia del grupo en el escenario causó rumores de una separación. En 1979, dos años después de la muerte de Karac Plant, se editó el último lanzamiento de → Led Zeppelin con sus cuatro integrantes, In Through The Out Door, en el que Plant firma la mayoría de los temas junto con → John Paul Jones. En el verano 1980, el fallecimiento de → John Bonham el 25 de septiembre, tras una gira europea, marcó el final de → Led Zeppelin y el comienzo de la carrera solista de Robert Plant.

Después de Led Zeppelin Después de la verdadera desintegración de → Led Zeppelin, a causa de la muerte de → John Bonham en 1980, Robert Plant realizó varios proyectos. En 1981 se unió a un grupo de R&B conocido como Honeydrippers, con su amigo Robbie Blunt. La banda tuvo a artistas invitados como → Phil Collins en la batería. Entonces Plant decidió grabar su primer álbum solista, Pictures At Eleven. Este salió en junio de 1982 y tuvo bastante éxito. A fines de ese mismo año, Plant se separó de su esposa Maureen y más tarde se divorciaron. A comienzos de 1983, Plant graba su segundo disco como solista, The Principle of Moments. → Phil Collins lo acompaña de nuevo en la batería.

Robert Plant En 1984, Maxi grabó un disco de 5 canciones llamado Volume One, con → Jimmy Page, Jeff Beck y Nile Rodgers. El nombre de Honeydrippers se mantuvo. La serie se estancó en este primer disco, nunca se grabó un segundo. En 1985, Plant experimentó en el sentido musical en su disco Shaken ‘n’ Stirred. Este no tuvo mucho éxito. Después de un tour a fines de ese año, la banda se separó, por un desacuerdo entre Plant y Blunt acerca de la dirección que su música estaba tomando. Entre 1986 y 1987, Plant se dedicó a formar una nueva banda. Tenía a Doug Boyle en la guitarra, Chris Blackwell en la batería, Phil Johnstone en los teclados y como mayor compositor, y a Charlie Jones en el bajo. Charlie Jones se casó con su hija, Carmen. El primer disco de la banda salió en febrero de 1988 y se llamó Now and Zen. Contó con la participación de → Jimmy Page en 2 temas. En marzo de 1990 salió Manic Nirvana, segundo disco de la banda. En 1992, Plant cantó en el concierto de tributo a Freddie Mercury interpretando dos canciones Crazy little thing called love e Innuendo El disco Fate of Nations salió en junio de 1993, tras 2 años de esporádicas grabaciones. Este disco presenta diversas influencias, ritmos, y un gran rango de artistas invitados. Las canciones 29 Palms y If I Were a Carpenter, alcanzaron éxito. Tras nueve años,forma en 2002 el grupo Strange Sensation con el que publica el álbum titulado Dreamland; compuesto por temas de base blues y rock. El álbum fue nominado a dos premios Grammys en las categorías Mejor Album de Rock y Mejor Interpretación Vocal Masculina respectivamente. En el 2003, sale a la venta un álbum doble llamado Sixty Six to Timbutku. En este disco se incluyen además grabaciones realizadas por un joven → Robert Plant en 1966 para la compañía CBS Records. El 25 de Abril de 2005, publica un nuevo disco.Mighty Rearranger es considerado por la crítica como el mejor disco en solitario de su carrera. El álbum reúne temas de rock progresivo y hard rock rodeados de misticismo e incluso influencias de la música del oeste. El primer single editado fue Shine It All Around seguido de una gira por distintos países incluyendo España. Este disco fue nuevamente nominado a dos premios Grammys. El 29 de octubre de 2007 apareció su álbum Raising Sand, grabado conjuntamente con Alison Krauss, intérprete de fiddle y cantante de bluegrass norteamericana. El 3 de diciembre de 2008 se dieron a conocer las candidaturas para la quincuagésima primera edición de los premios Grammy, en la cual el dúo figuraba en cinco categorías; entre ellas grabación del año y álbum del año.

Robert Plant

La reunión de Led Zeppelin El pasado 10 de diciembre del 2007 la banda se reune dando un concierto en el estadio O2 de Londres en que más de 20 millones de personas intentaron conseguir entradas ya que solo se dieron a la venta 20 mil boletos. Plant tocó y cantó con mucho entusiasmo en este concierto, pero aseguró que nada de tour, pero → Jimmy Page y → John Paul Jones querian lo contrario. A la fecha, Robert Plant ha comunicado de manera oficial, que por el momento, y durante los próximos dos años venideros, no va a juntarse con Led Zeppelin para ninguna gira, manteniendo su decisión de continuar su aventura musical al lado de Alison Krauss, la cantante de Bluegrass.

Discografía como solista • • • •

Pictures at Eleven (1982) The Principle of Moments (1983) The Honeydrippers: Volume One (1984), con → Jimmy Page Shaken 'n' Stirred (1985)

• • • • • • • • • •

Now and Zen (1988) Manic Nirvana (1990) Fate of Nations (1993) The Wayne's World 2 Soundtrack (1993), solo una canción No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded (1994), como Page y Plant Walking into Clarksdale (1998), como Page y Plant Dreamland (2002) Sixty Six to Timbuktu (2003) Mighty Rearranger (2005), con Strange Sensation Raising Sand (2007), conjuntamente con Alison Krauss

Enlaces externos • Sitio oficial de Plant [2] • Sitio Oficial de Led Zeppelin

Referencias [1] http:/ / www. robertplant. com/ [2] http:/ / www. robertplant. com

[2]

Jimmy Page

Jimmy Page Jimmy Page

Jimmy Page Información personal Nombre

James Patrick Page

Nacimiento

9 de enero de 1944, 65 años

Origen

Inglaterra, Middlesex, Heston

Información artística Género

Rock and roll Hard rock Blues rock Heavy metal

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica Guitarra acústica Mandolina

Artistas relacionados

The Yardbirds → Led Zeppelin The Firm David Coverdale

Jimmy Page (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock → Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos.[1] Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, → Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, → The Who, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.[2]

Jimmy Page

Biografía Infancia y adolescencia Jimmy Page es hijo de un empleado administrativo, James Page, y de una secretaria y enfermera, Patricia Elizabeth Gaffikin.[2] Nacido en Heston, una antigua villa devenida en suburbio del Gran Londres, ubicada en la zona occidental. Cuando Jimmy contaba con ocho años de edad, en 1952, su familia se mudó a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música. A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque tomó algunas clases con este instrumento, es en su mayoría un músico autodidacta.[3] Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton, ambos guitarristas de rockabilly y que habían tocado anteriormente con Elvis Presley,[4] y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers.[2] En 1956, contando Page con 14 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More".[3] La afición de Page por la guitarra era tan grande que solía llevar su instrumento al colegio, siendo confiscado la mayoría de las veces. Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de una banda de rock, The Crusaders, que contaba con el vocalista Neil Christian. Su estancia en esta banda se extendió durante más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos, aunque decidió dejar aparcada momentáneamente su carrera musical para sumergirse en su otra pasión, la pintura, por lo que se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.[1]

Músico de sesión Mientras era aún un estudiante, Page improvisaba a menudo en el Marquee Club de Londres con guitarristas como Jeff Beck (a quien conocía desde los once años),[3] Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner.[2] En una de estas sesiones, John Gibb, miembro del grupo The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de sencillos para el sello discográfico EMI,[4] pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación.[4] Su primera misión como músico de sesión fue grabar junto con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963.[2] Después de diversos y breves trabajos con algunos de los músicos del naciente panorama del rock en Gran Bretaña, Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión. Durante esta etapa, Page fue conocido como "Little Jimmy" para no ser confundido con Big Jim Sullivan, apodado simplemente "Big Jim".[3] Como guitarrista preferido del productor Shel Talmy, Page acabó trabajando con grupos como → The Who o The Kinks gracias a los encargos que Talmy recibía.[3] Entre los grupos y artistas entre los que trabajo Page como músico de sesión se encuentran The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee, además de → The Who y The Kinks, con los que trabajó gracias al apoyo de Talmy. Se rumorea que Page participó en un alto porcentaje del total de grabaciones realizadas entre los años 1963 y 1965, cerca del 60%,[2] , aunque hay fuentes que indican que este porcentaje oscila entre

Jimmy Page el 50% y el 90%.[3] En 1965, Page entró como productor en el sello Immediate Records gracias al mánager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham.[2] Gracias a este nuevo cargo, Page tocó y produjo canciones de John Mayall, Nico, Chris Farlowe, Twice as Much y Eric Clapton, y entró en una breve relación sentimental con la compositora y cantante Jackie DeShannon.[2] Además, trabajó como músico de sesión en el álbum Love Chronicles, de Al Stewart en 1969, y en el disco debut de Joe Cocker, With a Little Help from My Friends.[3] Aunque Page grabó temas con multitud de músicos, muchas de estas sólo pueden encontrarse por medio de bootlegs, editadas junto con varias canciones inéditas de → Led Zeppelin.

The Yardbirds En 1964, Page recibió una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds, aunque la rechazó como muestra de lealtad hacia su amigo.[3] Un año después, Clapton se fue por deseo propio de los Yardbirds, y Page recibió una nueva oferta como miembro de dicha banda, que Page declinó para continuar con su lucrativa carrera como músico de sesión y porque no estaba preparado para salir de gira con un grupo, por lo que recomendó como reemplazo de Clapton a su compañero y amigo Jeff Beck,[3] con quien había trabajado anteriormente. El 16 de mayo de 1966, el baterista → Keith Moon, el bajista → John Paul Jones, el teclista Nicky Hopkins, Jeff Beck y Jimmy Page grabaron el tema "Beck's Bolero" en los estudios IBC de Londres.[5] Esta experiencia le dio a Page la idea de formar un supergrupo con Jeff Beck, junto con la base rítmica de los Who: → John Entwistle al bajo y Keith Moon a la batería,[5] aunque la falta de un vocalista pleno y los problemas contractuales congelaron el proyecto.[2] Unas semanas después de este fallido proyecto, Page volvió a recibir otra oferta para formar parte de los Yardbirds que aceptó esta vez, por lo que entró en el grupo en calidad de bajista en sustitución de Paul Samwell-Smith, aunque acabó desempeñando el rol de guitarrista líder junto con Jeff Beck después de que Chris Dreja se trasladase a la posición de bajista.[3] Sin embargo, el gran potencial musical del grupo se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de éxito musical, así como por los conflictos internos. Fueron estos conflictos los que provocaron la marcha de Jeff Beck de la formación, dejando el grupo en un cuarteto. El primer álbum con Page como guitarrista principal fue Little Games. Este disco recibió críticas mixtas, mientras que no alcanzó las cotas comerciales que se le atribuyeron en un principio, alcanzando el puesto número 80 en el Billboard. Aunque las grabaciones del grupo se orientaban claramente hacia un sonido muy comercial, sus actuaciones eran mucho más experimentales debido a la ascendencia blues de sus composiciones.[5] Después de la marcha en 1968 de Keith Relf y Jim McCarty, Page, que quería realizar los conciertos pendientes de la banda en Escandinavia, reclutó al vocalista → Robert Plant, al baterista → John Bonham y al bajista y teclista → John Paul Jones para formar un nuevo grupo, que Page nombró como The New Yardbirds pero que sería poco después renombrado como → Led Zeppelin. Este nombre fue tomado por Page a causa de un chiste que había contado Keith Moon en la sesión de grabación del tema "Beck's Bolero", en el que decía que la banda caería como un "zeppelin de plomo" (en inglés Lead Zeppelin). Posteriormente, el mánager de la banda, Peter Grant, acortaría el nombre hacia Led Zeppelin para evitar errores de pronunciación con "Leed Zeppelin".[5]

Jimmy Page

Led Zeppelin Influencia La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y probablemente de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores. El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80. Además, el solo de guitarra de "Stairway to Heaven", compuesto y tocado por Page, está considerado por los lectores de varias revistas musicales como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los '70. Por último, Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca. Efectos Para la composición y grabación de la mayoría de las canciones de Led Zeppelin, Page usó varias guitarras Gibson Les Paul con amplificadores Marshall.[2] Page también empleó guitarras Fender Telecaster durante la grabación de Led Zeppelin I y para grabar el famoso solo de "Stairway to Heaven". En cuanto a sus amplificadores, sus marcas más utilizadas, a parte de Marshall, fueron Vox, Orange y Fender. Además de la guitarra eléctrica, Page también utilizó guitarras slide, guitarras con pedales de acero (un tipo de guitarra eléctrica con que se toca con un artilugio de acero en vez de con los dedos y se posiciona de manera horizontal), guitarras acústicas y pedales de efectos (Chorus, Wah-wah, Flanger, etc).[2] Por su parte, Page es también famoso por ser uno de los primeros en utilizar un arco de violoncello para tocar la guitarra en las canciones "Dazed and Confused", "How Many More Times", y en la introducción de "In the Evening".[2] Esta técnica la aprendió durante su etapa como músico de sesión, aunque no fue el primer guitarrista en utilizar un arco de cello, ya que Eddie Phillips, del grupo The Creation realizó esta experiencia antes que Page. En una entrevista a la MTV, Page afirmó que extrajo esta técnica al ver a su compañero David McCallum, Sr. (padre del actor David McCallum), también músico de sesión, hacer lo mismo con su guitarra y un arco de cello. En algunas canciones de la banda, Page solía utilizar un theremin, además del pedal Wah-wah para realizar algunos efectos con su guitarra.[2] Técnicas de producción musical Page está acreditado como uno de los artífices de hacer llegar al estudio nuevas técnicas de grabación, que desarrolló durante su etapa en → Led Zeppelin. A comienzos de la década de los '60, los productores musicales británicos solían emplazar los micrófonos justo delante de la batería y de los amplificadores, lo que originaba un sonido ligeramente defectuoso apreciable en muchas grabaciones de aquella década. Page comentó en una entrevista a la revista Guitar World que los sonidos de la batería en aquella época sonaban como cajas de

Jimmy Page cartón.[6] En cambio, Page apoyaba las técnicas de grabación de la década de los '50, especialmente las desarrolladas en el estudio Sun. En la misma entrevista a Guitar World, Page dijo que el proceso de grabación solía ser una ciencia, y que los ingenieros tenían un lema: distancia igual a profundidad. Llevando este lema al límite, a Page se le ocurrió la idea de colocar un micrófono adicional a una determinada distancia del amplificador y grabar después en equilibrio con los dos. Al adoptar esta técnica, Page se convirtió en uno de los primeros productores británicos en grabar el sonido de ambiente de una banda. Para la grabación de varias canciones de Led Zeppelin, como "Whole Lotta Love" o "You Shook Me", Page empleó la técnica de la reverberación, que se cree fue empleada por primera vez por Page durante su paso por The Yardbirds, más concretamente en la grabación del tema "Ten Little Indians".[6] Consiste en escuchar el eco antes del sonido original, en lugar de escucharla después, obtenido colocando la pista grabada del eco antes de la pista del sonido original durante el proceso de grabación y mezclado de la canción. Para este efecto también colocaba micrófonos al fondo de la sala de grabación para que el sonido llegara más débil, creando así nuevas atmósferas musicales.[7] Además, en la grabación de "When the Leeve Breaks" colocó la batería de Bonham en el hueco de una escalera, y en "Since I've Been Loving You" se puede incluso escuchar el chirrido del pedal del bombo de la batería por lo cerca que estaba el micrófono de ella.[7]

Después de Led Zeppelin → Led Zeppelin se separó en 1980 después de la muerte del baterista → John Bonham por ahogamiento en su propio vómito después de una borrachera en una de las casas de Page. Aunque Jimmy intentó formar un grupo llamado XYZ contando con ex miembros de Yes,[4] [2] su regreso a los escenarios aconteció en 1983, cuando dio una serie de conciertos para combatir la esclerosis múltiple, en honor del bajista de Small Faces, Ronnie Lane, a quien le habían diagnosticado la enfermedad poco tiempo antes.[3] Un vídeo del concierto en Londres de 1983 fue publicado en 1984 con dos canciones compuestas por Page que habían aparecido en la banda sonora de la película Death Wish II con Steven Winwood en la posición de cantante.[8] Además, el vídeo muestra una improvisación en escena del tema "Layla" junto con Jeff Beck y Eric Clapton, conformando ellos tres el trío de guitarristas que formaron parte alguna vez de The Yardbirds. En el concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, el vocalista fue Paul Rodgers, futuro vocalista de The Firm y antiguo miembro de Free y Bad Company. Durante esta serie de conciertos, el aspecto de Page era enfermizo y débil, ya que, según el libro Hammer of the Gods, Page había dejado su adicción a la heroína después de siete años. Posteriormente, Page se juntó con Roy Harper para grabar un disco, llamado Whatever Happened to Jugula?, y participar en ocasionales conciertos,[8] en los que predominaba un estilo acústico y orientado hacia el folk acompañando a grupos como The MacGregors o Themselves. En 1984, Page grabó un disco con el ex vocalista de → Led Zeppelin y antiguo compañero suyo, → Robert Plant, bajo el nombre de The Honeydrippers. Además, se unió a Paul Rodgers para componer y grabar dos discos bajo la denominación de The Firm. El primer álbum, The Firm, alcanzó el puesto número 17 en la lista de pop del Billboard con exitosas canciones como "Radioactive" o "Closer", y superó el millón de ventas en los Estados Unidos.[8] The Firm fue seguido de Mean Business, no tan exitoso como su antecesor, por lo que sus miembros decidieron abandonar el proyecto.[1]

Jimmy Page A The Firm le siguieron varios otros proyectos. Page volvió a trabajar como músico de sesión para The Rolling Stones, Graham Nash, Box of Frogs y → Robert Plant. Además, editó su propio álbum en solitario, Outrider, y realizó una colaboración con el vocalista David Coverdale en el disco Coverdale-Page. También colaboró en la grabación de las bandas sonoras de las películas Death Wish II y Death Wish III, editadas en 1982 y 1985 respectivamente. Los miembros supervivientes de → Led Zeppelin se reunieron en 1985 para un concierto del Live Aid con → Phil Collins y Tony Thompson alternándose en la batería. Sin embargo, los continuos problemas de Page con las drogas y la mala calidad de su guitarra Les Paul hicieron que la banda considerase la mala calidad de esta actuación,[1] negándose a que apareciesen fragmentos de su concierto en el DVD editado para celebrar el 20 aniversario de Live Aid. Un año después, en 1986, Page se reunió temporalmente con sus ex compañeros de The Yardbirds para interpretar algunas canciones del disco Strange Land, de Box of Frogs. Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40 aniversario de Atlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería. En 1994, Page y Plant se reunieron para grabar un concierto de la serie "Unplugged" de la cadena MTV. El especial, renombrado como Unledded, contó sin la participación de → John Paul Jones y fue uno de los programas más exitosos de la cadena. En octubre del mismo año, la grabación salió al mercado bajo el nombre de No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded, cuya reedición en 2004 contó con el nombre de No Quarter Unledded. Debido al éxito de la gira de presentación de No Quarter, Page y Plant grabaron un disco juntos en 1998, que se publicó con el título de Walking into Clarksdale. El Salón de la Fama musical británico incluyó a → Led Zeppelin en 1995, lo que se convirtió en la segunda inclusión de Jimmy Page dentro de este Salón, ya que tuvo el mismo honor en 1992, cuando The Yardbirds obtuvieron la misma calificación.[4] También en 1998, Page colaboró con el rapero americano Puff Daddy para grabar una versión de "Kashmir" para la banda sonora de Godzilla.[8] La canción, titulada "Come with Me", fue interpretada por sus dos autores en el Saturday Night Live. 1999 vio la gira de Page con el grupo The Black Crowes, y 2001, la aparición del guitarrista junto con Fred Durst (vocalista de Limp Bizkit) y Wes Scantlin (guitarrista de Puddle of Mudd) para interpretar en directo la canción "Thank You" en la gala de los premios MTV europeos en Frankfurt. En 2005, Page fue galardonado con la Orden del Imperio Británico en reconocimiento de su trabajo como embajador de caridad en Brasil, y nombrado hijo predilecto de la ciudad de Río de Janeiro. Un año después fue introducido en el Salón de la Fama del Reino Unido de Música del Reino Unido junto con el resto de los miembros de Led Zeppelin, siendo su segunda inclusión en este Salón después de que The Yardbirds consiguiesen su lugar en 1992.[1] En la presentación por televisión del acto, aparecieron varios personajes del mundo de la música alabando el trabajo de Page seguidos de un corto discurso del protagonista. Después de ello, Wolfmother interpretó el tema "Communication Breakdown" en directo. El 10 de diciembre de 2007 dio lugar en el estadio O2 Arena de Londres un concierto de Led Zeppelin, contando de nuevo en la batería con Jason Bonham, hijo de John Bonham. El concierto congregó a más de 20.000 personas en el estadio londinense.

Jimmy Page El 24 de agosto de 2008 participó, como representante de la delegación británica de Londres 2012, en la ceremonia de clausura de los Juegos de Pekín 2008. Tocó el tema "Whole Lotta Love", que fue interpretado conjuntamente con Leona Lewis.

Vida privada Jimmy Page está casado con Charlotte Martin, ex novia de Eric Clapton. El matrimonio tiene una hija llamada Scarlett Page, respetada fotógrafa fruto de una relación anterior. Page posee otro hijo, llamado James.[3] En 1972, Page adquirió "The Tower House", una casa gótica comprada a Richard Harris y diseñada para sí mismo por William Burges. Burges poseía una labrada reputación dentro de la arquitectura gótica en el siglo XIX. Desde mediados de la década de los '70 hasta 2004, Page vivió en The Mill House situada en Windsor, Inglaterra. En este hogar, antigua propiedad del actor Michael Caine, murió el baterista → John Bonham. También desde mediados de la década de los '70 hasta mediados de la de los '80, Page obtuvo Boleskine House, antigua residencia de Aleister Crowley en la que se rodaron algunas escenas del documental de Led Zeppelin, The Song Remains the Same.[3]

Relaciones de Page con el ocultismo A comienzos de la década de 1970, Page poseía una librería de ocultismo en Londres, llamada "The Equinox Booksellers and Publishers" ("Vendedores y editores del equinoccio"),[3] que tuvo que cerrar debido al escaso tiempo del que disfrutaba Page a causa del estallido de popularidad de → Led Zeppelin. La librería publicó el libro The Goetia, de Aleister Crowley, en su edición de 1904. Sin embargo, lo que más relaciona a Page con el ocultismo es la inclusión en la portada del disco Led Zeppelin IV de cuatro símbolos que representaban a cada uno de los miembros de la banda. Durante los Runas o símbolos presentes en la portada de Led Zeppelin IV y que se conciertos de presentación de este trabajo, Page solía corresponden con cada uno de los salir a escena con símbolos del zodíaco bordados en sus miembros de la banda. El ropas junto con uno de los símbolos del disco, nombrado correspondiente a Page es el primero popularmente como "ZoSo". Esto llamó la atención de comenzando por la izquierda, que presenta la palabra "Zoso". muchos fans de la banda y alimentó su curiosidad. Aunque el símbolo en sí sigue siendo un misterio, se sabe que tiene su origen en Ars Magica Arteficii, un grimorio de 1557, cuyo autor es J. Cardan, en el que se identifica al símbolo de "ZoSo" como satánico. Previamente, algunas especulaciones apuntaban a que la procedencia del signo podría haber surgido de un libro llamado Zos Speaks, de Austin Osman Spare, distribuido por Page en su antigua librería. Otra teoría afirmaba que "ZoSo" podría derivar de un estilizado 666, o del Cábala. Sin embargo, se acepta mayoritariamente la teoría del grimorio como la verdadera, por lo que es probable que las otras dos sean incorrectas. También se ha expuesto que la creación del signo es simplemente un garabato de Page sin sentido específico. El guitarrista nunca ha declarado nada al respecto del significado del signo. El logotipo de Swan Song, la compañía fundada por → Led Zeppelin en 1974 para editar sus trabajos discográficos, consiste en una figura de Apolo, dios griego de la luz y la razón,

Jimmy Page aunque es a veces malinterpretada como si fuese una imagen de Ícaro, quien murió abrasado por volar demasiado cerca del Sol, o de Lucifer, un ángel caído que fue expulsado del Cielo y que se convirtió posteriormente en Satanás. La representación de Apolo está basada en un cuadro de William Rimmer, Evening: Fall of the Day, de 1869. Por su parte, el diseño interior del disco Led Zeppelin IV está basado en una carta del Tarot, llamada "El ermitaño". Page se transforma en este personaje durante la película The Song Remains the Same. Page fue, además, invitado a escribir la banda sonora del corto cinematográfico Lucifer Rising rodada por otro admirador de Aleister Crowley, el director Kenneth Anger. A su vez, Page permitió que se rodasen algunas escenas de la película en The Tower House, su residencia en Londres. Como resultado del proceso de composición de la banda sonora del corto, Page escribió únicamente 23 minutos de música, algo que a Anger le pareció insuficiente, diciendo que Page había tardado tres años en escribir sólo 23 minutos de música. El director cargó en declaraciones contra Page, diciendo que tenía "un lío con la Dama Blanca (en referencia a la cocaína)", que era "un ocultista pretencioso",[3] y que estaba tan enganchado a las drogas que era incapaz de terminar el proyecto. Page respondió arguyendo que había terminado todas sus responsabilidades, y que incluso ayudó a Anger a terminar la película prestándole su propio material de grabación. Las composiciones de Page fueron reemplazadas en la película por la obra de Bobby Beausoleil, un familiar de Charles Manson y un asesino convicto que compuso la banda sonora desde su estancia en prisión. La grabación de la banda sonora no editada de la película compuesta por Jimmy Page fue editada en edición pirata por algunos fans de la banda en el sello Boleskin House Records el 19 de junio de 1987. Se rumorea que el inicio de la canción "In the Evening", que aparece en el disco In Through the Out Door de → Led Zeppelin, fue extraído de esta banda sonora inédita, aunque la mayor parte de la banda sonora fue incluida para la composición de la correspondiente a Death Wish II.[8]

Adicciones a la heroína y a la cocaína El propio Jimmy Page ha admitido su adicción a las drogas durante la década de los '70. En una entrevista a la revista Guitar World en 2003, Page dijo: "No puedo hablar acerca de los demás [en referencia al resto de los miembros de la banda], pero para mí las drogas fueron una parte integral de todo, desde el comienzo hasta el final".[9] Durante el año 1973, la droga más utilizada en el seno de → Led Zeppelin era la cocaína, teniendo a Page, → John Bonham, Peter Grant (mánager del grupo) y Richard Cole (mánager de las giras del grupo) como principales consumidores. Después de la gira por Estados Unidos de ese año, Page le dijo a Nick Kent: "Oh, todo el mundo se ha pasado del límite un par de veces. Sé que yo lo hice y, para serte honesto, no me acuerdo muy bien de mucho de lo que pasó".[10] En 1976, Page comenzó a consumir heroína introducido por Richard Cole, quien reconoció que él y Page habían estado usando la droga durante la grabación de Presence ese año. Page admitió poco después que era un adicto a la droga y comenzó a fumar intensamente como método para abandonar su adicción. Hacia el año 1977, la adicción de Page estaba comenzando a afectar a su capacidad para tocar la guitarra,[1] como puede apreciarse en las ediciones pirata de sus conciertos durante ese año. Las drogas también afectaron a su aspecto físico (perdió bastante peso durante su etapa de adicción) y psicológico, ya que comenzó a aislarse paulatinamente de →

Jimmy Page Robert Plant y del resto de miembros de Led Zeppelin. Durante las sesiones de grabación de In Through the Out Door en 1978, el peso de las composiciones recayó en la figura de → John Paul Jones, ya que la adicción de Page a la heroína provocó numerosas ausencias del estudio de grabación durante largos periodos de tiempo. El guitarrista dijo haber superado su adicción a comienzos de la década de los '80. En una entrevista en el año 1988 a la revista Musician, Page se ofendió cuando el entrevistador notó que su adicción a la heroína había estado asociada a su nombre, e insistió: "No soy un adicto, muchas gracias".

Material instrumental Guitarras Guitarras Electricas • 1958 Gibson Les Paul Standard • 1959 Gibson Les Paul Standard. Esta es su guitarra primaria y tiene varias modificaciones como el cuello es mucho mas delgado y las pastillas son "Burstbuckers" una de ellas sin la mica (que es la pastilla de atras). Esta guitarra fue un regalo del guitarrista de The Eagles, Joe Walsh. • 1959 Danelectro 3021 AKA 59-DC. (Con la afinacion de D). • 1964 Fender Stratocaster. Usada en las grabaciones del album In Through the Out Door, y en 1979 en Kenebwort en "In the evening" • 1966 Fender Telecaster 1960-1965. Un regalo de Jeff Beck, esta guitarra fue repintada con un dragon psicodelico. • 1971 Gibson EDS-1275 (Usada para tocar las versiones en vivo de "Stairway to Heaven" "The song remains the same" entre otras). • 1973 Gibson Les Paul • 1978 Gibson Les Paul Guitarras Acusticas • Gibson J-200 • • • • • • •

Martin D28 Ovation Acoustica Gibson Everly Brothers Modelo Acoustica Giannini 12-String Acoustica Harmony Sovereign Acoustica Washburn 12 String Acoustica Ovation 1994 Double Neck Acoustica

Jimmy Page

Amplificadores • • • • •

Fender Tonemaster Heads Wizard Classic Heads Fender Tonemaster 4x12 Cabinets Vox AC30 Marshall SLP-1959 100 watts modified

Efectos y Accesorios • • • • • • • • •

Pete Cornish Custom Switching System Jensen Crybaby Wah MXR Phase 90 Boss CE-2 Chorus Yamaha CH-10 Mark II Chorus Echoplex Theremin Pete Cornish Line Drivers Herco Plex 75mm Picks

• • • • •

Ernie Ball .009-.042 Strings Ernie Ball Earthwood Acoustic Strings Vox Wah-Wha Dunlop Cry-Baby Arco de violín. Usado para el famoso solo de "Dazed and Confused"

Modelos Signature • Gibson lanzó al mercado la Jimmy Page Signature Les Paul que se eliminó en 1999, pero volvió al mercado años después y todavía se sigue fabricando; esta guitarra era una copia de la Les Paul 59 de Page. • También Gibson produjo en el 2007 la EDS-1275 de Page y sólo se vendió un número limitado de estas guitarras, las cuales se vendieron todas el mismo día que se anunció su salida. • Gibson lanzó al mercado una versión de la Black Beauty 1960 de Page que fue robada en 1970; del mismo modo que la EDS-1275 sólo se vendió un número limitado y se agotaron casi al instante. • Es uno de los pocos guitarristas en tener más de dos modelos Signature por Gibson. Junto a él también están Joe Perry de Aerosmith y Slash de Velvet Revolver.

Jimmy Page

Discografía Con The Yardbirds • Little Games (1967)

Con Led Zeppelin • • • • • • • • •

Led Zeppelin I (1968) Led Zeppelin II (1969) Led Zeppelin III (1970) Led Zeppelin IV (1971) Houses of the Holy (1973) Physical Graffiti (1975) Presence (1976) In Through the Out Door (1979) Coda (1982)

Con The Honeydrippers • The Honeydrippers, Vol. 1 (1984)

Con The Firm • The Firm (1985) • Mean Business (1986)

En colaboración con otros artistas • • • • •

Whatever Happened to Jugula? (1983, con Roy Harper) Strange Land (1986, con Box of Frogs) Coverdale-Page (1993, con David Coverdale) Unledded (1994, con → Robert Plant) Walking into Clarkside (1998, con → Robert Plant)

En solitario • Outrider (1988)

Bandas sonoras • Death Wish II • Death Wish III • Lucifer Rising (no editada oficialmente, sólo disponible en edición pirata)

Homenajes • En la edición de colección de la revista Rolling Stone "Los 100 Mejores Guitarristas de Todos Los Tiempos" aparece como número 9.[11] • En el número 55 de la revista Guitarra Total, "Los 100 Mejores Guitarristas", aparece en el 2do. lugar escoltando a → Jimi Hendrix.[12]

Jimmy Page • Clive Winston un personaje del juego Guitar Hero II de PlayStation 2 y Xbox 360 usa una vestimenta similar al dragon suit (traje de dragón) usado del 75 al 77 por Page, también cuando se utiliza la energía estrella el personaje empieza a tocar con un arco de violín. En la versión de Xbox 360 uno de los logros en el juego es el de "Page and Plant Award" que se le otorga a 2 jugadores que pasen una canción con el 100% en modo cooperativo.

Enlaces externos Wikiquote •

Wikiquote alberga frases célebres de Jimmy Page.

• Jimmy Page [13] • Led Zeppelin [2]

Referencias [1] « All Music Guide - Jimmy Page - Biografía (http:/ / wc06. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:difoxqr5ld6e~T1)». Consultado el 20 de diciembre de 2007. [2] « Jimmy Page Online - Biografía (http:/ / www. jimmypageonline. com/ 11318/ index. html)». Consultado el 20 de diciembre de 2007. [3] « Gallows Pole - Biografías (http:/ / www. geocities. com/ axaxasmloe/ bios. html)». Consultado el 20 de diciembre de 2007. [4] « Jimmy Page y su eterna Les Paul (http:/ / www. ispmusica. com/ articulo. asp?id=368)». Consultado el 20 de diciembre de 2007. [5] « Gallows Pole - Historia de Led Zeppelin (http:/ / www. geocities. com/ axaxasmloe/ historia. html)». Consultado el 20 de diciembre de 2007. [6] Tolinski, Brad, Greg Di Bendetto (Enero de 1998). «Light and Shade (Luz y Sombra)» (http:/ / trublukris. tripod. com/ inter/ jp-history. html). Guitar World. [7] Renacereléctrico.com. « Renacer eléctrico - Curiosidades (http:/ / www. renacerelectrico. com/ curiosidades. html)». Consultado el 15 de febrero de 2008. [8] « JIMMY PAGE - Biografía única y detallada - Rockdetector (http:/ / www. rockdetector. com/ officialbio,4669. sm)». Consultado el 29 de diciembre de 2007. [9] Tolinski, Brad, "The Greatest Show On Earth, Guitar World, Julio de 2003; 2º publicación en Guitar Legends Magazine, Edición de invierno de 2004, p. 72. [10] Case, George, "Jimmy Page: Magnus, Musician, Man", Hal Leonard Books 2007; publicado en Guitar World, Mayo de 2007, p. 52. [11] « Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos (según Rolling Stone) (http:/ / www. pikaflash. com/ foros/ showthread. php?t=124785)». Consultado el 29 de diciembre de 2007. [12] « El set-up de The Edge (http:/ / foros. guitarramania. com/ viewtopic. php?t=69420)». Consultado el 29 de diciembre de 2007. [13] http:/ / www. jimmypageonline. com

John Bonham

John Bonham John Henry Bonham Información personal Nombre

John Henry Bonham

Nacimiento

31 de mayo de 1948

Muerte

25 de septiembre de 1980

Ocupación(es)

Músico Información artística

Alias

Bonzo

Género

Hard rock Heavy metal

Instrumento(s)

Batería Percusión Compositor

Período de actividad

1964-1980

Discográfica(s)

Atlantic Records Swan Song

Artistas relacionados

→ Led Zeppelin

Wings

John Henry 'Bonzo' Bonham, fue el baterista del grupo de hard rock → Led Zeppelin. Hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores bateristas de rock de la historia,[1] ya que cambió el enfoque que se tenía hacia el instrumento. John creó un estilo con una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del jazz y del blues (estilos predominantes en los bateristas de rock/pop de la época), cambiando revolucionariamente el mundo musical, influyendo a todas las generaciones posteriores de baterías de rock, incluyendo al heavy metal.[cita requerida]

Primeros pasos Bonham nació en Redditch, Worcestershire, Inglaterra. Empezó a tocar batería a los 5 años, pero tuvo su primer equipamiento rítmico a la edad de 14 años. Éste fue un kit Premier del cual no se tienen mayores detalles. En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocó para bandas locales, como The Blue Star Trio and The Senators. Fue en esta época que Bonham decide dedicarse a la música como profesión. Se une a varias bandas poco exitosas, incluyendo la banda de Blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era → Robert Plant. Durante ese periodo, Bonham se gana la reputación de ser el baterista más ruidoso de toda Inglaterra. En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía "Thanks for the career advice...", siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin. Siguió siendo parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda.

John Bonham

Led Zeppelin → Jimmy Page quiso formar una nueva banda tras el quiebre de The Yardbirds. Con el bajista → John Paul Jones ya reclutado, su primera opción como cantante fue Terry Reid. Sin embargo Reid estaba trabajando con Mickie Most, y sugirió a Robert Plant, quien a su vez sugirió como batería a Bonham. Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead, Londres, en Julio de 1968, Page y Peter Grant (representante del grupo) estaban convencidos de que Bonham era el indicado. Durante la primera gira de Led Zeppelin en EE. UU. (diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó, y con la que firmó un contrato de representación, por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las cuales él se refería como "árboles". Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero fueron temas como "Immigrant Song" (Led Zeppelin III), "When the Levee Breaks" (Led Zeppelin IV), "The Ocean" (Houses of the Holy), and "Achilles Last Stand" (Presence) los que marcaron el estilo de la banda. El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de "Kashmir" y del riff de "Out On the Tiles". La grabación en estudio de "Misty Mountain Hop" captura perfectamente su excelente dominio sobre las dinámicas. Su trabajo tras "los parches" ha influido en casi todo baterista de hard rock/heavy metal. El estilo de Bonham estaba marcado por un "beat" muy rítmico acompañado con mucho "feel", "breaks" explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, muy seguido ejecutadas entre el bombo y la caja. Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el auditor. Sus "solos" de batería, primero "Pat's Delight" luego llamado "Moby Dick" y "Over the Top", duraban cerca de media hora y muy seguido tocaba sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros. En los tours de Led Zeppelin que vinieron después de 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos. A Bonham también se le da el crédito de usar los primeros timbales sintetizados electrónicamente, los cuales tocó durante la presentación de la canción "Kashmir" en Dallas, Texas, 1977. En 1974, Bonham apareció en el film Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe's (Harry Nilsson) backing band. Éste fue un film hecho por → Ringo Starr. Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, la cual incluía a → Keith Moon y a Starr. Bonham también era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, los cuales tenía en la granja de su familia llamada The Old Hyde. Pero Bonzo no solo grabó con Led Zeppelin. Bonham también encontró tiempo para hacer algo de trabajo de sesión para otros artistas. En 1970, Bonham tocó para Lord Sutch en su álbum Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el álbum Wizzard (1979). Luego vuelve a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de → Paul McCartney:Wings en su album Back to the Egg para el tema Rockestra Theme.

John Bonham

Muerte Bonzo murió el 25 de septiembre de 1980 por aspiración de vómito tras ingerir unos 40 vasos de vodka en menos de doce horas en un día de borrachera. Fallece a los 32 años en la mansión de Jimmy Page en Clewer, Windsor. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de los miembros.

Los Kits de Bonham

Tumba de John Bonham

1.Kit Pre Led Zeppelin (?-'68), Ludwig Super Classic Green Sparkle. • • • •

Bombo 22"x14" Tom Base 16"x16" Tom 13"x9" Caja Supraphonic 14"x5"

2.Kit Led Zeppelin ('68/Gira por E.E.U.U), Ludwig Black Diamond Pearl • • • • •

Bombo 24"x14" Tom Base 16"x16" Tom Base 18"x16" Tom 13"*9" Caja 20's/30's COB Tube Lug

3.Kit de Representación de la marca Ludwig, Ludwig Thermo Gloss Natural Maple • Bombo 26"x14" (Ocasionalmente usaba otro bombo de las mismas dimensiones el cual utilizó para algunos shows del tour por E.E.U.U del '69) • Tom Base 18"x16" • Tom Base 16"x16" • Tom 14"x12" (Montado en un soporte de caja) • Caja Chrome Supraphonic Snare 14"x6.5" • Dos Congas Ludwig 12" • Cencerro Ludwig Gold Tone 4.Kit para grabaciones ('70-75'), Ludwig Green Sparkle • • • • • • •

Bombo 26"x14" Tom Base 16"x16" Tom Base 18"x16" Tom 14"x10" Caja Chrome Supraphonic 14"x6.5" Timbal Sinfónico Ludwig 29" Timbal Sinfónico Ludwig 30"

5.The Song Remains The Same Kit ('73-'75), Ludwig Amber Vistalite • Bombo 26"x14"

John Bonham • • • • • •

Tom Base 16"x16" Tom Base 18"x16" Tom 14"x10" Caja Chrome Supraphonic Snare 14"x6.5" Timbal Sinfónico Ludwig 29" Timbal Sinfónico Ludwig 30"

6.Kit Final ('77-'80), Ludwig Stainless Steel • • • • •

Bombo 26"x14" Tom Base 16"x16" Tom Base 18"x16" Tom 15"x12" Caja Chrome Supraphonic con Mach Lugs 6.5"x14"

Los platos de Bonham Bonham usó los Giant Beat de Paiste hasta 1972, luego firmó un contrato de representación con la marca y cambio sus antiguos platos por los de la serie 2002, la cual utilizó por el resto de su carrera. Su set regular consistida de: • • • • •

Sound-edge Hi-Hats 15" Medium Crash 16" Medium Crash 18" Medium Ride 24" Symphonic Gong 38"

También tenía un Medium Crash de 18", un Medium Ride de 20" y un Crash/Ride de 22", los cuales usaba en raras ocasiones.

Bibliografía John Bonham. El rugido del oso (Chris Welch y Geoff Nicholls, ISBN 978-84-934580-0-3, 192 páginas)

Enlaces externos • Página oficial de Led Zeppelin

[2]

Referencias [1] #2 en 100 Greatest Rock Drummers (http:/ / digitaldreamdoor. nutsie. com/ pages/ best_drummers. html)

John Paul Jones

John Paul Jones John Paul Jones

John Paul Jones tocando la mandolina en un concierto el 1 de mayo de 2007. Información personal Nombre

John Baldwin

Nacimiento

3 de enero de 1946

Origen

Sidcup, Inglaterra

Ocupación(es)

Músico, Compositor Información artística

Género

Rock, Hard Rock, Heavy Metal

Instrumento(s)

Bajo, Teclados, Mandolina, Koto, Guitarra, Ukelele, Violonchelo, Flauta dulce, Sitar

Discográfica(s)

Atlantic Records Swan Song

Artistas relacionados

→ Led Zeppelin, → Robert Plant, → John Bonham, → Jimmy Page

Web Sitio web

John Paul Jones Oficial

[1]

John Paul Jones es un músico británico nacido con el nombre de John Baldwin el 3 de enero de 1946 en Sidcup, Inglaterra, conocido principalmente por haber sido integrante del grupo → Led Zeppelin. En 1960 con 14 años formó parte de un grupo de danza de su padre, Joe Baldwin, y un año más tarde creó su propia banda. En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros. Es considerado como uno de los mas influyentes bajistas de rock de la historia, destaca tambien su gran habilidad como pianista y tecladista

Led Zeppelin Jones dejó su trabajo como arreglista de estudio para unirse a la banda; tan pronto como se enteró de los planes de Jimmy Page, en el verano del '68, le preguntó si se podía unir. En su época como integrante de Led Zeppelin (1968-1980) tocaba el bajo y el teclado, además varios instrumentos para sesiones de estudio, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con → Jimmy Page. Jones fue crucial para el éxito de la banda, responsable de varias canciones de Led Zeppelin , por ejemplo Black Dog (Led Zeppelin IV) o What Is And What Should Never Be (Led Zeppelin II). También se puede notar su influencia musical en No Quarter (Houses Of The Holy) o Trampled Underfoot (Physical Graffiti) canciones en las que solamente usa teclados. También se puede apreciar

John Paul Jones su trabajo en las grabaciones acústicas de Led Zeppelin, en las que frecuentemente tocaba la mandolina, la cual se puede escuchar en Going To California (Led Zeppelin IV) y That's The Way (Led Zeppelin III),entre otras canciones. Está considerado como el miembro de Led Zeppelin más inteligente y versátil, gracias a su sapiencia musical y su habilidad con la guitarra, la mandolina, el banjo, e incluso la flauta dulce, además del bajo y el teclado. El más arraigado a la familia y dotado de un sentido del humor típicamente británico, aparte de ser el más alejado de las aficiones ocultistas de Page.

Después de Led Zeppelin Cuando en 1980 finalizó Led Zeppelin con la muerte del baterísta → John Bonham, Jones comenzó en solitario su carrera con las bandas sonoras "Scream for Help" y "The Secret Adventures of Tom Thumb" y grabó su primer trabajo en solitario titulado "Zooma" al que siguió "The Thunderthief" en 2001. Tampoco se debe olvidar su colaboración con músicos de estilos tan aparentemente alejados de Led Zeppelin como Diamanda Galas, con quien compone y graba el álbum " The Sporting Life" en el 94. De reconocido prestigio, grupos como REM le suplicaron con éxito que les produjese uno de sus últimos trabajos, pero Page y Plant perdieron contacto con él en los 90, ignorándolo cuando grabaron para la MTV un clásico desconectado. Más recientemente han retomado el contacto; el 10 de diciembre de 2007, como parte de un tributo a Ahmet Ertegün, fundador de Atlantic Records,la mítica superbanda de los 70 se reunió de nuevo para llenar el aire de una renovada y excelente música.

Instrumentos • • • • • •

Bajo Fretless Fender Precision Bass Bajo 1961 Fender Jazz Bass (Usado en conciertos) Bajo 1951 Fender Precision Bass Bajo Fender Bass V Bajo Ibanez RD300 Mandolina Gibson

• Mandolina acústica Andy Manson de tres cuellos , 12 cuerdas & 6 cuerdas (Usada en conciertos) • Alembic Triple Omega • Alembic Series II • Bajo Custom made Pedulla Rapture • Acoustic 360 Bass Amp • Órgano Hammond • Clavinet Hohner • Hohner Electra-Piano • Fender Rhodes • Mellotron • Piano Steinway • Piano Yamaha CP-80 • Symbolic Sound Kyma system • Sintetizador Korg Trinity • Sintetizador Yamaha GX-1 • EMS VCS3

John Paul Jones

Discografía Con Led Zeppelin • • • • • • • • • • • •

Led Zeppelin (1969) Led Zeppelin II (1969) Led Zeppelin III (1970) Led Zeppelin IV (1971) Houses of the Holy (1973) Physical Graffiti (1975) The Song Remains the Same (1976) Presence (1976) In Through the Out Door (1979) Coda (1982) BBC Sessions (1997) How the West Was Won (2003)

Como Solista • Scream For Help (1985) • The Sporting Life (Diamanda Galas 1994) • Zooma (1999) • The Thunderthief (2001)

Enlaces externos • Sitio oficial de Jones [1] • Sitio oficial de Led Zeppelin

Referencias [1] http:/ / www. johnpauljones. com [2] http:/ / www. led-zeppelin. com

[2]

Frank Zappa and Mothers Anexo:Discografía de Frank Zappa Los álbumes editados en vida superan los 80, y post mortem se editaron conciertos en vivo, rarezas de estudio, y obras terminadas e inconclusas a la muerte de Frank Zappa. Las obras incluyen música contemporánea, música electrónica, obras de Jazz, operetas, canciones satíricas, solos de guitarra, obras de teatro, recitales de cámara y sinfónicos, y experimentación pop.

Álbumes de Frank Zappa/Mothers of Invention Año

Título

Posición en lista [1] EE.UU.

1966 Freak Out!

Reino [2] Unido

[3]

Noruega

Suecia

[4]

[5]

Suiza

[6]

Austria

130

—

159

—

110

—

173

—

• Lanzamiento: 27 de junio de 1966 • Label: Verve 1967 Absolutely Free • Lanzamiento: 26 de mayo de 1967 1968 We're Only in It for the Money • Lanzamiento: Marzo de 1968 1968 Lumpy Gravy • Lanzamiento: Mayo de 1968 1968 Cruising with Ruben & the Jets • Lanzamiento: 2 de diciembre de 1968 1969 Uncle Meat • Lanzamiento: Abril de 1969 1969 Hot Rats • Lanzamiento: Octubre de 1969 1970 Burnt Weeny Sandwich • Lanzamiento: Febrero de 1970

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1970 Weasels Ripped My Flesh

189

—

119

—

152

—

152

—

• Lanzamiento: 10 de agosto de 1970 1970 Chunga's Revenge • Lanzamiento: Octubre de 1970 1971 Fillmore East - June 1971 • Lanzamiento: Agosto de 1971 1971 200 Motels • Lanzamiento: Octubre 1971 1972 Just Another Band from L.A. • Lanzamiento: Marzo de 1972 1972 Waka/Jawaka • Lanzamiento: Julio de 1972 1972 The Grand Wazoo • Lanzamiento: Noviembre de 1972 1973 Over-Nite Sensation • Lanzamiento: Septiembre de 1973 1974 Apostrophe (') • Lanzamiento: Marzo de 1974 1974 Roxy & Elsewhere • Lanzamiento: Septiembre de 1974 1975 One Size Fits All • Lanzamiento: Junio de 1975 1975 Bongo Fury • Lanzamiento: Octubre de 1975 1976 Zoot Allures • Lanzamiento: Octubre de 1976 1976 Läther

—

• Lanzamiento: 1978 1978 Zappa in New York • Lanzamiento: Marzo de 1978

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1978 Studio Tan

147

—

175

—

168

—

• Lanzamiento: Septiembre de 1978 1979 Sleep Dirt • Lanzamiento: Enero de 1979 1979 Sheik Yerbouti • Lanzamiento: Marzo de 1979 1979 Orchestral Favorites • Lanzamiento: Mayo de 1979 1979 Joe's Garage • Lanzamiento: Septiembre de 1979 1981 Tinseltown Rebellion • Lanzamiento: 11 de mayo de 1981 1981 Shut Up 'n Play Yer Guitar • Lanzamiento: Mayo de 1981 1981 You Are What You Is • Lanzamiento: Septiembre de 1981 1982 Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch • Lanzamiento: Mayo de 1982 1983 The Man from Utopia • Lanzamiento: Marzo de 1983 1983 Baby Snakes • Lanzamiento: Marzo de 1983 1983 London Symphony Orchestra, Vol. 1 • Lanzamiento: Junio de 1983 1984 Boulez Conducts Zappa: The Perfect Stranger • Lanzamiento: Agosto de 1984 1984 Them or Us • Lanzamiento: 18 de octubre de 1984

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1984 Thing-Fish

—

153

—

• Lanzamiento: Noviembre de 1984 1984 Francesco Zappa • Lanzamiento: Noviembre de 1984 1985 Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention • Lanzamiento: 21 de noviembre de 1985 1986 Does Humor Belong in Music? • Lanzamiento: Enero de 1986 1986 Jazz from Hell • Lanzamiento: Noviembre de 1986 1987 London Symphony Orchestra, Vol. 2 • Lanzamiento: 17 de septiembre de 1987 1988 Guitar • Lanzamiento: Abril de 1988 1988 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 1 • Lanzamiento: Mayo de 1988 1988 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 2 • Lanzamiento: Octubre de 1988 1988 Broadway the Hard Way • Lanzamiento: 14 de octubre de 1988 1989 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 3 • Lanzamiento: Noviembre de 1989 1991 The Best Band You Never Heard in Your Life • Lanzamiento: Abril de 1991

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1991 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 4

—

• Lanzamiento: Junio de 1991 1991 Make a Jazz Noise Here • Lanzamiento: Junio de 1991 1992 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 5 • Lanzamiento: Julio de 1992 1992 You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 6 • Lanzamiento: Julio de 1992 1992 Playground Psychotics • Lanzamiento: Octubre de 1992 1993 Ahead of Their Time • Lanzamiento: Marzo de 1993 1993 The Yellow Shark • Lanzamiento: Noviembre de 1993 1994 Civilization, Phaze III • Lanzamiento: Diciembre de 1994

Recopilaciones Año

Título

Posición en lista EE.UU.

[1]

Reino [2] Unido

[3]

Noruega

Suecia

[4]

[5]

Suiza

[6]

Austria

1969 Mothermania

151

—

1969 The Worst of the Mothers

—

1996 Strictly Commercial

—

1997 Have I Offended Someone?

—

1997 Strictly Genteel

—

1998 Cheap Thrills

—

1998 Mystery Disc

—

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1999 Son of Cheep Thrills

—

1999 X-Mas in Japan

—

2004 The Best of Frank Zappa

—

2006 The Frank Zappa AAFRNRAA Birthday Bundle

—

• Panta from Zunokeisatsu Meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 • El-Malo Meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 • Yamamoto S, ATR & Hilah from Boredoms Meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 • Shimoyama J, Ex-the Roosters, Meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 • Tanaka A. from Tokyo Ska Paradise Orchestra meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 • Sugizo meets Frank Zappa • Japón: 22 de diciembre de 1999 2002 Zappa Picks • Zappa Picks - By Larry LaLonde of Primus • Zappa Picks - By Jon Fishman of Phish

Anexo:Discografía de Frank Zappa

Cajas recopilatorias • The Old Masters • The Old Masters Box 1 • Freak Out! (BPR 7777-1) • Absolutely Free (BPR 7777-2) • We're Only In It for the Money (BPR 7777-3) • Lumpy Gravy (BPR 7777-4) • Cruising with Ruben & the Jets (BPR 7777-5) • The Old Masters Box 2 • • • • • • •

Uncle Meat (BPR 8888-1) Hot Rats (BPR 8888-2) Burnt Weeny Sandwich (BPR 8888-3) Weasels Ripped My Flesh (BPR 8888-4) Chunga's Revenge (BPR 8888-5) Fillmore East, June 1971 (BPR 8888-6) Just Another Band from L.A. (BPR 8888-7)

• The Old Masters Box 3 • • • • • • • •

Waka/Jawaka (BPR 9999-1) The Grand Wazoo (BPR 9999-2) Over-Nite Sensation (BPR 9999-3) Apostrophe (') (BPR 9999-4) Roxy & Elsewhere (BPR 9999-5) One Size Fits All (BPR 9999-6) Bongo Fury (BPR 9999-7) Zoot Allures (BPR 9999-8)

• Beat the Boots I (nueve discos que se comercializaron en una caja o por separado) (1991): • As An Am (1981-82) • The Ark (1968} • Freaks & Motherfu*#@%! (1970) • Unmitigated Audacity (1974) • Anyway The Wind Blows (2 discos) (1979) • 'Tis The Season To Be Jelly (1967) • Saarbrucken 1978 (1978) • Piquantique (1973) • Beat the Boots II (8 discos en caja o por separado) (1992): • • • • • • •

Disconnected Synapses (1970) Tengo Na Minchia Tanta (1970) Electric Aunt Jemima (1968) At The Circus (1978) Swiss Cheese/Fire! (2 discos) (1971) Our Man In Nirvana (1968) Conceptual Continuity (1976)

• Threesome • Threesome No. 1 (Ryko RCD 40582)

Anexo:Discografía de Frank Zappa

• Freak Out! (Ryko RCD 40582/1) • Absolutely Free (Ryko RCD 40582/2) • We're Only In It For The Money (Ryko RCD 40582/3) • Threesome No. 2 (Ryko RCD 40583) • Hot Rats (Ryko RCD 40583/1) • Waka/Jawaka (Ryko RCD 40583/2) • The Grand Wazoo (Ryko RCD 40583/3) • MoFo: The Making of Freak Out! • The Lumpy Money Project/Object (2009)

Ediciones póstumas Año

Título

Posición en lista [1]

EE.UU.

Reino [2] Unido

Noruega

[3]

[4]

Suecia

[5]

Suiza

[6]

Austria

1996 The Lost Episodes

—

1996 Frank Zappa Plays the Music of Frank Zappa: A Memorial Tribute

—

1999 Everything is Healing Nicely

—

2002 FZ:OZ

—

2003 Halloween

—

2004 Joe's Corsage

—

2004 Quaudiophiliac

—

2004 Joe's Domage

—

2005 Joe's XMASage

—

2006 Imaginary Diseases

—

2006 Trance-Fusion

—

2007 Buffalo

—

2007 Wazoo

—

Discografía sinfónica por orquestas y grupos de cámara • Joel Thorne/Orchestra of Our Time: Zappa's Universe - A Celebration Of 25 Years Of Frank Zappa's Music (1993) • Ensemble Modern: The Yellow Shark (1993) • Ensemble Modern: Zappa: Greggery Peccary & Other Persuasions (2003) • Harmonia Ensemble: Harmonia Meets Zappa (1994) • Omnibus Wind Ensemble: Music By Frank Zappa (1995) • Ensemble Ambrosius: The Zappa Album (2000) • Bohuslän Big Band: Bohuslän Big Band plays Frank Zappa (2000)

Anexo:Discografía de Frank Zappa

Homenajes y otros Años

Artista

Título

1970

Jean-Luc Ponty

King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa

1975

Flo & Eddie

Illegal, Immoral and Fattening

1990

BRT Big Band

1992

Yahozna

The BRT Big Band Plays Frank Zappa Yahozna Plays Zappa

Joel Thorne/Orchestra of Our Zappa's Universe - A Celebration Of 25 Years Of Frank Zappa's Music Time

1993 1994

Harmonia Ensemble

Harmonia Meets Zappa

1994

Jon Poole

What's the Ugliest Part of Your Body?

1995

Omnibus Wind Ensemble

Music By Frank Zappa

1997

The Muffin Men

Frankincense: The Muffin Men Play Zappa

1997

The Ed Palermo Big Band

Plays The Music of Frank Zappa

1997

CoCö Anderson

Dischordancies Abundant

2000

The Persuasions

Frankly A Cappella

2000

Ensemble Ambrosius

The Zappa Album

2000

Bohuslän Big Band

Bohuslän Big Band plays Frank Zappa

2003

Ensemble Modern

Zappa: Greggery Peccary & Other Persuasions

2003

UMO Jazz Orchestra

UMO Jazz Orchestra: UMO plays Frank Zappa feat. Marzi Nyman

2005

Varios artistas

Lemme Take You To The Beach: Surf Instrumental Bands playing the music of Zappa

2006

The Ed Palermo Big Band

Take Your Clothes Off When You Dance

2008

Dweezil Zappa

Zappa Plays Zappa

Filmografía Año

Título

Papel de Zappa

1971

200 Moteles

Actor/Director/Guionista/Productor/Editor

1977

Baby Snakes

Director/Guionista/productor

1982

The Dub Room Special

Director/Guionista

1987

Video from Hell

Director/Guionista

Does Humor Belong In Music?

Director/Guionista

1987

The Amazing Mr. Bickford

Director/Guionista/Productor

1987

Uncle Meat

Director/Guionista/Productor

1989

The True Story of 200 Motels

Director/Guionista

1991

Peefeeyatko

Productor

1985 (VHS)/2003 (DVD)

Anexo:Discografía de Frank Zappa

The Torture Never Stops

2008

Sencillos Fecha

Cara A

Cara B

Posición en listas

Álbum Sello/Referencia/Observaciones

US Hot 100

US Mainstream Rock

UK Singles Chart

29/6/66

"How Could I Be Such a Fool"

" Help I'm A Rock, 3rd Movement: It Can't Happen Here"

Freak Out!

Verve VK 10418 Mothers Of Invention

14/11/66

"Trouble Comin' Every Day"

"Who Are the Brain Police?"

Freak Out!

Verve VK 10458 Mothers Of Invention

10/4/67

"Why Don't You Do Me Right"

"Big Leg Emma"

Sólo como sencillo

Verve VK 10513 Mothers Of Invention

20/11/67

"Lonely Little Girl"

"Mother People"

We're Only in It for the Money

Verve VK 10570 Mothers Of Invention

30/12/68

"Deseri"

"Jelly Roll Gum Drop"

Cruising with Ruben & the Jets

Verve VK 10632 Ruben & the Jets

"Any Way the Wind Blows"

"Jelly Roll Gum Drop"

Cruising with Ruben & the Jets

Verve VK 10632 (misma referencia que "Deseri") Ruben & the Jets

1/9/69

"My Guitar"

"Dog Breath"

Sólo como sencillo

Bizarre-Reprise 0840 Mothers Of Invention

1969

"Peaches en Regalia"

"Little Umbrellas"

Hot Rats

Bizarre 0889

"WPLJ"

"My Guitar"

Burnt Weeny Bizarre-Reprise Sandwich 0892 Mothers Of Invention

1968

23/2/70

Anexo:Discograf铆a de Frank Zappa

9/11/70

"Tell Me You Love Me"

"Would You Go All The Way for the USA?"

Chunga's Revenge

Bizarre-Reprise 0967

21/7/71

"Tears Began To Fall"

"Junier Mintz Boogie"

S贸lo como sencillo

Straight-Reprise 1027 Publicado como Junier Mintz

8/11/71

"Manic Fingers"

"Daddy, Daddy, Daddy"

200 Motels

United Artists UA 50857

6/11/72

"Cletus "Eat That Awreetus-Awrightus" Question"

The Grand Wazoo

Bizarre-Reprise REP 1127 The Mothers

29/10/73

"I Am The Slime"

"Montana"

Over-Nite Sensation

DiscReet REP 1180 The Mothers

7/10/74

"Don't Eat The Yellow Snow"

"Cosmik Debris"

Apostrophe

DiscReet DSS 1312

29/11/76

"Find Her Finer"

"Zoot Allures"

Zoot Allures

Warners 8296

7/3/77

"Disco Boy"

"Ms Pinky"

Zoot Allures

Warners WBS 8342

2/4/79

"Dancin' Fool"

"Baby Snakes"

Sheik Yerbouti

Zappa Z-10 Tambi茅n como 12" (Zappa MK-83)

Sheik Yerbouti

1979

"Bobby Brown Goes Down" "Joe's Garage"

"Central Scrutinizer"

Joe's Garage

Zappa Z-31

"I Don't Wanna Get Drafted!"

"Ancient Armaments"

S贸lo como sencillo

Zappa ZR 1001

26/10/81

"Goblin Girl"

"Pink Napkins"

You Are What You Is

Barking Pumpkin AS 1328

5/7/82

"Valley Girl"

"You Are What You Is"

Ship Arriving Barking Too Late to Pumpkin Save a WS9 02792 Drowning Witch

1984

"In France"

Them or Us

29/10/79

28/4/80

Anexo:Discografía de Frank Zappa

1987

"Peaches En Regalia"

"I'm Not Satisfied", "Lucille Has Messed My Mind Up"

Rykodisc RCD 3-1001

4/88

"Sexual Harassment In The Workplace"

"Watermelon in Eastern Hay"

Guitar

4/88

"Zomby Woof"

"You Didn't Try To Call Me"

You Can't Do Rykodisc That on RCD 3-1011 Stage Anymore, Vol. 1

5/88

"Montana (Whipping Floss)"

"Cheepnis"

You Can't Do Rykodisc That on RCD 3-1012 Stage Anymore, Vol. 1

1991

"Stairway To "Bolero" Heaven"

The Best Zappa CD Band You FRANK 101 Never Heard In Your Life

Rykodisc RCD 3-1010

Enlaces externos • Página web de Frank Zappa [7] • Discografía principal y letras [8] • Frank Zappa: A Weirdo Discography [9] — detalles pormenorizados de recopilaciones, bootlegs y ediciones menos conocidas. • Zappa en imdb [10]

Referencias [1] Allmusic (ed.): « Frank Zappa > Charts & Awards (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:kbfoxqe5ldde~T5)». Consultado el 4 de diciembre de 2008. [2] Warwick, 2004. p.1220 [3] norwegiancharts.com (ed.): « norwegiancharts.com - Frank Zappa - Absolutely Free (http:/ / norwegiancharts. com/ showitem. asp?interpret=Frank+ Zappa& titel=Absolutely+ Free& cat=s)». Consultado el 24 de abril de 2009. [4] swedishcharts.com (ed.): « swedishcharts.com - Frank Zappa - A Token Of My Extreme (http:/ / swedishcharts. com/ showitem. asp?interpret=Frank+ Zappa& titel=A+ Token+ Of+ My+ Extreme& cat=s)». Consultado el 24 de abril de 2009. [5] hitparade.ch (ed.): « Frank Zappa - Bobby Brown - hitparade.ch (http:/ / hitparade. ch/ showitem. asp?interpret=Frank+ Zappa& titel=Bobby+ Brown& cat=s)». Consultado el 22 de mayo de 2009. [6] austriancharts.at (ed.): « Frank Zappa - Sharleena - austriancharts.at (http:/ / austriancharts. at/ showitem. asp?interpret=Frank+ Zappa& titel=Sharleena& cat=s)». Consultado el 24 de abril de 2009. [7] http:/ / www. zappa. com/ [8] http:/ / globalia. net/ donlope/ fz/ lyrics/ index. html [9] http:/ / lukpac. org/ ~handmade/ patio/ weirdo/ index. html [10] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0953261/

Frank Zappa

Frank Zappa Frank Zappa

Frank Zappa Información personal Nombre

Frank Vincent Zappa

Nacimiento

21 de diciembre de 1940 Estados Unidos, Baltimore

Muerte

4 de diciembre de 1993 (52 años) Estados Unidos, Los Ángeles

Cónyuge(s)

Gail Zappa

Hijo(s)

Moon Unit Zappa, Dweezil Zappa, Ahmet Zappa, Diva Zappa.

Ocupación(es)

Compositor de música sinfónica y de cámara Músico de rock Cantante Guitarrista Artista satírico Productor discográfico Director de cine Información artística

Género

Rock Jazz Música clásica Música experimental

Instrumento(s)

Voz, Guitarra, Percusión, Bajo, Teclados.

Período de actividad

1962-1993

Discográfica(s)

Verve/MGM Warner Bros. Bizarre/Straight DiscReet Zappa Records Barking Pumpkin Records Rykodisc

Artistas relacionados

The Mothers Of Invention Captain Beefheart Web

Sitio web

Página oficial

[1]

Frank Zappa

Frank Vincent Zappa[2] (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, productor discográfico y director de cine estadounidense. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock, jazz, electrónica, música clásica y música concreta, entre otros. También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de ochenta álbumes que grabó con → The Mothers of Invention y en solitario.[3] En su adolescencia adquirió gusto por compositores de avant-garde como Edgard Varèse, y la música rhythm and blues de los años 50. Comenzó a escribir música clásica en la escuela secundaria, mientras tocaba la batería en algunas bandas de rhythm and blues, cambiando después a la guitarra eléctrica. Era un compositor y músico autodidacta, y por su diversidad de gustos musicales llegó a crear música a veces imposible de clasificar. Su álbum debut de 1966 con la banda → The Mothers of Invention, Freak Out!, combinaba canciones de rock convencionales con improvisaciones imposibles y sonidos generados en el estudio de grabación. Sus álbumes posteriores eran una mezcla de música experimental y ecléctica, independientemente de que fueran de rock, jazz o música clásica. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto, con la religión y un gran defensor de la libertad de expresión y la abolición de la censura. Zappa fue un artista muy prolífico y recibió grandes críticas positivas.[4] [3] Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1997.[5] [4] Zappa estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman desde 1960 a 1964, repitiendo nupcias en 1967 con Gail Zappa, con quien permaneció hasta su muerte por cáncer de próstata en 1993. Tuvieron cuatro hijos: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. Gail Zappa coordina los negocios familiares bajo el nombre de Zappa Family Trust.

Juventud Frank Zappa nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 21 de diciembre de 1940, siendo sus padres Francis Zappa (nacido en Partinico, Sicilia) de ascendencia greco-árabe, y Rose Marie Colimore, de ascendencia italo-francesa.[2] Fue el mayor de cuatro hermanos.[6] La familia, durante la infancia de Frank, se mudaba con frecuencia debido a que su padre, químico y matemático, trabajaba para el Gobierno de los Estados Unidos. Después de un corto espacio de tiempo en Florida, a mediados de los años 40 volvieron a Maryland, donde su padre trabajó en el Aberdeen Proving Ground (zona de pruebas de Aberdeen), una zona de prácticas militares donde se probaban armas. Debido a la proximidad de su casa al centro de pruebas, que almacenaba gas mostaza, guardaban máscaras de gas por si hubiera algún accidente.[7] Esto tuvo un gran impacto en el joven Zappa: referencias a gérmenes y otros aspectos de la industria de defensa aparecen en numerosas ocasiones en su obra.[8] Durante su niñez, Zappa enfermaba con frecuencia, sufriendo asma, dolores de oído y sinusitis. Esta última le fue tratada insertándole un perdigón de radio en cada fosa nasal;

Frank Zappa poco se sabía en aquel entonces de los peligros que esta práctica conllevaba.[9] Numerosas referencias a su nariz aparecen en las letras de sus canciones, al igual que en muchas de las portadas de álbumes hechas por su amigo Cal Schenkel. Muchas de sus enfermedades podrían deberse a la constante exposición al gas mostaza, y su salud empeoró en la época en que vivía en el área de Baltimore.[7] [9] Su familia se mudaba constantemente, sobre todo a causa de los problemas de salud de Frank.[10] En 1952 se mudaron a Monterrey, California, donde su padre se dedicó a enseñar metalurgia en una Escuela Naval. Poco después, se fueron a Claremont, y después a El Cajón, antes de mudarse definitivamente a San Diego.

Influencias musicales Zappa se unió a su primera banda, The Ramblers, en la escuela Mission Bay High School de San Diego como baterista.[11] Por esta misma época, sus padres le compraron un fonógrafo, que le ayudó a desarrollar su interés por la música y a empezar a formar su colección de LP.[12] Sus primeras adquisiciones fueron sencillos de R&B, con los que empezó una colección que le acompañaría el resto de su vida.[13] Se interesaba por todos los sonidos en general, y por los de la batería y la percusión en particular. Para cuando tenía doce años, obtuvo una caja orquestal y comenzó a aprender lo básico de la percusión orquestal. Su profundo interés por la música clásica moderna empezó cuando leyó un artículo de la revista Look que trataba sobre el álbum de Varèse The Complete Works of Edgard Varèse, Volume One,[14] disco publicado por EMS Recordings en octubre de 1950.[15] El artículo describía la composición de percusión de Edgard Varèse Ionisation como "una extraña mezcla de tambores y otros desagradables sonidos". Zappa decidió profundizar en la música de Varèse. Después de buscar durante un año, Zappa encontró una copia del álbum, pero al no llevar consigo suficiente dinero, tuvo que convencer al vendedor para que se lo vendiese más barato,[14] siendo el comienzo de su pasión de por vida por la música de Varèse y de otros compositores de música clásica moderna. Zappa creció influido por compositores de avant-garde como Varèse, Igor Stravinsky y Anton Webern, grupos de R&B y doo wop, y jazz moderno. Su propio pasado étnico y la diversa mezcla social y cultural de la zona de Los Ángeles fueron cruciales en la formación de Zappa en la música underground y culpables de su posterior animadversión para con las corrientes sociales, políticas y musicales generalistas. Frecuentemente criticaba y ridiculizaba estilos musicales como la psicodelia, la ópera rock o la música disco.[16] Como no tuve ningún tipo de formación, para mí no había ninguna diferencia entre escuchar Lightnin' Slim, o un grupo vocal llamado Jewels..., o Webern, o Varèse, o Stravinsky. Para mí todo era buena música. [17]

Comienzo de su carrera (1955–1960) En 1956, la familia Zappa se mudó a Lancaster, California, un pequeño pueblo del desierto de Mojave, cerca de la base aérea Edwards. La madre de Frank lo apoyó en sus intereses musicales, y aunque no le gustaba la música de Varèse, fue lo bastante indulgente como para conseguir una conferencia telefónica con el compositor como regalo para el decimoquinto cumpleaños de su hijo.[14] Desafortunadamente, Varèse estaba de viaje en Europa en ese momento, así que Zappa habló con su esposa. Después, Frank recibiría una carta de Varèse agradeciéndole su interés y contándole sobre su nueva composición llamada "Déserts". Viviendo en un pueblo cerca del desierto, a Zappa esto le resultó muy

Frank Zappa emocionante. Varèse le invitó a visitarle si en algún momento iba a Nueva York, pero el encuentro nunca tuvo lugar, ya que Varèse murió en 1965, pero Zappa enmarcó la carta y la tuvo expuesta el resto de su vida.[18] En la escuela Antelope Valley High School, Zappa conoció a Don Vliet (que después extendería su nombre a Don Van Vliet y adoptaría el nombre artístico de Captain Beefheart). Zappa y Vliet se hicieron amigos, compartiendo su interés por los álbumes de R&B e influyéndose el uno al otro musicalmente a lo largo de sus respectivas carreras.[19] En esta misma época, Zappa comenzó a tocar la batería en una banda local, The Blackouts.[16] La banda era racialmente diversa, e incluía en sus filas a Euclid James "Motorhead" Sherwood, que después sería miembro de → The Mothers of Invention. Zappa empezó a interesarse cada vez más por la guitarra. Entre sus influencias tempranas estaban Johnny "Guitar" Watson, Howlin' Wolf y Clarence Gatemouth Brown.[20] Watson apareció en varios de los álbumes de Zappa a lo largo de los años 70 y 80. Zappa comparaba hacer solos de guitarra con hacer "esculturas en el aire", y creó un estilo ecléctico, innovador y personal. El interés de Zappa en componer y hacer arreglos se acrecentó en sus últimos años de escuela. Para su último año, estaba componiendo, arreglando y dirigiendo piezas de avantgarde para la escuela.[21] Se graduó en la Antelope Valley High School en 1958; más tarde mencionaría a dos de sus profesores de música en la contraportada de su álbum de 1966, Freak Out!.[22] Debido a sus constantes cambios de domicilio, Zappa estudió en seis escuelas secundarias, y como estudiante se aburría con frecuencia y distraía al resto de sus compañeros.[23] Dejó sus estudios en la universidad estatal después del primer semestre, y mantuvo desde entonces una actitud desdeñosa hacia la educación formal: sacó a sus propios hijos de la escuela cuando tenían quince años.[24] Zappa se marchó de casa en 1959, mudándose a un pequeño apartamento en Echo Park, Los Ángeles. Después de conocer a Kathryn J. "Kay" Sherman durante su época de universidad, se fueron a vivir juntos a Ontario, California, y se casaron el 28 de diciembre de 1960.[25] Trabajó durante un corto periodo de tiempo en el ámbito de la publicidad, cosa que le hizo tomar un especial interés en la presentación visual de sus trabajos, diseñando algunas de las portadas y dirigiendo sus propios videoclips y películas.[26]

Principios de los años 1960: Studio Z Zappa intentó ganarse la vida como músico y compositor, haciendo conciertos donde podía, a veces con una remodelada formación de The Blackouts.[27] Económicamente fueron más alentadoras sus primeras grabaciones profesionales, dos bandas sonoras para las películas de bajo coste The World's Greatest Sinner (1962) y Run Home Slow (1965). La primera de ellas, encargada por el actor y productor Timothy Carey y grabada en 1961, contenía muchos temas que aparecerían en posteriores álbumes de Zappa.[28] La segunda de ellas se grabó en 1963 después de que la película ya estuviese terminada, pero se la había encargado uno de sus antiguos profesores de instituto en 1959, por lo que es posible que Zappa trabajase en ella antes de que se rodase la película.[29] Algunas piezas de esta banda sonora aparecen en su álbum póstumo de 1996, The Lost Episodes. A principios de los años 60, Zappa compuso y produjo canciones para artistas de ámbito local, trabajando a menudo con el cantante y compositor Ray Collins y el productor Paul Buff. Con este último produjo el tema "Memories of El Monte", que fue grabado por The Penguins.[30] Buff era dueño de un pequeño estudio de grabación en Cucamonga,

Frank Zappa California, que incluía una grabadora de cinco pistas que él mismo había construido. En aquellos tiempos, sólo un puñado de estudios, los más comerciales, poseían equipo de grabación multipista; lo habitual era que los estudios más pequeños grabaran en mono o en dos pistas.[31] Aunque ninguna de sus grabaciones de esta época consiguió éxito comercial, Zappa ganó dinero suficiente para permitirse ejecutar un concierto con su música de orquesta en 1963 y grabarlo.[32] Ese mismo año apareció en el Show de Steve Allen, tocando una bicicleta como instrumento musical.[33] Con Captain Beefheart, Zappa grabó algunos temas bajo el nombre de The Soots. La discográfica Dot Records descartó a la banda por no tener "potencial comercial"; una cita que después usaría Zappa en la portada de su álbum Freak Out!.[34] En 1964, después de que su matrimonio comenzara a ir mal, comenzó a trabajar más de doce horas al día en un estudio grabando y experimentando con técnicas nuevas de grabación de audio. Este patrón de trabajo le seguiría durante el resto de su vida.[35] Gracias a los ingresos que le aportaban sus composiciones para películas, Zappa se hizo cargo del estudio de Paul Buff, que estaba trabajando con Art Laboe en Original Sound, llamando al estudio Studio Z.[36] Studio Z raras veces trabajaba con artistas que no fueran Zappa, a excepción de grabar para algún amigo del mismo, como James "Motorhead" Sherwood.[37] Zappa, también comenzó a trabajar como guitarrista para un power trio llamado The Muthers, actuando en bares locales para poder seguir financiándose.[38] Un artículo en la prensa local describiendo a Zappa como "The Movie King of Cucamonga" (El rey de las películas de Cucamonga) hizo que la policía sospechase que estaba realizando películas pornográficas.[39] En marzo de 1965, un agente encubierto del departamento de Antivicio le ofreció a Zappa 100 dólares para que produjese una cinta de audio erótica, supuestamente para una despedida de solteros. Zappa y una amiga grabaron la cinta, y a la hora de entregarla, fue arrestado, y la policía procedió a hacer un registro del estudio de grabación, requisando todo el material grabado.[39] La prensa fue avisada de antemano, y al día siguiente el periódico The Daily Report escribió que el Departamento de Antivicio había encontrado material de índole pornográfico y que había detenido a un director de cine.[40] Zappa tuvo que defenderse de una acusación de "conspiración para producir pornografía".[41] Este cargo fue reducido y fue sentenciado a seis meses de cárcel por un delito menor, de los que sólo tuvo que cumplir diez días.[42] Esto le dejó una marca personal permanente, siendo clave en su posterior antiautoritarismo.[43] Zappa perdió varias de las grabaciones hechas en Studio Z en el proceso, ya que la policía sólo devolvió unas treinta de las ochenta horas de grabación que habían requisado.[44] Ya no podía permitirse el alquiler del estudio y fue desahuciado,[45] consiguiendo recuperar la mayoría de sus posesiones antes de que el estudio fuese derruido en 1966.[46]

Finales de los años 1960: The Mothers of Invention En 1965, Zappa recibió la propuesta de Ray Collins de unirse como guitarrista a una banda local de R&B llamada The Soul Giants.[6] Zappa aceptó, asumiendo casi desde el comienzo el liderazgo del grupo, y aportando también su voz a las canciones, aunque nunca se consideró a si mismo como cantante.[47] Convenció a los demás miembros de que tenían que tocar sus propias composiciones para aumentar las posibilidades de conseguir un contrato discográfico.[48] La banda cambió su nombre inicial a The Mothers, curiosamente coincidiendo con el Día de la Madre en Estados Unidos.[49] Después de asociarse con el mánager Herb Cohen, incrementaron su número de actuaciones, mientras poco a poco se

Frank Zappa ganaban la atención de la floreciente escena underground de Los Ángeles.[50] A principios de 1966, el productor discográfico Tom Wilson les vio mientras interpretaban una canción que hablaba de los disturbios de Watts, "Trouble Every Day",[51] y decidió ocuparse de la banda. Wilson había adquirido renombre por haber producido al cantante y compositor Bob Dylan y al dúo de folk rock Simon & Garfunkel. The Mothers, gracias a Wilson, consiguieron un contrato con Verve Records, perteneciente a MGM Records, que se especializaba en jazz moderno e intentaba abrirse camino en un ámbito más pop-rock. La compañía Verve insistió en que la banda cambiara oficialmente su nombre a "→ The Mothers of Invention", ya que "Mother", en terminología slang, era una abreviación de motherfucker, un término que, aparte de su significado blasfemo, puede aludir a un músico experto.[52]

Álbum de debut: Freak Out! Con Wilson como productor, → The Mothers of Invention y una orquesta de estudio grabaron el doble álbum Freak Out! en 1966. Era una mezcla de R&B, doo wop y sonidos experimentales que mostraban la subcultura del momento en Los Ángeles.[53] El álbum estableció inmediatamente a Zappa como alguien radicalmente nuevo en la escena de la música rock, siendo un antídoto a la "inexorable cultura consumista americana".[54] El sonido era crudo, pero los arreglos eran sofisticados, quedando algunos de los músicos de sesión sorprendidos al tener que leer la música y ser dirigidos por Zappa, ya que esto no era nada habitual en las grabaciones de rock.[55] Las letras eran inconformistas, antiautoritarias, y con un marcado estilo dadaísta, pero dejando sitio para algunas letras de amor.[56] La mayoría de las composiciones eran de Zappa, lo que se convertiría en la norma durante el resto de su carrera artística. Tenía el control absoluto sobre los arreglos y las decisiones musicales e hizo una gran parte de la producción, mientras que Wilson aportaba su influencia y conexiones dentro de la industria discográfica para conseguir la financiación necesaria.[57] Durante la grabación de Freak Out!, Zappa se mudó a una casa en Laurel Canyon en Los Ángeles, California con su amiga Pamela Zarubica, que también aparecía en el álbum.[55] La [58] casa se convirtió en punto de reunión de muchos músicos y groupies de la escena de L.A. Aunque muchos de los músicos de la época consumían drogas, Zappa los etiquetaba como "assholes in action" (estúpidos en acción), y sólo llegó a probar la marihuana en unas pocas ocasiones.[59] Sin embargo, fue fumador de tabaco durante la mayor parte de su vida, y fue fuertemente crítico con las campañas antitabaco, considerándolas como invenciones de yuppies.[60] Después de una corta gira tras el lanzamiento de Freak Out!, Zappa conoció a Adelaide Gail Sloatman. Zappa se enamoró, según sus propias palabras, "en un par de minutos", y ella se mudó a la casa de Laurel Canyon en el verano de 1966.[48] Se casaron en 1967. Wilson produjo el siguiente álbum Absolutely Free (1967), grabado en noviembre de 1966 y mezclado en Nueva York. Contenía largas canciones interpretadas por → The Mothers of Invention y se centraba en canciones que definían el estilo de componer de Zappa, introduciendo cambios rítmicos abruptos dentro de las canciones.[61] Ejemplos de esto son "Plastic People" y "Brown Shoes Don't Make It", que contenían letras muy críticas con la hipocresía de la sociedad americana, pero también sobre la contracultura de los años 60.[62] Como dijo Zappa: Somos sátiros, y estamos aquí para satirizarlo todo.[63]

Frank Zappa Al mismo tiempo, Zappa había grabado material para un álbum autoproducido basado en trabajos orquestales, con vistas a lanzarlo bajo su nombre. Debido a problemas de contrato, las grabaciones fueron guardadas y no aparecerían hasta finales de 1967. Zappa aprovechó para hacer cambios radicales en el contenido, añadiendo diálogos improvisados recién grabados para para finalizar su álbum de debut como artista en solitario, Lumpy Gravy, de 1968 (publicado bajo el nombre Francis Vincent Zappa).[2] [64] "Es un proyecto musical increíblemente ambicioso",[65] "un monumento a John Cage",[66] que mezcla composiciones orquestales con palabra hablada (spoken word) y ruidos electrónicos conseguidos mediante técnicas radicales deedición de audio.[67] [68]

Época de Nueva York The Mothers of Invention tocaron en Nueva York a finales de 1966 y se les ofreció un contrato para actuar durante Semana Santa en el Teatro Garrick en 1967. Resultó un gran éxito, por lo que Herb Cohen amplió el contrato, que duró seis meses.[69] Como resultado, Zappa y su mujer, junto a The Mothers of Invention, se trasladaron a Nueva York.[64] Sus espectáculos se convirtieron en una combinación de improvisaciones centrándose en los talentos individuales de los componentes de la banda y las composiciones de Zappa. Todo ello, dirigido por las famosas señales con las manos de Zappa.[70] Las actuaciones de artistas invitados y la participación del público se convirtieron en cosas habituales en los conciertos del Teatro Garrick. Una noche, Zappa subió al escenario a un grupo perteneciente al Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, donde procedieron a desmembrar a una muñeca hinchable, a instancias de Zappa, que les había dicho que se imaginasen que era una chica gook (siendo gook un término despectivo que se utilizaba para llamar a las personas no-estadounidenses en época de guerra).[71] Establecido el grupo en Nueva York, y con la única interrupción de la primera gira europea de la banda, The Mothers of Invention grabaron en 1968 el álbum We're Only in It for the Money, a menudo citado como el más exitoso de los trabajos de la banda de finales de la década de los años 1960.[72] Fue producido por Zappa, apareciendo Wilson en los créditos como productor ejecutivo. De aquí en adelante, Zappa produjo todos los álbumes de The Mothers of Invention y como artista en solitario. En We're Only in It for the Money estaban algunas de las composiciones más creativas a nivel productivo y de edición oídas hasta el momento en la música pop, y las canciones satirizaban de forma descarada la época hippie y el fenómeno flower power.[73] [74] La portada, obra de Cal Schenkel, parodiaba la del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de → The Beatles.[75] Esto inició una larga andadura juntos, en la cual Schenkel diseñó numerosas portadas tanto para Zappa como para The Mothers of Invention.[76] Reflejando el eclecticismo de Zappa, el siguiente álbum, Cruising with Ruben & the Jets de 1968, fue muy diferente. Es una colección de canciones doo wop; no poniéndose de acuerdo los críticos y seguidores en si era una sátira o un tributo.[77] Parte de un tema de La consagración de la primavera de Stravinsky suena en una de las canciones. Zappa ha dicho que el álbum fue concebido a la manera en que Stravinsky componía en su época neoclásica: Si él podía tomar las formas y clichés de la época clásica y pervertirlos, ¿por qué no hacer lo mismo con el doo wop de los años cincuenta?[78] En Nueva York, utilizó mucho la edición de audio como parte de sus composiciones.[79] Se puede encontrar un ejemplo claro en su doble álbum Uncle Meat de 1969,[80] donde la pista

Frank Zappa "King Kong" se edita a partir de varias grabaciones distintas de estudio y en directo. Zappa grababa de forma habitual sus conciertos,[81] con lo cual utilizaba la edición para superponer esas grabaciones encima de material de estudio y viceversa.[82] Más adelante, comenzó a combinar grabaciones de distintas composiciones para convertirlas en composiciones nuevas, sin importar que el tempo fuese distinto. Llamaba a este proceso "xenochrony" (extrañas sincronizaciones).[83] [82] Zappa también acuñó el término "conceptual continuity" (continuidad conceptual), viniéndose a referir a que cualquier proyecto o álbum formaba parte de un proyecto más amplio. Todo estaba conectado, y temas musicales y letras de canciones aparecían en formas distintas en posteriores trabajos. Esta continuidad conceptual se encuentra a lo largo de su extensa obra en muchos momentos.[84] [79] A finales de la década de los 1960, Zappa siguió adentrándose más en la industria de la música, formando Herb Cohen y él los sellos discográficos Bizarre Records y Straight Records, para poder seguir financiando proyectos y para tener el control absoluto del lado creativo de su música. Zappa produjo el doble álbum Trout Mask Replica para Captain Beefheart, álbumes de Alice Cooper, Wild Man Fischer, y The GTOs, además de la última grabación en directo de Lenny Bruce.[85]

Separación de The Mothers of Invention Zappa y The Mothers of Invention volvieron a Los Ángeles en el verano de 1968, y los Zappa se mudaron a una casa en el bulevar de Laurel Canyon, para después mudarse en otoño a Woodrow Wilson Drive,[86] siendo esta última la residencia de Zappa hasta su muerte. A pesar de ser muy exitosa en Europa, la banda no pasaba por un buen momento económico.[87] Los álbumes estaban enfocados a los arreglos vocales, pero Zappa componía para sus conciertos música de corte jazzístico y clásico, cosa que confundía a la audiencia.[88] [89] En 1969 eran nueve miembros fijos en la banda y Zappa estaba sufragándola económicamente, gracias a sus regalías, hiciesen conciertos o no.[87] A finales de 1969, Zappa disolvió la banda. A menudo mencionó los problemas financieros como la principal razón,[90] aunque también mencionó la falta de esfuerzo de los músicos de la banda.[91] Muchos de ellos no estuvieron de acuerdo con la decisión de Zappa, tomándoselo como un signo de que éste anteponía la perfección al sentimiento.[89] Otros estaban molestos por su método autócrata, manifestado, por ejemplo, en el hecho de que Zappa nunca pernoctaba en el mismo hotel que sus compañeros de banda.[92] Aun así, algunos de estos músicos tocaron para Zappa posteriormente. Material de esta última época se editó en dos álbumes de 1970, Weasels Ripped My Flesh y Burnt Weeny Sandwich. Zappa a comienzos de 1970 en París. Después de disolverse The Mothers of Invention, Zappa [93] [94] editó el álbum en solitario Hot Rats en 1969. Incluye, por primera vez en grabaciones de estudio, a un Zappa tocando solos de guitarra,

además de una de sus composiciones más reconocidas, "Peaches En Regalia", que aparece en varias grabaciones posteriores.[95] Los músicos de sesión del álbum incluían a músicos

Frank Zappa

de jazz, blues y R&B, como el violinista Don "Sugarcane" Harris, el baterista Paul Humphrey, el multiinstrumentista y previo miembro de The Mothers of Invention Ian Underwood, y el multiinstrumentista Shuggie Otis tocando el bajo, aparte de una aparición de Captain Beefheart, aportando la voz al único tema no-instrumental del álbum, "Willie the [96] Pimp". Tuvo cierto éxito en el Reino Unido y una gran influencia en el posterior [95] [94] desarrollo del género de fusión jazz rock.

Años 1970: De The Mothers a Zappa En 1970 Zappa conoció al director de orquesta indio Zubin Mehta. Organizaron para mayo de ese mismo año un concierto donde Mehta dirigía a la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con el apoyo de una banda de rock. Según Zappa, la mayoría de la música fue compuesta en habitaciones de motel mientras estaba de gira con → The Mothers of [96] Invention. Algo de esto aparece en la película 200 Motels. Aunque el concierto fue un éxito, la experiencia de trabajar con una orquesta sinfónica no fue positiva según Zappa.[78] Esta insatisfacción predominó a lo largo de su carrera, ya que a menudo pensaba que el capital invertido en plasmar su música clásica en directo raramente daba el resultado esperado.[97]

Renacimiento de The Mothers y el cine A finales de 1970, Zappa formó una nueva versión de The Mothers (de aquí en adelante, mayormente, dejó de utilizar "of Invention"). Incluía al baterista británico Aynsley Dunbar, el teclista de jazz George Duke, Ian Underwood, Jeff Simmons (bajo, guitarra rítmica), y a tres miembros de The Turtles: el bajista Jim Pons, y los cantantes Mark Volman y Howard Kaylan, quienes, por constantes problemas de contrato, adoptaron el nombre artístico de "The Phlorescent Leech and Eddie", o "Flo & Eddie".[98]

Zappa en el Fillmore el 5 de junio de 1971.

Esta formación de The Mothers debutó en el siguiente álbum en solitario de Zappa, Chunga's Revenge, de 1970,[99] que fue seguido por el doble álbum compuesto como banda sonora de la película 200 Motels en 1971, en el que, aparte de The Mothers, también participaban la Orquesta Filarmónica Real, → Ringo Starr, Theodore Bikel y → Keith Moon. Codirigida por Zappa y Tony Palmer, la película fue rodada en una semana en los estudios Pinewood en las inmediaciones de Londres.[100] Hubo tensiones entre Zappa y miembros del elenco y del personal técnico antes y durante el rodaje,[100] llegando incluso a que Palmer quisiera que se retirara su nombre de los créditos.[101] La película trata de forma superficial la vida en la carretera de los músicos de rock.[102] Fue, además, la primera película grabada en video y transferida después a película de 35 mm, proceso que permitía la inclusión de algunos efectos visuales.[103] Recibió críticas [104] contradictorias. La banda sonora se centraba en la

Frank Zappa música de orquesta. La insatisfacción de Zappa con el mundo de la música clásica se intensificó sobremanera cuando un concierto, programado para llevarse a cabo en el Royal Albert Hall después de la filmación, fue cancelado porque un representante del evento pensaba que algunas de las letras eran obscenas. En 1975, puso una querella al Royal [105] Albert Hall por el incumplimiento del contrato. Después de 200 Motels, la banda comenzó una gira, que dio como resultado dos álbumes en directo, Fillmore East - June 1971 y Just Another Band From L.A. Este último incluía la pista de veinte minutos de duración "Billy the Mountain", una sátira sobre la ópera rock. Este tema era representativo de la teatralidad de la banda, que utilizaba canciones para crear gags basados en escenas de 200 Motels o nuevas situaciones, frecuentemente dedicados a los encuentros amorosos de la banda en la carretera.[106] [107]

Accidentes y secuelas En diciembre de 1971, hubo dos serios reveses en su carrera. Durante una actuación en el Casino de Montreaux en Suiza, el equipamiento de The Mothers fue destruido cuando una bengala disparada por una persona del público incendió por completo el casino,[108] [109] suceso que fue inmortalizado en la canción "Smoke on the Water" de → Deep Purple. Después de una semana de descanso, The Mothers Zappa con Mothers of Invention, tocaron en el Teatro Rainbow de Londres con Theatre de Clichy, París, 1970-1972. equipamiento alquilado. En esta ocasión, un miembro del público empujó a Zappa fuera del escenario, cayendo en el suelo de cemento del foso de la orquesta. Zappa sufrió serias fracturas, traumatismo craneal y lesiones en la espalda, pierna y cuello, además de un golpe en la laringe que le hizo perder un intervalo musical de una tercera mayor, es decir, dos tonos, después de su recuperación.[108] Este accidente le dejó postrado en una silla de ruedas, alejándole de la carretera durante más de medio año. En el concierto de retorno en septiembre de 1972, todavía llevaba una férula en la pierna, cojeaba y no podía permanecer en pie mucho tiempo. Zappa mencionó que una de las piernas al curarse, quedó más corta (cosa que referencia en sus canciones "Zomby Woof" y "Dancin' Fool"), siendo resultado de ello un dolor crónico de espalda.[108] Mientras, The Mothers quedaron en espera y finalmente formaron la esencia de la banda de Flo and Eddie. Durante 1971 y 1972, Zappa editó dos álbumes fuertemente orientados al jazz, Waka/Jawaka y The Grand Wazoo, que fueron grabados durante su descanso de los escenarios, usando un gran número de músicos de sesión distintos.[110] Musicalmente se asemejan al álbum Hot Rats.[111] Zappa comenzó a girar de nuevo a finales de 1972,[111] siendo sus primeras actuaciones en septiembre, apoyado por una big band de veinte músicos llamada The Grand Wazoo. Esto fue seguido de una minigira de cinco semanas por Estados Unidos, con una versión reducida del personal en escena, llamada The Petit Wazoo. Grabaciones de estas bandas no aparecieron hasta más de treinta años después, en los álbumes Wazoo (2007) e Imaginary Diseases (2006), respectivamente.

Frank Zappa

Éxito de ventas Zappa después hizo varias giras con diferentes agrupaciones con músicos como Ian Underwood (teclados), Ruth Underwood (vibráfono, marimba), Sal Marquez (trompeta, voces), Napoleon Murphy Brock (saxofón, flauta y voces), Bruce Fowler (trombón), Tom Fowler (bajo), → Chester Thompson (Batería), Ralph Humphrey (batería), George Duke (teclados, voces) y Jean-Luc Ponty (violín). Para 1973, sus dos sellos discográficos, Bizarre Records y Straight Records, ya no existían. En su lugar, Zappa y Cohen crearon DiscReet Records, también como rama de Warner Bros.[112] Zappa continuó produciendo mucho a lo largo de los 1970, incluyendo el álbum en solitario Apostrophe (') de 1974, que llegó al puesto número 10 de la lista Billboard,[113] ayudado en parte por el sencillo "Don't Eat The Yellow Snow".[114] Otros álbumes de la época son Over-Nite Sensation Frank Zappa en concierto, el de 1973, que incluía algunos de los temas que después tocaría 24 de junio de 1973 en el con asiduidad en sus conciertos, y los álbumes Roxy & Hordern Pavilion, Sídney, Australia. Elsewhere (1974) y One Size Fits All (1975) repletos de versiones de las siempre cambiantes canciones de The Mothers, y que son notables por sus canciones de jazz fusion de gran complejidad, como "Inca Roads", "Echidna's Arf (Of You)" y "Be-Bop Tango (Of the Old Jazzmen's Church)".[115] Una grabación en vivo de 1974, You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 2 de 1988, capta esta "excelencia y espíritu de la banda entre 1973 y 1975".[115] Zappa editó Bongo Fury en 1975, que contenía temas grabados en directo de una gira de ese mismo año que le reunió con Captain Beefheart por un corto periodo de tiempo.[116] Luego, perdieron contacto durante años, aunque lo recuperaron al final de la vida de Zappa.[117]

Malos negocios y las giras La relación de Zappa con su mánager Herb Cohen acabó en 1976. La ruptura fue amarga, ya que Zappa acabó querellándose contra Cohen por firmar contratos de actuaciones con las que no estaba de acuerdo y por temas económicos relacionados con el sello discográfico DiscReet Records.[118] En respuesta, Cohen también interpuso una querella contra Zappa, cosa que hizo que se congelara el dinero que Zappa y Cohen habían ganado de un acuerdo con MGM sobre los derechos de las grabaciones de → The Mothers of Invention. También dejó a Zappa sin acceso a sus anteriores grabaciones mientras durase el juicio. Por esto, Zappa decidió llevar directamente a Warner Bros la grabación de Zoot Allures, álbum de 1976.[119] A mediados de los años 1970 preparó material para un proyecto de cuatro álbumes llamado Läther, que cubría todos los aspectos de la música de Zappa, con temas de corte rock, trabajos orquestales, instrumentales complejos y solos de guitarra con distorsión. Warner en un principio se negó a lanzar el cuádruple álbum.[120] Zappa consiguió un acuerdo con Mercury-Phonogram, y se preparó la primera edición prevista para el día de Halloween de 1977, pero Warner frenó el lanzamiento alegando tener los derechos del material.[121] La respuesta de Zappa fue aparecer en una radio de Pasadena, permitiéndoles emitir todo el álbum Läther, animando a los oyentes a grabar cintas.[122] A esto le siguió un juicio entre Warner y Zappa, por lo que ningún material de Zappa se publicó en más de un año. Al final, Warner editó la mayor parte de Läther en contra de la voluntad de Zappa en cuatro

Frank Zappa

álbumes con promoción limitada.[123] Läther fue editado póstumamente en 1996. Aunque Zappa al final consiguió los derechos de todo su material creado bajo los contratos con MGM y Warner Bros,[124] todos estos problemas legales hicieron que su única fuente de ingresos fueran los conciertos, que, por consiguiente, hizo de forma constante entre 1975 y 1977 con bandas relativamente pequeñas, orientadas básicamente hacia el rock.[121] El baterista Terry Bozzio se convirtió en un miembro fijo de la banda, Napoleon Murphy Brock estuvo bastante tiempo y el bajista original de The Mothers of Invention Roy Estrada también se unió. Otros de los músicos de esta época incluyen al bajista Patrick O'Hearn, al cantante y guitarrista Ray White y al teclista Eddie Jobson. En diciembre de 1976, Zappa hizo una aparición en el programa televisivo de la cadena NBC Saturday Night Live.[125] Las actuaciones incluían una improvisación con el integrante del programa John Belushi durante la ejecución del tema "The Purple Lagoon".[126]

Frank Zappa en el Armadillo World Headquarters, Austin, Texas en 1977.

La banda de Zappa del momento, con la adición de Ruth Underwood y una sección de viento (con Michael y Randy Brecker), tocó durante la navidad en Nueva York, concierto cuyas grabaciones vienen recogidas en el álbum editado por Warner Bros. Zappa in New York, de 1978. Mezcla instrumentales como "The Black Page" y canciones humorísticas como "Titties and Beer".[127] "The Black Page", escrita originalmente para batería pero después desarrollada para ser tocado con bandas más grandes, es notable por su complejidad en su estructura rítmica y sus cambios drásticos de tempo.[128] [129] Zappa in New York incluía una canción sobre el criminal sexual Michael H. Kenyon, "The Illinois Enema Bandit". Como muchas de las canciones del álbum, contenía numerosas referencias de tipo sexual,[127] llevando a muchos críticos a oponerse y sentirse ofendidos por el contenido.[130] [131] Zappa sorteaba las críticas diciendo que era como un periodista informando de la vida tal y como él la veía.[132] Anticipándose a su posterior lucha contra la censura, dijo: ¿Qué se puede esperar de una sociedad que es tan primitiva que se agarra a la creencia que ciertas palabras del lenguaje son tan poderosas que te pueden corromper nada más oírlas?[47] El resto de los álbumes lanzados por Warner Bros. sin el consentimiento de Zappa fueron Studio Tan en 1978 y Sleep Dirt en 1979, que contenían complejas suites de melodías instrumentales grabadas entre 1973 y 1976.[133] También lanzaron Orchestral Favorites en 1979, que consistía en grabaciones de un concierto con orquesta de 1975.

Frank Zappa

Zappa como artista independiente Después de resueltas las disputas de forma favorable, Zappa acabó los años 1970 "más fuerte que nunca",[134] editando dos de los álbumes más exitosos de su carrera en 1979: el más vendido, Sheik Yerbouti, y la "obra maestra",[134] Joe's Garage.[135] El doble álbum Sheik Yerbouti fue el primero en editarse bajo el sello discográfico Zappa Records, y contenía el sencillo nominado a un Grammy "Dancin' Fool", que llegó al número 45 de la lista Billboard de Estados Unidos,[136] y "Jewish Princess", que recibió atención cuando una firma de abogados de origen judío, en representación de la Anti-Defamation League (La liga de antidifamación), intentó que la canción no se radiodifundiese por alegar que su letra era de contenido antisemita.[132] Zappa lo negó con vehemencia llegando a decir de ellos que eran "una organización ruidosa que intenta meterle presión a la gente para crear una imagen estereotipada de los judíos".[137] El éxito comercial del álbum se debió en gran medida a la canción "Bobby Brown". Debido a su letra que trataba sobre un encuentro entre un joven y una "lesbiana llamada Freddie",[138] la canción no fue difundida en los Estados Unidos, pero tuvo éxito en algunas listas europeas donde el inglés no era idioma oficial.[139] El triple LP Joe's Garage contaba con el cantante Ike Willis como la voz del personaje "Joe" en la ópera rock que trataba sobre los peligros de los sistemas políticos,[134] y la supresión de la libertad de expresión. La música estaba en parte inspirada por la revolución Islámica que había ilegalizado la música en aquellos momentos[140] y por el punto de vista de los americanos para con el sexo.[134] El álbum contiene canciones de rock como "Catholic Girls" (una contestación insolente a las controversias creadas con la canción "Jewish Princess"),[141] "Lucille Has Messed My Mind Up" y "Joe's Garage". Además el álbum estaba repleto de improvisaciones de guitarra grabadas en vivo combinadas con las grabaciones de la banda de estudio, dominada por el baterista Vinnie Colaiuta.[142] El álbum contiene una de las piezas de guitarra más famosas de Zappa, "Watermelon in Easter Hay".[143] El 21 de diciembre de 1979 se estrenó en Nueva York la película de Zappa Baby Snakes. La frase que aparecía en la portada decía: "Una película sobre gente que hace cosas que no son normales".[144] La película, de 160 minutos de duración, estaba basada en grabaciones realizadas en conciertos de Nueva York de 1977. También contenía algunas secuencias de animación hechas con arcilla por Bruce Bickford.[145] La película no tuvo mucho éxito comercial,[146] pero ganó un premio en el Primer Festival de Música Internacional de París en 1981. Se editó en DVD en 2003.[145]

Años 1980: Tan productivo como siempre Después de pasar la mayor parte de 1980 en la carretera, Zappa editó Tinsel Town Rebellion en 1981. Fue el primer álbum grabado con su propio sello Barking Pumpkin Records[147] y contiene temas extraídos de su gira de 1979, un tema de estudio y material de su gira de 1980. El álbum es una mezcla de instrumentales complejos y el uso de sprechgesang (canción hablada) —técnica de composición que habían empleado compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg— y muestra las excelencias de una de las bandas más sólidas que llegó a tener Zappa (no en medida escasa por incluir al batería Vinnie Colaiuta).[147] Aunque algunas de las letras aun eran controvertidas, pues algunos las consideraban sexistas,[148] se ha descrito la sátira política y sociológica en canciones como "Tinsel Town Rebellion" y "The Blue Light" como una "desternillante crítica de la buena disposición de los americanos a creerse cualquier cosa".[149] El álbum también adquiere notoriedad por la presencia del virtuoso de la guitarra Steve Vai, que se unió a la

Frank Zappa banda de Zappa a finales de 1980.[150] Ese mismo año se editó el álbum doble You Are What You Is. La mayor parte del álbum se grabó en el recién inaugurado estudio de grabación Utility Muffin Research Kitchen (UMRK), ubicado en casa de Zappa,[82] lo que le daba más libertad para trabajar.[151] El álbum incluía un complejo tema instrumental, "Theme from the 3rd Movement of Sinister Footwear", aunque estaba orientado Frank Zappa y su banda en el principalmente hacia canciones de rock con el Memorial Auditorium, Búfalo, Nueva sardónico comentario social de Zappa: letras satíricas York. 25 de octubre de 1980. dedicadas a adolescentes, los medios de comunicación, la religión y la hipocresía política.[152] "Dumb All Over" es una invectiva contra la religión, al igual que "Heavenly Bank Account", en la cual Zappa despotrica contra varios evangelistas televisivos por su influencia en la administración de los Estados Unidos y por su uso de la religión para amasar dinero.[153] Canciones como "Society Pages" y "I'm a Beautiful Guy" muestran a un Zappa en contra de la era de Ronald Reagan y su "obscena forma de conseguir fortuna y felicidad".[153] En 1981, también lanzó al mercado tres álbumes instrumentales, Shut Up 'N Play Yer Guitar, Shut Up 'N Play Yer Guitar Some More, y The Return of the Son of Shut Up 'N Play Yer Guitar, inicialmente vendidos por petición por correo, editados posteriormente por el sello discográfico CBS por demanda popular.[154] Los álbumes están enfocados exclusivamente en Zappa como solista de guitarra, siendo las pistas predominantemente grabaciones en directo de 1979 y 1980; mostrando las dotes de improvisación de Zappa mezcladas con el gran apoyo de la banda.[155] Otro álbum de guitarra en solitario, Guitar, se editó en 1988, y un tercero, Trance-Fusion, que Zappa completó poco antes de su muerte, se publicó en 2006.

Del sencillo más exitoso a la música clásica En mayo de 1982, Zappa lanzó al mercado Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch, que incluye su sencillo más vendido, "Valley Girl", que fue nominado a un Grammy y llegó al número 32 en la lista Billboard.[136] En la letra de la canción, Moon Zappa, hija de Zappa, satirizaba la forma de hablar de las chicas del Valle de San Fernando, en California. La mayoría de los estadounidenses que sólo conocían a Zappa por sus escasos sencillos de éxito ahora veían en él a un compositor de canciones novedosas, aunque el resto del álbum contenía música altamente complicada.[156] Zappa se sintió molesto por esto[157] y la canción nunca llegó a ser tocada en sus conciertos.[156] En 1983 se editaron dos proyectos distintos, empezando por The Man From Utopia, una obra de orientación rock. El álbum es ecléctico, contando con los temas cantados "Dangerous Kitchen" y "The Jazz Discharge Party Hats", ambos continuaciones del estilo Sprechgesang de Tinseltown Rebellion. El segundo álbum, London Symphony Orchestra, Vol. 1 contenía composiciones para orquesta dirigidas por Kent Nagano e interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Londres. Una segunda parte de este álbum, London Symphony Orchestra, Vol. 2 se editaría en 1987. El material fue grabado en tiempo récord, con el único aporte económico de Zappa, ayudado en parte por el éxito comercial del sencillo "Valley Girl".[158] Esto fue después de que Zappa ya hubiese experimentado antes grandes

Frank Zappa problemas para financiar este tipo de eventos.[158] Zappa no quedó satisfecho con las grabaciones de LSO. Una de las razones es la canción "Strictly Genteel", que se grabó después de que la sección de trompetas hubiese estado de copas durante uno de los descansos.[158] El director de orquesta Nagano, que quedó contento con la experiencia, [159] dijo: "Siendo justos con la orquesta, la música es humanamente muy, muy difícil". Algunas críticas indicaron que las grabaciones eran la mejor representación del trabajo de composición orquestal de Zappa hasta el momento.[160]

Sistema Synclavier Véase también: Música sinfónica y de cámara de Frank Zappa

Durante el resto de su carrera, gran parte del trabajo de Zappa estuvo influido por el uso del Synclavier, tanto a nivel de composición como de interpretación. Aun considerando la [161] complejidad de sus composiciones, el Synclavier podía realizar cosas increíbles. Podía ser programado para tocar casi cualquier cosa concebible, hasta la perfección: Con el Synclavier, cualquier grupo de instrumentos imaginable puede ser invitado a tocar los pasajes más difíciles... con una aproximación de un milisegundo cada vez.[161] Aunque esto esencialmente creaba la posibilidad de prescindir de músicos,[162] Zappa veía el Synclavier y los músicos de carne y hueso como cosas distintas.[161] En 1984, lanzó al mercado cuatro álbumes. Boulez Conducts Zappa: The Perfect Stranger contiene obras orquestales dirigidas por Pierre Boulez (que previamente había sido listado como influencia en el álbum Freak Out!) y ejecutadas por su Ensemble InterContemporain, yuxtapuestas con las primeras piezas realizadas con Synclavier. De nuevo Zappa no quedó satisfecho con la interpretación de las piezas orquestales, considerando que no se había ensayado lo suficiente, aunque en las notas del álbum da las gracias a Boulez por su constante exigencia de precisión.[163] Las piezas de Synclavier están en contraste con las obras orquestales, ya que los sonidos fueron generados electrónicamente y no, como fue posible poco después, sampleadas. El álbum Thing-Fish fue una caja recopilatoria de tres álbumes realizados al estilo de una obra de Broadway, enfocados en un marco distópico hipotético en el que se incluían el feminismo, la homosexualidad, la manufacturación del SIDA y su distribución y un programa de eugenesia dirigido por el Gobierno de los Estados Unidos.[164] Se compinaron nuevas pistas de voz con pistas previamente publicadas y nueva música de Synclavier; "el trabajo es un extraordinario ejemplo de bricolaje".[165] Finalmente, Zappa sacó al mercado Francesco Zappa, un homenaje al compositor del siglo XVII Francesco Zappa hecho con Synclavier, y Them or Us, un doble álbum de piezas en vivo y de sesión fuertemente editadas.

Frank Zappa

Testimonio en el Senado El 19 de septiembre de 1985, Zappa testificó ante el comité de comercio, tecnología y transporte del Senado de los Estados Unidos, atacando al Parents Music Resource Center o PMRC, una organización co-fundada por la mujer del por aquel entonces senador Al Gore, Tipper Gore. Algunos de los miembros del PMRC eran esposas de políticos, incluyendo las esposas de cinco de los miembros del comité, y se había fundado para controlar el contenido sexual o satánico de las letras de Zappa testificando ante el Senado de las canciones.[166] Zappa veía sus actividades como un los Estados Unidos en 1985. camino hacia la censura[167] y calificó su petición para etiquetar ciertos álbumes con contenido explícito con el lema "Parental Advisory" como una "extorsión" a la industria.[168] En su declaración dijo: La propuesta del PMRC es un disparate malintencionado que falla en su intento de beneficiar a los niños, infringe las libertades de las personas que no son niños, y que promete mantener los juzgados llenos durante años interpretando y ejecutando los problemas inherentes a la propuesta. Yo tenía entendido que, en leyes, al decidir sobre enmiendas se debe optar por las menos restrictivas. En este contexto, las demandas del PMRC son el equivalente a tratar la caspa decapitando... El establecimiento de un sistema de clasificación, voluntaria o no, abre las puertas a un desfile de programas de control de calidad basado en cosas que no gustan a algunos cristianos. ¿Qué pasa si el próximo puñado de esposas de Washington pide una enorme 'J' amarilla en todo el material compuesto o tocado por judíos, para salvar a los indefensos niños de la exposición a la doctrina sionista?[169] Zappa incluyó pasajes de esta declaración en su composición "Porn Wars", incluida en el álbum de 1985 Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention. Se oye a Zappa interactuando con los senadores Fritz Hollings, Slade Gorton y Al Gore (que admitió ser fan de Zappa) y en un diálogo con la senadora de Florida Paula Hawkins sobre los juguetes con los que jugaban los hijos de Zappa. Continuó discutiendo con representantes del PMRC a lo largo de 1986 y 1987.[170] La pasión de Zappa por la política americana comenzó a ser una parte importante de su vida. Siempre había aconsejado a sus admiradores que se registraran para votar, incluso en las cubiertas de sus álbumes, y en 1988, incluso tenía cabinas para registrarse en sus conciertos.[171] Hasta consideró presentarse a la Presidencia de los Estados Unidos.[172] En contraposición al etiquetado que sugería la PMRC, Zappa utilizó una etiqueta a mediados de los años 1980 que decía: ¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. El lenguaje y conceptos contenidos aquí garantizan no causar tormento en el sitio donde el tío de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garantía es tan real como el de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar América en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros.[173] Posteriormente, Zappa extendió sus apariciones televisivas a papeles no musicales. Intervino como actor o aportando su voz en episodios de Shelley Duvall's Faerie Tale

Frank Zappa Theatre,[174] Miami Vice[175] y Ren y Stimpy.[174] Un papel poniendo su voz en Los Simpson nunca llegó a materializarse, para disgusto del creador Matt Groening.[176]

Medios digitales y última gira Hacia 1986, Zappa emprendió la reedición exhaustiva de sus primeras grabaciones de vinilo.[177] Supervisó personalmente todas las remasterizaciones de sus grabaciones de los años 1960, 1970 y principios de los 1980 para su reedición en el entonces nuevo formato del disco compacto digital. Algunos seguidores criticaron ciertos aspectos de estas reediciones por ser poco fieles a las grabaciones originales.[178] Antes de que el CD se abriese camino en el mercado, Zappa había propuesto sustituir el comercio con grabaciones fonográficas de música por "transferencias digitales directas" a través de cable telefónico o televisión por cable (con la regalía y la factura del pago integrado en el software que acompañaba la compra).[179] En 1989, Zappa consideró su idea como "un desafortunado fracaso".[179] El álbum Jazz From Hell, editado en 1986, hizo a Zappa ganar su primer Grammy en 1987 por la "mejor ejecución instrumental de rock". Exceptuando un solo de guitarra en directo, el álbum presentaba exclusivamente composiciones ejecutadas con el Synclavier. Aun siendo un álbum instrumental, Meyer Music vendió Jazz from Hell con la etiqueta de "letras explícitas" introducido por la RIAA en colaboración con la PMRC.[180] La última gira de Zappa con una banda de rock fue en 1988, con doce músicos que tenían un repertorio de más de cien temas, mayoritariamente de Zappa, pero la banda se disolvió en circunstancias amargas antes de finalizar la gira.[181] La gira fue documentada en los álbumes Broadway the Hard Way (nuevo material conteniendo canciones con fuerte énfasis en la política), The Best Band You Never Heard in Your Life (canciones de Zappa y una colección de versiones, como Boléro de Maurice Ravel o "Stairway to Heaven" de → Led Zeppelin), y Make a Jazz Noise Here (mayoritariamente instrumental y música avantgarde). Partes de esta gira también se incluyen en You Can't Do That on Stage Anymore, específicamente en los volúmenes 4 y 6.

Años 1990:Música sinfónica y muerte Véase también: Música sinfónica y de cámara de Frank Zappa

A principios de los años 1990, Zappa visitó Checoslovaquia a petición del Presidente Václav Havel, que le pidió que sirviese de asesor de comercio, cultura y turismo. Havel era seguidor de Zappa, por su gran influencia en el avant-garde y la escena underground del este de Europa durante los años 1970 y los 1980.[182] Zappa aceptó entusiasmado y comenzó a mantener reuniones con corporaciones interesadas en invertir en Checoslovaquia. En unas semanas, la administración estadounidense presionó a Checoslovaquia para que retirase la propuesta. Havel, por consiguiente, nombró a Zappa agregado cultural no oficial.[183] La mayoría de los proyectos de Zappa llegaron a un alto en 1990, cuando se le diagnosticó un cáncer de próstata terminal. La enfermedad llevaba diez años desarrollándose sin él notarlo y fue considerada inoperable. Después de este diagnóstico, Zappa dedicó la mayor parte de sus energías a componer obras para orquesta moderna y para Synclavier. En 1993, poco antes de su fallecimiento, completó Civilization, Phaze III. Se trataba de una obra para Synclavier que había comenzado en los años 80.[184] [185]

Frank Zappa

En 1991 Zappa fue elegido para ser uno de los cuatro compositores en el Festival de Frankfurt de 1992 (los otros fueron John Cage, Karlheinz Stockhausen y Alexander Knaifel).[186] La orquesta de cámara Ensemble Modern se interesó en tocar la música de Zappa. Aun estando enfermo, Zappa les invitó a Los Ángeles para los ensayos de las nuevas composiciones y los arreglos de las composiciones de material antiguo.[187] Además de estar satisfecho con el resultado, Zappa congenió bien con los músicos, y los conciertos de Alemania y Austria se prepararon para finales de año.[187] En septiembre de 1992, las actuaciones se llevaron a cabo como estaba previsto, aunque Zappa sólo pudo estar presente en dos de los conciertos de Frankfurt por su enfermedad. En el primero de ellos, Zappa dirigió la apertura "Overture", y el último tema "G-Spot Tornado" aparte de la teatral "Food Gathering in Post-Industrial America, 1992" y "Welcome to the United States" (el resto del concierto fue dirigido por Peter Rundel). Zappa recibió una ovación de veinte minutos.[188] Esta sería su última aportación profesional en público, mientras el cáncer se iba extendiendo hasta el punto de que soportaba demasiado dolor como para disfrutar de un evento que, por otro lado, consideraba "estimulante".[188] Grabaciones de estos conciertos aparecen en The Yellow Shark de 1993, su último lanzamiento antes de su muerte, y algo del material de los ensayos apareció de forma póstuma en el álbum Everything Is Healing Nicely de 1999. Frank Zappa murió el sábado 4 de diciembre de 1993 en su casa, junto a su mujer y sus hijos. En una ceremonia privada celebrada al día siguiente, Zappa fue enterrado en una tumba sin marcar en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Westwood, Los Ángeles.[189] [190] El lunes 6 de diciembre su familia anunció: El compositor Frank Zappa marchó para su última gira el sábado justo antes de las 18:00.[191]

El legado de Zappa Premios y honores Frank Zappa fue uno de los primeros en romper las barreras entre rock, jazz y música clásica. A finales de los años 1960 sus Mothers of Invention pasaban de Petrushka de Stravinsky al "Bristol Stomp" de The Dovells antes de irrumpir en chillidos de saxofón inspirados en Albert Ayler. La Historia Ilustrada del Rock and Roll, Rolling Stone Zappa recibió clamorosas críticas en todo el mundo tanto en vida como después de su muerte. La Guía de álbumes de Rolling Stone en 2004 escribió: "Frank Zappa tocó casi todos los géneros de música, fuera en su aspecto de roquero satírico, fusionista de jazz rock, virtuoso de la guitarra, mago de la electrónica o innovador orquestal, su genialidad excéntrica era indiscutible".[192] Aunque su obra se inspiraba en varios géneros, Zappa estableció una forma de expresión coherente y personal. En 1971, su biógrafo David Walley dijo: "Toda la estructura de su música está unificada, no dividida por fechas o secuencias de tiempo, y se construye toda como un compuesto".[193] Al hablar de la música, política y filosofía de Zappa, Barry Miles dijo en 2004 que no se pueden separar; "Todo era una sola cosa; todo era parte de su 'continuidad conceptual'".[194] Guitar Player Magazine hizo un especial sobre Zappa en 1992, y preguntaba en su portada "¿Es FZ el secreto mejor guardado de la música en Estados Unidos?" El editor Don Menn comentó que el especial trataba de "el compositor más importante de la música popular

Frank Zappa moderna".[195] Entre los colaboradores del especial estaba el compositor y musicólogo Nicolas Slonimsky, que había dirigido obras de Charles Ives y Edgar Varèse en los años 1930.[196] Se hizo amigo de Zappa en los años 1980,[197] y dijo: "admiro todo lo que hace Frank, porque prácticamente ha creado el nuevo milenio musical. Hace un trabajo precioso... He tenido suerte de haber podido vivir para ver la aparición de este tipo de música totalmente nuevo".[198] El director de orquesta Kent Nagano señaló en ese mismo especial que "Frank es un genio. Y esa no es una palabra que use muy a menudo... En el caso de Frank no es exagerado... Es extremamente culto musicalmente. No estoy seguro de que el público sepa esto".[199] Pierre Boulez dijo a la revista Musician Magazine que Zappa "era una figura excepcional porque pertenecía al mundo del rock y al mundo de la música clásica, y que tanto un campo de su obra como el otro sobrevivirían".[200] Muchos músicos reconocen a Zappa como uno de los compositores más influyentes de su época.[201] [202] Como guitarrista, también ha sido alabado en multitud de ocasiones.[203] [204] En 1994, la revista de jazz Down Beat le incorporó a su Salón de la Fama.[205] Zappa fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock en 1995. En esta ocasión, se escribió: Frank Zappa fue la más aguda mente musical y el más astuto crítico social. Fue el más prolífico de los compositores de su época, y estableció puentes entre los géneros rock, jazz, clásico, avantgarde e incluso la música de moda con increíble facilidad.[206] Recibió el Grammy a toda una vida (Grammy Lifetime Achievement Award) en 1997.[207] En 2005, la National Recording Preservation Board de Estados unidos incluyó We're Only in It for the Money en el National Recording Registry, explicando que "el inventivo e iconoclasta álbum de Frank Zappa presenta una postura política única, tanto anti-conservadora como anti-contracultural, y ofrece una sátira mordaz tanto del hippismo como de las reacciones de América sobre el mismo".[208] En el mismo 2005, la revista Rolling Stone le puso en el puesto número 71 en la lista de "Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".[209]

Músicos influidos por Zappa Véase también: Anexo:Músicos ligados a Frank Zappa

La música de Zappa ha influido a un gran número de músicos, bandas y orquestas de diversos géneros. Artistas de rock como Alice Cooper,[210] Fee Waybill de The Tubes,[211] Primus[212] y Billy Bob Thornton[213] han mencionado la influencia de Zappa, al igual que artistas de rock progresivo como Henry Cow,[214] Trey Anastasio de Phish y → John Frusciante.[215] Formaciones de rock duro y heavy metal como Black Sabbath,[216] Warren DeMartini,[217] Steve Vai,[218] System of a Down,[219] y Clawfinger[220] reconocen la inspiración de Zappa. En la escena de música clásica, Tomas Ulrich,[221] Meridian Arts Ensemble[222] y The Fireworks Ensemble[223] tocan de forma habitual composiciones de Zappa. Músicos y compositores de jazz contemporáneos como Bill Frisell[224] y John Zorn[225] se inspiran en Zappa, al igual que la leyenda del funk George Clinton.[226] Otros artistas en cuya obra Zappa ejerce importante influjo son: The Residents,[227] [228] Faust,[229] el pianista de new age George Winston,[230] el compositor de electrónica Bob Gluck[231] y el cantante humorístico "Weird Al" Yankovic.[232]

Frank Zappa

Referencias a Zappa en otros ámbitos Científicos de varios campos han dado nombre a varios nuevos descubrimientos en honor de Frank Zappa. En 1967, el paleontólogo Leo P. Plas Jr. identificó un molusco extinguido en Nevada y lo llamó Amaurotoma zappa.[233] En los años 80, el biólogo Ed Murdy llamó a un género de peces gobbidae de Nueva Guinea Zappa, con una especie que llamó Zappa confluentus.[234] El biólogo Ferdinando Boero llamó en 1987 a una medusa de California Phialella zappai, comentando que "era un placer nombrar esta especie así en honor al músico".[235] Los biólogos belgas Bosmans y Bosselaers descubrieron a principios de los 1980 una araña de Camerún, que nombraron en 1994 Pachygnatha zappa, porque una zona del vientre de la hembra de la especie tenía un gran parecido con el famoso bigote del artista.[236] Un gen de la bacteria Proteus mirabilis que causa infecciones de orina fue nombrado en 1995 ZapA por unos biólogos de Maryland.[237] A finales de los años 1990, los paleontólogos americanos Marc Salak y Halard L. Lescinsky descubrieron un fósil que llamaron Spygori zappania en honor a "la época final de Zappa... que tenía paralelismos con los primeros paleontólogos: retar las creencias tradicionalistas cuando tales creencias no tenían raíces en la lógica ni la razón".[238] En 1994, gracias a los esfuerzos del psiquiatra John Scialli, la Unión Astronómica Internacional llamó a un asteroide en su honor: 3834 Zappafrank.[239] El asteroide fue descubierto en 1980 por el astrónomo Ladislav Brozek, y la cita de su denominación dice: "Zappa era un artista y compositor ecléctico y autodidacta... Antes de 1989 era visto como un símbolo de democracia y libertad de expresión para mucha gente de Checoslovaquia".[240]

Busto de Zappa en Bad Doberan.

En 1995, en Vilnius, la capital de Lituania, se instaló un busto de Zappa hecho por el escultor Konstantinas Bogdanas. Se donó una réplica a la ciudad de Baltimore en 2008.[241] En 2002, un busto de bronce fue puesto en la ciudad alemana Bad Doberan, que desde 1990 alberga el festival anual de música en honor a Zappa, llamado Zappanale.[242] Por iniciativa de la comunidad de músicos ORWOhaus, la ciudad de Berlín dio su nombre a una calle situada en el distrito de Marzahn en 2007.[243] Ese mismo año, la alcaldesa de Baltimore, Sheila Dixon, proclamó oficialmente el "Día de Frank Zappa" en la ciudad, citando los logros musicales de Zappa y su defensa de la Primera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos.[244]

Frank Zappa

Véase también • → The Mothers of Invention • Dweezil Zappa

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Frank Zappa

Enlaces externos Wikiquote • • • • • • •

Wikiquote alberga frases célebres de Frank Zappa. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Frank Zappa.Commons Página web oficial de Frank Zappa [7] Frank Zappa en IMDb [246] Discografía de Zappa [247] Information is not knowledge. Todo sobre Zappa [248] El tercer poder [249]

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The Mothers of Invention The Mothers of Invention Información artística Género

Rock, jazz, clásico, experimental

Período de actividad

1964 — 1975 1980 — 1993

Discográfica(s)

Verve, Reprise, DiscReet Records

Artistas relacionados

→ Frank Zappa

Little Feat Flo and Eddie

The Mothers Of Invention fue una banda de música liderada por → Frank Zappa. Resulta difícil discernir a qué género musical perteneció debido a su amplio estilo. Pero se la relaciona con el rock and roll y especialmente el jazz rock. Inicialmente llamada "The Soul Giants" y formada por el baterísta Jimmy Carl Black, el bajista Roy Estrada, el guitarrista Ray Hunt, el vocalista Ray Collins y el saxofonista Davy Coronado. En 1964, tras una pelea con Collins, Hunt se separa de la banda y es reemplazado por → Frank Zappa quien toma el liderazgo de la misma. Tocando en un bar como «The Mothers», el productor Tom Wilson los descubre en 1965. Les ofrece un contrato y $2500 de adelanto. Debido a que el nombre «The Mothers» es una abreviación de motherfuckers la MGM obliga a cambiárselo, llamándose definitivamente "The Mothers of Invention". Tras meses de grabación la banda lanza el primer LP doble en la historia del rock: Freak Out! caracterizado por la sátira. Del mismo salieron dos singles: "How Could I be Such A Fool" y "Who Are The Brain Police?". En 1967 lanzan su segundo LP: "Absolutely Free", aún más experimental, mezclando estilos como el rock, el R&B, jazz, doo wop y haciendo críticas varias como: "Plastic People" o "Call Any Vegetable". Para este segundo disco ingresan a la banda un segundo baterista: Billy Mundi y el tecladista Don Preston.

The Mothers of Invention Su tercer LP: We're Only in It for the Money critica al mundo hippie, las drogas, el flower power, incluso su portada, creada por Cal Schenkel, parodiaba el disco de los beattles: "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". En 1969 → Frank Zappa desarma la banda y lanza Hot Rats, su primer disco como solista. En 1970 la banda se rearma, aunque con diferentes músicos: Aynsley Dunbar, George Duke, Howard Kaylan, y Mark Volman. Graban un nuevo álbum: Chunga's Revenge aunque es acreditado a Zappa. Antes de otro desarme, debido a un accidente que sufre Frank Zappa en un concierto de 1971, editan dos discos en vivo (Fillmore East - June 1971 y Just Another Band From L.A.). A partir de 1980 Jimmy Carl Black, Don Preston y Bunk Gardner han estado tocando y grabando bajo el nombre de "The Grandmothers" o "The Grande Mothers Re:Invented", haciendo música de Frank Zappa o Captain Beefheart.

Discografía • Freak Out! (1966) • Absolutely Free (1967) • • • • • • • • • • • • •

We're Only in It for the Money (1968) Cruising with Ruben & the Jets (1968) Uncle Meat (1969) Burnt Weeny Sandwich (1970) Weasels Ripped My Flesh (1970) Fillmore East - June 1971 (1971) Just Another Band From L.A. (1972) Over-Nite Sensation (1973) Roxy & Elsewhere (1974) One Size Fits All (1975) The Grandmothers (1980), sin Frank Zappa Playground Psychotics (1992) Ahead Of Their Time (1993)

Videografía • • • • • •

200 Motels (1971) Baby Snakes (1979) The Dub Room Special (1982) Video From Hell (1987) Uncle Meat (1987) The True Story of Frank Zappa's 200 Motels (1989)

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The Mothers of Invention

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Enlaces externos • Ficha en Allmusic [1] • Página web de Jimmy Carl Black [2] • Página web de "The Grande Mothers Re:Invented"

Referencias [1] http:/ / allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:3jfoxqtgldde [2] http:/ / www. jimmycarlblack. com [3] http:/ / www. thegrandmothers. com/

[3]

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Pink Floyd Pink Floyd Pink Floyd

Arriba: → Roger Waters y David Gilmour Abajo: → Nick Mason y → Richard Wright. Información personal Origen

Cambridge, Inglaterra Información artística [1]

Género

Art rock [1] Rock psicodélico [1] Rock espacial [2] [1] Rock progresivo [1] Rock sinfónico [1] Hard rock

Período de actividad

1965 – 1995 [3] (único concierto en 2005)

Discográfica(s)

Capitol Records Columbia Records EMI

Artistas relacionados

Sigma 6 Web

Sitio web

www.pinkfloyd.co.uk Miembros David Gilmour → Nick Mason → Roger Waters → Richard Wright † Antiguos miembros → Syd Barrett † → Bob Klose

[4]

Pink Floyd Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes de la escena del rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo del mundo,[5] [6] de los cuales 74,5 millones sólo en los Estados Unidos.[7] Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista → Bob Klose, el baterista → Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista → Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal → Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD,[1] hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd. Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: "Young Lust", "Run Like Hell" y "Comfortably Numb"). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre. Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.

Historia Orígenes Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6,[8] que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas → Bob Klose y → Roger Waters, el baterista → Nick Mason y el teclista Rick Wright) formaron una

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Pink Floyd nueva banda llamada Tea Set. Después de un breve tiempo con Chris Dennis como vocalista principal,[9] el guitarrista y vocalista → Syd Barrett, fan de los Beatles y del rhythm and blues,[10] se unió a la banda, con lo que Waters pasó a tocar el bajo.[11] En el verano de 1965, → Bob Klose se vio forzado a abandonar la banda por las presiones de sus padres y de sus profesores universitarios, y el grupo se convirtió en un cuarteto, con Barrett, Waters, Wright y Mason.[12] De este modo, Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rhythm and blues de Bo Diddley,[13] aunque la publicación de Eight Miles High de los californianos The Byrds y especialmente el álbum Revolver de sus coterráneos los Beatles en 1966 provocó el auge del rock psicodélico, un género musical en el que Barrett se sentía más a gusto.[14] En otoño de aquel mismo año, Tea Set coincidió en un concierto en Northolt, a las afueras de Londres, con una banda con el mismo nombre que iba a actuar en el mismo lugar. Ante esta circunstancia, Barrett sugirió otro nombre para el grupo, The Pink Floyd Sound, que provenía de la combinación de los nombres de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.[15] [8] Durante un corto periodo el nombre osciló entre Tea Set y The Pink Floyd Sound, pero con el tiempo éste último se acabó por imponer. El Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Las producciones inglesas de la banda durante la era de Syd Barrett eran acreditadas como The Pink Floyd así como sus primeros dos sencillos en los EE.UU. Se sabe que David Gilmour continuó refiriéndose al grupo como The Pink Floyd hasta 1984.[16] Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse. A finales de 1966 la banda fue invitada a componer música para la película de Peter Whitehead, Tonite Let's All Make Love in London, y fue filmada grabando dos temas («Interstellar Overdrive» y «Nick's Boogie») en enero de 1967. Aunque aparecieron muy pocas muestras de esta música en la película, la sesión fue lanzada como London 1966/1967 en el 2005. Dada su creciente popularidad, los miembros de la banda decidieron formar Blackhill Enterprises en octubre de 1966, en asociación con sus mánagers Peter Jenner y Andrew King,[17] para distribuir los sencillos «Arnold Layne» en marzo de 1967 y «See Emily Play» en junio del mismo año. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido,[1] y el segundo llegó al número 6,[18] dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.[19]

Primeros pasos En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, Pink Floyd decidió elaborar su primer álbum, The Piper at the Gates of Dawn, que fue lanzado en agosto de 1967. El título fue extraído de la novela El viento en los sauces, de Kenneth Grahame.[20] En la actualidad está considerado como ejemplo por antonomasia de la música psicodélica británica,[1] además de que en su momento fue muy bien recibido por la crítica. Las pistas del disco, predominantemente escritas por Barrett, muestran letras poéticas y una ecléctica mezcla de música, desde la vanguardista «Interstellar Overdrive» hasta «The Scarecrow» (inspirada en la música folclórica de The Fens, una región rural al norte de Cambridge de donde son originarios Barrett, Gilmour y Waters). Las letras son totalmente surrealistas y a menudo folclóricas, como «The Gnome». La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época, destacando el uso del paneo estéreo, la edición de cinta,

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Pink Floyd los efectos de eco y el uso de teclados electrónicos. El disco fue un éxito en el Reino Unido, donde llegó al puesto número 6, pero no le fue tan bien en los EE.UU., en cuyas listas solo alcanzó la 131ª posición,[21] aunque después sería relanzado en el periodo de éxito comercial del grupo, en la década de los 70. Durante este periodo, la banda emprendió una [22] gira con → Jimi Hendrix, lo que ayudó a incrementar su popularidad. A medida que crecía el éxito de la banda, el estrés y el consumo de drogas (especialmente de LSD) hicieron mella en la salud mental de Syd Barrett.[1] Su conducta se volvió cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo. Por esto, en febrero de 1968 el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para apoyarlo a la guitarra y cantar cuando aquél sufriera alguno de sus bloqueos mentales,[23] [1] aunque también se consideró la candidatura de Jeff Beck.[24] Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás integrantes simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos.[25] El último concierto con Barrett en el grupo fue el 20 de enero de 1968, en el muelle de Hastings. El resto de componentes tenía la esperanza de que Barrett pudiera componer para la banda con Gilmour en los conciertos,[8] pero esto no sucedió así, y la composiciones de Barrett se hicieron cada vez más difíciles y abstractas, como «Have You Got It, Yet?», con cambios de melodías y progresiones armónicas, lo que hizo que el resto de integrantes desechara el acuerdo.[26] [25] La salida de Barrett se hizo oficial en abril de 1968,[27] y los productores Jenner y King decidieron seguirlo, por lo que la sociedad Blackhill se disolvió.[1] La banda adoptó como mánager a Steve O'Rourke, quien continuaría con Pink Floyd hasta su muerte en 2003.[28] Después del lanzamiento de dos álbumes en solitario (The Madcap Laughs y Barrett) en 1970 (co-producidos por y algunas veces con colaboraciones de Gilmour, Waters y Wright), de éxito moderado, Barrett se recluyó en su natal Cambridge y llevó una tranquila vida hasta su muerte el 7 de julio de 2006.

La era de la experimentación Sin la presencia de Barrett; Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Si Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y especialmente Waters,[1] se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la agrupación. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene». A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, sólo una composición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Remember a Day» (grabado durante las sesiones de The Piper at the Gates of Dawn) y «Set the Controls for the Heart of the Sun». El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, lanzado en junio de 1968, alcanzó el noveno lugar en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas.[29] Algo irregular debido a la salida de Barrett, el álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su antiguo líder,[30] combinado con un estilo más experimental, que alcanzaría su pleno desarrollo en Ummagumma. La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales.[1]

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Pink Floyd Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.[30] Poco después fueron reclutados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153º en los EE.UU.[31] La crítica definió este disco como irregular y accidentado.[1] Muchas pistas de More (como usualmente lo llaman los fans) son canciones acústicas de folk. Anteriormente, la banda había estado trabajando en una ópera rock llamada The Man/The Journey, pero el proyecto fue rechazado. No obstante, dos de las canciones que componían esta obra, «Green Is the Colour» y «Cymbaline», fueron incluidas en More,[8] y permanecieron como parte habitual de los conciertos en aquella época. «Cymbaline» también fue la primera canción de Pink Floyd que expresaba la actitud cínica de Roger Waters hacia la industria musical de manera explícita. El resto del álbum consiste en piezas secundarias vanguardistas incluidas en la banda sonora (algunas de las cuales también figuran en The Man/The Journey), con unas pocas canciones más potentes, como «The Nile Song». El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Manchester)[32] y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno).[33] El título de este álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge. El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de estilo folk («Grantchester Meadows», compuesta por Waters), la pianística y atonal «Sysyphus», coqueteos con el rock progresivo en «The Narrow Way», y largos solos de batería en «The Grand Vizier's Garden Party». Por último, «Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict» es una canción de cinco minutos que presenta únicamente la voz de Waters cantando a diferentes velocidades, dando como resultado un sonido semejante al de pájaros y roedores. Varias de las canciones nuevas de este álbum ya habían sido interpretadas en el concierto grabado bajo el nombre de The Man/The Journey. Ummagumma fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Reino Unido y el 74º en EE.UU.[34] Atom Heart Mother, la primera grabación de la banda con una orquesta y su siguiente álbum de estudio, contó con la colaboración del músico Ron Geesin. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes, que se inspiraron en un artículo de prensa que contaba que una mujer que tenía implantado un marcapasos atómico, había dado a luz.[25] La portada también fue un trabajo casi improvisado a causa de la falta de tiempo, ya que el fotógrafo dijo que se había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titulada «Atom Heart Mother», mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación («If» de Waters, «Fat Old Sun» de Gilmour y «Summer '68» de Wright). Otra de las canciones, «Alan's Psychedelic Breakfast», es un collage sonoro de un hombre cocinando y comiéndose su desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda tenía a su servicio.[25] [35] Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles,[1] alcanzó el puesto

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Pink Floyd más alto nunca visto por uno de sus discos, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55º en los EE.UU.[36] Desde entonces, ha sido calificado por Gilmour como «un montón de basura», mientras que Waters dijo que no le importaría si fuera «tirado a la basura y no fuera escuchado nunca por nadie».[37] La popularidad de este álbum hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por los EE.UU. Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, Relics, que contiene varios sencillos y caras-B junto con una canción original de Waters llamada «Biding My Time», que fue grabada durante las sesiones de Ummagumma. El grupo contribuyó a la banda sonora de la película Zabriskie Point, aunque la mayoría de sus composiciones fueron finalmente descartadas por el director del film, Michelangelo Antonioni.[38]

La llegada de la fama mundial Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco The Dark Side of the Moon. La última colaboración de Wright como compositor y vocalista se dio en «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985. El sonido del grupo había sido más coherente en Meddle (1971). La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido,[39] y está considerada como una de sus mejores piezas. Este álbum ya posee el estilo característico de la banda que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, y se eliminó la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother. Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país sólo alcanzase el 70º.[40] El siguiente trabajo de la banda fue Obscured by Clouds (1972), grabado en Francia,[41] y que conformó la banda sonora de la película La Vallé de Barbet Schroeder. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE.UU., además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido.[42] La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Además, la canción «Childhood's End» fue la última contribución lírica de Gilmour en quince años,[43] y está basada en el libro del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, Meddle, con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.

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La publicación del superéxito The Dark Side of the Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando «Point Me at the Sky» fue publicado; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el 20º puesto en los EE.UU. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país,[44] convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos, sobrepasando los Imagen que representa el fenómeno de dispersión de quince millones de copias, y uno de los más la luz, en el que se basó Storm Thorgerson para idear la portada de The Dark Side of the Moon. vendidos en todo el mundo, con más de [44] cuarenta millones. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento,[1] incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988,[44] lo que significó otro récord mundial; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos.[45] También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar.[44] En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de éste se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.[46] Poco después de la publicación de The Dark Side of the Moon apareció el recopilatorio A Nice Pair, que recoge los dos primeros discos de la banda, The Piper at the Gates of Dawn y A Saucerful of Secrets. También alrededor de esta época se publicó el primer vídeo en directo del grupo, Live at Pompeii, grabado antes de la publicación de The Dark Side of the Moon en el anfiteatro de Pompeya, una de las ciudades de la antigua Roma destruidas por el Vesubio hace más de 2000 años. El concierto fue grabado sin ningún tipo de público, exceptuando a los ayudantes del grupo y el equipo de grabación. En el vídeo, dirigido por Adrian Maben, se incluyen también entrevistas a los miembros de Pink Floyd y escenas detrás de los escenarios, y durante la grabación de The Dark Side en los estudios Abbey Road. Después del éxito de The Dark Side, los miembros de Pink Floyd procuraron no hacerse repetitivos con respecto al rumbo musical que iban a tomar a partir de ese momento, preguntándose si serían capaces de continuar en los más alto de las listas de ventas. En una vuelta a sus comienzos experimentales, comenzaron a trabajar en un proyecto de álbum llamado Household Objects, llamado así porque las canciones iban a estar interpretadas con objetos caseros (como sierras, cubos de agua, martillos, gomas elásticas o copas).[25] Sin embargo, el proyecto fue abandonado porque los integrantes de la banda decidieron que era mejor y más fácil tocar las canciones con sus respectivos instrumentos. No existen grabaciones definitivas de este proyecto, aunque algunos de los efectos obtenidos fueron

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Pink Floyd empleados en posteriores trabajos.[25] Wish You Were Here, publicado en 1975, trata acerca de la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y también de la añoranza del antiguo miembro del grupo → Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada «Shine on You Crazy Diamond», un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, «See Emily Play».[25] El resto de canciones, «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» (cantada por Roy Harper), exhiben, como se dice, una fuerte crítica a la industrialización de la música. Wish You Were Here fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE.UU., y fue igual de alabado por la crítica que The Dark Side of the Moon. En una famosa anécdota, un hombre gordo y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas llegó al estudio mientras los integrantes del grupo estaban mezclando «Shine on You Crazy Diamond». Ninguno de ellos fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett.[47] Preguntado por su extraña gordura, Barrett dijo que había estado comiendo demasiadas chuletas de cerdo.[25] En una entrevista en el 2001 al canal BBC para grabar el documental Syd Barrett: Crazy Diamond, Wright dijo: «Una cosa que realmente permanece en mi memoria, que nunca olvidaré; sucedió en las sesiones de "Shine On". Llegué al estudio y ví a ese hombre sentado al fondo del estudio, estaba tan lejos como tu lo estás de mí. Y no lo reconocí. Dije '¿Quién es este fulano detrás tuyo?' 'Ese es Syd'. Y simplemente me vine abajo, no lo podía creer... Se había afeitado todo el pelo... Es decir, hasta las cejas, todo... Iba de arriba a abajo, haciendo ruido con los dientes, era horroroso. Y, eh, yo estaba, quiero decir, Roger estaba llorando, creo que yo también; los dos estábamos llorando. Fue muy chocante... siete años sin contacto, y llegar entonces, cuando nosotros estamos haciendo esa canción en particular. No sé, coincidencia, karma, destino, ¿quién sabe? Pero fue muy, muy, muy potente.» En el mismo documental, Nick Mason expresó: «Cuando pienso en ello, aún puedo ver sus ojos, pero... todo era diferente». Waters también intervino en la entrevista: «No tuve ni idea de quién era durante mucho tiempo», así como Gilmour: «Ninguno de nosotros lo reconoció. Afeitada... la cabeza calva afeitada, y muy gordo».

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La era Waters Con la publicación de Animals en enero de 1977, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll.[48] Sin embargo, Animals está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios La Battersea Power Station sale en la portada de de Pink Floyd, Britannia Row. Fue el primer Animals, con un cerdo inflable entre dos chimeneas. disco que no incluyó ninguna composición de Rick Wright, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido y el tercero en los EE.UU.[49] Como en muchos de sus antecesores, Animals posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela Rebelión en la granja de George Orwell. En el disco, las canciones «Sheep», «Pigs» o «Dogs» se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher,[50] [51] y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse.[52] A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en Animals, pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como «tedioso» y «sombrío».[53] La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre «Algie»,[54] sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Sin embargo, el viento que estaba soplando el día en que se tomó la fotografía complicó el control del globo, y hubo que superponer la foto del cerdo y la de la estación eléctrica mediante un montaje fotográfico.[25] Este cerdo se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.[25] Después de la gira de promoción de Animals, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcó en sendos proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum David Gilmour en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó Wet Dream, y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum Steve de Steve Hillage (miembro de Gong). El único que no se distrajo de la actividad de Pink Floyd fue Roger Waters, quien trabajó en dos proyectos distintos: The Pros and Cons of Hitch Hiking y The Wall. El resto de integrantes eligió éste último como el siguiente álbum, y Pros and Cons se convertiría posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters.[55] A comienzos de 1979 salió a la luz un escándalo económico que involucró a la empresa Northon Warburg: su máximo dirigente, Andrew Warburg, había estado desviando fondos para una serie de operaciones ilícitas y huyó de Inglaterra; siendo arrestado a su regreso en 1982.[56] Esta empresa era la que gestionaba los ingresos de los miembros de Pink Floyd, quienes vieron cómo entre los cuatro habían perdido más de un millón de libras

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esterlinas. Como resultado del escándalo, cada uno de ellos debía mucho dinero de impuestos, y se vieron forzados a abandonar el país entre el 6 de abril de 1979 y el 6 de abril de 1980.[57] Durante el exilio se acabó de pulir el álbum The Wall, que fue grabado en Francia. La épica ópera rock The Wall vio la luz en 1979. Compuesta casi en su totalidad por Waters, trata los temas de la soledad y la falta de comunicación, expresados por medio de la metáfora de un muro, construido entre el músico y el público.[1] Waters ideó este formato cuando escupió a un fan que no había dejado de increpar al grupo en un concierto en Montreal, Canadá.[58] [52] The Wall consiguió que Pink Floyd volviese a lo más alto de las listas de éxitos con el sencillo «Another Brick in the Wall, Part II» (las 340.000 copias distribuidas en el Reino Unido fueron vendidas en sólo cinco días)[44] extrayendo también otros éxitos como «Comfortably Numb» o «Run Like Hell», que se convirtieron en clásicos de la banda y de las emisoras de radio a pesar de no ser nunca publicados como sencillos. El álbum fue producido por Bob Ezrin, un amigo de Waters que compartió los créditos de composición en el tema «The Trial» (aunque posteriormente rompería su relación al revelar Ezrin a la prensa el espectáculo de los conciertos).[59] Waters impuso sus dotes artísticas y su liderazgo sobre la banda, usando la precaria situación económica de la banda a su favor, lo que enseguida desembocó en numerosos conflictos entre los integrantes. La música se había orientado notablemente hacia el hard rock, aunque aún hubo temas orquestales semejantes a los temas de épocas pasadas. La influencia de Wright fue minimizada, y fue despedido durante la grabación por Waters,[60] aunque acabó retornando para los conciertos en directo con un salario determinado. Curiosamente, esta situación fue lo que hizo que Wright se convirtiese en el único músico que ganó algo de dinero con los conciertos de The Wall. La ópera sólo fue interpretada en unas pocas ocasiones debido a las complicaciones logísticas (puesto que en estas actuaciones se construía un muro en los descansos de cada actuación),[1] aunque sería interpretada por Waters una vez más después de la caída del muro de Berlín. Aunque nunca llegó al número uno en el Reino Unido (sólo alcanzó el tercer lugar),[44] The Wall permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino, vendiendo 11.5 millones de copias en los EE.UU.[61] El espectacular éxito de The Wall hizo que Pink Floyd se convirtiese en el único grupo en conseguir el disco más vendido del año en dos ocasiones dentro de una misma década (en 1973 con The Dark Side of the Moon y en 1980 con The Wall), algo que sólo los Beatles habían logrado antes. Como secuela se publicó en 1982 la película Pink Floyd: The Wall, cuya banda sonora está formada por la mayoría del contenido de The Wall. La película, escrita por Waters y dirigida por Alan Parker, tiene como actor protagonista al fundador de Boomtown Rats, Bob Geldof, quien regrabó muchas de las partes vocales originales del álbum.[62] La animación de la misma corrió a cargo de Gerald Scarfe. La canción «When the Tigers Broke Free», que apareció por primera vez en esta película, fue publicada como un sencillo en edición limitada, aunque se popularizó cuando fue incluida en el recopilatorio Echoes: The Best of Pink Floyd y en la reedición de The Final Cut. Otra canción original de la película es «What Shall We Do Now?», que fue eliminada del álbum original debido a las limitaciones de tiempo de los discos de vinilo. Las únicas canciones de The Wall que no fueron empleadas fueron «Hey You» y «The Show Must Go On».

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The Final Cut, un álbum dedicado a la memoria del padre de Waters, Eric Fletcher Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial,[25] salió al mercado en 1983. Es el único álbum de la banda en el que no apareció Richard Wright, y el único que fue compuesto en su totalidad por uno de los integrantes de la banda, en este caso Waters[25] (tanto fue así que le ofrecieron publicarlo como un disco en solitario, algo que fue rechazado La Guerra de las Malvinas fue uno de los nuevos por el resto de integrantes y por EMI). Fue temas incorporados en las letras de The Final Cut, que también él mismo quien grabó casi todas reafirmaba la postura antibélica de Roger Waters. las partes vocales, excepto una canción en la que está acompañado por Gilmour.[25] La temática del trabajo siguió la línea de los anteriores, aunque de un modo más oscuro. En él, Waters incluyó por primera vez en las letras la participación británica en la Guerra de las Malvinas, y concluyó con una referencia a una posible guerra nuclear, en la canción «Two Suns in the Sunset». Los arreglos orquestales corrieron a cargo de Michael Kamen, quien, junto con Andy Bown, interpretó las partes del teclado debido a la ausencia de Wright. The Final Cut fue bien recibido por la crítica, y alcanzó el primer puesto en el Reino Unido y el sexto en los EE.UU.[63] Contiene un éxito radiofónico menor, «Not Now John», el único del trabajo en el que canta Gilmour. Esta situación provocó numerosas discusiones entre Gilmour y Waters, de tal magnitud que se rumoreó que no se vieron en el estudio durante las sesiones de grabación. Mientras que Gilmour dijo que intentó seguir haciendo buena música, Waters declaró que nadie entendía el mensaje social que contenían sus canciones. Aunque nunca hubo ninguna gira promocional de este disco,[64] Waters ha interpretado desde entonces algunas canciones en sus conciertos en solitario. Después de este álbum se publicó el recopilatorio Works, que incluyó por primera vez la canción inédita «Embryo», grabada en 1970. A partir de entonces, cada uno de los miembros tomó caminos distintos, embarcándose en sus propios proyectos. Gilmour publicó el álbum en solitario About Face en marzo de 1984. Un mes después, Wright se unió a Dave Harris, del grupo Fashion, para formar Zee, que editó el álbum Identity. En mayo de 1984, Waters publicó The Pros and Cons of Hitch Hiking, un álbum conceptual que había ideado durante el parón de 1978. Un año después de estos lanzamientos, Mason publicó Profiles junto con Rick Fenn, de 10cc, que contiene una colaboración de Gilmour y del teclista de UFO, Danny Peyronel.

La era Gilmour En diciembre de 1985, Waters anunció la separación de Pink Floyd, describiendo a la banda como una «fuerza agotada». No obstante, en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a grabar un nuevo álbum bajo el nombre de Pink Floyd. Una agria disputa legal llevó a Roger a reclamar que el nombre de Pink Floyd debería haber sido abandonado, pero Gilmour y Mason mantuvieron su intención de grabar con ese nombre, declarando que eran ellos quienes tenían sus derechos legales. Finalmente, la demanda fue llevada a los juzgados, y los derechos fueron adquiridos por Gilmour y Mason.[1]

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Pink Floyd Después de barajar varios títulos, el nuevo álbum fue publicado como A Momentary Lapse of Reason, y alcanzó el tercer puesto en los EE.UU. y en el Reino Unido.[65] Sin Waters, que había sido el principal motor compositivo, la banda se apoyó en compositores de fuera, lo que provocó muchas críticas. Bob Ezrin actuó como coproductor junto con Jon Carin, y ambos aportaron composiciones al trabajo. Carin también interpretó la mayoría de las partes de teclado a pesar de la vuelta de Wright,[66] en un principio como músico asalariado y luego como miembro oficial. Gilmour declaró posteriormente que Mason y Wright apenas habían participado en el disco, y es a causa de esto por lo que muchos críticos consideran que A Momentary Lapse of Reason debería ser un álbum en solitario del guitarrista inglés, del mismo modo que The Final Cut debería ser un álbum en solitario de Waters.[1] Un año después la banda publicó un álbum doble en directo acompañado de un vídeo del concierto, llamado Delicate Sound of Thunder, que fue grabado en una serie de conciertos en Long Island, Estados Unidos, y posteriormente grabó una serie de pistas para La Carrera Panamericana, un vídeo de la competición mexicana del mismo nombre. En esta carrera, que tenía como participantes a Mason y a Gilmour, éste último tuvo un accidente junto con su copiloto, el mánager Steve O'Rourke, que se rompió la pierna, aunque Gilmour sólo sufrió algunos rasguños.[67] Estas pistas, todas ellas instrumentales, presentan las primeras composiciones de Wright desde 1975, y las primeras de Mason desde 1973. En 1992 se publicó el box set Shine On, que incluye las reediciones de los discos A Saucerful of Secrets, Meddle, The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall y A Momentary Lapse of Reason junto con un disco adicional llamado The Early Singles. Ese mismo año también se publicó Amused to Death, el nuevo trabajo en solitario de → Roger Waters. El siguiente álbum de estudio de Pink Floyd fue The Division Bell, publicado en 1994, compuesto por todos los integrantes del grupo y no sólo por Gilmour exclusivamente, ya con Wright como miembro oficial. Fue mejor recibido que A Momentary Lapse of Reason,[1] aunque se le siguió criticando por la invariabilidad de su estilo.[68] Fue el segundo disco de la banda en llegar al primer puesto a ambos lados del Atlántico desde Wish You Were Here.[44] The Division Bell es otro álbum conceptual que representa temas parecidos a los que Waters había explorado en The Wall. Muchas de las letras fueron escritas por Polly Samson, la novia de Gilmour en aquel momento, con quien se casó poco después de la publicación de este trabajo.[69] Junto con Samson, el álbum presenta a la mayoría de los músicos que contribuyeron en el anterior trabajo de estudio de la banda, con la inclusión de Dick Parry, un viejo colaborador de la época de The Dark Side. Además, Anthony Moore, que había ayudado en la composición de algunas de las letras de A Momentary Lapse, compuso la de «Wearing the Inside Out», que es además la primera contribución vocal de Wright desde The Dark Side. Esta misma colaboración continuó en el posterior álbum de Wright, Broken China. Al año siguiente, 1995, la banda publicó un álbum en directo titulado P.U.L.S.E. que alcanzó el número uno en los EE.UU. y que contiene las canciones interpretadas en un concierto en Londres en la gira Division Bell junto con el álbum The Dark Side of the Moon en directo al completo. El 10 de julio de 2006 se publicó su versión en DVD, que rápidamente alcanzó las más altas posiciones en las listas de éxitos. También en 1995 la banda recibió su primer y único premio Grammy en la categoría de «Mejor interpretación instrumental de rock» por «Marooned».

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Trabajos en solitario Pink Floyd ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame en una ceremonia presentada por Billy Corgan, vocalista de los Smashing Pumpkins.[70] Waters no acudió a la ceremonia debido a sus no superadas discrepancias con el resto de miembros. En su discurso de aceptación, Gilmour dijo: «Voy a tener que coger un par más de estos para nuestros dos compañeros de banda que comenzaron a tocar en diferentes tonos: Roger y Syd...» Aunque Mason estuvo presente durante la gala, no se unió a Gilmour, Wright y Corgan para interpretar la versión acústica de «Wish You Were Here».[71] Una grabación en directo de The Wall, recogida de los conciertos en Londres entre 1980 y 1981, salió al mercado en 2000 bajo el nombre de Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-81 y alcanzó el puesto 19º en los EE.UU. En 2001 se editó un álbum recopilatorio de las canciones más conocidas de la banda bajo el nombre de Echoes: The Best of Pink Floyd. Este recopilatorio trajo consigo controversias, puesto que algunas de las canciones más largas aparecen cortadas y sin seguir un orden cronológico, lo que las sacaba del contexto original del álbum, aunque fueron mezcladas de modo que pareciesen parte de una sola pista de más de dos horas.[72] Canciones como «Echoes», «Shine on You Crazy Diamond», «Sheep», «Marooned» o «High Hopes» aparecen notablemente sesgadas. Este álbum trepó hasta el segundo puesto en las listas británicas. En 2003 se publicó la versión en SACD de The Dark Side of the Moon con una nueva portada. También fue publicado en una versión en vinilo virgen con el diseño del original junto con un póster nuevo. Un año después vio la luz en Europa el libro de → Nick Mason, Dentro de Pink Floyd (de título original Inside Out: A Personal History of Pink Floyd), que salió al mercado en 2005 en los EE.UU. Mason llevó a cabo apariciones promocionales en público en algunas de las ciudades más importantes de EE.UU. y Europa. El 30 de octubre de 2003 el mánager de la banda, Steve O'Rourke, murió de un infarto de miocardio.[73] Gilmour, Mason y Wright se reunieron en su funeral e interpretaron «Fat Old Sun» y «The Great Gig in the Sky» en la Catedral de Chichester.[74] Dos años después, el 2 de julio de 2005, la banda se reunió una vez más para una sola actuación en el concierto del Live 8 en Londres. Para este acontecimiento, sin embargo, Waters se unió a sus ex-compañeros después de 24 años sin tocar juntos. Pink Floyd interpretó un conjunto de cuatro canciones: «Speak to Me/Breathe», «Money», «Wish You Were Here» y «Comfortably Numb», con Gilmour y Waters compartiendo las labores vocales. Al final de la actuación todos los miembros se fundieron en un abrazo conjunto que se convirtió en una de las imágenes más famosas del concierto. Durante la semana posterior al Live 8 surgió un repentino interés por la banda. Según la tienda online HMV, las ventas de Echoes: The Best of Pink Floyd, aumentaron un 1343%,[75] mientras que las ventas de The Wall subieron más de un 3600% en Amazon.com.[76] David Gilmour declaró posteriormente que pensaba destinar todos estos beneficios a organizaciones de caridad y ONG, y pidió al resto de artistas y compañías que tomaron parte en el Live 8 a hacer lo mismo.[77] El 16 de noviembre de 2005 la banda fue admitida en el UK Music Hall of Fame por → Pete Townshend, guitarrista de → The Who. Gilmour y Mason atendieron a la gala, pero ni Waters (que apareció por videoconferencia) ni Wright (que estaba siendo sometido a una operación ocular) pudieron estar presentes. Gilmour publicó su tercer álbum en solitario, titulado On an Island, el 6 de marzo de 2006, y comenzó con una gira que le llevó por Europa, Canadá y los EE.UU. En esta gira participaron Wright y Mason en varias ocasiones, e interpretó el primer sencillo de la

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banda, «Arnold Layne». Waters también fue invitado a acudir, pero sus compromisos (gira por Europa y los EE.UU.) lo forzaron a declinar la invitación. Sin embargo, Waters apareció en la segunda mitad de un concierto de esta gira en Cork, Irlanda, en el que se interpretó el disco The Dark Side of the Moon al completo. En la actualidad, Waters está trabajando en un álbum en solitario, y se rumorea que puede estar escribiendo un musical de Broadway de The Wall con canciones extra compuestas por él mismo. Waters también se embarcó en la gira Dark Side of the Moon, en la que el setlist consta del disco The Dark Side of the Moon al completo junto con otras canciones famosas de la banda y algunas propias de su carrera en solitario.

Futuro del grupo

Roger Waters en un concierto en solitario en junio de 2006.

Muchos fans expresaron su esperanza de ver una reunión del grupo después del Live 8 de Londres, y se les ofreció una suma de 250 millones de dólares para llevarla a cabo, pero la banda aclaró que no tenía pensado realizar tales planes. En las semanas posteriores al concierto, sin embargo, las discusiones entre los miembros parecieron haberse acabado del todo. Gilmour confirmó que él y Waters se tratan en términos amigables. El 31 de enero de 2006, David Gilmour hizo saber que el grupo no tiene intención de reunirse, desmintiendo los rumores que provenían de algunos medios de comunicación. Poco después Gilmour declaró en una entrevista al diario italiano La Repubblica que él ha terminado con Pink Floyd y que piensa centrarse en su carrera en solitario y en su familia. También menciona que aceptó tocar con Waters en el Live 8 para apoyar la causa del concierto, para hacer las paces con Waters y saber si él se negaría o no. Sin embargo, admite la probabilidad de que Pink Floyd podría tocar en un concierto en pro del proceso de paz entre Israel y la Autoridad Nacional Palestina. En una entrevista con la revista Billboard, Gilmour cambió su postura de acabar con Pink Floyd hacia un «quién sabe». Una actuación sorpresa de la alineación post-Waters interpretó los temas «Comfortably Numb» y «Wish You Were Here» en el Royal Albert Hall de Londres el 31 de mayo de 2006. En 2007 se cumplieron 40 años de la firma del primer contrato de la banda con EMI y de la publicación de sus primer tres sencillos: «Arnold Layne», «See Emily Play» y «Apples and Oranges», junto con el disco The Piper at the Gates of Dawn. Esto vino acompañado de la publicación en edición limitada de un set que contiene mezclas en stereo y mono del álbum junto con grabaciones no publicadas. El 10 de mayo de 2007, Roger Waters tomó parte del concierto tributo a → Syd Barrett en el Barbican Centre londinense. Esto fue seguido de la actuación de Mason, Gilmour y Wright interpretando «Arnold Layne». Sin embargo, los rumores de que la banda podría realizar un concierto con todos sus miembros fueron desmentidos por el hecho de que Waters no se les unió.

Pink Floyd En una entrevista del año 2007, Waters se mostró más receptivo a la idea de una hipotética reunión de Pink Floyd cuando éste dijo: «No tengo problema si el resto quiere unirse. Ni siquiera tendría que ser para salvar el mundo. Es sólo porque es divertido. Y a la gente le encantaría».[78] El 24 de septiembre de 2007 Gilmour declaró que una reunión de Pink Floyd de cualquier manera, con o sin Waters, no sería correcto: «No veo por qué querría yo volver a esa cosa tan vieja. Es muy retrógrado. Quiero mirar más allá, y mirar hacia atrás no me divierte».[79] Oh, By the Way, un box set que contiene los catorce álbumes de estudio de la banda, fue publicado el 10 de diciembre en Europa y el 11 en los EE.UU. Contiene nuevas ilustraciones de Storm Thorgerson junto con el diseño original de las ediciones en vinilo. En abril de 2008 → Nick Mason anunció que Pink Floyd se volvería a reunir en un evento benéfico sin haber especificado una fecha y lugar concreto, lo que iba a ser la primera [80] actuación de la banda en tres años. El fin definitivo llegó el lunes 15 de septiembre de 2008 cuando Richard Wright, teclista y miembro fundador de la banda, murió de cáncer a los 65 años de edad, eliminando las posibilidades acerca de una futura reunión del grupo. "La familia de Richard Wright, miembro fundador de Pink Floyd, anuncia con gran tristeza que Richard falleció tras una corta lucha contra el cáncer". "La familia ha pedido que su intimidad se respete en este difícil momento", agregó un portavoz de la familia, sin precisar qué tipo de cáncer acababa con la vida del músico.[81]

Estilo Pink Floyd es conocido principalmente por el estilo espacial de sus composiciones y por sus elaborados álbumes conceptuales de mediados de los años 1970, pero lo cierto es que comenzaron como una banda mucho más convencional. Sus primeros años, dirigidos por → Syd Barrett, estaban teñidos de la psicodelia imperante en aquel momento (finales de los años 60), aunque comenzaba a mostrar algunas trazas de los que se acabaría convirtiendo en el rock espacial característico de la formación.[30] El consumo masivo de drogas como el LSD por parte de Barrett provocó que sus composiciones oscilaran entre las clásicas melodías de pop como «Astronomy Domine» y la experimentación de temas más largos como «Interstellar Overdrive», hasta el límite de que The Piper at the Gates of Dawn fue considerado como uno de los mejores álbumes psicodélicos jamás publicados.[1] Las letras de este trabajo, divertidas y humorísticas y a veces emulando viajes espaciales como metáforas del sentimiento psicodélico, contrastan con el sonido envolvente del teclado de Wright y con las melancólicas líneas de guitarra de Barrett, dando un sonido general a menudo caótico y confuso.[1] Con la publicación de A Saucerful of Secrets en 1968, el estilo de la banda dio un giro debido a la salida de Barrett de ella y a la entrada de David Gilmour. Definido como un álbum de transición, en él se mezclan las canciones psicodélicas semejantes a las firmadas por Barrett y piezas más experimentales, con influencias de la música clásica y que ayudaron a marcar el posterior sonido de Pink Floyd.[1] En este álbum aparece la última canción compuesta por Barrett, «Jugband Blues».[30] Los discos Music from the Film More, Ummagumma y Atom Heart Mother siguieron explorando los sonidos del rock espacial que llevarían a su máxima expresión con posteriores trabajos.[30] Atom Heart Mother es quizás el álbum más experimental de la discografía de Pink Floyd y uno de los más inaccesibles.[1] La pieza homónima orquestal ocupa toda una cara del disco

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Pink Floyd con sus más de 23 minutos de duración, mientras que «Alan Psychedelic Breakfast» reproduce los sonidos de un hombre preparándose el desayuno intercalados entre fragmentos instrumentales. Con Meddle, Pink Floyd comenzó a enfocar su propio sonido de manera directa. En él, la banda dejó de lado la orquesta de «Atom Heart Mother» y se sumergió en piezas largas y elaboradas, como «Echoes» o «One of These Days», firmando una de las mejores obras de su carrera y la mejor desde The Piper at the Gates of Dawn.[82] The Dark Side of the Moon se convirtió en el álbum más vendido de la banda y uno de los más vendidos de la historia de la música. El nuevo cambio de estilo de la banda se hace patente de nuevo en este álbum,[30] con canciones como «Money» o «Time» y con la aparición de coristas femeninas y del sonido del saxofón de la mano de Dick Parry. Concierto de Pink Floyd en 1973, poco después de la publicación Las texturas sonoras exploradas de The Dark Side of the Moon. Obsérvese el grupo de coristas a en este disco y las cuidadas la izquierda de la imagen, cuyo sonido es una parte fundamental de los álbumes más exitosos de la banda. atmósferas definieron el sonido clásico de Pink Floyd,[1] con una mezcla de blues rock, jazz fusión, rock psicodélico y art rock.[1] La continuación de The Dark Side también fue todo un éxito en ventas y se convirtió en otro clásico del grupo. Wish You Were Here, con unas canciones dedicadas a → Syd Barrett y otras dirigidas contra la industrialización de la música, contiene el tema «Shine on You Crazy Diamond», uno de los más conocidos de la banda y el más largo, que con sus casi 26 minutos tuvo que ser dividido en dos pistas, una al comienzo y otra al final del álbum. Esta canción está enteramente dedicada a Barrett, y termina con las notas de «See Emily Play», uno de los primeros sencillos del grupo compuesto por Syd.[25] Otra de las canciones más famosas de Pink Floyd es la acústica «Wish You Were Here», también dedicada a Barrett y que constituye una de las piezas con más lirismo de la banda.[83] El liderazgo de Waters se comenzó a imponer en la grabación de este álbum, y acabaría por ponerse ampliamente de manifiesto en los álbumes siguientes, especialmente en The Wall y The Final Cut. Animals es uno de los álbumes más oscuros de la época dorada de la banda, en el que Waters trata a la especie humana como cerdos, perros y ovejas, en una metáfora de la sociedad actual basada en el libro Rebelión en la granja. En este trabajo, la guitarra de Gilmour toma el papel protagonista, mientras que las aportaciones de Wright se reducen ampliamente,[1] y las canciones son mucho más largas de lo habitual, ya que todas superan los diez minutos excepto «Pigs on the Wing», que viene separada en dos partes de minuto y medio cada una. Con The Wall, la supremacía de Waters en el control compositivo de Pink Floyd se hizo claramente patente. Con todo, es uno de los discos más famosos de la discografía de la banda y uno de los más vendidos de la historia, aunque no superó a The Dark Side en cifras. El disco es una ópera rock basada en una estrella de rock que se aísla del mundo a base de consumir de drogas, construyendo un muro a su alrededor.[30] Aunque Waters lo haya negado varias veces, el álbum parece una autobiografía suya, puesto que el protagonista,

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llamado «Pink», guarda varias similitudes con él.[30] El disco está compuesto básicamente por canciones cortas de uno, dos ó tres minutos aproximadamente, unidas con piezas más largas como «Comfortably Numb» o «Hey You». La canción «Another Brick in the Wall» se alzó rápidamente como la canción más representativa del disco y una de las más conocidas del grupo, con un característico coro de niños cantando la línea «We don't need no education».[30] Esta frase luego sería criticada y caricaturizada por artistas como Elvis Costello, en su disco Mighty Like a Rose. En The Wall es también famoso el solo de guitarra final de «Comfortably Numb», compuesto por Gilmour y, para muchos, uno de los mejores de la historia.[30] The Final Cut, un álbum inicialmente pensado como un recopilatorio de los temas que no habían entrado en The Wall (y que incluso se iba a llamar Spare Bricks, «Ladrillos sobrantes»)[25] , fue definido como una mezcla entre los estilos de Animals y The Wall,[1] y fue dedicado a la memoria del padre de Waters, muerto en combate en la Segunda Guerra Mundial. Este álbum gira en torno a la Guerra de las Malvinas, y «sólo puede ser comparado a The Pros and Cons of Hitch Hiking» (primer álbum en solitario de Roger Waters) según Allmusic, debido a que la música «se empleó como textura, no como música».[1] Con la marcha de Waters en 1985, el estilo del grupo dio un giro considerable, especialmente en el aspecto lírico. La música siguió el estilo general de la banda, con atmósferas cuidadas y el típico sonido de Gilmour a la guitarra, pero se echó en falta la cohesión de Waters y su habilidad como letrista.[1] Esto se materializó en A Momentary Lapse of Reason, un álbum bien acogido por el público y compuesto casi enteramente por Gilmour,[1] quien dejó más espacio al resto de miembros en el siguiente disco, The Division Bell. Este disco fue un regreso a los tiempos anteriores a The Dark Side of the Moon, pues se pueden apreciar largas notas en el teclado y los efectos de eco que posee el sonido de la guitarra.[1] Líricamente, el trabajo parece tener referencias implícitas a Waters y a la historia de The Wall, aunque predomina el tema de la caída del muro de Berlín.[1]

Influencia El constante cambio de estilo en cada álbum, sumado a la gran popularidad que alcanzó su música, hicieron que Pink Floyd haya influido a una gran cantidad de músicos y bandas, tanto de los años 70, como David Bowie,[84] → Genesis[85] y Yes;[85] como contemporáneos, entre los cuales se encuentran Ayreon,[86] Dream Theater,[87] Tool,[88] Radiohead,[89] Porcupine Tree,[90] The Orb,[91] Anathema[92] y Nine Inch Nails.[93] Otra prueba de la huella de Pink Floyd en la historia de la música es la proliferación de bandas tributo, como The Pink Floyd Experience, Wish You Were Here, Anderson Council, Australian Pink Floyd Show, The Machine, The Polka Floyd Show, los argentinos Ummagumma o los españoles The Pink Tones. Además, varias han sido las bandas que han realizado algún homenaje a Pink Floyd. El 11 de octubre de 2005, la banda norteamericana de metal progresivo Dream Theater interpretó al completo el disco The Dark Side of the Moon en Ámsterdam, y repitió el mismo concierto dos semanas después en Londres.[94] Esta misma banda incluyó una referencia a «Careful with That Axe, Eugene» en la letra de la canción «Octavarium», en lo que constituyó una oda al rock progresivo, puesto que otras canciones, como «Machine Messiah» de Yes, «Lucy in the Sky with Diamonds» de los Beatles, «My Generation» de → The Who o «Light My Fire» de → The Doors aparecen mencionadas en su letra.[95] Por su

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parte, Easy Star All-Stars grabó un tributo a The Dark Side con influencias del reggae y del hip hop que se denominó Dub Side of the Moon,[96] mientras que el grupo de heavy metal Ministry hizo lo propio al nombrar como Dark Side of the Spoon a su disco de 1999. En el ámbito clásico, String Quartet, que consta de dos violines, una viola y un cello, versionaron [97] The Dark Side, mientras que la Orquesta Filarmónica de Londres hizo lo mismo en el disco Us and Them: Symphonic Pink Floyd.[98]

Formaciones Miembros oficiales de Pink Floyd • • • • •

→ Syd Barrett – guitarra rítmica, voz líder → Bob Klose – guitarra líder → Roger Waters – bajo, voz Rick Wright – teclados, voz → Nick Mason – batería, percusión

1965–1968

• • • •

Syd Barrett – guitarra, voz líder Roger Waters – bajo, voz Rick Wright – teclado, voz Nick Mason – batería, percusión

1968

• • • • •

David Gilmour – guitarra líder, voz líder Syd Barrett – guitarra rítmica, voz Roger Waters – bajo, voz líder Rick Wright – teclados, voz líder Nick Mason – batería, percusión

1968–1981

• • • •

David Gilmour – guitarra, voz líder Roger Waters - bajo, voz líder Rick Wright – teclados, voz Nick Mason – batería, percusión

1981–1985

• David Gilmour – guitarra, voz • Roger Waters – bajo, voz líder, guitarra adicional, teclados • Nick Mason – batería, percusión

1985–1990

• David Gilmour – guitarra, voz, bajo, teclados • Nick Mason – batería, percusión

Como "Tea Set" o "The Pink Floyd Sound" 1965

1990 – 1994

Reunión de 2005 (Live 8)

• David Gilmour – guitarra, voz líder, bajo • Rick Wright – teclados, voz • Nick Mason – batería, percusión • • • •

David Gilmour - guitarra, voz líder Roger Waters - bajo, voz líder Rick Wright - teclados, voz Nick Mason - batería, percusión

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Colaboradores • De sesión • Roy Harper (vocalista en "Have a Cigar") • Ron Geesin (orquestador y compositor de Atom Heart Mother) • Michael Kamen (orquestador y teclista en The Wall y The Final Cut) • Tony Levin (bajista y Chapman Stick en A Momentary Lapse of Reason) • Guy Pratt (bajista y vocalista en el disco The Division Bell) • Bob Ezrin (productor, compositor y teclista en The Wall) • Jon Carin (compositor y multinstrumentista. Desde 1987 a 1994) • Dick Parry (saxofón en The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here) • Tim Renwick (guitarrista. Desde 1987 a 1994) • Gary Wallis (ayudante de percusión para The Division Bell) • Claire Torry (vocalista en "The Great Gig in the Sky") • En vivo • Scott Page (saxofón y guitarra para la gira de A Momentary Lapse of Reason) • Snowy White (guitarrista para las giras de Animals y The Wall) • Diseño de los discos • Storm Thorgerson (ilustrador de varias portadas de sus álbumes)

Discografía Álbumes de estudio 5 de agosto de 1967

The Piper at the Gates of Dawn

29 de junio de 1968

A Saucerful of Secrets

27 de julio de 1969

Music from the Film More

25 de octubre de 1969

Ummagumma

10 de octubre de 1970

Atom Heart Mother

30 de octubre de 1971

Meddle

3 de junio de 1972

Obscured by Clouds

24 de marzo de 1973

The Dark Side of the Moon

15 de septiembre de 1975

Wish You Were Here

23 de enero de 1977

Animals

30 de noviembre de 1979

The Wall

23 de marzo de 1983

The Final Cut

7 de septiembre de 1987

A Momentary Lapse of Reason

30 de marzo de 1994

The Division Bell

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Álbum no publicado • Household Objects (1974)

Referencias Bibliografía • → Mason, Nick. Dentro de Pink Floyd, 2005. ISBN 978-84-96222-86-1 • Schaffner, Nicholas. La odisea de Pink Floyd, 2005. ISBN 978-84-96222-28-1

Bibliografía complementaria • Forcada, Fernando. Pink Floyd: Más allá del muro, 2006. ISBN 978-84-9743-176-7 • Manning, Toby. The rough guide to Pink Floyd, 2006. ISBN 978-1-84353-575-1

Véase también • Canciones de Pink Floyd • Álbumes de Pink Floyd

Enlaces externos • • • •

Página oficial del grupo (Reino Unido) [99] (en inglés) Página oficial del grupo (EE.UU.) [100] (en inglés) Comunidad Floydiana Internacional) [101] (en español) Pink Floyd Online [102] (en inglés)

• All Pink Floyd Fan Network populares (en inglés)

[103]

: Comunidad sobre Pink Floyd, con foros en línea muy

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Syd Barrett Syd Barrett Información personal Nombre

Roger Keith Barrett

Nacimiento

6 de enero de 1946 Cambridge, Inglaterra

Muerte

7 de julio de 2006, Cambridge, Inglaterra

Ocupación(es)

músico Información artística

Género

rock psicodélico

Instrumento(s)

guitarra, voz

Período de actividad

1965 - 1974

Discográfica(s)

Capitol Records, Columbia Records, EMI Web

Sitio web

www.pinkfloyd.co.uk

[4]

Roger Keith Barrett (* Cambridge, Inglaterra, 6 de enero de 1946 - † Cambridge, Inglaterra, 7 de julio de 2006), conocido como Syd Barrett, fue uno de los fundadores del grupo de rock progresivo → Pink Floyd. Fue el líder como cantante, guitarrista y compositor de la banda en su primer y exitoso álbum The Piper at the Gates of Dawn (1967). A medida que la fama de Pink Floyd crecía, su abuso de drogas psicoactivas (especialmente LSD) fue afectándole cada vez más, llegando a incapacitarlo para actuar en conciertos o asumir cualquier responsabilidad como parte del grupo. Sólo dos años después de la fundación de Pink Floyd, Syd dejó la banda e intentó una breve carrera en solitario que fructificó en dos álbumes, tras los cuales se retiró, recluyéndose desde entonces en la casa de sus padres. Pink Floyd sobrevivió a su

Syd Barrett pérdida, pero la enfermedad mental de Syd tuvo un profundo efecto en las letras de sus nuevos líderes, → Roger Waters, y el sustituto con la guitarra de Syd, David Gilmour, alcanzando bajo su batuta sus mayores éxitos (Dark Side of the Moon, Wish You Were Here y The Wall) con temas muchas veces inspirados en la desintegración de su antiguo líder.

Biografía Infancia y juventud Su padre murió cuando tenía 12 años, lo que marcó su personalidad. Desde niño sintió debilidad por el arte, en concreto, por la pintura y la música. A la edad de 15 años, tuvo su primera guitarra eléctrica, fabricó su propio amplificador e inició su primera experiencia musical tocando en un grupo: Geoff Mott and the Mottoes. Inició sus estudios de secundaria en la Cambridge High School, donde conoció a → Roger Waters, dos años mayor que él, lo que no impidió que surgiese una buena amistad entre ambos. Allí también conoció a David Gilmour, quien le enseñó a tocar los primeros acordes de guitarra y que más tarde le sustituiría en la banda. Roger Waters, consciente del talento de Syd Barrett, le invitó a unirse al grupo The Abdabs, formado por → Roger Waters, Rick Wright, → Nick Mason y → Bob Klose. Éste último se sentía más cercano al jazz, por lo cual tuvo problemas con Syd, que prefería el blues. Klose dejó la banda a petición de sus padres, para terminar sus estudios de arquitectura.

Triunfo con Pink Floyd Fue entonces cuando Syd Barrett propuso un nuevo nombre para la banda: The Pink Floyd Sound, en memoria de dos viejos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council. En el Thompsan Private Record Company, un estudio de grabación situado en el sótano de una casa en Hemel Hampstead, la banda grabó sus dos primeras canciones: "Lucy Leave" (una versión de "Gloria") y otra versión de Slim Harpo, llamado "I'm a King Bee". El debut en vivo del grupo se produjo en el Roundhouse, el 15 de octubre de 1966. Syd Barrett tenía talento para componer. Lo hacía desde los 16 años, cuando compuso "Effervescing Elephant" y lo continuó en canciones como "Interstellar Overdrive", lo que facilitó que la banda empezara a ganarse su reputación como grupo "experimental", lejano y distinto a lo que era la escena musical por aquella época. En 1967 el grupo firmó un contrato con la compañía discográfica EMI, que publicó su primer single: "Arnold Layne", compuesto por Syd Barrett, canción que hacía referencia a un suceso ocurrido en un colegio mayor femenino en el que habían robado ropa interior femenina. El segundo single de la banda "See Emily Play”" supuso un enorme éxito, lo que originó la entrada del grupo en los estudios Abbey Road para grabar lo que sería su primer LP: The Piper at the Gates of Dawn. Para muchos críticos, nunca una banda avanzó tanto en su primer trabajo, referente por excelencia de la psicodelia británica. Todos los temas fueron compuestos por Syd Barrett, excepto "Take Up Thy Stethoscope & Walk", por → Roger Waters, pero esta composición pasa inadvertida al lado de temas como "Astronomy Domine", "Interstellar Overdrive", "The Gnome" o "Flaming", en los que Syd Barrett dejaba un sello en la historia de la música que nadie ha podido igualar.

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Syd Barrett

Problemas con las drogas y salida de Pink Floyd Para entonces, sus problemas con las drogas, en especial el LSD, eran patentes, arruinando algunas actuaciones del grupo con episodios lamentables, como el famoso colapso que sufrió en una entrevista para una cadena norteamericana. Fue → Roger Waters quien decidió tomar las riendas del grupo y le propuso permanecer en la banda sólo como compositor, llamando a David Gilmour, para sustituirle en las actuaciones en directo. La idea era tener un grupo de 5 miembros y que Syd participara con ellos sólo en las grabaciones y ocasionalmente en los conciertos que él quisiera, pero el mánager del grupo decidió que esto no era "rentable".[cita requerida] En el año 1968 → Pink Floyd, grabó y editó su segundo trabajo: A Saucerful of Secrets, una continuación del primer trabajo de la banda, incluyendo como último tema del álbum la canción "Jugband Blues", compuesta por Syd Barret, el canto del cisne de un artista irrepetible, grabado y producido por Philip Burgos, quien en años anteriores fue gran amigo y mentor de otros grandes artistas de la talla de → Jimi Hendrix. En 1975 el álbum Wish You Were Here fue un homenaje del grupo a su fundador, que para entonces se mantenía en un cerrado ostracismo, alejado de la prensa y de la escena del rock. Cuando el grupo se encontraba grabando el álbum y estaban terminando las mezclas, la banda vio a un tipo gordo en la sala de grabación al que nadie conocía. Cuando se acercaron, vieron que era Syd, totalmente irreconocible, con el cabello muy corto y las cejas afeitadas (tal como se ve al personaje de Pink en la película "Pink Floyd - The Wall").

Carrera en solitario y ocaso definitivo En 1969, Syd Barrett se puso en contacto con EMI y propuso la idea de grabar algunas canciones que había compuesto. La discográfica dudó en aceptar la petición del músico en un principio, pero el éxito de → Pink Floyd fue razón suficiente para rescatar al fundador. Primero habló con Malcolm Jones para que fuese su productor y después de unas sesiones entró David Gilmour. De esta tentativa, surgió su primer disco en solitario: The Madcap Laughs, producido por David Gilmour, → Roger Waters y Malcolm Jones y con colaboraciones de The Soft Machine. Un disco que hay que "exprimir" y asimilar, no apto para mentes cerradas, pero distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho, caótico, depresivo, incoherente, brillante. Carente de mayores arreglos, Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto. Por ello, en la mayoría de las canciones se escucha tan sólo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octopus" , "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Muchas canciones, según señala Malcolm Jones en su libro "The Making of The Madcap Laughs", que Barrett había grabado con gran entusiasmo, quedaron fuera del álbum al entrar Gilmour en la producción, entre ellas "Opel" y "Bob Dylan Blues". En el año 1970, había compuesto nuevos temas y David Gilmour produjo el disco Barrett, al que se unió Richard Wright. Y aunque Barrett no dejó de brillar en sus composiciones, éstas fueron más arregladas musicalmente, quitándole la magia propia del álbum anterior. Destacan canciones como "Baby Lemonade", "Dominoes", "Waving my Arms in the Air" o "Effervescing Elephant". Después de este último trabajo Barrett hizo ambiguas y ocasionales presentaciones en vivo, de las que se guardan grabaciones de muy mala calidad. Intentó una nueva banda en 1972

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Syd Barrett llamada "Stars", con la que fracasó en su primera presentación en vivo, de la que no se guarda grabación alguna. En 1974, a petición de muchas personalidades del rock, como David Bowie, regresó a los estudios Abbey Road en una sesión de cuatro días, que dejó grabaciones carentes de voz con secuencias de acordes y blues, ninguna con título, excepto una llamada "If You Go". Años más tarde, se publicó The Peel Sessions (con cinco temas que grabó con David Gilmour en el bajo, para la BBC en febrero de 1970) y Opel álbum recopilatorio con catorce canciones dejadas de lado en las sesiones de 1969 y 1970. En 1993 EMI publicó Crazy Diamond-The Complete Syd Barrett una atractiva caja con tres CD: The Madcap Laughs, Barrett y Opel, cada uno con media docena de temas extra y un librito con información y fotos. Durante su largo retiro vivió en casa de sus padres, alejado de cualquier intento de volver a los escenarios o componer nuevas canciones. Tras permanecer alrededor de veinte años en el más absoluto anonimato una publicación musical inglesa le entrevistó en casa de sus padres en Cambridge (pese a la oposición de su madre) para descubrir que decía no recordar al grupo Pink Floyd ni a sus antiguos amigos.[cita requerida] Aunque al principio se especuló equivocadamente que fue debido a complicaciones de su diabetes, el 7 de julio del 2006, el músico falleció a los 60 años, como consecuencia de un cáncer pancreático. A los pocos días de su fallecimiento, David Gilmour y Roger Waters, en representación del grupo, hicieron un comunicado conjunto que expresaba la consternación de la banda por la muerte de Syd, junto a ellos se encontraba su viuda Meli Barrett.

Discografía en solitario • • • • • • •

The Madcap Laughs 1970 Magnesium Proverbs 1966-1970 Barrett 1970 Syd Barrett: The Peel Sessions 1988 Opel 1988 Crazy Diamond: The Complete Syd Barrett 1993 The Best of Syd Barrett - Wouldn't You Miss Me? 2001

Enlaces externos Wikiquote • • • • • • •

Wikiquote alberga frases célebres de Syd Barrett. Italian fan site [1] (en inglés) The Syd Barrett Archives [2] (en inglés) Dolly Rocker [3] (en inglés) You shone like the sun [4] en The Observer (en inglés) 'Conceits' [5] (en inglés) Laughing Madcaps Yahoo! Group [6] (en inglés)

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Syd Barrett

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Bob Klose Bob Klose (también referido a él como Bob Close o Brian Close en varias publicaciones) es un músico inglés nacido en 1945. Estudió arquitectura en Regent Street Polytechnic de Londres y fue guitarrista de The Abdabs, un grupo de música de Rhythm & Blues iniciado por → Roger Waters. Junto a Waters, Barrett, Mason y Wright, fueron los fundadores de The Pink Floyd Sound. Pero Klose estaba interesado en el jazz y el blues más que en el rock psicodélico influyente de Roger Waters y Syd Barrett, quien lideraba la banda, lo que lo llevó a dejar al grupo en el verano de 1965, posiblemente dejando algunas grabaciones ("Lucy Leave", "I´m a King Bee" entre otras). Posteriormente Bob Klose abandonó la carrera de guitarrista, siguiendo la profesión de fotógrafo, pero después de muchísimos años, Bob fue contactado por David Gilmour, y en el último disco de David Gilmour como solista, llamado On an Island (2006), Klose fue reclutado como músico colaborador en guitarra.

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Roger Waters

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Roger Waters Roger Waters

Roger Waters en São Paulo, Brasil. Información personal Nombre

George Roger Waters

Nacimiento

6 de septiembre de 1943 (65 años)

Origen

Surrey, Inglaterra

Ocupación(es)

músico Información artística

Género

rock progresivo, rock psicodélico, rock experimental

Instrumento(s)

bajo, guitarra, voz, sintetizador

Período de actividad

1964 – presente

Discográfica(s)

Capitol, Columbia, EMI Web

Sitio web

www.roger-waters.net

[1]

George Roger Waters (nacido el 6 de septiembre de 1943 en Great Bookham, Reino Unido) es un músico y compositor británico de rock and roll conocido por ser bajista, vocalista, guitarrista y principal compositor del grupo → Pink Floyd tras el retiro del antiguo líder → Syd Barrett. Debido a sus constantes roces personales con los restantes miembros de la banda, Waters la abandonó para luego desarrollar una carrera solitario.

En Pink Floyd Estudió arquitectura en la Universidad de Cambridge. Waters se unió en 1965 a la banda Sigma 6 de la que acaban formando parte el mismo, Nick Mason, Syd Barret, Bob Klose Y Richard Wright, siendo Barret el principal compositor y abandonando Klose la banda poco después, tras la grabación de "Lucy Leave". Con "Arnold Layne" la banda, ya con el nombre de Pink floyd logra el contrato con la EMI y la grabación de su primer disco The Piper at the Gates of Dawn en el que Waters contribuye con un solo tema: Take Up thy Stethoscope and Walk. Los problemas de Barret con las drogas y su cada vez mayor inestabilidad le provocan la salida del grupo, siendo sustituido por David Gilmour. Con la marcha de Barret la tarea compositiva recae sobre los demás integrantes de la banda, durante la grabación de A

Roger Waters Saucerful of Secrets el segundo álbum de estudio de la banda, al que Barret sólo aporta una canción: "Jugband Blues". Dentro de la banda durante estos primeros trabajos destacan la figura tanto de Waters como de Wright y Gilmour como compositores. Pero tras la grabación de "The Dark Side of the Moon" Waters comienza a asumir la tarea de componer la totalidad de las letras del grupo. Tras la grabación de Wish You Were Here en 1975 el grupo se lanza a la grabación de Animals(1977), trabajo en el que Waters empieza a dominar cada vez más todos los aspectos de la banda. Ya en 1979 durante la grabación de "The Wall" estalla el conflicto, y Wright es despedido, actuando en la posterior gira como miembro asalariado, para dejarla posteriormente del todo. En el próximo trabajo,The Final Cut, Waters asume la totalidad de la creación de letras, así como la mayoría de la música, cantando en todas las canciones del disco y dejando a Gilmour sólo una parte cantada en "Not Now John". Waters se enzarza también en un conflicto con el manager de la banda: Steve o´Rourke, y uno de los productores, Bob Ezrin, es despedido. El ambiente en la banda es nefasto y el disco no es acompañado de una gira. Waters se lanza a la creación de su disco solista The Pros and the Cons of Hitch Hicking y a una gira, lo que Gilmour también hace con su disco About Face. Waters pacta una salida de la banda, pensando en que ésta no podría seguir sin él. Sin embargo en 1987 David Gilmour y Nick Mason se lanzan a la creación de un nuevo trabajo, el exitoso A Momentary Lapse of Reason, Waters y el resto de la banda se ven las caras en un juicio, en el que la banda gana los derechos del nombre de Pink floyd y la mayoría de los trabajos, y Waters logra la concesión de numerosos derechos sobre la iconografía de los conciertos como el cerdo volador que la banda deberá usar bajo pago, además de los derechos sobre la totalidad de The Final Cut y The Wall, a excepción de Confortably Numb, Another Brick in the Wall-part two, Young Lust y Run Like Hell, canciones en las que participó Gilmour en la composición.

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Roger Waters

Carrera Solista En 1984 graba The Pros and Cons of Hitchhiking, acompañado de excelentes músicos de estudio entre los que figuraban el guitarrista Eric Clapton y el teclista Andy Bown. Pros and Cons es un álbum conceptual que narra los sueños nocturnos de un hombre que vive una travesía desde las 4:30 am hasta las 5:11 am, en un sueño en el que experimenta diversas sensaciones. El álbum recibió buenas criticas y muchos dijeron que "podía haber sido un trabajo de Pink Floyd". La portada (Que muestra a una mujer desnuda con una mochila roja haciendo autoestop) fue censurada por muchos como sexista. El álbum fue acompañado de una gira mundial que comenzó el 16 de julio de 1984 y culminó el 14 de abril de 1985. Terminada la gira del álbum, Roger realizó la banda sonora de la película animada When the Wind Blows que fue lanzada en Octubre de 1986. Para 1987 Roger lanzó Radio K.A.O.S., otro álbum comercial en donde el bajista mostró una apuesta más pop y en donde Waters nos cuenta la historia de un atormentado DJ de radio. El álbum también fue acompañado de una gira de promoción pero las ventas fueron bajas teniendo en cuenta que ese mismo año Pink Floyd lanzó el exitoso A Momentary Lapse of Reason que logró ser 'top ten' en ambos lados del Atlántico, lo que bajó el interés al nuevo trabajo de Waters que logró apenas ser top 26 en Inglaterra y top 50 en Norteamérica. En 1988 se empiezan a registrar las grabaciones de Amused To Death, que acabaría siendo su mejor álbum. Después de la caída del Muro de Berlín en 1989, Waters organizó un gigantesco concierto, The Wall Live in Berlin, el 21 de julio de 1990 para conmemorar el fin de la división de las dos Alemanias y que tuvo lugar en Potsdamer Platz, el concieto logro unas gigantescas dimensiones con más de 350.000 fans. En el participaron músicos como Van Morrison, Bryan Adams, Cindy Lauper, Scorpions o Sinead O´Connor. El concierto estuvo cargado de problemas, como caídas del sistema eléctrico y fue emitido a unos 100 países, 50 de ellos en directo. A principios de los años 90 Waters siguió trabajando en su siguiente álbum, Amused To Death, mientras empezó a trabajar en el proyecto Ça Ira, una ópera que le llevó unos 16 años para publicar y que trata sobre la Revolución Francesa. En 1992 se publicó el esperado Amused To Death, que recibió excelentes críticas y le significó a Waters el desprendimiento del nombre Pink Floyd. A pesar del éxito, el álbum extrañamente no fue acompañado de una gira y Waters se tomaría 8 años de descanso. En 1999 y tras más de trece años sin hacer una gira, Waters empezó a organizar un tour mundial que llevaría el nombre de "In The Flesh" (título tomado de la gira que realizó Pink Floyd en 1977), tour en

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Roger Waters

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el que el bajista presentaba un espectáculo de aproximadamente 3 horas en el que tocaba acompañado de una banda de diez músicos y tres coristas, y en el que tocaba temas tanto de Pink Floyd como de su carrera solista. En el tour se vio a un Waters que se reconciliaba con los conciertos de gran audiencia, además de un perfecto poderío instrumental de él y sus 10 músicos que en cada show demostraban estar a la altura de un tour importante como aquel, acompañados además de un excelente espectáculo multimedia. El tour "In The Flesh" duraría casi tres años (desde mediados de 1999 hasta mediados de 2002) y tendría un gran éxito, después de más de 13 años sin salir de gira. En 2002 Waters celebró un concierto organizado para apoyar la caza del zorro en el Reino Unido, en contra de una ley de prohibición de la cacería de estos animales. Waters se mudó a Nueva York donde reside actualmente. Durante 2006 y 2007 Waters se lanzó a una nueva gira, "The dark side of the moon live", un show de casi tres horas en el que toca dicho album íntegro así como sus éxitos en solitario y con Pink Floyd. Esta gira incluyó sendos concierto en España: Granada y Barcelona.

Live 8 El 2 de julio de 2005, después de más de 24 años de separación Pink floyd se reunió con Roger Waters en un concierto contra el hambre organizado por Bob Geldof, el Live 8. La reunión despertó un enorme interés, , la banda tocó, "breathe" y "breathe reprise", "Money", "Wish you were here" Y "Comfortably numb", las ventas de los discos del grupo aumentaron en un 1300% , cantidad que la banda destino a obras benéficas.

En la actualidad

Roger Waters en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 21 de abril de 2007 en la gira Dark side of the Moon Live.

El ayuntamiento de Atarfe dedicará un parque a Pink Floyd tras el paso de Roger Waters por la ciudad. The Wall será representado mediante una versión teatral de Brodway. Waters pretende retirase de los escenarios tras la gira, si bien ha dicho que es posible un nuevo disco solista.

Discografía en solitario • Music from "The Body" (28 de noviembre de 1970) (Banda sonora de la serie de televisión "The Body" junto a Ron Geesin) • The Pros and Cons of Hitchhiking (8 de mayo de 1984) • When the Wind Blows (30 de octubre de 1986) (Banda sonora) • Radio K.A.O.S. (15 de junio de 1987) • The Wall Live in Berlin (17 de septiembre de 1990) (disco y vídeo en directo) • Amused to Death (1 de septiembre de 1992) • In the Flesh Live (5 de diciembre de 2000) (disco y vídeo en directo) • Flickering Flame: The Solo Years Vol. 1 (6 de mayo de 2002) • To Kill the Child / Leaving Beirut (3 de enero de 2005) - Single Edición Japonesa.

Roger Waters • Ça Ira (27 de septiembre de 2005)

Participaciones en bandas sonoras y discos de otros artistas • The Madcap Laughs (1970) (Primer disco solista de Syd Barret, Roger Waters participa en la producción de varios temas). • The Dybbuk of the Holy Apple Field (1998) (Banda sonora de la película israelí homónima, Roger Waters interpreta un cover del tema de Bob Dylan "Knockin' On Heaven's Door"). • The Legend of 1900 (1999) (Banda sonora de Ennio Morricone, Roger Waters es el autor del último tema del disco "Lost Boys Calling" con la participación en guitarra de Eddie Van Halen). • Vagabond Ways (2000) (Disco de Marianne Faithfull, Roger Waters participa como bajista y compositor del tema "Incarceration Of a Flower Child").

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Roger Waters.Commons

Wikiquote • Wikiquote alberga frases célebres de Roger Waters. • Web oficial de Roger Waters [1]

Referencias [1] http:/ / www. roger-waters. net

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Nick Mason

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Nick Mason Nick Mason

Nick Mason, Junio 2006. Información personal Nombre

Nicholas Berkeley Mason

Nacimiento

27 de enero de 1944 (65 años)

Origen

Birmingham, Inglaterra

Ocupación(es)

músico, productor, escritor Información artística

Alias

Nick Mason

Género

Rock espacial, rock progresivo, rock psicodélico, hard rock, blues rock.

Instrumento(s)

Batería, teclados, bajo, guitarra

Período de actividad

1964 - presente

Discográfica(s)

Capitol Records, Columbia Records, Sony, EMI, Harvest

Artistas relacionados

→ Pink Floyd

Sigma 6 The Screaming Abdabs [1] Mason + Fenn Robert Wyatt

Nicholas Berkeley Mason, más conocido como "Nick Mason" nació el 27 de enero del año 1944 en Birmingham, Inglaterra), es el baterista del grupo británico, de rock psicodélico y progresivo, → Pink Floyd. Cuando Nick Mason estudiaba en la "Regent Street Polytechnic", formó junto con → Roger Waters, → Bob Klose y Richard Wright en 1964 la banda Sigma 6, que posteriormente tras la ida de Klose y la llegada de → Syd Barrett se convirtió en → Pink Floyd. Desde entonces ha permanecido hasta la fecha en el grupo y aunque es quien tiene menos créditos en la composición de las canciones de Pink Floyd, curiosamente es el único miembro que ha aparecido en todos los discos del grupo. Ha trabajado también a través de su compañía Ten Tenths, como baterista y productor con músicos como Steve Hillage y Robert Wyatt, baterista con Michael Mantler y productor con The Damned. Mason gusta de coleccionar automóviles clásicos, una afición heredada de su padre, e incluso ha competido como piloto de carreras en grandes torneos y junto a pilotos como Eliseo Salazar. Como fanático de Ferrari, posee diez automóviles de esta marca, y es

Nick Mason común que las compañías de automóviles le ofrezcan modelos limitados de lujo que solo son construidos para contados clientes habituales. En 1985 → Roger Waters inició un juicio contra David Gilmour por los derechos del nombre → Pink Floyd. Nick Mason permaneció con Gilmour durante todo ese tiempo hasta que en 1986 ambos ganaron los derechos sobre el nombre de la banda y su repertorio. En julio del 2005 Mason junto con Gilmour, Richard Wright y, por primera vez en 24 años, Roger Waters, tocó nuevamente como → Pink Floyd cuatro canciones en el concierto masivo Live 8 en Londres. Tras del reencuentro, Mason quedó en muy buenos términos con Roger Waters e incluso tocó la batería en las dos últimas noches de la gira de Waters en 2002 para la canción de → Pink Floyd "Set the Controls for the Heart of the Sun". En el 2006 Mason y Rick Wright participaron con David Gilmour durante su presentación en el Albert Royal Hall en Londres siendo la última presentación del Pink Floyd post-Waters (aunque en realidad fue un show de David Gilmour & Cía). Esa misma formación participó en un tema en el concierto tributo a → Syd Barrett. Ese mismo año colaboró nuevamente con Waters en algunos de los primeros conciertos de su gira The Dark Side of the Moon Tour.

Discografía Nick Mason ha realizado también sus propios discos: • Fictitious Sports (1981, aparece como álbum de Mason pero en realidad es un disco de Carla Bley) • Profiles (1985, con Rick Fenn)

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Nick Mason.Commons

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Profiles

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Richard Wright (músico)

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Richard Wright (músico) Richard William Wright

Información personal Nombre

Richard William Wright

Nacimiento

28 de julio de 1943

Origen

Londres,

Muerte

15 de septiembre de 2008 (65 años)

Ocupación(es)

Músico

Reino Unido

Información artística [1]

Género

Rock progresivo, new age

Instrumento(s)

Teclados, vocalista, órgano, piano

Período de actividad

1964 - 2008

Discográfica(s)

Varios

Artistas relacionados

→ Pink Floyd

[1]

Sigma 6

Richard William Wright (Londres, 28 de julio de 1943 — Londres, 15 de septiembre de 2008),[1] más conocido como Rick Wright, fue un músico británico, teclista del grupo de rock progresivo → Pink Floyd.

Carrera Richard William Wright se incorporó al grupo Sigma 6 en 1964, una de las versiones previas de lo que acabaría llamándose Pink Floyd, con → Roger Waters, → Nick Mason y → Bob Klose. Wright hizo contribuciones esenciales al sonido de la banda en temas como "A Saucerful of Secrets", "Echoes", y "Shine on You Crazy Diamond", de la mano de su órgano Hammond, su atracción por el uso del sintetizador y su principal inspiración, el jazz. Para el álbum Dark Side of the Moon realizó dos de los temas del álbum: "The Great Gig in the Sky" y "Us and Them". Wright también participó en la parte vocal de varias de las canciones de Pink Floyd, principalmente cantando sus propios temas, haciendo coros y armonías. En 1978 Richard William Wright grabó y lanzó su primer disco solista llamado Wet Dream, disco del cual estuvo muy avergonzado y lo llamó un "error experimental". En aquel disco trabajó junto a Snowy White como guitarrista, ex Thin Lizzy y miembro de apoyo de Pink Floyd, actualmente guitarrista de Roger Waters.

Richard Wright (músico) En estos años comenzó a tener muchos problemas con → Roger Waters, problemas que ya en 1979 le resultaban insostenibles. Roger terminó por amenazar con quemar todas las pistas del disco que se encontraban grabando, The Wall, a menos que él abandonara la banda. Wright finalmente cedió y abandonó el grupo, aunque siguió participando durante la breve gira de 29 shows que se realizó con ese álbum en 1980 y 1981, como músico contratado. Irónicamente fue así como se convirtió en el único miembro de la banda que pudo obtener ganancias debido al costoso montaje del espectáculo de The Wall, la serie de espectáculos de rock más grandes en la historia. En el álbum The Final Cut (1983) de Pink Floyd, Wright ya no participó. En 1984 se unió a Dave Harris, ex 10cc para trabajar en un proyecto que dejaba como protagonista a una maquina de última tecnología utilizada para componer música. Dicha agrupación se llamó Zee y el disco Identity, muy alejado del sonido que manejaba anteriormente Wright junto a Pink Floyd. Poco después, David Gilmour tomó el liderazgo de Pink Floyd y Waters inició un pleito legal contra Gilmour y Nick Mason por el nombre de la banda. El juicio finalmente fue ganado por éstos, obteniendo los derechos sobre el nombre "Pink Floyd", a la vez que → Roger Waters ganó los derechos del merchandising de la banda (incluido el cerdo volador habitual en los espectáculos de la banda), los derechos de las canciones que compuso para The Wall (la gran mayoría) y The Final Cut. Más tarde, en 1987, Pink Floyd editó el álbum A Momentary Lapse of Reason, ya sin Roger Waters, para el cual habían llamado nuevamente a Wright para participar en el disco, todavía como invitado por razones legales. Posteriormente se unió también a la gira que siguió al álbum, con motivo de la cual se publicó el disco doble Delicate Sound of Thunder en 1988, en el cual Wright apareció de nuevo reintegrado oficialmente como miembro del grupo. Para el siguiente álbum, The Division Bell (1994), Wright co-escribió cinco canciones, entre ellas el tema "Wearing the Inside Out", compuesto por él y co-escrito junto a Anthony Moore. Así, el único disco de Pink Floyd en el cual Rick Wright no aparece es The Final Cut, obra que con motivo de la disputa legal le pertenece por entero a Roger Waters. En 1996 Wright vuelve a trabajar junto a Moore en su segundo disco solista, Broken China, catalogado por muchos fans de Pink Floyd como el mejor disco solista de los miembros de la banda. En este disco trabajó junto al actual guitarrista de apoyo de Pink Floyd, Tim Renwick, además del bajista Pino Palladino y la voz de Sinéad O'Connor en dos de sus temas, entre otros músicos. Incluso David Gilmour fue invitado a participar en las guitarras del tema "Breakthrough", pero el resultado de sus grabaciones no fue utilizado. El año 2001 David Gilmour realizó una serie de conciertos semi-acústicos invitando a Wright en un par de ellos a tocar su tema "Breakthrough" en vivo. En julio del 2005, por primera vez desde los conciertos de The Wall, Wright, Gilmour, Mason y Waters se unieron de nuevo como Pink Floyd para tocar cuatro canciones en el concierto masivo Live 8 en Londres. Ese mismo año Gilmour le insinuó a la BBC que el grupo podría reunirse otra vez para un concierto especial, pero descartó la posibilidad de otra gira. Nunca se llegó a concretar. Para el 2006 Wright y Nick Mason participaron con David Gilmour durante su presentación en el Albert Royal Hall en Londres, siendo la última presentación del Pink Floyd post-Waters. También en el 2006 se dio a conocer el nuevo álbum solista de Dave Gilmour,

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Richard Wright (músico) On an Island, en el que Rick Wright participó en una de las canciones y posteriormente fue el teclista de la banda que realizó el tour mundial. Tras el reencuentro, Roger Waters superó todas sus pasadas diferencias con Rick Wright e incluso lo invitó a participar también en su gira The Dark Side of the Moon Live (en la que asimismo colaboró Nick Mason), pero Wright declinó la oferta en pos de dedicarse a preparar un nuevo álbum solista, el cual según se informaba sería un disco instrumental.

Vida personal Su primer matrimonio fue con Juliette Gale, en 1964. Tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1982. Entre 1984 y 1994 estuvo casado con Franka, y dos años más tarde intercambió alianzas con Millie (a quien le dedicó su segundo álbum solista, Broken China). Ese mismo año, su hija Gala contrajo matrimonio con Guy Pratt, el bajista que tocó para Pink Floyd desde la salida de Roger Waters.

Últimos años y muerte El lunes 15 de septiembre de 2008, tras una breve lucha contra el cáncer, Wright falleció en su hogar de Londres. Tenía 65 años. Es el segundo miembro fundador de Pink Floyd que muere tras el deceso de → Syd Barrett en 2006. Debido a su vida apartada de los medios del espectáculo a partir de su ruptura con la banda y esporádicas presentaciones públicas, no se conocieron mayores detalles sobre su deceso.

Discografía Pink Floyd • • • • • • • • • • • • • • • •

1967 1968 1969 1969 1970 1971 1971 1972 1973 1975 1977 1979 1987 1988 1994 1995

The Piper at the Gates of Dawn A Saucerful of Secrets Music from the Film More Ummagumma Atom Heart Mother Meddle Relics Obscured by Clouds The Dark Side of the Moon Wish You Were Here Animals The Wall A Momentary Lapse of Reason Delicate Sound of Thunder The Division Bell Pulse

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Richard Wright (músico)

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Solitario • 1978 Wet Dream • 1984 Identity (Junto con Dave Harris como grupo bajo el nombre de Zee) • 1996 Broken China

Enlaces externos • Richard William Wright en la red All Pink Floyd Fan • Brain Damage [3]

[2]

Referencias [1] Stephen Thomas Erlewine. « Rick Wright (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:fpfpxql5ldae)» (en inglés). Allmusic. Consultado el 24 de marzo de 2009. [2] http:/ / www. pinkfloydfan. net/ rick_wright. php [3] http:/ / www. brain-damage. co. uk/

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Genesis Genesis Genesis

Genesis interpretando "Land of Confusion" en Knebworth, Inglaterra (1992). Información personal Origen

Surrey, Reino Unido Información artística

Género

Época Temprana: Rock progresivo Rock Sinfónico Época Tardía: Pop Rock

Período de actividad

1967–1999, 2006–actualidad

Discográfica(s)

Decca, Charisma, Atlantic Web

Sitio web

www.genesis-music.com

[1]

Miembros → Phil Collins → Tony Banks → Mike Rutherford → Peter Gabriel → Steve Hackett → Anthony Phillips → John Mayhew → John Silver → Chris Stewart → Ray Wilson

Genesis es un grupo de rock progresivo británico creado en 1967. Con aproximadamente 150 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, Genesis se encuentra entre los 30 grupos más vendedores de todos los tiempos. En 1988 el grupo ganó el premio Grammy al "Mejor Video Musical" por "Land of Confusion". Los miembros con mayor permanencia han sido → Phil Collins, → Mike Rutherford y → Tony Banks. En sus inicios → Peter Gabriel, → Anthony Phillips y → Steve Hackett también fueron miembros del grupo.

Genesis Durante el año 2007 el grupo en su versión encabezada por Phil Collins, se volvió a reunir, completando una gira en Europa y Norteamérica.

Historia Pre - Genesis: 1963-1968 Tres estudiantes de la escuela secundaria Chartehouse Godalming (Inglaterra), → Peter Gabriel , → Tony Banks y → Chris Stewart, crearon el grupo musical "Garden Wall", inspirados en la música que escuchaban. Tocaban en recitales escolares y fueron ganando experiencia musical. Por su parte, existía otra agrupación musical similar, llamada "The Anon", conformada por → Anthony Phillips y → Mike Rutherford, ambos del mismo colegio. En 1966 deciden juntarse, creando "The New Anon". Este grupo llamó la atención de su también compañero de escuela Jonathan King, joven productor quien los promovió en la disquera Decca, con la que firmaron su primer contrato en 1968.

Inicios: 1968–1969 El nombre del grupo, dado por Jonathan King, alude al Génesis, primer libro de la Biblia (Al principio se llamaban From Genesis to Revelation, como su primer disco, debido a que en America existia un grupo con el mismo nombre. Tras lanzar el disco, lograron convencer a la disquera) Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, "Del Génesis Al Apocalipsis") en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo. Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con → John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, → Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban, con él se va John Mayhew.

Época Peter Gabriel: 1970–1975 Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresan el baterista → Phil Collins y el guitarrista → Steve Hackett, cuya presencia contribuye a definir el sonido característico del grupo, como se aprecia en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comienza así un período de extraordinaria creatividad en el que el aspecto genuinamente teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo. Las letras narraban principalmente historias de fantasía, futuristas y críticas sociales. Los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido, principalmente de innovadores elementos visuales como luces tipo lásers. El siguiente disco de estudio, Foxtrot, confirma el estilo definido, con gran complejidad musical y literiaria y cerrado seguramente por una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: Supper's Ready considerada por algunos críticos como una de las cinco mejores canciones del rock progresivo de todos los tiempos. Esta primera etapa se concluye con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live donde se registraron algunos de los temas que conforman los discos mencionados hasta aquí. Disco ideado como agradecimiento al público alemán por su acogida en la gira

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Genesis realizada por Europa, debía haber salido tan solo en ese país. Sin embargo, la demanda desde otros lugares fue tan alta que finalmente se editó a nivel mundial. Una prueba del disco llegó a fabricarse como álbum doble, incluyendo el mencionado Supper's Ready. Sin embargo, el deseo de la compañía discográfica de llegar a más oyentes hizo que se modificara, eliminando dicho tema, para convertirlo en disco sencillo. El álbum siguiente, Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una madurez extraordinaria de la banda lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Incluye, anecdóticamente, un tema cantado por Phil Collins, "More Fool Me". El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Peter Gabriel en el grupo. El disco es un álbum conceptual donde Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. Salvando The Carpet Crawlers, no hay en él temas que hayan logrado gran relevancia comercial, en lo cual coincide con toda la etapa Gabriel. No obstante, debe tenerse en cuenta que se trata de una obra bisagra para el Rock mundial, tan solo comparable con otras tales como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de → The Beatles , Dark Side of the Moon de → Pink Floyd , In the Court of the Crimson King, de King Crimson o Tommy de → The Who. En Agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría, por motivos personales, el abandono de la banda, cerrando la brillante etapa inicial, que nunca volvió en los años siguientes. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out, y que resulta verdaderamente extraordinario.

Época Phil Collins: 1976–1996 Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante, lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. En los ensayos de los temas compuestos para el nuevo disco, ante la ausencia de vocalista, fue el segundo cantante de la anterior etapa, Phil Collins, quien ensayó las Concierto de Genesis en Niza, Francia, Julio de 1992 voces, convenciéndose el grupo de que podía ser una opción razonable, apoyado para el directo con su experiencia como actor teatral en sus años adolescentes. A pesar de todo, en la primera gira de 1976, se puede constatar cómo Hackett o Rutherford llevan la voz cantante en la conexión con el público, con un Collins aún no fogueado en las lides de ser frontman de una gran banda. La banda regresó a los estudios como un cuarteto en octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número tres en Inglaterra

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Genesis y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a algunos críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. → Bill Bruford, antiguo miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo durante unos meses en 1976, sin que la reunión llegara a cuajar más allá. Es el batería de Weather Report y miembro de la banda de → Frank Zappa, → Chester Thompson, quien llega como batería para quedarse durante las dos siguientes décadas. La partida de Hackett En Septiembre de 1976, el grupo empezó a grabar Wind & Wuthering. El segundo disco sin Peter Gabriel salió a la venta en Estados Unidos a finales de ese año, y en la primera semana de 1977 en el Reino Unido. Estas dos obras serían presentadas durante una gira que concluiría con la edición del álbum en vivo Seconds Out, el cual cierra esta etapa de transición entre la era progresiva de Gabriel y la mutación al pop. Durante la gira Steve Hackett anunció su partida del grupo, considerando que su peso específico como compositor en la banda no era el adecuado, aunque manteniendo una buena relación con los demás. Esto se demostró en su primer disco en solitario en 1975, aún en paralelo a Genesis, Voyage of the Accolyte, en el cual Collins y Rutherford tuvieron un papel fundamental, hasta el punto de considerarse por algunos críticos como "el disco que Genesis debió sacar tras la partida de Gabriel". Se contrató a un nuevo guitarrista, → Daryl Stuermer, para proseguir las giras americanas y europeas, que realmente se ocupaba también del bajo en algunos temas, en los que el propio Rutherford tomaba el papel de guitarrista. En cualquier caso y pese a la complicidad que a lo largo de los años han demostrado Banks, Collins y Rutherford con Stuermer y Thompson, para los discos de estudio el grupo quedó reducido a los tres miembros históricos oficiales. La partida del guitarrista de los solos extraordinarios produce un nuevo cambio en el sonido de la banda. La complejidad artística que había logrado su cumbre en 1973-74 desaparecería para siempre, dando inicio a una etapa caracterizada por canciones rítmicas, y no tanto por la elaboración musical y el vuelo interpretativo.

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Genesis Cambio de sonido En 1978, un Genesis reducido a trío lanzó And Then There Were Three (Y Luego Quedaron Tres), álbum con el que el grupo inicia una etapa mucho más comercial, obteniendo un relativo éxito en las radios con el tema Follow You, Follow Me. Aunque la banda todavía mantuvo algunas pocas características del rock progresivo en el contenido de este álbum, la accesibilidad de su propuesta musical iba en Concierto de Genesis en Pisa, Italia, 6 de septiembre de 1982. aumento. El siguiente disco en lanzarse, con importantes aportaciones de Phil Collins como compositor, será Duke, el cual se convirtió en su primer álbum número uno en Inglaterra mientras ascendía al puesto número 11 en Norteamérica, incluyendo el tema de Collins "Misunderstanding" y el gran éxito "Turn It On Again", que no ha desaparecido de las emisoras comerciales de música en casi treinta años. En la década de los ochenta se editan Abacab, Genesis e Invisible Touch. De este último trabajo salen "Tonight, Tonight, Tonight", "Invisible Touch", "In Too Deep" y en particular el hit rockero "Land of Confusion", que además fue galardonado por tener uno de los mejores videos de ese año, con las figuras animadas en Spitting Image de Collins, Banks y Rutherford además de una original caricaturización de Ronald Reagan como protagonistas. Simultáneamente se suceden los discos paralelos de todos los miembros de la banda. Collins, desde su otro grupo Brand X en los setenta, y tras su éxito con In The Air Tonight, va ganando peso como cantante en solitario en el panorama musical de los ochenta, al mismo tiempo que consolida su posición de igualdad compositiva en el grupo con Banks y Rutherford. Este último obtiene también algunos éxitos con su grupo Mike & The Mechanics, con Paul Carrack como voz, y Banks presenta varios discos, primero con bandas sonoras, luego con temas más pop. El último disco de estudio de esta etapa fue We Can't Dance (1991), que continúa la línea que el anterior con variados estilos característicos del grupo, aunque el peso de Collins es quizá mayor que en los anteriores, y la producción eleva (metafórica y físicamente) el volumen de la batería. Este álbum debutó como número uno en Inglaterra y alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. "No Son of Mine" y "Jesus He Knows Me" treparon con facilidad a los rankings mundiales, además de "Driving the Last Spike" y "Fading Lights". Este álbum es uno de los trabajos más vendidos de Genesis hasta la fecha.

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Época Ray Wilson: 1997–1998 La exitosa carrera como solista de Phil Collins y su vida familiar lo llevó a abandonar el grupo en 1996. Sin embargo, la banda aún logra lanzar en 1997 el disco Calling All Stations con → Ray Wilson como cantante principal. El disco se vendió bastante en Europa y el sencillo "Congo" alcanzó la posición 29; pero ni los críticos ni los fans se preocuparon por el disco en Estados Unidos, en donde se vendió poco y no tuvo éxito. La gira en EE.UU. fue cancelada por eso. Tras finalizar la gira europea, los dos miembros originales despiden a Wilson y deciden retirarse temporalmente. En 1998 se lanza la compilación de cuatro discos Genesis Archive 1967-75 en la que se presenta material inédito junto a grabaciones en vivo de la era Peter Gabriel (incluyendo una presentación completa en vivo del clásico The Lamb Lies Down On Broadway Shrine Auditorium, Los Angeles, 24 de Enero de 1975. Después en 1999 salió Turn It On Again: The Hits, una compilación que contenía la mayoría de los grandes éxitos de la era Phil Collins, además de "I Know What I Like", de Selling England by the Pound y una nueva versión de "The Carpet Crawlers" interpretada por la alineación de la época Peter Gabriel, aunque los cinco miembros no estuvieron juntos en el mismo estudio durante la grabación; grabaron sus partes en estudios distintos. En el 2000 salió otra compilación, esta vez de tres discos: Genesis Archive #2: 1976-1992, que contenía material de la época en la que Phil Collins fue la voz principal.

Turn It on Again: 2007 Entre junio y octubre del año 2007 Genesis desarrolló la gira "Turn It On Again", devolviéndolos a los escenarios. Esta gira constaba inicialmente de 20 conciertos en Europa y 20 en Norteamérica, que posteriormente fueron ampliados dado el masivo éxito de la convocatoria. En el repertorio se incluyeron temas de todas las etapas de la banda, con un gran aparato escénico, obra de Mark Fisher, famoso por haber trabajado en las mejores giras de U2, Pink Floyd, Rolling Stones y Soda Stereo. Aunque nunca perdieron el contacto, realizando incluso una pequeña actuación en 2004 como trío, es este año el momento de la reunión de la formación más estable de la banda, con Thompson y Stuermer acompañando a Banks, Collins y Rutherford. Los ex integrantes de la época dorada, Peter Gabriel y Steve Hackett, no participan en esta gira, aunque Hackett ha manifestado en diversas ocasiones su disposición a estudiar una posible unión, y Gabriel asegura que no

Genesis interpretando Throwing It All Away en Washington D.C., EE. UU., tomada durante la gira Turn It On Again 2007

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excluye la posibilidad de unirse a ellos de nuevo, pero en el futuro, pues actualmente quiere concentrarse en su propio trabajo. Paralelamente a esta gira se reeditó la discografía de Genesis en formato SACD y DVD con audio de alta definición, sonido envolvente y remasterizado. Además, la página The Music edita cada uno de los conciertos de la gira en su Encore Series. Fruto de los conciertos realizados en la nueva gira, el 20 de noviembre se editó un disco doble en directo Live Over Europe 2007, con una selección de los temas interpretados en los diferentes conciertos europeos, mientras que el 26 de Mayo del año 2008 lanzaron el DVD del concierto gratuito que se celebró en Roma titulado como "When in Rome".

Formaciones 1967-1968 • • • •

→ → → →

Peter Gabriel - voz, flauta. Tony Banks - teclados, guitarra acústica. Mike Rutherford - bajo, guitarra. Anthony Phillips - guitarra, voces.

• → Chris Stewart - batería.

1968-1969 • • • • •

Peter Gabriel - voz, flauta. Tony Banks - teclados, guitarra acústica. Mike Rutherford - bajo, guitarra. Anthony Phillips - guitarra, voces. → John Silver - batería.

1969-1970 • Peter Gabriel - voz, flauta.. • Tony Banks - teclados, guitarra de 12 cuerdas/doble. • Mike Rutherford - bajo, guitarra. • Anthony Phillips - guitarra, voces. • → John Mayhew - batería.

1970-1975 • • • • •

Peter Gabriel - voz, flauta, percusión. → Phil Collins - batería, voces. Tony Banks - teclados, guitarra de 12 cuerdas, voces. Mike Rutherford - bajo, guitarras, voces. → Steve Hackett - guitarras.

Genesis

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1976-1977 • • • • • •

Phil Collins - voz, batería. Tony Banks - teclados, voces. Mike Rutherford - bajo, guitarras, voces. Steve Hackett - guitarras. → Bill Bruford - batería (Tour 1976). → Chester Thompson - batería (Tour 1977 en adelante).

1978-1992, 2007 • • • • •

Phil Collins - voz, batería. Tony Banks - teclados, voces. Mike Rutherford - bajo, guitarra, voces. → Daryl Stuermer - guitarra, bajo, voces (sólo en vivo). Chester Thompson - batería (sólo en vivo).

1997-1999 • • • • • •

→ Ray Wilson - voz. Tony Banks - teclados, voces. Mike Rutherford - guitarra, bajo, voces. → Nick D'Virgilio - batería (sólo en vivo). → Nir Zidkyahu - batería (albúm "Calling All Stations" y en vivo). → Anthony Drennan - guitarra (sólo en vivo).

Premios y nominaciones Grammys Ganador • 1988: Best Concept Music Video por "Land of Confusion" (1986) Nominado • • • •

1985: 1985: 1987: 1993:

Best Best Best Best

Rock Performance by a Duo or Group with Vocal por Genesis (1983) Rock Instrumental Performance por "Second Home By The Sea" (1983) Pop Instrumental Performance por "The Brazilian" (1986) Pop Performance by a Duo or Group with Vocal por "I Can't Dance" (1991)

Genesis

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American Music Awards Ganador • 1993: Favorite Group (Pop/Rock) por We Can't Dance (1991 Nominado • 1987: Favorite Group (Pop/Rock) por Invisible Touch (1986) • 1993: Favorite Album (contemporary) por We Can't Dance (1991) • 1993: Favorite Artist (contemporary) por We Can't Dance (1991)

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Genesis.Commons • Sitio oficial [2] (en inglés) • Preguntas y respuestas sobre Genesis [3] (en inglés) • The Genesis Movement [4] Información sobre el grupo y seguimiento a sus carreras individuales (en inglés) • Duke (genesis tribute) [5](en inglés) • The Lamb Lies On Broadway [6] (en español) • Bibliografía sobre Genesis en The Progressive Rock Bibliography

[7]

• José Luis Schenone, [8] "Dinosaurios del Rock - Genesis", (Guitarra Actual - Nº: 29 - Mayo 2006)

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]

http:/ / www. genesis-music. com/ http:/ / www. genesis-music. com http:/ / www. genesisfaq. com http:/ / www. genesis-movement. co. uk http:/ / www. dukeband. it http:/ / www. andessur. com/ expositores/ 004_DC/ 004_Hablar/ 004_musica/ 004_lamb. htm http:/ / www. progbibliography. de/ genesis. htm http:/ / www. stickcenter. com/ Magazine/ Mayo06. pdf

Peter Gabriel

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Peter Gabriel Peter Gabriel

Peter Gabriel en Chateau Neuf, Oslo, Noruega, el 31 de agosto de 1978. Información personal Nombre

Peter Brian Gabriel

Nacimiento

13 de febrero de 1950

Origen

Chobham, Surrey, Inglaterra

Ocupación(es)

Músico, productor discográfico Información artística

Género

Rock progresivo Pop rock Soft rock New wave

Instrumento(s)

Voz, guitarra, teclado, flauta, batería, bajo, harmónica

Período de actividad

1967 – presente

Discográfica(s)

Geffen, Real World

Artistas relacionados

→ Genesis

Web Sitio web

petergabriel.com

[1]

Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un músico inglés de rock. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo → Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros → Tony Banks, → Anthony Phillips y → Mike Rutherford.

Historia Tras publicar el disco "The Lamb Lies Down on Broadway", el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel. Su primer éxito fue el sencillo "Solsbury Hill", una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y

Peter Gabriel

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"Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, "Us", producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con el "So"; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película "Rabbit Proof Fence" el 2001 y finalmente su disco "Up", de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So. En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco ("Security") y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. - Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing up on tour: a family portrait. Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists". En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion. De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra. Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.

Discografía • • • •

1977 1978 1980 1982

Peter Peter Peter Peter

Gabriel Gabriel Gabriel Gabriel

(I, coche mojado por la lluvia) #7 UK, #38 US (II, rasguño) #10 UK, #45 US (III, cara derretida) #1 UK, #22 US (IV, conocido como Security en EEUU) #6 UK, #28 US

• 1983 Peter Gabriel Plays Live (en vivo) #8 UK, #44 US (existen dos versiones en CD, una completa y una de highlights) • 1985 Music by Peter Gabriel from the Film "Birdy" (banda sonora de "Alas de Libertad" de Alan Parker) #162 US • 1986 So #1 UK, #2 US

Peter Gabriel

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• 1989 Passion: Music for The Last Temptation of Christ (banda sonora de la película de Martín Scorsese) #29 UK, #60 US • 1990 Shaking the Tree (best of 1976-1990) (recopilación) #11 UK, #48 US • 1992 Us #2 UK, #2 US • 1992 Revisited (best of 1976-1992) (recopilación) • 1994 Secret World Live (en vivo 1993) #10 UK, #23 US • 2000 Ovo • 2002 Long Walk Home: Music from the Rabbit-Proof Fence • 2002 Up #11 UK, #9 US • 2003 Hit (recopilación) #29 UK, #100 US • 2008 WALL-E (Banda sonora de la película del mismo nombre) (sólo participa con la canción "Down to Earth"). • 2008 Big Blue Ball

DVD • 1994 Secret World Live (DVD de un concierto del tour Secret World 1993/94) • 2003 Growing Up (DVD de un concierto del tour Growing Up 2002/03) • 2004 Play (DVD de recopilación con todos sus videos musicales, incluyendo videos extra y sonido "remasterizado"). • 2005 Still Growing Up : Live And Unwrapped (2 DVD,13 temas de varios conciertos en festivales de verano, con 7 canciones no includas en Growing Up y en el segundo, sus comentarios)

Premios Oscar Año 2008

Categoría Mejor canción original

Película WALL·E

Resultado Candidato

Enlaces externos • • • •

Sitio web oficial [1] Sitio de fans [2] Sitio oficial de MUDDA Real World [4]

[3]

Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Peter Gabriel.

Peter Gabriel

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. petergabriel. com/ http:/ / www. solsburyhill. org http:/ / www. mudda. org http:/ / www. realworld. co. uk/

Tony Banks Anthony George Banks (East Heathly, Sussex, Inglaterra, 27 de marzo de 1950) es músico tecladista y compositor británico de rock, fundador y miembro del famoso grupo → Genesis. En septiembre de 1963 Tony ingresa a la escuela secundaria de Chartehouse. Godalming era una secundaria de estudiantes intelectuales e interesados por lo humanístico y el arte. En lo musical se forma en ambientes clásicos orquestales, lo que desarrolla su talento con el piano y los órganos. Es precisamente ahí que conoce a dos jóvenes estudiantes llamados → Peter Gabriel y → Chris Stewart. Ambos influidos por la música del momento (Beatles, Rollings Stones) quienes deciden fundar una banda: "GardenWall". Esta agrupación toca en recitales de escuela y sólo le sirve a para acumular experiencia y conocer otros músicos juveniles como → Anthony Phillips y → Mike Rutherford provenientes de la agrupación "The Anon", en 1966. De la fusión de las experiencias musicales de Gabriel, Banks, Phillips y Rutherford nace la primera formación de → Genesis. Banks se convertiría en uno de los músicos fundamentales de la banda con el correr de los años (de 1970 a hoy) y su versatilidad con todo tipo de teclados hizo que se consolidara (junto con sus contemporáneos ; Rick Wakeman de "Yes" y Keith Emerson de "ELP" ) como uno de los mejores tecladistas del rock progresivo y del rock en general, y a pesar de que la banda tuvo un notable cambio musical , Banks supo adaptarse rápidamente al cambio demostrando ser el músico más aventajado de la banda. En 1979 Banks debuta como solista con el disco A Curious Feeling, obra basada en un sonido potente de rasgo sinfónico. Ya para 1983, el éxito de sus amigos, Phil y Peter, anima a refinar el estilo de sus trabajos solistas. Tony se orienta al mundo del pop progresivo con pleno dominio de los teclados y sintetizadores (algo bastante común para la época) el resultado es "Fugitive", una obra que no obtuvo la repercusión merecida. En 1985 realiza composiciones para Hollywood en la película "Lorca And The Outlaws" pero al ser una producción de bajo presupuesto no consigue algún rédito monetario. Así lanza el disco "Soundtracks" que recopila todo el material compuesto para ese film. Casi a la par de We Can't Dance de → Genesis. Banks saca a la venta "Still" mejorando en calidad y comercialidad todo lo antes conseguido por el teclista. Cuenta con cantantes de "lujo" como Andy Tailor, Nik Kershaw, Fish y Jamey Klimed. Sin embargo no continúa con la misma suerte con próximo trabajo "Strictly Inc" que resulta un fracaso de ventas lo que lleva a una decepción profunda al músico que lo lleva a no querer editar un disco en años

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Tony Banks

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hasta su retorno en el ábum "Seven" que si bien no gozo de un éxito sorprendente , al menos si lo gozo desde el punto de vista musical . En el 2006 anuncia junto con Phil Collins Y Mike Rutherford el regreso de Génesis para una gira y para tal vez más proyectos.

Discografía 1979 1983 1983 1987 1989 1991 1995 2004

A Curious Feeling The Fugitive The Wicked Lady Soundtracks Bankstatement Still Strictly Inc. Seven

Posiciones en los Charts A Curious Feeling - UK - No. 21 Singles: Oct 79 - For a while/From the undertow (USA) Jul 80 - A curious feeling/For a while (USA) The Fugitive - UK - No. 50 Singles: Aug 83 - And the wheels keep turning/Man of spells (USA)

Enlaces externos • Tony Banks [1] • Sitio web no-oficial

[2]

Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Tony Banks.

Equipamiento From Genesis To Revelation Acoustic Piano Farfisa organ Trespass, Nursery Cryme, Foxtrot (1970 - 1973) Acoustic Piano [studio only] Hammond L-122 tonewheel organ Hohner Pianet Mellotron Mk II Effects Rotating speaker for organ (initially a second-hand, home-built unit, later a Leslie). Fuzz effect for Pianet Selling England By The Pound (1973 - 1974) Acoustic Piano [studio only] Hammond T-102 tonewheel organ ARP Pro Soloist synthesizer Hohner Pianet Mellotron 400 [Tape set: 3 Violins, 8-Voice Choir, Brass] Effects Leslie rotating speaker for organ Fuzz effect for Pianet

Tony Banks

The Lamb Lies Down On Broadway (1974 - 1975) Acoustic Piano [studio only] Hammond T-102 tonewheel organ ARP ProSoloist synthesizer RMI Electra 368 electronic piano Mellotron 400 Effects Leslie rotating speaker for organ Fuzz effect and MXR Phase 100 phaser for Electra piano A Trick Of The Tail (1975 - 1976) Acoustic Piano [studio only] Hammond T-102 tonewheel organ ARP ProSoloist synthesizer ARP 2600 synthesizer [studio only] RMI Electra 368 electronic piano Mellotron 400 Effects Leslie rotating speaker for organ (occasionally for ProSoloist and Mellotron) Fender Blender fuzz effect and MXR Phase 100 phaser for Electra piano Echoplex tape echo unit for ARP synths Parametric EQ and Echoplex tape echo for Mellotron Wind & Wuthering, Seconds Out (1976 - 1977) Acoustic Piano [studio only] Hammond T-102 tonewheel organ ARP ProSoloist synthesizer ARP 2600 synthesizer [studio only] RMI Electra 368 electronic piano Mellotron 400 Roland RS-202 string synthesizer [studio only] Fender Rhodes electric piano [studio only] Effects MXR Phase 100 and Boss CE-10 Stereo Chorus for organ (to replace rotating speaker) Fender Blender fuzz effect and MXR Phase 100 phaser for Electra piano Roland RE-201 Space Echo tape echo unit for ARP synths MXR 10-band Graphic EQ and Roland RE-201 Space Echo for Mellotron ...And Then There Were Three... (1978) Acoustic Piano [studio only] Yamaha CP-70 electric grand piano Hammond T-102 tonewheel organ ARP 2600 synthesizer Moog Polymoog synthesizer Mellotron 400 Roland RS-202 string synthesizer [studio only] Effects Boss CE-10 Stereo Chorus for electric grand piano MXR Phase 100 and Boss CE-10 for organ Roland RE-201 Space Echo tape echo unit for ARP 2600 MXR 10-band Graphic EQ and Roland RE-201 Space Echo for Mellotron MXR Distortion+ and Phase 100 for Polymoog Duke (1980) Acoustic Piano [studio only] Yamaha CS-80 synthesizer [studio only] Moog Polymoog synthesizer [studio only] ARP 2600 synthesizer [studio only] Yamaha CP-70 electric grand piano Hammond T-102 tonewheel organ ARP Quadra synthesizer [live only] Sequential Circuits Prophet-5 (rev 2) synthesizer [live only] Roland VP-330 vocoder and choir/string synth [live only] Effects Boss CE-10 Stereo Chorus for electric grand piano MXR Phase 100 and Boss CE-10 for organ MXR Digital Delay MXR Distortion+ and Stereo Chorus for Prophet-5 Abacab, Three Sides Live (1981 - 1982) Acoustic Piano [studio only] Yamaha CS-80 synthesizer [studio only] Moog Polymoog synthesizer [studio only] Yamaha CP-70 electric grand piano ARP Quadra synthesizer Sequential Circuits Prophet-5 (rev 2) synthesizer Sequential Circuits Prophet-10 synthesizer Roland VP-330 vocoder and choir/string synth EDP Wasp synthesizer [studio only] Effects Boss CE-10 Stereo Chorus for electric grand piano MXR Phase 100 and Boss CE-10 for Prophet-10 organ sounds MXR and Lexicon digital delays

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Tony Banks

Genesis (1983 - 1984) Yamaha CP-70 electric grand piano ARP Quadra synthesizer Sequential Circuits Prophet-10 synthesizer NED Synclavier II digital synthesizer E-mu Emulator digital sampler Roland VP-330 vocoder [studio only] Effects Boss CE-10 Stereo Chorus for electric grand piano MXR Phase 100 and Boss CE-10 for Prophet-10 organ sounds MXR and Lexicon digital delays Invisible Touch (1986 - 1987) Yamaha CP-70 electric grand piano (w/MIDI) ARP Quadra synthesizer (w/MIDI) Sequential Circuits Prophet-10 synthesizer (w/MIDI) NED Synclavier II digital synthesizer E-mu Emulator II digital sampler Yamaha DX7 digital synthesizer Rack modules Akai S900 digital sampler Roland MKS-80 synthesizer Korg DVP voice processor Yamaha TX816 synthesizer (eight DX7s in a rack) Effects Syco Systems MIDI switcher Yamaha REV7 digital reverb Lexicon digital delays We Can't Dance (1991 - 1992) Korg Wavestation synthesizer Roland JD-800 synthesizer Ensoniq SD1 synthesizer Roland MK-80 digital piano / mother keyboard Roland VK-1000 digital organ / electric piano [studio only] Ensoniq VFX synthesizer [studio only] Yamaha CP-80 electric grand piano [studio only] Touring Rack 1 E-mu Emulator Three sampler Kurzweil 1000PX digital piano module Alesis MMT-8 sequencer MidiTemp PMM88 MIDI patchbay with remote controller Yamaha SPX1000 and SPX90 effects Roland reverberation unit Roland M480 mixer Touring Rack 2 E-mu Proteus/2 XR sample playback modules (four units with custom samples, one regular) Voce DMI-64 MkII digital organ module (two units) Yamaha TX7 synth module MidiGate (four units) Roland M480 mixer ...Calling All Stations... (1997 - 1998) Korg Trinity synthesizer Korg Wavestation synthesizer Roland JD-800 synthesizer Roland JV-1080 rack synthesizer Yamaha CP-80 electric grand piano Touring Instruments Korg Trinity Plus synthesizer Roland A-90 mother keyboard Roland JD-800 synthesizer Touring Racks E-mu Emulator 4 sampler (two units) Korg Wavestation SR synthesizer (two units) Korg Wavestation A/D synthesizer Korg 01R/W synthesizer Roland JV-1080 synthesizer E-mu Proteus/2 XR sample playback module (three units) E-mu Proteus/2 XR Orchestral sample playback module E-mu Proteus/1 sample playback module E-mu Vintage Keys sample playback module (two units) Yamaha TX7 synth module Alesis MMT-8 sequencer Mackie LM3204 line mixer Yamaha SPX1000 effects processor (four units) Roland SRV-2000 effects processor Opcode Studio 5 LX MIDI processor (two units) Custom-made MIDI mixer (two units) Yamaha PLS1 line selector Shure SM600 transmitter Chiddingfold mixer (for ear monitor sound) EMO RK1 rack light Riepilogando: Organs Hammond L-122 Hammond T-102 Mellotrons Mellotron Mk II Mellotron 400 Pianos Hohner Pianet RMI Electra 368 Yamaha CP-70

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Tony Banks

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Samplers E-mu Emulator E-mu Emulator II Drum Machines Roland CR-78 Linndrum E-mu SP1200 Synthesizers ARP ProSoloist ARP 2600 ARP Quadra Moog Taurus Moog Polymoog Roland RS-202 Strings Yamaha CS-80 Sequential Circuits Prophet-5 Sequential Circuits Prophet-10 New England Digital Synclavier II Yamaha DX7 Korg Wavestation Roland JD-800 Effects MXR Phase 100 MXR 10-band Graphic Eq MXR Stereo Chorus Boss CE-10 Chorus Roland RE-201 Space Echo Leslie Rotating Speaker Misc Roland VP-330 Vocoder Plus Roland GR-500 Guitar Synthesizer

Referencias [1] http:/ / www. genesis-music. com/ banks. htm [2] http:/ / www. tonybanks-online. com/ index2. php?lang=en

Mike Rutherford Mike Rutherford

Mike Rutherford en concierto en Washington. Información personal Nombre

Michael John Cloete Crawford Rutherford

Nacimiento

2 de octubre de 1950

Origen

Guildford, Surrey, Inglaterra

Ocupación(es)

Bajista / Guitarrista de → Genesis Información artística

Alias

Mike Rutherford

Género

Rock progresivo Pop rock

Instrumento(s)

Bajo Guitarra

Período de actividad

1967 - presente

Mike Rutherford

Artistas relacionados

162 → Genesis

Mike + The Mechanics

Michael John Cloete Crawford Rutherford, conocido como Mike Rutherford, es un bajista inglés nacido el 2 de octubre de 1950 en Guildford, Surrey. Es uno de los miembros fundadores de → Genesis y su bajista permanente desde entonces (1967), aunque también desempeña el rol de corista y, eventualmente, guitarrista. Tiene un particular instrumento de dos brazos; el primer brazo es una guitarra de doce cuerdas y el otro brazo es un bajo. Cuando tocaba la guitarra de doce cuerdas, los bajos eran hechos con un Moog Taurus, una octava de Do a Do en pedales. Estos eran a veces interpretados por → Steve Hackett y a veces por este bajista. Se acredita a Rutherford como uno de los bajistas más prominentes de los años 70, y uno de los máximos exponentes del rock progresivo de esta década gracias a su característico estilo de tocar el bajo y a su empleo de guitarras de doce cuerdas en varias de las primeras grabaciones de Genesis. Además de su carrera en Genesis ha desarrollado su propia carrera en solitario, que dio sus frutos con dos discos (Smallcreep's day y Acting very strange) a principios de la década de los 80, y fundó su propio proyecto, Mike + The Mechanics, que ha sacado hasta la fecha siete discos de estudio, el último de ellos en 2004.

Discografía Solitario • Smallcreep's day (1980) • Acting very strange (1982)

Con Mike + the Mechanics • Mike + the Mechanics (noviembre de 1985) • The living years (octubre de 1988) • • • • •

Word of mouth (abril de 1991) Beggar on a beach of gold (6 de marzo de 1995) Hits (4 de marzo de 1996) M6 (31 de mayo de 1999) Rewired (7 de junio de 2004)

Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Mike Rutherford.

Chris Stewart

Chris Stewart Chris Stewart fue batería del grupo musical inglés → Genesis. Había sido invitado al puesto de batería por Peter Gabriel que iba a la misma escuela que Stewart en 1967. Por aquel entonces → Genesis estaba guiada por Jonathan King, un joven algo mayor que ellos mismos que había grabado un éxito llamado "Everyone's gone to the moon". King hacía las veces de mentor, manager y productor. Incluso fue el que les puso el nombre definitivo a la banda. El grupo compuso unas cuantas canciones que no fueron del agrado de King hasta que Peter y Tony con un estilo más parecido al de los Bee Gees escribieron Silent Sun, que animó a King a meterlos en un estudio de grabación para registrar el primer single de → Genesis en febrero de 1968. La formación que lograría grabar el primer single estaría compuesta por → Peter Gabriel, → Tony Banks, → Anthony Phillips, → Mike Rutherford y el propio Stewart.

Trayectoria Tras el segundo single Chris salió de la banda por petición de King y del resto de los miembros de la banda que consideraban a Chris un batería deficiente. → Peter Gabriel llegó a afirmar que Stewart "no era precisamente una máquina de seguir el ritmo". Continuó con sus estudios. Su carrera en Genesis había sido una diversión y aprovechó la oportudidad. Los siguientes veinte años los pasó tocando en el circo de Sir Robert Fossett, esquilando ovejas en Suecia y trabajando en una granja de Sussex. Después viajó hasta China con el propósito de escribir una guía turística de viaje. También hizo un curso de aviación consiguiendo la licencia de piloto en Los Ángeles. Finalmente logró realizar su sueño, mudarse con su esposa Ana a un cortijo llamado "El Valero" en la ladera sur de Sierra Nevada, Granada en España, donde residen actualmente junto con su hija Chlöe. En este lugar ha escrito su best seller "Entre limones". En las elecciones municipales españolas del 27 de mayo de 2007, Stewart se presentó a concejal en la lista de los Verdes del municipio donde reside, Órgiva[[1] ]en las que esta candidatura obtuvo un solo representante, (201 votos o aproximadamente el 8% de los sufragios) [[2] ].

Obra literaria En 1999 publicó Driving Over Lemons: An Optimist In Andalucia. En español se ha publicado con el título Entre Limones por la editorial Almuzara. Es el relato de las experiencias del autor en España. Es divertido, dulce, extraño pero que deja un gusto indescriptible. Desde que escribió Entre Limones, Chris, Ana —su mujer— y su hija Chlöe continúan viviendo en un cortijo en las Alpujarras, con sus numerosos perros, gatos, pollos, una oveja, un loro misántropo. «El Valero» como así se llama su finca, es un auténtico parche de montaña lleno de aceitunas, almendros y limones, asentado en el lado equivocado de un río, con ninguna vía de acceso, ni abastecimiento de agua ni electricidad.

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Chris Stewart

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Tras este libro ha publicado A Parrot In The Pepper Tree en 2002 y The Almond Blossom Appreciation Society en 2006.

Edición en español • Stewart, Chris (2006). Entre limones: historia de un optimista (2006). Editorial Almuzara. ISBN 978-84-88586-92-6. • Stewart, Chris (2007). El loro en el limonero (2007). Editorial Almuzara. ISBN 978-84-88586-36-0.

Referencias [1] Elecciones 27M | elmundo.es (http:/ / www. elmundo. es/ especiales/ 2007/ 05/ elecciones_mayo_2007/ html/ ultimo_fila/ stewart_chris. html) [2] http:/ / www. locales2007. mir. es/ muni/ DMU011814799. htm

Anthony Phillips Anthony Phillips Información personal Nombre

Anthony Edward Phillips

Nacimiento

23 de diciembre de 1951

Origen

Londres, Inglaterra Información artística

Alias

Ant Phillips

Género

Rock progresivo Música clásica

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica

Período de actividad

1968 - presente

Artistas relacionados

→ Genesis, Camel, → Mike Rutherford

Web Sitio web

www.anthonyphillips.co.uk

[1]

Anthony Edwin "Ant" Phillips (23 de diciembre de 1951, Londres, Inglaterra) es un músico británico conocido sobre todo por ser uno de los miembros fundadores de la banda de rock progresivo → Genesis, en el que tocó la guitarra. Phillips abandonó la banda en 1970, después del lanzamiento de su segundo álbum, Trespass, a causa de su miedo escénico y ser aconsejado por su médico. Se le conoce por su trabajo con guitarras de doce cuerdas, y su influencia puede apreciarse en los primeros trabajos de Genesis. El primer álbum de Genesis tras la partida de Phillips (Nursery Cryme) incluye dos canciones remanentes de los días de Phillips con el grupo: "The Musical Box" y "The Fountain of Salmacis". Después de abandonar Genesis, Phillips estudió música clásica (especialmente guitarra clásica) y colaboró en grabaciones de Harry Williamson, → Mike Rutherford, → Phil Collins y Camel, entre otros. Su primer álbum como solista, The Geese and the Ghost, salió a la venta

Anthony Phillips en 1977. Conformado con baladas pastorales y otras composiciones de larga duración, el disco fue lanzado en pleno surgimiento del punk, y no tuvo ventas satisfactorias. Al año siguiente, Phillips lanzó su segundo álbum (Wise After the Event) y en 1979 el tercero, titulado Sides. Aunque estas dos grabaciones tuvieron una orientación más comercial, tampoco tuvieron mucho éxito. A pesar de esto, siguió trabajando paralelamente en álbumes más experimentales como Privates Parts and Pieces (que fue publicado junto con Sides) y sus secuelas, lanzados en los años ochenta y noventa. En 1981, Phillips comenzó a escribir material nuevo con Andrew Latimer, líder de Camel, y fue un intérprete destacado en el álbum The Single Factor de la banda inglesa. Dos años después publicó el álbum Invisible Men, mucho más orientado hacia el pop que sus trabajos anteriores. Phillips dijo sobre este disco que su grabación fue "horriblemente mal" debido a las presiones de la discográfica, y acabó rechazando el éxito comercial en favor de canciones más experimentales. Anthony Phillips sigue involucrado en algunos proyectos musicales, incluyendo una variedad de bandas sonoras en Inglaterra. A mediados de los noventa, lanzó un álbum titulado The Living Room Concert, con versiones acústicas de material anterior. También aportó material de archivo para el primer box ser de Genesis, Genesis Archive 1967-75, lanzado en 1998.

Discografía • • • • • • • • •

The Geese And The Ghost (1977) Wise After The Event (1978) Sides (1979) Private Parts and Pieces (1979) Private Parts and Pieces II: Back to the Pavilion (1980) 1984 (1981) Private Parts and Pieces III: Antiques (1982, con Enrique Berro García) Invisible Men (1983) Private Parts and Pieces IV: A Catch at the Tables (1984)

• • • • • • • • • • • • • • •

Harvest of the Heart (1985) Private Parts and Pieces V: Twelve (1985) Private Parts and Pieces VI: Ivory Moon (1986) Private Parts and Pieces VII: Soft Waves, Slow Stars (1987) Tarka (1988, con Harry Williamson) Missing Links One: Finger Painting (1989) Slow Dance (1990) Private Parts and Pieces VIII: New England (1992) Sail the World (1994) Missing Links Two: The Sky Road (1994) Gypsy Suite (1994, con Harry Williamson) The Living Room Concert (1995) Meadows of Englewood (1995, con Guillermo Cazenave) Anthology (1995) Private Parts and Pieces IX: Dragonfly Dreams (1996)

• Missing Links Three: Time and Tide (1997, con Joji Hirota) • Legend (1997)

165

Anthony Phillips • • • • • • • • • •

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Live Radio Sessions (1998, con Guillermo Cazenave) Archives Collection Volume One (1998) Legend (1999) Private Parts and Pieces X: Soirée (2000) Soft Vivace (2002) All Our Lives (2002, con Guillermo Cazenave) Radio Clyde (2003) Soundscapes (2003) Archive Collection Volume Two (2004) Field Day (2005)

Enlaces externos • Sitio oficial

[2]

(en inglés)

Referencias [1] http:/ / www. anthonyphillips. co. uk [2] http:/ / www. anthonyphillips. co. uk/

John Silver Jonathan (John) Silver fue el segundo baterista de la banda inglesa de rock → Genesis. Reemplazó a → Chris Stewart en el verano de 1968 y aparece en el primer álbum de larga duración de la banda "From Genesis To Revelation" (Del Génesis al Apocalipsis), y en la compilación de cuatro discos Genesis Archive 1967-75. Silver dejó la banda en Agosto de 1969 y fue reemplazado por → John Mayhew. Se convirtió en productor de televisión y actualmente vive en Londres con su mujer Lucy, y sus hijos Leo, Max y Libby.

Jonathan Silver

John Mayhew

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John Mayhew John Mayhew fue el tercer baterista (percusión, voces) de la banda de rock progresivo Genesis, entre septiembre de 1969 y julio de 1970. Reemplazó al anterior baterista → John Silver en agosto de 1969. Mayhew aparece en el álbum "Tresspass" así como también en el álbum de colección "Genesis Archive 1967-75". Fue reemplazo en 1970 por → Phil Collins. Posteriormente, → Tony Banks afirmaría en una entrevista: "El puesto de John no estaba bien, simplemente no encajaba en el grupo. Todo lo que él tocaba lo aprendía del resto de nosotros, y no creo que su corazón haya estado en la banda." Por muchos años la vida post-Genesis de Mayhew fue un misterio para la mayoría de los fans del grupo. Se decía que sus regalías por el álbum Trespass habían sido perdidas sin ser reclamadas, e incluso hubo especulaciones acerca de que estuviera muerto o desaparecido. En 1979, se mudó a Australia, donde eventualmente consiguió trabajo como carpintero (siendo en la actualidad un ciudadano australiano). En 1989 regresó brevemente a Inglaterra para visitar a su madre enferma. En 2006, asistió a la convención de Genesis en Londres (junto a → Anthony Phillips y → Steve Hackett), e incluso tocó la batería junto a la banda en la canción "The Knife" del álbum Trespass.

Enlaces externos En Inglés: • 2006 Entrevista con John Mayhew

[1]

[1] http:/ / www. worldofgenesis. com/ JohnMayhewInterview2006. htm

Phil Collins

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Phil Collins Phil Collins

Phil Collins en Düsseldorf Información personal Nombre

Philip David Charles Collins

Nacimiento

30 de enero de 1951 (58 años)

Origen

Chiswick, Londres,

Inglaterra

Información artística Alias

Phil Collins

Género

Soft rock Pop Rock progresivo

Instrumento(s)

Voz, batería, piano, percusión

Período de actividad

1969 – 2008

Discográfica(s)

Atlantic

Artistas relacionados

→ Genesis

Brand X Flaming Youth Web Sitio web

philcollins.co.uk

[1]

Philip David Charles Collins (n. 30 de enero de 1951 en Chiswick, Londres) es un cantante, compositor, baterista, pianista y actor británico y uno de los personajes más activos y de mayor éxito de la música rock. Collins ha liderado el Billboard Top 100 americano como vocalista en ocho ocasiones entre 1984 y 1989, siete como solista y uno con Genesis. Sus canciones a menudo tratan de amores perdidos y temas personales. Según datos de Atlantic Records (de 2002) las ventas correspondientes a su carrera en solitario han alcanzado los 150 millones de discos en todo el mundo.[2]

Phil Collins

Primeros años Cuando los Collins le regalaron por Navidad una batería de juguete nunca pensaron que en él nacería un interés tan importante por la música. Phil tenía por entonces cinco años y éste sería el primero de los muchos juguetes que los Collins comprarían a su hijo.[3] Aprendía jugando junto a la televisión y la radio y, como nadie le enseñó a leer y escribir en notación musical convencional, diseñó su propio sistema.[4] Su formación profesional comenzó con catorce años cuando entró en la Barbara Speake Stage School. Empezó a trabajar como actor y modelo, ganando su primer papel importante como Artful Dodger en la producción de Oliver!. Participaria también en "The Beatles - A Hard Day's Night"[5] y en "Chitty Chitty Bang Bang". Collins también estaría entre los tres finalistas para el papel de "IQ" en el show televisisivo norteamericano The Bugaloos (que perdió frente al también actor y músico John McIndoe[6] ). A pesar de los inicios de una carrera, Collins continuó a gravitar hacia la música. Mientras asistía a la Escuela Comunitaria Chiswick, formó una banda llamada The Real Thing y más tarde se unió a The Freehold. Con este último grupo escribió su primera canción, titulada "Lying Crying Dying".[7] La primera grabación de Collins fue como baterista de Flamming Youth. en 1969 (junto a Ronnie Caryl, Brian Chatton y Gordon "Flash" Smith). "Ark 2" estaba inspirado en el reciente interés de los medios por la Luna. No tuvo mucho éxito comercial a pesar de las críticas positivas (Melody Maker lo destacó como el álbum "Álbum Pop del Mes"[8] ). Después de un año de gira, las tensiones dentro de la banda y la falta de éxito comercial terminaron por disolver el grupo.

Carrera con Genesis En 1970, Collins respondió a un anuncio clasificado de Melody Maker donde se buscaba "... un baterista sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas".[9] La audición se produjo en la casa de los padres de → Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, Trespass (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás.[10] Un año más tarde sacarían su tercer álbum, "Nursery Cryme". Phil Collins se encargaría de la batería, la percusión y las voces secundarias (voz principal en "For Absent Friends") los cinco años siguientes. En 1974, mientras Genesis grababa el álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", Brian Eno necesitó de un baterista para su "Another Green World". Collins fue enviado como pago al trabajo de Eno en la banda.[cita requerida] En 1975, Gabriel abandonó el grupo para realizar sus proyectos en solitario. Después de la infructuosa búsqueda de un sustituto Collins se convirtió en la voz principal. El primer álbum de esta nueva etapa fue "A Trick of the Tail" (1976), que alcanzó al tercer puesto en las listas del Reino Unido. En marzo de 1996, después de 26 exitosos años con Genesis, Collins decide abandonar amistosamente la formación para dedicar más tiempo a su carrera como solista y a su familia.[11]

169

Phil Collins

Otras colaboraciones Collins ha colaborado ocasionalmente con otros músicos. Participó en el grupo Brand X como baterista y acompañó a → Steve Hackett en su album "[Voyage of the Acolyte]", en el cual puso la voz y tocó los tambores. En Brand X supo plasmar sus mejores virtudes como eximio baterista, editando nueve discos (tres de ellos en vivo) desde 1976 hasta 1983. Ha producido a artistas como Eric Clapton, → Robert Plant, Brand X, el rapero 2pac e incluso a Anni-Frid Lyngstad del grupo ABBA.

Carrera en solitario Desde 1981 desarrolló su carrera en solitario paralela a la de su trabajo con → Genesis. . Su primer álbum en solitario, "Face Value" (1981), reflejaba la ruptura de su primer matrimonio, con canciones como "If Leaving Me is Easy" e "In the Air Tonight". "Hello, I Must Be Going" (1982) fue otro disco que alcanzó gran popularidad y del cual se extrajo un sencillo, "You Can’t Hurry Love", que se situó en el primer puesto de las listas de ventas británicas. También alcanzó gran éxito internacional el álbum "No Jacket Required" (1985). Otros títulos a destacar en su discografía son: "...But Seriously" (1989), "Both Sides" (1993), "Dance Into the Light" (1996) y "Testify" (2002). Su tema para la película Contra todo riesgo (1983, Taylor Hackford) fue número uno en Estados Unidos. Su capacidad como actor se puso de nuevo de manifiesto con su interpretación del papel principal de la película "Buster, el robo del siglo" (1988, David Green), con la que ganó un premio Grammy por la canción "Two Hearts". Posteriormente ha centrado su actividad creativa en la composición de bandas sonoras, como la de la película "Tarzán" (1999) y la de "Hermano Oso" (2003), ambas producidas por la Disney. Su último álbum de estudio es "Testify", del año 2002. Este mismo año se reune con sus ex compañeros de Genesis, Tony Banks y Mike Rutheford, después de 15 años de separación, y inicia con ellos una gira por Europa y los Estados Unidos.

Phil Collins Big Band No siempre han sido los mismos los componentes de su banda tras de separarse de → Genesis, pero los siguientes son los más significativos, los que más tiempo han estado o los que siguen con él en sus giras últimas y actuales (hasta 2004): • • • • • •

Manager del tour de finales de los 90, principios de 2000 - Mike Kindson Bajo - Nathan East, Leland Sklar Guitarra - Daryl Stuermer, Ronnie Caryl Teclado - Brad Cole Batería - Ricky Lawson, → Chester Thompson Percusión y timbales - Luis Conte

• Vocales solamente - Amy Keys, Arnold McCuller, Lamont Vanhook, Connie Jackson-Comenagys, Bill Cantos, Lynne Fiddmont-Linse y Otros: • Trompetas - Harry Kim, Dan Fornero • Trombón - Arturo Velasco • Saxofón - Andrew Woolfolk, Gerald Albright

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Phil Collins

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Discografía en solitario Álbumes de estudio • • • • • • • • • • • • • •

1981: 1982: 1985: 1987: 1989: 1990: 1993: 1996: 1998: 1999: 2002: 2003: 2004: 2004:

Face Value Hello, I Must Be Going! No Jacket Required 12"Ers ...But Seriously Serious Hits Live! Both Sides Dance Into the Light Hits Tarzán: An Original Walt Disney Records Soundtrack Testify Brother Bear (banda sonora de la película) The Platinum Collection Love Songs: A Compilation... Old and New

Curiosidades En el videojuego para PSP y PS2, "Grand Theft Auto: Vice City Stories" de Rockstar Games, Phil Collins aparece como personaje, al que él mismo pone la voz. Debe ser salvado en tres ocasiones y más adelante el jugador puede asistir a un concierto suyo, donde, al estilo de sus conciertos reales, canta y toca la batería con la canción In The Air Tonight, que interpreta completa. Para el tema "Trashin' the Camp" de la banda sonora de la película de animación Tarzán (1999), compuesta por el propio Phil Collins, tuvo que recurrir a ollas, tambores, platos y todo tipo de objetos inusuales, ya que tenía que reproducir como un grupo de gorilas crean música de los utensilios y artefactos de un campamento en la selva, rompiéndolos y utilizándolos de distintas formas. Llegó a reconocer incluso que durante la grabación se golpeó la cabeza con los puños para obtener un sonido inusual.

Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1999

Óscar a la mejor canción

Tarzán (película de 1999)

Ganador

Su retiro de la música En una entrevista para The Times, Phil Collins, quien recientemente volvió a reunir a Genesis e hizo una gira mundial, anunció su retiro definitivo del panorama musical. Afirmó que actualmente está más interesado en su colección de la Batalla del Álamo que en la música. Aunque se dice que es posible que si llega una buena oferta, lo reintentaria, pero mientras tanto, solo quiere descansar. [12]

Phil Collins

Enlaces externos • • • •

Página Oficial de Phil Collins [1] (Fuera de servicio) Página de Phil Collins en Español [13] (No Oficial) Concierto en el videojuego GTA Vice City Stories [14] (Versión Original) Parodia de un gorila tocando su canción "In the air tonight" [15] (Anuncio)

Referencias [1] http:/ / www. philcollins. co. uk [2] "Phil Collins Celebrates TESTIFY with Weekend Today Performance and NYC In-Store" 11/15/02 [3] Coleman, R. Phil Collins: The Definitive Biography, Simon & Schuster. London. 1997. Pgs 29–30. ISBN 0-684-81784-5 [4] Classic Albums: Face Value DVD, 2001, Eagle Home Entertainment [5] The Beatles - The Making of A Hard Day's Night (http:/ / movies. yahoo. com/ movie/ 1800225416/ info) (1995) (Accedido el 9 de Enero 2006) • Phil Collins (http:/ / imdb. com/ name/ nm0002015/ ) en Internet Movie Database (en inglés) (Accedido 17 Octubre de 2007) [7] Hewitt, A. Official Biography (http:/ / www. philcollins. co. uk/ biog1. htm) (Accedido el 9 de enero de 2006) [8] Coleman, Pg 55. [9] Coleman, Pg 61. [10] Coleman, Pg 63. [11] Darling, Linda; Silberstein, Scott. "Phil Quits Genesis!" (http:/ / genesis-path. net/ philquits. html). Entertainment Wire, 28 March 1996. Retrieved on 23 March 2007. [12] http:/ / cucharasonica. com/ 2008/ 04/ 25/ phil-collins-se-retira-de-la-musica/ Retiro de Phil Collins. Consultado el 24 de julio de 2008. [13] http:/ / www. freewebs. com/ pcenespanol [14] http:/ / es. youtube. com/ watch?v=HprVBFYP70M [15] http:/ / es. youtube. com/ watch?v=Wy52yueBX_s

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Steve Hackett

Steve Hackett Stephen Richard Hackett, músico inglés nacido en Pimlico, Gran Bretaña, el 12 de febrero de 1950. Saltó a la fama como guitarrista del grupo de rock progresivo → Genesis entre 1970 y 1977. Posteriormente, ha seguido una carrera en solitario.

Biografía Hackett tuvo acceso desde niño a varios instrumentos, como la flauta y la melódica, pero no se interesó por la guitarra hasta los doce años. Comenzó tocando notas aisladas, y a los catorce aprendió a formar acordes y combinarlos, sin recibir ninguna enseñanza reglada. Sus primeras influencias, visibles aún en su producción más reciente, fueron clásicas: Johann → Steve Hackett dejó Genesis en 1977. En la foto, el Sebastian Bach y el tenor Mario Lanza. músico en 2005 También escuchó con atención a numerosos artistas de blues, como Danny Kirwan, Peter Green y los guitarristas de John Mayall & the Bluesbreakers.

Primeros pasos Hackett comienza a tocar en bandas de rock progresivo como Canterbury Glass, Steel Pier y Sarabande. Realiza su primera grabación profesional con la banda Quiet World en el álbum titulado The Road (1970). En diciembre de ese mismo año ingresa en → Genesis a través de un anuncio clasificado en la revista Melody Maker.

Genesis Como integrante de la formación clásica del grupo, Hackett participa en 8 álbumes de la banda. Su escasa experiencia le ocasiona algunas dificultades en los primeros meses, pero pronto encuentra su lugar dentro del grupo, contrarrestando con su estatismo en escena el movimiento impredecible de Gabriel. Su primera grabación con Genesis es Nursery Cryme, editado en noviembre de 1971. La presencia de Hackett llama la atención en temas como "The Musical Box" y "The Return of the Giant Hogweed", en los que experimenta con la técnica del tapping. Aunque Nursery Cryme tiene un resultado comercial discreto, el siguiente disco, Foxtrot (1972) alcanza un gran éxito. En él se incluye el instrumental "Horizons", interpretado por Hackett en solitario, que se convierte en una de sus piezas características. Con el siguiente disco, Selling England by the Pound (1973), Genesis alcanza la cima de su carrera. Destaca el trabajo de Hackett en "Dancing with the Moonlit Knight" y "Firth of Fifth", que incluye uno de los solos más notables y conmovedores de Hackett. Hackett comienza a sentirse frustrado con la orientación de la banda, pues no puede desarrollar con libertad sus ideas y ve cómo algunas de sus composiciones son rechazadas.

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Steve Hackett Tras la publicación de Wind & Wuthering (1977) decide abandonar el grupo.

En solitario Aunque ya en 1975 graba Voyage of the acolyte, su primer disco en solitario, Hackett no abandona Genesis hasta 1977. En su retirada pudo influir su mala relación con el teclista → Tony Banks, así como el deseo de expresarse con más libertad. En sus trabajos posteriores se aprecian varias etapas: una primera de rock progresivo y experimental, seguida por otra en la que desarrolla temas más pop, cercanos a la world music. Posteriormente, Hackett explora su interés por el repertorio de guitarra clásica y el blues. En los últimos años, alterna discos de influencia clásica con otros rockeros. Su disco más vendido es Highly strung (1982), del que se extrae el single Cell 151. Por esos años comienza a colaborar con antiguos miembros de King Crimson y en 1982 se reúne con los demás músicos de Genesis para un concierto benéfico de WOMAD, por iniciativa de → Peter Gabriel. En 1986, emprende junto a Steve Howe, guitarrista de Yes, un proyecto denominado GTR. De él surge un único trabajo homónimo. En Internet pueden hallarse algunas maquetas destinadas a un segundo disco, fallido. Una gira con David Palmer, ex teclista de → Jethro Tull), lleva a Hackett a Sudamérica en 1994. Aunque Steve Hackett ha gozado de reconocimiento a lo largo de su carrera como solista, sus fans siempre han recordado con especial afecto su etapa con Genesis. Steve Hackett ha mostrado su apego por la música de su antiguo grupo en el proyecto Genesis Revisited, emprendido en 1996, en el que actualiza piezas célebres del grupo, ofreciendo además algunos temas propios fieles al espíritu de la banda. En la actualidad sigue editando discos en forma regular, viajando por el mundo en gira y colaborando con músicos importantes de distintas corrientes, como Neal Morse, de Spock's Beard. Destaca su trabajo con su hermano, el flautista John Hackett, en Sketches of Satie (2000), que ofrece una versión depurada, para flauta y guitarra clásica, de las piezas más conocidas de Erik Satie.

Influencias Entre sus influencias se encuentran Eric Clapton, Jeff Beck, → George Harrison, y J. S. Bach. A su vez, han expresado su admiración por él, entre otros, Alex Lifeson de Rush, Yngwie Malmsteen, Francis Dunnery, Roine Stolt y Mike Holmes. Brian May, guitarrista de Queen, ha mencionado en varias ocasiones la influencia que tuvo en él el trabajo de guitarra de Hackett en las canciones The Musical Box y Return Of The Giant Hogweed del álbum de Genesis Nursery Cryme.

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Steve Hackett

Discografía • • • • • • • • • • • • • • • •

2006 2005 2003 2000 2000 1999 1998 1997 1997 1994 1994 1994 1992 1992 1988 1983

Wild Orchids Metamorpheus To Watch The Storms Feedback '86 Sketches of Satie (con su hermano, el flautista John Hackett) DARKTOWN The Tokyo Tapes Genesis Revisited A Midsummer Night's Dream There Are Many Sides To The Night Blues With A Feeling Guitar Noir The Unauthorised Biography Time Lapse Momentum Till We Have Faces -

• • • • • • •

1983 1983 1981 1980 1979 1978 1975

Bay Of Kings Highly Strung Cured Defector Spectral Mornings Please Don't Touch Voyage Of The Acolyte

Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Steve Hackett.

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Bill Bruford

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Bill Bruford William Scott Bruford (nacido el 17 de mayo de 1949 en Sevenoaks, Kent, Inglaterra), más conocido por Bill Bruford es un baterista conocido por su estilo fuerte, preciso y polirítmico y por haber participado con diversas bandas musicales, entre las que destacan particularmente tres importantes grupos de Rock progresivo, el grupo Yes, King Crimson y → Genesis. Bruford reside en Surrey Hills (Reino Unido). Está casado desde 1973 con su esposa Carolyn, a quien conoció cuando ambos tenían 15 años, y tienen tres hijos: Alex quien nació en 1978 y también es baterista en la banda Infadels, Holly que nació en 1980, y John que nació en 1987.

Historia Bill Bruford comenzó su carrera como batería amateur tocando Jazz en la década de los 60's después de que sustituyó a Lou Pocock. Su carrera profesional comenzó en 1968 con el grupo Yes y poco después en King Crimson donde estuvo inicialmente de 1972 a 1974, además de haber participado con → Genesis en 1976, de todo lo cual obtuvo la confianza suficiente para escribir y tocar su propia música con su banda Bruford, grabando cuatro álbumes de 1977 a 1980. En 1981 reconstituyó junto con Robert Fripp a

Bill Bruford

King Crimson, siviéndose del vehículo para su revolucionario uso de una percusión electrónica. En el ínterin de los siguientes dos años hizo dos discos de improvisación en piano acústico y batería con el tecladista Patrick Moraz (quien también estuvo en Yes). Bruford formó su grupo electro-acústico de Jazz Earthworks en 1986 con Django Bates e Ian Ballamy, específicamente para continuar con su trabajo de batería melódica en un contexto de Jazz. El primer disco homónimo de Earthworks en 1987 fue llamado por la revista America's USA Today "el tercer mejor álbum de jazz del año", al que siguió Dig? en 1989 y después All Heaven Broke Loose en 1991 y un álbum en vivo en 1994. King Crimson le dotó de nuevo una forma de experimentar con la percusión cuando volvió a formarse en 1994 como doble trío, donde pudo probar el potencial del doble ritmo haciendo equipo con Pat Mastelotto, tocando cada quien una batería. En todo ese transcurso Bruford también se dio tiempo para grabar o salir de gira con otros artistas, Kazumi Watanabe, David Torn, The New Percussion Group of Amsterdam, Jamaaladeen Tacuma, Akira Inoue, Al Di Meola, Anderson Bruford Wakeman and Howe, Buddy Rich Orchestra, Tony Levin (también de King Crimson), Pete Lockett e incluiso nuevamente con Yes, entre otros. En 1990 se le votó para el Salón de la Fama de la revista Modern Drummer Magazine.

Bill Bruford Posteriormente, en el segundo lustro de los noventa, en 1997, se lanzaron dos importantes discos: una recopilación de lo mejor de Earthworks titulada Heavenly Bodies con material de los cuatro álbumes que grabaron además de material nuevo; y el disco de Jazz titulado If Summer had its Ghosts, donde grabó con Ralph Towner (guitarra y piano) y Eddie Gomez (bajo), aparecido este a través de Discipline Global Mobile, el sello disocgráfico nacido de King Crimson. Con la nueva encarnación de Earthworks conformada con Steve Hamilton (teclados) y Patrick Clahar (saxofón), la banda realizó un nuevo material A Part and yet Apart en 1999. El nuevo milenio ha visto la realización del proyecto Bruford Levin’s Upper Extremities en el disco en vivo titulado B.L.U.E. Nights, y el incremento de integrantes de Earthworks con la presencia del guitarrista de jazz Larry Coryell. El último álbum de Earthworks se llamó The Sound of Surprise además de discos en vivo, DVD y el reemplazo de Clahar por Tim Garland. Bill Bruford ha anunciado su retirada de los escenarios, retirada efectiva desde el 1 de enero de 2009.

Participaciones en distintas bandas Bruford es desde que se dio a conocer una figura prominente del art rock. Ha estado en muchas bandas y en numerosos proyectos, de los cuales los más famosos son el grupo Yes, King Crimson y su propio grupo llamado simplemente Bruford. Bruford saltó a la fama al inicio de la década de los setenta con Yes, participando en algunos de sus más tempranos trabajos, El Yes Album, Fragile y Close To The Edge, pero dejó a la banda en 1972 cuando aceptó la invitación de Robert Fripp para unirse a King Crimson. También estuvo durante un año de gira con el grupo → Genesis. El grupo Earthworks ha sido su prioridad en los últimos años, particularmente desde su partida de King Crimson en 1999, la cual significó el fin del experimento de "doble trío".

Participaciones más notables • Con Yes desde su formación hasta el álbum de 1972, Close to the Edge. Posteriormente participó en Anderson Bruford Wakeman Howe, grupo de ex integrantes de Yes. • Con King Crimson desde el álbum Larks' Tongues in Aspic de 1972 al álbum THRAK de 1995, así como en los subgrupos conocidos como ProjeKcts, de hecho es de los músicos que más tiempo ha permanecido en King Crimson. • Coloraciones con numerosas bandas a mediados de los setentas, entre las que se incluyen giras con → Genesis y Gong, así como haber tocado con National Health. • Con UK, grupo de Rock progresivo que formó con el bajista John Wetton quien también estuvo con él en King Crimson. • En su grupo Bruford, banda de fusión que grabó cuatro discos entre 1977 y 1980. • En Earthworks, su propia banda de jazz formada en 1986 la cual ha tenido diversas encarnaciones. • En Bruford Levin Upper Extremities, un grupo experimental en colaboración con Tony Levin, David Torn y Chris Botti.

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Bill Bruford

Discografía • • • • • • • • • • • • • • • •

Yes (1969) Time And A Word (1970) The Yes Album (1971) Fragile (1972) Close to the Edge (1972) Lark's Tongues in Aspic (1973) Starless and Bible Black (1974) Red (1974) U.K. (1978) Feels Good to Me (1978) One of a Kind (1979) Gradually Going Tornado (1980) The Bruford Tapes (1980, compilación) Discipline (1981) Three of a Perfect Pair (1981) Beat (1981)

• • • • • • • • • • • • • • • •

Music for Piano and Drums (1983) Flags (1985) Master Strokes: 1978-1985 (1986, compilación) Earthworks (1987) Dig? (1989) All Heaven Broke Loose (1991) Symphonic Music of Yes (1993) Stamping Ground: Bill Bruford's Earthworks Live (1994, concierto) Heavenly Bodies (1997) If Summer Had Its Ghosts (1997) A Part & Yet Apart (1999) The Sound of Surprise (2001) Upper Extremities (2001) Footloose and Fancy Free (2002, concierto) Random Acts of Happiness (2004) Every Step a Word, Every Word a Song (2004)

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Bill Bruford.Commons

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Chester Thompson

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Chester Thompson Chester Cortez Thompson (Baltimore -Maryland- 11 de diciembre de 1948 — ) músico y baterista estadounidense , quien saltó a la fama tocando en una gira de → Frank Zappa. Intervino en álbumes de Zappa como "One Size Fits All", "Roxy & Elsewhere", y "Overnite Sensation". Desde 1977 estuvo con el grupo → Genesis (reemplazando en los conciertos a → Phil Collins, quien había ocupado el puesto de vocalista), tocando en sus conciertos de 1978, 1980, 1981, 1982, 1983/4, 1986/7 y 1992/3 y fue nuevamente llamado para actuar en el 2007 Turn it on again tour, del que resultó el álbum Live Over Europe 2007. Chester participó en sus álbumes en directo de Seconds Out, Three Sides Live y The Way We Walk 1 y 2. Thompson continuó trabajando con Phil Collins en sus conciertos en solitario Hello I must be going tour (de 1982/83), No Jacket Required tour (1985), But Seriously tour (1990), The Tarzan Première tour (1999) y The Final Farewell tour (2004/05). Chester aparece en el Serious Hits... Live! de Phil collins en versiones de CD y DVD, y ha lanzado un álbum en solitario: A Joyful Noise. Chester Thompson tocó en el álbum de → Steve Hackett, Genesis revisited. Aparece también en el Tokyo Tapes de 1998 con Steve Hackett y John Wetton, entre otros. También tocó con Carlos Santana en algunas giras. Commons •

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Daryl Stuermer Daryl Stuermer

Información personal Nacimiento

27 de noviembre de 1952

Origen

Milwaukee, Wisconsin, EE. UU.

Ocupación(es)

Músico Información artística

Género

Rock progresivo Pop rock

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica

Período de actividad

1975 al presente

Daryl Stuermer

180 → Genesis

Artistas relacionados

→ Phil Collins

Web Sitio web

Sitio oficial

[1]

Daryl Mark Stuermer (nacido el 27 de noviembre de 1952 en Milwaukee, Wisconsin, EEUU) es un músico que toca la guitarra y el bajo para el grupo → Genesis durante sus actuaciones en vivo, y guitarra principal de → Phil Collins en la mayor parte de sus giras y álbumes como solista.

Biografía Stuermer nació el 27 de noviembre de 1952 en Milwaukee, Wisconsin. Descubierto tocando con su banda de Milwaukee, llamada Sweetbottom, audicionó para el violinista de jazz Jean-Luc Ponty en 1975, ganando la audición y grabando con él cuatro álbumes. A fines de 1977, bajo recomendación de su amigo Alphonso Johnson, fue recomendado como reemplazo para → Steve Hackett (guitarrista de Génesis hasta ese momento), uniéndose a Genesis como un guitarrista y bajista de giras en principio, manteniendo esa posición hasta 1992. En 1982, Stuermer siguió como el guitarrista principal de Phil Collins, en su carrera de solista. Al hacer esto, se convirtió en lo que Collins llamaría "un miembro de medio tiempo permanente-temporal" de Genesis, en un "miembro permanente de gira-estudio" de la nueva banda de Collins. Esta colaboración ha sido muy exitosa para ambos músicos, y Stuermer ha ganado creditos como co-autor en diversas canciones de Collins. Stuermer ha grabado cuatro álbumes propios como solista, Steppin' Out (Saliendo), Live and Learn (Vive y Aprende), Another Side of Genesis (Otro Lado de Genesis), Waiting in the Wings (Esperando en las Alas), y más recientemente Retrofit (Modificación). Este último fue lanzado en 2004 y consistió en un álbum de reunión en vivo, de su antigua banda Sweetbottom, grabado en Shank Hall, Milwaukee. Stuermer está graduado en la universidad St. Francis de Wisconsin, y en el verano de 2002 volvió a su ciudad natal para realizar un concierto gratuito. Su nuevo álbum Go estaba programado para ser lanzado a principios de 2007. Contiene muchas canciones antiguas de la época de Stuermer con Sweetbottom, e incluye aparciones de Alphonso Johnson, Kostia, John Calarco, y Eric Hervey. Stuermer también se ha reunido a Genesis en 2007 para su gira de reunión Turn It On Again: The Tour, que los llevaría por Norteamérica y Europa.

Discografía Con Jean-Luc Ponty Título Inglés

Título Español

Año

Distribuidora

Aurora

1975

Atlantic

Imaginary Voyage

Viaje Imaginario

1976

Atlantic

Enigmatic Ocean

Océano Enigmático

1977

Atlantic

Civilized Evil

Maldad Civilizada

1981

Atlantic

Daryl Stuermer

181

Con George Duke Título Inglés

Título Español

I Love The Blues She Heard me Cry

Año

Amo Los Blues, Ella Me Oyó Gritar

Liberated Fantasies

Fantasías Liberadas

Distribuidora

1975

Polydor

1976

BASF

Con Joan Armatrading Título Inglés

Título Español

The Key

La Llave

Año

Distribuidora

1984

A&M

Con Frida (ABBA) Título Inglés

Título Español

I Know There's Something Going On

Año

Se Que Algo Está Sucediendo

1982

Distribuidora Epic (UK)

Con → Tony Banks (→ Genesis) Título Inglés

Título Español

Año

Distribuidora

The Fugitive

El Fugitivo

1983

Charisma

Still

Todavía

1991

Giant (US)

Strictly Inc.

Estrictamente Inc.

1995

Virgin

Con → Mike Rutherford (→ Genesis) Título Inglés Acting Very Strange

Título Español

Año

Actuando Muy Extraño

1982

Distribuidora Atlantic/WEA

Con Philip Bailey Título Inglés Chinese Wall

Título Español Muralla China

Año

Distribuidora

1984

Columbia

Con → Phil Collins Título Inglés

Título Español

Año

Distribuidora

Face Value

Cara Valuada

1981

Virgin

Hello, I Must Be Going!

Hola, Debo Irme!

1982

Atlantic

No Jacket Required

No Se Necesita Llevar Saco

1985

Atlantic

Daryl Stuermer

...But Seriously

182 ...Pero Seriamente

1989

Atlantic

Serious Hits... Live!

Éxitos Serios... En Vivo!

1991

Atlantic

Dance Into The Light

Baila Bajo La Luz

1996

Atlantic

A Hot Night In Paris

Una Noche Caliente En París

1998

Atlantic

1998

Atlantic

2002

Atlantic

2005

Eagle Vision

...Hits

...Éxitos

Testify

Atestiguar

The First Final Farewell Tour

La Primera Gira De Despedida Final

Con → Genesis Título Inglés

Título Español

Año

Distribuidora

Three Sides Live

Tres Lados En Vivo

1982

Atlantic

Live At Wembley Stadium

En vivo Estadio Wembley

1987

Virgin Records

Knebworth Concert (Various Artists)

Concierto De Knebworth (Artistas Varios)

1990

Polydor

Genesis Live: The Way We Walk - Vol.1 The Shorts

Genesis En Vivo: La Manera Que Caminamos - Vol.1 Los Cortos

1992

Atlantic

Genesis Live: The Way We Walk - Vol.2 The Longs

Genesis En Vivo: La Manera Que Caminamos - Vol.2 Los Largos

1993

Atlantic

Como Solista Título Inglés Steppin' Out Live & Learn

Título Español Saliendo Vive & Aprende

Año

Distribuidora

1987

GRP

1998

Urban Island Music

Another Side Of Genesis

Otro Lado De Genesis

2000

Urban Island Music

Waiting In The Wings

Esperando En Las Alas

2001

Urban Island Music

2003

Urban Island Music

2004

Urban Island Music

Sweetbottom Live - The Reunion Retrofit Rewired - The Electric Collection Go

Sweetbottom En Vivo - La Reunión Modificación Rewired - La Colección Eléctrica Ir

2006 2007

Unicorn Digital/Urban Island, LL Inside Out Music

Daryl Stuermer

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Enlaces externos • Sitio Web de Daryl Stuermer • Sitio Web de Genesis [2]

[2]

Referencias [1] http:/ / www. darylstuermer. com [2] http:/ / www. urbanisland. com

Nick D'Virgilio Nick D'Virgilio es un baterista de los Estados Unidos, normalmente se lo suele llamar NDV, y es conocido por ser miembro del grupo de rock progresivo Spock's Beard. También fue uno de los bateristas seleccionados para reemplazar a → Phil Collins en el grupo británico → Genesis, para grabar su álbum Calling All Stations de 1997. También ha participado en las sesiones de grabación de otros artistas, tales como en el grupo Tears for Fears. "The Shaming Of The True", el segundo álbum como solista de Kevin Gilbert, fue lanzado póstumamente. El álbum estaba incompleto, pero la familia de Gilbert le pidió a D'Virgilio que lo completara, basado en las grabaciones existentes y en las notas de Gilbert. "The Shaming Of The True" fue publicadon en 2000 y D'Virgilio contribuye en muchas canciones con la batería, percusión, bajo, guitarra, teclados y coros. Desde que Neal Morse dejó Spock's Beard en 2002, D'Virgilio se encarga también de la voz y ya ha grabado tres álbumes "Feel Euphoria", "Octane" y el epónimo "Spock's Beard". Su primer álbum como solista, "Karma", fue grabado en 2001 en el estudio de grabación de Kevin Gilbert, y en los estudios Lawnmower y Garden Supplies, en Pasadena, California. El álbum incluye a Mike Keneally y Bryan Beller. También participó como ingeniero en jefe en el álbum "View" de Bryan Beller, grabado en el mismo estudio que "Karma". Además, D'Virgilio fue un miembro de la banda de Mike Keneally desde 2001 hasta 2004, participando en la gira del álbum de Keaneally de 2000 y proveyendo la batería y su voz en el álbum "Dog" de 2004, aunque fue reemplazado por Joe Travers en la gira siguiente. D'Virgilio también cubrió el puesto de Mark Zonder en la gira de "Fates Warning" con Dream Theater y Queensryche en 2003. Desde 2003 también ha sido el baterista del grupo The Rubinoos. Aparece en el álbum The Road Home" (2007), de "Jordan Rudess"

Nick D'Virgilio

Enlaces externos • Sitio Web Oficial [1] • Sitio de Rubinoos [2]

Referencias [1] http:/ / www. ndvmusic. com/ [2] http:/ / www. rubinoos. com/ members. htm

Nir Zidkyahu Nir Zidkyahu (nacido en noviembre de 1967, en Rishon Lezion, Israel) es un destacado baterista de estudio, y hermano del baterista de Blackfield's, llamado Tomer Z. Tocó las baterías para ocho canciones de la banda → Genesis en el álbum Calling All Stations de 1997, y se unió posteriormente a la banda para la gira de dicho album, en 1998. En el 2001 tocó la batería para el álbum "Room for Squares de John Mayer. Desde entonces tocó la batería e hizo la percusión para proyectos importantes de varios artistas, tales como Jason Mraz, Joss Stone, Alana Davis, y más recientemente en 2006, continuó asentando su reputación como un gran baterista de estudio al grabar junto a Chris Cornell su segundo álbum como solista, llamado ""Carry On" y lanzado en 2007. Paradójicamente Zidkyahu toca en la canción de Cornell llamada "No Such Thing" y también en la canción de Mayer con el mismo nombre.

Anthony Drennan Anthony Drennan es un guitarrista conocido por haber participado en el grupo británico → Genesis como guitarrista y bajista suplementario durante los conciertos entre 1997 y 1998. Nació en Luton, Inglaterra, pero se mudó a Irlanda a una temprana edad. Actualmente es el guitarrista principal del grupo The Corrs, habiendo tocado también junto a Clannad, Paul Brady, Moving Hearts, y docenas de otras bandas e interpretes del Reino Unido.

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Ray Wilson

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Ray Wilson Ray Wilson

Información personal Nacimiento

8 de septiembre de 1968

Origen

Dumfries, Escocia

Ocupación(es)

Músico Información artística

Género

Rock progresivo Pop rock Grunge

Instrumento(s)

Voz, Guitarra Bajo, Harmónica

Período de actividad

1993 al presente

Discográfica(s)

Independiente

Artistas relacionados

Stilskin, → Genesis, Cut Scorpions, RPWL Web

Sitio web

Sitio oficial

[1]

Ray Wilson (nacido el 8 de septiembre de 1968 en Dumfries) es un músico escocés, quien tuvo sus inicios en la banda de Grunge Stilskin; lanzaron un álbum y tuvieron un éxito en el primer puesto de los rankings del Reino Unido con el simple "Inside". Es el primo de Ian Wilson, más conocido como Ian Catskilkin, de la banda Art Brut. Wilson participó en una banda llamada Guaranteed Pure a principios de 1990. Lanzaron el álbum llamado "Swing Your Bag", del cual la canción que le da el título fue incluida en álbum compilatorio del cantante Fish, titulado 'The Funny Farm Project : Outpatients '93'. En 1997, Ray Wilson se unió a → Genesis luego de que el vocalista y baterista de la banda → Phil Collins, dejara el grupo en 1996. Luego de la partida de Collins del grupo, solo quedaron dos miembros: → Tony Banks y → Mike Rutherford. Wilson llegó a Genesis propuesto por Banks, porque su voz le daba la potencia que buscaba el grupo. Posteriormente Genesis se disolvió luego de grabar el disco Calling All Stations y de una gira con Wilson, reapareciendo recién en el 2007 con Phil Collins nuevamente al frente. Entonces, Wilson comenzó a trabajar en un nuevo proyecto llamado "Cut ", el cual dijo que tenía el mismo sonido del próximo álbum de Genesis si la banda hubiese continuado con él. El álbum Millionairhead fue lanzado bajo este nombre.

Ray Wilson En 2003 lanzo un álbum como solista bajo su nombre, llamado Change. El próximo año lanzó otro álbum de estudio llamado The Next Best Thing, el cual incluía un cover de la canción "Inside". Actualmente se encuentra de gira y promocionando el segundo álbum de Stilskin "She". El productor y DJ Armin van Buuren, ha producido remixes de las canciones "Another Day" (llamada "Yet Another Day") y "Gypsy", las dos del álbum Millionairhead. Ambas canciones han sido lanzadas en álbumes propios de van Bauren, y "Yet Another Day" fue también lanzada como un simple.

Álbumes como solista • 2001 Unplugged (renombrado Live and Acoustic) • 2003 Change • Change (simple) • Goodbye Baby Blue (simple) • 2004 The Next Best Thing • These Are The Changes (simple) • 2005 Ray Wilson Live • 2006 An Audience and Ray Wilson (CD de edición limitada)

Con Guaranteed Pure • 1993 Swing Your Bag

Con Stiltskin • 1994 The Mind's Eye • Inside (simple) • Footsteps (simple) • Rest In Peace (simple) • 2006 She • She (sinmple) • Lemon Yellow Sun (simple) • 2007 Stiltskin Live

Con → Genesis • 1997 Calling All Stations • Congo (simple) • Shipwrecked (simple) • 1998 Not About Us (simple) • 2007 Calling All Stations - SACD • 1983-98 (caja de colección) Aunque Wilson frecuentemente interpreta canciones de Genesis como solista luego de haber dejado el grupo, se lamenta de haberse unido al mismo. En una entrevista de abril de 2007, dijo que se sentía fuera de lugar con el resto de la banda. Incluso describió su despido de la banda como una "muerte por silencio" y piensa que toda la situación fue mal manejada.

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Ray Wilson

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Con Cut • 1999 Millionairhead • Another Day (Simple - Solamente en Alemania) • Millionairhead/Sarah (Promo para la radio)

Otras collaboraciones • • • • •

2000 2002 2003 2005 2005

"Big City Nights" (con Scorpions) "Love Supreme" (con Turntablerocker) "Yet Another Day" (con Armin Van Buuren) "Gypsy" (con Armin Van Buuren) "Roses" (con RPWL)

Trivia • La banda → Genesis se formó en 1967. Ray Wilson nación un año después, en 1968. Otros músicos que se han unido a bandas formadas antes de haber nacido incluyen a → Jonathan Noyce de → Jethro Tull y Jerome Froese de Tangerine Dream. • El único cover que ha hecho Wilson en un álbum de estudio es "Space Oddity" de David Bowie en el álbum Millionairhead de Cut. Durante sus conciertos hace una variedad de covers de → Genesis, → Phil Collins, → Peter Gabriel, Stiltskin, The Eagles, Bob Dylan, Bruce Springsteen, David Bowie, U2 y Mike & The Mechanics.

Enlaces externos • Sitio oficial de Ray Wilson [1] • Galería de fotos de Ray Wilson & Stiltskin en vivo

Referencias [1] http:/ / www. raywilson. co. uk [2] http:/ / foto. poznan4u. com. pl/ reportaze/ wilson

[2]

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Iggy pop Iggy Pop Iggy Pop

Iggy Pop cantando en la UC Davis, 1980. Información personal Nombre

James Newell Osterberg, Jr.

Nacimiento

21 de abril de 1947 (62 años)

Origen

Muskegon, Míchigan, Estados Unidos

Ocupación(es)

Cantante, compositor, productor musical, actor. Información artística

Género

Rock n' roll Proto-punk

Instrumento(s)

Voz Guitarra

Período de actividad

1960 - presente

Discográfica(s)

Virgin, RCA, A&M, Arista

Artistas relacionados

The Stooges, David Bowie Web

Sitio web

www.iggypop.com

[1]

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop, nació en Muskegon, Míchigan el 21 de abril de 1947. Al igual que James Newell Osterberg, es un cantante estadounidense de punk rock. Es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados. Iggy Pop fue el cantante y líder de The Stooges, una pionera banda de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy saltaba del escenario (inventando así el stage diving o salto al público), se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas. Muchos otros han imitado las travesuras de Iggy.

Iggy Pop Iggy Pop tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Search & Destroy, Lust for Life, I'm Bored, The Passenger, I Wanna Be Your Dog y Candy.

Biografía Inicios: The Stooges Nacido en Muskegon (Míchigan) y crecido en Ann Arbor, empezó en el mundo de la música como batería en varias bandas de instituto, entre ellas estaba The Iguanas, donde recibió su nombre artístico Iggy. Gran fan del blues, de vez en cuando se escapaba de la universidad y se iba a Chicago (Illinois) para aprender más del blues. Inspirado por ello, al igual que → The Doors, formaron The Psychedelic Stooges y se apodó a él mismo Iggy Stooge, y después Iggy Pop. Después de dos años de ensayos, la banda hizo su debut en Ann Arbor, Míchigan. Su debut, considerado el primer disco de The Stooges, se editó en 1968. Los dos primeros álbumes, The Stooges y Fun House, no tuvieron repercusión en las listas de ventas, aunque estos discos fueron una gran influencia en el naciente movimiento punk. Después de que los nuevos miembros se unieran a la banda, se separaron por la adicción de Iggy a la heroína. David Bowie les produjo un álbum en Inglaterra, el famoso Raw Power («Poder crudo», literalmente), considerado uno de los primeros álbumes punk rock de la historia, un disco cargado de provocación y contenidos sexuales. En él se encuentra su clásico Search and Destroy, posiblemente una de sus canciones más populares. El disco no estuvo exento de problemas y polémica desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (manager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Angeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó. Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de Bootleg o Disco pirata, una versión titulada Rough power, con las mezclas de Iggy; éste vio editada en 1997, a través de Sony, una versión remezclada personalmente por él, y que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo; la nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores. Con James Williamson como guitarrista, tuvieron problemas para buscar sección rítmica. Y tuvieron grandes problemas para encontrar los miembros, así que decidieron reunir a los Stooges. No era técnicamente una auténtica reunión, pues Dave Alexander no iba a tocar en el álbum, por sus problemas con el alcohol. Debido a ello murió en 1975. También, Ron Asheton cambió la guitarra por el bajo para dejar a Williamson su lugar. Después de la salida del álbum se añadió un miembro a la banda y Bowie siguió con su apoyo, pero los problemas tóxicos de Iggy persistieron. El último concierto de los The Stooges acabó en una pelea entre la banda y un grupo de moteros documentado en el Bootleg Metallic KO. La drogadicción de Iggy puso un paréntesis en su carrera por varios años.

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Iggy Pop

Como solista; de Kill City a Blah Blah Blah En 1977, Iggy grabaría el álbum Kill city, con otro ex-Stooge, James Williamson; el disco incluiría temas inéditos que formaron parte del repertorio de los Stooges, como I got nothin, y orientaría el clásico sonido de los Stooges hacia un campo que recordaría al estilo de los Rolling stones; las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación: «Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees» («Hasta que acabas en algún váter, con sobredosis y de rodillas»), diría en el tema Kill city, que da título al álbum. Este disco, a pesar de ser un trabajo de Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco más de The Stooges, por contener parte del material que formaba parte de su repertorio, y gran parte de la esencia de la banda. David Bowie e Iggy se instalaron en Berlín para desengancharse de la gran cantidad de cocaína que tomaban al día; en esos tiempos Bowie solo se mantenía de leche y cocaína. Pop firmó con RCA y Bowie ayudó a componer y producir los álbumes The Idiot y Lust for Life, que fueron considerados como dos de sus mejores trabajos por muchos de sus fans. Entre 1979 y 1982 editaría una serie de álbumes con escasa repercusión, como Party o Zombie birdhouse y un cierto sesgo pop ligeramente naif y psicodélico. Volvió en 1983 después de tres años de pausa, en los que se desintoxicó de la heroína y se casó, con un nuevo disco en el mercado influenciado por el New Wave Blah Blah Blah.

El retorno al rock: de Instinct a American Caesar Su siguiente disco, Instinct, supuso su celebrado regreso al rock, acompañado a la guitarra de Andy McCoy, ex guitarrista de Hanoi Rocks, con el cual emprendería una exitosa gira; en el disco se podía apreciar una cierta influencia del Hard rock que se escuchaba en aquellos años. Pero sería con Brick by Brick, considerado por muchos de sus fans como uno de sus mejores y más completas obras, con el que Iggy tomaría el primer plano de la actualidad rockera. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N' Roses Slash y Duff McKagan, que aparecerían en el videoclip de Home, una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el Hit Candy, un medio tiempo melódico cargado de dramatismo, que se convertiría en uno de sus mayores éxitos; en el, Iggy cantaría a dúo con la vocalista de B-52's, Kate Pierson. Main street eyes, I Won't crap out o The undefeated son otros temas recordados de este álbum, que supondría un acercamiento al Rock americano más clásico, y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del Rock Americano como John Hiatt, músico del del cual se incluiría una composición, el tema Something Wild. American Caesar (1993), seguiría la línea marcada por Brick by brick, combinando potentes temas de Rock and roll, como Wild America, uno de los éxitos del disco, que contaría con la colaboración de Henry Rollins, Beside you, un medio tiempo que contaría con un video musical muy publicitado en la MTV, y una versión que Iggy llevaba años interpretando en directo, pero que jamás había grabado; el hit de los '50 Louie Louie.

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Iggy Pop

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De Naughty Little Doggie a The Weirdness; la reunión de The Stooges Naughty little doggie, su disco de 1996, retomaría una línea rockera más básica, apartándose de la madurez y eclecticismo de sus dos anteriores discos. Durante los años de Instinct, Brick by brick y American Caesar, Iggy viviría una de las épocas de mayor éxito comercial de su carrera, en parte gracias al auge del rock que se vivió a finales de los 80, con bandas como Guns N' Roses, y posteriormente con la llegada del Grunge Iggy Pop en 2006.

En 1997 remezcló Raw Power para darle un sonido más duro, llevado en parte por las quejas de los fans por la poca consistencia de la remezclas de Bowie. Coprodujo en 1999 Avenue B con Don Was, y Beat 'Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al Nu-Metal, anque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apártandose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring colabora con Sum 41 y Green Day, y con los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como Little electric chair; ello llevó a la organización de una gira como The Stooges, y a consolidar la reunificación de la mítica banda. Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos The Stooges y Funhouse, además de los temas grabados para Skull Ring, obviando de esta manera Raw Power, por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la «auténtica» formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 The Weirdness, el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de Raw Power.

Curiosidad: homenaje a Madonna De manera sorprendente, Iggy participó en un homenaje a Madonna el 11 de marzo de 2008, con motivo de la inclusión de ésta en el Museo del Rock. Si Justin Timberlake se arrodilló ante Madonna, Iggy interpretó a su manera dos éxitos de ella (Burning Up y Ray of Light), y terminó gritándole un juego de palabras sobre Like a Virgin.

Cine Iggy ha actuado en contadas películas[2] tanto como actor como autor de bandas sonoras. Hasta la fecha, ha hecho 15 películas, entre ellas Cry Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow 2, Hardware, Rugrats, la Película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, y Dead Man. Así mismo, protagonizó una película española, dirigida por Oscar Aibar, llamada Atolladero. Ha salido en cinco series de TV, Corrupción en Miami, Historias de la Cripta, Las Aventuras de Pete y Pete, y Star Trek: Deep Space Nine.

Iggy Pop Aunque Iggy no tenga que ver con la película, un ambiguo Ewan McGregor, drogado en Velvet Goldmine, está considerado ser modelado a su imagen. Del mismo actor, en Trainspotting es el ídolo del protagonista y aparece en la BSO. Su música también sale en Cocodrilo Dundee, así como puso voz a la música de Goran Bregovic en la BSO de Arizona Dream.

Discografía Con The Iguanas • Jumpin With (1969)

Con The Stooges • • • • •

The Stooges (1969) Fun House (1970) Raw Power (1973) Metallic KO(1976) The Weirdness (2007)

Como solista • • • • • • • • • • • • • • •

The Idiot marzo, (1977) Lust For Life septiembre, (1977) Kill City noviembre(1977) New Values abril, (1979) Soldier enero, (1980) Party junio (1981) Zombie Birdhouse septiembre, (1982) Blah Blah Blah octubre, (1986) Instinct julio, (1988) Brick by Brick julio, (1990) American Caesar septiembre, (1993) Naughty Little Doggie febrero, (1996) Avenue B septiembre, (1999) Beat 'Em Up julio, (2001) Skull Ring septiembre, (2003)

!"Preliminaires" mayo 2009

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Iggy Pop

Disco homenaje • We Will Fall: The Iggy Pop Tribute septiembre 1997

Véase también • Música de GTA IV

Enlaces externos Commons • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Iggy Pop. • Página Oficial de Iggy Pop [3]

Referencias [1] http:/ / www. iggypop. com [2] imdb.com (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0006563/ ) Sobre las películas como actor y autor de las bandas sonoras, apariciones en televisión etc [3] http:/ / www. iggypop. com/

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Joy Division Joy Division Joy Division

Información personal Origen

Inglaterra, Manchester

Información artística Género

Post punk

Período de actividad

1977 – 1980

Discográfica(s)

Factory Records Miembros → Ian Curtis† → Bernard Sumner → Peter Hook → Stephen Morris

Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Llegó a su fin en 1980, tras el suicidio de su cantante → Ian Curtis en mayo de ese año. Como la banda decidió continuar con su carrera, cambió su nombre a New Order, que paulatinamente iría cambiando a estilos más electrónicos. Aunque tuvieron un éxito moderado en su carrera, y lanzaron sólo dos álbumes de estudio, Joy Division han sido aclamados desde entonces como uno de los más innovadores, evocativos e influyentes grupos de su tiempo; Thom Jurek escribe «Tan solo nos dejaron un pequeño retazo de música y un eco que aún suena».[1] Joy Division fueron etiquetados por mucha gente como una banda oscura y depresiva, debido a lo inhóspito de su música: ("la Belleza de nuestra Angustia, lo Sublime de lo Horrible") y al suicidio de Ian Curtis. Sin embargo, los restantes miembros de la banda y la gente que conocieron lo han negado siempre. Sus influencias van desde el proto-punk: The Velvet Underground, The Stooges; el punk: Sex Pistols; e incluso el glam: David Bowie. Todas estas bandas bordeando más siempre un ámbito alternativo. Se podría decir que Joy Division tomó de estas bandas un poco y lo mezcló en un estilo que sólo pocos han podido interpretar: el post-punk. Del proto-punk tomó su excentricidad y lírica. Del punk tomó la fuerza escénica y musical. En su etapa final también incorporaron la influencia de bandas electrónicas pioneras como Kraftwerk.

Joy Division

Miembros Joy Division estaba compuesto inicialmente por → Ian Curtis (guitarra y voz), → Bernard Sumner (guitarra y teclado), → Peter Hook (bajo) y Terry Mason (batería). Tras el alejamiento de Terry Mason en mayo de 1977, Tony Tabac lo reemplazó fugazmente hasta junio de 1977 y Steve Brotherdale, también de manera provisional, hasta agosto de 1977. Finalmente → Stephen Morris se convirtió en el baterista definitivo, en agosto de 1977.

Historia 1976 Inspirados por la presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976, → Bernard Sumner (también conocido como Bernard Dicken, Bernard Albrecht y Bernard Albrecht-Dicken) y → Peter Hook formaron un grupo junto a su amigo Terry Mason. Sumner compró una guitarra, Hook compró un bajo y Mason un equipo de batería. El grupo puso un anuncio en una tienda de discos de Manchester, reclutando así a Maxi Koch y a Joakin Hail, quienes grababan las voces, y a Ian Curtis como cantante. Curtis conocía a Sumner, Hook y Mason de presentaciones previas, ya que también estuvo esa noche en el público del concierto de los Sex Pistols junto a su esposa, Deborah. Richard Boon y Pete Shelley del grupo Buzzcocks sugirieron el nombre Stiff Kittens para el grupo. Aunque el nombre «Stiff Kittens» apareció en algunos panfletos de presentaciones, al grupo nunca le agradó ni lo aceptó oficialmente.

1977 Debido a que carecía de confianza en sus capacidades como batería, Mason abandonó el grupo el día anterior a la primera presentación en el Electric Circus, para transformarse en el representante del grupo. Para la ocasión, fue reemplazado por Tony Tabac. Momentos antes de aquella presentación junto a Buzzcocks y a Penetration, el 29 de mayo de 1977, el grupo cambió su nombre a Warsaw, en homenaje a la canción de David Bowie y Brian Eno Warszawa. Cinco semanas después, tras seis presentaciones, Tabac fue reemplazado por el baterísta del grupo punk Panik, Steve Brotherdale. Grabaron The Warsaw Demo el 18 de julio de 1977, cinta que contenía cinco crudas canciones de punk. Después del demo, Brotherdale fue despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el auto aceleró y se fue sin el. → Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes. A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre, que contrasta con su verdadera traducción de "división de la alegría", hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis,[2] representadas en la novela de 1955 de Ka-Tzetnik 135633. Aunque la elección del nombre fue de una manera más reflexiva, que una forma de luchar contra los tabúes, esta elección, junto con la adopción por parte de Sumner del apellido Albrecht acumularon en el grupo una serie de

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Joy Division críticas de perceptible insensibilidad. Incluso fueron perseguidos por acusaciones de neonazismo, acusaciones que negaron vigorosamente. La música y el género musical del grupo se empezó a definir por este periodo. Las sesiones grabadas en diciembre de 1977 comenzaron a sonar de manera considerablemente distinta al sonido producido en The Warsaw Demo.

1978 El primer show de Joy Division fue en el Pip's, Manchester, el 24 de enero del 78. El tres y cuatro de mayo de ese año grabaron para el sello RCA el material de su primer disco. Sin embargo, el productor John Anderson, creyendo que el punk no duraría mucho y sin el consentimiento de los músicos llenó la grabación de sintetizadores en la mezcla final. La banda estuvo completamente en desacuerdo con esto y el disco nunca fue editado -aunque se convertiría en uno de los bootlegs más conocidos del grupo. Poco después Rob Gretton reemplazó a Terry Mason como manager. Sobre el sonido de la banda Bernard Sumner dice: «Joy Division tenía una fórmula pero nunca trabajábamos de forma premeditada. Salía naturalmente. Yo era el ritmo y los acordes, y Hooky la melodía. Solía tocar su bajo a un volumen alto porque me gustaba distorsionar la guitarra y el amplificador que usaba solo funcionaba al máximo volumen. Cuando Hooky tocaba a un volumen bajo, no se escuchaba. Steve tenía su propio estilo, diferente al de otros bateristas. Para mi, el baterista es el reloj de la banda porque es pasivo: el podía seguir el ritmo de la banda, marcando nuestro propio límite. En vivo, nos manejábamos visualmente viendo a Ian bailar». En cuanto a las letras agrega que «todo el mundo dice que nuestras letras son oscuras y pesadas. Con bastante frecuencia me preguntan por qué. La única respuesta que puedo dar es mi respuesta. El lugar donde vivía de chico, donde tengo mis memorias más felices, desapareció. Todo lo que queda es una vieja planta química. Me dí cuenta de que nunca iba a poder volver atrás, recuperar esa felicidad. Entonces está este vacío. Para mi Joy Division era acerca de la muerte de mi comunidad y de mi infancia. Era completamente irrecuperable». El 9 de junio Joy Division tocó junto con otras bandas en la apertura del club The Factory de Tony Wilson. El artista Peter Saville diseñó el póster del evento que fue conocido como FAC 1!! Poco después Tony Wilson funda el sello discográfico Factory que en diciembre de ese año edita el EP A Factory Sample, un compilado de las bandas del sello entre las que estaban Durruti Column, John Dowie y Cabaret Voltaire. Joy Division participó con los temas Glass y Digital. El 27 de diciembre hicieron su primera actuación en Londres, en el Hope And Anchor de Islington frente a alrededor de 30 personas. Este fue, además, el primer concierto por el que cobraron entrada.

1979 El 14 de febrero de 1979 Joy Division toco en la BBC, donde grabaron varios temas para el conocido programa de John Peel -posteriormente sería conocido (y editado) como The 1st Peel Session. Esto les dio bastante publicidad y en marzo de ese mismo año tocaron como teloneros de The Cure en el Marquee de Londres. En abril de 1979 graban Unknown Pleasures, la producción fue de Martin Hannett y el diseño de la portada lo realizó Peter Saville. Ambos continuarían trabajando con Joy Division y, posteriormente, con New Order. El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. americana les ofreció un millón de dólares

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Joy Division para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda. El 31 de agosto de 1979 reunieron a 1200 personas en el Electric Ballroom, Londres. La mayor audiencia que tuvo la banda. El 15 de septiembre aparecieron en la televisión en el programa Something Else de la BBC -antes habían aparecido un par de veces en Granada TV-. Los violentos movimientos del cantante durante Transmission y She's lost Control impresionaron a la audiencia. Pronto llamarían la atención por otras razones. Curtis sufría de epilepsia y con frecuencia tenía convulsiones, espasmos y hasta pérdida del conocimiento. El 26 de noviembre grabaron por segunda vez con John Peel -The 2nd Peel Session-. Una de las canciones era Love will tear us apart que pronto se convirtió en un clásico de la banda y una de las más conocidas canciones «no grabadas» de Inglaterra: hasta el 10 de abril de 1980 en que fue editada como single, solo era posible oírla en los conciertos. En diciembre iniciaron una breve gira por Europa que se prolongó hasta enero y durante el cual terminó el affaire de Ian con Annick Honore que había empezado un par de meses antes. De esta gira es famoso el concierto en el club Paradiso de Amsterdam. No sólo porque en el tocaron dos sets consecutivos con un total de 17 canciones, sino también por ser otro de los bootlegs más famosos de la banda. En marzo del '80 la revista Sordine Sentimental editó un disco de siete pulgadas llamado Licht Und Blindheit, se editaron 1578 discos numerados sin silencios entre las canciones. Fue una producción de Martin Hannett que incluyó Dead Souls y Atmosphere -otro clásico- que Joy Division había grabado en octubre del año anterior.

1980 En marzo grabaron el material de su segundo disco, Closer y el single Love Will Tear Us Apart. El tratamiento médico de Curtis no ayudaba y su condición general parecía agravarse a medida que la agenda de la banda aumentaba. Sus ataques continuaban, incluso en escena. Durante un concierto como teloneros de los Stranglers perdió el control de sí mismo y derribó la batería. Tres días después intentó suicidarse con una sobredosis de fenobarbital. La noche siguiente debió ser reemplazado en el concierto del Derby Hall, Bury. La gente, que esperaba a Curtis, comenzó un verdadero caos donde no faltaron golpes y botellas volando. Curtis vio todo entre bastidores y no pudo dejar de sentirse responsable. El dos de mayo Joy Division dio su último concierto en Birmingham. Este concierto, la única vez que tocaron Ceremony, aparecería luego en el disco doble Still. Dos semanas después, iban a partir a Estados Unidos para hacer su primer tour en ese país. En la mañana del domingo 18 de mayo de 1980 Curtis estaba viendo el filme Stroszek, al terminar el filme puso el disco The Idiot, de → Iggy Pop y tras escribir una nota a su esposa se ahorcó en la cocina de su casa, con una cuerda de tender la ropa. Dos meses después Love Will Tear Us Apart alcanzó el Top 20 de los charts británicos mientras que Closer llegó al Top 10. Cuando parecía que eso era todo y que la carrera de la banda estaba terminada; Sumner, Hook y Morris formaron New Order. El grupo continuaría el camino de Joy Division, incorporando otros ritmos, ampliando su horizonte de experimentación pero manteniendo siempre su independencia y calidad. No puede negarse la influencia de Curtis en este cambio de dirección. «Ian solía hacernos escuchar los álbumes de Kraftwerk

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Joy Division diciendo 'escuchen esto, es algo nuevo, algo fantástico'. Tal vez él sabía y nos estaba mostrando el camino», recordó Sumner en una entrevista de Paul Morley.

Estilo musical A Joy Division les tomó tiempo desarrollar su propio sonido.Como Warsaw, la banda practicaba una "forma inclasificable de hard rock con toques punk". El crítico Simon Reynolds aseguraba que "la originalidad de Joy Division se ponía de manifiesto cuando las canciones se volvían más lentas". La música del grupo adoptó un tono "desparramado"; según Reynolds "el bajo de Peter Hook llevaba la melodía, la guitarra de Bernard Sumner rellenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Stephen Morris parecía rodear el borde de un cráter". Sumner describió el sonido característico de la banda en 1994: "Salió de forma natural, yo más con el ritmo y Hooky más con la melodía. Él solía tocar fuerte el bajo porque a mi me gustaba el sonido distorsionado de la guitarra, y el amplificador que yo tenía sólo funcionaba con el volumen a tope. Cuando Hooky tocaba suave no podía oirse a sí mismo. Steve tiene su propio estilo de tocar, es diferente a otros baterías". Con el tiempo, Ian Curtis empezó a cantar con voz suave de barítono, a menudo comparable a la de → Jim Morrison de → The Doors, una de las bandas preferidas de Curtis. Sumner ejercía como jefe musical no oficial de la banda, como después en New Order. Mientras que Sumner era el guitarrista principal, Curtis sólo tocó la guitarra en unas pocas grabaciones y conciertos. Curtis odiaba tocarla, pero los otros insistían en que lo hiciera. Sumner dijo:"tocaba de una forma estrambótica pero era lo que nos gustaba, porque nadie más que Ian tocaba de aquella manera". Durante la grabación de Closer , Sumner empezó a utilizar sintetizadores hechos por él mismo y Hook usaba un bajo de seis cuerdas para reforzar la melodía. El productor Martin Hannett se "dedicó a capturar e intensificar el halo tétrico de Joy Division". Hannett creía que el punk rock era sonoramente conservador por su rechazo a utilizar tecnologías de estudio para crear espacio sonoro. El productor se propuso crear un sonido más desarrollado para los discos del grupo. Hannett decía : "(Joy Division) Eran un regalo para un productor, porque no seguían directrices, ni argumentos". Hannett separó y limpió desde su mesa los sonidos de los diferentes instrumentos, incluso las distintas partes de la batería de Morris.

Legado A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80". El oscuro y tenebroso sonido del grupo, que Martin Hannett describió en 1979 como "música de baile con sobretonos góticos", presagiaba el nombre del género gothic rock. Mientras en la música de finales de los 70 el término "gothic" describía originalmente una "atmósfera opresiva",el término fue pronto aplicado a grupos específicos como Bauhaus que siguieron mal que bien la estela de Joy Division. Generalmente éste tipo de bandas adoptaron "lineas de bajo potentes que tomaban un papel importante en la melodía" y "voces propias de la ópera, teutónicas y profundas al imitar a Jim Morrison ó Ian Curtis".

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Joy Division La evolución musical de Joy Division durante los pocos años que duró la banda, aunque paralela a la de otros grupos contemporáneos (The Fall, Magazine, etc.) es clave para entender lo que sucedería durante los años ochenta. Pasaron del punk al post-punk y, ya en "Closer" a un proto-tecno que podemos reconocer luego en bandas como Depeche Mode, Human League, y otras. La segunda mitad de "Decades", el último tema de "Closer", entierra definitivamente toda relación con el punk y anticipa el sonido de New Order. Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors. Bono, el cantante de U2 ha dejado claro que su grupo siente veneración por Joy Division. En su autobiografía de 2006, U2 by U2 cuenta que " sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que el de Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron como la nube más negra que puedas encontrar en el cielo. Percibí esa búsqueda de un Dios, ó luz, ó una razón de ser. Notas que para él la belleza era verdad y la verdad, belleza y lo suyo era buscar ambas". Artistas como Moby ó → John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers han declarado su estima por la música de Joy Division y la influencia que ha tenido en su trabajo. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.

Discografía • • • • • • • • • • •

Unknown Pleasures, 1979. Closer, 1980. Still, 1981 — recopilación. Substance, 1988 — recopilación. The Peel Sessions, 1990 — recopilación. Warsaw, 1994. Permanent, 1995 — recopilación. Heart & Soul, 1997 — recopilación. The Factory, Manchester 13 July 1979, en vivo. Les Bains Douches 18 December 1979, en vivo. Preston Warehouse 28 February 1980, en vivo.

Sencillos y EP • • • • • • • • • •

An Ideal for Living, 1978. Transmission, 1979. Licht und Blindheit, 1980. Komakino, 1980. Love Will Tear Us Apart, 1980. Atmosphere/She's Lost Control, 1980. The First Peel Session, 1986. The Second Peel Session, 1987. Atmosphere, 1988. Love Will Tear Us Apart, 1995.

Hay, además, una gran cantidad de ediciones "bootleg" (no oficiales), tanto en vivo como en estudio.

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Joy Division

Películas Control. Del director Anton Corbijn Basada en la biografía escrita por la viuda de Ian Curtis, "Touching From a Distance"-Deborah Curtis - 2005 cuenta la historia de Ian desde 1973 hasta su muerte. Esta rodada íntegramente en blanco y negro. [3] 24 Hour Party People de Michael Winterbottom Control de Anton Corbijn.

Video • Here Are the Young Men • Love Will Tear Us Apart • Atmosphere

Véase también • New Order • Revenge • The Other Two • Electronic

Enlaces externos Commons • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Joy Division. • Joy Division Fans Club [4] – biografías, discografía detallada, equipamiento, etc. • Joy Division Central [5] • Joy Division - The Eternal [6] • World in Motion [7] – biografías, discografía, etc, además de información detallada acerca de grupos musicales relacionados. • Incubation [8] – Discografía detallada de Joy Division y artículos de prensa.

Referencias [1] Crítica (http:/ / www. mp3. com/ albums/ 290465/ reviews. html) de Thom Jurek sobre el disco «Heart and Soul» de Joy Division en mp3.com [2] Nombre del grupo (http:/ / www. youtube. com/ watch?v=iG3SGm4GQ20) Mauro Entrialgo, experto en nombres comerciales en Paramount Comedy [3] [4] [5] [6] [7] [8]

http:/ / www. controlthemovie. com/ http:/ / www. iancurtis. org/ http:/ / www. joydiv. org/ http:/ / www. enkiri. com/ joy/ joy_division. html http:/ / www. worldinmotion. net/ joydivision. htm http:/ / www. incubation. ch

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Ian Curtis

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Ian Curtis Ian Curtis

Información personal Nombre

Ian Kevin Curtis

Nacimiento

15 de julio de 1956 Old Trafford, Manchester, Inglaterra

Muerte

18 de mayo de 1980 Macclesfield, Inglaterra (23 años)

Ocupación(es)

Músico, compositor Información artística

Género

Post-punk

Instrumento(s)

Voz, guitarra

Artistas relacionados

→ Joy Division

Ian Kevin Curtis (* Manchester, 15 de julio de 1956 - † 18 de mayo de 1980) fue un cantautor nacido en Manchester (Inglaterra). Curtis se crió en Hurdsfield (en el extrarradio de Macclesfield), pero vivió la mayor parte de su vida adulta en Macclesfield donde asistió al instituto The King's School. Fue el cantante y compositor del grupo → Joy Division, del cual fue el cofundador en 1977 en la ciudad de Manchester. Por su legado musical, su enfermedad, la forma convulsiva de bailar, sus letras depresivas y suicidas y su final está considerado como uno de los principales "Poetas Malditos" de la Historia del Rock.

Biografía Curtis nació en Old Trafford, Manchester, en 1956. Creció en el área de Hurdsfield, Macclesfield. Desde joven mostró talento como poeta. A pesar de que consiguió ir a The King's School, Curtis nunca tuvo éxito académico. A medida que se hizo mayor, sus ambiciones y esperanzas se fueron centrando en la literatura, y finalmente culminaron en la música. El 23 de agosto de 1975 se casó con Deborah Woodruffe y cuatro años más tarde tuvieron a su única hija, Natalie. Curtis conoció a → Bernard Sumner y → Peter Hook cuando asistían a un concierto de los Sex Pistols. Ellos le comentaron el hecho de que estaban intentando formar una banda, y él inmediatamente se unió al proyecto liderándolo como vocalista y letrista. Entre los tres buscaron un batería y, tras un largo proceso de selección, → Stephen Morris se unió a la banda. Por aquel entonces el grupo tenía el nombre de Warsaw.

Ian Curtis Mientras actuaba con Joy Division, Curtis desarrolló un estilo de baile muy personal reminiscente de los ataques epilépticos que sufría, a veces incluso en el escenario. La similitud era tanta que el público llegaba a dudar si lo que estaba presenciando era parte de la actuación o un verdadero ataque. A veces se desmayaba y tenían que ayudarlo a bajar del escenario, ya que su salud iba empeorando debido al gran número de conciertos que el grupo daba. Ian era un hombre bastante reflexivo, todo un poeta, y lo demostraba en sus letras, en canciones como She's Lost Control (que habla acerca de una chica que fue a pedir empleo en el lugar que el trabajaba y que sufrió un ataque epileptico, días más tarde él se comunicó con la familia de la chica y supo de la muerte de la misma, cosa que le afectó mucho). Es notable el tono depresivo y seco de las letras de sus composiciones, presente en canciones como Disorder, The day of the lords, Love will tear us apart y más. Estos temas llevaron a los fans, e incluso a su propia esposa, Deborah, a creer que estaba cantando sobre su propia vida. Curtis una vez comentó en una entrevista que escribía sobre "las diferentes formas que la gente tenía para superar ciertos problemas y como lo hacían para adaptarse". Su voz de barítono le hacía parecer mucho más entrado en años de lo que realmente era (23 años en el momento de su muerte) e impregnaba de oscuridad las canciones de Joy Division. Sus influencias principales fueron los escritores William Burroughs y J.G. Ballard (hay dos títulos de canciones que hacen referencia a estos autores, "Interzone" y "Atrocity Exhibition"), y los cantantes → Jim Morrison, → Iggy Pop y David Bowie. El último concierto en que Curtis participó fue el mismo mes que murió, e incluyó la primera y última puesta en escena de la canción "Ceremony", que más tarde sería versionada por New Order. La última canción que Curtis cantó en público fue "Digital". Los efectos de la epilepsia y sus problemas personales, como el repentino divorcio, fueron algunas de las causas que contribuyeron a su suicidio, cuando se quitó la vida a la edad de 23 años. La noche que murió, días antes que el grupo fuera a iniciar su primera gira en los Estados Unidos, estuvo viendo una de sus películas preferidas, Stroszek, de Werner Herzog, una película en la cual un artista atormentado se suicida. Más tarde se colgó en la cocina mientras escuchaba el disco "The Idiot" de Iggy Pop, lo cual continua generando especulaciones sobre cuál fue su verdadera razón para suicidarse. Algunos críticos creen que sencillamente deseaba morir joven, cumpliendo con el mito de la estrella de rock'n'roll que muere joven. Curtis fue incinerado y sus cenizas enterradas en Macclesfield, con la inscripción "Love will tear us apart" en su lápida. Este epitafio, escogido por Deborah Curtis, es el título de la canción más conocida de Joy Division. "Closer", el segundo álbum de Joy Division se lanzó de forma póstuma en 1980, 2 meses después del suicidio de Curtis.

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Ian Curtis

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Legado El legado musical de Curtis es un tesoro inigualable para la música. Tanto su imagen como su estilo de actuar sobre el escenario, han sido imitados por algunos artistas posteriores a él. Bandas como Interpol, Elefant o Editors son unas de las muchas influenciadas por el trabajo de Curtis.

Enlaces externos • Control - la película sobre Ian Curtis [1] • Videos de Ian Curtis y Joy Division [2] • Discografía de Joy Division [8]

Referencias [1] http:/ / www. controlthemovie. com [2] http:/ / cancion. info/ 0/ tag/ ian+ curtis. html

Bernard Sumner Bernard Sumner

Información personal Nombre

Bernard Sumner

Nacimiento

4 de enero de 1957

Origen

Salford, Inglaterra (Reino Unido)

Ocupación(es)

Guitarrista, teclista, cantante, percusionista Información artística

Género

Post punk, Rock alternativo, Música electrónica

Instrumento(s)

Guitarra, voz, teclados, percusión

Período de actividad

1977 - presente

Artistas relacionados

→ Joy Division

New Order Electronic

Bernard Sumner (nacido, el 4 de enero de 1956 en Salford, Inglaterra) es un músico británico, principalmente conocido por ser el guitarrista y teclista de → Joy Division y el guitarrista y vocalista de New Order.

Bernard Sumner

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Sumner fue artífice del inicio de la banda surgida de Manchester, → Joy Division, junto a → Ian Curtis, → Peter Hook, y → Stephen Morris. Después del suicidio de Ian Curtis, cantante de → Joy Division, Sumner formó New Order con sus ex compañeros de → Joy Division, e incluyó en su formación a Gillian Gilbert (más tarde esposa de → Stephen Morris). Con este grupo Sumner creó el sencillo de dos caras más vendido de la historia, Blue monday, que generaría grandes ingresos para New Order, parte de los cuales Bernard Sumner destinó a su discográfica, Factory Records. En 2006, New Order lanzó su más reciente trabajo titulado Waiting for the siren's call, que incluye el sencillo Krafty. Junto al guitarrista de The Smiths, Johnny Marr, formó durante los años 1990 la banda Electronic.

Peter Hook Peter Hook

Peter Hook tocando el bajo con Joy Division en Preston, Inglaterra Información personal Nombre

Peter Hook

Nacimiento

13 de febrero de 1956

Origen

Salford, Lancashire, Inglaterra

Ocupación(es)

músico, disc jockey Información artística

Alias

Hooky

Género

Punk, New Wave, Synthpop, Post-Punk, Electrónica

Instrumento(s)

Bajo

Período de actividad

1976 -

Discográfica(s)

Factory, London

Artistas relacionados

→ Joy Division, New Order, Revenge, The Durutti Column,

Monaco

Peter Hook nació el 13 de febrero de 1956 en Salford, Lancashire. Fue el bajista y cofundador de → Joy Division y de New Order. Su sonido es parte fundamental del sonido de New Order. Peter Hook ha tenido también proyectos alternativos a New Order, tales como Monaco y Revenge. También trabajó como productor de Inspiral Carpets y de The Stone Roses. Peter jamás uso un bajo Rickenbacker original, sino una réplica[1] marca Hondo.

Peter Hook

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Recientemente ha participado en giras por varios países como DJ, se especializa en usar los discos premezclados por otros artistas que vienen incluidos gratuitamente en la revista Mixmag.

Referencias [1] http:/ / www. joydiv. org/ eqpt. htm/

Stephen Morris Stephen Morris Información personal Nacimiento

1957 de octubre de 28 Información artística New Order → Joy Division The Other Two Bad Lieutenant

Artistas relacionados

Stephen Morris (nacido el 28 de octubre de 1957 en Macclesfield, Cheshire, Inglaterra) es un músico de Manchester que toca en una banda de rock, New Order. Fue elegido baterista del grupo → Joy Division, tras un largo proceso de selección. Brotherdale, el baterista anterior de → Joy Division, fué despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el auto aceleró y se fue sin el. Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes. Tras la muerte de → Ian Curtis en 1980, Stephen permaneció en el grupo que paso a llamarse New Order.

Enlaces externos • pequeña biografía en JoyDiv.org

Referencias [1] http:/ / www. joydiv. org/ members. htm

[1]

(en inglés)

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Jethro Tull Jethro Tull Jethro Tull

Información personal Origen

Blackpool (Inglaterra, Reino Unido)

Estado

En activo Información artística

Género

Rock progresivo, folk rock, hard rock y rock sinfónico

Período de actividad

1968 – hasta la actualidad

Discográfica(s)

Chrysalis Web

Sitio web

www.j-tull.com Miembros

[1]

Jethro Tull

207 actuales: → Ian Anderson → Martin Barre → Doane Perry → Andrew Giddings → Jonathan Noyce

anteriores: Mick Abrahams Clive Bunker Glenn Cornick Jeffrey Hammond-Hammond Barriemore Barlow John Evan John Glascock (†) Mark Craney (†) Gerry Conway Dave Mattacks Dave Pegg David Palmer (Dee Palmer) Eddie Jobson Peter-John Vettese → Don Airey Maartin Allcock durante corto tiempo: Tony Iommi Davy O'List Paul Burgess Tony Williams Matthew Pegg Steve Bailey colaboradores esporádicos: → Phil Collins

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder → Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó en 1968 y que ha trabajado de forma ininterrumpida siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo en actividad. Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes.[2] Siempre ha sido liderado por el flautista escocés → Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y sólo el guitarrista → Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Jethro Tull

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Estilo Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de → Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de → Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson. Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por → Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.

Historia Inicios (1962-1968) Buscar vídeos de Jethro Tull 1968

[3]

La primera banda de Ian Anderson se llamó The Blades y fue fundada en 1963.[4] Hacia 1966 se había transformado en un grupo de soul, que pasó a llamarse The John Evan Band (más tarde, The John Evan Smash),[4] denominado en honor a su pianista, John Evans, que había quitado la s final de su apellido para que resultase menos ordinario. Barriemore Barlow era el batería inicial de dicha banda, como posteriormente lo volvería a ser, ya dentro de Jethro Tull, desde 1971. Sin embargo, tras trasladarse a Londres, la mayor parte del grupo abandonó la formación, por lo que Anderson y el bajista Glenn Cornick se unieron al guitarrista de blues Mick Abrahams y a su amigo, el batería Clive Bunker, ambos miembros de la banda McGregor's Engine. Nombre El nombre de la banda deriva del nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra. No tiene ninguna relacion particular con el grupo, y sólo era un nombre más en una lista de nombres que tenía su agente. En un principio tuvieron problemas para encontrar locales donde tocar, por lo que cambiaron de nombre frecuentemente, con el fin de seguir tocando en los clubes de Londres. Dichos nombres los elegían los distintos agentes que concertaban sus actuaciones, uno de los cuales, aficionado a la historia, los bautizó como Jethro Tull, en honor a un inventor agrícola que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera. La banda siguió usando este nombre sólo porque fue el que usaron la primera

Jethro Tull

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vez que el encargado de un club los invitó a tocar en el mismo nuevamente. El primer álbum: This Was (1968) Grabaron un single que tuvo poco éxito (una canción pop escrita por Abrahams llamada "Sunshine Day",[4] en el que el nombre de la banda apareció escrito erróneamente como Jethro Toe, convirtiéndose en un ítem de coleccionistas). Su álbum de debut fue This Was en 1968.

El auténtico Jethro Tull, agrónomo e inventor inglés

Su formación estuvo integrada por → Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por → Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde

entonces. Con su versión de la pieza de jazz de Rahsaan Roland Kirk "Serenade to a Cuckoo" ( Buscar vídeos [5]), Anderson empezó a demostrar su talento como flautista. Tras este álbum, debido a la competitividad en el liderazgo de la banda con → Ian Anderson, Abrahams dejó al grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig[4] ( Buscar vídeos [6]). Existieron además otras razones que llevaron a su salida: Abrahams era un purista del blues, mientras que Anderson deseaba tocar también otros tipos de músicas; en segundo lugar, Abrahams y Cornick no se llevaban bien, y, por último, Abrahams no quería viajar al extranjero ni tocar más de tres noches por semana, mientras que los otros deseaban alcanzar el éxito tocando lo más frecuentemente posible y lograr una nutrida base de fans internacional. Anderson eligió reemplazarlo por Tony Iommi (más tarde de Black Sabbath). Iommi, sin embargo, no se sintió cómodo y abandonó tras unas pocas semanas, aunque aceptó tocar en la aparición de la banda en la película musical de los Rolling Stones The Rolling Stones Rock And Roll Circus ( Buscar vídeo [7]). Iommi fue reemplazado por un ex miembro de Motivation, Penny Peeps y Gethsemane llamado → Martin Barre, que impresionó a Anderson más que nada por su persistencia, ya que, en su primera audición, estaba tan nervioso que apenas podía tocar, y, en una segunda audición posterior, apareció sin el cable para conectar su guitarra al amplificador. A pesar de esto, Barre se convertiría en el segundo miembro más estable después de Anderson (en la actualidad aún sigue en la banda) y en uno de los guitarristas de rock de mayor prestigio. En 1968 el grupo encabezaría los festivales de Reading y Leeds, oficialmente llamados Carling Weekend, junto con The Nice y T. Rex.

Jethro Tull

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Rock progresivo (1969-1976): la primera edad dorada Buscar vídeos de Jethro Tull 1969

[8]

- 1970

[9]

- 1971

[10]

- 1972

[11]

- 1973

[12]

- 1974

[13]

- 1975

[14]

- 1976

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Stand Up (1969) La nueva formación publicó Stand Up en 1969, el único álbum de la banda en llegar al primer puesto en ventas en el Reino Unido.[4] Escrito íntegramente por Anderson (con la excepción de "Bourée" ( ée&search=Search Buscar vídeos [16]), de Johann Sebastian Bach, cuya versión en esta obra adquiere toques jazzísticos), el álbum presentaba una variedad mayor que el anterior: no sólo había piezas de blues, sino elementos de jazz y folk, con toques innovadores y rockeros, aunque sin llegar a parecerse al rock progresivo que estaba surgiendo en esa época con bandas como King Crimson, The Nice y Yes. El single "Living in the Past", del mismo año, comenzó una serie de singles exitosos que duró hasta los años ochenta. Aunque inspirado en "Take Five", del músico de jazz Paul Desmond, "Living in the Past" es una composición mucho más cercana al rock que al jazz, tendencia hacia la que se orientó definitivamente la banda. En diciembre de 1969, graban "Witch's Promise" ( Buscar vídeos [17]), el primer single grabado en estéreo de la historia de la música (el primer LP completo había sido Sgt. Pepper's, de los Beatles). Benefit (1970) En 1970, se reincorporó a la agrupación el teclista John Evan (aunque, técnicamente, durante esa etapa sólo era un músico invitado), con quien la banda grabó Benefit, que presenta una continuidad de estilo con el álbum anterior y que es deudor tanto de unas innovadoras técnicas de grabación de estudio como de las habilidades compositivas de la banda. Este álbum suele dividir la opinión de los oyentes. Cornick dejó la banda tras la grabación de Benefit,[4] y fue reemplazado por Jeffrey Hammond (también conocido como Jeffrey Hammond-Hammond), amigo de la infancia de Anderson a cuyo nombre hacen referencia las canciones "A Song for Jeffrey" ( Buscar [18] vídeos , "Jeffrey Goes to Leicester Square" y "For Michael Collins, Jeffrey, and Me". Fue el mismo Anderson el que enseñó a tocar el bajo a su amigo para que se incorporase a la banda. En 1970 participaron también en el histórico concierto de la Isla de Wight (Inglaterra), junto con otros grupos y músicos que también harían historia en en el mundo del rock ( Buscar vídeos [19]).

Jethro Tull El gran éxito: Aqualung (1971) Esta alineación lanzó la obra más universal de Jethro Tull, Aqualung, en 1971 ( Buscar vídeos [20]). Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones —como el tema "Wond'ring Aloud" ( Buscar vídeos [21])— sobre lo insulso de la vida diaria. Aqualung es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y "Locomotive Breath" se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El álbum fue incluido en la posición 337 de la lista que, en 2003 la revista Rolling Stone hizo de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".[22] Las letras de Anderson expresaban en el álbum opiniones críticas sobre la religión y la sociedad. El → Ian Anderson, en Milán, en 2006. personaje principal de "Aqualung" es un mendigo alcohólico, sin techo y, para más inri, pedófilo; mientras que "Cross-Eyed Mary" (María la Bizca) es una prostituta menor de edad ( Buscar vídeos [23] ). "My God" (impresionante en su solo de flauta) es un ataque directo a la Iglesia de Inglaterra. En la cubierta, la polémica frase "En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas", está inspirada en la filosofía de Feuerbach. Algunas partes de este disco (así como, posteriormente, de Thick as a Brick) fueron censuradas en España durante la dictadura de Francisco Franco.[24] [25] El baterista Clive Bunker fue reemplazado por Barriemore Barlow a principios de 1971[4] (primero grabó con la banda el EP Life is a Long Song y apareció por primera vez en un LP de la banda en Thick as a Brick, en 1972). Thick as a Brick (1972) o la apoteosis creativa Thick as a Brick (1972), considerado el mejor LP de la banda, es un álbum conceptual, consistente en una única y larga canción dividida en dos partes (una por cada cara del vinilo), compuesto por una serie de movimientos sin solución de continuidad y con una serie de leitmotivs que se repiten y dan unidad al conjunto. El primer movimiento, con su distintivo riff de guitarra acústica, fue relativamente difundido en las emisoras de rock en su momento, y de vez en cuando se puede escuchar en las emisoras de rock clásico actuales. Thick as a Brick fue el primer álbum de Jethro Tull en llegar al primer puesto en la lista de Billboard de Estados Unidos[4] (el álbum del siguiente año, A Passion Play fue el otro; las canciones de ambos álbumes superaban los 40 minutos de duración). Con este álbum, mezcla de música medieval y rock, los Jethro Tull llegan al culmen de su virtuosismo instrumental. El quinteto que aparece en este álbum fue una de las alineaciones más duraderas de Jethro Tull, que perduró hasta 1975.

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Living in the Past (1972) También en 1972 se publicó Living in the Past, álbum doble que compila singles, caras B y outtakes (incluyendo el EP Life is a Long Song entero, que cierra el álbum), con una cara entera grabada en vivo en 1970 en el Carnegie Hall de Nueva York. En relación con las canciones grabadas en estudio que incluye, muchos fans lo consideran una de las mejores obras del grupo. El tema que da título al LP es uno de los singles más conocidos de Jethro Tull.

Los → Jethro Tull en el Hessentag de Butzbach (Alemania), en 2007.

A Passion Play (1973) En 1973, la banda intentó grabar un álbum doble (desde un exilio autoimpuesto fuera de Gran Bretaña, para ahorrar impuestos) en el Chateau d'Herouville (algo que muchos músicos, como los Rolling Stones y Elton John acostumbraban a hacer en esa época), pero no contentos con la calidad del estudio de grabación, lo abandonaron, junto con el proyecto; más tarde se burlarían del mismo llamándolo "Chateau d'Isaster" (estas canciones fueron lanzadas más tarde en el disco de recopilación Nightcap, de 1993). En cambio, aprovechando algunas de estas grabaciones, editaron inmediatamente A Passion Play, otro álbum conceptual de una sola canción con letras muy alegóricas. Tras varios años de creciente popularidad, A Passion Play se vendió bien, pero en general recibió críticas desfavorables por parte de la crítica especializada. Hasta este momento, → Ian Anderson había mantenido una relación amistosa con la prensa, pero desde este álbum la misma desapareció, aunque la banda siguió siendo popular entre el público. Tras este álbum, se difundió el rumor de que la banda se separaba. War Child (1974) War Child, un álbum publicado en 1974 y que originalmente iba a ser la banda de una película que se grabaría en Suiza, llegó al segundo puesto en la lista de Billboard y recibió opiniones favorables por parte de la crítica. En él se incluyó el hit "Bungle in the Jungle". También estaba incluida en el álbum una canción, "Only Solitaire", dedicada supuestamente al crítico del L.A. Times Robert Hilburn, uno de los críticos musicales más duros con Anderson.

Jethro Tull Minstrel in the Gallery (1975): el genial trovador En 1975 la banda editó el magistral Minstrel in the Gallery, un álbum que se asemejaba a Aqualung en el hecho de que contrastaba hábilmente canciones suaves, basadas en el uso de suaves guitarras acústicas, con piezas más largas y duras en las que sobresalía la guitarra eléctrica de → Barre. Esta obra provocó reacciones dispares entre los críticos, pero el álbum se convirtió en uno de los más adorados por los fans de la agrupación, aunque no haya sido tan exitoso en ventas. Tras este álbum, el bajista Jeffrey Hammond-Hammond dejó la banda, y fue reemplazado por John Glascock. Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! (1976): nunca demasiado viejos En 1976 salió a la venta Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!, otro álbum conceptual, esta vez sobre la vida de un rockero que se sentía envejecer. Anderson, afectado por las críticas (en especial las que había recibido anteriormente por A Passion Play), respondió con letras aún más duras. La prensa se preguntó si la canción titular era autobiográfica, algo que Anderson negó. Sus actuaciones en vivo Desde principios de los setenta, los Tull habían pasado de ser un grupo de rock progresivo a una de las bandas más populares y espectaculares en vivo en todo el mundo. En sus conciertos, la banda era reconocida por su teatralidad y sus largos medleys con pequeños interludios instrumentales. Mientras que el Jethro Tull temprano mostraba a un maniático y gesticulante → Anderson con largo pelo y barba, vestido con ropa harapienta, cuando la banda comenzó a volverse popular comenzó a utilizar disfraces diversos. Los otros miembros hicieron lo mismo, con Jeffrey Hammond-Hammond vistiéndose con un traje de rayas diagonales blancas y negras, John Evan vestido siempre con un traje blanco, etc. Los shows en vivo también se caracterizaban por interludios interactivos que incluían llamadas telefónicas en el escenario, pequeños films, y performances como la del cuento infantil "The Story of the Hare Who Lost His Spectacles" (incluido en A Passion Play). A medida que la banda se orientaba hacia un estilo más estable a fines de los años setenta, también comenzaron hacer shows más tranquilos y menos extravagantes, aunque sus presentaciones aún incluían instrumentales ampulosos y los famosos globos gigantes que Anderson hacía rebotar sobre su cabeza antes de lanzarlos volando al público.

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Folk rock (1977-1979): la segunda edad dorada Buscar vídeos de Jethro Tull 1977

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La banda cerró la década con una trilogía de álbumes geniales, con influencias de folk rock: Songs from the Wood, Heavy Horses y Stormwatch. Songs from the Wood, inspirado totalmente en el folk medieval inglés, fue el primer álbum de Jethro Tull en recibir críticas unánimes positivas desde la época de Benefit y Living in the Past. Heavy Horses siguió la misma línea y recibió numerosos premios. Jethro Tull ya habían colaborado

→ Ian Anderson, en Milán (2006).

con la banda de folk rock Steeleye Span durante años. Aunque no solían ser considerados como parte del movimiento folk rock (que había surgido casi una década antes con bandas como Fairport Convention), había un claro intercambio de ideas entre los Tull y otras bandas de folk. Además, en esta época Anderson se había mudado a una granja en zona rural, y su nuevo estilo de vida quedó claramente reflejado en estos álbumes. La banda siguió haciendo giras, y lanzó un magistral álbum doble en vivo en 1978, titulado Bursting Out, que contenía impresionantes interpretaciones en vivo de la alineación que los fans consideran la era dorada de la banda. Destaca especialmente el solo de flauta que Anderson realiza en dicha obra. El álbum se adereza, además, con las típicas bromas que realiza Anderson al público y a la banda. La edición original en vinilo contenía tres canciones que no aparecieron en las ediciones iniciales en CD: dos solos de guitarra de → Martin Barre ("Quatrain" y "Conundrum") y una versión del exitoso single de 1969 "Sweet Dream". Estas canciones fueron agregadas de nuevo en la edición doble y remasterizada en CD que fue lanzada al mercado en el año 2004. En esta etapa, David Palmer, quien se había encargado de los arreglos de cuerdas para algunos álbumes anteriores del grupo, se unió formalmente al mismo, para encargarse principalmente de los teclados y de los arreglos orquestales. El 17 de noviembre de 1979 el bajista John Glascock falleció tras una intervención quirúrgica en el corazón mientras grababan el álbum Stormwatch, que tuvo que ser completado sin su presencia (Anderson tuvo que tocar el bajo en algunas canciones). Muchos críticos consideran a Stormwatch como el último gran álbum de Jethro Tull. En esa época, Anderson decidió grabar también su primer álbum como solista, Walk into Light.

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Songs from the Wood (1977) Songs from the Wood fue el décimo álbum del grupo, que presentaba una serie de finos y cuidadosos arreglos de tipo folk. El equilibrio de dulces melodías campestres inglesas con el sonido eléctrico de la guitarra de → Martin Barre, los arreglos orquestales y la delicadeza acústica de las flautas y guitarras del propio Anderson rozan la perfección. Fue el primero desde hacía mucho tiempo en recibir críticas positivas unánimes entre toda la crítica musical. La portada refleja a un campestre → Ian Anderson en pleno bosque. Heavy Horses (1978) Undécimo álbum de estudio de Jethro Tull en el que → Ian Anderson reivindica la pérdida progresiva del trabajo de los caballos en el campo sustituidos por tractores y artilugios mecánicos. Sigue la línea acústica de su anterior trabajo, aunque empiezan a volver a tomar relevancia los riffs eléctricos de → Martin Barre (por ejemplo, en "No Lullaby"). Bursting Out (1978) En ese período de tiempo se publicó el primer disco en directo del grupo, Bursting Out, en una época en que las nuevas corrientes musicales iban por otros derroteros de la mano de, por ejemplo, el punk. Stormwatch (1979) Con Stormwatch, el estilo cálido y acústico de Jethro Tull comenzaba levemente a cambiar dando origen a un sonido un poco más frío, aunque todavía dentro de la trilogía folkie mencionada más arriba. Tras la grabación de este LP, cambió la totalidad de los componentes del grupo, excepto → Ian Anderson y → Martin Barre.

Rock electrónico (1980-1984) y época de decadencia Buscar vídeos de Jethro Tull 1980

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Con la llegada de los años 80 comienza una etapa de decadencia en la música del grupo. Ante el giro hacia la música electrónica que → Anderson quería imprimir a la banda, la mayoría de sus miembros se separan, quedándose sólo Anderson con → Barre y teniendo que incorporar nuevos miembros que los sustituyeran. La inspiración del grupo queda notablemente mermada, porque, aunque el alma de la banda había sido Ian Anderson, las aportaciones que John Evan, David Palmer y Barriemore Barlow habían conferido a su música eran insustituibles. Con la marcha de estos miembros, se vio más claro que nunca que Jethro Tull había sido esos años no sólo → Ian Anderson, sino un auténtico grupo en el que la complementaridad de sus miembros aportaba una innegable riqueza musical.

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A (1980) Debido a presiones de Chrysalis Records, Anderson lanzó el que iba a ser su primer álbum como solista como uno de Jethro Tull en 1980. A (nombre que provenía de las etiquetas de las cintas, que se habían llamado simplemente A por Anderson), contaba con la presencia de Barre en la guitarra eléctrica, Dave Pegg (de Fairport Convention) en el bajo, y Mark Craney en la batería. El álbum tenía elementos marcadamente electrónicos, aportados por el teclista y violinista invitado Eddie Jobson (ex Roxy Music y UK). Ofrecía un sonido completamente distinto a todo lo que Jethro Tull había hecho con anterioridad, gracias al predominante uso de sintetizadores. Slipstream (1980) Los Tull grabaron en esa época un vídeo titulado

El guitarrista de Jethro Tull, → Martin Barre.

Slipstream, una película sobre su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en septiembre de 1980, con la formación de A. El estilo electrónico de ese álbum era aún más prominente en estas presentaciones en vivo y fue usado con un efecto muy llamativo en algunas de sus canciones más viejas como "Locomotive Breath". El sonido más reconocible de Jethro Tull se mostraba en una versión acústica de "Skating Away on the Thin Ice of the New Day", con Pegg a la mandolina. Slipstream, durante mucho tiempo una rareza en VHS, fue incluido en 2004 como DVD bonus en la versión digitalmente remasterizada de A. The Broadsword and the Beast (1982) Jobson y Craney abandonaron el grupo tras la gira de A y los Jethro Tull pasaron por un período en que hubo diversos baterías (entre ellos Gerry Conway y → Doane Perry). Peter-John Vettese reemplazó a Jobson en los teclados, y la banda retornó a un sonido más cercano al folk, pero aún con sintetizadores, en 1982, con el álbum conceptual The Broadsword and the Beast, con una estética en la portada cercana a El Señor de los Anillos, de Tolkien. 1981 había sido el primer año en que la banda no había editado ningún disco. → Ian Anderson por fin en solitario: Walk into Light (1983) El primer álbum como solista de Anderson finalmente vio la luz en 1983. Se tituló Walk into Light y contenía muchos elementos electrónicos, como en los álbumes de esa época de Jethro Tull. Al igual que con muchas otras experiencias solistas de Anderson y Barre, algunas de sus canciones eran tocadas más tarde en los shows de la banda. Under Wraps (1984) En 1984 la banda editó Under Wraps, otro álbum con una fuerte carga electrónica. Aunque la banda aparentemente quedó satisfecha con su sonido, el álbum no fue muy bien recibido, en especial en Estados Unidos, y, como resultado de diversos problemas de garganta que tuvo Anderson, los Tull interrumpieron su actividad durante tres años, situación que

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Anderson aprovechó para fundar un negocio altamente lucrativo de cría de salmones. A Classic Case (1985) En 1985 publicarían el único disco enteramente instrumental del grupo, grabado con la London Symphony Orchestra, dirigida por David Palmer. Original Masters (1985) En 1985 Crhysalis publicó un nuevo Grandes Éxitos del grupo, Original Masters, el tercero tras M.U. - The Best of Jethro Tull y Repeat - The Best of Jethro Tull - Vol II. Aunque fue editado en esa fecha, los temas son todos anteriores a 1977.

Hard rock (1987-1990): un tímido renacer Buscar vídeos de Jethro Tull 1987

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Crest of a Knave (1987) y el Grammy de 1989 El grupo retornó en 1987 con Crest of a Knave. Sin Vettese (Anderson se hizo cargo de los sintetizadores), y con la guitarra eléctrica de Barre como centro de atención, el álbum fue un éxito tanto de crítica como comercialmente, y ganó el premio Grammy de 1989 por The Best Hard Rock/Metal Performance (Mejor Performance de Hard Rock/Metal), derrotando, contra todo pronóstico, a los favoritos Metallica.

→ Ian Anderson y → Martin Barre (2006).

El premio fue particularmente controvertido, ya que muchos no consideran a Jethro Tull como una banda de hard rock, y mucho menos de heavy metal. El hecho adicional de que ésta fuera la primera ocasión en que se entregaba un Grammy de heavy metal fue visto como un insulto para los fanáticos del género. Tal vez como consecuencia de esto, desde entonces se entregaron Grammys para bandas de heavy metal y hard rock por separado. Por recomendación de su manager, ninguno de los integrantes del grupo había asistido a la ceremonia (parecía que no tenían posibilidades de ganar), afortunadamente para ellos, ya que apenas fueron anunciados como ganadores, parte de la audiencia abucheó el resultado. La banda, como consecuencia de las críticas, respondió lanzando un anuncio en una revista musical británica en el que se decía: "The flute is a heavy, metal instrument!". El estilo de Crest of a Knave ha sido comparado con el de Dire Straits, en parte porque Anderson había perdido gran parte de su registro vocal tras una complicada operación de garganta.

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Sin embargo y en retrospectiva, los aportes de Jethro Tull al surgimiento del heavy metal se pueden apreciar en sus primeros album, por tanto no es de extrañar que en algunas críticas figuren como precursores. 20 Years of Jethro Tull (1988) En 1988 se editó 20 Years of Jethro Tull, un álbum recopilatorio compuesto por 5 LPs (también lanzado en una versión de 2 LPs más corta, llamada 20 Years of Jethro Tull: Highlights, y posteriormente reeditado en 3 CDs, que estaba compuesto por outtakes de toda la historia de la banda, y de una gran variedad de versiones en vivo y de canciones remasterizadas digitalmente. Además, incluía un cuadernillo que detallaba la historia de la banda. Rock Island (1989) En 1989 publicaron Rock Island, álbum de similar estilo que Crest of a Knave, pero de inferior calidad. Durante la gira del mismo, se proyectaban siluetas de bailarinas durante la canción "Kissing Willie", y la proyección concluía con una imagen que bordeaba lo pornográfico. Otra canción del álbum llamada "Big Riff and Mando" reflejaba la vida de la banda de gira, y hacía referencia al robo de la mandolina de → Barre por parte de un apasionado fan.

Los años 90 Buscar vídeos de Jethro Tull 1991

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Durante la década siguiente, la banda lanzó una serie de álbumes menos influidos por el hard rock: Catfish Rising (1991), Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999), aunque este último puede considerarse como el iniciador de la siguiente etapa de los Jethro Tull. Catfish Rising (1991) Catfish Rising recoge influencias del blues y del folk estadounidense de ascendencia irlandesa. También se deja notar cierta influencia de los Dire Straits. A Little Light Music (1992) En 1992 apareció A Little Light Music, un álbum en vivo, acústico en su mayor parte, que tuvo una buena aceptación entre los fans por sus versiones de antiguas composiciones de la banda. Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999) Estos dos álbumes mostraron una mayor inspiración en el folk y en la world music, reflejando distintas influencias musicales recibidas tras décadas de giras por todo el mundo. En canciones como "Out of the Noise" (Roots to Branches) y "Hot Mango Flush" (J-Tull Dot Com), → Anderson describe vívidas imágenes de las calles del tercer mundo. Estos últimos álbumes reflejaban la aceptación, por parte de Anderson, del hecho de que ya era una vieja estrella del rock, con canciones como "Another Harry's Bar", "Wounded, Old and Treacherous" (ambas de Roots to Branches) y "Wicked Windows" (de J-Tull Dot Com),

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que trata sobre unas gafas para leer. En 1995 Anderson lanzó su segundo álbum como solista, Divinities: Twelve Dances with God, obra de doce piezas instrumentales que giran alrededor de su prodigiosa flauta. En 1996 salió al mercado un álbum de tributo a Jethro Tull titulado To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales‎. En él colaboraron antiguos miembros de Jethro Tull, así como otros artistas y grupos, entre los que caben destacar Keith Emerson, Tempest y Wolfstone.

La cuarta década de Jethro Tull (desde 1999 en adelante) Buscar vídeos de Jethro Tull 2000

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La última etapa puede caracterizarse por el lanzamiento periódico de discos por parejas: a cada disco de Jethro Tull le seguirá otro de → Ian Anderson en solitario de similares características. La etapa se inicia con la edición de dos discos de excepcional calidad: uno de Jethro Tull, J-Tull Dot Com (1999), y otro de → Ian Anderson, The Secret Language of Birds (2000), ambos relacionados en su estilo, que siguen mostrando influencias de la world music. Al comienzo del nuevo milenio, la voz de Anderson parecía haber recuperado parte de sus antiguos registros. En 2003 se editó The Jethro Tull Christmas Album, en el que la banda interpreta canciones tradicionales de Navidad, junto con composiciones originales de Jethro Tull sobre este tema. Algunas de estas canciones son totalmente nuevas y otras, como "A Christmas Song", ya habían sido grabadas en álbumes anteriores, aunque en éste se ofrecía una nueva versión. Este disco se vio acompañado por otro de → Ian Anderson en solitario, Rupi's Dance (2003), que mantiene las características de The Secret Language Of Birds, aunque sin alcanzar sus cotas de calidad. Sorprendentemente, también en 2003, el antiguo componente de la banda David Palmer, de 66 años, anunció que se había cambiado de sexo y que, a partir de entonces se llamaría Dee Palmer. La noticia sorprendió a los miembros de la banda y fue noticia mundial, pues nadie se esperaba que Palmer, casado, con hijos, que siempre había mostrado un aspecto barbudo y que había pertenecido a los Royal Horse Guards, hubiera deseado ser mujer desde hacía años. David Palmer esperó al fallecimiento de su mujer para dar dicho paso. En 2005 se editó un álbum doble en vivo y un DVD de Ian Anderson llamado Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull, al igual que un DVD de Jethro Tull titulado Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 y otro álbum en vivo titulado Aqualung Live (grabado durante el año 2004). El ex batería Mark Craney, componente de la formación entre 1980 y 1981, murió de diabetes y pneumonía el 26 de noviembre de 2005. Había padecido a lo largo de los años un largo historial de problemas de salud, con afecciones renales, cardíacas y parálisis; unos cuantos miembros del grupo (incluyendo a Anderson) ayudaron a Craney en el pago de sus elevadas facturas médicas, mediante su colaboración en el álbum Something with a Pulse. En la primera mitad de 2005, en un anuncio publicado en el sitio oficial del grupo, Anderson afirmaba que la banda no tenía planes de grabar nuevos discos de estudio en un

Jethro Tull futuro próximo y que quería dedicar su tiempo a tocar en vivo tanto con Jethro Tull como con su banda solista, los Rubbing Elbows. También indicó que le gustaría realizar esporádicas colaboraciones con otros músicos. En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).[55]

La censura sobre Jethro Tull España En España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo, el álbum Aqualung (1971) no fue publicado hasta 1976, y en una edición en la que la canción "Locomotive Breath" había sido censurada, siendo sustituida por "Glory Row". Esta última canción aparecería después en los demás países en recopilaciones o como bonus track. Esto convirtió a la edición española del álbum en una pieza muy apreciada para coleccionistas de otros países.[56] Una censura similar sufriría su siguiente álbum Thick as a Brick, que también quedó mutilado en algunos de sus temas. Igualmente en los años 70, durante una actuación en Barcelona, funcionarios de la censura se empeñaron en revisar sus ropajes medievales con mallas ajustadas. Sobre esta situación, → Ian Anderson ha bromeado en multitud de ocasiones pues, hasta ese momento, según él decía irónicamente, nunca se había considerado un "sex symbol" que pudiera excitar la libido de sus fans.[56]

Integrantes Formación actual • • • • •

→ → → → →

Ian Anderson - flauta, voz, guitarra, mandolina y harmónica (principal compositor) Martin Barre (desde 1969) - guitarra, flauta Doane Perry (desde 1984) - batería Andrew Giddings (desde 1991) - teclados Jonathan Noyce (desde 1995) - bajo

Miembros anteriores Bateristas • • • • • •

Clive Bunker (1968-1971) Barriemore Barlow (1971-1980) Mark Craney (1980-1981) (fallecido) Gerry Conway (1982, 1987) Paul Burgess (1982) (solo en giras) Dave Mattacks (1991-1992)

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Bajistas • • • • •

Jeffrey Hammond-Hammond (1970-1975) John Glascock (1975-1979) (fallecido) Glenn Cornick (1968-1970) Tony Williams (1978) (reemplazo temporal de Glascock) Dave Pegg (1979-1995) (bajo y mandolina)

Teclistas • John Evan (1970-1980) (teclados y órgano) • David Palmer (1976-1980) (actualmente Dee Palmer, después de su cambio de sexo) (teclados, órgano y dirección de orquesta) • Eddie Jobson (1980-1981) (teclados y violín) • Peter-John Vettese (1982-1985) (teclados y sintetizadores) • Maartin Allcock (1988-1992) Guitarristas • Mick Abrahams (1968) (guitarra y voz) • Tony Iommi (1968) (en el Rolling Stones' Rock and Roll Circus)

Formaciones de Jethro Tull 1967 - 1968

• • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, armónica, guitarra acústica, piano Mick Abrahams - guitarra eléctrica, voz Glenn Cornick - bajo Clive Bunker - batería, percusión

1968 - 1969

• → Ian Anderson - voz, flauta travesera, armónica, guitarra acústica, teclados, mandolina • → Martin Barre - guitarra eléctrica, flauta travesera • Glenn Cornick - bajo • Clive Bunker - batería, percusión

1969 - 1970

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica, voz Glenn Cornick - bajo, voz Clive Bunker - batería, percusión, voz John Evan - teclados, piano, voz

1970 - 1971

• • • • •

→ Ian Anderson-voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre-guitarra, flauta travesera, flauta dulce Jeffrey Hammond-bajo, flauta dulce, voz Clive Bunker-batería, percusión John Evan-teclados, piano

1971 - 1975

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, saxofón soprano → Martin Barre - guitarra eléctrica Jeffrey Hammond - bajo, voz Barriemore Barlow - batería, percusión John Evan - teclados, piano

1975 - 1976

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica John Glascock - bajo, voz Barriemore Barlow - batería, percusión John Evan - teclados, piano

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1976 - 1979

• • • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, tin whistle → Martin Barre - guitarra eléctrica John Glascock - bajo, voz Barriemore Barlow - batería, percusión John Evan - teclados, piano David Palmer - teclados, sintetizadores

1979 - 1980

• • • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo Barriemore Barlow - batería, percusión John Evan - teclados, piano David Palmer - teclados, sintetizadores

1980 - 1981

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo Mark Craney - batería Eddie Jobson - teclados, violín

1982 - 1984

• • • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo Gerry Conway - batería Paul Burgess - batería Peter-John Vettese - teclados

1984 - 1985

• • • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo Gerry Conway - batería → Doane Perry - batería Peter-John Vettese - teclados

1985 - 1987

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra eléctrica, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo Gerry Conway - batería → Doane Perry - batería

1987 - 1988

• • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, teclados → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo → Doane Perry - batería

1988 - 1991

• • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, armónica, mandolina → Martin Barre - guitarra eléctrica, mandolina Dave Pegg - bajo, mandolina → Doane Perry - batería Maartin Allcock - teclados, guitarra acústica

1991 - 1992

• • • • • • •

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo → Doane Perry - batería Dave Mattacks - batería Maartin Allcock - teclados → Andrew Giddings - teclados

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1992 - 1995

• • • • •

1995 - 2006

• → Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, mandolina, mandocello, armónica, flauta de bambú • • • •

2007 actualmente

→ Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, armónica → Martin Barre - guitarra eléctrica Dave Pegg - bajo → Doane Perry - batería → Andrew Giddings - teclados

→ → → →

Martin Barre - guitarra eléctrica Jonathan Noyce - bajo Doane Perry - batería Andrew Giddings - teclados

• → Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, mandolina, mandocello, armónica, flauta de bambú • • • •

→ Martin Barre / Florian Opahle - guitarra eléctrica David Goodier - bajo James Duncan / → Doane Perry - batería John O'Hara - teclados

Discografía principal de Jethro Tull • This Was (1968) ( Buscar videos: My Sunday Feeling [57], Serenade To A Cuckoo [5], Beggar's Farm [58], Dharma For One [59], A Song For Jeffrey [18]) • Stand Up (1969) ( Buscar videos: A New Day Yesterday [60], ée&search=Search Bourée [16], Back To The Family [61], Nothing Is Easy [62], Fat Man [63], We Used To Know [64], For A Thousand Mothers [65]) • Benefit (1970) ( Buscar videos: With You There to Help Me [66], To Cry You A Song [67], Teacher [68]) • Aqualung (1971) ( Buscar videos: Aqualung [20], Cross-Eyed Mary [23], Cheap Day Return [69], Mother Goose [70], Wond'rig Aloud [21], Up To Me [71], My God [72], Hymn 43 [73], Slipstream [74], Wind Up [75], Locomotive Breathe [76]) • Thick as a Brick (1972) ( Buscar videos: Thick As A Brick [77]) • Living in the Past (1972) (recopilación de singles) ( Buscar vídeos: Christmas Song [78], The Witch's Promise [17]) • A Passion Play (1973) ( Buscar videos: A Passion Play [79], The Story Of The Hare Who Lost His Spectacles [80] ) • War Child (1974) • Minstrel in the Gallery (1975) • Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! (1976) • Songs from the Wood (1977) • Heavy Horses (1978) • Bursting Out (1978) (en vivo) • Stormwatch (1979) • A (1980) • The Broadsword and the Beast (1982)

Jethro Tull • • • • • • • • • • •

224

Under Wraps (1984) A Classic Case (1985) Crest of a Knave (1987) Rock Island (1989) Catfish Rising (1991) A Little Light Music (1992) (en vivo) Nightcap (1993) Roots to Branches (1995) J-Tull Dot Com (1999) The Jethro Tull Christmas Album (2003) This Was 40th Anniversary (2008)

Videoclips y DVDs oficiales • A Song for Jeffrey (videoclip) (1968) (extraído del espectáculo Rock And Roll Circus, de los Rolling Stones) ( Buscar vídeo [81]). • Bourée (videoclip) (1969) (

Buscar vídeo

[82]

• Sweet Dream (videoclip) (incluido posteriormente en el videoconcierto Slipstream) ( Buscar vídeo [83]). • Life is a Long Song (videoclip) (1971) ( Buscar vídeo [84]). • The Story of the Hare Who Lost his Spectacles (1973). • Especial Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! para la televisión (1976) ( Buscar [85] vídeos ). • Ring Out Solstice Bells (videoclip) (1976) ( Buscar vídeo [86]). • The Whistler (videoclip) (1977) ( Buscar vídeo [87]). • Live in London (DVD) (1977) (videoconcierto desde el Hippodrome de Londres, el 10/02/1977).[88] • Videoconcierto desde el Madison Square Garden de Nueva York, en el culmen de su carrera musical (1978) ( Buscar vídeos (1) [89]), (Buscar vídeos (2) [90]). • Heavy Horses (videoclip) (1978) ( • Slipstream (DVD) (1981).

Buscar vídeo

[91]

• Dun Ringill (videoclip) (1981) (incluido en el videoconcierto Slipstream) ( Buscar vídeo [92] ). • Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! (videoclip, incluido en el videoconcierto Slipstream) (1981). • Flyingdale Flyer (videoclip, incluido en el videoconcierto Slipstream) (1981). • 20 Years of Jethro Tull (1988). • 25th Anniversary Video (1994). • • • • • • •

Steel Monkey (videoclip) ( Buscar vídeo [93]) The Secret Language of Birds (videoclip) ( Buscar vídeo [94]). Living with the Past (DVD) (2002). Life is a Long Song (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002). Wond'ring Aloud (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002). Some Day the Sun Won't Shine for You (videoclip) (del DVD Living with the Past) (2002). A New Day Yesterday (DVD) (2003).

• Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 (editado en 2005) (DVD) ( vídeos [19]).

Buscar

Jethro Tull

225

• Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull (DVD) (2005) (gira orquestral de Ian Anderson) ( Buscar vídeos [95]). • Live at Montreux 2003 (5.1 DTS DVD) (2007).

Grupos inspirados por Jethro Tull y covers Algunos grupos han intentado seguir la estela de Jethro Tull, entre los cuales destaca especialmente la banda española Ñu, y otros les han imitado en algunos rasgos musicales, como en el uso de la flauta por parte de la banda holandesa Focus. Los respectivos flautistas de estos grupos, José Carlos Molina y Thijs van Leer recuerdan mucho al peculiar estilo de interpretación de → Ian Anderson. El grupo italiano New Trolls también imitó en algunas composiciones la flauta de Ian Anderson, especialmente en la fabulosa introducción con flauta y orquesta de su Concerto Grosso No. 1. Igualmente, el grupo tiene muchos covers o imitadores, entre los que destacan Cold Flame[96] (de especial calidad) y las bandas War Child y Aqualung.

Bibliografía empleada La información de este artículo ha sido extraída de las siguientes publicaciones y páginas web: • «Biografía de Jethro Tull en la Página Oficial del grupo noviembre de 2007. • «Biografía de Jethro Tull en alohapoprock.com 2007.

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[100]

, Guitarra Actual, nº 25,

• Paula Serraler, Jethro Tull. Canciones, Tomo I, Editorial Fundamentos, Colección Espiral, Madrid, 2001, 160 págs. Contiene todas sus canciones, desde This Was hasta A Passion Play, en su versión original en inglés y con su traducción al español. La traducción de las canciones no es perfecta.[101] • Rafael Esteban, "Especial Jethro Tull", Popular 1 (revista musical) (Esp A 19), Colección Popular 1, Barcelona, 40 págs. • Xavier Moreno y Ramóm Trecet, "Soy demasiado viejo para el R & R pero sobreviviré", Vibraciones n º 70 (revista musical), julio de 1980, págs. 36-39.

Jethro Tull

226

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jethro Tull.Commons

• Página oficial de Jethro Tull

[1]

• Historia de todas las actuaciones de Jethro Tull en The Ministry of Information • Collecting Tull

[102]

[103]

• Jethro Tull en All Music Guide

[104]

• The St. Cleve Chronicle presents The Jethro Tull Website (antigua página oficial del grupo) [105] • Cup of Wonder. The Annotated Jethro Tull Lyrics Page

[106]

• Bibliografía sobre Jethro Tull en The Progressive Rock Bibliography: Jethro Tull • Libros de canciones de Jethro Tull

[107]

[108]

• Puestos en las listas de álbumes y singles de Jethro Tull

[109]

• Lista detallada de todas las grabaciones y versiones de los distintos temas realizadas por Jethro Tull en: "Jethro Tull.The Records", dentro de Collecting Tull [110]. • Calendario de actuaciones (en inglés)

[111]

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Noticias • Noticias sobre Jethro Tull (1)

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[120]

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Bruselas, 2007

→ Ian Anderson, Budapest, 2006

Bruselas, 2007

→ Ian Anderson, Budapest, 2006

Jethro Tull

Véase también • • • • • •

→ Ian Anderson Anexo:Discografía de Jethro Tull Anexo:Canciones de Jethro Tull Anexo:Canciones de Ian Anderson Anexo:Bibliografía de Jethro Tull Rock progresivo

Referencias [1] [2] [3] [4]

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Ian Anderson

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Ian Anderson Ian Scott Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Fife, Escocia) es un cantante, compositor, flautista y guitarrista escocés, conocido por ser el líder de la banda de rock → Jethro Tull. Como flautista, Anderson es autodidacta y su estilo fue inspirado por el también flautista Roland Kirk. Sobresalen sus solos en "My God" (Aqualung), Bursting Out y "Bouree" (Living in the Past). Además de la flauta, toca otros instrumentos (ha empleado, por ejemplo, el bajo en el álbum Stormwatch, de Jethro Tull). La lista de instrumentos que ha tocado con su banda es amplia: incluye flauta, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, saxofón, órgano Hammond, batería, teclados, trombón, gaita escocesa, gran variedad de silbatos (flautines) y violín. → Ian Anderson, en Milán, en 2006.

Como compositor, Anderson se caracteriza por sus (frecuentemente cínicas) canciones sobre Dios, el cristianismo, la Navidad y el solsticio de invierno, especialmente en los álbumes de su banda, Jethro Tull, Aqualung y The Jethro Tull Christmas Album.

Biografía Inicios Hijo de un director de hotel, pasó la mayor parte de su infancia en Edimburgo, cuya influencia ha dominado su carrera musical desde entonces. Su familia se mudó a Blackpool en el Noroeste de Inglaterra en 1959, donde cursó estudios secundarios antes de estudiar Bellas Artes. Siendo un adolescente, trabajó como dependiente en unos almacenes de la cadena Lewis en Blackpool, siendo más tarde vendedor de una nueva sección. Más tarde diría que el leer ejemplares de las publicaciones musicales Melody Maker y News Musical Express le dio la inspiración para tocar en un grupo. En 1963 formó The Blades con sus compañeros de estudios Barriemore Barlow (batería), John Evan (teclados), Jeffrey Hammond (bajo) y Michael Stephens a la guitarra. Fue una banda de soul y blues con Anderson a las voces y la armónica. Para 1965 el grupo se había convertido en The John Evan Band con una formación mayor. Se disolvió en dos años cuando Anderson tuvo que moverse a Luton. Allí conoció al baterista Clive Bunker y el guitarrista Mick Abrahams procedentes de McGregor's Engine. Junto con Glenn Cornick, un bajista que había conocido a través de John Evan, creó el primer germen de que sería su grupo para los siguientes 40 años: → Jethro Tull. Para entonces, ya había abandonado su idea de tocar la guitarra eléctrica. Se decantó por la flauta tras varias semanas de pruebas; pensó que podía tocarla bien dentro de un estilo blues y rock. Con esa incipiente afición grabaría su primer disco con Jethro Tull, el álbum

Ian Anderson This Was. No por ello abandonó la guitarra clásica siendo uno de los pocos rockeros en darle vida propia al instrumento de cuerdas de nylon. En su dilatada carrera musical iría añadiendo nuevos instrumentos tales como la mandolina, el saxofón, los teclados u otros más. Su famosa pose de tocar sobre una pierna vino por accidente: había estado tocando sobre una pierna la armónica para poder sujetar con la otra el pie del micrófono y un periodista le describió por error como el flautista que tocaba sobre una pierna en el Marquee londinense. Decidió aprovechar esa fama aunque con cierta dificultad al principio. Más tarde se sorprendería al ver imágenes de varios iconos divinos tocando la flauta sobre una pierna como Krishna y Kokopelli.

Carrera musical Aun a pesar de haber publicado un pequeño número de aclamados discos y de haber hecho innumerables apariciones con otros artistas, siempre se le ha identificado como el líder de → Jethro Tull. Su imagen, fuera de dudas, ha estado ligada a dicha formación con la que ha sido estandarte de la cultura rock. Habiendo tomado inspiración en el folclore inglés también ha aparecido a veces como astronauta, pirata o vagabundo, amén de sus clásicos juglares medievales, escudero inglés o campesino escocés. Como flautista Anderson es autodidacto: su estilo, que a menudo se basa en gran parte de fluttertonguing, y ocasionalmente cánticos y tarareos mientras toca, fue influenciado por Roland Kirk. En el 2003 grabó un tema llamado Griminelli's Lament en honor a su amigo, el flautista italiano Andrea Griminelli. En 1990 comenzó a trabajar con flautas de bambú. Usaba técnicas de sobre-soplo y tapado de agujeros para producir notas arrastradas y otras expresivas técnicas con éste instrumento. No conformándose sólo con la flauta también toca guitarra, bajo, bouzouki, balalaika, saxofón, armónica y una gran variedad de whistles. Ha grabado canciones en las cuales toca todos los instrumentos así como ejerce de ingeniero de sonido y productor (Another Christmas Song en 1988). Su primera ocasión en la que así lo hizo fue Locomotive Breath. Plasmó en la práctica sus ideas sobre la canción antes de expresárselas al resto de la banda, convirtiéndose en uno de los temas más representativos de sus directos. El estilo de su música mezcla folk, jazz, blues, rock y pop. Sus letras son, a menudo, complejas, llenas de trabalenguas, ácidas críticas sobre la sociedad y la religión, o alegorías a la fantasía y/o la vida campestre o medieval. En 1993 Ian Anderson produciría y participaría en un álbum de Yes titulado Symphonic Of Yes Music, un disco de grandes éxitos de la banda, con diversos arreglos orquestales de marcado estilo progresivo. En este disco colaborarían también los teclistas David Palmer (ex miembro de → Jethro Tull), Julian Colbeck y Alan Parson, y el bajista Tim Harries, junto a The London Symphonic Orchestra y The English Chamber Orchestra.

232

Ian Anderson

233

Negocios Anderson es dueño de cuarenta y tres granjas de salmón, muchas de ellas en Chile (Sudamérica) y de una isla, aunque vendió la mayor parte de sus intereses a fines de los años 90. Como anécdota, Anderson nunca realizó la prueba de conducción para obtener su licencia. El cantante ha sobrevivido a una peligrosa trombosis venosa profunda, sufrida tras un vuelo en avión en precarias condiciones de espacio y ha realizado frecuentes declaraciones para que se tome conciencia sobre los peligros para la salud que puede provocar la sobreexplotación comercial de las líneas aéreas. Igualmente, su voz se ha visto resentida en los últimos años por distintos problemas en la garganta, por lo que en sus conciertos prohíbe totalmente que se fume durante las actuaciones de su banda, sobre todo si estas se realizan en una sala cerrada. También realiza periódicas donaciones a asociaciones en defensa de los animales, especialmente a sociedades protectoras de gatos.

Ian Anderson en Budapest, 2006.

Familia

Entre los años 1970 y 1974 estuvo casado con Jennie Franks, una fotógrafa cuyo trabajo sobre los vagabundos de las calles de Londres influyó de gran manera en la temática del disco Aqualung, al grado de aparecer como co-autora del tema principal.Aqualung. Se volvió a casar con Shona Learoyd en 1976. Ella había estudiado ballet durante 10 años y Ian la conoció en la oficina de prensa de Chrysalis Records. Más tarde se implicaría en los efectos especiales de la banda en directo. Establecieron su residencia en una granja del siglo XVI en el estado de Buckinghamshire, Inglaterra. Actualmente viven en Wiltshire, tienen dos hijos: James Anderson, músico también y Gael, que trabaja en la industria cinematográfica y está casada con el actor Andrew Lincoln.

Ian Anderson

234

Orden del Imperio Británico En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).[1]

Discografía como solista Discografía oficial • • • • •

Walk Into Light (1983) Divinities: Twelve Dances With God (1995) The Secret Language Of Birds (2000) Rupi's Dance (2003) Ian Anderson Plays The Orchestral Jethro Tull (2 CD y DVD) (2005) (Ver vídeos

[95]

)

Álbumes pirata (bootlegs) en vivo • I'm Just a Simple Flute Player (recoge parte de la gira de 1995 de su álbum Divinities: Twelve dances with God).[2]

Colaboraciones de Ian Anderson con otros artistas • Con Mick Abrahams, en su disco One (1996). Ian Anderson colaboró a la flauta, armónica y mandolina. • Con Uriah Heep, en los álbumes Electrically Driven (2001) (en los temas "Circus" y "Blind Eye"), Acoustically Driven (DVD) (2001) y Lady in Black [3].[4] • Con Fairport Convention, en el tema "John Barleycorn".[4] • Con The James Taylor Quartet, en el álbum Room at the Top (2002) (a la flauta en el tema "Free").

Bibliografía • Jordi Bianciotto, "El eterno juglar. Ian Anderson", El Dominical nº 242 (revista semanal), Ediciones Primera Plana, Barcelona, págs. 30-32. • «José Luis Schenone, "Dinosaurios del Rock - Jethro Tull", Guitarra Actual, nº 25, enero de 2006 [100]». Consultado el 3 de enero de 2008. V. también: Jethro Tull: Bibliografía.

Ian Anderson

235

Véase también • Anexo:Canciones de Ian Anderson. • → Jethro Tull.

Enlaces externos • • • • • • •

Sitio oficial [5] (en inglés) "Confessions of a DVT Victim and Ten Tips for Survival" [6] (en inglés) Revisión de álbumes solistas [7] (en inglés) Biografía en la página oficial de Jethro Tull [8] (en inglés) Ian Anderson [9] en Internet Movie Database (en inglés) Sitio de un fan holandés [106] (en inglés) Álbumes en solitario de miembros de Jethro Tull [10].

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Noticias • Noticias sobre Ian Anderson (1)

[120]

• Noticias sobre Ian Anderson (2)

[121]

• Noticias sobre Jethro Tull (1)

[118]

• Noticias sobre Jethro Tull (2)

[119]

Referencias [1] La Vanguardia (http:/ / www. lavanguardia. es/ free/ edicionimpresa/ res/ 20071230/ 53422573326. html?urlback=http:/ / www. lavanguardia. es/ premium/ edicionimpresa/ 20071230/ 53422573326. html) y Muzik News (http:/ / www. lt24online. com. ar/ 2007news/ 12/ 30a. html). [2] I'm Just a Simple Flute Player en Collecting Tull (http:/ / www. collecting-tull. com/ Bootlegs/ Original/ ImJustASimpleFlutePlayer. html). [3] [4] [5] [6] [7]

http:/ / www. youtube. com/ results?search_query=Ian+ Anderson+ Heep& search=Search Puede verse en el DVD de Living with the Past. http:/ / www. iananderson. com/ http:/ / www. jethrotull. com/ musicians/ iananderson/ dvt. html http:/ / www. comnet. ca/ ~jkahane/ jtull/ albums/ reviews/ anderson-solo. html

[8] http:/ / www. iananderson. com/ musicians/ iananderson/ index. html [9] http:/ / imdb. com/ name/ nm0026815/ [10] http:/ / www. j-tull. co. uk/ Discography/ Solo/ solo. html

Martin Barre

236

Martin Barre Martin Barre

El guitarrista de → Jethro Tull Martin Barre Información personal Nombre

Martin Lancelot Barre

Nacimiento

17 de Noviembre de 1946

Origen

Kings Health Birmingham Inglaterra Información artística

Género

Rock progresivo Folk Rock

Instrumento(s)

guitarra

Período de actividad

1960 - actualidad

Discográfica(s)

RandM Records Fuel 2000 Chrysalis Records Eagle Records Roadrunner Records EMI Capitol Records Island Records

Artistas relacionados

→ Jethro Tull

Web Sitio web

www.martinbarre.com

[1]

Martin Lancelot Barre (17 de noviembre de 1946, Kings Heath, Birmingham, Warwickshire, Inglaterra) es el guitarrista de → Jethro Tull desde 1969 hasta la actualidad. Desde que ingresó en el grupo, Barre ha aparecido en todos los álbumes de la banda, excepto en This Was. Su estilo puede calificarse como una mezcla del sonido bluesístico de Jeff Beck y Eric Clapton con toques barrocos propios del rock progresivo de principios de los setenta y sonidos típicos del folk rock. También ha tocado la flauta en algunas actuaciones en vivo con Jethro Tull y en su álbum en solitario. Martin se desplazó a Londres con su amigo Chris que había tocado el saxo en su banda The Moonrakers porque les habían prometido trabajo en una banda liderada por Screaming Lord Sutch donde también estuvo Ritchie Blackmore pero les dejaron a última hora. Tras

Martin Barre

237

ello se apuntaron a una gira con una banda basada en Bogner Regis llamada Motivation pero en la que ambos tenían que tocar el saxo. Para 1968 el grupo se había convertido al blues. Respaldaron a artistas tales como Coasters, Drifters y Lee Dorsey y llegaron a publicar un single titulado Lady Godiva para Liberty Records. Tocaron en Dundee en la Nochevieja con → Pink Floyd y su nuevo miembro David Gilmour. El grupo pasó a llamarse Gethsemane y acabo tocando en los grandes clubes de blues de Inglaterra. Gethsemane teloneó a → Jethro Tull en un club de blues de Plymouth llamado the Van Dyke. Cuatro meses más tarde sería invitado a entrar en la banda. Desde entonces nunca dejaría el grupo convirtiendo su característico sonido guitarrístico en alma de la banda junto con la flauta de → Ian Anderson. Durante más de tres décadas estuvo dedicado a su trabajo junto a → Ian Anderson en darle color con su característica guitarra a → Jethro Tull. En cualquier caso, en 1990 comenzó a trabajar sólo también y ha grabado cuatro discos: A Summer Band. A Trick of Memory, The Meeting y Stage Left. En ellos ha combinado rock y sonidos orientales. Barre es uno de los guitarristas más brillantes de la escena rock. Su sólo de 1971 en el tema Aqualung fue votado por los lectores de la revista Guitar Player como el mejor de la época. También fue catalogado entre los 100 mejores por la revista Guitar World. El líder de Dire Straits, Mark Knopfler, en una entrevista en el 2005 calificó su trabajo junto a Jethro Tull como mágico. En el 2004 giró para promocionar su cuarto álbum así como todos los conciertos de Jethro Tull. A finales del 2006 se encontraba colaborando con el veterano grupo de folk inglés Pentangle. En el 2007 se encontraría partipando en un proyecto acústico junto al cantante Dan Crisp y el bajista Alan Bray.

Discografía (solitario) • • • •

A Summer Band (1992) A Trick of Memory (1994) The Meeting (1996) Stage Left (2003)

Enlaces externos (en inglés) • Official website [1]. • Biography on official Jethro Tull website [2]. • Álbumes en solitario de miembros de Jethro Tull

Referencias [1] http:/ / www. martinbarre. com [2] http:/ / www. j-tull. com/ musicians/ martinbarre/ index. html

[10]

Doane Perry

238

Doane Perry Doane Perry es el batería de → Jethro Tull desde 1984 hasta la actualidad.

Enlaces externos (en inglés) • Biography at the Official jethro Tull Website • Jethro Tull official website [1].

[1]

Referencias [1] http:/ / www. j-tull. com/ musicians/ doaneperry/ index. html

Andrew Giddings Andrew Giddings es el teclista de → Jethro Tull desde el año 1991 hasta la actualidad.

Enlaces externos (en inglés) • Biography at the Official jethro Tull Website • Jethro Tull official website [1].

[1]

Referencias [1] http:/ / www. j-tull. com/ musicians/ andrewgiddings/ index. html

Jonathan Noyce

239

Jonathan Noyce Jonathan Mark Thomas Noyce (nacido el 15 de julio de 1971 en Sutton Coldfield, Warwickshire, England) es el bajista de → Jethro Tull desde 1995 hasta la actualidad. También ha tocado para Gary Moore, desde 2005, y para Archive desde 2007.

Enlaces externos (en inglés) • Jethro Tull official website

[1]

240

The mars Volta The Mars Volta The Mars Volta

Información personal Origen

El Paso, Texas

Estados Unidos

Información artística Género

Rock progresivo Rock experimental Art rock Jazz fusión

Período de actividad

2001 – presente

Discográfica(s)

Universal Music Gold Standard Laboratories

Artistas relacionados

At The Drive-In De Facto Sparta Omar Rodríguez-López Group → John Frusciante Web

Sitio web

www.themarsvolta.com

[1]

Miembros → Omar Rodríguez-López → Cedric Bixler-Zavala

Thomas Pridgen → John Frusciante

Isaiah Ikey Owens Juan Alderete de la Pena → Marcel Rodríguez-López Adrián Terrazas-González Pablo Hinojos-González Antiguos miembros

The Mars Volta

241 Eva Gardner Jeremy Michael Ward † Jon Theodore

The Mars Volta es un grupo de Rock progresivo estadounidense fundado por → Omar Rodríguez-López y → Cedric Bixler-Zavala junto a Isaiah Ikey Owens y Jeremy Michael Ward. Se los puede clasificar como dentro del rock progresivo experimental, con influencias del punk, el jazz y los ritmos latinos. Son conocidos por sus conciertos enérgicos e improvisados, sus letras crípticas y el uso de música ambiental en sus discos. De acuerdo al booklet de Amputechture, The Mars Volta está conformado por la sociedad entre Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, mientras que sus composiciones son luego interpretadas por The Mars Volta Group.

Historia Los comienzos Antes de formar The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López eran parte de At the Drive-In, aunque integraban también De Facto junto al ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward. En De Facto, Bixler-Zavala se encargaba de la Batería, Rodríguez-López del bajo, mientras que Ward se ocupaba de los efectos de sonido y voces. A pesar de que De Facto comenzó como una banda de rock, pronto fueron atraídos por la música de pioneros del reggae y el dub (como Lee Perry y Dr. Alimantado), y por otros géneros como la electrónica, el jazz y ritmos latinos la salsa. La agrupación dio varios conciertos en su ciudad natal, El Paso, Texas, y lanzó su primer disco: How Do You Dub? You Fight for Dub, You Plug Dub In. En el 2000 los integrantes de De Facto se mudaron a Long Beach, California, incorporando a un nuevo integrante en sus filas: Ikey Owens, que se encargó de los teclados. En 2001, el grupo lanzó, a través de Gold Standard Laboratories, su segundo álbum: el exitoso Megaton Shotblast. De Facto continuó trabajando con nuevos sonidos, luego de que Rodríguez-López y Bixler-Zavala decidieran irse de At the Drive-In. Los restantes miembros de ésta banda formarían Sparta. Con la incorporación de Eva Gardner, De Facto se convirtió en lo que hoy es The Mars Volta, un nuevo proyecto formado con el objetivo de satisfacer las búsquedas creativas de sus miembros. En 2001, The Mars Volta grabó dos canciones junto al baterista Blake Fleming y el productor Alex Newport, que se convertirían finalmente en su primer demo. En su primer show en vivo en grupo se conformó con: Rodríguez-López, Bixler-Zavala, Ward, Owens, Gardner y el baterista Jon Theodore. Con estos integrantes la banda grabó tres canciones más junto a Newport, las cuales formarían lo que sería su primer EP: Tremulant, lanzado en 2002.

De-Loused in the Comatorium Después de Tremulant EP, The Mars Volta continuó girando y cambiando de formación, mientras preparaba lo que sería su primer larga duración, De-Loused in the Comatorium, del año 2.003, producido por Rick Rubin. A diferencia de Tremulant EP, que no cuenta con una unidad temática, su primer disco es un álbum conceptual que narra la historia de Cerpin Taxt, un hombre que cae en coma tras abusar de la morfina. A pesar de sus letras intrincadas, The Mars Volta afirmó en las correspondientes entrevistas que el protagonista

The Mars Volta del álbum es un personaje basado en su difunto amigo, el artista Julio Venegas, o «Cerpin Taxt», como es citado en la historia. Venegas permaneció muchos años en coma antes de despertar, para luego saltar desde un puente en la ciudad de El Paso. La muerte de su amigo es también referida en la canción intitulada «Embroglio», de At the Drive-In. Al momento de grabar el disco, la banda no contaba con un bajista estable, Eva Gardner fue despedida por Rodríguez-López cuando este encontró entre sus partituras una nota que decía "tocar esta parte con más sentimiento", le dijo que si tenía que usar una nota para recordar algo tan importante no debía estar en la banda. Flea (bajista de los Red Hot Chilli Peppers) tocó el bajo en nueve de las diez canciones del disco. Además, el álbum cuenta con la colaboración de → John Frusciante, también de los Red Hot Chilli Peppers. De-Loused in the Comatorium se convirtió tanto en un éxito de ventas como de crítica, vendiendo más de 500.000 copias y apareciendo, en varias listas especializadas, entre los mejores discos del año.[2] La banda posteriormente lanzó una edición limitada del álbum, disponible sólo a través del sitio web de Gold Standard Laboratories, conteniendo la historia de Cerpin Taxt y su suicidio. Durante la gira con los Red Hot Chilli Peppers, Ward fue encontrado muerto de una sobredosis de heroína. La banda canceló la segunda parte de su gira y el primer single de De-Loused estuvo dedicado a su memoria. Este suceso fue el que convenció a Rodríguez-López y Bixler-Zavala a dejar de consumir drogas fuertes. The Mars Volta se presento para latinoamerica en los premios MTV Latinos del año 2.003. Los Volta eran una banda totalmente desconocida para muchas personas, asi que su presentacion en vivo en aquellos premios fue la puerta grande donde The Mars Volta entró al gusto del exigente publico latino. Sorprendieron a los expectadores con una poderosa Drunkship of Lantrens, cancion que viene en este disco. Una cancion que grita sus raicez latinas, y que sumando la actuacion de la banda, el sello de TMV quedó indeleble, recibiendo los aplausos de Korn, Molotov, Gustavo Cerati y Juanes entre otros.

Frances the Mute Mientras la banda retomaba la gira de De-Loused, se sumaron Juan Alderete (de Racer X) en bajo y → Marcel Rodríguez-López (hermano de Omar) en percusión. El grupo comenzó a trabajar en el sucesor de su exitoso debut en 2003. En 2005, The Mars Volta lanzó su segundo larga duración, Frances the Mute, inspirado en un diario de Ward encontrado en su coche tras su muerte. Las canciones del disco están basadas vagamente en las personas descritas en el diario. Impulsado por el single «The Widow», Frances the Mute vendió 123.000 copias en su primera semana, debutando en el puesto número cuatro en los charts de Billboard. Las críticas de Frances fueron en general positivas (obteniendo un 75 sobre 100 en Metacritic), pero más polarizadas que en De-Loused. Sin embargo, hasta los detractores del álbum generalmente reconocen las habilidades musicales del grupo.[3] «L'Via L'Viaquez» fue también lanzada como corte de difusión, pero sufrió un proceso de edición: de sus doce minutos de duración originales, pasó a tener aproximadamente cinco. Esta cancion cuenta con la colaboracion del musico estadounidence Larry Harlow (Estrella de Fania y Gurú de Rodriguez Lopez)en el piano y en el clarinete del fragmento de salsa. Rodríguez-López, con ayuda de Theodore, escribió todas las partes instrumentales (las guitarras, teclados y batería), produciendo y supervisando él mismo las sesiones de grabación. También recurrió a un método que artistas de jazz, como Miles Davis, solían

242

The Mars Volta utilizar: cada miembro debía grabar su parte sin escuchar el contexto o las grabaciones de los otros integrantes, obligándolos a interpretar su partitura como si fuera una canción por sí sola. Para facilitar la grabación, los músicos recurrieron al uso de un metrónomo. El 20 de mayo de 2005, en el marco del Weenie Roast Festival, la banda dio un concierto de 40 minutos improvisando, en vez de interpretar una lista de canciones. Omar llamó en broma «Abortion, The Other White Meat» al show.[4] En medio de su gira estadounidense, Paul Hinojos (ex At the Drive-In) dejó Sparta para incorporarse a las filas de The Mars Volta. Ya como miembro de la banda, se convirtió en el ingeniero de sonido, puesto ocupado previamente por Ward. Hinojos también había girado con The Mars Volta en 2003 y 2004. A mediados del 2005, la banda comenzó un tour junto a System of a Down y creó el festival All Tomorrow's Parties,[5] que juntó a bandas como The Locust, Mastodon, Blonde Redhead, y Diamanda Galás). El 8 de noviembre de 2005 The Mars Volta lanzó un álbum en vivo intitulado Scabdates. Frances the Mute ha vendido hasta el momento aproximadamente 465.000 copias sólo en Estados Unidos, de acuerdo a Nielsen SoundScan.

Amputechture Amputechture, tercer disco de The Mars Volta, fue lanzado en septiembre de 2006. Omar Rodríguez López co-produjo junto a Rick Rubin el disco y la portada estuvo a cargo de Jeff Jordan. Si bien la religión podría ser el tema principal de esta grabación, no existe en Amputechture, a diferencia de en sus trabajos anteriores una narración subyacente. John Frusciante colabora en todos los temas del disco, a excepción de «Asilos Magdalena» Al terminar la grabación, la banda comenzó una gira norteamericana como teloneros de los Red Hot Chilli Peppers. El 28 de julio de 2006, Blake Fleming remplazó como baterista a Jon Theodore, y Paul Hinojos comenzó a colaborar también con los trabajos de guitarra y manipulación de sonido. El concierto del 12 de agosto en Washington se convertiría en una de las experiencias más desagradables para la banda cuando en medio del show ésta recibió el impacto de una botella llena de orina arrojada desde el público, luego de que Cedric hiciera unos comentarios acerca de unos fans que bailaban dando empujones; la banda había expresado anteriormente su descontento con el público que hacía moshing en los conciertos de rock. Los músicos decidieron interrumpir el show poco después. Mientras se iban, Bixler-Zavala le dijo a la multitud: "Le pagaré desde 100 a 1000 dólares a quien me ayude a encontrar a la persona que arrojó orina. Le daré merchandising gratis y pases de por vida para los shows de Mars Volta. Encuentren a esa persona y denle su merecido". La banda estrenó en su show del 22 de septiembre de 2006 una canción nueva, titulada «Rapid Fire Tollbooth». El 25 de septiembre, en Toronto, Ontario, interpretaron una versión alargada del tema de → Pink Floyd «Interstellar Overdrive», junto a otro material puramente instrumental. El 17 de octubre, mientras tocaban como teloneros para el show de los Red Hot Chilli Peppers en Rutheford, Nueva Jersey, la banda contó con Deantoni Parks en batería, y posteriormente se conoció que Blake Fleming había sido separado de la banda sin explicación. Parks continuó con The Mars Volta sólo hasta la finalización del tour japonés, debido a sus compromisos con otras bandas.

243

The Mars Volta

The Bedlam in Goliath Thomas Pridgen se convirtió en el nuevo baterista de la banda luego de su show del 12 de marzo en Nueva Zelanda, donde The Mars Volta interpretó una nueva canción. Luego de su gira por Australia y Nueva Zelanda, el grupo entró a un estudio a grabar su cuarto LP, llamado The Bedlam in Goliath,[6] que salió al mercado en Enero de 2008.[7] La banda también confirmó que el disco sería un álbum conceptual: "No quiero decir cuál será el tema del álbum todavía, pero tiene que ver con este regalo que Omar me dio, se lo encontró mientras viajaba. El regalo venía con una historia, y estamos tratando de volver a contarla".[8] Ese regalo resultó ser una Ouija.[9] The Mars Volta tiene también planeado lanzar, casi en simultáneo, su primer DVD. Filmado por Jorge Hernández Aldana, el DVD consistirá en un concierto de la banda en su reciente gira australiana.[10] El grupo también registró la canción «Pulled To Bits», de Siouxsie and the Banshees, para el sencillo «Wax Simulacra». Rodríguez-López también compuso la banda sonora para la película El Búfalo de la Noche, de Guillermo Arriaga y Jorge Hernández Aldana. Ha sido confirmado que The Mars Volta interpretó la banda sonora. Además se esperan otros proyectos del grupo. Uno es un filme de Rodríguez-López que muestre la historia de la banda, y que incluiría material de archivo y filmaciones del backstage.[10] Otro es un disco en vivo similar a Scabdates, pero con temas de Frances the Mute y Amputechture. En el año 2.009, éste album le significó a The Mars Volta obtener su primer premio Grammy por la cancion Wax Simulacra, compitiendo en la categoria "hard rock performance" contra Disturbed, Judas Priest, Motley Crue y Rob Zombie.

Octahedron Octahedron es el sexto disco de estudio lanzado por The Mars Volta. Es considerado según Omar Rodríguez-López el álbum acústico de TMV. Cedric Bixler-Zavala también definió este disco como "acústico" y "melódico," para declarar: "Sabemos como de lineal puede ser la gente en su forma de pensar, así que cuando escuchen el nuevo álbum, dirán '¡Esto no es un álbum acústico! ¡Hay electricidad en él!', pero es nuestra versión. Eso es lo que nuestra banda hace -- mutaciones. Es nuestra versión de lo que consideramos un álbum acústico." Siendo "Cotopaxi" el single elegido para América mientras que "Since We've been wrong" el elegido para Europa.

Eventos Recientes En una reciente entrevista en Dinamarca antes de un show de la banda Rodríguez-López afirmo que si el sello no interfiere el nuevo álbum de The Mars Volta sera lanzado hacia final de año junto con el DVD de su gira australiana. Rodríguez-López también confirmo que el álbum será más "orgánico" y que tiene alrededor de 8 álbumes solistas en camino.[11] El tema L'via L'Viaquez está incluido en el videojuego Guitar Hero World Tour

244

The Mars Volta

Etimología del nombre y curiosidades Bixler-Zavala comentó en una entrevista: «Volta» proviene de un libro de Federico Fellini acerca de sus filmes, lo que él caracteriza como un cambio de escena; a una nueva escena él la llama «Volta». […] Y «Mars», porque estamos fascinados con la ciencia ficción y lo que tenga que ver con ésta […].[12] El The es usado para diferenciarse de una banda europea de Techno que ya tenían el nombre «Mars Volta». La secuencia de sonido que los The Mars Volta utilizan al inicio de sus conciertos es el tema de la película Por un puñado de dólares, escrito por Ennio Morricone. La banda también solía comenzar sus primeros shows con el tema de La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange), de Stanley Kubrick. Asimismo, Rodríguez-López y Bixler-Zavala suelen mostrarse fanáticos de Doctor Who. En la canción «Eunuch Provocateur», de su primer EP, se puede oír de fondo la letra de Itsy Bitsy Spider, la popular canción infantil. También se pueden oír otros fragmentos de letras de canciones infantiles en la misma canción, provenientes de un viejo vinilo con canciones para niños. En enero 2 del 2008,the mars volta saco un juego en linea llamado: "Goliath: The Soothsayer,"

Miembros De acuerdo al booklet de Amputechture, la sociedad Bixler-Zavala/Rodríguez López es The Mars Volta. Las composiciones son luego interpretadas por The Mars Volta Group. • • • • • •

→ Omar Rodríguez-López - guitarra, productor (2001-presente) → Cedric Bixler-Zavala - letras, voz principal (2001-presente) → John Frusciante - guitarra (2003-presente) Isaiah Ikey Owens - teclados (2001-presente) Juan Alderete - bajo (2003-presente) Thomas Pridgen - batería (2007-presente)

• → Marcel Rodríguez-López- percusión, sintetizadores (2003-presente) • Adrián Terrazas-González - flauta, saxofón tenor, clarinete e instrumentos adicionales de viento y percusión (2004 en estudio, desde 2005 en los shows-presente) • Paul Hinojos - guitarra, ingeniero de sonido (en los shows 2003-2004, se unió oficialmente en 2005-presente)

Miembros anteriores Ingeniero de sonido • Jeremy Michael Ward † - (2001-2003) Bateristas • Jon Theodore - (2001-julio 2006) • Blake Fleming - (agosto de 2001, julio-octubre 2006) • Deantoni Parks - (octubre-noviembre 2006) Bajistas • Eva Gardner - (2001-2002) • Ralph Jasso - (2002)

245

The Mars Volta • Jason Lader - (2003) • Flea - (2003, en De-Loused in the Comatorium) Teclistas • Linda Good - (2002) De acuerdo con el sitio oficial de la banda y con el booklet de Scabdates, hay más de quince personas que integran el «The Mars Volta Group».

Discografía Estudio • • • • • •

De-Loused in the Comatorium (2003) Frances The Mute (2005) A Missing Chromosome (2005) Amputechture (2006) The Bedlam in Goliath (2008) Octahedron (2009)

EP • Tremulant (2002) • Live (2003)

Vivo • Scabdates (2005)

Singles • • • • •

«Inertiatic ESP» - 2003, sencillo de De-Loused in the Comatorium «Televators» - 2004, sencillo de De-Loused in the Comatorium «The Widow» - 2005, sencillo de Frances the Mute «L'Via L'Viaquez» - 2005, sencillo de Frances the Mute «Vicera Eyes» - 2006, sencillo de Amputechture

• «Wax Simulacra» / Pulled To Bits (Siouxsie and the Banshees cover) - 2007, sencillo de The Bedlam in Goliath

246

The Mars Volta

247

Véase también • At the Drive-In • De Facto

Enlaces externos Sitios oficiales • Sitio oficial [13] • The Mars Volta

[14]

en MySpace

Otros sitios • The Mars Volta [15] en Internet Movie Database • De-Loused in the Comatorium Storybook [16] • Best of The Mars Volta (2003-2006) [17]

Entrevistas • Entrevista para Harp Magazine [18] (en inglés) • Entrevista para Complex Magazine [19] (en inglés) • Artículo para JamBase.com [20] (en inglés)

Foros • The Comatorium

[21]

[22].

Referencias [1] http:/ / www. themarsvolta. com [2] http:/ / acclaimedmusic. net. / 061024/ A3935. htm Acclaimedmusic.net [3] The Mars Volta Frances The Mute Album Review, New album reviews and latest album releases on Yahoo! Music (http:/ / uk. launch. yahoo. com/ 050228/ 33/ 1xj49. html) [4] YouTube - Abortion, the other white meat - Part I (http:/ / es. youtube. com/ watch?v=BJFifqkaPgo) [5] All Tomorrow's Parties Festival - Official Website (http:/ / www. atpfestival. com/ ) [6] The Mars Volta Records New Album at Ocean Way (http:/ / digitalproducer. digitalmedianet. com/ articles/ viewarticle. jsp?id=152162) [7] Noticias del 9 de agosto de 2007, http:/ / www. goldstandardlabs. com/ news. html [8] :: Time Off :: Welcome (http:/ / www. timeoff. com. au/ index. php?area=Interviews& pg=38& subarea=5010& sel=5010) [9] « MúSiCaMaNía ¡ Vive La Música ! (http:/ / www. musicamania. biz/ noticias/ 12247/ the_mars_volta_realiza_su_nuevo_album_en_situaciones_paranormales/ )». [10] www.themarsvoltaitalia.com - SITO ITALIANO NON UFFICIALE DEDICATO AI THE MARS VOLTA (http:/ / www. themarsvoltaitalia. com/ omar_eng. htm) [11] MySpace.com - T M V - Interview - DK - Autre - www.myspace.com/tmvinterview (http:/ / profile. myspace. com/ index. cfm?fuseaction=user. viewprofile& friendid=343705915) [12] Entrevista a Cedric Bixler-Zavala: The Volta is taken from a Federico Fellini book about his films, what he characterizes as a changing of scene, or a turnaround; a new scene to him is called Volta. Y'know, changing of time and the changeover. And Mars, we're just fascinated by science-fiction so and it's something that ultimately looked as in anything I write, its meaning is always up to the listener. As the way we write songs and words, if it looks great on paper then to us it's like painting, so if it looks good meaning the second then people usually have a better interpretation than we ever would. [13] http:/ / www. bedlam. net/ [14] http:/ / myspace. com/ themarsvolta [15] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm1862595/

The Mars Volta [16] [17] [18] [19] [20] [21] [22]

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http:/ / www. tmvfr. info/ miscfiles/ DeLoused_storybook. pdf http:/ / www. mininova. org/ tor/ 1152625 http:/ / harpmagazine. com/ articles/ detail. cfm?article_id=4807 http:/ / www. complex. com/ index. php?task=Articles& id=528& section=64& issue=1 http:/ / www. jambase. com/ headsup. asp?storyID=9216 http:/ / www. thecomatorium. com/ http:/ / www. thecomatorium. com/ forum/ index. php?act=SF& s=& f=32/

Omar Rodríguez-López Omar Rodríguez-López

[[Archivo:

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Información personal Nombre

Omar Alfredo Rodríguez-López

Nacimiento

1 de septiembre de 1975 (33 años)

Origen Ocupación(es)

Bayamón, Puerto Rico Guitarrista Productor musical Información artística

Género

Rock progresivo, post-hardcore, rock experimental, jazz fusion, dub, reggae, ambient, rock psicodélico, punk rock

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica, bajo, sintetizador

Período de actividad

1994-presente

Artistas relacionados

→ The Mars Volta,

De Facto, At the Drive-In, → John Frusciante Red Hot Chili Peppers

Omar Alfredo Rodríguez-López (nacido el 1 de septiembre de 1975 en Bayamón, Puerto Rico) es un multi-instrumentalista compositor, la primera guitarra y productor del grupo de rock progresivo y psicodélico → The Mars Volta.

Omar Rodríguez- López

Biografía Rodríguez-López creció en El Paso, Texas. Después de irse de Texas antes de los 18 años, viajó por América. Durante este tiempo vio que su vida no iba a ningún lado, entonces llamó a su amigo → Cedric Bixler-Zavala quien le sugirió que regresara a El Paso. Con ayuda de Bixler-Zavala, pudo regresar a El Paso donde se unió a At The Drive-In como guitarrista y vocalista de respaldo. Después de firmar un contrato con Flipside y grabar Acrobatic Tenement pasó a ser el guitarrista oficial. Rodríguez-López ha pasado la mayoría de su carrera trabajando, y a menudo viviendo, con su gran amigo, Cedric Bixler-Zavala. Ambos tocaron juntos en la banda de post-hardcore At the Drive-In. Mientras pertenecían a dicha banda, formaron una banda dub reggae llamada De Facto. En el 2001, ambos dejaron At the Drive-In, de la cual eran integrantes desde 1993, en "interrupción indefinida" para formar la banda "The Mars Volta". Además, Cedric aparece en el disco A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 de Rodríguez-López, banda sonora de la película, del mismo nombre, de Rodríguez-López. La fecha de lanzamiento de esta película ha sido pospuesta indefinidamente. Como guitarrista, Rodríguez-López es conocido por su estilo experimental, creativo y atonal, caracterizado por acordes inusuales y progresiones complejas y cambios frecuentes de compás, solos altamente elaborados e improvisados y experimentación sin descanso. Rodríguez-López dice saber muy poco de teoría musical, aunque las melodías en los solos del primer álbum de "The Mars Volta" De-loused in the Comatorium demuestran una significativa habilidad y variedad. Rodríguez-López es un guitarrista visionario y moderno en términos de innovación y experimentación. Su estilo muestra una gran semejanza al guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, y a → John Frusciante ya que dichos guitarristas usan armonías atonales y tritonales. Parece ser que Fripp tiene una considerable influencia en Rodríguez-López. Sin embargo, Rodríguez ha dicho que sus principales influencias artísticas no han sido musicales, a excepción de su gurú, el pianista de salsa Larry Harlow. Rodríguez cita al comediante Lenny Bruce, el director de cine Werner Herzog, el antropólogo Carlos Castañeda y Matias Dulbecco como cuatro influencias importantes. El hecho de que estas personas no sean músicos resalta el acercamiento no convencional de Rodríguez a su medio, diferenciándolo de otros guitarristas de esta era y pasadas. Rodríguez-López está nombrado por toda la música escuchada en el lanzamiento del 2005 de The Mars Volta, Frances the Mute. Recientemente también ha terminado de producir el siguiente álbum de la banda de Los Ángeles Radio Vago. Su mejor amigo es David Szechtman.

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Omar Rodríguez- López

Discography Solo • • • • • • • • • •

A Manual Dexterity: Soundtrack Volume One (2004) como Omar A. Rodríguez-López - LP Omar Rodríguez (2005) como Omar Rodríguez-López Quintet - LP Se Dice Bisonte, No Bufalo (2007) como Omar Rodríguez López - LP The Apocalypse Inside of an Orange (2007) como Omar Rodríguez López Quintet - LP Calibration (Is Pushing Luck and Key Too Far) (2007) como Omar Rodríguez López - LP Absence Makes the Heart Grow Fungus (2008) como Omar Rodríguez-López - LP Minor Cuts and Scrapes in the Bushes Ahead (2008) como Omar Rodríguez-López - LP Old Money (2008) como Omar Rodríguez-López - LP Megaritual (2009) as Omar Rodríguez-López - LP Despair (2009) as Omar Rodríguez-López - LP

Colaboraciones • The Special 12 Singles Series (2005) como Omar Rodríguez-López & John Frusciante contribución de dos tracks • Please Heat This Eventually (2007) como Omar Rodríguez-López & Damo Suzuki - EP • Omar Rodríguez-López & Lydia Lunch (2007) como Omar Rodríguez López & Lydia Lunch - EP • Omar Rodríguez-López & Jeremy Michael Ward (2008) como Omar Rodríguez López & Jeremy Michael Ward - LP

Con Startled Calf • I Love Being Trendy (1991) - EP

Con At the Drive-In • Acrobatic Tenement (1996) - LP • El Gran Orgo (1997) - EP • • • •

In/Casino/Out (1998, relanzamiento 2004) - LP Vaya (1999, relanzamiento 2004) - EP Relationship of Command (2000, relanzamiento 2004) - LP This Station Is Non-Operational (2005) - Compilatorio

Con De Facto • • • •

456132015 (2001) - EP Megaton Shotblast (2001) - LP How Do You Dub? You Fight For Dub, You Plug Dub In (2001) - LP Legende Du Scorpion A Quatre Queues (2001) - LP

Con The Mars Volta • Tremulant (2002) - EP • De-Loused in the Comatorium (2003) - LP • Live (2003) - Live EP • Frances the Mute (2005) - LP • Scabdates (2005) - Live LP

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Omar Rodríguez- López • Amputechture (2006) - LP • The Bedlam in Goliath (2008) - LP • Octahedron (2009) - LP

Con Zechs Marquise • Zechs Marquise (2006) • Our Delicate Standred Nightmare (2008)

Con El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez-López • Cryptomnesia (2009)

Apariciones como Invitado • • • • •

Shadows Collide With People por → John Frusciante (2004) Inside of Emptiness por → John Frusciante (2004) White People por Handsome Boy Modeling School (2004) Curtains por → John Frusciante (2005) Radio Vago por Radio Vago (2005)

• • • • •

The Phantom Syndrome por Coaxial (2005) Stadium Arcadium por Red Hot Chili Peppers (2006) I'll Sleep When You're Dead por El-P (2007) New Amerykah por Erykah Badu (2008) Negativa por Hour of the Monarchy (2008)

Como Productor • • • • •

De-Loused in the Comatorium por → The Mars Volta (2003) co-producido con Rick Rubin A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 (2004) Frances the Mute por → The Mars Volta (2005) Scabdates por → The Mars Volta (2005) Omar Rodríguez (2005)

• • • • • • • • •

Radio Vago por Radio Vago (2005) Amputechture por → The Mars Volta (2006) Please Heat This Eventually (2006) Se Dice Bisonte, No Bufalo (2007) Omar Rodríguez-López & Lydia Lunch (2007) The Apocalypse Inside of an Orange (2007) Calibration (Is Pushing Luck and Key Too Far) (2007) The Bedlam in Goliath por → The Mars Volta (2008) Omar Rodríguez-López & Jeremy Michael Ward (2008)

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Cedric Bixler- Zavala

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Cedric Bixler-Zavala Cedric Bixler-Zavala (nacido el 4 de noviembre de 1974 en Redwood City, CA). Es el cantante y compositor de → The Mars Volta, previamente en At The Drive-In.

Biografía Criado en El Paso, Texas, Cedric es el actual líder del aclamado grupo de rock → The Mars Volta, así como también el cantante oficial de la banda post-hardcore At the Drive-In. Está frecuentemente junto a su cercano y colaborador amigo → Omar Rodríguez-López.

Cedric Bixler-Zavala

Durante la época de At the Drive-In, Cedric solía cantar las canciones gritando. Para su trabajo con → The Mars Volta, Cedric en gran medida ha dejado sus gritos emotivos de la juventud en favor de cantar un registro más alto melismaticamente. En algunos momentos el se acerca a whistle register. También es notable por experimentar continuamente con efectos vocales, logrando que suene como si cantase por teléfono, bajo el agua o como una laringe mecánica. → Omar Rodríguez-López incluso comentó que la cantidad de distorsión en la voz de Cedric en The Mars Volta imposibilita el uso de un guitarrista rítmico. Las letras de Cedric son frecuentemente tan abstrusas que llegan al punto de parecer que no tienen sentido. Estas letras mezclan metáforas contrastantes, usualmente relacionado con lo grotesco, ficción especulativa. El ha citado una variedad de influencias como, Werner Herzog, Luis Buñuel, Neu!, Doctor Who, y cuentos folclóricos Mexicanos. adornos corrientes en su trabajo son skin grafts, Jet lag y lepers. También ha experimentado con letras bilingües, cambiando del inglés al español, varias veces durante el transcurso de una canción. El álbum críticamente aclamado De-Loused in the Comatorium fue acompañado por una novela con el mismo nombre, escrita por Cedric y Jeremy Ward con el estilo metafórico de sus letras. Cedric también ha tocado la guitarra en At the Drive-In y la batería con el grupo instrumental dub De Facto. Posiblemente el hombre con la mejor voz del mundo.

Historial de bandas • • • • • •

The Fall on Deaf Ears Phantasmagoria The Dregtones At The Drive-In De Facto → The Mars Volta

Cedric Bixler- Zavala

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Apariciones como invitado • Thavius Beck, Decomposition • Mastodon, Blood Mountain

John Frusciante John Frusciante

John Frusciante en un concierto con los Red Hot Chili Peppers en agosto de 2006. Información personal Nombre

John Anthony Frusciante

Nacimiento

5 de marzo de 1970 (39 años)

Origen

Queens, Nueva York, NY

Ocupación(es)

Compositor Cantante Guitarrista

Estados Unidos

Información artística Género

Funk rock Rock alternativo Indie rock Rock psicodélico Rock experimental Música electrónica Lo-fi

Instrumento(s)

Guitarra Bajo Voz Teclados

Período de actividad

1988 - Presente

Discográfica(s)

Warner Bros American Recordings

Artistas relacionados

Red Hot Chili Peppers → The Mars Volta Ataxia De Facto Web

Sitio web

www.johnfrusciante.com

[1]

John Frusciante

John Anthony Frusciante (Nueva York, NY, Estados Unidos, 5 de marzo de 1970) es un guitarrista, cantante, compositor y productor estadounidense, que forma parte de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers. Frusciante ha desarrollado una activa carrera musical en solitario, ya que ha editado nueve álbumes y ha colaborado con artistas como Josh Klinghoffer y Joe Lally bajo el nombre de Ataxia. Al contrario que con su carrera en Red Hot Chili Peppers, sus trabajos en solitario tienden hacia el rock experimental, la música ambient, la new wave y la música electrónica. Frusciante se unió a Red Hot Chili Peppers en 1988, después de la muerte por sobredosis de Hillel Slovak. Su primera aparición fue en el álbum de 1989 Mother's Milk, para después grabar el clásico Blood Sugar Sex Magik, que se convirtió en un auténtico éxito. La repentina fama y las constantes giras hicieron que Frusciante abandonase la formación en 1992, y se recluyó en su casa para volverse adicto a la heroína y grabar una serie de discos en solitario. Ya en 1998, el guitarrista completó con éxito un proceso de rehabilitación que le permitió regresar a los Red Hot Chili Peppers el mismo año y grabar con ellos el disco Californication. Desde entonces, ha permanecido como miembro estable de la formación y uno de sus principales compositores. Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 18 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.[2]

Biografía Primeros años Frusciante nació en Queens, el 5 de marzo de 1970. Su padre, John Frusciante Sr., era pianista y juez, y su madre, Gail Frusciante, era una vocalista que dejó su carrera musical para convertirse en ama de casa.[3] La familia Frusciante se trasladó a Tucson, Arizona, y posteriormente a Florida, donde su padre ejerce actualmente la profesión de juez. Cuando sus padres se separaron, Frusciante y su madre se mudaron a Santa Monica, California.[3] Un año después, se trasladaron nuevamente, esta vez a Mar Vista, en el extrarradio de Los Ángeles, con el padrastro de John. Según éste, el nuevo novio de su madre le «apoyaba», y le «hacía sentir bien».[3] Ya en su adolescencia, Frusciante entró en contacto con la juventud angelina inmersa en el punk rock.[4] A los nueve años, comenzó a escuchar a The Germs, y a los diez ya sabía tocar en su guitarra casi todas las canciones del álbum (GI),[3] y comenzó a recibir clases de guitarra. A los once años descubrió a guitarristas como Jeff Beck, → Jimmy Page y → Jimi Hendrix, y poco después escuchó por primera vez a → Frank Zappa.[5] Durante su adolescencia llegaba a tocar sus temas hasta quince horas al día.[6] A los dieciséis años, Frusciante dejó el instituto para dedicarse a la música, y se mudó al centro de Los Ángeles para mejorar sus técnicas musicales.[7]

Red Hot Chili Peppers (88-92) Cuando Frusciante tenía dieciséis años, vio por primera vez a los Red Hot Chili Peppers en concierto, y se convirtió en seguidor de su carrera,[4] de tal manera que se aprendió las partes de bajo y guitarra de los tres primeros discos de la banda. Al frecuentar los conciertos de la banda, Frusciante se hizo amigo del guitarrista Hillel Slovak, con quien habló después del último concierto que daría el guitarrista israelí: «Hillel me preguntó, -¿Te seguirían gustando los Chilis si se convirtiesen tan populares como para tocar en el LA Forum?- Yo dije, -No. Lo arruinaría todo. Eso es lo bueno de la banda, que la audiencia no se siente diferente con respecto a ella en absoluto.- Existía realmente esta vibración en sus

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John Frusciante conciertos, nada de la frustración que recorre la audiencia cuando todo el mundo está saltando y el resto no pueden levantarse del sitio. Ni siquiera veía los conciertos. Me sentía parte de la banda, y creo que el resto del público también.»[8] [9] Frusciante se hizo amigo del antiguo batería de Dead Kennedys, D.H. Peligro, en 1988. Improvisaron varias veces juntos, y Peligro invitó a su amigo Flea (bajista de los Red Hot Chili Peppers) a improvisar con ellos. Frusciante y Flea contactaron de tal manera que Flea dijo después que fue la primera vez que había tocado el riff de bajo de la canción «Nobody Weird Like Me» (presente en el disco Mother's Milk, por aquel entonces aún sin componer).[10] Alrededor de ese tiempo, Frusciante iba también a realizar algunas audiciones para ingresar en la banda de → Frank Zappa, pero abandonó la idea cuando se enteró de que los integrantes de la banda de Zappa no podían consumir drogas de ningún tipo. En una entrevista, Frusciante dijo: «Me di cuenta de que quería ser una estrella del rock, tomar drogas y estar con chicas, y que no sería capaz de hacer eso en la banda de Zappa».[3] En 1988, Hillel Slovak murió de sobredosis de heroína, y el batería de Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, dejó la banda al no ser capaz de asimilar la muerte de su amigo.[4] Los restantes integrantes de la formación, el bajista Flea y el vocalista Anthony Kiedis, decidieron continuar con su carrera y contrataron a D.H. Peligro como batería y a DeWayne "Blackbyrd" McKnight como guitarrista, ex miembro de Parliament Funkadelic.[4] Sin embargo, McKnight no acababa de convencer al dúo Flea-Kiedis, y decidieron buscar un sustituto.[11] A Flea le vino a la mente aquella improvisación con John Frusciante, y rápidamente decidieron someterle a una audición y, posteriormente, aceptarlo en el seno de la banda como un reemplazo perfecto de McKnight, ya que, según Kiedis y Flea, John tocaba y se movía como Hillel Slovak sobre el escenario.[9] Frusciante, que estaba a punto de unirse a la banda de punk Thelonius Monster, aceptó sin dudar.[12] Poco después de la llegada de Frusciante al grupo, D.H. Peligro, quien comenzaba a abusar en gran medida de las drogas, fue despedido,[13] y poco después la llegada de Chad Smith para cubrir su hueco hizo que los Red Hot Chili Peppers comenzasen a componer su siguiente disco, Mother's Milk, en 1989. Durante las sesiones de grabación, Frusciante quiso emular al fallecido Slovak en lugar de centrarse en su propio estilo, algo en lo que no estaba de acuerdo el productor del disco, Michael Beinhorn, quien quería que su guitarra sonase en un tono de heavy metal poco común.[14] Esto ocasionó diversos enfrentamientos entre Frusciante y Beinhorn, aunque al final acabó venciendo el punto de vista del productor.[14] El siguiente álbum de la banda fue Blood Sugar Sex Magik, y el segundo con Frusciante en sus filas. El productor del disco, Rick Rubin, pensó que la grabación del trabajo tenía que llevarse a cabo en un lugar poco frecuente, por lo que la banda se trasladó a una vieja mansión de Hollywood.[15] Durante las sesiones de grabación, Kiedis, Frusciante y Flea se aislaron en la mansión y comenzaron a fumar grandes cantidades de marihuana, especialmente Flea y Frusciante.[16] Alrededor de esta época, Frusciante inició un proyecto con Flea y Stephen Perkins, batería de Jane's Addiction y Porno for Pyros, llamado The Three Amoebas. Aunque grabaron entre diez y quince horas de música, nada de esto fue publicado nunca.[8]

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John Frusciante

Blood Sugar Sex Magik fue un auténtico éxito desde su publicación el 24 de septiembre de 1991. El disco alcanzó el tercer lugar de la lista del Billboard 200 y vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos.[17] El inesperado éxito del trabajo convirtió a los Red Hot Chili Peppers en superestrellas, y Frusciante comenzó a sentirse incómodo con su nuevo estatus. Poco después de la edición del álbum, comenzó a disgustarle la amplia popularidad de la banda. Kiedis escribió en su autobiografía, titulada Scar Tissue, que él y Frusciante solían mantener acaloradas discusiones después de los conciertos. En opinión de Kiedis: Concierto de los Red Hot Chili Peppers en John diría, «somos demasiado populares. No octubre de 1991: Anthony Kiedis necesito estar a este nivel de éxito. Sólo estaría (izquierda) y John Frusciante. orgulloso de estar tocando esta música en los clubes en los que tocabais vosotros hace dos años».[18] Frusciante diría después que el aumento de popularidad de la banda fue «demasiado alto, demasiado lejos, demasiado pronto. Todo parecía estar pasando a la vez y yo no pude hacerle frente».[19] También comenzó a creer que el destino lo estaba alejando de la banda. Cuando los Chili Peppers comenzaron su gira mundial, Frusciante se convenció de que no podría hacerlo durante la misma, por lo que tenía que hacerlo ahora.[20] Frusciante admitió una vez que había sido un placer vivir en una existencia hedonista; sin embargo, «a los veinte años comencé a portarme bien y a mirar la música como una forma artística de expresión en vez de una forma de ligarse a un montón de chicas. Para equilibrarme, tenía que ser muy modesto, muy antiestrella de rock».[21] En otra entrevista, el guitarrista expresó: «No era un buen momento, no congeniábamos como personas, no es divertido estar en una banda con la que no disfrutas. Yo no toco para ganarme la vida, yo hago música porque amo hacerla y paso de estar con gente que no ama hacer música conmigo».[22] Frusciante se negó a salir a escena en una actuación en el Club Quattro de Tokio, el 7 de mayo de 1992, diciendo que había dejado la banda. Al final, sus compañeros consiguieron convencerle de que tocase en aquel concierto, pero al día siguiente partió para California.[23] Cuando el mánager de la banda le preguntó cómo podía explicar a los fans su repentina marcha, Frusciante respondió: «Díganles que me volví loco».[9]

Adicción a las drogas (92-97) Frusciante desarrolló una fuerte adicción a las drogas durante sus cuatro años como miembro de los Red Hot Chili Peppers. Aparte de sus altas dosis de marihuana, el guitarrista se volvió adicto a la heroína. Regresó a su casa en California y cayó en una profunda depresión, al sentir que no podría nunca más escribir o tocar música, y que su vida estaba acabada.[20] Durante un largo periodo de tiempo, se centró en la pintura y en la producción de cuatro canciones grabadas durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik. Para poder afrontar su depresión, comenzó a consumir aún más heroína, y su vida se vio amenazada por su adicción.[4] Según Frusciante, su decisión de tomar heroína para curar su depresión fue clara: «Estaba muy triste, y estaba muy contento cuando tomaba drogas; por lo tanto, tenía que tomar drogas todo el tiempo. Nunca me sentí culpable, siempre

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John Frusciante estuve muy orgulloso de ser un adicto».[24] El propio guitarrista explicó que su inspiración musical provenía de sus charlas con espíritus en forma de voces, ondas o cuerpos astrales.[9] En sus propias declaraciones dijo: «Oh, es de donde viene mi música, de cuando yo formaba parte del espacio exterior. Mi música es una representación de seres de otras [22] dimensiones que aparecen en mi cuerpo, me hablan y me dan ideas». Frusciante publicó su primer disco en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt, el 8 de marzo de 1994. La mayoría de las canciones del álbum fueron grabadas cuando estaba ligado a la heroína en su apartamento de Hollywood.[25] El disco fue grabado parcialmente durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y fue publicado a través de American Recordings. Un artículo publicado en el periódico New Times de Los Ángeles describió a Frusciante como un despojo humano y un esqueleto cubierto de piel,[9] quien, al límite de su adicción, estaba cerca de morir por una infección sanguínea.[26] Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando abscesos permanentes.[21] Permaneció los tres años siguientes encerrado en su casa de Hollywood, cuyas paredes estaban cubiertas de grafitis.[27] Durante esta época, Johnny Depp y Gibby Haynes, amigos suyos, fueron a su casa y grabaron el documental Stuff, resaltando su escuálido estado.[27] Además, su casa fue destruida por un incendio que quemó toda su colección de guitarras e hirió a Frusciante después de escapar.[28] Su ex compañero Anthony Kiedis fue quien le prestó el dinero suficiente para que Frusciante se pudiese comprar otra guitarra.[29] En 1997, el segundo álbum de Frusciante, Smile from the Streets You Hold, salió a la luz. En esta grabación se muestra el delicado estado de salud del guitarrista, quien tose durante parte de la grabación. El disco sirvió para recaudar dinero para costearse su adicción, aunque fue retirado del mercado en 1999 a petición suya.[25] [4] El guitarrista declaró en el año 2005 que tenía intención de volver a publicar el álbum en un futuro.[30]

Rehabilitación y vuelta a los Red Hot (97-02) A finales de 1997, después de más de cinco años de adicción, John Frusciante dejó de usar heroina radicalmente,[14] pero no fue capaz de doblegar su adicción a la cocaína y al alcohol.[14] En enero de 1998, después de ser convencido por su amigo Bob Forrest, vocalista de Thelonius Monster, Frusciante ingresó en una clínica de rehabilitación en Pasadena, llamada Las Encinas.[14] Después de su ingreso, se le diagnosticó una infección bucal potencialmente letal, que sólo podía ser curada reemplazando todos sus dientes por una dentadura postiza.[3] Recibió también injertos de piel en sus brazos llenos de pus a causa de las inyecciones de heroína,[27] y un mes después, Frusciante salió de Las Encinas para reingresar a la sociedad.[14] Después de recuperarse de su grave estado de salud, Frusciante comenzó una nueva vida marcada por la espiritualidad y el ascetismo. Después de practicar yoga y vipassana, descubrió el efecto de la autodisciplina en el cuerpo, y comenzó una vida más saludable y armoniosa.[28] Además, para no distraerse de su actividad musical y seguir con su vida espiritual, decidió abstenerse de la vida sexual: «Estoy muy bien sin ella».[20] Sin embargo, Frusciante se halla inmerso en una relación amorosa con la cantante Emily Kokal, de quien dice que le ha sacado de sus crisis.[31] Todos estos cambios le llevaron a cambiar completamente su actitud hacia las drogas: «No necesito tomar drogas. Me siento mucho mejor ahora a causa del ímpetu que una persona puede tener cuando se dedica a algo que realmente ama. Ni siquiera considero tomarlas, es una estupidez. Entre mi dedicación en

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John Frusciante intentar ser un mejor músico y mi dieta sana y la práctica del yoga, me siento mucho mejor que hace unos pocos años tomando drogas. En este momento soy la persona más feliz del mundo. Esas cosas no me joden en absoluto, y estoy muy orgulloso de ellas, no sabes bien qué orgulloso estoy. Es una cosa tan bonita ser capaz de afrontar la vida, afrontarse a si mismo, sin esconderse detrás de las drogas; sin tener que tener ira hacia las personas que te aman. Hay personas que se asustan al perder algo, pero tú no pierdes nada con ninguna otra razón que si te abandonas a ti mismo».[32] A pesar de su experiencia como un adicto, Frusciante no ve su empleo de drogas como un periodo oscuro en su vida.[33] Considera que fue un periodo de renacimiento, durante el cual se encontró a sí mismo y clarificó su mente. Además, en otra entrevista, el guitarrista dijo: «Tarde o temprano, los estupefacientes te hacen retroceder, te deprimen. No necesito las drogas porque he comprobado que lo que esas sustancias te dan, también lo puedes lograr sin ellas».[34] Desde entonces Frusciante dejó de practicar yoga debido a sus problemas de espalda, pero se propuso continuar intentando meditar diariamente.[28] A comienzos de 1998, los Red Hot Chili Peppers despidieron a su guitarrista Dave Navarro y estuvieron a punto de disolverse. Flea le dijo a Anthony Kiedis que la única manera de seguir con la banda era que John Frusciante volviese a ella.[35] Con el guitarrista libre de adicciones y malestares, Kiedis y Flea pensaron que era el momento idóneo para pedirle que volviese. Cuando Flea llegó a casa del guitarrista y le pidió que regresase a la banda, Frusciante dijo llorando que nada le haría más feliz en el mundo.[14] Con la alineación de los Red Hot completa, la banda comenzó a trabajar en su siguiente trabajo, Californication, editado en 1999. Con Frusciante volvió una pieza clave en el sonido de la banda, así como una inyección de moral y un gran impacto en la forma de composición de sus obras.[16] Frusciante ha dicho en varias entrevistas que su álbum favorito es Californication.[16] Durante la gira de Californication, el guitarrista continuó escribiendo canciones, la mayoría editadas en el álbum en solitario To Record Only Water for Ten Days de 2001. Este trabajo fue una marcada separación con respecto a sus antecesores, al centrarse en el vanguardismo y con abundantes monólogos interiores. Sin embargo, las letras, al igual que sus trabajos anteriores, son crípticas.[36] El estilo se separa también del rock alternativo de Californication, con influencias de la música new wave y la música electrónica.[37] En lugar de enfocar su trabajo en la guitarra, se centró en los sintetizadores, pieza clave en esta grabación.[37] En 2001, Frusciante comenzó a grabar su cuarto álbum con los Red Hot Chili Peppers, By the Way. Esa época está considerada por él mismo como una de las más felices de su vida.[16] Disfrutaba la oportunidad que le daba el álbum de «escribir mejores canciones».[16] Mientras estaba escribiendo By the Way, Frusciante compuso también la mayoría de las canciones presentes en su siguiente álbum, Shadows Collide with People, así como la banda sonora de la película The Brown Bunny.[38] Frusciante quería emular en By the Way a Johnny Marr, Anthony Partridge y John McGeoch. El álbum marcó un cambio de mentalidad en Frusciante, hacia una concepción mejor formada de un grupo musical.[16] By the Way fue lanzado el 9 de julio de 2002.

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John Frusciante

Grabaciones de 2004 y Stadium Arcadium Frusciante escribió una serie de canciones durante y después de la gira By the Way. En febrero de 2004, empezó un proyecto con Joe Lally (de Fugazi) y Josh Klinghoffer llamado Ataxia. En dos semanas, el grupo grabó aproximadamente 90 minutos de música.[39] Después de dos días de grabaciones en el estudio, la banda tocó dos conciertos en el Knitting Factory de Hollywood, y pasaron dos días más en el estudio antes de disolverse. Más tarde, aún en 2004, aparecieron cinco canciones de Frusciante en la banda sonora de la película The Brown Bunny.[40] Shadows Collide with People, el cuarto álbum en solitario de Frusciante, salió al mercado el 24 de febrero de 2004. En el álbum se pueden escuchar apariciones de amigos del guitarrista, como Josh Klinghoffer, → Omar Rodríguez-López, Flea y Chad Smith.[41] En junio de 2004, Frusciante anunció que editaría seis discos en un periodo de seis meses:[42] The Will to Death, Automatic Writing (bajo el nombre de Ataxia), DC EP, Inside of Emptiness, A Sphere in the Heart of Silence y Curtains. Con la edición de Curtains, Frusciante realizó su primer vídeo musical de 2004, para la canción «The Past Recedes». Frusciante quería grabar estas canciones en formato casete de manera rápida y evitando los estudios modernos y las grabaciones ayudadas por ordenadores.[43] A comienzos de 2005, el guitarrista entró en el estudio para grabar su quinto álbum con los Red Hot Chili Peppers, Stadium Arcadium, en el que domina su guitarra en la mayoría de las canciones, realizando también los coros. En los arreglos del disco, Frusciante utilizó una amplia gama de sonidos, que van desde los escuchados en Blood Sugar Sex Magik hasta los de By the Way. Varios críticos, e incluso el propio Frusciante, notaron la influencia de → Jimi Hendrix en la mayoría de los solos del disco.[44] Además, expandió la cantidad de efectos de su guitarra y empleó otros instrumentos, como el sintetizador y el melotrón.[45] Frusciante comenzó a trabajar con su amigo → Omar Rodríguez-López y su banda → The Mars Volta, contribuyendo en los coros y tocando los instrumentos electrónicos en el disco De-Loused in the Comatorium.[46] También contribuyó con los solos del disco Frances the Mute,[47] y en su disco Amputechture tocando la guitarra en siete de las ocho canciones del trabajo.[48] Por su parte, Omar Rodríguez ha trabajado en varios trabajos en solitario de Frusciante.[49] [50] El 29 de mayo de 2007, Ataxia editó su segundo y último álbum de estudio, AW II.

Actualidad y nuevo disco para 2009 Como continuación de Curtains, Frusciante publicó The Empyrean el 20 de enero de 2009. Además, según declaraciones del propio artista, no promocionará en concierto este disco, puesto que quiere enfocarse en su creatividad en lugar de presentar su música a la gente.

Estilo musical El estilo musical de Frusciante ha evolucionado a lo largo de su carrera musical. Aunque ya a comienzos de la década de 1990 los críticos comenzaron a reconocer su trabajo, no fue hasta la publicación de Stadium Arcadium cuando la crítica y el público comenzaron a alabar su estilo en las seis cuerdas.[51] Frusciante atribuye esto a un cambio de enfoque, declarando que en el álbum había elegido un acercamiento a los patrones rítmicos inspirados en la complejidad de los trabajos de → Jimi Hendrix o Eddie Van Halen.[52] En grabaciones precedentes, sin embargo, Frusciante se centraba más en la influencia de los

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grupos de punk underground y músicos de new wave.[16] Generalmente, su sonido está definido como una conjunción de los mejores guitarristas de la historia del rock. Todas las guitarras con las que ha ido de gira y grabado fueron fabricadas antes de 1970.[53] Su instrumento más utilizado es una guitarra Fender Stratocaster Sunburst de 1962 que ha utilizado en todos los álbumes de los Red Hot desde su vuelta en 1998,[54] aunque utiliza una distinta según crea que encaje mejor con la estructura de la canción que tenga que grabar. El instrumento más preciado de Frusciante es una guitarra Gretsch White Falcon de 1955, que usó dos veces por concierto durante la gira By the Way. Desde entonces, ha eliminado la White Falcon de su repertorio, diciendo que «no hay lugar para ella».[54] Frusciante utiliza una variedad vocal en sus álbumes en solitario que van desde los chillidos de los discos Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold hasta estilos más convencionales presentes en el resto de las grabaciones del guitarrista.[55] Con los Red Hot Chili Peppers, utiliza una voz en falsetto en los coros de las canciones, que empleó por primera vez en Blood Sugar Sex Magik. Según sus declaraciones, disfruta con su papel de corista en la banda, y cree que los coros son una forma real de arte.[56] A pesar de su labor con los Red Hot Chili Peppers, Frusciante cree que su trabajo en solitario debe permanecer separado de su trabajo con la banda.[56] Dentro de él, Frusciante reconoce que su anterior uso de drogas aumentó su inspiración: «Sí, pero no es el único modo de conectar con este mundo, hay otras maneras, como la meditación, el yoga y la purificación del cuerpo. Cuidándote, haciendo ejercicio, puedes conseguir conexión con seres de otras dimensiones, hay que mantener la mente abierta y el cuerpo saludable. El placer que siento bebiendo hierbas, cava y valeriana, es mejor que el que he sentido nunca tomando drogas, que es como meter una química innecesaria en mi cuerpo».[22]

Técnica La técnica guitarrera de Frusciante está centrada en la emotividad y la melodía más que en el virtuosismo.[57] Aunque algunos elementos de su virtuosismo pueden apreciarse en algunas de sus grabaciones, el propio Frusciante declaró que intenta que salgan lo mínimo a relucir.[58] Piensa que la forma de tocar la guitarra no ha evolucionado mucho desde los años '60, especialmente desde que se retiró → Jimmy Page, guitarrista de → Led Zeppelin,[31] y considera que los mejores guitarristas de esa década son imbatibles.[58] Durante su adolescencia, muchos guitarristas del mainstream elegían centrarse en la velocidad. A causa de esto, cree que muchos guitarristas de punk y new wave han sido pasados por alto.[16] Esta es la razón por la cual Frusciante prefiere centrarse en sus capacidades melódicas inspiradas en guitarristas como Matthew Ashman de Bow Wow Wow y → Bernard Sumner de → Joy Division.

→ Bernard Sumner, guitarrista de → Joy Division y uno de los músicos que más influyó en John Frusciante, en un concierto en febrero de 2007.

John Frusciante Frusciante cree que el estilo de estos músicos no ha sido desarrollado al máximo por haber sido dejados de lado, razón por la cual prefiere partir desde esa dirección.[16] Sin embargo, se considera fan de guitarristas técnicos como Steve Vai o Randy Rhoads, pero intenta reprimir el deseo de imitarles: «La gente cree que por tocar más rápido y por crear nuevas técnicas puedes progresar adelante, pero entonces se dan cuenta de que emocionalmente no han progresado en absoluto. No transmiten nada a la gente que está escuchando y dicen que están donde Hendrix estaba hace tres décadas. Algo parecido le pasó a Vai en los '80».[58] Creyendo que enfocarse sólo en tonos claros es negativo, Frusciante desarrolló su propio estilo que él mismo llamó como "sucio". Como resultado, cree que es bueno «maltratar» a la guitarra y probar varias formas de distorsión en los solos.[58] Dice también que intenta romper tantos límites estilísticos como puede, con el fin de expandir sus horizontes musicales. Frusciante afirmó que muchas obras de los guitarristas contemporáneos sufren de una falta de originalidad, y que muchos de sus contemporáneos siguen las reglas sin arriesgarse.[58] A lo largo de los años, Frusciante ha variado su forma de componer álbumes. En sus primeras grabaciones, dejaba que las imperfecciones entraran en el disco.[59] Sin embargo, en posteriores álbumes como Shadows Collide with People se posicionó en la postura contraria: «Sólo quería que todo fuese perfecto. No quería nada fuera de sitio, o fuera de tiempo, o cualquier cosa no intencionada».[59] Frusciante ve la composición como un desarrollo progresivo: «Si una canción quiere venir hacia mí, siempre estoy dispuesto a recibirla, pero no trabajo en eso».[20] Muchas canciones en solitario fueron escritas inicialmente con una guitarra acústica o una guitarra eléctrica sin amplificar.[60] Frusciante cultiva una atmósfera propicia para componer al estar constantemente escuchando la música de otros y absorbiendo su influencia creativa.[61] También prefiere grabar sus composiciones en casetes o cualquier otro equipamiento primitivo,[62] siguiendo la línea de los artistas de lo-fi,[63] ya que cree que el uso de material de grabación antiguo sirve para acelerar el proceso de grabación, y que las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación dan sólo una ilusión de eficiencia.[43] Frusciante intenta acortar lo máximo posible el proceso de grabación, porque cree que la música «viene viva cuando la creas rápido». También le satisface el reto de grabar algo en unas pocas tomas, afirmando que cuando los músicos son incapaces de sobrellevar la presión de tener que grabar algo rápidamente, a veces se frustran o se ahogan en el perfeccionismo.[62]

Influencias Aunque Slovak y Hendrix fueron quizá las mayores influencias de John Frusciante antes de unirse a los Red Hot, otras formaciones que dejaron su impronta en Frusciante fueron Captain Beefheart, The Residents, The Velvet Underground, Neu! o Kraftwerk.[3] [64] A su vez, el propio Frusciante acredita como influencias para aprender a tocar la guitarra a Greg Ginn, Pat Smear o Joe Strummer, entre otros.[51] En sus años de adolescente, comenzó a fijarse en → Jimi Hendrix y → Led Zeppelin, así como en otras bandas como Public Image Ltd., Siouxsie & the Banshees y The Smiths.[64] [16] A Frusciante también le agradan músicos como Leadbelly o Robert Johnson, quienes influyeron notablemente en la composición de Blood Sugar Sex Magik.[65] En Californication y By the Way, Frusciante extrajo la técnica de crear texturas tonales a través de varios patrones del guitarrista de post punk Vini Reilly de The Durutti Column y bandas como Fugazi o The Cure.[16] [66] Sin embargo, durante la grabación de Stadium Arcadium Frusciante se apartó del new wave y se concentró en emular músicos más espectaculares como Jimi Hendrix o Eddie Van

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Halen.[52] En sus dos primeros álbumes en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold, se aprecia claramente la influencia de las composiciones en solitario del ex miembro de → Pink Floyd, → Syd Barrett, quien también pasó por un proceso de adicción a las drogas y depresión después de dejar su antigua banda,[9] y de quien se considera admirador.[67] Con su reciente trabajo en solitario, Frusciante ha citado la música electrónica como mayor influencia, entre la que se encuentran Ekkehard Ehlers, Peter Rehberg y Christian Fennesz.[64] Sus intereses están en constante cambio, ya que cree que, sin cambio, no tendría ningún interés en tocar: «Estoy siempre tomando inspiración de diferentes clases de música, y voy a cada nuevo proyecto con una idea preconcebida de qué géneros son los que voy a mezclar».[59]

Discografía Red Hot Chili Peppers Véase también: Discografía de los Red Hot Chili Peppers

• Mother's Milk (1989) • Blood Sugar Sex Magik (1991) • Californication (1999) • By The Way (2002) • Stadium Arcadium (2006)

En solitario Fecha de publicación

Título

Sello discográfico

8 de marzo de 1994

Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt

American Recordings

26 de agosto de 1997

Smile from the Streets You Hold

Birdman Records

13 de febrero de 2001

To Record Only Water for Ten Days

Warner Music Group

5 de marzo de 2001

Going Inside

Warner Music Group

24 de febrero de 2004

Shadows Collide with People

Warner Bros.

22 de junio de 2004

The Will to Death

Record Collection

14 de septiembre de 2004

DC EP

Record Collection

26 de octubre de 2004

Inside of Emptiness

Record Collection

23 de noviembre de 2004

A Sphere in the Heart of Silence

Record Collection

1 de febrero de 2005

Curtains

Record Collection

20 de enero de 2009

The Empyrean

Record Collection

John Frusciante

Ataxia • Automatic Writing (2004) • Automatic Writing II (2007)

Colaboraciones • • • • •

Kristen Vigard de Kristen Vigard (1988) Height Down de River Phoenix (1991) Anytime at All de Banyan (1999) Rev de Perry Farrell (1999) You Come and Go Like a Pop Song de The Bicycle Thief (1999)

• Fishbone and the Familyhood Nextperience Present: The Psychotic Friends Nuttwerx de Fishbone (2000) • Blowback de Tricky (2001) • American IV: The Man Comes Around de Johnny Cash (2002) • Dragonfly de Ziggy Marley (2003) • De-Loused in the Comatorium de → The Mars Volta (2003) • We're a Happy Family: A Tribute to the Ramones (2003). • • • • • • •

The Brown Bunny OST de Vincent Gallo (2003) Gallo+Gallo=Funny de Vincent Gallo (2004) A Manual Dexterity: Soundtrack Volume One de → Omar Rodríguez-López (2004) Frances the Mute de → The Mars Volta (2005) Music for the Divine de Glenn Hughes (2006) Amputechture de → The Mars Volta (2006) The Bedlam in Goliath de → The Mars Volta (2007)

Bibliografía complementaria • Scar Tissue; Anthony Kiedis, Larry Sloman (6 de octubre de 2004). ISBN 1-4013-0101-0.

Enlaces externos • • • •

Sitio oficial [1] en inglés. Foro en español de RHCP [68] JFTab [69]. WEB no oficial en español [70]

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Marcel Rodríguez- López

Marcel Rodríguez-López Este artículo o sección sobre biografías y música necesita ser wikificado con un formato acorde a las convenciones de estilo. [1] Por favor, edítalo para que las cumpla. Mientras tanto, no elimines este aviso puesto el 22 de May de 2008. También puedes ayudar wikificando otros artículos. Atención: Por ahora no estamos clasificando los artículos para wikificar por biografías. Por favor, elige una categoría de artículos por wikificar de esta lista. Por ahora no estamos clasificando los artículos para wikificar por música. Por favor, elige una categoría de artículos por wikificar de esta lista.

Marcellus Rodriguez-López es un músico multiinstrumentista y el hermano menor de → Omar Rodríguez-López Instrumentos: Bongos, Congas, Drums, Cymbals, Maracas, Keyboards Y Shekere. Actualmente toca en → The Mars Volta y en Omar Rodriguez-Lopez Quintet, bandas en las cuales contribuye como percusionista. También fue el teclista de Omar Rodriguez-Lopez Quintet antes de la inclusión de Money Mark para la gira 2005. A pesar de eso Marcel no descuida su banda en la cual también es teclista Zechs Marquise. Anteriormente se desempelo en la banda Thieves Of Always, dirigida por Ralph Jasso, quien fue miembro de → The Mars Volta, en la gira del 2002. Marcel también ha tocado en vivo con los Red Hot Chili Peppers durante la gira Amputechture, contribuyendo con bongos en Hump de Bump y congas en Charlie. Apareció junto la banda para la gira Gnarls Barkley. Marcel también toco el clavinet durante las presentaciones de Warlocks, papel que fue originalmente desempeñado por Billy Preston en el estudio de grabación de Stadium Arcadium. Además Marcel actúa en la nueva película de su hermano Omar provisionalmente titulada The Sentimental Engine Slayer Discografía Con The Mars Volta Frances the Mute (2005) Scabdates (2005) Amputechture (2006) The Bedlam in Goliath (2008) Con The Omar Rodriguez-Lopez Group Omar Rodriguez (2005) Please Heat This Eventually (2007) Se Dice Bisonte, No Bùfalo (2007) Omar Rodriguez-Lopez & Lydia Lunch (2007) The Apocalypse Inside of an Orange (2007) Calibration (Is Pushing Luck and Key Too Far) (2007) Con Zechs Marquise Our Delicate Stranded Nightmare (2008)

Referencias [1] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Marcel_rodr%C3%ADguez-l%C3%B3pez

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The Who The Who The Who

→ Roger Daltrey y → Pete Townshend en una presentación en vivo en el año 2007.

Información personal Origen

Londres,

Inglaterra

Información artística Género

Rock and roll, hard rock, invasión británica, rock, mod, [1] álbum rock, rock psicodélico.

Período de actividad

1962 – 1983 1989 1996 – 1997 1999 – actualidad

Discográfica(s)

MCA Records Decca Records Track Records Miembros Formación clásica: → Pete Townshend → Roger Daltrey → John Entwistle → Keith Moon Formación actual: → Pete Townshend → Roger Daltrey → Zak Starkey Simon Townshend → Pino Palladino John "Rabbit" Bundrick Antiguos miembros Kenney Jones Colin Dawson Gabby Connolly Doug Sandom Simon Phillips

The Who es una banda inglesa de rock formada en 1962. Originalmente se llamaba The Detours, aunque poco después adoptarían el nombre de The High Numbers para más

The Who adelante pasarse a llamar The Who. La banda nació en Londres, Inglaterra. La alineación "clásica" estaba compuesta por → Roger Daltrey (voz), → Pete Townshend (guitarra), → John Entwistle (bajo) y → Keith Moon (batería). Townshend era el principal compositor: escribió la mayor parte de las canciones de la banda y fue el responsable de los conceptos e historias de álbumes como Tommy y Quadrophenia y el proyecto Lifehouse. Entwistle también compuso una parte importante de las canciones de The Who, y fue responsable de algunos temas importantes de la banda, en los que cantó (Townshend solo cantaba en algunas de sus propias canciones). De esa alineación sólo quedan vivos → Pete Townshend y → Roger Daltrey ya que → Keith Moon falleció por sobredosis de pastillas en 1978 (por lo que fue reemplazado por Kenney Jones) y → John Entwistle por un ataque al corazón en 2002. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock, y ha sido [2] descrita como "una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock". La banda es pionera del concepto de ópera rock, y se la considera precursora de subgéneros como el punk y el britpop.

Historia Inicios Cada uno de los eventuales miembros del grupo tocaron en diversos grupos: amigos desde su infancia, → Pete Townshend y → John Entwistle tocaron juntos por primera vez en una banda de jazz llamada The Confederates (Townshend tocaba el banjo y Entwistle el corno), y posteriormente tocaron juntos en The Aristocrats y The Scorpions. Mientras tanto, → Roger Daltrey era el guitarrista de una banda llamada The Detours. Daltrey invitó a Entwistle a unirse como bajista a The Detours; Entwistle aceptó y dejó The Scorpions. Entwistle entonces le propuso a Daltrey que Townshend reemplazara al guitarrista Reg Bowen, lo que Daltrey aceptó. The Detours fueron completados por el vocalista Colin Dawson y el baterista Doug Sandom, con Daltrey como guitarrista principal y Townshend como segunda guitarra. Eventualmente Dawson dejaría el conjunto y las funciones de vocalista fueron tomadas por Daltrey. The Detours comenzaron a tocar bajo diversos nombres, incluyendo The High Numbers y Maximum R&B. Por decisión de Daltrey, la banda comenzó a llamarse The Who (cuya traducción del inglés puede significar «El/Los Quiénes» o «El/Los Quién»)un poco antes de que → Keith Moon remplazase a Sandom en la batería (tuvieron que cambiar de nombre porque había otra banda llamada The Detours). Durante una presentación, Townshend rompió su guitarra accidentalmente, lo que llevó a que la siguiente ocasión en que tocaron en ese lugar la gente quisiera que la rompiera de nuevo, y así lo hizo, mientras que Moon también destrozó su batería. Durante un pequeño período durante 1964, cuando su manager era Peter Meaden, cambiaron su nombre a The High Numbers, y editaron el single "Zoot Suit/I'm The Face", que estaba orientado a sus fanáticos mod y tuvo poco éxito, por lo que la banda despidió a Meaden (que fue reemplazado por Kit Lambert y Chris Stamp) y se volvió a llamar The Who. La banda se convertiría rápidamente en una de las más populares entre los mods británicos, un movimiento de principios de los años 1960. La banda comenzó a ser liderada por Townshend, ya que éste era el principal compositor (aunque Entwistle también haría contribuciones notables ocasionalmente). Townshend buscaba escribir material inteligente y desafiante, pero Daltrey prefería material energético

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The Who y masculino (Daltrey ocasionalmente se negaba a cantar una composición de Townshend, por lo que debía ser cantada por este último), mientras que Moon era fan de la música surf de Estados Unidos.

"My Generation" y el éxito El primer éxito de la banda fue "I Can't Explain" (un single -disco sencillo de dos cancionesque seguía el estilo de los Kinks de esa época, lo que los mánagers del grupo querían que Pete hiciera para atraer al productor de los Kinks Shel Talmy, consiguieron captar su atención y obtuvieron un contrato de 5 años con el mismo), que fue seguido por "Anyway, Anyhow, Anywhere", la única canción que coescribieron Townshend y Daltrey. Al poco editaron su primer álbum: My Generation en Inglaterra y The Who Sings My Generation en Estados Unidos, que incluía himnos mod como "The Kids Are Alright" o "My Generation", que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), y que muchos consideran una de las primeras canciones punk[cita requerida]. El álbum también contenía dos versiones de James Brown. The Who Sings My Generation es frecuentemente considerado uno de los álbumes más importantes de la historia del rock, y se destaca la interpretación de John Entwistle (en especial en la canción que da nombre al disco). Sin embargo, Lambert y Stamp estaban decepcionados por la falta de promoción que Decca la daba a los discos de la banda en Estados Unidos, por esto la banda rompió el contrato con Talmy y quedó en números rojos tras la demanda judicial de la discográfica. Tras el éxito de su primer largo la banda publicó un single en 1966, "Substitute", que se convirtió en otra de las canciones más conocidas del grupo. Los siguientes singles, como "I'm A Boy" (que formó parte del primer intento de Townshend de crear una ópera rock), "Happy Jack" y "Pictures Of Lily", demostraban el creciente interés de Townshend alrededor de historias sobre confusión mental y sexual. El segundo álbum se tituló A Quick One. Salió en 1966, e incluía un medley de 9 minutos llamado "A Quick One, While He's Away", al que más tarde denominaron "mini opera". Esta canción anticipó lo que luego sería llamado "ópera rock". A Quick One generalmente está valorado por debajo de su antecesor, debido a que para este disco, a causa de la situación económica del grupo, Moon y Daltrey se vieron obligados a hacer unas composiciones bastante irregulares. Sin embargo, la canción de Entwistle "Boris The Spider" se convirtió en una de sus contribuciones más relevantes. El álbum fue renombrado "Happy Jack" en Estados Unidos, por la referencia sexual del título. La banda salió de gira por Estados Unidos, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país. Su presentación en el Festival de pop de Monterrey ayudó al grupo a nivel de popularidad. Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Míchigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación. Se llegó a rumorear que tras el mismo se le prohibió a la banda volver a Holiday Inn, y que una de las consecuencias de esa noche de destrucción fue que un coche terminó en una piscina del lugar. En 1967 publicaron su tercer álbum: The Who Sell Out. Este demostró las ambiciones de Townshend, que quería que los álbumes del grupo fuesen obras unificadas. Sell Out es un álbum conceptual que simula ser una transmisión de una estación de radio pirata llamada "Radio London", por lo que contenía jingles y avisos publicitarios entre las canciones

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The Who compuestas por la misma banda. "I Can See For Miles" es la única canción del álbum que fue editada como single, y pese a que alcanzó uno de los 10 primeros puestos de muchas listas, Townshend estaba decepcionado con la recepción de la canción entre el público. Tanto el single como otras canciones del álbum demostraban una leve influencia de la escena del rock psicodélico de ese momento. The Who Sell Out también incluía una canción de una ópera rock nunca completada, llamada "Rael 1" (las versiones que incluyen bonus tracks también tienen a "Rael 2"). En 1968 la banda editó "Magic Bus", uno de sus singles más importantes. En ese año, Townshend (que había dejado las drogas y se había dado a las enseñanzas de Meher Baba), empezó a planear su siguiente álbum.

Tommy: la primera ópera rock popular 1969: El grupo edita Tommy, un álbum doble que fue la primera ópera rock que ocupó todo un álbum del grupo, y una de las primeras de la historia del rock. Si bien no fue la primera (S.F. Sorrow de The Pretty Things salió un año antes), sí que fue la primera en tener éxito, y se destacó por el uso de temas (como "See Me, Feel Me"), que se repetían a lo largo del álbum y le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia (que trataba sobre un niño que queda ciego, sordo y mudo al presenciar un asesinato, para más tarde convertirse en un mesías). El primer single de Tommy, "Pinball Wizard", tuvo bastante éxito. Este álbum comenzó a mostrar la influencia de las enseñanzas espirituales de Meher Baba sobre Townshend. Más tarde se produjo una película basada en el álbum, que contaba con la participación, entre otros, de Elton John.

1969-1970: Live At Leeds A lo largo de su carrera, The Who se ha distinguido por sus conciertos. La banda participó en el festival de Woodstock de 1969. Esta presentación ayudó a que la popularidad de Tommy creciera enormemente. En 1970 el grupo edita el single "The Seeker", y ese mismo año graban Live At Leeds, su primer álbum en vivo, que fue grabado en la Universidad de Leeds. El álbum fue lanzado originalmente con 8 canciones pero en 1995 fue expandido con 5 canciones adicionales del mismo show, y además se editó una versión (la "Deluxe Edition") que incluía toda la interpretación de Tommy que también tocaron en esa misma fecha. Es considerado su mejor álbum en vivo, por ser el único que fue editado en su momento por la banda, y fue exitoso como consecuencia del éxito de Tommy. La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble (Live At The Isle Of Wight Festival 1970). Townshend considera a esa presentación como una de las mejores del grupo. Durante gran parte de los años 1970, The Who estuvo en el Libro Guinness de Récords como "la banda más ruidosa del mundo", con sus presentaciones llegando a los 130 decibeles (más tarde bandas como → Deep Purple batirían su record). Esto, sumado a la destrucción de sus instrumentos (algo que harían con menos frecuencia desde Tommy), la personalidad de los integrantes y los "remolinos" de Townshend, hicieron que sus presentaciones en vivo alcanzaran un estatus mítico.

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El proyecto "Lifehouse" y "Who's Next" Townshend intentó llevar a cabo un álbum conceptual aún más ambicioso y complejo. En él pretendía tomar datos personales del público (edad, peso, altura, etc.) en los recitales, introducirlos en un sintetizador y utilizarlos para crear música. Este proyecto se denominó "Lifehouse" y no pudo ser finalizado por su complejidad y los problemas de Townshend. Sin embargo, gran parte de las canciones del mismo fueron lanzadas más tarde (como álbum solista de Townshend), y algunas de las mejores se usaron para el siguiente álbum del grupo, Who's Next, que se convertiría en su álbum más exitoso. Salido en 1971, Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley" y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse". El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que Who's Next comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más grandilocuente y ampuloso que sus antecesores. Algunas de las canciones de "Lifehouse" (incluyendo "Pure And Easy" y "Naked Eye") aparecieron en el compilado Odds And Sods, y más tarde fueron agregadas como bonus tracks en versiones posteriores de Who's Next. Antes del lanzamiento de Who's Next, Entwistle grabó el primer álbum solista de alguno de los miembros de la banda, Smash Your Head Against The Wall, y seguiría grabando álbumes solistas durante los siguientes años.

1973: Quadrophenia El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó Quadrophenia. Es otra ópera rock trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su ex-novia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película. Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal), lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que es demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente. Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido por el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.

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1974-1980: Problemas para la banda y muerte de → Keith Moon Los problemas de Townshend aumentaron: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, The Who By Numbers, fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend. Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que la agrupación dejó de tocar en 1976 por algún tiempo. Un crítico consideró a By Numbers como la "nota suicida" de Townshend. En 1977 Townshend grabó un álbum junto a Ronnie Lane llamado Rough Mix. La banda regresó a los estudios en 1978, y grabó Who Are You, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada. En esa época, el grupo grabó un documental sobre su historia llamado The Kids Are Alright, que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo. Sin embargo, el 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), → Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.

1980-1990: Últimos años y separación The Who publicó dos últimos álbumes de estudio con Kenney Jones como batería: Face Dances en 1981 e It's Hard en 1982. Face Dances dio lugar al sencillo "You Better You Bet", que alcanzó el puesto 19 en las listas de singles. A pesar de las mejorables ventas de ambos trabajos y de la reseña de cinco estrellas de la revista musical Rolling Stone para It's Hard, muchos seguidores no se encontraron receptivos con el nuevo sonido. Aún así, "Athena" obtuvo un éxito menor en los Estados Unidos, mientras que "Eminence Front" también alcanzó las listas de éxitos y pasó a engrosar la lista de canciones favoritas del público. Poco después de la publicación de It's Hard, The Who se embarcó en una gira de despedida, después de que Pete Townshend hiciera público su alcoholismo y su recuperación, así como su intención de convertir a The Who en una banda de estudio.[3] Después del último concierto en diciembre de 1982, Townshend pasó parte de 1983 intentando componer nuevo material para un trabajo de estudio de The Who, obligado por términos contractuales con Warner Bros. Records. A pesar de todo, a finales de 1983, Townshend declaró que se sentía incapaz de generar nuevo material apropiado para The Who y publicó un comunicado en el que anunciaba su decisión de abandonar el grupo. A partir de 1984, Townshend se enfocó en varios proyectos en solitario como White City: A Novel, The Iron Man: A Musical y Psychoderelict. Aún así, el 13 de julio de 1985, los cuatro miembros de The Who, incluido Kenney Jones, reformaron el grupo para actuar en el concierto Live Aid, organizado por Bob Geldof. El grupo tocó "My Generation", "Pinball Wizard", "Love Reign O'er Me" y "Won't Get Fooled Again". En 1988, The Who fue galardonado con el premio a toda la carrera musical por la Industria Fonográfica Británica en una ceremonia que supuso el último trabajo de Kenney Jones dentro del grupo. En 1989, el grupo se embarcó en una gira aniversario de The Kids Are Alright que acabó conmemorando el álbum Tommy en dos conciertos: uno en Nueva York y otro en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles, con invitados especiales como Elton John, → Phil Collins, Billy Idol, Patti LaBelle y Steve Winwood.

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1990-2000: Reuniones En 1990, The Who fue inducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de la mano de U2, con Bono diciendo: "Más que cualquier otra banda, The Who son nuestro espejo". En 1991, The Who grabó una versión de la canción de Elton John "Saturday Night's Alrigt for Fighting" para un álbum tributo. En 1993, Pete Townshend salió de gira para promocionar su álbum Psychoderelict. En 1994, se produjeron varios rumores en torno a una gira conmemorativa del trigésimo aniversario de la formación de The Who que no llegaron a fraguar. Aun así, → Roger Daltrey celebró su cincuenta cumpleaños con dos conciertos en el Carnegie Hall en los que fueron invitados → John Entwistle y → Pete Townshend, quienes aparecieron al final del concierto, junto a otros músicos, interpretando "Join Together". A finales de año, Daltrey salió de gira junto a → John Entwistle y una orquesta. En 1996, Townshend fue solicitado para unirse a un macroconcierto en el Hyde Park de Londres. Townshend intentó interpretar Quadrophenia en una sóloa pieza acústica, usando partes de la película a través de pantallas. Tras contactar con Entwistle y Daltrey, la idea sentó bases. La banda aumentó con las incorporaciones de → Zak Starkey en la batería, Rabbit en los teclados y Simon Townshend y Geoff Whitehorn en la guitarra. El concierto fue narrado por Phil Daniels en el papel de Jimmy. A pesar de ciertas dificultades ténicas, el evento cosechó un gran éxito al colgar el cartel de "lleno" durante seis noches en el Madison Square Garden de Nueva York, a pesar de que los conciertos no fueron acreditados al nombre de The Who. El éxito de los conciertos permitió llevar a cabo una gira europea y estadounidense. Rabbit, Starkey, Simon y Carin permanecieron en la formación, y los conciertos fueron reorganizados en tres partes diferentes. Del mismo modo, Billy Idol y Gary Glitter interpreton el papel de Jimmy en los conciertos. Tras la recreación de Quadrophenia, The Who volvieron a unirse en el verano de 1997 para una nueva gira. En un descanso temporal, Pete Townshend ofreció varios conciertos acústicos en solitario, John Entwistle reorganizó la banda The John Entwistle Band y → Roger Daltrey salió de gira con la Orquesta Sinfónica de Londres, interpretando temas de The Who y clásicos del rock acompañado de orquestación. A finales de 1999, The Who llevó a cabo siete conciertos destinados a recaudar fondos benéficos. Las canciones fueron extraidas en su mayoría de Who's Next y se incluyeron temas poco frecuentes en las listas de canciones habituales en los conciertos de The Who. El primer concierto tuvo lugar el 29 de octubre de 1999 en el MGM Grand Garden de Las Vegas. A continuación, el grupo tocó dos conciertos en el Annual Bridge School Benefit de Neil Young los días 30 y 31 de octubre. Los días 12 y 13 de noviembre tocaron en el House of the Blues de Chicago. El concierto del 29 de octubre en Las Vegas fue retransmitido por televisión e Internet y posteriormente publicado como DVD semioficial en The Vegas Job.

2000-presente Conciertos benéficos y muerte de John Entwistle El éxito de la gira de 1999 dio pie a una nueva gira estadounidense en el verano de 2000 y por el Reino Unido en noviembre del mismo año, que finalizó el 27 de noviembre con un concierto benéfico en el Royal Albert Hall de Londres en apoyo de la organización Teenage Cancer Trust. El concierto fue posteriormente publicado en CD y DVD bajo el título The Who Live at the Royal Albert Hall. Con las numerosas reseñas positivas de los conciertos, los tres miembros de The Who discutieron la posibilidad de grabar un nuevo trabajo.[4] El

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20 de octubre de 2001, The Who participó en The Concert for New York City. El mismo año, el grupo fue premiado con un Grammy en reconocimiento a su carrera profesional.[5] En los prolegómenos de dos conciertos benéficos para la organización Teenage Cancer Trust en Londres los días 7 y 8 de febrero, → John Entwistle fue encontrado muerto en su habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas, Nevada. Su muerte fue debida a un ataque al corazón en el que el abuso de cocaína jugó un factor importante.[6] Tras un breve retraso, la nueva gira comenzó en Los Ángeles, con → Pino Palladino en sustitución de Entwistle. En septiembre de 2002, la revista Q nombró a The Who una de las "50 bandas que tienes que ver antes de morir". Endless Wire En 2004, The Who publicó dos nuevas canciones, "Old Red Wine" y "Real Good Looking Boy", como parte del álbum recopilatorio Then and Now! 1964-2004, saliendo nuevamente de gira por Japón, Australia, Reino Unido y Estados Unidos. El mismo año, la revista Rolling Stone situó a The Who en el puesto 29 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.[7] En 2005, The Who anunció la publicación de su primer álbum de estudio en 25 años, titulado provisionalmente como WHO2. En marzo de 2005, la página web oficial de → Pete Townshend publicó un comunicado en el que anunciaba el retraso del nuevo álbum, explicando que la nueva gira, inicialmente programada para el verano de 2005, también sería cancelada. Parte de la razón en la lentitud a la hora de grabar el nuevo material fue debida a la ausencia de → Zak Starkey, quien había salido de gira con Oasis. Aún así, Townshend continuó trabajando en el álbum, publicando al mismo tiempo una novela, The Boy Who Heard Music, en su blog personal. El concepto inicial derivó en una miniópera que supuso el esqueleto del nuevo trabajo de The Who.

Pete Townshend y Roger Daltrey

The Who interpretó "Who Are You" y "Won't Get Fooled Again" en el concierto Live 8 en julio de 2005. Steve White, batería de Paul Weller, sustituyó a → Zak Starkey en el escenario, quien aún se encontraba de gira con Oasis, mientras que Damon Minchella ocupó el lugar de → Pino Palladino al bajo. El mismo año, The Who fueron inducidos en el Salón de la Fama de la Música Británica. El 3 de octubre, iTunes publicó dos sencillos como avance del nuevo trabajo de The Who, Endless Wire, titulados "Tea & Theatre" (usado habitualmente en la posterior gira de 2006 como cierre de concierto) e "It's Not Enough". Tras un año de retraso, Endless Wire fue publicado finalmente el 30 de octubre de 2006, marcando el primer álbum de estudio completo en 25 años desde It's Hard, de 1982. El nuevo álbum incluía temas de diversa inspiración, como el síndrome de Estocolmo durante la masacre de la escuela de Beslán en la canción "Black Widow's Eyes" o el largometraje de Mel Gibson La pasión de Cristo en "Man in a Purple Dress" y "2000 Years", además de la primera miniópera desde "Rael", inicialmente publicada en el álbum de 1967 The Who Sell Out. Extractos de la miniópera, titulada Wire & Glass, fueron publicados como maxi-single el 17 de julio en iTunes, y

The Who posteriormente en CD y vinilo de 12" el 24 de julio. Endless Wire debutó en el puesto 7 de la lista Billboard 200 y en el 9 en la lista de éxitos británica. Nuevas giras Como avance del álbum y futura promoción del mismo, The Who se embarcó en una nueva gira entre 2006 y 2007 que comenzó con 24 conciertos en Europa, seguidos de una extensa gira de conciertos a nivel global. El 17 de junio, The Who tocó en la Universidad de Leeds de Inglaterra, retomando al lugar donde en 1970 grabaron el álbum en directo Live at Leeds. La formación incluía al teclista John Bundrick, al bajista → Pino Palladino, al batería → Zak Starkey y al guitarrista Simon Townshend, quien también sirvió de telonero con su banda The Casbah Club. Otros teloneros de la gira fueron The Pretenders y Rose Hill Drive. Tras finalizar la gira, The Who publicó el documental Amazing Journey: The Story of The Who, con nuevas entrevistas a Daltrey y Townshend, así como a Sting, The Edge y Eddie Vedder. El documental incluía material previamente inédito, entre el que figura cortometrajes de su concierto en la Universidad de Leeds en 1970 y un concierto en el Railway Hotel en 1964 bajo el nombre de The High Numbers. Un mes antes, el 30 de octubre, → Roger Daltrey anunció planes para una nueva gira entre 2008 y 2009 en Japón y Australia.[8] Durante el comunicado, Daltrey avanzó que Townshend estaba trabajando en nuevo material para el grupo, lo cual fue confirmado por el propio Pete el 11 de febrero a través de la página oficial del grupo. Un álbum de versiones de antiguas canciones R&B, presumiblemente producido por T-Bone Burnett y publicado por la prensa, fue descartado por Townshend.[9] The Who fueron homenajeados en el programa VH1 Rock Honors en Los Ángeles.[10] Emitido el 17 de julio, bandas como The Flaming Lips, Foo Fighters, Incubus y Tenacious D interpretaron canciones de The Who en un concierto en el que el propio grupo apareció al final. En octubre de 2008, The Who se embarcó en una nueva gira por Japón y en una breve gira de conciertos por Estados Unidos, recalando en cuatro ciudades japonesas y nueve ciudades norteamericanas. Una gira por Australia y Nueva Zelanda ha sido preparada para marzo y abril de 2009, la cual recaerá en Auckland, Brisbane, Adelaide, Melbourne, Sydney y Perth.

Importancia The Who fue contemporáneo de los Beatles, los Rolling Stones y → Jimi Hendrix, entre otros. La banda fue muy importante en los años 60 y principios de los 70. Su primer álbum, The Who Sings My Generation (1965), es considerado por muchos uno de los álbumes más importantes de la historia del rock y del rhythm and blues. "My Generation" es considerada por muchos como la primera canción punk (gracias a su guitarra y su letra).

Álbumes conceptuales y óperas rock En "A Quick One", álbum salido un año después, el tema "A Quick One, While He's Away" anticipa lo que sería luego conocido como ópera rock. "Rael" fue otra mini-ópera rock que cierra su siguiente álbum de estudio, "The Who Sell Out" (un álbum de 1967, de pop psicodélico, cuyo tema más reconocido es "I Can See For Miles", y que tiene un concepto que busca imitar a una radio, usando pequeños avisos publicitarios entre cada canción). Pero la banda desarrollaría esta idea en "Tommy", el álbum que los hizo populares, que si

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bien no fue la primera ópera rock que ocupa todo un álbum, fue la más importante y la primera que incorpora varias melodías repetidas a lo largo del álbum que ayudan a la historia. Algunas de las canciones del siguiente proyecto de Townshend llamado "Lifehouse" (que también iba a ser una ópera rock, pero nunca fue terminado) conformaron "Who's Next" (que salió en 1971), un álbum que fue pionero en el uso de sintetizadores en el rock, que introdujo un sonido más rockero más acorde a la década que comenzaba. El álbum doble "Quadrophenia" salió dos años después, y es otra ópera rock que usa aún más sintetizadores. Sus álbumes conceptuales fueron importantes en el desarrollo del rock progresivo.

Presentaciones en vivo La banda solía ser destacada por sus conciertos, en gran parte gracias a la energía de sus shows, la personalidad de cada una de sus miembros, los "remolinos" de Townshend y al hecho de que, salvo Entwistle, los miembros solían destruir sus instrumentos al final de los shows. "Live At Leeds" es su álbum en vivo más reconocido por ser el primero y porque fue grabado en 1970, luego de que Tommy les consiguiera una mayor audiencia. La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970 (show que luego fue editado en un álbum doble, Live At The Isle of Wight Festival 1970, con una lista de temas similar a la de Live At Leeds pero con la inclusión de toda su interpretación de Tommy), y en el de Woodstock.

Personal The Detours (1962 - 1963)

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Colin Dawson: voz → Roger Daltrey: guitarra y coros → Pete Townshend: guitarra y coros → John Entwistle: bajo y coros Doug Sandom: batería

The Detours (Enero - diciembre de 1963)

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Gabby Connolly: voz principal Roger Daltrey: guitarra principal y coros Pete Townshend: guitarra y coros John Entwistle: bajo y coros Doug Sandom: batería

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Roger Daltrey: voz principal y armónica Pete Townshend: guitarra y coros John Entwistle: bajo y coros [11] Doug Sandom: batería

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The Detours (Diciembre de 1963 - febrero de 1964) The Who (Febrero - abril de 1964) The Who (Abril de 1964 - septiembre de 1978)

Roger Daltrey: voz y armónica Pete Townshend: guitarra eléctrica y coros John Entwistle: bajo y coros [12] Keith Moon: batería

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277 The Who Face Dances Tour (1979 - 1981)

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Roger Daltrey: voz y armónica Pete Townshend: guitarra y coros John Entwistle: bajo y coros Kenney Jones: batería

con

The Who It's Hard Tour (1982)

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John "Rabbit" Bundrick: teclados y coros Reg Brooks: trombón David Caswell: trompeta Dick Parry: saxofón

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Roger Daltrey: voz, guitarra y armónica Pete Townshend: guitarra y coros John Entwistle: bajo y coros Kenney Jones: batería

con • Tim Gorman: teclados y coros The Who 25th Anniversary Tour (1989)

• Roger Daltrey: voz principal, guitarra y armónica • Pete Townshend: guitarra y voz • John Entwistle: bajo y voz con • • • • • • • • • •

John "Rabbit" Bundrick: teclados Simon Phillips: batería Steve "Boltz" Bolton: guitarra Jody Linscott: percusión Simon Clarke: saxofón alto y barítono Roddy Lorimer: trompeta y fliscorno Simon Gardner: trompeta Neil Sidwell: trombón Tim Sanders: saxofón tenor y soprano Chyna Gordon: coros

• Cleveland Watkiss: coros • Billy Nicholls: dirección musical y coros The Who Quadrophenia Tour (1996 - 1997)

• Roger Daltrey: voz principal y armónica • Pete Townshend: guitarra y voz • John Entwistle: bajo y voz con • • • • • • • • • •

John "Rabbit" Bundrick: órgano Hammond → Zak Starkey: batería Jon Carin: teclados Simon Townshend: guitarra y coros Jody Linscott: percusión Dennis Farias: sección de vientos Nick Lane: sección de vientos Roy Wiegand: sección de vientos Simon Gardner: trompeta Neil Sidwell: trombón

• Billy Nicholls: dirección musical y coros The Who (1998 - enero de 2002)

• Roger Daltrey: voz principal, guitarra y armónica • Pete Townshend: guitarra y voz • John Entwistle: bajo y voz con [13]

• John "Rabbit" Bundrick: teclados y coros • Zak Starkey: batería

The Who

278 The Who (Enero - junio de 2002)

• Roger Daltrey: voz principal, guitarra y armónica • Pete Townshend: guitarra y voz • John Entwistle: bajo y voz con • John "Rabbit" Bundrick: teclados y coros • Simon Townshend: guitarra y coros • Zak Starkey: batería

The Who (julio de 2002 - presente)

• Roger Daltrey: voz principal, guitarra y armónica • Pete Townshend: guitarra y voz con • • • •

[14] John "Rabbit" Bundrick: teclados y coros Zak Starkey: batería Simon Townshend: guitarra, mandolina y coros → Pino Palladino: bajo

Véase también • • • •

Mod Álbum conceptual Ópera rock → Pete Townshend

Enlaces externos • • • • • • •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre The Who.Commons Sitio oficial de Pete Townshend y The Who [15] (en inglés) Sitio oficial de The Who [16] (en inglés) thewho.net [17] (en inglés) thewho.org [18] (en inglés) The Who [19] (en español) The Who Information Center [20] (en inglés)

Referencias [1] Bruce Eder & Stephen Thomas Erlewine. « The Who (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:fifwxqr5ldfe)» (en inglés). Allmusic. Consultado el 2 de junio de 2009. [2] Eder, Bruce; Erlewine, Stephen Thomas. « Biografía de The Who (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:fifwxqr5ldfe~T1)». Allmusic. Consultado el 21 de marzo de 2008. [3] The Who Concerts Guide 1982 (http:/ / www. thewholive. de/ konzerte/ zeige_konzert. php?GroupID=1& Jahr=1982). Consultado el 2 de enero de 2009. [4] The Who Concerts Guide Newspaper Review (http:/ / www. thewholive. de/ details/ index. php?id=243& Tracklisting=& GroupID=1& Tag=& Monat=& Jahr=2000& Stadt=& Halle=& LandID=0). Consultado el 2 de enero de 2009. [5] List of Grammy Lifetime Awards and the years they were given. (http:/ / www. grammy. com/ Recording_Academy/ Awards/ Lifetime_Awards/ ) [6] Cocaine 'killed The Who star' (http:/ / news. bbc. co. uk/ 2/ hi/ entertainment/ 2152761. stm) BBC News [7] Rolling Stone (24 de marzo de 2004). « The Immortals: The First Fifty (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 5939214/ the_immortals_the_first_fifty)». Consultado el 3 de enero de 2007. [8] Billboard.com: Daltrey: The Who Returning To Road In '08 (http:/ / www. billboard. com/ bbcom/ news/ article_display. jsp?vnu_content_id=1003665351). Consultado el 2 de enero de 2009. [9] Billboard.com: The Who Mulls Next Album, Revisits Classics (http:/ / www. billboard. com/ bbcom/ news/ article_display. jsp?vnu_content_id=1003709331). Consultado el 2 de enero de 2009.

The Who

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[10] FOXNews.com: The Who Gets 'Rock Honors' in Los Angeles (http:/ / www. foxnews. com/ story/ 0,2933,381391,00. html). Consultado el 2 de enero de 2009 [11] Durante un breve periodo entre la marcha de Doug Sandom y la llegada de Keith Moon, el grupo usó a varios músicos de estudio como baterías en diversos conciertos. [12] El 20 de noviembre de 1973, en un concierto en Los Ángeles, Keith Moon quedó inconsciente y fue sustituido por Scott Halpin, un miembro escogido de entre el público. [13] John Bundrick fue sustituido en el Concert for New York City por John Carin. [14] John Bundrick se vio obligado a atender a su mujer, enferma terminal, entre noviembre de 2006 y marzo de 2007, y fue sustituido por Brian Kehew, a excepción del 8 de noviembre de 2006, día que J.J. Blair ocupó su puesto. [15] [16] [17] [18] [19] [20]

http:/ / www. petetownshend. co. uk/ http:/ / www. thewho. com/ http:/ / www. thewho. net/ http:/ / www. thewho. org/ http:/ / www. los60. es/ who. html http:/ / www. the-who. net/

Pete Townshend Pete Townshend

Festival Rock Werchter (2006) Información personal Nombre

Peter Dennis Blandford Townshend

Nacimiento

19 de mayo de 1945, 64 años

Origen Ocupación(es)

Inglaterra, Londres, Chiswick

Compositor, guitarrista, escritor Información artística

Género

rock

Instrumento(s)

Guitarra, Piano

Período de actividad

1964—presente

Discográfica(s)

Rykodisc Atco Atlantic Web

Sitio web

www.petetownshend.co.uk

[15]

Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock conocido principalmente por su trabajo con → The Who.

Pete Townshend

Biografía Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era saxofonista profesional y su madre Betty cantante), Townshend demostró fascinación por la música siendo bastante joven. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("baratija española"). En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College y un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School → John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland en el que estaban Townshend en el banjo y Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por → Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien les convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who. Las principales influencias de Townshend fueron Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows. The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros sencillos que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricidad sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte. The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en directo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones. Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, ya que escribió más de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que se creó el término "ópera rock", ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista. Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el

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Pete Townshend proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias. Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993). Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su héroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de → Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, → John Bonham y Ronnie Lane. Townshend ha grabado varios álbumes en directo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que sólo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que está escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes). Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de → The Who. Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a música a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable en la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que → Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers). Townshend conoció a Karen Astley, hija del compositor Ted Astley, en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y

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Pete Townshend Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra. En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.

Trabajos literarios A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estado involucrado intensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones. Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse. Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother," También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año. En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff. Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio

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Pete Townshend Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde). Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto. En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict. En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock. La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com [2], y su sitio comercial, www.eelpie.com [3], ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil.. Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical. Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).

Equipamiento musical En los primeros días de → The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas. Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster. Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200. Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era

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Pete Townshend claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker. En la actualidad, Pete usa casi exclusivamente, guitarras Fender Stratocaster modificadas como guitarras sterio, con un preamplificador incorporado en la parte posterior de la guitarra para captar las señales acusticas de la guitara y un boton de volumen individual para el preamplificador. Otra pieza elemental de su equipo es el amplificador, Fender Vibro king.

Entrevistas Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda consumía drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 la que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock. Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone). Al cumplir 30 años, Townshend contó al periodista Roy Carr que sentía que → The Who estaba fallando y vertió comentarios ácidos sobre su compañero → Roger Daltrey y otros importantes miembros de la escena rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas durante dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, después de que hicieran comentarios despectivos sobre el ya fallecido → Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982. En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.

Religión Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshend empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor"). Más tarde durante el mismo mes durante un tour en Australia y Nueva Zelanda, Ronnie Lane, miembro de The Small Faces, le presentó a Townshend los escritos del Indio

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Pete Townshend

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"perfecto maestro" Meher Baba. Townshend había leido todos los escritos que pudo encontrar de Meher Baba, y para Abril de 1968, se anunció como seguidor de la disciplina de Baba. Fue en ese entonces que Townshend, quien estaba buscando por años una base para una opera de rock, creó una historia inspirada por las enseñanzas de Baba y otros espiritualiztas indios que al final se convertiría en Tommy.

Referencias [1] http:/ / www. wdkeller. com/ rs902. htm [2] http:/ / www. petetownshend. com [3] http:/ / www. eelpie. com

Roger Daltrey Roger Daltrey

Roger Daltrey Información personal Nombre

Roger Daltrey

Nacimiento

1 de marzo de 1944 65 años

Origen Ocupación(es)

Hammersmith, Londres, Inglaterra músico Información artística

Género

Hard Rock, Art Rock, Pop Rock, Rock

Instrumento(s)

voz guitarra armonica percusion

Período de actividad

50's - presente

Artistas relacionados

→ The Who, The RD Crusader

Roger Daltrey (n. Londres, Inglaterra, 1 de marzo de 1944) es un cantante británico de rock, miembro fundador y voz principal del conjunto → The Who formado en Londres en 1964. Asimismo ha hecho numerosas apariciones en cine y televisión como actor. Atraído por la música, Roger Daltrey abandonó la escuela a los 16 años y trabajó como obrero metalúrgico antes de formar con amigos un grupo aficionado de skiffle con Daltrey en la guitarra. Poco después invitó a → John Entwistle a formar parte de la alineación como bajista y éste a su vez introdujo al guitarrista → Pete Townshend al grupo. Con el posterior ingreso de → Keith Moon en la batería y el traslado de Daltrey a los vocales, la alineación clásica de The Who quedó completada. Originalmente llamada The Detours y

Roger Daltrey posteriormente The High Numbers, Daltrey fue quien decidió el nombre definitivo de «The Who» para la banda. Daltrey es reconocido como una de las distintivas y poderosas voces en la historia de la música rock. En escena se distinguía además por una poderosa presencia y por su distintivo movimiento con el micrófono al que agitaba como un lazo de vaquero. Desde 1973 alterna una carrera como solista junto a sus apariciones con la banda. También incursionó como actor en filmes como Lisztomania y en la versión filmada de la opera rock Tommy. Aunque The Who dejó de hacer discos en el año 1983, no dejaron de estar de gira y, Daltrey siguió grabando discos como solista, el último, "Rocks in the Head", de 1992. En 1992 participa en el Concierto en tributo a Freddie Mercury, su amigo de toda la vida, para rendirle homenaje cantando I Want It All. Actualmente junto con Peter Townshend forma parte de The Who, lanzando un último álbum (Endless Wire) en 2007.

Anécdotas • Fundador de Teenage Cancer Trust, fundación caritativa de apoyo a adolescentes con cáncer. • Curiosamente para una estrella de rock de su generación, Daltrey desde su juventud se opuso al abuso de alcohol y drogas, llegando a agredir físicamente a Keith Moon para obligarlo a deshacerse de unas píldoras. Como resultado de éste y otros desacuerdos, fue expulsado de The Who durante unos días en 1965 hasta que fue aceptado de nuevo. • Roger cantó con McFly la versión de la canción My Generation. • Toca el trombón en la canción Cobwebs and Strange de The Who.

Discografia en solitario • • • • • • • • • • •

Daltrey (1973) Ride A Rock Horse (1975) One Of The Boys (1977) Mcvicar Soundtrack (1980) Best Bits (1982) Parting Should Be Painless (1984) Under A Rangin Moon (1985) Can´t Wait To See The Movie (1987) Best Of Rockers And Ballads (1991) Rocks In The Head (1992) Anthology (1998)

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John Entwistle

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John Entwistle John Entwistle

John Entwistle Información personal Nombre

John Alec Entwistle

Nacimiento

9 de octubre de 1944 Chiswick, Londres, Inglaterra

Muerte

27 de junio de 2002 Las Vegas, Nevada, Estados Unidos

Ocupación(es)

bajista, compositor Información artística

Alias

"The Ox"

Género

Hard rock

Instrumento(s)

bajo, corno francés, voz, trompeta, piano

Período de actividad

1962-2002

Discográfica(s)

Polydor MCA

Artistas relacionados

→ The Who

The John Entwistle Band → Ringo Starr Web Sitio web

JohnEntwistle.com

[1]

John Alec Entwistle (9 de octubre, 1944 - 27 de junio, 2002) fue el bajista de → The Who, uno de los más importantes bajistas de la historia del rock. Nació en Chiswick, un suburbio de Londres, en 1944. Desde niño aprendió a tocar varios instrumentos, integrando conjuntos de marchas y de jazz. Aunque fue amigo de la infancia de → Pete Townshend fue a través de → Roger Daltrey que se unió a inicios de los años 60 al conjunto de Rock and Roll The Detours, que eventualmente evolucionaría hasta convertirse en → The Who. Entwistle fue quien a su vez introdujo a Townshend al grupo al recomendárselo a Daltrey como guitarrista. Algunas veces conocido como "The Ox" ("El Buey"), generalmente fue visto como la persona más tranquila de la banda. Bill Wyman lo describía como "el hombre más callado en la vida privada pero el más ruidoso sobre el escenario."

John Entwistle Además de ser uno de los mejores y más famosos bajistas de la historia de la música rock, John Entwistle era un talentoso compositor. Escribió canciones como "Cousin Kevin", "My Wife", "Boris The Spider" y "Heaven and Hell". Estas canciones, además de sus trabajos solistas, mostraban un obscuro sentido del humor que no solía ser compatible con las composiciones de → Pete Townshend, que solían ser más introspectivas. Aunque solía aportar sus composiciones en los álbumes de The Who, fue el primer miembro de la banda en editar un álbum solista (Smash Your Head Against The Wall, de 1971). Entwistle también sabía tocar el corno francés y la trompeta, por lo que ocasionalmente aportaba partes de los mismos en canciones de The Who (en especial en el álbum Quadrophenia), y ocasionalmente aportaba su voz, no solo para cantar sus canciones sino para los coros. Su estilo único permitió demostrar el potencial del bajo como instrumento principal (como en "My Generation"). Townshend lo consideraba el guitarrista principal del grupo. Sus influencias incluyen a Duane Eddy y Gene Vincent, y a bajistas de soul y R&B como James Jamerson (otro bajista pionero), al igual que sus lecciones de corno francés, piano y trompeta. Entwistle suele ser aparecer en los primeros puestos de las listas de "Mejores bajistas" de diversas revistas especializadas; en el año 2000, los lectores de la revista Guitar lo declararon "Bassist of the Millennium" ("Bajista del Milenio"). Además de su trabajo con The Who, Entwistle era un destacado solista, realizando cierto número de álbumes en los años 70. Hacia el final de su carrera, formó The John Entwistle Band con su amigo de toda la vida, el baterista Steve Luongo. Godfrey Townsend (sin "h" y no relacionado a Pete) era el guitarrista y cantante principal del mismo. En 1996, la banda salió de con Alan St. Jon en teclados (la gira se llamó "Left for Dead"). Tras la gira "Quadrophenia", de The Who, la banda de Entwistle salió de gira nuevamente en 1998 (esta gira se llamó "Left for Dead - the Sequel"), con Gordon Cotten en teclados. Luego de la misma, la banda editó un álbum en vivo con los mejores momentos de las giras, llamado Left for Live. En el año 2001 toco en el show "A Walk Down Abbey Road" (tributo a los Beatles), organizado por Alan Parsons y con la participiación de Ann Wilson de Heart, Todd Rundgren, y David Pack de Ambrosia, además de Godfrey Townsend en guitarra, Steve Luongo en batería, y John Beck en teclados. A fines del 2002 se editó una edición expandida (y doble) de Left for Live (llamada Left For Live Deluxe), con más performances de The John Entwistle Band. Una de las razones de su intensa actividad solista y como miembro de The Who fue que Entwistle era excesivamente liberal con el dinero y necesitaba ingresos para cubrir sus dispendios. Según una declaración suya, poseía una colección de automóviles y no sabía conducir. De acuerdo a Pete Townshend, para la gira «Quadrophenia» en 1996, John cobró una cantidad de más de un millón de libras esterlinas, y antes de un año había gastado casi todo el dinero. De hecho, el principal motivo de las giras y grabaciones de The Who entre la muerte del baterista → Keith Moon en 1978 y la de Entwistle en 2002 era la necesidad de Entwistle de reunir dinero para poder pagar sus deudas. Hasta el último día sus excesivos gastos (ropa, restaurantes, automóviles, mujeres, drogas, proyectos musicales solistas...) plagaron las finanzas de John y tras fallecer su familia hubo de subastar varias propiedades y recuerdos de su carrera musical (poseía una gran colección de bajos) para poder liquidar sus adeudos.

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John Entwistle Murió en Las Vegas en el 2002, en las vísperas del primer show de una gira de → The Who por los Estados Unidos por un supuesto ataque al corazón. Los médicos determinaron que el ataque cardíaco podría haber sido causado por una cierta cantidad de cocaína: la droga podría haber causado que sus arterias coronarias se contrajeran. Entwistle, al igual que Townshend, luchó contra una adicción a la cocaína por gran parte de su vida. Fue reemplazado en The Who por → Pino Palladino.

Discografía • • • • • • • • •

Smash Your Head Against The Wall (1971) Whistle Rymes (1972) Rigor Mortis Sets In (1973) Mad Dog (1975) Too Late The Hero (1981) The Rock (1996) King Biscuit Flower Hour Presents In Concert (1996) Left For Live (1999) So Who's the Bass Player? The Ox Anthology (2005)

Enlaces externos • JohnEntwistle.com [2] (en inglés) • The John Entwistle Foundation [3] (en inglés)

Referencias [1] http:/ / www. johnentwistle. com [2] http:/ / www. johnentwistle. com/ [3] http:/ / www. johnentwistle. org/

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Keith Moon

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Keith Moon Keith Moon Información personal Nombre

Keith John Moon

Nacimiento

23 de agosto de 1946

Origen

Londres, Inglaterra

Muerte

7 de septiembre de 1978

Ocupación(es)

músico Información artística

Alias

Moon the Loon Moonie Uncle Ernie

Género

Rock

Instrumento(s)

batería

Período de actividad

1964 - 1978

Artistas relacionados

→ The Who

Keith John Moon (23 de agosto de 1946 - 7 de septiembre de 1978) fue el batería del grupo de rock inglés → The Who. Ganó notoriedad por su estilo exuberante de tocar la batería y su estilo de vida destructivo. Se unió a The Who en 1964, reemplazando a Doug Sandom. Él tocó en los álbumes de la banda desde su debut, My Generation de 1965, hasta Who Are You de 1978, que fue lanzado dos semanas antes de su muerte. Es considerado por muchos como uno de los mejores, más revolucionarios y más influyentes bateristas de la historia del Rock. Moon aprendió a tocar con uno de los bateristas más ruidosos de todos los tiempos, Carlo Little. Placa que recuerda aKeith Moon

Juventud y vida personal Nacido en Londres el 23 de agosto de 1946, Moon vivió su infancia en Wembley. Su madre afirmaría posteriormente que fue un niño callado y tranquilo. Sin embargo otras fuentes lo señalan como un adolescente distraído e hiperactivo, además de mal estudiante, abandonando los estudios en 1961. Moon inicialmente tocaba el clarín en una banda de marchas militares. Comenzó entonces a aprender a tocar la batería y se unió a varios conjuntos de rock and roll y surf. En 1966 contrajo matrimonio secreto con su novia embarazada Kim Kerrigan. Ambos tuvieron una hija, Amanda. La pareja se divorció en 1975 tras casi dos años de separación. Durante años la vida de Moon estuvo plagada por el abuso del alcohol y las drogas, hábito que lo llevaría a su prematura muerte en 1978.

Keith Moon

Ingreso a The Who En 1965, Moon se enteró de que un conjunto buscaba baterista permanente. Yendo a una presentación del grupo, que resultó ser The Who, se acercó al cantante y (en aquellos días) líder Roger Daltrey. Solicitó una audición para llenar el puesto de batería. Moon llegó a la audición con traje naranja, pelo del mismo color -se había teñido el cabello con peróxido-, y fumando un puro. Cuando se sentó a tocar impresionó a la banda por su energía y le ofrecieron el puesto.

Reputación Moon ganó reputación por sus hábitos destructivos en hoteles, casa de sus amigos e incluso en su propia casa, ocasionalmente arrojando muebles desde ventanas altas y destrozando las cañerías con petardos. Una de las historias más famosas que lo involucran sostiene que dejó un Rolls Royce en una piscina (al parecer, en una fiesta en un hotel durante el vigésimo-primer cumpleaños de Moon). En 1972 Moon afirmó que en vez de un Rolls Royce, se trataba de un Lincoln Continental. Sin embargo, muchos consideran que este hecho nunca sucedió, y su biógrafo Tony Fletcher lo niega, mientras que → Roger Daltrey afirma haber visto ese suceso y la resultante factura [1]. Según Pete Townshend, en otra ocasión estaba caminando con Moon por el segundo piso del Holiday Inn, cuando de pronto Moon saltó desde el enrejado y cayó en una pileta, a pesar de que Townshend era la única persona presente en el lugar [2]. En todo caso se dice que incidentes como éstos, provocaron que la cadena hotelera Holiday Inn prohibiese al conjunto The Who alojarse en cualquiera de sus sucursales de modo vitalicio. En 1970, Moon se vio envuelto en un incidente fuera de un pub de Londres en el que alguien atropelló a su amigo y guardaespaldas, Cornelius "Neil" Boland. Aunque el juez de instrucción dijo que su muerte fue un accidente, las personas cercanas a Moon afirmaron que quedó muy afectado por ese accidente por el resto de su vida. Sin embargo, con el paso del tiempo, Moon se vio atrapado en esta reputación de vida excéntrica y disipada, sintiéndose frecuentemente obligado a superar sus excesos o por lo menos mantenerse al nivel que de él se esperaba. Su uso y abuso del licor y las drogas eventualmente comenzaron a minar su talento como baterista en los últimos meses de su vida, hecho del cual estaba consciente.

Obra y carrera musical A pesar de todo ello, como ya se mencionó, Keith Moon está ampliamente considerado como uno de los mejores bateristas en la historia del rock and roll. La personalidad de Moon se reflejaba en su excelente estilo como baterista. Aunque no enfatizaba el ritmo, su técnica ayudaba significativamente a crear el poderoso sonido de The Who, llenando vacíos con una interpretación fluida y complicada. Su brillantez inspiraba a sus compañeros a igualar sus proezas como intérpretes musicales. El puñado de composiciones que Moon contribuyó a las grabaciones de The Who, muestran una vena cómica que ayudó a cimentar el fuerte lado humorístico del conjunto. Por otra parte Moon siempre fue fanático y admirador de la música surf de California, gusto que se filtra en su único disco como solista así como algunas versiones de canciones surf que The Who grabó. Aunque su trabajo con The Who dominó su carrera, Moon participó en algunos proyectos menores alternos. En 1966, se unió al guitarrista de los Yardbirds Jeff Beck y los futuros

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Keith Moon miembros de → Led Zeppelin → Jimmy Page y → John Paul Jones para grabar el instrumental "Beck's Bolero", que fue editado como single durante ese año. Se dice que Moon fue quien le dio su nombre a Led Zeppelin, al decir que sonaban como el estallido de un zepplin dirigible de plomo. En 1974 editó su primer y último álbum solista, una colección de covers de canciones pop llamado Two Sides of the Moon. A pesar de que este álbum tenía pésimas performances vocales de Moon, la mayor parte de las partes de batería fueron interpretadas por otros bateristas, incluyendo a → Ringo Starr y el sesionista Jim Keltner. En 1971 tuvo un papel en la película de → Frank Zappa "200 Motels". En 1973 apareció en "That'll Be The Day", interpretando el baterista de un campamento de verano de la primera época del rock 'n' roll británico. En este película también participó Ringo Starr, amigo de Moon. También interpretó a "Uncle Ernie" (el "Tío Ernie") en la película de Tommy, un álbum de The Who de 1969. En 1976 versionó "When I'm Sixty-Four" de los Beatles para la banda sonora del documental "All This And World War II".

Muerte En su última noche, Keith Moon concurrió, como invitado de → Paul McCartney, al preestreno de la película "The Buddy Holly Story". Tras cenar con Paul y Linda McCartney, Moon y su novia, Annette Walter-Lax, dejaron la fiesta y regresaron a su departamento en Curzon Place, Londres, que el músico Harry Nilsson, amigo de Moon, les prestó. Moon falleció mientras dormía, a la edad de 32 años, como consecuencia de una sobredosis de unas pastillas anti-apoplejía que se la habían recetado para que dejara de consumir tanto alcohol. Cass Elliot (cantante de The Mamas and The Papas) también había muerto allí, no solo en el mismo departamento (unos años antes), sino que en la misma cama. Tras la muerte de un segundo amigo, el angustiado Nilsson no se animaba a regresar al lugar y subsiguientemente le vendió el edificio a Pete Townshend. Keith Moon fue reemplazado en The Who por Kenney Jones, y más tarde por → Zak Starkey (hijo de Ringo Starr, que hasta 2008 era miembro de Oasis, entre otros). El tributo más famoso a Moon es el personaje de los Muppets, Animal, un baterista enloquecido que es tan salvaje que debe ser encadenado a su batería durante sus presentaciones. El comediante y actor Mike Myers ha sido contratado para interpretar a Moon en la próxima película sobre el mismo. La película será producida por → Roger Daltrey, Nigel Sinclair y Paul Gerber.

Anécdotas Moon, además de los instrumentos ya citados, tambien tocaba el cuerno frances. tambien Moon fue quien coloco el nombre a la banda led zeppelin despues de escucharlos en una tocata la opinion de Moon fue "suenan como un globo de plomo" Kim Kerrigan, ex-esposa de Keith, contrajo posteriormente nupcias con el pianista Ian McLagan, miembro del conjunto The Faces, donde asimismo había sido miembro Kenney Jones, substituto de Keith Moon en the Who. Asímismo, Kerrigan había sido novia de Rod Stewart (casualmente futuro miembro de The Faces) antes de conocer a Moon.

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Keith Moon

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Referencias [1] http:/ / www. npr. org/ templates/ story/ story. php?storyId=1420254 [2] http:/ / www. wdkeller. com/ pb94. htm

Zak Starkey Zackarheias (Zacarías) Starkey (Londres, 13 de septiembre de 1965) es el hijo del baterista de → The Beatles → Ringo Starr con su primera mujer, Maureen Cox. Participó como baterista en algunas sesiones de → The Who, grupo del cual es baterista en la actualidad. Anteriormente también ha trabajado con artistas de la talla de Oasis, Johnny Marr, Icicle Works, The Waterboys, ASAP, y The Lightning Seeds. Starkey recibió su primera batería de su Zak Starkey tocando con Oasis en 2006

padre, aunque existe una leyenda que dice que la recibió de su ídolo, → Keith Moon batería de → The Who. Aun así, Moon le dio a Zak su primer kit profesional - uno utilizado previamente por Moon con los Who - además de algunas lecciones de batería. A los 8 años, empezó a interesarse en la música. A los 10, empezó a tocar la batería, después de recibir solo una clase de su padre, quien no quería que siguiera sus pasos. Aunque Ringo siempre reconoció la calidad de su hijo, siempre dijo que prefería verlo "como un doctor o un abogado, pero no como un músico". A los 12 años, Starkey estaba tocando en pubs con una banda llamada The Next. En 1988, Starkey sustituyó a Chris Sharrock como batería de "The Icicle Works". Abandonó el grupo en 1989, y no apareció en ninguna grabación, aunque una cara-B editada más adelante contenía una grabación de Starkey. Zak tocó en "Silver and Gold", un álbum en solitario del guitarrista de Iron Maiden Adrian Smith en 1989.

The Who En 1996, Starkey dejó su banda Face, para lograr el sueño de su juventud, unirse a → The Who. Recibió muy buenas críticas en su papel con los Who debido a una fuerte presencia en la batería que no imita explícitamente a → Keith Moon. Zak comenzó a tocar para los Who en el Quadrophenia Tour. → Townshend y → Daltrey constataron que es el mejor baterista que han tenido desde Keith Moon. Tocó en un tema del álbum lanzado en 2006, Endless Wire, y en dos nuevas canciones editadas en 2004 en The Who: Then and Now. A pesar de ello, no pudo grabar ni el EP "Wire & Glass" ni el álbum "Endless Wire" ya que estaba de gira con Oasis en el momento de su grabación. Starkey trabajó para los Who en el Tour 2006-2007.

Zak Starkey

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Oasis Colaboró en la batería con la banda inglesa Oasis en el disco Don’t Believe The Truth, así como en un Tour junto a la banda. También ha colaborado en los vídeos de los Singles: "Lyla", "The Importance Of Being Idle", los cuales llegaron a ser número uno en ventas en el Reino Unido.

Pino Palladino Pino Palladino

Información personal Nacimiento

17 de octubre de 1957

Origen

Cardiff, Gales Información artística

Instrumento(s)

bajo eléctrico

Período de actividad

1973 - actualidad

Artistas relacionados

Eric Clapton, Elton John, David Gilmour, David Knopfler, → The Who Web

Sitio web

pinopalladino.com

[1]

Pino Palladino, nacido el 17 de octubre de 1957 en Cardiff, Gales; es un notable bajista de rock y blues de ascendencia italiana.

Biografía Palladino comenzó a tocar la guitarra a la edad de 14 años en una banda local llamada Trapper cambiándose al bajo eléctrico 3 años más tarde. Durante esa época toca el bajo en numerosas bandas locales de rock, funk y reggae comenzando a grabar en estudios locales. Se muda a Londres a la edad de 23 años para tocar con la banda de Jools Holland, ex teclista de Squeeze con quienes giraría por Inglaterra y EE. UU.. En las actuaciones inglesas compartió cartel con Paul Young. Comienza a hacerse famoso tocando el bajo "fretless" (sin trastes) y así se lo requieren muchos artistas de la talla de Gary Numan, Paul Young, Richard Ashcroft, David Gilmour, Tears for Fears, Don Henley. Participa en directo tras grabar con ellos los álbumes L'Assassin de Gary Numan y No Parlez de Paul Young. También toca en los primeros álbumes de David Knopfler.

Pino Palladino

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Tras la muerte de → John Entwistle, bajista de → The Who, se convierte en miembro de sus giras que combina también con Jeff Beck, además de su prolífico trabajo de estudio. En 2003 toca con Simon & Garfunkel en su retorno Old Friends. También hace lo propio en la publicación de Paul Simon Surprise, en el 2006

Técnica Pino Palladino es considerado uno de los más valiosos bajistas de sesión de rock y pop principalmente debido al habitual uso de bajos sin trastes. Mientras era habitual en los temas comerciles para un bajista tocar un sonido genérico basado en las "notas bajas", Palladino solía usar una característico sonido combinando las notas "sin trastes" con efecto chorus al que añadía frecuentemente acordes y riffs solistas. Podemos apreciarlo en éxtios de Paul Young, por ejemplo. No quita para que el bajo "firmado" de la casa Fender sea una variante con trastes. Pino Palladino toca instrumentos de la casa Fender, tiene un modelo Precision Bass firmado, modelado a partir del ejemplar de 1962 que usa habitualmente. También usa bajos Fender Jaguar y Stauts-Graphite B-2.

Enlaces externos • Página Oficial de Pino Palladino • Fender|Guitarras Fender [3]

[2]

Referencias [1] http:/ / pinopalladino. com/ [2] http:/ / pinopalladino. com/ | [3] http:/ / www. fender. com/ products/ search. php

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Nirvana Nirvana (banda)

Información personal Origen

Aberdeen, Washington,

Estados Unidos

Información artística [1]

Género

Rock alternativo, grunge

Período de actividad

1987–1994

Discográfica(s)

Sub Pop, DGC Records

Artistas relacionados

Fecal Matter Foo Fighters Web

Sitio web

hereisnirvana.com

[2]

Miembros → Kurt Cobain † → Krist Novoselic → Dave Grohl

Antiguos miembros Chad Channing Dale Crover Dave Foster Aaron Burckhard Dan Peters

Nirvana fue un grupo estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical

Nirvana (banda) de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990. → Kurt Cobain, líder de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".[3] Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged. La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial,[4] incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos.[4] [5] Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.

Primeros años - Primer álbum: Bleach → Kurt Cobain y → Krist Novoselic se conocieron en la escuela en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda.[6] Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en la batería, Novoselic en guitarra y voces y Steve Newman en bajo), ellos tocaron un show en The Pourhouse, en Aberdeen, WA en 1986 y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios baterías, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Bliss, Pen Cap Chew en 1987 y Ted Ed Fred a principios de 1988, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Después tuvieron a un baterista llamado Dave Foster con el cual tocaron aproximadante cinco shows. Él tocó en el primer show de Nirvana en Seattle en Abril de 1988 en el Central Tavern. En una Fiesta en que tocó Nirvana, el 14 de Mayo de 1988, en The White House en Olympia, Washington, Kurt cantó Junto a Gilly Hanner un Cover de Scratch Acid "The Greatest Gift", en este show Kurt Cantó Love Buzz en el piso. Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterista "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, → Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista". El primer show de Chad con Nirvana fue a fines de mayo de 1988 en The Vogue en Seattle. En 1988 firmaron un contrato con la discográfica independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70 de Black Sabbath y → Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de

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Nirvana (banda) black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia.[7] Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde. Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606,17 dólares. Al acabar el álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos. El último show de Jason en Nirvana, fue en el Pyramid Club (New Music Seminar) de Nueva York el 18 de Julio de 1989, luego de este concierto fueron cancelados aproximadamente cuatro shows. A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep.[8] Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el batería que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Dale Crover tocó 8 shows con Nirvana en 1990. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al batería de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver", él tocó en un solo concierto en el Motor Sports International Garage de Seattle el 22 de septiembre de 1990. Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a → Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.

Éxito comercial: Nevermind Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287.000 dólares (y 75.000 dólares a Sub Pop, más un dos por ciento de los beneficios de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico. Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación. Después que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss). Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho

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Nirvana (banda) el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla.[9] Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radios que otros intentarían imitar durante la siguiente década. Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson,[10] un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden.[11] Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV),[12] optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año. En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo → Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner.[13] [14] En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó, en 2005 en el programa radial Loveline, que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, por todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, el directo terminó siendo uno de los más memorables de sus carreras. Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium".

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Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.[15] Nirvana en MTV Video Music Awards.

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música. Entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.

Trabajo experimental: In Utero Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota. Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio. Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves,[16] y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a

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mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo). Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.[17] Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo Pat Smear, segundo guitarrista en la gira éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó de "In Utero". en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.) En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.

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La muerte de Cobain A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después del directo en Terminal Eins en Múnich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido. En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapó del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 7 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

Después de la muerte de Cobain

Lista de canciones del concierto final de [18] Nirvana.

Lanzamientos Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie. Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm", con los miembros del grupo vestidos de mujer, en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en enero de 1993. La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain.[19] El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.

Nirvana (banda) En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana.[20] Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.[21] Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set. Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.

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Nirvana (banda)

Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores Caratula del disco "Nirvana". fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum). En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl". Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada.[22] El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto. En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis,[23] Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.

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Proyectos post-Nirvana En los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros vivos siguieron activos. Después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus cantantes favoritos de metal de inicios de los 80s bajo el nombre Probot. Dave Grohl, en 2005, con Foo Fighters. Posterior al fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys, que se presentó coincidencialmente en

una de las fechas en que se realizaba la reunión de la OMC de 1999. Otras colaboraciones de Novoselic incluyen tocar en una canción junto a Johnny Cash para el álbum tributo a Willie Nelson de 1996 Twisted Willie, así como tocar el piano en "Against the 70s" para el álbum de Mike Watt Ball-Hog or Tugboat? (en el que también participó Grohl, y varios músicos de grunge y rock alternativo como Eddie Vedder de Pearl Jam, Flea de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore de Sonic Youth). Más significativamente, Novoselic se ha convertido en un activista político, fundando el comité de acción política JAMPAC para apoyar los derechos de músicos. En 2004, lanzó un libro titulado Of Grunge and Government: Let's Fix This Broken Democracy (Del Grunge y el gobierno: Reparemos esta democracia rota), que cubría su pasado musical y su carrera política. Durante la campaña presidencial en Estados Unidos de 2004, Grohl y Novoselic aparecieron en escena para apoyar la campaña de John Kerry.

Krist Novoselic, en 2004, en Vancouver (Canadá).

Aunque Nirvana llegó a un repentino final después de su último concierto en Múnich, los miembros restantes (incluyendo a Pat Smear) ofrecieron una despedida a los seguidores de la banda. Al final de la presentación de

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Foo Fighters en el festival Bumbershoot de 1997 en Seattle, Grohl saltó hacia la batería, con Novoselic entrando con el bajo en mano. El trío (Grohl, Novoselic y Smear) entusiasmó al público con versiones de "Purple Rain" de Prince y "Communication Breakdown" de → Led Zeppelin. La corta actuación sirvió como un agradecimiento a Seattle y a todos los que apoyaron a Nirvana durante su corta pero inolvidable carrera.

Licenciamiento A finales de marzo de 2006, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el cual afirmaba que Courtney Love tenía un acuerdo con Larry Mestel, ex-presidente de Virgin Records y actual jefe de Primary Wave Music Publishing, para vender el 25 por ciento del catálogo de canciones de la banda (del cual ella poseía un 98 por ciento).[24] Love declaró, ante los temores de varios seguidores que la música de "una banda declaradamente anticorporativa" fuera "expuesta a la sobrecomercialización", que "se mantendría el espíritu de Nirvana". Previamente se especuló que la compañía Elevation Partners, de la cual forma parte Bono, el cantante de U2, compraría parte de los derechos.[25]

Miembros 1987

• → Kurt Cobain † • → Krist Novoselic • Aaron Burckhard

1988

• • • • •

1989

• → Kurt Cobain † • → Krist Novoselic • Chad Channing

1990

• • • • • • • •

1991-1994

• • • • • • • •

→ Kurt Cobain † → Krist Novoselic Dale Crover Dave Foster Chad Channing

→ Kurt Cobain † → Krist Novoselic Aaron Burckhard Dale Crover Dave Foster Chad Channing Dan Peters → Dave Grohl

• → Kurt Cobain † • → Krist Novoselic • → Dave Grohl

→ Kurt Cobain † - Voz, guitarra solista, batería (1987-1994) → Krist Novoselic - Bajo, guitarra, acordeón (1987- 1994) Aaron Burckhard - Batería (1987) Dale Crover - Batería (1988, 1990) Dave Foster - Batería (1988) Chad Channing - Batería (1988-1990) Dan Peters - Batería (1990) → Dave Grohl - 2ª Voz, batería, bajo (1990-1994)

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Otros miembros • • • •

Jason Everman - 2ª Guitarra (1989, gira de Bleach) Pat Smear - 2ª Guitarra (1993-1994, gira de In Utero) Lori Goldston - Violonchelo (1993-1994), gira americana de In Utero) Melora Creager - Violonchelo (1994, gira europea de In Utero)

Cronología

Bleach 1987

1988

1989

Nevermind 1990

1991

In Utero 1992

1993

1994

→ Kurt Cobain † → Krist Novoselic

A. Burckhard

Dave Foster

→ Dave Grohl

Chad Channing Dale Crover

Dale Crover

Dan Peters Álbum editado

Batería

Voz, guitarra y batería

Bajo, guitarra y acordeón

Voz, batería y bajo

Discografía Año

Título

Sello discográfico

Otra información

1989

Bleach

Sub Pop

Primer álbum de estudio.

1991

Nevermind

DGC Records

Segundo álbum de estudio.

1992

Incesticide

Geffen

Recopilación de rarezas, caras b, versiones alternativas de canciones, y versiones de canciones de otros artistas.

1992

Hormoaning

Geffen

EP lanzado para promocionar la gira de la banda en Japón y Australia.

1993

In Utero

Geffen

Tercer álbum de estudio.

1994

MTV Unplugged in New York Geffen

Álbum acústico en directo.

1996

From the Muddy Banks of the Wishkah

Geffen

Álbum póstumo que recopilaba versiones en directo de diferentes conciertos.

2002

Nirvana

Universal

También llamado como Lo mejor de o Grandes éxitos. Contiene la inédita "You Know You're Right".

2004

With The Lights Out

Geffen

With the Lights Out es un box set que contiene 3 CD y 1 DVD con material inédito de la banda y un libreto con fotos y comentarios de miembros de Sonic Youth.

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2005

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Sliver - The Best of the Box

19 canciones de With the Lights Out, incluyen 3 versiones de canciones hasta ahora desconocidas.

Geffen

Premios Año

Premio

Categoría

1992

MTV Video Music Awards

Mejor Video Alternativo por "Smells Like Teen Spirit"

1992

MTV Video Music Awards

Mejor Artista Nuevo

1993

MTV Video Music Awards

Mejor Video Alternativo por "In Bloom"

1993

Brit Awards

Acto Internacional Revelación

1994

MTV Video Music Awards

Mejor Video Alternativo por "Heart-Shaped Box"

1994

MTV Video Music Awards

Mejor Dirección de Arte por "Heart-Shaped Box" (en conjunto con Bernadette Disanto)

1995

American Music Awards

Artista de Heavy Metal/Hard Rock Favorito

1996

Premios Grammy

Mejor Álbum de Música Alternativa por MTV Unplugged in New York

2000

Libro Guiness de los récords

Video más Rotado en MTV Europa por "Smells Like Teen Spirit"

2000

Libro Guiness de los récords

Álbumes póstumos más exitosos por MTV Unplugged in New York y From the Muddy Banks of the Wishkah

2002

MTV Music Awards

Mejor grupo musical de grunge de la historia

Muestras • Smells Like Teen Spirit (en vivo) [26] de From the Muddy Banks of the Wishkah • Come as You Are [27] de Nevermind • Dumb [28] de In Utero

Véase también • Categoría:Grupos de rock alternativo • Categoría:Grupos de la década de 1990 • Lista de canciones versionadas por Nirvana

Bibliografía Referencias y bibliografía adicional En inglés • Al 'Big Cheese'. Nirvana, Flipside, junio de 1989. • Anderson, Dawn. It may be the Devil and it may be the Lord...But it sure as hell ain't human [29]. Backlash, septiembre de 1988. • Arnold, Gina. Pearl Jam/Nirvana/Red Hot Chili Peppers Concert Review. Rolling Stone, enero de 1992. • Arnold, Gina. Route 666: On the Route to Nirvana. New York: St. Martin’s Press, 1993. • Bernstein, Nils. Nirvana, The Rocket, diciembre de 1989

Nirvana (banda) • • • •

Cameron, Keith. This Is Pop [30]. Mojo, mayo de 2001. Cameron, Keith. Artículo sobre Nirvana [31]. Mojo, enero de 2003. Cobain, Kurt. Journals. (ISBN 1-57322-359-X) Riverhead, 2003. Henderson, Peter. Titanic! The Nevermind Recording Sessions [32]. Mojo, mayo de 1998.

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Nirvana (banda)

310

En español • Abdahllah, Ricardo. Kurt Cobain - El rock estaba muerto. Panamericana, 2006. (ISBN 958-30-1955-0) • Azerrad, Michael. Come As You Are: La Historia de Nirvana. Doubleday, 1993. (ISBN 0-385-47199-8) • Bianciotto, Jordi. Nirvana Rock n'Roll. Valencia: La Máscara, 1996. • Bianciotto, Jordi. Nirvana y los últimos días de Kurt Cobain. Valencia: La Máscara, 1997 • Cross, Charles R. Heavier than Heaven. (ISBN 0-7868-6505-9) Hyperion Press, 2001. • Clarke, M. y Woods, P. (editores) El enigma Kurt Cobain (Selección de textos). Barcelona: Robinbook, 2007. • Evans, Liz. Nirvana y Pearl Jam, Los mesías del nuevo metal. Kerrang! en español, Mega Metal No. 4. Mayo de 1994 • Nirvana Clandestino. Rolling Stone Cono Norte, abril de 2004. • Seattle un año después. Kerrang! En Español, No. 18, mayo de 1995.

Enlaces externos Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Nirvana.

En inglés • • • • •

Sitio en Sub Pop [37] Live Nirvana [38] - Sitio de recursos, incluye línea del tiempo e información de conciertos Nirvana en Rolling Stone [39] Nirvana [40] en NME Proyecto "Experiencia Música" en Seattle [41]

En español • Nirvana

[42]

en el directorio web de Google en español.

Referencias [1] Stephen Thomas Erlewine & Greg Prato. « Nirvana (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:hifexqr5ld6e)» (en inglés). Allmusic. [2] http:/ / hereisnirvana. com/ [3] Azerrad, Michael. "Inside the Heart and Mind of Nirvana". Rolling Stone. Abril 16, 1992. [4] Armstrong, Mark. " Nirvana logra la marca de los 50 millones en ventas a nivel mundial, 'Journals' número uno (http:/ / music. yahoo. com/ read/ news/ 12064388)". Noviembre 17, 2002 [5] Lista de álbumes más vendidos (http:/ / www. riaa. com/ gp/ bestsellers/ topalbums. asp) de la RIAA [6] Anderson, Dawn. "It may be the Devil and it may be the Lord...But it sure as hell ain't human". Backlash. Septiembre de 1988 [7] Fricke, David. "Krist Novoselic". Rolling Stone. Septiembre 13, 2001. [8] Day-by-day History - 1990 (http:/ / www. livenirvana. com/ history/ 90. php). LiveNirvana. [9] di Perna, Alan. " Música Grunge: Como se hizo Nevermind (http:/ / home. att. net/ ~grungehistory/ grunge_making_of_nevermind. htm)". Guitar World. Otoño de 1996 [10] "Nirvana Achieves Chart Perfection!". Billboard. 25 de enero, 1992 [11] Rosen, Craig. "Some See 'New Openness' Following Nirvana Success". Billboard. 25 de enero, 1992 [12] "Nirvana Mania". Melody Maker. 25 de enero, 1992 [13] Live Nirvana | 08/30/92 - Reading Festival, Reading, UK | Live Nirvana Tour History (http:/ / www. livenirvana. com/ tourhistory/ 92/ 08-30-92. php) [14] http:/ / www. livenirvana. com/ digitalnirvana/ videoguide/ nirvana92. html Accesado el 16 de julio de 2006

Nirvana (banda) [15] Azerrad, Michael. Come As You Are: La Historia de Nirvana. Doubleday, 1993. ISBN 0-385-47199-8, p. 279: La versión de Cobain era que Courtney le había preguntado bromeando a Axl si quería ser el padrino de Frances Bean. Axl le respondió diciéndole a Cobain que "callara a su perra". Cobain le dijo a Courtney "Cállate, perra", provocando risas del personal de Nirvana. [16] Fricke, David. "Kurt Cobain: La Entrevista de Rolling Stone". Rolling Stone. Enero 27 de 1994. [17] Pareles, Jon. "Concert Preview". New York Times.14 de noviembre, 1993. [18] Varios rumores han circulado sobre el concierto final de la banda. Mientras que Charles Cross menciona en Heavier than Heaven que la banda versionó 2 canciones de The Cars antes de que Cobain abandonara el escenario, un asistente al concierto mencionó la siguiente lista (http:/ / www. livenirvana. com/ mostwanted/ 03-01-94/ eyewitness. php). Después de la aparición de una cinta de audio del concierto en Febrero de 2005, la lista "definitiva" incluye un intento fallido para tocar "Come as You Are" debido a un apagón en el escenario. (http:/ / www. livenirvana. com/ tourhistory/ 94/ 03-01-94. php) [19] Ali, Lorraine. "One Last Blast". Rolling Stone. Octubre 17, 1996. [20] Graff, Gary. "El Box Set de Nirvana saldrá algún día". Wall of Sound. Agosto 28, 1997. [21] Heath, Chris. "La guerra de Nirvana: ¿Quién es el dueño de Kurt Cobain?". Rolling Stone. Junio 6, 2002. [22] Lash, Jolie. "Unreleased Nirvana Due". Rolling Stone. Septiembre 20, 2005. [23] DeRogatis, Jim. " Un Pedazo de Kurt Cobain (http:/ / www. jimdero. com/ News2002/ CobainMar10. htm)". Chicago Sun-Times. Marzo 10, 2002 [24] Lash, Jolie. " Courtney Sells Nirvana Rights Share (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 9549408/ courtney_sells_nirvana_rights_share?rnd=1144428901640& has-player=true& version=6. 0. 12. 1212)". Rolling Stone. Marzo 30, 2006 [25] Hall, James. " Bono leads race to buy Nirvana stake (http:/ / www. telegraph. co. uk/ money/ main. jhtml?xml=/ money/ 2006/ 03/ 26/ cnnirv26. xml& menuId=242& sSheet=/ money/ 2006/ 03/ 26/ ixcitytop. html)". Telegraph. Marzo 26, 2006. [26] http:/ / upload. wikimedia. org/ wikipedia/ en/ 3/ 34/ SmellsLikeTeenSpirit. ogg [27] http:/ / upload. wikimedia. org/ wikipedia/ en/ c/ c1/ ComeAsYouAre. ogg [28] http:/ / upload. wikimedia. org/ wikipedia/ en/ 4/ 43/ Dumb. ogg [29] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ press/ press_kit. pdf [30] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ mojoinutero. html [31] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ mojo110. html [32] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ mojonevermind. html [33] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ press/ nirvatimelinepg1. jpg [34] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ press/ nirvatimelinepg2. jpg [35] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ press/ nirvatimelinepg3. jpg [36] http:/ / www. livenirvana. com/ documents/ mojo54. html [37] http:/ / www. subpop. com/ artists/ nirvana [38] http:/ / www. livenirvana. com/ [39] http:/ / www. rollingstone. com/ artists/ nirvana [40] http:/ / www. nme. com/ artists/ nirvana [41] http:/ / www. emplive. org/ [42] http:/ / www. google. com/ Top/ World/ Espa%C3%B1ol/ Artes/ M%C3%BAsica/ Bandas_y_artistas/ N/ Nirvana/

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Kurt Cobain

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Kurt Cobain Kurt Cobain

Información personal Nombre

Kurt Donald Cobain Fradenburg

Nacimiento

20 de febrero de 1967

Origen

Estados Unidos, Aberdeen

Muerte

5 de abril de 1994, 27 años Estados Unidos, Seattle

Ocupación(es)

Músico, Guitarrista, Compositor, Cantautor Información artística

Alias

Kurdt Kobain, Kurdt Cobain, Curt Cobain

Instrumento(s)

Guitarra, Fender Jaguar, Voz, batería, Bajo.

Artistas relacionados

→ Nirvana

Fecal Matter

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, 20 de febrero de 1967 - Seattle, 5 de abril 1994) fue el cantante, compositor y guitarrista de la prominente banda grunge → Nirvana. Cobain no sólo fue el principal compositor de la banda y su líder musical, sino que además sirvió como su "líder y centro espiritual".[1] Con el éxito de la banda, Cobain se convirtió en una celebridad a nivel mundial, una posición incómoda para alguien que dijo "Famoso es la última cosa que quise ser".[2] Cobain y Nirvana ayudaron a transformar la música popular en los años 90. En 1991, la llegada de la canción más conocida de Cobain, "Smells Like Teen Spirit", marcó el comienzo de un cambio dramático de la escena musical, alejada de los géneros dominantes de los ochentas, el glam metal y el dance-pop, llevando al ascenso del grunge y el rock alternativo. Los medios musicales le concedieron eventualmente a "Smells Like Teen Spirit" el estado de "himno generacional",[1] y con éste reconocimiento, Cobain se convirtió en el "portavoz" de la Generación X. El 8 de abril de 1994 fue encontrado muerto en su casa de Seattle, víctima oficialmente de suicidio. Las circunstancias de su muerte siguen siendo motivo de un apasionado debate. Entre otras canciones conocidas de Cobain se encuentran "Come as You Are", "In Bloom", "Lithium", "Heart-Shaped Box", "All Apologies", "About a Girl", "Rape Me", "Breed" , "Sliver" , "You Know You're Right", "Smells Like Teen Spirit", y "Polly". Además también se

Kurt Cobain hicieron numerosas canciones sin terminar.

Influencias musicales Cobain era un devoto seguidor de los primeros artistas de rock alternativo. Él hizo referencia a sus bandas favoritas en entrevistas, dándole inclusive mayor importancia a las bandas que lo influenciaron que a su propia música. En las entrevistas Cobain hablaba de intérpretes relativamente oscuros para el público general como The Vaselines, The Melvins, Daniel Johnston, Meat Puppets, Young Marble Giants, King Crimson, Wipers, y The Raincoats. Además, Cobain fue capaz de convencer a discográficas para relanzar álbumes de The Raincoats (Geffen) y The Vaselines (Sub Pop). Cobain también habló de la influencia de Pixies, y comentó sobre las similitudes de la música de esa banda y "Smells Like Teen Spirit". Cobain le contó a la revista musical Melody Maker en 1992 que después de escuchar Surfer Rosa por primera vez lo convenció de dejar a un lado sus composiciones "tipo Black Flag" para concentrarse más en composiciones "tipo → Iggy Pop / Aerosmith" que aparecieron en Nevermind.[3] Cobain también hizo esfuerzos para incluir a sus intérpretes favoritos en sus andanzas musicales. En 1993, cuando decidió que quería un segundo guitarrista que lo asistiera en escenario, Cobain, junto a Nirvana, se unió a Pat Smear de la legendaria banda californiana The Germs. El mismo año, cuando hubo problemas durante los ensayos de tres canciones de Meat Puppets para la presentación de la banda en MTV Unplugged, Cobain llamó a los líderes de la banda, los hermanos Curt y Cris Kirkwood, para que subieran al escenario a interpretar las canciones. Mientras que Sonic Youth ayudó a Nirvana a ganar mayor éxito, Nirvana intentó ayudar a otros artistas de indie a alcanzarlo. La banda contribuyó con la canción "Oh, the Guilt" a un sencillo lanzado en conjunto con The Jesus Lizard de Chicago, lo cual ayudó a la credibilidad indie de Nirvana y ayudó al crecimiento del público de The Jesus Lizard. → The Beatles fueron una importante influencia musical en Cobain. Él expresó una admiración particular por → John Lennon, al cual llamó su ídolo en sus diarios, e inclusive admitió que la canción "About a Girl" era esencialmente su intento de escribir una canción de The Beatles. También tuvo muchas influencias del punk, y daba crédito a bandas como Black Flag y Sex Pistols por su actitud y estilo artístico. Pese a las influencias indie de Cobain, el sonido de los primeros años de Nirvana estaba influenciado por bandas de hard rock de los setentas, incluyendo a → Led Zeppelin, Queen, Black Sabbath, y Kiss. En ese tiempo, la banda tenía el hábito regular de tocar versiones de canciones de estas bandas, incluyendo "Immigrant Song", "Dazed and Confused" y "Heartbreaker" de Led Zeppelin, y una grabación de estudio de "Do You Love Me?" de KISS, la cual tocaron para el disco tributo a KISS Hard to Believe. Además, Cobain discutió sobre la influencia de bandas como The Knack, Boston, y Bay City Rollers en su música. Además, Cobain tuvo influencias de artistas de épocas más tempranas: el concierto de Nirvana en MTV Unplugged terminó con una versión de "Where Did You Sleep Last Night", una canción popularizada por el artista de blues Leadbelly, uno de los intérpretes favoritos de Cobain.

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Nirvana Cobain recibió su primera guitarra de su tío a la edad de 14 años, quien la consiguió en el centro musical Rosevear en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento, Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y → Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía algún talento musical particular. Posteriormente, Cobain encontró a → Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza ("Maria's Hair Design"), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Pocos años después, Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le prestó una copia de un demo casero (titulado Illiteracy Will Prevail) grabado por una de las primeras bandas que formó Cobain, Fecal Matter. Después de meses de pensarlo, Novoselic aceptó unirse a Cobain, lo cual sentó las bases de Nirvana. En los primeros años como grupo, a Novoselic y Cobain les tocó rotar frecuentemente de bateristas. Eventualmente, Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989. Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de Channing, y la banda lo reemplazó por → Dave Grohl. Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su álbum debut en una gran Discográfica, Nevermind (1991). Posteriormente en 1993 salió el disco In Utero. Cobain tuvo problemas para adaptarse al éxito masivo de Nirvana con sus fuertes raíces underground. Además, se sintió perseguido por los medios, hasta el punto de compararse a sí mismo con Frances Farmer, y tuvo resentimiento con personas que decían ser fanáticos de la banda, pero que no entendieron el mensaje de ésta. Un incidente que molestó particularmente a Cobain involucró a dos hombres que violaron a una mujer mientras cantaban la canción de Nirvana "Polly". Cobain condenó el episodio en las notas adjuntas a las versiones estadounidenses de la compilación Incesticide, refiriéndose a los agresores como "dos desperdicios de esperma y óvulos".[4]

Matrimonio Courtney Love vio tocar a Cobain por primera vez en 1990. De acuerdo al periodista Everett True, la pareja fue formalmente presentada en un concierto de L7 y Butthole Surfers en Los Ángeles en Mayo de 1991. (Varias biografías mencionan como la fecha del encuentro en 1989, en Portland, pero True insiste que 1991 es una fecha más exacta, y señala como prueba una entrevista a Cobain y Love en 1992 con la revista Sassy en la cual la pareja dijo que se habían encontrado en un concierto de L7 y Butthole Surfers). En las semanas siguientes, después de saber de la mano de Grohl que ella y Cobain compartían sentimientos mutuos, Love lo empezó a buscar frecuentemente. Después de semanas de encuentros y conversaciones en el otoño de 1991, ambos fueron vistos juntos con mayor frecuencia. Alrededor del tiempo de la presentación de Nirvana en Saturday Night Live (comienzos de 1992), Love descubrió que estaba embarazada. Unos días después del final de la gira de Nirvana por el Pacífico, el lunes 24 de febrero de 1992, Cobain se casó con Love en la playa de Waikiki, en Hawaii. El 18 de agosto, nació la hija de la pareja, Frances Bean Cobain. La razón del inusual segundo nombre fue que Cobain pensó que ella parecía un frijol en su primera ecografía. La niña fue nombrada en honor a Frances McKee de The Vaselines, de los que Cobain era gran fanático.

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Courtney Love, viuda de Cobain

Love era algo impopular con varios fanáticos de Nirvana; sus críticos decían que ella estaba usando a Cobain como "vehículo" para lograr fama. Los críticos que comparaban a Cobain con su ídolo, → John Lennon, también comparaban a Love con Yoko Ono. Hay rumores persistentes que dicen que Cobain escribió la mayoría de canciones en el exitoso álbum Live Through This de la banda de Love, Hole. Sin embargo, excepto por una mezcla temprana de la canción "Asking for It", en la que Cobain cantaba vocales de acompañamiento, no hay evidencia que

pueda probar ésta afirmación. Sin embargo, al menos una canción de Hole fue escrita por Cobain pero con créditos para Hole: "Old Age", que apareció como lado B en el sencillo de 1993 de Beautiful Son. Inicialmente, no había razón para creer que no era más que otra canción de Hole. Sin embargo, en 1998, un demo de la canción interpretado por Nirvana fue publicado por el diario de Seattle The Stranger. En el artículo que acompañaba el clip, Novoselic confirmó que la grabación fue hecha en 1991 y que "Old Age" era una canción de Nirvana, provocando especulaciones sobre el envolvimiento de Cobain en el catálogo de Hole. Inclusive, Nirvana había intentado grabar la canción durante las sesiones de Nevermind, pero quedó incompleta porque Cobain no había terminado la letra y a la banda se le acabó el tiempo acordado para usar el estudio. (Ésta grabación apareció en el box set de 2004 With the Lights Out, con créditos para Cobain). El guitarrista de Hole, Eric Erlandson, dijo que creía que Cobain había compuesto la música y Love la letra para la versión de esa banda.[5] En un artículo de 1992 de la revista Vanity Fair, Love admitió que usó heroína mientras (sin saberlo) estaba embarazada, lo que perjudicó seriamente su imagen pública. Aunque el romance de Cobain y Love había atraído a los medios de comunicación antes de que el artículo fuera publicado, la pareja se encontró frecuentemente asediada por reporteros de tabloides que querían saber si Frances había nacido como adicta a las drogas. La notoriedad del artículo inclusive resultó en una investigación por parte de servicios de protección infantil para medir las capacidades de la pareja como padres. Pese a una cantidad significativa de disputas legales, la investigación fue eventualmente cerrada sin consecuencias para la pareja. Love, junto a Cobain, alegó que Vanity Fair tomó sus palabras fuera de contexto.

Adicción Durante su vida Cobain luchó contra la depresión, la bronquitis crónica y contra un intenso dolor físico debido a una condición estomacal crónica que jamás fue diagnosticada, de la cual buscó por años la causa y lo afectó emocionalmente. Ninguno de los doctores a los que consultó fue capaz de encontrar la causa específica, aunque le aseguraron que pudo ser el resultado de una escoliosis que Cobain sufrió en su niñez o tenía relación con el estrés producido por las giras y eventos a los que la banda asistía. Cobain se auto-medicó con

Kurt Cobain heroína, pese a que su condición médica no fue la razón principal que provocó su uso de la droga. Cobain tuvo su primer contacto con las drogas a finales de 1990 normalmente para luchar contra su hiperactividad que le trataron con fuertes sedantes ya desde pequeño. Por algunos meses, Cobain usó la droga casualmente, pero no tomó mucho tiempo para que se convirtiera en una adicción. A finales de 1991, su uso empezó a afectar la gira de la banda en promoción de Nevermind, y se vio a Cobain desmayándose durante sesiones fotográficas. Por ejemplo, el día de la presentación de la banda en Saturday Night Live, cuando Nirvana tuvo una sesión con el fotógrafo Michael Levine, Cobain (que había consumido unas horas antes) estuvo tambaleándose varias veces durante la sesión. Sobre ésta, Cobain le relató al biógrafo Michael Azerrad, "Yo digo: ¿Qué pueden hacer ellos? No eran capaces de decirme que parara. Entonces a mí no me importó. Obviamente ellos pensaban que era algo parecido a practicar brujería. Ellos no conocían bien mi problema, y hasta pensaron que en algún segundo iba a morir". La adicción a la heroína de Cobain incrementó con el paso del tiempo. A comienzos de 1992, poco después de que él y Love descubrieran que iban a ser padres, decidió entrar a rehabilitación. Después de dejarla, Nirvana se embarcó en una gira por Japón y Australia, donde se vio a un Cobain pálido que sufría de síndrome de abstinencia. Poco después de regresar a Estados Unidos, la adicción de Cobain reapareció. Antes de una presentación en el "New Music Seminar" de la ciudad de Nueva York en Mayo de 1993, Cobain sufrió una sobredosis de heroína. En vez de llamar a una ambulancia, Love le inyectó Naloxona, conseguida ilegalmente, a Cobain para sacarlo del estado de inconsciencia. Unas horas más tarde, Cobain tocó junto a Nirvana uno de los conciertos más memorables del año. El público no notó que algo extraño hubiera ocurrido.

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Semanas finales y muerte Después de un concierto en el "Terminal Einz" en Múnich, Alemania, el 1 de marzo de 1994, a Cobain se le diagnosticó bronquitis y laringitis severa. De ahí partió hacia Roma el día siguiente para tratamiento médico, donde estaba su esposa el 3 de marzo. A la mañana siguiente, cuando despertó, Love descubrió que Cobain había sufrido una sobredosis por una combinación de champaña y flunitrazepam (Love obtuvo una prescripción para rohypnol después de llegar a Roma). Cobain fue llevado de forma inmediata al hospital, y pasó el resto del día inconsciente. Después de estar cinco días en tratamiento, Cobain salió del hospital y regresó a Seattle.[6] Posteriormente, Love insistió publicamente que el incidente fue el primer intento de suicidio de Cobain. El 18 de marzo, Love llamó a la policía para informar de que Cobain se quería suicidar, y que se había encerrado en un cuarto con un arma. La policía fue a la residencia y confiscó varias armas y una botella de píldoras de Cobain, que insistió en que no se quería suicidar y que se había encerrado para esconderse de su mujer. Cuando la policía le preguntó sobre el tema, ella admitió que Cobain nunca había mencionado que quería suicidarse y que ella no lo había visto con un arma.[7] El 25 de marzo, Love convocó una reunión sobre el uso de drogas de Cobain. Las diez personas que estuvieron ese día incluyeron a músicos cercanos a Cobain, ejecutivos de la discográfica de la banda, y uno de los amigos más cercanos de Cobain: Dylan Carlson, de Earth. El ex-representante de Lista de canciones del último Nirvana, Danny Goldberg, describió a Cobain como concierto de Nirvana "extremadamente escéptico" y que "negó que estuviera haciendo algo realmente autodestructivo". Sin embargo, para el final del día, Cobain estuvo de acuerdo en entrar a un programa de desintoxicación.[8] El 30 de marzo, Cobain llegó al Centro de Recuperación Exodus en Los Ángeles, California. En la tarde del 1 de abril, la niñera de Frances Bean la llevó al lugar para una visita de una hora con su padre. Esa noche, Cobain salió del edificio con un cigarrillo, luego escaló una reja de seis pies de alto y dejó el centro. Después tomó un taxi hacia el aeropuerto y regresó a Seattle. A la mañana siguiente, se detuvo en su casa, donde conversó con Michael "Cali" DeWitt, quien vivía cerca. Durante los días siguientes, Cobain estuvo recorriendo Seattle, pero varios de sus familiares y amigos no estaban pendientes de lo que hacía. El 3 de abril, Love contrató al investigador privado Tom Grant para hallar a Cobain (Tom Grant ha discrepado posteriormente de la versión oficial de la muerte de Kurt Cobain.[9] ). Al día siguiente, Love llenó un reporte de persona desaparecida bajo el nombre de la madre de Cobain sin su permiso. Además, agregó que éste se quería suicidar y que estaba en posesión de un arma de fuego.[10] El 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto en una habitacion encima de su garage por el empleado de Veca Electric Gary Smith. Smith llegó a la casa esa mañana para instalar un sistema eléctrico de seguridad y vio el cadáver pensando que era

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Kurt Cobain un maniquí. Con la excepción de una pequeña cantidad de sangre saliendo del oído de Cobain, Smith reportó que no había notado signos visibles de trauma, e inicialmente creyó que estaba dormido. Smith encontró lo que parecía ser una nota de suicidio con un esfero en un pequeño jarrón de flores. Una escopeta, que Cobain consiguió con la ayuda de Dylan Carlson, se encontró al lado del cuerpo. Una autopsia concluyó que la muerte de Cobain fue el resultado de una "herida por bala auto-inflingida en la cabeza". El reporte estima que Cobain murió el 5 de abril. Además de la nota de suicidio oficial (de la que Tom Grant asegura que Courtney Love escribió las últimas frases de despedida[11] ), hay una que por desconocidas razones Love no quiso revelar y quemó antes de que nadie pudiese leerla. El cadáver de Cobain fue quemado, y un tercio de sus cenizas se esparcieron en un templo de Budismo Tibetano en Ithaca (New York), otro fue esparcido en el río Wishkah por la pequeña Frances Bean, mientras que el último tercio fue entregado a Courtney Love.

Herencia musical La canción más conocida de Cobain es el himno-grunge "Smells like teen spirit". Detrás de esa canción hay una historia: Kathleen Hanna, una amiga de Cobain, escribió en la pared de su cuarto 'Kurt smells like Teen Spirit', haciendo alusión al desodorante Teen Spirit que usaba la novia de Kurt de ese momento, Tobi Vail. Kurt no comprendió el chiste e interpretó la frase con un significado revolucionario. Póstumamente en 1994 MTV emite el concierto acústico y es lanzado el álbum MTV Unplugged In New York, que gana un grammy. Dos años más tarde sale un álbum con canciones en vivo llamado From the Muddy Banks of the Wishkah. En el 2002, luego de disputas judiciales entre Love y los dos ex miembros de la banda supervivientes, sale el álbum de grandes éxitos Nirvana, con la canción inédita You Know You're Right, la última canción de estudio de Nirvana, grabada en Enero de Graffitis en tributo a Cobain en una banca en 1994. En el 2004 sale el box set With The Aberdeen, WA. Lights Out que contiene material inédito de la banda, caras B, y presentaciones en vivo, este box set es considerado por Rolling Stone como "el box set más vendido de la historia", y al año siguiente, una compilación con lo mejor del box set y tres versiones de canciones inéditas, Sliver: The Best Of The Box. Una de esas canciones es Spank Thru, la que, según Kurt y Krist, es la primera canción de Nirvana, y además la versión presentada proviene del demo "Feccal Matter", con el que Kurt convencería a Krist de formar una banda, y considerado como el Santo Grial para muchos fans de la banda. Luego se creó una fundación de ayuda a los adictos con el nombre de Cobain.

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Menciones En [2001] es citado en la película "How High" (Buen Rollito) en una escena en la que están Jamal y Silas fumandose las cenizas de su amigo Ivory para que le ayude con los examenes y este pide disculpas por la tardanza comentando que estaba liado con Elvis y Kurt Cobain. En 2004 aparece exactamente 10 años después de su muerte el comic-biografía 'Godspeed' del artista Barnaby Legg, Jim McCarthy y Flameboy. También en el 2004, el grupo español Mamá Ladilla se refiere a Cobain en la canción "Requiem de mofa", versión libre de "Smells Like Teen Spirit". En 2005 se presenta en Cannes "Last Days" de Gus Van Sant, una película inspirada en Kurt Cobain. En la película aparece Michael Pitt interpretando a un músico grunge en plena crisis mental, escapando de todo el mundo para intentar suicidarse. Pearl Jam, justo 8 días después de la muerte de Cobain, en una presentación en el programa "Saturday Night Live" mientras tocaban la canción "Daughter" rindieron tributo introduciendo una parte de la canción original de Neil Young "Hey, Hey, My, My" a quien el mismo Cobain hace referencia en la citada carta de suicidio por medio de la frase "It's better to burn out than to fade away" ("es mejor quemarse que extinguirse"). La Banda Dover también menciona en su canción "The Weak Hour Of The Rooster", dicha frase la cual añaden en uno de sus versos. En el 2007 se inicia la producción de la nueva película sobre Kurt Cobain, de la mano de Courtney Love como co-productora ejecutiva y basada en el libro «Heavier Than Heaven» de Charles R. Cross, las grabaciones inician este año. La revista Rolling Stone publicó en agosto del 2003 una lista con los mejores 100 guitarristas de la historia, dejando a Kurt en el lugar número 12. Rolling Stone también publico el 27 de noviembre de 2008 una lista de los mejores 100 cantantes de la historia, en la cual Kurt quedo en el lugar número 45. Anthony Kiedis, el cantante y compositor de los Red Hot Chili Peppers, al enterarse de la muerte de su amigo decide escribirle una cancion, finalmente titulada como "Tearjerker". Esta cancion aparece en el album "One Hot Minute" de 1995. En el 2006 fue mencionado en Seven Ages Rock:Capitulo 6 Rock Alternativo, una biografía de su vida y de Nirvana producida por la BBC. Actualmente, en la entrada de la pequeña región de Aberdeen, da la bienvenida un cartel tributo a ese pequeño músico que ensordecía a sus habitantes tocando temas de The Beatles con sus tamborcillos por las calles del pueblo. Existe tambien un cartel en honor a Kurt Cobain, donde se utiliza el título de una de sus más exitosas canciones, Come As You Are (Ven Tal y Como Eres) En un capitulo de Padre de Familia , es mencionado cuando el perro esta en el cielo con Van Gogh y Kurt Cobain

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Bibliografía Enlaces externos Commons •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Kurt Cobain.

Wikiquote • Wikiquote alberga frases célebres de Kurt Cobain. • Rodovid alberga la genealogía de Kurt Cobain [12]

En inglés • • • • • •

Interscope [13] - Sitio en su sello discográfico Sitio en Sub Pop [14] Letras de canciones de Nirvana [15] Tablaturas [16] Live Nirvana [38] - Sitio de recursos, incluye línea del tiempo e información de conciertos Club de Fans de Nirvana (NFC) [17]

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Página de música de Nirvana [18] Discografía [19] Nirvana en MusicBrainz [20] Las preguntas más frecuentes sobre el equipamento de Kurt Nirvana en MTV [22] Nirvana en Rolling Stone [23] Nirvana [40] en NME Proyecto "Experiencia Música" en Seattle [41]

[21]

En español • Kurt Cobain

[24]

en el directorio web de Google en español.

• Abdahllah, Ricardo. Kurt Cobain - El rock estaba muerto. Panamericana, 2006. (ISBN 958-30-1955-0) • Carta de suicidio original y manuscrita de Kurt Cobain [25] y su transcripción en castellano e inglés.

Referencias [1] [2] [3] [4]

Garofalo, Reebee. Rockin' Out: Popular Music in the USA. Allyn & Bacon, 1997. ISBN 0-205-13703-2 Azerrad, Michael. Come as You Are: The Story of Nirvana. Doubleday, 1993. ISBN 0-385-47199-8 "Kurt Cobain de Nirvana Habla Sobre Álbumes que cambiaron su Vida". Melody Maker. 29 de agosto, 1992. « "Incesticide note" (http:/ / www. livenirvana. com/ digitalnirvana/ discography/ nirvana/ incesticide_note. html)».. Accesado el 29 de agosto, 2006. [5] Live Nirvana | Spring 1991-Fall 1992 - Cobain residence, Olympia, WA/Los Angeles, CA, US? | Live Nirvana Sessions History (http:/ / www. livenirvana. com/ sessions/ home/ fall-1992. php) [6] (1998) Who Killed Kurt Cobain? (¿Quién mató a Kurt Cobain?). Birch Lane Press. [7] Depatamento de Policía de Seattle (1994). « Incident Report - March 18 (Reporte de Incidente - 18 de marzo) (http:/ / www. justiceforkurt. com/ investigation/ documents/ march_18_report. shtml)». [8] The Seattle Times (1994). « Questions Linger After Cobain Suicide (http:/ / www. justiceforkurt. com/ coverage/ newspapers/ seattle_times. shtml)». [9] Tom Grant (1998). « Investigación sobre la muerte de Kurt Cobain (http:/ / usuarios. lycos. es/ nirvanaaj/ Investigacion. html)».

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[10] Departamento de Policía de Seattle (1994). « Missing Person Report (http:/ / www. justiceforkurt. com/ investigation/ documents/ missing_person_report. shtml)». [11] Tom Grant (1998). « Investigación sobre la muerte de Kurt Cobain (http:/ / usuarios. lycos. es/ nirvanaaj/ Investigacion. html)». [12] http:/ / es. rodovid. org/ wk/ Especial:Tree/ 52910 [13] http:/ / www. interscope. com/ nirvana/ [14] http:/ / www. subpop. com/ scripts/ main/ bands_page. php?id=163 [15] http:/ / www. lyricsarchive. net/ nirvana. php [16] http:/ / www. tabwiki. com/ index. php/ Nirvana [17] http:/ / www. nirvanaclub. com/ [18] http:/ / www. nirvana-music. com/ [19] http:/ / www. livenirvana. com/ digitalnirvana/ discography/ [20] http:/ / musicbrainz. org/ artist/ 5b11f4ce-a62d-471e-81fc-a69a8278c7da. html [21] http:/ / www. kurtsequipment. com/ [22] http:/ / www. mtv. com/ bands/ az/ nirvana/ artist. jhtml [23] http:/ / www. rollingstone. com/ artist/ _/ id/ 69299 [24] http:/ / www. google. com/ Top/ World/ Espa%C3%B1ol/ Artes/ M%C3%BAsica/ Bandas_y_artistas/ C/ Cobain,_Kurt/ [25] http:/ / www. tinet. cat/ ~jxa/ nirvana/ originalletter. html

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Chris Novoselic

Información personal Nombre

Krist Anthony Novoselić II

Nacimiento

16 de mayo de 1965 (44 años)

Origen

Compton, California, Estados Unidos

Ocupación(es)

músico, político Información artística

Género

Rock Alternativo Grunge Punk Rock

Instrumento(s)

Guitarra, bajo, voz, Acordeon

Período de actividad

1987-presente

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Discográfica(s)

Sub Pop, DGC / Geffen Records, SpinArt Records

Artistas relacionados

→ Nirvana

Eyes Adrift Sweet 75 Mark Lanegan Flipper The No WTO Combo Johnny Cash The Stinkypuffs Sky Cries Mary Mike Watt Aya

Chris Anthony Novoselic (Compton, 16 de mayo de 1965) es un músico de rock estadounidense. Fue bajista y co-fundador, junto con → Kurt Cobain, del grupo → Nirvana.

Biografía Chris Anthony Novoselic nació el 16 de mayo de 1965 en Compton, California. Sus padres Chris y María Novoselic son inmigrantes croatas, el Sr. Novoselic llegó a los Estados Unidos en 1963 y un año después llegó quien sería su esposa. Consiguieron una casa en Gardena, California y el Sr. Novoselic obtuvo trabajo como conductor de un camión de agua. En 1967, cuando Chris tenía 2 años nació su hermano Robert Novoselic, para este entonces la familia se mudaba constantemente de domicilio hasta que por fin, llegaron a una modesta casa. En 1973, nace la hermana de Krist y Robert, Diana Novoselic, después se volvieron a cambiar de casa. "Robert y yo éramos una especie de chicos grandes y nos gustaba meternos en problemas" comenta Krist acerca de su infancia. "Pinchando llantas y cosas como esas. Mi papá nos tenía que reprender y a veces nos pegaba porque solo él sabía cómo hacerlo, nosotros le teníamos miedo pero esto no quiere decir que él fuese un abusador, no creo que él haya abusado de nosotros. No nos daba cachetadas por todo, creo que era la ley de acción y reacción. Aventábamos piedras a las casas, a los coches. En aquel tiempo el vandalismo rifaba mucho, nosotros realmente nos dedicábamos a él. Estrellábamos huevos..." En 1974 se mudaron a Aberdeen, Krist tenía 9 años y comenta que para aquel entonces su hermano y él ya se habían enderezado un poco. El costo de las propiedades en el sur de California eran muy altos y por eso la familia pudo conseguir una mejor casa por poco dinero en Aberdeen. También en esa área vivían muchas familias croatas. El Sr. Novoselic consiguió trabajo como maquinista en uno de tantos molinos que había en el pueblo. A esa edad, a Krist le gustaba escuchar bandas como → Led Zeppelin, Devo, Black Sabbath y Aerosmith mientras los demás escuchaban "Top Forty", tal vez porque esto es lo que tocaba la estación local. Para junio de 1980, los padres de Krist se preocuparon por la depresión que le afectaba así que lo mandaron con sus parientes en Croacia. A él le encantó vivir allí e hizo muchos amigos. Para él las escuelas eran excelentes. Había escuchado de algo llamado "Punk rock" y descubrió a Sex Pistols, The Ramones y también algunas bandas yugoslavas de punk. "Esto no me impresionó mucho, solo era música que no significaba nada, era solo música que me gustaba". Después de un año de vivir en Croacia sus padres lo llamaron de regreso.

Krist Novoselic "Me sentía en un mundo extraño, como en el limbo", decía Krist, y empezó a beber y fumar marihuana en exceso. "Siempre he sido un gran bebedor" comenta, cuando tomo, no me detengo. Me gusta beber porque estás en un extraño mundo de caricatura donde todo se vale. Tu visión se hace borrosa y nada y todo te hace sensible. Es loco, es una realidad diferente y un mundo diferente en el cual estás consciente". Krist se convirtió en alguien muy conocido en las fiestas. "Solo tenías que ir a fiestas y la gente te decía cosas como "Hey Novie!". Matt Lukin comenta: "Siempre lo conocieron como el gran chico porque siempre estaba haciendo cosas raras. Ellos pensaban que era alguien extraño y raro. Cuando iba a las fiestas se ponía a brincar de un lado a otro". Había muchas personas que se juntaban con él para salir pero se sentía muy presionado al llamarlos "amigos". "Me juntaba con ellos porque no tenía otra cosa que hacer" dice Krist. Esto era un poco raro e incomfortable". Finalmente consiguió trabajo en el Taco Bell local, trabajaba todas las noches y no socializaba con nadie, solo ahorraba dinero. También durante este trabajo conoció a un joven del que se hizo amigo, su nombre era Buzz Osborne. En su último año de la preparatoria, se había comprado un carro, unas bocinas y una guitarra. Tomó lecciones con su hermano Robert y le dijo a su maestro, Warren Manson (el mismo que enseñó a Kurt) que le gustaba mucho el Blues. Unos meses después, dejó las prácticas. Se tiraba en la cama y pacientemente trabajaba en grabaciones de B.B. King con su hermano. Poco tiempo después, el hermano de Krist, Robert, trajo a su amigo Kurt Cobain a la casa de los Novoselic. Cuando Kurt preguntó acerca del estrepitoso ruido emanado del estéreo de arriba, Robert le contestó, "Oh ese es mi hermano Krist que está escuchando Punk Rock". Kurt pensó que molaba mucho. Krist se graduó de la preparatoria en 1983, ese mismo año por fin Krist y Kurt empiezan a tocar en una banda juntos, al poco tiempo sus padres se divorciaron. Este fue un mal tiempo para él porque además se había hecho una cirugía en la cara, el doctor cortó una pequeña sección de quijada y movió algunos dientes hacia adelante para corregir una anomalía (me veía como "Jay Leno" decía). La quijada de Krist quedó rara por unas 6 semanas. Cuando iba a fiestas, tenía que cargar un par de raros cutters con él en caso de que tuviera que cortar algo para que no se le atorara en la garganta. "Cuando todo esto terminó mandó todo al diablo", dice Lukin, y regresó a hacer sus loqueras. "Después de un tiempo, las curaciones terminaron y tenía una nueva cara" dijo Krist.

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Krist Novoselic

En la escuela también conoció a Shelli quien lo recuerda como un "payaso de la clase que siempre estaba bromeando". Poco tiempo después los dos eran amigos. Shelli dejó su último año de preparatoria, tomó un empleo en Mc Donald´s y consiguió su propio departamento en Market Street, frente de la estación de bomberos. En su camino al trabajo pasaba por "The Foster Painting", lugar donde trabajaba Krist y se ponían a platicar. Ella consiguió su número y lo empezó a llamar, Novoselic (izquierda) durante un acto en Nueva York, tenían mucho en común, y para marzo de en 2007. 1985 se iban al departamento de e Shelli, a escuchar punk rock y también iban a shows, después de un tiempo, empezaron a salir. La relación entre Krist y Shelli, siempre fue muy buena, en marzo de 1986, los dos se mudaron a Arizona en busca de trabajo, después en invierno de ese año regresaron a Hoquiam, Wa, y también por ese tiempo se volvieron vegetarianos. Entre 1985 y 86, Krist también tocó en algunas bandas al lado de Buzz Osborne. Para 1986 y 87, la relación entre Krist y Kurt aumentó, así como las relaciones con Buzz, iba a los ensayos de Los Melvins y los acompañaba a una que otra presentación. Así nació el grupo seminal de lo que seria más tarde Nirvana: Ed, Ted y Fred. O lo que es lo mismo, Cobain a la batería, Novoselic a la guitarra y un bajista llamado Steve, que desapareció al poco tiempo, dejando a Kurt y Krist libres para tocar con cualquiera de Los Melvins que estuviera disponible, o para tocar versiones de la creedence en los clubes locales. En el verano del 87, Krist y Shelli vivían con Kurt y Tracy Marander en un pequeño departamento. Mientras tanto las relaciones con Shelli no iban tan bien y en 1988 rompió con ella, y también dejó su trabajo como pintor. Ese año también fue importante ya que junto con Kurt Cobain y Dale Crover, después de muchos nombres, por fin forman Nirvana. Este rompimiento no duró mucho ya que en 1989 Krist y shelli se reconciliaron y tan grande fue esa reconciliación que el 30 de diciembre de 1989 se casaron en Tacoma. En junio de 1991, cuando Nirvana salió de gira, Shelli acompañaba a Krist, vendía playeras en los conciertos mientras él tocaba. Más tarde ese mismo año Krist y Shelli compraron una casa por $ 265,000. En diciembre de ese año, encabeza una manifestación que llegó hasta el edificio de gobierno de Olympia, se oponía a la ley # 2554 la cual decía que se tenía que meter a la cárcel a todos los dueños de tiendas de discos que vendían música juzgada como "erótica". Cuando Kurt invitó a Krist a su boda en 1992, este rechazó la invitación ya que las relaciones entre la pareja y Courtney no eran muy buenas. En 1993, organizó un concierto en Croacia a beneficio de un grupo de mujeres llamado Tresnjevka. Krist tocó su último concierto como un Nirvana el 1 de marzo de 1994. En Abril, al enterarse de la muerte de su gran amigo Kurt, se sintió muy mal y decidió, en septiembre de ese año, dejar de tomar y las drogas, quería estar limpio de todo vicio.

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Krist Novoselic

Nirvana → Kurt Cobain había hecho una cinta con algunas grabaciones en solitario. Las mandó a Novoselic y decidieron juntarse en una misma banda. Novoselic aportó a Nirvana un estilo diferente al de otras bandas similares por el sonido pop de su bajo. Ambos tocaron con Dale Crover de The Melvins y junto a diversos bateristas locales como Aaron Burckhard y Dave Foster. Nirvana encontró un baterista llamado Chad Channing, quien tocó en el primer disco de Nirvana, Bleach. Channing dejó la banda y la batería pasó a manos de → Dave Grohl, ex-integrante de bandas hardcore como Scream. Nirvana fue extremadamente exitoso, sorprendiendo al mundo con sus tres discos de estudio hasta la muerte de Kurt en abril de 1994. La muerte de Cobain puso punto final a la existencia de la banda.

Rol en la banda Krist solía ser el "líder" de la banda en cuanto a comentarios de escenario se refiere. Un ejemplo fue en un concierto de Nirvana en Austria (en 1989), cuando a Krist le tocó lidiar con un grupo de borrachos que querían escuchar "About A Girl", entonces, aprovechó para hacer varias bromas sobre mujeres. (Véase (en inglés) [1])

Después de Nirvana Después de que Nirvana desapareció, Krist se dedicó a hacer varias cosas, primero se retiró por un tiempo de los medios hasta que en 1995 empieza con JAMPAC (Joint Artists and Music Promotions Political Actions Committee), que lucha contra el Gobierno de Washington que intentan limitar la distribución y venta de música que consideran obscena. Luego ese mismo año, Krist regresa al mundo de la música, en formato de dúo junto a Yva Las Vegas, a quien conoció en una fiesta sorpresa, formarían Sweet 75, banda con la cual tocó su primer concierto en 17 de marzo de 1995, en Seattle. En 1997, sacó su primer disco con Sweet 75, sin embargo poco tiempo después se separaron. Dos años más tarde Novoselic se unió con el antiguo líder de los Dead Kennedys Jello Biafra y con el ex guitarrista de Soundgarden Kim Thayil para un concierto protesta en 1999 en Seattle contra la World Trade Organization. Esta agrupación seria más tarde No WTO Combo con la que participa un breve tiempo. Ya en el nuevo milenio Krist forma Eyes Adrift, con integrantes de Meat Puppets y Sublime, siendo en esta última banda cuando Novoselic decide retirarse de la industria músical tras varios intentos fallidos por poder reinsertarse como lo estuvo a principios de los noventa. Empiezan a notarse los años encima para Krist, ya más gordo, calvo y barbudo comienza a dedicarle tiempo a asuntos de relacionados con la Politica y asuntos legales sobre derechos de Nirvana por futuras recopilaciones de la banda, también escribe libros relacionados con la música (Jampac) y pretende alistarse en la candidatura como gobernador de Washington, sin embargo siempre va a ser reconocido hasta el día de hoy por ser parte de Nirvana.

Años recientes Recientemente, el músico ha afirmado que no participará en las elecciones a Gobernador de Washington, estado en donde reside actualmente, aunque sí que seguirá activo en labores políticas. Concretamente, continuará trabajando con Music for America, una iniciativa para fomentar, mediante conciertos, la participación de los jóvenes de entre 18 y 35 años en las elecciones.

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Krist Novoselic Como ya fue anunciado por Krist, el abandono de la música es a niveles de negocio, ya que seguirá tocando y componiendo junto a sus amigos.

Discografía Singles • • • • • • • • • • •

1988 1990 1991 1991 1991 1992 1992 1992 1993 1993 1993

Love Buzz Sliver Candy / Molly's Lips Here She Comes Now / Venus In Furs Smells Like Teen Spirit Come As You Are Lithium In Bloom Puss / Oh, The Guilt Heart-Shaped Box All Apologies

• • • •

1994 1994 1994 1997

Rape Me Pennyroyal Tea About A Girl Lay Me Down

Álbumes • • • • • • • • • •

1989 1991 1992 1993 1994 1996 1997 2000 2002 2002

Bleach Nevermind Incesticide In Utero MTV Unplugged In New York From The Muddy Banks Of The Wishkah Sweet 75 No WTO Combo Eyes Adrift Nirvana

Compilaciones • • • • • • • • •

1988 1988 1989 1990 1990 1990 1991 1991 1992

Sub Pop 200 Sub Pop Rock City Teriyaki Asthma, Volume I Hard To Believe Heaven And Hell The Grunge Years Sub Pop Video Network Program 1 Kill Rock Stars Teriyaki Asthma, Vols. I-V

• 1992 - Eight Songs For Greg Sage And The Wipers • 1993 - Fourteen Songs For Greg Sage And The Wipers

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Krist Novoselic • • • • • • • • • •

1993 1993 1994 1994 1994 1996 1996 1998 1999 2000

No Alternative The Beavis And Butt-head Experience Fifteen Minutes DGC Rarities Vol. 1 Geffen Rarities Vol. 1 Home Alive Fender 50th Anniversary Guitar Legends 1996 - Hype! Birth Of Alternative SNL: The Musical Performances, Volume 1 Hempillenium : Seattle Hempfest Benefit CD

EP • 1989 - Blew • 1991 - Hormoaning

Proyectos paralelos • 1989 - Scratch It Out / Bikini Twilight • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

1990 1990 1991 1991 1992 1992 1992 1993 1993 1994 1994 1994 1994 1994 1995 1996 1997 1997 1999 2000 2002 2002

Down In The Dark The Winding Sheet Extra-Capsular Extraction Sub Pop Video Network Program II King Buzzo Pocketwatch Neapolitan Metropolitan Houdini Hooch Backbeat: Music From The Motion Picture Money Rock 'N' Roll Music Please Mr. Postman Live Through This The Stinky Puffs 2 Vol. 1-12 Sky Cries Mary The Foo Fighters No WTO Combo Aya: A Flower In The Battlefield The Foo Fighters

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Krist Novoselic

Box Sets • • • • • • • • • • • • • • • •

1988 - Sub Pop 200 1992 - Eight Songs For Greg Sage And The Wipers 1992 - US Promos 1994 - Nevermind 1995 - The Nevermind & In Utero Singles 1995 - Singles 1995 - Nirvana: Limited Edition 1996 - Nirvana: The Unauthorised Edition 1996 - From The Muddy Banks Of The Wishkah 1996 - Hype! 1999 - Nevermind + In Utero 199? - Bleach + Nevermind 199? - Bleach + Sliver 199? - From The Muddy Banks Of The Wishkah 199? - From The Muddy Banks Of The Wishkah 199? - Grunge Is Dead

• • • • • • •

199? - Heart-Shaped Nirvana Box 199? - Hormoaning 199? - In Utero 199? - MTV Unplugged In New York 199? - Nevermind Collector Interview 199? - Nevermind + Incesticide 2004 - Nirvana Box Set

Enlaces externos • Sitio Web de Krist Novoselic [2] (en inglés) • The Krist Novoselic Dedication Page [3] (en inglés)

Referencias [1] http:/ / www. livenirvana. com/ tourhistory/ banter/ 1989/ t_11-22-89. php [2] http:/ / www. murkyslough. com/ [3] http:/ / www. novoselic. com/

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Dave Grohl

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Dave Grohl Dave Grohl

Información personal Nombre

Dave Grohl

Nacimiento

14 de enero de 1969 (40 años)

Origen

Warren, Ohio, Estados Unidos

Ocupación(es)

músico Información artística

Alias

Late!

Género

Rock alternativo Grunge Post grunge Hardcore punk

Instrumento(s)

Guitarra Batería Bajo Piano Voz

Período de actividad

1980-presente

Discográfica(s)

Roswell Records (discográfica propia)

Artistas relacionados

Foo Fighters → Nirvana Queens of the Stone Age Scream PROBOT Tenacious D Juliette and the Licks Godspeed

David Grohl (nacido el 14 de enero, 1969 en Warren, Ohio) es un músico de rock. Fue el baterista de → Nirvana desde 1990 hasta la disolución de la banda en 1994, como consecuencia de la muerte del cantante y guitarrista → Kurt Cobain. Luego formaría a los Foo Fighters en 1995. Grohl empezó su carrera musical en los años 80 como baterista para varias bandas del área de Washington, DC, la más destacada fue SCREAM.

Dave Grohl También ha colaborado activamente en discos de bandas como Queens of the stone age, Garbage, Tenacious D y Killing Joke. En 2004 editó un disco bajo el nombre de Probot, en el cual colaboraban sus cantantes de heavy metal favoritos. En el 2006 colaboró ampliamente en el disco Four on the floor, con la banda Juliette and the Licks.[1]

Biografía Primeros años Cuando Grohl era un niño, su familia se mudó de Ohio a Alexandria, Virginia, una zona de Washington DC. Tres años más tarde, sus padres se divorciaron y Grohl creció con su madre. El apellido Grohl es de origen alemán. A la edad de 12 años, Grohl empezó a tocar la guitarra. Intentó tomar lecciones, pero pronto se cansa, y empieza a tocar en compañía de amigos. Un año más tarde, una visita de verano a la casa de su primo hizo crecer el interés de Grohl por el Punk-Rock, debido que su primo Tracy lo llevó a varios conciertos en ese verano. Durante los siguientes años, Grohl tocó en varias bandas locales, incluyendo Freak Baby en donde tocaba la guitarra. Cuando esta se separo, entro en una banda hardcore punk, llamada Mission Impossible y una de hardcore/post-punk, llamada Dain Bramage. Luego, el entro como baterista a una banda de hardcore muy conocida, llamada Scream. En los años que se desarrolló como baterista, Grohl citó a → John Bonham como su más grande influencia, llegándose a tatuar el logo de tres círculos (que aparece en Led Zeppelin IV) de Bonham en su muñeca.

Nirvana En 1990, después de la gira de Scream (banda), Grohl formó parte de Nirvana. Grabó con el grupo Nevermind, In Utero y MTV Unplugged in New York. En 1994, Grohl, junto a su amigo Greg Dulli, grabaron el que sería el álbum debut de los Foo Fighters en tan solo una semana.

Late! Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave Grohl escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no introdujo la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas un ciento de cassettes, que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente. De aquí se desprende el tema Color Pictures Of A Marigold que luego fue incluido una reedición junto a → Kurt Cobain en el Heart-Shaped Box Single. El 11 de marzo de 1997 apareció el primer disco editado: "Touch" (es el segundo y último grabado en solitario), que es la banda sonora de la película del mismo nombre.

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Dave Grohl

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Pocketwatch • • • • • • • • • •

01 02 03 04 05 06 07 08 09 10

Pokey The Little Puppy Petrol CB Friend Of A Friend Throwing Needles Just Another Story About Skeeter Thompson Color Pictures Of A Marigold Hell's Garden Winnebago Bruce Milk

Touch • • • • • • • • • • • • •

01 02 03 04 05 06 07 08 09 10 11 12 13

Bill Hill Theme August Murray Theme How Do You Do? Richie Baker's Miracle Making Popcorn Outrage Saints In Love Spinning Newspapers Remission My Ass Scene 6 This Loving Thing Final Miracle Touch

Grohl en un concierto con Foo Fighters durante el Roskilde Festival de Dinamarca en 2005.

Foo Fighters Grohl grabó el disco titulado "Foo Fighters" en solo una semana, y todos los temas fueron compuestos por él y grabados por él. Luego él necesitaba formar una banda, para hacer una gira del álbum. Para eso recluto a: Pat Smear (guitarra), con quien había tocado en Nirvana, Nate Mendel (bajo), y William Goldsmith (batería). Grohl grabó "The Colour and the Shape", "There's Nothing Left to Lose", y "One by One", discos que prosiguieron a "Foo Fighters". Durante la grabación de estos discos, la banda sufrió modificaciones en la formación, se fueron Pat Smear y William Goldsmith, que fueron reemplazados por Chris Shifflet en guitarra y Taylor Hawkins en batería. En los dos años y medio que le separan de One By One, los Foo Fighters no han perdido el tiempo. Grohl encabezó Probot, un proyecto de heavy metal junto a figuras como Lemmy (Motörhead) o King Diamond, además de tocar la batería en los últimos discos de Garbage y Nine Inch Nails,Queens of the Stone Age y del grupo britanico The Prodigy. El futuro de Foo Fighters es impredecible. En presentaciones para la prensa de In Your Honor, Grohl dijo que este podría ser el último escalón en la carrera de la banda. Aunque en otras declaraciones afirmó que Foo Fighters podría seguir por años. Habría ideas para lanzar un box-set con b-sides y covers grabados a lo largo de los diez años que la banda lleva de carrera, así como el deseo de RCA/BMG de lanzar un Greatest Hits. En cuanto a sus presentaciones en vivo, este año tocarán, finalmente, el lado

Dave Grohl acústico de In Your Honor. El último trabajo de su banda es el Echoes, Silence, Patience and Grace, lanzado en septiembre de 2007, con un estilo más melódico como de costumbre y rompedor a la vez. Repiten con Gil Norton, productor del The Colour and the Shape. Dave Grohl se casó con Jordyn Blum en el 2003, con quién tiene dos hijas: Violet Maye Grohl, nacida el 15 de abril de 2006, y Harper Willow Grohl, nacida el 17 de abril de 2009.

Influencias Ha sido claramente influido por el Baterista → Ringo Starr del grupo británico → The Beatles A la edad de 15 años fue un gran fan de Metallica al escuchar su primer disco Kill 'Em All

Referencias [1] Dave Grohl Becomes A Lick On New Juliette Lewis Disc (http:/ / www. chartattack. com/ damn/ 2006/ 09/ 0604. cfm)

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The Allman Brothers The Allman Brothers Band The Allman Brothers Band Información personal Origen

Macon, Georgia, Estados Unidos

Estado

Activo Información artística

Género

Blues rock Southern rock, Rock psicodélico

Período de actividad

1969 - 1981 1990 - presente

Discográfica(s)

Polydor Arista Epic Records

Artistas relacionados

Duane Allman, Delaney, Bonnie & Friends, Eric Clapton, Derek and the Dominos Web

Sitio web

[1]

Miembros Duane Allman (guitarra) Gregg Allman (teclados, voz) Dickey Betts (guitarra, voz) Berry Oakley (bajo) Butch Trucks (percusión) Jai "Jaimoe" Johanny Johanson (percusión)

The Allman Brothers Band es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como "los principales arquitectos del rock sureño".[2] El grupo se formó en 1969 y dos años más tarde George Kimball los describió en la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock and roll que se había creado en Estados Unidos en los últimos cinco años.[3] La banda ha obtenido once Discos de Oro y cinco de Platino entre 1971 y 2005.[4] Rolling Stone clasificó a The Allman Brothers en el 52º puesto en su lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos.[5] El grupo sigue en activo en la actualidad. Musicalmente, The Allman Brothers Band es considerada, junto a Lynyrd Skynyrd como banda seminal del Rock Sureño. El grupo destacó por su habilidad y coherencia instrumental, su estilo a medio camino entre el blues, el blues rock y el jazz y por su infinita capacidad colectiva para la improvisación, (jamming). Todas estas características son especialmente plausibles en sus directos, bien ejemplificadas por su álbum At Fillmore East, donde improvisaciones como Whipping Post superan los 20 minutos.

The Allman Brothers Band

Los comienzos La banda se formó en Jacksonville, Florida el 26 de Marzo de 1969. La formación original estaba compuesta por Duane Allman (guitarras solistas y slide), Gregg Allman (voces y teclados), Dickey Betts (guitarras rítmicas y solistas, voces), Berry Oakley (bajo eléctrico), Butch Trucks (percusión) y Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (percusión). Los hermanos Allman, Duane y Gregg, formaron inicialmente una banda de garage llamada The Escorts, posteriormente formaron los Allman Joys y finalmente The Hour Glass con los que trabajaron en dos álbumes para la discográfica Liberty Records y un tercero que no llegó a editarse. El grupo fue liberado del contrato con Liberty a excepción de Gregg, de quien la discográfica pensaba que tenía un mayor potencial comercial. Duanne Allman compatibilizó su trabajo como músico de estudio para el álbum de Johnny Jenkins “Ton-Ton Macoute!”, donde puede oírse la primera grabación de un solo de guitarra de Duanne, con la realización de jams con Dickey Betts, Butch Trucks y Berry Oakley en Jacksonville. Duanne trajo a la germinal banda a “Jaimoe” y finalmente llamó a su hermano Gregg para acabar de completarla. The Allman Brothers Band recorrieron el sur de los Estados Unidos realizando numerosas actuaciones en directo antes de grabar su álbum de debut “The Allman Brothers Band”. Este primer álbum obtuvo la aclamación general de la crítica especializada, aunque las ventas fueron escasas y únicamente llegó a los seguidores de culto del blues rock. La mayor parte del álbum estaba formado por piezas de clásico blues rock, pero destacaba por su germinal importancia 'Dreams' una pieza en compás 12/8 que proporcionaría la estructura rítmica de muchas de sus actuaciones en directo. Su segundo trabajo, "Idlewild South" (1970), producido por Tom Down, obtuvo un másivo éxito de crítica y una importante mejoría en las ventas. Temas como 'Revival' o 'Midnight Rider' con un sonido y duración más aptos a la reproducción radiofónica, facilitaron la popularización de la banda. Tras la grabación de este álbum, Duanne participó en la grabación del celebérrimo álbum de Derek and the Dominos “Layla and Other Assorted Love Songs” lo que aumentó la fama del grupo y facilitó su éxito en Europa.

1971, el año en que todo cambió El año 1971 catapultó al grupo a la altura de leyendas del Rock. Durante los conciertos que el grupo realizó en la sala Fillmore East el 12 y 13 de Marzo, se grabó la esencia del virtuosismo y capacidad de improvisación del grupo. Aquellas sesiones quedaron registrada finalmente en un doble álbum “At Fillmore East” incluido por la revista Rolling Stone dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. “At Fillmore East” fue un vehículo de presentación mundial de la rica mixtura de jazz, música clásica, hard rock y blues que eran los Allman Brothers Band. 1971 habría sido el mejor año de la historia del grupo de no ser por la desgracia que les esperaba a la vuelta de la esquina: el 29 de octubre de 1971, muere Duane Allman en un accidente de motocicleta en Macon (Georgia). Duane fue fundador, líder y principal artífice de la mixtura de sonidos del grupo. Este virtuoso guitarrista, famoso por su toque de guitarra slide, será recordado además por su participación en el disco de Eric Clapton "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970). Lynyrd Skynyrd le dedicaron la canción "Free Bird". Un año después, el 11 de noviembre de 1972, el bajista Berry Oakley también moría en accidente de motocicleta a pocas manzanas de donde lo hizo Duane. Berry no murió en el

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The Allman Brothers Band acto, pues tras el accidente se negó a recibir asistencia médica y murió pocas horas después de una hemorragia cerebral. Ambos músicos están enterrados en tumbas contiguas en el cementerio de Macon (Georgia) donde el grupo compuso algunos de sus primeros temas como "In Memory of Elisabeth Reed" o "Little Martha", títulos que sacaron de lo que ponía en dos lápidas de dicho cementerio.

La Era Post-Duane La muerte del guitarrista y líder del grupo, y la posterior de su compañero, no puso fin a la carrera del grupo que cosecharon importantes éxitos con posterioridad con temas como el instrumental "Jessica", que apareció en el disco "Brothers and Sisters", de 1973, donde aún tocaba Oakley en algunos temas. La banda continuó sacando periódicamente trabajos hasta 1981 y, tras casi una década de descanso, reaparecieron en 1990 con el álbum "Seven turns". Algunos de sus miembros siguen activos en Gov´t Mule, también haciendo blues rock.

Discografía Albumes • The Hour Glass, c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Febrero 1968) • Power Of Love, c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Agosto 1968) • The Allman Brothers Band. Atco (Noviembre 1969) - POP #188 • Idlewiln South. Atco (Noviembre 1970) - POP #38 • • • • • • • • • •

• • •

At Fillmore East (en vivo, grabado el 12 de marzo de 1971 en Nueva York). Capricorn (Julio 1971) - POP #13 Eat A Peach. Capricorn (parte en vivo, parte en estudio) (Febrero 1972) POP #4 Duane & Gregg Allman (grabado en 1968). Bold (Abril 1972) - POP #129 An Anthology (recopilación), c/ Duane ALLMAN. Capricorn (Diciembre 1972) - POP #28 Beginnings (reedición de sus 2 primeros álbumes). Capricorn (Marzo 1973) - POP #25 Brothers And Sisters. Capricorn (Agosto 1973) - POP #1, UK #42 Early Allman (grabado en 1966), c/ ALLMAN JOYS. Dial (Octubre 1973) POP #171 Laid Back, c/ Greg ALLMAN. Capricorn (Noviembre 1973) - POP #13 An Anthology, Vol. 2 (recopilación), c/ Duane ALLMAN. Capricorn (Julio 1974) - POP #49 Gregg Allman Tour (en vivo, grabado en el Carnegie Hall y el Capitol Theater en New Jersey), c/ Greg ALLMAN. Capricorn (Noviembre 1974) POP #50 Win, Lose Or Draw. Capricorn (Septiembre 1975) - POP #5 The Road Goes On Forever (recopilación). Capricorn (Diciembre 1975) POP #43, UK #54 Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas (demos, rarezas grabadas en vivo). Capricorn (Diciembre 1976) - POP #75

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The Allman Brothers Band • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Playin' Up A Storm, c/ Greg ALLMAN BAND. Capricorn (Junio 1977) POP #42 Enlightened Rogues. Capricorn (Febrero 1979) - POP #9 The Best Of Duane Allman (recopilación), c/ Duane ALLMAN. Capricorn (Septiembre 1979) Reach For The Sky. Arista (Agosto 1980) - POP #27 Brothers Of The Road. Arista (Agosto 1981) - POP #44 The Best Of The Allman Brothers Band (recopilación). Capricorn (Noviembre 1981) - POP #189 I'm No Angel, c/ Greg ALLMAN BAND. Epic (Febrero 1987) - POP #30 Just Before The Bullets Fly, c/ Greg ALLMAN BAND. Epic (Agosto 1988) - POP #117 Dreams (recopilación 6xlp/4xcd). Polydor (Julio 1989) - POP #103 Seven Turns. Epic (Julio 1990) - POP #53 Live At Ludlow Garage 1970 (en vivo). Polydor (Julio 1990) Shades Of Two Worlds. Epic (Julio 1991) - POP #85 A Decade Of Hits, 1969-1979 (recopilación). Polydor (Noviembre 1991) An Evening With The Allman Brothers Band (en vivo). Epic (Junio 1992) POP #80 The Fillmore Concerts (en vivo). Polydor (Marzo 1993) Where It All Begins. Epic (Julio 1994) - POP #45 Hell & High Water (The Best Of The Arista Years). RCA (Septiembre 1994) 2nd Set - An Evening With The Allman Brothers Band (en vivo). Epic (Mayo 1995) - POP #88 Hittin' The Note. Peach (Marzo 2003) - POP #37 One Way Out: Live At The Beacon Theatre (en vivo). Sanctuary (Marzo 2004) - POP #190

Sencillos • • • • • • • • • •

"Heartbeat / Nothing But Tears", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Febrero 1968) "Power Of Love / I Still Want Your Love", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Julio 1968) "Changing Of The Guard / D-I-V-O-R-C-E", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Septiembre 1968) "Going Nowhere / She's My Woman", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Noviembre 1968) "Now Is The Time / She's My Woman", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Diciembre 1968) "I've Been Trying / Silently", c/ THE HOUR GLASS. Liberty (Febrero 1969) "In The Morning When I'm Real / Porcelain Mirrors", c/ 31st FEBRUARY (no editado) "Black Hearted Woman / Every Hungry Woman", Atco (Marzo 1970) "Revival (Love Is Everywhere) / Leave My Blues At Home", Atco (Noviembre 1970) - POP #92 "Midnight Rider / Whipping Post", Atco (Marzo 1971)

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The Allman Brothers Band • • • • • • • • •

"Ain't Wastin' Time No More / Melissa", Capricorn (Abril 1972) - POP #77 "Melissa / Blue Sky", Capricorn (Julio 1972) - POP #86 "One Way Out / Stand Back", Capricorn (Noviembre 1972) - POP #86 "Ramblin' Man / Pony Boy", Capricorn (Agosto 1973) - POP #2 "Midnight Rider / Multicolored Lady", c/ Gregg ALLMAN. Capricorn (Diciembre 1973) - POP #19 "Jessica / Wasted Words", Capricorn (Enero 1974) - POP #65 "Please Call Home / Don't Mess Up A Good Thing", c/ Gregg ALLMAN. Capricorn (Marzo 1974) "Don't Mess Up A Good Thing / Midnight Rider", c/ Gregg ALLMAN. Capricorn (Octubre 1974) - POP #106 "Nevertheless / ..... - POP #67

..../ Louisiana Lou And Three Card Monty John", Capricorn (Septiembre 1975) - POP #78 • "Crazy Love / It Just Ain't Easy", Capricorn (Marzo 1979) - POP #29 • "Can't Take it With You / Sail Away", Capricorn (Junio 1979) - POP #105 • "Angeline / So Long", Arista (Agosto 1980) - POP #58 • "Mystery Woman / Hell Or High Water", Arista (Enero 1981) • "Straight From The Heart / Leaving", Arista (Agosto 1981) - POP #39, ROK #11 • "Two Rights / Never Knew How Much", Arista (Noviembre 1981) • "I'm No Angel / Lead Me On", c/ Gregg ALLMAN BAND. Epic (Marzo 1987) - POP #49 • "Can't Keep Running / Anything Goes", c/ Gregg ALLMAN BAND. Epic (Julio 1987) • "Evidence Of Love / Anything Goes", c/ Gregg ALLMAN BAND. Epic (Septiembre 1987) • "Slip Away / Every Hungry Woman", c/ Gregg ALLMAN BAND. Epic (Abril 1989) • "Good Clean Fun / Seven Turns", Epic (Julio 1990) - ROK #1 • "Seven Turns / Let Me Ride", Epic (Septiembre 1990) - ROK #12 Integrantes del grupo. El grupo, inicialmente capitaneado por los hermanos Allman, pasó a estar capitaneado por Greg Allman tras la trágica muerte de su hermano. Desde su creación en 1969, el grupo siempre ha tenido una estructura estable de cuatro o cinco de los miembros originales del grupo y, con el paso de los años, se han ido incorporando otros músicos como reemplazo o complemento de alguno de los originales integrantes de The Allman Brothers Band. A continuación se referencian las diferentes formaciones que han dado cuerpo a The Allman Brothers Band. (1969-1971)

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The Allman Brothers Band

•

Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz

Duane Allman - guitarra, guitarra-slide Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz Berry Oakley - bajo, voz Butch Trucks - batería, timbales Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión (1971-1972) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • • • • •

Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz Berry Oakley - bajo, voz Butch Trucks - batería, timbales Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión Duane Allman (1972) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Berry Oakley - bajo, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Chuck Leavell - piano, sintetizadores, segundas voces (1972-1976) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Chuck Leavell - piano, sintetizadores, segundas voces • Lamar Williams - bajo, voz (1978-1980) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Dan Toler – Guitarra • David Goldflies - Bajo (1980-1982) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Dan Toler – Guitarra • David Goldflies – Bajo • David Toler – Batería. • Mike Lawler – Teclados. • • • •

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The Allman Brothers Band

(1989-1990) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Warren Haynes - Guitarra, guitarra-slide, voz • Allen Woody - bajo, segundas voces. • Johnny Neel – teclados, harmónica. (1991-1997) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Warren Haynes - Guitarra, guitarra-slide, voz • Allen Woody - bajo, segundas voces. • Marc Quinones - batería, percusión, segundas voces. (1997-1999) Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz Butch Trucks - batería, timbales Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión Marc Quinones - batería, percusión, segundas voces. Oteil Burbridge - bajo, voces. Jack Pearson - guitarra, voces. (1999-2000) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Dickey Betts - guitarra, guitarra-slide, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Marc Quinones - batería, percusión, segundas voces. • Oteil Burbridge - bajo, voces. • Derek Trucks - guitarra, guitarra-slide. (2000) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Marc Quinones - batería, percusión, segundas voces. • Oteil Burbridge - bajo, voces. • Derek Trucks - guitarra, guitarra-slide. • Jimmy Herring – guitarra (2001-actualidad) • Gregg Allman - teclados, piano, guitarra, voz • Butch Trucks - batería, timbales • Jai Johanny "Jaimoe" Johanson - batería, percusión • Warren Haynes - guitarra, guitarra-slide, voces. • • • • • • •

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The Allman Brothers Band • • •

Marc Quinones - batería, percusión, segundas voces. Oteil Burbridge - bajo, voces. Derek Trucks - guitarra, guitarra-slide.

Referencias [1] http:/ / www. allmanbrothersband. com/ [2] Rock and Roll Hall of Fame (http:/ / www. rockhall. com/ hof/ inductee. asp?id=57) [3] At Fillmore East review (http:/ / www. superseventies. com/ allmanbrothers. html), por George Kimball (Rolling Stone, 19 de agosto de 1971). [4] http:/ / www. riaa. com/ gp/ database/ default. asp. [5] « The Immortals (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ coverstory/ the_immortals)». Rolling Stone, número 946. Rolling Stone.

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Deep Purple

Deep Purple "Mark VIII" Información personal Origen

Inglaterra, Hertfordshire

Información artística [1]

Género

Hard rock [1] Heavy metal Rock progresivo [1] Arena rock

Período de actividad

1968 – 1976 1984 – actualidad

Discográfica(s)

EMI, Edel Web

Sitio web

www.deeppurple.com

[2]

Miembros → Ian Gillan → Steve Morse → Roger Glover → Don Airey → Ian Paice

Deep Purple es una banda de hard rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del rock progresivo y del pop. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70. La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I",

Deep Purple "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por → Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), → Ian Paice (batería) y → Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo entre 1969 y 1973 y entre 1984 y 1989, cuando la relación entre Blackmore y el resto de músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con → Steve Morse en lugar de Blackmore y con → Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.

Historia Los comienzos: Roundabout (1967 - 1968) En 1967, el antiguo batería de The Searchers, Chris Curtis, contactó con Tony Edwards, un hombre de negocios londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él como si estuvieran en una rotonda (roundabout significa "rotonda" en inglés). Impresionado con el plan, Edwards aceptó financiar la banda con dos compañeros de negocios: John Coletta y Ron Hire, con los que formaba HEC Enterprises. El primer músico en reclutar fue el teclista de corte clásico Jon Lord, que había tocado para The Artwoods, cuyo líder Art Wood es hermano del actual guitarrista de los Rolling Stones Ronnie Wood. El siguiente en unirse al grupo fue Ritchie Blackmore, un guitarrista de sesión al que tuvieron que convencer para regresar de Hamburgo, donde estaba para realizar una audición para otra banda. Poco después Curtis abandonó el proyecto, pero tanto HEC Enterprises como Lord y Blackmore decidieron continuar. Para llenar el hueco en el bajo, Lord recomendó a su amigo de la infancia Nick Simper, con quien había coincidido en una banda llamada The Flower Pot Men y que era también ex-miembro de Johnny Kidd & The Pirates. La alineación se completó con el vocalista Rod Evans y el batería → Ian Paice. Tras una pequeña gira por Dinamarca, Blackmore sugirió un nuevo nombre para la banda, Deep Purple, que era la canción favorita de su abuela.

Consolidación (1968 - 1970) El primer éxito de la banda vino con la versión de "Hush", canción original de Joe South que alcanzó el segundo puesto en Estados Unidos y el cuarto en Canadá, aunque en Gran Bretaña pasó desapercibida. Tomando como ejemplo a la banda Vanilla Fudge, la banda desarrolló un rock psicodélico con influencias de la música de Bach y Rimsky-Korsakov en el teclado de Lord. Gracias a "Hush" y al buen recibimiento que también tuvo el disco debut Shades of Deep Purple, la banda se embarcó en una gira como teloneros de Cream. El siguiente álbum, The Book of Taliesyn, fue publicado en los Estados Unidos para que coincidiese con su gira de promoción, alcanzando el puesto 38 en este país. En Gran Bretaña fue publicado al año siguiente, aunque volvió a pasar desapercibido una vez más. Tras el álbum homónimo publicado tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos en 1969 y continuas giras por América del Norte, la compañía Tetragrammaton Records, encargada de la distribución de sus álbumes en EE. UU., se disolvió por motivos económicos, dejando a Deep Purple con un futuro incierto y sin dinero. Sin embargo, Warner Bros. Records asumió las deudas de Tetragrammaton y publicó los trabajos de la banda en los Estados Unidos en la década de los 70. A comienzos de 1969 Deep Purple regresó a Gran Bretaña y grabó una canción llamada "Emmaretta" (que proviene del nombre de una de las bailarinas del musical Hair, a quien Evans trataba de seducir).

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Deep Purple No satisfecho con el trabajo de Evans, Blackmore contactó con su amigo Mick Underwood, batería de Episode Six, quien le recomendó a su compañero → Ian Gillan. Con el objetivo de contratar a Gillan, Blackmore y Lord acudieron a un concierto de Episode Six. Al finalizar la actuación, ambos miembros fueron a hablar con el vocalista e intentaron convencerle para unirse a Deep Purple, pero Gillan puso como condición que también se incorporase el bajista → Roger Glover. Esta proposición encajaba con los planes de Lord y Blackmore, ya que Evans y Simper eran buenos amigos y la salida de uno propiciaría mal ambiente en el seno del grupo. Sin embargo, Glover no estaba seguro de qué opción escoger, puesto que era el principal compositor de Episode Six, y su marcha provocaría el fin de la banda. Además, no confiaba en las posibilidades de éxito de Deep Purple, ya que en Inglaterra no tenían ningún éxito. Finalmente, Glover decidió unirse a la nueva banda, lo que provocó el final de Episode Six y el despido de Simper. El primer trabajo publicado por esta nueva alineación fue Concerto for Group and Orchestra en 1969, un concierto compuesto por Lord en tres movimientos interpretado por la banda y la Royal Philarmonic Orchestra dirigida por Malcolm Arnold en el Royal Albert Hall de Londres. Este disco fue uno de los primeros en presentar a una banda de rock tocando con una orquesta, aunque en aquel entonces algunos miembros del grupo (como Gillan y Blackmore) tenían en mente desarrollar un estilo más orientado hacia el hard rock. A pesar de esto, Lord compuso Gemini Suite, que la banda interpretó en directo en 1970, siendo otra fusión entre rock y música clásica.

Popularidad y ruptura (1970 - 1976) En junio de 1970 sale al mercado el primer disco hard rock de la banda titulado Deep Purple in Rock, que marcó el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos, a ser una de las formaciones de hard rock más sólidas del momento. En Deep Purple in Rock se encuentran canciones clave dentro de la historia de Deep Purple, como «Child in Time», «Speed King» o el sencillo «Black Night», que alcanzó el segundo puesto en las listas de sencillos del Reino Unido, dando inicio a una larga gira por el norte de Europa. En julio de 1971 Deep Purple se embarca en la gira Norteamericana junto a la banda de Rod Stewart The Faces y dos meses más tarde publica Fireball, alcanzando el Top 40 de los charts americanos y el No. 1 de las listas británicas, otorgando la solidez suficiente para que la banda creara en octubre de ese mismo año su propio sello discográfico, "Purple Records". Todo va en buen camino para los miembros de Deep Purple', a excepción de → Roger Glover, quien extrañamente comienza a sufrir intensos dolores estomacales, inconvenientes que con el correr del tiempo fueron incrementándose, a tal punto de poner en riesgo las presentaciones de la banda. Blackmore, que observaba la situación como un espectador más, en una ocasión tras el escenario, mientras Glover se retorcía de dolor, atinó a comentarle que sería capaz de sobrellevar esos dolores mientras estaban actuando. Fue tal el problema que en una oportunidad Glover fue reemplazado en el bajo por Chas Hodges, antiguo compañero de Blackmore en la banda The Outlaws. Ni los doctores pudieron aplacar el malestar del bajista, quien finalmente tras unas sesiones de hipnoterapia pudo solucionar el problema. Todo se debía a una tensión subconsciente.

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Deep Purple El 3 de diciembre la banda se encuentra en Montreux Suiza para comenzar con las sesiones de su próximo álbum, Machine Head, su obra de mayor éxito comercial, álbum que contiene varios de sus himnos más reconocidos, como «Lazy», «Highway Star» o la popular «Smoke on the Water», canción que narra lo ocurrido al grupo en un incendio que arrasó el casino de Monteux en Suiza mientras asistían a un concierto de → Frank Zappa and The Mother of Inventions. Cabe señalar que ese previamente había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva producción. Este desafortunado incidente motivó a que finalmente tuvieran que alquilar un hotel vacío por temporada para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de grabación de The Rolling Stones. Monstruosas giras y concientros en vivo le suceden al nuevo álbum, tocando durante 44 semanas seguidas, solo siendo secundados por sus homólogos → Led Zeppelin. Los conciertos de la gira de Machine Head en Japón fueron registrados y publicados en enero de 1973 en el afamado álbum en vivo Made In Japan, álbum que mantiene el récord de "el álbum en vivo más vendido en la historia de la música". Aunque la banda había llegado a la cima del éxito, las extensas giras, el cansancio físico y el stress provocaron dificultades en las relaciones internas, puntualmente entre Ritchie Blackmore e → Ian Gillan, quienes en un principio eran grandes amigos. La fama estaba cobrando sus víctimas dentro de Deep Purple a la hora de evaluar los egos personales y mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande. En 1973, la formación MkII lanza al mercado discográfico lo que sería su último disco de estudio, Who Do We Think We Are. Poco después → Ian Gillan comunica al resto de los miembros su alejamiento, y, tras su última presentación junto a la banda el día 29 de junio de 1973 en Osaka, Japón, abandona ésta para iniciar su carrera en solitario no antes de un corto receso musical. El bajista → Roger Glover a pesar de su solvencia y calidad musical, es despedido por los demás miembros de la banda sin motivos justificables, lo cual lo dejaría con una profunda depresión, luego de superar este doloroso episodio comenzaría una carrera como productor musical de nacientes bandas como Status Quo y Nazareth, y en el año 1974 edita su primer álbum en solitario titulado The Butterfly Ball, obra basada en un libro infantíl del mismo nombre en donde cuenta con la colaboración de David Coverdale, Glenn Hughes, Mickey Lee Soul y Ronnie James Dio en otros, → Ian Gillan colaboraría en la presentaciones en vivo de esta obra en el Royal Albert Hall de Londres, luego vendrían otras producciones, Elements de 1978, The Mask de 1984 y Snapshot de 2002, también forma parte de la banda de Ritchie Blackmore Rainbow y en 1988 edita un álbum junto a → Ian Gillan titulado Accidentally On Purpose. → Ian Gillan por su parte reaparece en la escena musical en el año 1976 con su banda Ian Gillan Band y el álbum Child in Time, ese mismo año se edita el álbum Clear Air Turbulence, Scarabus de 1977 y por último Live At the Budokan de 1978, acorta el nombre a la banda llamándose solamente Gillan, con esta se editan los álbumes The Japanese Álbum y Mr. Universe de 1979, justo en este periodo cuando por fin esta cerca la consolidación musical, → Ian Gillan, recibe una desagradable noticia, debe cancelar todo y someterse lo antes posible a una operación, la causa, nódulos en sus cuerdas vocales, se cancela absolutamente todo, y el trabajo realizado vuelve a fojas cero, una vez recuperado edita el álbum Glory Road de 1980, Double Trouble de 1981 y Magic de 1982, para en 1983 ingresar como vocalista a las filas de Black Sabbath editando el álbum Born Again, en 1988 edita junto a Glover el álbum Accidentally On Purpose, cambia su nombre artístico al de Garth Rockett & the Moonshiners, lanzando en 1990 Live At the Ritz, y por último editando álbumes con su nombre Ian Gillan, Naked Thunder de 1991, Toolbox de 1992, también en

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Deep Purple este año se edita el álbum titulado Cherkazoo and Other Stories, el cual contiene una compilación de grabaciones realizadas entre 1973 y 1975 pero que nunca habían sido editadas, DreamCatcher de 1998 y el reciente Gillan´s Inn de 2006. Volviendo a la crisis interna en Deep Purple, con la salida voluntaria de su vocalista y obligatoria de su bajista, las gestiones para conseguir sus reemplazos no se hicieron esperar.

Mk III: Coverdale y Hughes Una vez separados Gillan y Glover de Deep Purple, Blackmore tuvo completa libertad para poner en marcha su visión de renovar la banda, planeando una combinación vocal única entre el vocalista de Free Paul Rodgers y el extraordinario Glenn Hughes de Trapeze en el bajo y las voces. Rodgers no aceptó el puesto que le fue ofrecido, siendo reclutado en agosto el prácticamente desconocido David Coverdale, de registro muy similar al de aquél. La nueva alineación de la banda fue presentada a los medios el 23 de septiembre en Clearwell Castle, durante los ensayos de los que sería su primer álbum. En febrero de 1974 sale al mercado Burn, que incluye canciones como la homónima «Burn», «Mistreated» o «You fool No One», que se Mural de David Coverdale en Kavarna, Bulgaria convirtieron en nuevos clásicos de la banda y también ayudaron a conseguir mayor popularidad de la que gozaba con sus ex-integrantes. Aunque todavía en la senda del hard rock, 'Burn' incluye ritmos más marcados de blues, soul y R&B, sobre todo por la influencia de los dos nuevos componentes. La primera gira estadounidense de la nueva alineación tuvo su punto más alto el 6 de abril de 1974 en el festival California Jam, contando con la mayor audiencia de la historia de Deep Purple, estimada en más de 200,000 personas. Ese mismo día, cerca a finalizar el concierto, Ritchie Blackmore destrozó una cámara de la cadena estadounidense ABC con su propia guitarra para luego lanzarla al público e incendió varios de los equipos de sonido, lo que llevó a la banda a hacer una espectacular huida en helicóptero. En la gira, la música pronto empezó a zafarse de control de Blackmore. Las tendencias funk de Hughes empezaban a ganar terreno, y éste proceso llevó a la grabación del álbum 'Stormbringer' a finales del verano de 1974. Cuando la petición de Blackmore de incluir una versión de una vieja canción de Quatermass titulada 'Black sheep of the family' fue desoída,

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Deep Purple el guitarrista terminó ocupando un lugar secundario en el estudio. 'Stormbringer', lanzado en diciembre de 1974, tomó forma mezclando rock, soul y funk en una manera muy adelantada a su tiempo. Siguiendo su propia inspiración, Blackmore graba a principios de 1975 su álbum en solista 'Ritchie Blackmore's Rainbow' junto a miembros de la banda Elf, telonera de Deep Purple. Para el principio de una pequeña gira europea en marzo de 1975, la banda ya sabía que Blackmore estaba decidido a abandonarla. El 7 de abril, en el Paris Palais des Sports, la tercera alineación de Deep Purple da su último concierto. Para sorpresa de muchos, incluyendo la de la misma banda, Coverdale y Hughes estaban decididos a continuar pese a la salida de Blackmore y pronto todos estuvieron buscando un nuevo guitarrista.

Mk IV: Comienzo del fin En Tommy Bolin le pareció a la banda haber encontrado un guitarrista con una percepción natural para todas las direcciones musicales que se estaban introduciendo en Deep Purple. Revigorizada, la banda se concentró en los ensayos para un nuevo álbum en junio de 1975. A pesar de su corta edad, 24 años, Bolin se había ganado un nombre como guitarrista gracias a su trabajo con músicos de Jazz como Billy Cobham, su paso por la banda James Gang y la colaboración en el álbum de Alphonze Mouzon Mind Transplant de 1975, además de sus anteriores grabaciones con su banda llamada Electric Zephir. Con ella grabó en 1969 el álbum homónimo Zephir, en 1971 edita su segundo álbum Going Back to Colorado, decide abandonar la banda para concentrarse a sus proyectos solistas, es así como en 1975 edita el álbum Teaser, es en este periódo cuando recibe la invitación de incorporarse a Deep Purple, banda que el mísmo reconocería no conocer, a pesar de su fama internacional. En noviembre de 1975 sale al mercado el álbum 'Come Taste the Band', que puso en evidencia el tremendo talento de Bolin, a pesar de ser tecnica y sobre todo estilisticamente diferente a Blackmore, combinando rock, jazz y funk. El sonido hard rock que caracterizó a Deep Purple quedaba apartado. La gira posterior del disco fue bastante frustrante para los miembros de la banda. La adicción a la heroína de Tommy Bolin le hacía ser bastante irregular en los conciertos, comprometiendo el nombre que se había ganado Deep Purple tras muchos años, evidencia de ello queda registrada en el álbum en vivo titulado Last Concert in Japan, que en principio solo fue editado en ese país. La magia, la fuerza y el sonido ya se habían ido, por lo que solo quedaba la más dura pero inevitable consecuencia, la separación. El último show de Deep Purple se dio el 15 de marzo de 1976 en el Liverpool Empire Theatre. Coverdale ya se había resignado e incluso ya había hablado con su antiguo camarada de la adolescencia, Micky Moody, para iniciar un nuevo proyecto que terminaría siendo Whitesnake. Lord y Paice también cayeron en cuenta de que la aventura de ocho años de Deep Purple había llegado a su final, y habían empezado a planear su nuevo proyecto junto al tecladista y vocalista Tony Ashton. Los únicos que no estaban enterados de la separación eran Bolin y Hughes. Tras dos años de proyectos en solitario, David Coverdale inició Whitesnake a principios de 1978, enrolando a Lord y Paice en sus filas a mediados de 1979. Tommy Bolin murió el 4 de diciembre de 1976 debido a una mezcla mortal de estupefacientes y alcohol. Glenn Hughes grabó un álbum en solitario y participó en algunas sesiones, incluyendo su participación como vocalista en el álbum 'Seventh Star' de Black Sabbath. Superó su adicción a las

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Deep Purple drogas y retomó su carrera a principios de los noventas.

Mk IIb: La historia continúa. Tuvieron que pasar 8 años desde la última vez que Deep Purple subió a un escenario, cada uno de sus integrantes abocados a sus proyectos personales, Rainbow, Whitesnake, Gary Moore Band, Ian Gillan Band, eran algunas de las bandas que albergaban a los ex-miembros de Purple, a pesar de tiempo transcurrido, los rumores sobre una reagrupación no se hicieron esperar, además de cuando en cuando aparecían recopilaciones en vivo aumentando la nostalgia en los fans de todo el mundo, hasta que en 1980 una falsa re-encarnación de Deep Purple liderada por el primer vocalista de la banda, Rod Evans, apareció por los circuitos y bares de la costa oeste de los Estados Unidos, interpretando temas en los cuales él no tenía ninguna participación en la composición, el punto negro fue una presentación en México cuando los fans al constatar que sobre el escenario no estaban los miembros originales rompieron todo en señal de protesta, Ritchie Blackmore y → Roger Glover entablaron una demanda judicial en L.A. solicitando la prohibición del uso del nombre de la banda, medida que favoreció a los últimos, de paso Evans es condenado a pagar una alta suma monetaria por los daños ocasionados al nombre de la banda, al constatar la imposibilidad de pagar dicha suma el Juez dictaminó en contra de Evans la cancelación de recibos y regalías de los tres primeros álbumes de la banda en donde el aparecía como compositor. De esta manera llegamos a abril de 1984 los rumores y la esperanza de ver a Deep Purple nuevamente se hace realidad, Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice los miembros más emblemáticos de Deep Purple, la gran formación Mark II se reagrupa dando inicio luego de casi una década al renacimiento de una de las bandas pilares del rock, es así como Deep Purple edita un nuevo álbum titulado Perfect Strangers, dando inicio a extensas giras por todo el mundo, el tiempo y la madurez parece haber sepultado definitivamente las desaveniencias de juventud y la fuerza, virtuosismo y solidez musical se ven reflejadas en los posteriores álbumes en vivo lanzados por los sellos, que ven en ellos una mina de oro con aún mucha vida útil y que era necesario seguir explotando, a eso le sumamos la gran cobertura que la prensa en todo el orbe le dedicaba a estos 5 personajes, dieron pie para que la prensa y revistas especializadas otorguen sin problemas los títulos de "Mejor guitarrista, teclista, baterista, etc..del año", como una especie de reivindicación a cada uno de los integrantes, en enero de 1987 editan un nuevo álbum The House of Blue Light, sin embargo aquello que a esas alturas se creía sepultado y al igual que en la década anterior resurge nuevamente, los roces de liderazgo entre Blackmore y Gillan, como resultado este último es despedido del grupo, corría el año 1989 y otra vez la banda se ve en la tesitura de encontrar un nuevo vocalista.

Mk V: Un paréntesis en la carretera púrpura El cupo fue ocupado por el ex-Rainbow, el vocalista Joe Lynn Turner. Con el nuevo vocalista en octubre de 1990 sale al mercado el álbum Slaves & Masters, con un sonido mucho más melódico y armonioso que sus antecesores, lejos del sonido característico, pero sin desconocer que aquellas composiciones no eran tampoco absolutamente desechables, Ritchie Blackmore apuesta por la construcción de memorables melodías y en cierta forma parece lograr aquello, mucho de ello también es merito del nuevo vocalista, sin embargo en vivo la historia era diferente, a pesar de interpretar clásicos del "Mk III", temas vetados por

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Deep Purple Gillan, comenzando los conciertos con el memorable «Burn», e incorporando en el Set list el clásico «Hey Joe», los resultados no fueron del agrado del resto de la banda a excepción de Blackmore que considera a este álbum uno de sus favoritos. Debido a la presión de los fans que definitivamente no aceptaban esta nueva formación, voluntades internas y del propio sello discográfico, despiden a Turner mientras realizaban las grabaciones del siguiente álbum. Nuevamente es convocado → Ian Gillan a la banda pero esta vez sin la venia de Ritchie Blackmore.

MkIIc: La batalla del odio continúa Cuando → Ian Gillan se reincorpora a la banda el nuevo álbum se encuentra a medias. Gillan decide re-escribir las letras. El resultado es The Battle Rages On, álbum lanzado en julio de 1993, título que refleja de cierto modo el tenso ambiente interno. No obstante, en esta entrega emerge nuevamente el sonido característico de la banda con temas sólidos como el homónimo «The Battle Rages On», «Anya», «Nasty Piece of Work» o «A Twist in the Tale»; el álbum es simplemente genial en su esencia rock, incluso los propios miembros de la banda no dudan en calificarlo como el mejor álbum hecho hasta esa fecha. Aunque la banda consigue mantener su sonido y gracias a ello poner en operación una vez más a esta máquina musical, y a pesar de tener toda la tecnología disponible a su alcance y lo satisfactorio del resultado, los problemas y roces de dos de sus miembros tienen mucho más peso a la hora de evaluar la continuidad de la banda, al punto de que la única solución es la salida de Blackmore o de Gillan. Comienza la gira de promoción del álbum, recorriendo EE.UU. y Europa. En el escenario se logra percibir el ambiente enrarecido entre los integrantes del grupo, bises en donde Blackmore acompaña a la banda con su guitarra pero él detrás de los amplificadores, o simplemente retirándose dejando a sus compañeros sobre el escenario, Gillan haciéndole reverencias sarcásticas al aparecer aquél en escena (mucho de lo cual puede apreciarse en el video oficial titulado "Come Hell or High Water"). En fin, sin duda alguna una batalla de egos insuperable. En medio de la gira japonesa Blackmore decide poner fin a su continuidad en la banda.

Mk VI: La formación under A pesar de los contratiempos, los demás miembros deciden terminar la gira y los compromisos pendientes, es así como contactan al guitarrista Joe Satriani quien venía recién saliendo del estudio de grabación y disponía de algún tiempo para apoyar a Deep Purple. Su excelente desempeño -una equilibrada mezcla entre la fidelidad de las versiones y su toque personal- puede apreciarse en los bootlegs de audio y video (por ejemplo, el audio titulado "Flying in a Purple Dream"). Su llegada no sólo supuso una afortunada salida de la crítica situación, también gracias a su impecable trabajo fue considerado como un potencial reemplazo de Blackmore. Sin embargo, Satriani debía cumplir sus compromisos con su sello disquero, por lo que prefirió seguir su carrera como solista, no sin antes recomendar a → Steve Morse para el puesto.

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Deep Purple

Mk VII: Un nuevo aire púrpura Es así como el guitarrista norteamericano → Steve Morse, quién había participado anteriormente en las bandas Dixie Dregs y Kansas y que además tiene la suya propia Steve Morse Band (en donde lo acompañan Dave LaRue en el bajo y Van Romaine en batería) se integra al grupo sin ningún inconveniente. Su incorporación supuso un cambio del estilo musical de la banda, caracterizado por el virtuosismo y su técnica de guitarra que resulta mucho más moderno que el sonido clásico de Ritchie Blackmore. En febrero de 1996 se lanza al mercado la excelente producción Purpendicular, y comienzan nuevamente una gira por todo el orbe, esta vez llegando incluso hasta Sudamérica. Argentina, México, Brasil, Bolivia, Perú y Chile son los países seleccionados para la gira Sudamericana. En su presentación debut en Chile, ocurre un episodio lamentable para la banda. Tal fue el nivel de convocatoria y efervescencia de Deep Purple en los fans locales que al comenzar el show el público ocupó sectores para ellos "prohibidos", como la torre de control. Dada la gran cantidad de público que se subió sobre la torre, esta finalmente terminó por desplomarse cuando la banda tocaba el segundo tema «Fireball». Hubo muchos heridos de diversa consideración pero afortunadamente sin pérdida de vidas. El show se canceló por espacio de 45 minutos al término del cual por decisión de la Banda volvieron al escenario. Jon Lord comentó posteriormente que fue uno de los espectáculos más tristes de su vida. Por otra parte, Ritchie Blackmore revive a Rainbow en 1995. En esta ocasión él es el único componente original de la banda. El mismo año edita el excelente disco titulado Strangers in us All. Posteriormente y junto a su esposa Candice Night forma la banda Blackmore´s Night, con la cual hasta la fecha ha grabado 7 álbumes de estudio, uno doble en vivo y uno compilatorio. Volviendo a Deep Purple, editan en mayo de 1998 el álbum titulado Abandon, éste fue el último álbum de estudio en el que Jon Lord apareció como miembro del grupo, ya que en el año del 2003 en un concierto de despedida se retiró definitivamente de la banda Deep Purple.

Mk VIII: La lógica sucesión Lord es reemplazado por el teclista → Don Airey quien cuenta con una larga trayectoria y excelente reputación musical, anteriormente participó con ex-purples en bandas como Rainbow y Whitesnake, colaborando con grandes artistas de la escena musical como Gary Moore y Ozzy Osbourne, → Don Airey tenía el deseo oculto de formar parte de Deep Purple, siempre consideró la oportunidad de entrar a la banda si alguna vez Jon Lord decidía abandonarla, y en definitiva la partida de Lord le permitió a él cumplir aquel deseo, además por sus capacidades como compositor e intérprete del famoso órgano Hammond era el reemplazo lógico a la hora de evaluar nombres, Deep Purple siempre ha sido una banda de 5 músicos y nada lo va a cambiar, comentaba → Roger Glover, desde el primer ensayo, Don fue integrado en la composición de las canciones al igual que Jon lo hizo antes". De esta forma y tras varios cambios internos a través de los años la banda queda finalmente conformada por → Ian Gillan en la voz, → Roger Glover en el bajo, → Steve Morse en la guitarra, → Don Airey en el Organo Hammond y teclados y finalmente → Ian Paice en la batería, configurando la formación Mk VIII. Con el nuevo integrante, Deep Purple lanza al mercado en agosto del 2003 el álbum Bananas (álbum) y finalmente en julio del 2005 editan el álbum Rapture of the Deep. Que

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Deep Purple

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luego seria editado en 2006 en formato doble como Rapture of the Deep Tour Edition contando este con temas indispensables en las actuales giras como «The Well Dressed Guitar» o «The Thing I Never Said». En 2007 editan el primer DVD en vivo oficial con → Don Airey se trata de la grabación del concierto en el famoso Montreaux Festival en su 40 aniversario , El DVD llamado Live At Montreaux 2006 They All Came Down To Montreaux cuenta como DVD extra un show en Hard Rock Cafe de Londres. En la gira 2006/2008; destaca su espectacular concierto del 28 de abril de 2007 en el recién inaugurado Wembley Arena de Londres (Reino Unido) junto a Styx y Thin Lizzy. Las críticas son sensacionales y destacan que los Purple son como el vino: "con los años tocan cada vez mejor".[3] Deep Purple recientemente finalizó con la actual gira Sudamericana: dio tres shows en México (14, 16 y 17 de febrero), uno en Lima, (Perú) (20 de febrero); 3 shows en Brasil (el 22 de febrero en Río de Janeiro; el 23 en Curitiba y el 24 en San Pablo), dos en Argentina (26 de febrero y 2 de marzo en Buenos Aires[4] ), dos en Chile (el 28 en Concepción y el 1º en Santiago de Chile), uno en Ecuador (el 6 en Quito) y uno en Venezuela (el 8 en Caracas) y de esa manera Deep Purple cerró con excelentes niveles de asistencia (a excepción de México) la tercera gira sudamericana luego de la presentación del ya mencionado Rapture of the Deep. En todas estas ciudades la banda fue cordialmente recibida por los fans latinoamericanos que integran la Comunidad Púrpura en habla castellana.[5] Ahora los músicos continuarán con sus proyectos personales para ir de nuevo a Europa a cerrar la última gira de presentación del último disco (van a ser el grupo que cierre como en el último año el prestigioso festival de Montreux el 19 de julio). Luego la banda se tomará unas merecidas vacaciones e irá al estudio a grabar lo que sería su placa número 19 en el mercado.[6] El grupo volvió a Latinoamérica en febrero, con tres conciertos en Chile y tres en Argentina. Se presentaron en Buenos Aires y Córdoba los días 20, 21 y 22, y en Chile en Puerto Montt, Santiago de Chile y Antofagasta los días 24, 26 y 28, respectivamente.[7] [8]

Miembros de la banda Alineaciones Durante sus 40 años de trayectoria, Deep Purple ha tenido 10 alineaciones claramente diferenciadas, y éstas han sido integradas por 14 músicos diferentes que comparten un excelente nivel y que de una u otra manera han dejado su huella en el legado púrpura. Voz

Guitarra

Bajo

Rod Evans

Ritchie Blackmore

Nick Simper

Teclados

Batería

Jon Lord

Ian Paice

Duración

Álbumes de estudio

Desde marzo de 1968 hasta el 4 de julio de 1969

"Shades of Deep Purple" (1968); "The Book of Taliesyn" (1968); "Deep Purple" (1969)

Deep Purple

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Ian Gillan

Ritchie Blackmore

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde julio de 1969 hasta junio de 1973

"Concerto for Group and Orchestra" (1969); "In Rock" (1970); "Fireball" (1971); "Machine Head" (1972); "Who do we Think we are!" (1973)

David Coverdale

Ritchie Blackmore

Glenn Hughes

Jon Lord

Ian Paice

Desde agosto de 1973 hasta mayo de 1975

"Burn" (1974); "Stormbringer" (1974)

David Coverdale

Tommy Bolin

Glenn Hughes

Jon Lord

Ian Paice

Desde junio de 1975 hasta marzo de 1976

"Come Taste the Band" (1975)

Ian Gillan

Ritchie Blackmore

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde abril de 1984 hasta mayo de 1989

"Perfect Strangers" (1984); "The House of Blue Light" (1987)

Joe Lynn Turner

Ritchie Blackmore

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde "Slaves and diciembre de Masters" (1990) 1989 hasta agosto de 1992

Ian Gillan

Ritchie Blackmore

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde agosto de 1992 hasta noviembre del mismo año

"The Battle Rages On" (1993)

Ian Gillan

Joe Satriani

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde diciembre de 1993 hasta julio de 1994

Ninguno

Ian Gillan

Steve Morse

Roger Glover

Jon Lord

Ian Paice

Desde noviembre de 1994 hasta septiembre del 2002

"Purpendicular" (1996); "A.band.on" (1998)

Ian Gillan

Steve Morse

Roger Glover

Don Airey

Ian Paice

Desde marzo del 2002 hasta la actualidad

"Bananas" (2003); "Rapture of the Deep" (2005)

Miembros actuales • • • • •

→ → → → →

Ian Gillan - Voz y armónica Steve Morse - Guitarra Roger Glover - Bajo Don Airey - Teclado Ian Paice - Batería

Deep Purple

Miembros anteriores • • • • • • • • •

Jon Lord - Teclado Rod Evans - Voz David Coverdale - Voz Joe Lynn Turner - Voz Ritchie Blackmore - Guitarra Joe Satriani - Guitarra Tommy Bolin - Guitarra Nick Simper - Bajo Glenn Hughes - Bajo y voz

Discografía De estudio • Shades of Deep Purple - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord) • The Book of Taliesyn - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord) • Deep Purple - 1969 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord) • • • • • • • • • • • • • • •

In Rock - 1970 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Fireball - 1971 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Machine Head - 1972 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Who Do We Think We Are? - 1973 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Burn - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord) Stormbringer - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord) Come Taste the Band - 1975 (Bolin-Coverdale-Paice-Hughes-Lord) Perfect Strangers - 1984 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) The House of Blue Light - 1987 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Slaves & Masters - 1990 (Blackmore-Turner-Paice-Glover-Lord) The Battle Rages on... - 1993 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord) Purpendicular - 1996 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord) Abandon - 1998 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord) Bananas - 2003 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey) Rapture of the Deep - 2005 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)

En vivo • • • • • • • • • •

Live At The Forum Inglewood (1968) Concerto for Group and Orchestra (1969) Gemini Suite Live Scandinavian Nights (Live & Rare) Made in Japan (1972) Deep Purple In Concert Space Vols 1 & 2 Live in Japan (1993) Perihelion Live At Boston Music Hall, Boston Massachusetts, USA - 24/05/1973

• California Jamming (Live in the California Jam) (6 de abril de 1974) • Live in London

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Deep Purple • • • • • • • • • • • • • • • • •

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Made in Europe The Final Concerts Days May Come & Days May Go (Rehearsal Tapes) Last Concert in Japan This Time Around On the Wings of a Russian Foxbat In the Absence of Pink (Knebworth 85) Nobody's Perfect Black and Blue (live at Civic Centre, Hartford, Conneticut, USA 17th April 1987) Come Hell or High Water Live In Europe 1993 Live In Stuttgart 1993 Deep Purple NEC 1993 - Live In Birmingham Live in the Olympia Total Abandon In Concert With London Simphony Orchestra(1999) Live in the Royal Albert Hall

• Live at the Rotterdam Ahoy • They All Came Down To Montreux. Live In Montreux 2006 • Rapture of the Deep Tour Edition

Enlaces externos • Página oficial de Deep Purple [9] • DPAS - Deep Purple Apreciation Society [10] • Amplia información sobre Deep Purple (en Inglés)

[11]

Referencias [1] Jason Ankeny y Greg Prato. « Deep Purple Biography (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& searchlink=DEEP)». Allmusic. Consultado el 12 de febrero de 2009. [2] http:/ / www. deeppurple. com [3] Exitoso concierto de Deep Purple en el Nuevo Wembley de Londres (http:/ / www. lastfm. es/ event/ 21142/ reviews) [4] [5] [6] [7]

***** Deep Purple***** (http:/ / todopurple. blogspot. com) Deep Purple Foro (http:/ / www. runboard. com/ bdeeppurpleforo. f8. t28919) The Highway Star — Tour dates (http:/ / www. thehighwaystar. com/ tourdates) Latercera.com Deep Purple hará mini gira por Chile durante febrero (http:/ / www. latercera. com/ contenido/ 724_96821_9. shtml) 28 de eneero, 2009 [8] Larazon.com.ar Deep Purple regresa a la Argentina (http:/ / www. larazon. com. ar/ notas/ 2009/ 02/ 04/ 01852659. html) 5 de febrero, 2009 [9] http:/ / www. deep-purple. com/ [10] http:/ / www. deep-purple. net/ [11] http:/ / www. thehighwaystar. com/

Ian Gillan

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Ian Gillan Ian Gillan (nacido el 19 de agosto de 1945 en Hounslow, Londres) es conocido por ser el cantante de la legendaria banda de hard rock británica → Deep Purple. En 1970 interpretó el papel de Jesús de Nazaret en el disco conceptual original de la ópera rock Jesucristo Superstar. Fue también, aunque de manera muy breve, vocalista de Black Sabbath, otra de las grandes bandas del hard rock clásico. Ian Gillan (2003)

Ian Gillan es considerado uno de los cantantes de rock más destacados e influyentes de la historia del género, pues poseía en sus inicios un rango de voz muy extenso, en el cual se movía sin aparente esfuerzo, y con mucha precisión en los registros más altos. El tema "Child in Time" de → Deep Purple, y sus famosos duelos voz/guitarra junto a Ritchie Blackmore, son algunas de las muestras más significativas y sorprendentes de ello. Gracias a sus aportes y trascendencia, Gillan es tenido como uno de los principales gestores del estilo de canto del Hard Rock, y del que a la larga sería el del Heavy Metal, y es citado como fuente de inspiración por cantantes como Bruce Dickinson (Iron Maiden), Rob Halford (Judas Priest), James LaBrie (Dream Theater), Sebastian Bach (ex Skid Row), Joe Elliott (Def Leppard) y Andi Deris (Helloween).

Biografía Gillan nació en Hounslow, Londres (Inglaterra), en una familia de ascendencia escocesa, su padre era del barrio de Govan en Glasgow. Fue miembro de Deep Purple desde 1969 hasta 1973 apareciendo en álbumes como In Rock, Machine Head y Made in Japan. En esa misma época, interpretó el papel de Jesucristo en la versión original de Jesucristo Superstar de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Después de dejar Deep Purple, acusando agotamiento y por sus marcadas diferencias personales con el guitarrista Ritchie Blackmore, Gillan formó la Ian Gillan Band. En sus inicios tenía un distintivo toque de jazz y rock que no resultó muy popular, por lo que posteriormente evolucionó a un Heavy Metal más potente a la vez que cambiaba a toda la formación y acortaba el nombre del grupo a Gillan. Con la publicación de Mr. Universe, Ian Gillan estaba de vuelta en las listas de ventas del Reino Unido, y tras varios cambios en la formación del grupo publicó varios álbumes y sencillos de éxito como pudieron ser Glory Road, Future Shock, Double Trouble y Magic. Anunció entonces que habría que deshacer la banda ya que necesitaba descansar sus cuerdas vocales porque estaban dañadas. En 1983 se unió a Black Sabbath para grabar el disco Born Again y hacer la consiguiente gira a principios de 1983. No obstante, ese año Gillan se incorpora a la tan ansiada reunión de Deep Purple en su formación más representativa, el Mark II: Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Jon Lord, → Roger Glover e → Ian

Ian Gillan Paice. El disco de la reunión sería Perfect Strangers, considerado como uno de los mejores retornos musicales de la historia del rock. No obstante, Gillan abandona → Deep Purple otra vez en 1989, nuevamente por diferencias irreconciliables con Ritchie Blackmore, y es sustituido por Joe Lynn Turner (ex Rainbow). → Deep Purple graba entonces el disco Slaves and Masters, poco popular entre los fans del sonido clásico de la banda. Por ello, el resto de integrantes ejerce presión sobre Blackmore, y Turner es despedido en favor de la vuelta de Gillan en 1992. Así se graba The Battle Rages On, disco en cuya gira Blackmore decide abandonar la banda de manera intempestiva y definitiva (Joe Satriani lo reemplazaría de emergencia para cumplir con las restantes fechas ya pactadas). Desde entonces, y hasta hoy, Ian Gillan se mantiene al frente de un activo → Deep Purple como el vocalista más representativo de la historia de la banda. En el 2003 hizo una presentación con Deep Purple en los shows de Luciano Pavarotti & friends, e interpretó junto a el célebre cantante lírico el aria Nessun dorma en versión de dueto. En abril del 2006 Gillan publicó un CD/DVD con contenido multimedia para documentar sus 40 años de carrera titulado Gillan's Inn (La posada de Gillan). Tony Iommi, Jeff Healey, Joe Satriani, junto con Jon Lord, → Roger Glover, → Ian Paice, → Don Airey y → Steve Morse (estos últimos, miembros actuales o pasados de → Deep Purple) aparecen en este trabajo. El proyecto incluye algunas regrabaciones selectas de varias canciones de → Deep Purple, Black Sabbath y de sus otros trabajos.

Curiosidades • Es un gran aficionado al fútbol y es seguidor del Queens Park Rangers Football Club. • Le fue ofrecido el papel de Jesús en la película Jesucristo Superstar (1973), pero no lo aceptó en favor de priorizar su ascendente carrera musical en → Deep Purple, aunque si grabó la versión original del disco. No obstante, ese mismo año renunciaría a la banda por agotamiento a causa de las constantes giras, y por sus insalvables diferencias con Ritchie Blackmore.

Discografía Con Deep Purple • • • • • • • • • • •

Concerto for Group and Orchestra (1969) Deep Purple in Rock (1970) Fireball (1971) Machine Head (1972) Made in Japan (1972) Who Do We Think We Are (1973) Perfect Strangers (1984) The House of Blue Light (1987) Nobody's Perfect (1988) The Battle Rages On (1993) Come Hell Or High Water (1993)

• Purpendicular (1996) • Abandon (1998) • Bananas (2003)

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Ian Gillan • Rapture of the Deep (2005) • The Platinum Collection (2005) • They all came down to montreux (2006)

Como Ian Gillan Band • • • • •

Child in Time (1976) Clear Air Turbulence (1976) Scarabus (1977) Live At The Budokan (1978) Live At The Rainbow

Como Gillan • • • • •

Gillan (también conocido como el álbum japonés) (1978) Mr. Universe (1979) Glory Road (1980) Future Shock (1980) Double Trouble (1981)

• Magic (1982)

Con Black Sabbath • Born Again (1983)

Con Roger Glover • Accidentally On Purpose (1988)

Como Garth Rockett & the Moonshiners • Garth Rockett & The Moonshiners Live At The Ritz (1990)

Como Ian Gillan • • • • • • •

Naked Thunder (1991) Toolbox (1992) Cherkazoo And Other Stories - '73/'75 solo sessions (1992) Dreamcatcher (1998) Gillan's Inn (2006) Blue Dragon Soundtrack - Eternity (2007) One Eye To Morocco (2009)

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Ian Gillan

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Con The Javelins • Sole Agency And Representation (1994)

Otros • Jesus Christ Superstar (1970)

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ian Gillan.Commons • Página oficial [1] • Página oficial del proyecto Gillan's Inn [2]

Referencias [1] http:/ / www. gillan. com [2] http:/ / www. gillansinn. com

Steve Morse Steve Morse

Steve Morse en un concierto en 2005 Información personal Nombre

Steve J. Morse

Nacimiento

28 de julio, 1954 (54 años)

Origen

Ohio,

Ocupación(es)

Músico

Estados Unidos

Información artística Género

Hard rock

Instrumento(s)

Guitarra

Discográfica(s)

Varios

Artistas relacionados

→ Deep Purple

Kansas

Steve J. Morse (Hamilton, Ohio, 28 de julio de 1954) es un guitarrista desde 1994 de → Deep Purple, grupo británico de hard rock de 1968. Antes de unirse a dicho grupo, estuvo en Dixie Dregs y también tuvo una notable carrera como solista.

Steve Morse

Carrera Después de haber pasado por Dixie Dregs y Kansas se unió a Dave LaRue, (bajo) y Van Romaine (baterista) para formar su propia banda: La Steve Morse Band. Aunque sigue siendo el guitarrista de → Deep Purple también participa en Living Loud junto con antiguos músicos de Ozzy Osbourne y que se dedican a hacer versiones de éste, a parte de temas propios. El estilo Morse pasa por el Hard Rock, heavy metal y el Jazz fusion y, por supuesto, está dentro del círculo de los guitarristas virtuosos. Llegó a reemplazar al mismísimo (bajo su propia recomendación) Joe Satriani y al mítico Ritchie Blackmore durante la gira de → Deep Purple.

Discografía Steve Morse ha editado en solitario (o con la Steve Morse Band) los siguientes discos (en estudio): • The Introduction (1984) • Stand Up (1985) • • • • • • • •

High Tension Wires (1989) The Southern Steel (1991) Coast To Coast (1992) Structural Damage (1995) Stressfest(1996) Major Impacts (2000) Split Decision (2002) Major Impacts 2 (2004)

Además de otras muchas colaboraciones ha participado como integrante en las siguientes grabaciones de los grupos:

Con Dixie Dregs • • • • • • • •

The Great Spectacular (1975) Free Fall (1977) What If (1978) Night Of The Living Dregs (1979) Dregs Of The Earth (1980) Unsung Heroes (1981) Industry Standard (1982) Full Circle (1994)

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Steve Morse

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Con Kansas • Power (1986) • In The Spirit Of Things (1988)

Con Deep Purple • • • •

Purpendicular (1996) Abandon (1998) Bananas (2003) Rapture of the Deep (2005)

Con Living Loud • Living Loud (2004)

Enlaces externos • Steve Morse

[1]

Referencias [1] http:/ / www. stevemorse. com/

Roger Glover Roger Glover

Roger Glover en un concierto con Deep Purple en el London Astoria en enero de 2006. Información personal Nombre

Roger David Glover

Nacimiento

30 de noviembre de 1945

Origen

Brecon, Gales

Ocupación(es)

Bajista de Deep Purple. Información artística

Género

Hard rock Heavy metal

Instrumento(s)

Bajo Teclados

Período de actividad

1965 - presente

Roger Glover

Artistas relacionados

360 Episode Six → Deep Purple Rainbow Web

Sitio web

www.rogerglover.com

[1]

Roger David Glover es un bajista, teclista, productor discográfico y compositor galés nacido el 30 de noviembre de 1945 en Brecon, conocido por formar parte del grupo de hard rock → Deep Purple.

Carrera temprana A la edad de diez años, Glover se mudó con su familia a Londres, ciudad en la que se empezó a interesar por el rock and roll, por lo que comenzó a tocar la guitarra. En el instituto formó su primera banda, Madisons, junto con algunos amigos, y que se acabó por fusionar con otra banda llamada Episode Six, el grupo en el que figuraba el posterior compañero de Glover en Deep Purple, el vocalista → Ian Gillan. Ambos dejaron esta banda en 1969 para unirse a → Deep Purple.

Deep Purple y carrera en solitario Durante su estancia en Deep Purple grabó los discos más exitosos de la formación británica, entre los que se encuentran Deep Purple in Rock y Machine Head, antes de ser despedido por el guitarrista Ritchie Blackmore cuatro años después de su llegada. Posteriormente, se dedicó a producir álbumes de Judas Priest, Nazareth o Elf y publicar su propio material en solitario. En 1978 se unió a Blackmore en su banda Rainbow, con los que grabó cinco álbumes, y posteriormente trabajó para David Coverdale y Whitesnake. Desde 1984 pertenece de nuevo a Deep Purple después de su reformación ese mismo año.

Discografía Solitario • • • • •

Butterfly Ball (1974) Elements (1978) Mask (1984) Snapshot (2002) Close-Up (2008)

Roger Glover

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Deep Purple • • • • • • • • • • • • • •

Concerto for Group and Orchestra (1969) Deep Purple in Rock (1970) Fireball (1971) Machine Head (1972) Made in Japan (1972) Who Do We Think We Are (1973) Perfect Strangers (1984) The House of Blue Light (1987) Slaves & Masters (1990) The Battle Rages On (1993) Purpendicular (1996) Abandon (1998) Bananas (2003) Rapture of the Deep (2005)

Rainbow • • • • • •

Down To Earth (1979) Difficult to Cure (1981) Jealous Lover EP (1981) Straight Between the Eyes (1982) Bent Out of Shape (1983) Finyl Vinyl (1986)

Enlaces externos • Sitio web oficial de Roger Glover

Referencias [1] http:/ / www. rogerglover. com

[1]

Don Airey

Don Airey Don Airey es un teclista que ha sido una parte muy importante en la escena del heavy Metal y del Hard rock desde hace 25 años, trabajando en infinidad de álbumes, y formando parte de un gran número de bandas. También es compositor y arreglista en el campo comercial, y está a punto de emprender un nuevo capítulo de su carrera como artista a solas con el lanzamiento en de su álbum número ciento veintidós: A Light in the Sky

Biografía Nació en Sunderland, el noreste Inglaterra, y forjó su talento Don Airey en un concierto de los → Deep Purple, en el Molson musical trabajando sobre clásicos, Amphitheatre (Toronto, Ontario, Canada). aunque pronto creció su interés por la escena local de rock y jazz, y empieza a ofrecer sus servicios y los de su órgano Hammond en los locales de mala nota que abarrotaban los trabajadores de la zona. Completó su educación musical con un master en la universidad de Nottingham y un diploma en la Royal Northern College of Music, regresando a los escenarios en 1972 con su propia banda y viajando alrededor del mundo, desde África a Florida pasando por el lejano Oriente. Se trasladó a Londres en 1974, y entró en el mundo del rock de la mano de Cozy Powell y su banda "C.P.Hammer", que tenía programado un año de gira. Cuando se acabó esta, se movió sobre un nivel más "esotérico" con una banda de fusión. Tres álbumes siguieron a este proyecto: Strange New Flesh, Electric Savage, y una colaboración con Andrew Lloyd Webber, que les lleva a las listas de éxitos con "Variations". En 1977 Don participa en la primera formación de la banda de Gary Moore en solitario, con el álbum "Back on the streets", componiendo los arreglos para el tema "Biscayne Blues", al que las letras de Phil Lynott convirtieron en "Parisienne Walkaways", un Topten en todo el mundo. Cuando Colosseum II se separan en 1978, pasa a formar parte de los Black Sabbath del "Never say die", poco antes de ser miembro de RAINBOW de la mano de su amigo Cozy, donde participa en álbumes como "Down to Earth", o "Difficult to cure", con hitsingles de la talla de "I surrender " o "Since you've been gone" que ocupan tres años de su vida en la carretera. Un descanso para participar en el álbum que abriría la carrera en solitario de Ozzy Osbourne "Blizzard of Ozz", donde su aportación es vital para que el disco se haga oír en las

362

Don Airey

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emisoras americanas, y por fin concluye la gira de RAINBOW, de donde se marcha en 1981 para formar parte estable de la banda de OZZY durante tres años (hasta "Bark at the Moon"). Volvió al Reino Unido en 1985, y participó en diversas bandas (incluyendo la de Gary Moore de donde es esta entrevista, y los ALASKA de Bernnie Marsden) antes de que volver a Vancouver para agregar sus teclados a un álbum que se convirtió en uno de los más vendidos de la historia del rock: el "1987" de Whitesnake. Una vez terminado este capítulo, Don vuelve a viajar en 1987 con → Jethro Tull en una gira por USA y Europa. Don Airey (el segundo por la derecha), con los → Deep Purple, en 2004.

Un nuevo proyecto en el 88, tras colaborar con Eddie Clark y sus FASTWAY junto a Neil Murray y una nueva banda en el sello MCA, junto a Gary Moore, Cozy Powell acogedor, Chris Tomphson y Colin Blunstone con los que creó K2 y que grabaron un trabajo que vio la luz en 1989 de forma limitada en Japón y Alemania solamente, y que sirve como puente al teclista antes de regresar a Whitesnake y crear "Slip of the Tongue", para, poco después, participar en los ensayos de la nueva faceta de Gary Moore y su onda más blues, creando el disco de blues más vendido de la historia: "Still got the blues", que contenía tres hit-singles: King of the Blues, Still Got the Blues, y Walking by Myself, y cuya gira de presentación le ocupó durante todo un año. Entre 1991 y 1997, crea la DON AIREY MUSIC, una "fábrica de música", haciendo bandas sonoras, anuncios y sintonías de todo tipo, y colaborando esporádicamente con gente como Brian May, Cozy Powell, Tony Iommi, Katrina & the Waves, Uli Roth, y en 1996 se une a la reformada Electric Light Orchestra en su gira de reunión. En 1998 Don gira con el G3 de Joe Satriani para formar parte después de una re-encarnación de Whitesnake con los viejos miembros originales Bernie Marsden y Micky Moody. El año 1999 verá el lanzamiento de un K2 reformado y será su 25 cumpleaños en el mundo de la música. A partir del año 2002 ingresa en forma permanente a → Deep Purple, reemplazando al eterno Jon Lord, y graba los discos Bananas y Rapture of the Deep.

Ian Paice

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Ian Paice Ian Anderson Paice (Nottingham, 29 de junio de 1948) es el batería del grupo de hard rock → Deep Purple, siendo el único miembro de la banda que ha permanecido en todas sus formaciones. Considerado uno del los baterías más influyentes de la historia, es uno de los pocos zurdos que toca con la batería adaptada (otros, como → Ringo Starr, aprendieron a tocar con un equipo para diestros).

Historia Ian Paice (2005)

Ian Anderson Paice nació en Nottingham el 29 de junio de 1948, aunque pocos años más tarde su familia se trasladó a Bicester, cerca de Oxford. Aunque comenzó tocando el violín, a la edad de 15 años decidió pasarse a la batería, y con el tiempo se unió a la orquesta de baile de su padre. “Conseguí comprarme una batería por 32 libras y comencé a acompañar a mi padre por ahí tocando valses y bailes formales. Era un poco soso, pero me sirvió para empezar” (comentario de Ian Paice sobre esos tiempos). A principios de los años '60 comenzó con su primera banda de rock, Georgie And The Rave Ons, quienes cambiaron su nombre en 1965 a The Shindigs. Pero no fue hasta el año siguiente cuando despegó su carrera con la banda The Maze, con quienes llegó a girar por Italia y Alemania. Fue entonces cuando conoció a Ritchie Blackmore. En 1968, y tras la desilusión por el poco éxito de la banda, Ian Paice junto al vocalista de la formación Rod Evans, hicieron una audición para entrar en → Deep Purple, consiguiendo ambos el puesto (aunque Rod Evans sería despedido al año siguiente). Desde entonces y hasta la actualidad su trabajo principal se ha desarrollado siempre en → Deep Purple, aunque cabe destacar su colaboración con David Coverdale en los inicios de Whitesnake. Ian Paice también ha colaborado con artistas como → Paul McCartney, Gary Moore, → George Harrison, The Royal Philharmonic Orchestra, y Jim Capaldi. Es un experto clinician que participó en el Festival Modern Drummer de 1999.

Influencias y estilo Sus primeras influencias fueron Gene Krupa, Buddy Rich, Bobby Elliot (The Hollies), → Ringo Starr, Carmine Appice (Vanilla Fudge), y Charles Connors (Little Richard Band). Ian recogió de la generación anterior de baterías una forma de tocar contenida, precisa, un sonido limpio y conciso, pero le añadió la potencia, increíble velocidad y técnica para crear un estilo único y un sonido que recoge las ventajas de ambos estilos. Destaca su solo de batería "The Mule" que figura en el álbum de estudio Fireball y en el concierto en vivo Made in Japan, esta última versión más extendida. Fundamentalmente Paice demostraba gran velocidad al tocar, siendo esta su más fuerte arma a la hora de tocar con Deep Purple, la gran sencillez de las baterías que tocaba (un

Ian Paice

365

par de platillos y un tom) durante los años 70 demuestra su habilidad al extraer una gran variedad de sonidos con caracter propio, conciertos como en el California Jam del 74 dejan en claro que junto con → John Bonham de → Led Zeppelin eran los dominantes en la escena de bateristas del hard rock setentero.

Discografía Deep Purple (discos de estudio) • • • • • • • • •

1968 1968 1969 1970 1971 1972 1973 1974 1974

Shades of Deep Purple The Book of Taliesyn Deep Purple Deep Purple in Rock Fireball Machine Head Who Do We Think We Are Burn Stormbringer

• • • • • • • • •

1975 1984 1987 1990 1993 1996 1998 2003 2005

Come Taste the Band Perfect Strangers The House of Blue Light Slaves & Masters The Battle Rages On Purpendicular Abandon Bananas Rapture of the Deep

The Shindings • 1965 One Little Letter/What You Gonna Do (SP, UK) • 1965 A Little While Back/Why Say Goodbye (SP, UK) Deep Purple (discos en directo) • • • • •

1969 1972 1980 1988 2007

Concerto for Group and Orchestra Made in Japan Deep Purple in Concert Nobody's Perfect They All Came Down to Montreux

Ian Paice

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MI5 i The Maze • • • • •

1966 1966 1967 1967 1967

You'll Never Stop Me Loving You/Only Time Will Tell (SP, UK) Hello Stranger/Telephone (SP, UK) Aria Del Sud/Non Fatemio Odiare (SP, Italy) Harlem Shuffle/What Now/The Trap/I'm So Glad (EP, France) Catteri, Catteri/Easy Street (SP, UK)

Whitesnake • • • • •

1980 1980 1981 1982 2004

Ready An' Willing Live... in the Heart of the City Come An' Get It Saints & Sinners The Early Years (compilation)

Gary Moore Band • 1982 Corridors of Power • • • • •

1982 1983 1983 1983 1984

Live at the Marquee (EP) Falling in Love with You (EP) Rocking Every Night Victims of the Future We Want Moore!

Solo • 2002 Not for the Pro's (DVD+CD) • 2005 Chad Smith & Ian Paice - Live Performances, Interviews, Tech Talk and Soundcheck (DVD) • 2006 Modern Drummer Festival 2005 (DVD)

Apariciones estelares • • • • • • • • • • • • • •

1967 1968 1968 1971 1971 1972 1972 1972 1972 1973 1974 1974 1975 1977

Do Your Own Thing/Goodbye Baby Goodbye (Soul Brothers, SP) I Shall Be Released/Down In The Flood (Boz Burrell, SP) I Feel Fine/Let Me Love You (Tony Wilson, SP) Natural Magic (Green Bullfrog) In My Time (Mike Hurst) Gemini Suite (Jon Lord) Home is Where You Find It (Eddie Hardin) The Pete York Percussion Band (The Pete York Percussion Band) Squeeze (Velvet Underground) Bump & Grind (Jackson Heights) E.H. in the UK - The Eddie Harrin London Sessions (Eddie Hardin) First of the Big Bands (Tony Ashton & Jon Lord) Funkist (Bobby Harrison) You Can't Teach An Old Dog New Tricks (Eddie Hardin)

• 1978 Composition (Kirby) • 1980 And About Time Too (Bernie Marsden) • 1981 Look At Me Now (Bernie Marsden)

Ian Paice • • • • • • • • • • • • • • • •

1981 1982 1983 1987 1989 1993 1994 1999 1999 1999 2001 2001 2003 2003 2006 2006

367 Free Spirit (Ken Hensley) Before I Forget (Jon Lord) Arrested - The Royal Philharmonic Orchestra & Friends Tribute to Police Super Drumming (Pete York & Friends) Best of Dark Horse 1976-89 (→ George Harrison) BBC Radio 1 Live in Concert '74 (Tony Ashton & Jon Lord) From Time To Time (Ken Hensley) Jump the Gun (Pretty Maids) Run Devil Run (→ Paul McCartney) Live at the Cavern (→ Paul McCartney, DVD) Living on the Outside (Jim Capaldi) Twister (Max Magagni) E-Thnik (Mario Fasciano) Dal Vero (Tolo Marton) Gillan's Inn (→ Ian Gillan) Time To Take A Stand (Moonstone Project)

Enlances externos • Página oficial de Deep Purple [9] • Página no oficial de Ian Paice [1] • Foro en Español de Deep Purple [2]

Referencias [1] http:/ / web. telia. com/ ~u91118943/ [2] http:/ / www. deeppurpleforo. com/

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The Beatles The Beatles

The Beatles en 1964 Arriba: → John Lennon, → Paul McCartney Abajo: → George Harrison, → Ringo Starr Información personal Origen

Liverpool, Inglaterra Información artística [1]

Género

Rock, pop

Período de actividad

1960-1970

Discográfica(s)

Parlophone (1962-1968) Capitol Records (1963-1968) Vee-Jay Records (1963-1964) Swan (1963-1964) Tollie Records (1964) Apple Records (1968-1973) EMI Records (1976-actualidad)

Artistas relacionados

The Quarrymen The Dirty Mac The Plastic Ono Band Ringo Starr and His All-Starr Band Wings Traveling Wilburys Web

Sitio web

www.beatles.com Miembros → John Lennon → Paul McCartney → George Harrison → Ringo Starr

Antiguos miembros

[2]

The Beatles

369 → Pete Best → Stuart Sutcliffe

The Beatles fue una banda de música rock y pop de Liverpool, Inglaterra, formada en 1960. Estaba integrada fundamentalmente por → John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), → Paul McCartney (bajo, vocalista), → George Harrison (guitarra solista, vocalista) y → Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque su estilo musical inicial era el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, el grupo también trabajó a lo largo de su carrera con otros géneros musicales, abarcando desde el Tin Pan Alley hasta el rock psicodélico. Sus vestimentas, estilo y declaraciones habían marcado las tendencias de su época, mientras que su gradual aumento de la conciencia social vió extender su poder de influencia a los cambios sociales y culturales acaecidos en los años sesenta. Después de que la banda se separara en 1970, todos sus ex-miembros se embarcaron en exitosas carreras individuales [cita requerida] . Los Beatles fue una de las bandas más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música popular. Solo entre 1962 y 1970 lograron vender cerca de 400 millones de discos en todo el mundo. En el Reino Unido habían publicado 28 discos diferentes entre sencillos y álbumes que alcanzaron el número uno, colocando más álbumes en el n.º 1 (11 en total, entre 1963 y 1970) que cualquier otro grupo en las listas musicales británicas. Se estima que, para 1985, habían vendido más de 1.000 millones de discos alrededor del mundo.[3] Fueron, asimismo, los artistas que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos, de acuerdo con la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos.[4] En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el n.º 1 en su lista de los «50 artistas más grandes de todos los tiempos».[5] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de los Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta,[6] cuya influencia en la cultura pop actual aún sigue siendo evidente en nuestros días. Además, dicha publicación incluye en su clasificación cuatro de sus álbumes entre los 10 mejores de la historia, incluyendo uno en el primer y otro en el tercer puesto.[7] Unos años más tarde también fueron colocados en el puesto n.º 1 entre «los 1.000 mejores artistas de todos los tiempos» por la página de internet Acclaimedmusic.net.[8]

Historia Formación John Lennon formó en marzo de 1957 el grupo de música skiffle The Quarry Men.[9] El 6 de julio de 1957 conoció a Paul McCartney, invitándole a unirse al grupo unos días más tarde.[10] George Harrison fue invitado el 6 de febrero de 1958 a observar al grupo, uniéndose a ellos como guitarra solista después de un ensayo en marzo de 1958. En este periodo, Lennon y McCartney tocaban la guitarra rítmica. Los Quarry Men sufrirían continuos cambios de batería, al abandonar el original, Colin Hanton, la banda en 1959. Un amigo de Lennon, → Stuart Sutcliffe, se unió al grupo como bajista en enero de 1960. Los Quarry Men pasaron a tener una sucesión de nombres, incluyendo «Johnny and the Moondogs» y «The Silver Beetles». Sutcliffe llegó a sugerir el nombre de «Beatals» (juego de palabras entre "beat" y "beetles" ["escarabajos"]) como tributo a Buddy Holly y los Crickets ("los grillos").[11] La banda adoptó finalmente el nombre The Beatles. La carencia de un batería en la banda se tornó en un serio problema para el mánager no oficial de los Beatles, Allan Williams, que les llegó a arreglar unas actuaciones en un club de la

The Beatles

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Reeperbahn de Hamburgo, en la Alemania Occidental.

Hamburgo, Cavern Club y Brian Epstein Los Beatles iniciaron el 17 de agosto de 1960 su primer viaje a Hamburgo, después de haber contratado cuatro días antes a → Pete Best como batería de la banda.[12] Allí tocaron durante 48 noches en el Indra Club, propiedad del empresario Bruno Koschmider, para seguidamente pasar en octubre de 1960 al Kaiserkeller, regentado también por el mismo empresario. Poco tiempo después aceptaron un ofrecimiento para actuar en el Top Ten Club, un local de la competencia, rompiendo de esta manera el contrato que El Indra Club, donde actuaron los Beatles en su tenían con Koschmider.[13] Éste se enfureció, primera estancia en Hamburgo, tal como aparece llegando a denunciar a Harrison ante las en 2007. autoridades alemanas por ocultar su minoría de edad, consiguiendo así la deportación del músico el 21 de noviembre de 1960. McCartney y Best fueron también arrestados y deportados una semana más tarde por incendiarios, al haber prendido fuego a un condón y casi provocar un incendio en el lugar donde se hospedaban. Lennon se volvió a Liverpool a mitad de diciembre, mientras Sutcliffe se había quedado unos días más en Hamburgo con su nueva prometida, la alemana Astrid Kirchherr. El grupo de nuevo reunido tocaron el 17 de diciembre de 1960 en una actuación previamente concertada en el The Casbah Coffee Club, con Chas Newby sustituyendo temporalmente a Sutcliffe.[14] Los Beatles volvieron a Hamburgo por segunda vez en marzo de 1961 para actuar en el Top Ten Club.[10] Fueron reclutados por el cantante Tony Sheridan (que también actuaba en este club) para tocar como banda de acompañamiento en una serie de grabaciones para el sello alemán Polydor, producidas por el afamado director de orquesta Bert Kaempfert. Kaempfert alistó al grupo a su propio contrato con Polydor en la primera sesión del 22 de junio de 1961.[10] El 31 de octubre Polydor publicó la canción "My Bonnie", grabada por Tony Sheridan acompañado por los Beatles —aunque éstos aparecerían acreditados como The Beat Brothers— que llegó al top-20 de las listas alemanas. Cuando el grupo se volvió a Liverpool, Sutcliffe decidió quedarse en Hamburgo con Kirchherr. McCartney se vio obligado, de esta manera, a pasarse finalmente al bajo. El 14 de julio de 1961, la banda actuó por primera vez desde su vuelta de Hamburgo en el Cavern Club.[14] Desde 1961 a 1963 los Beatles harían 292 apariciones en el club, culminándolo en una aparición final el 3 de agosto de 1963.[14] Brian Epstein los vio por primera vez en el Cavern Club el 9 de noviembre de 1961. La versión de la historia de Epstein fue que un cliente, Raymond Jones, había entrado en su tienda de NEMS preguntándole por el sencillo "My Bonnie" que el grupo había grabado con Sheridan. Los Beatles firmaron un contrato de 1962.[10] Éste creó después, el 26 de (NEMS: North End Music Stores), representación por cinco años el 1 de

cinco años con Brian Epstein el 24 de enero de junio de 1962, la compañía NEMS Enterprises Ltd con la que los Beatles firmarían contrato de octubre de 1962.[10] Kaempfert acordó liberar a los

The Beatles Beatles de su contrato con Polydor, al saber que el sello alemán no estaba interesado en el grupo, y que Epstein estaba realizando una audición para Decca. El ejecutivo de la Decca Dick Rowe rechazó de plano al grupo, informándole a Epstein equivocadamente que los grupos con guitarras ya no estaban de moda.[14] Mientras Epstein estaba negociando con Decca, abordó también al ejecutivo de marketing de la EMI, Ron White. Éste contactó con tres de los productores de EMI, declinando todos ellos grabar a la banda. White no había abordado a George Martin, el cuarto empleado del equipo de producción, que estaba entonces de vacaciones.[14] Los Beatles volvieron por tercera vez a Hamburgo desde el 13 de abril hasta el 31 de mayo de 1962, donde actuaron en la inauguración del Star Club. A su llegada fueron informados de la muerte de Sutcliffe por hemorragia cerebral.

Contrato de grabación y Beatlemanía Epstein se fue a la tienda de HMV en la calle Oxford de Londres para transferir las grabaciones de la audición de Decca a unos discos. Al comentar su búsqueda de una compañía discográfica, se le recomendó que visitase a Sid Coleman, que llevaba la rama editorial de EMI. Epstein logró reunirse a través de éste con George Martin, quien, después de arreglarle una cita con EMI, acordó asignar a los Beatles en julio de 1962 al sello Parlophone, subsidiario de EMI, con un contrato de un año renovable a cuatro más.[10] A Martin no le había convencido la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que los Beatles lo cambiasen por otro batería en el estudio. El mánager estuvo de acuerdo. Además, a Epstein le exasperaba la negativa de Best en adoptar el corte de pelo distintivo que los demás compañeros habían adoptado como parte de la imagen unificada que querían dar de la banda. Best también había faltado a un número de actuaciones por haber estado enfermo varias veces. Así que Epstein prescindió de Best el 16 de agosto de 1962.[10] Preguntaron a Richard Starkey, conocido como Ringo Starr, si se quería unir a la banda —Starr era el batería de Rory Storm and the Hurricanes que había actuado ocasionalmente con los Beatles en Hamburgo—. Éste aceptó, llegando a grabar junto al grupo el 4 de septiembre de 1962 en la que llegaría a ser para ellos la primera sesión oficial como artistas de EMI Records.[10] Martin ya había contratado al batería de estudio Andy White para la próxima sesión del 11 de septiembre, de manera que el primer disco publicado por la banda, el sencillo "Love Me Do" / "P.S. I Love You", incluía las únicas grabaciones de los Beatles con White tocando la batería. El sencillo solo logró alcanzar el número 17 en las listas británicas.[15] La banda grabó el 26 de noviembre de 1962 su segundo sencillo, "Please Please Me",[10] que llegó al número dos en la que sería con el tiempo la lista oficial del Reino Unido, Record Retailer, y al número 1 en la lista del NME. Tres meses más tarde grabaron su primer álbum, titulado igual que el segundo sencillo del grupo, El logotipo con la T alargada hacia Please Please Me. El siguiente sencillo, "From Me to abajo, para enfatizar la palabra «beat». You", publicado el 11 de abril de 1963, sí llegó finalmente al número 1 en las cuatro listas más importantes del Reino Unido.[10] Después del éxito de este sencillo, la industria discográfica decidió acuñar el término "Merseybeat" ("Mersey" por el río que pasaba por la ciudad de Liverpool) al sonido que provenía de grupos musicales liverpulianos, como los Beatles, Gerry and the Pacemakers, Billy J. Kramer and the Dakotas, y los Searchers.

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The Beatles La primera actuación televisada de la banda fue en el programa local People and Places, transmitido en vivo desde Manchester por Granada Television el 17 de octubre de 1962, en la cual lo Beatles interpretaron "Love Me Do" y "Ooh! My Soul".[14] La adulación histérica hacia el grupo fue creciendo cada vez más, hasta tal punto, que fue apodada por la prensa a finales de 1963 con el nombre de «beatlemanía». Ese año hizo su debut el logotipo icónico del nombre de los Beatles con la letra T alargada hacia abajo, para enfatizar la palabra «beat».[16]

Ampliación de mercado El sello operativo de EMI en Estados Unidos, Capitol Records, declinó en publicar los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You" en aquel país. Por tanto, se les fue ofrecido para su publicación al sello Vee-Jay Records. Los derechos de Vee-Jay sobre los Beatles fueron cancelados más adelante por no pagar las regalías correspondientes.[17] El 16 de septiembre de 1963, el sello discográfico Swan editó "She Loves You", sin lograr llamar la atención de la radio.[10] A principios de noviembre de 1963, Brian Epstein persuadió al productor del programa de televisión The Ed Sullivan Show, presentado por Ed Sullivan, para que presentara a los Beatles en dicho programa,[14] advirtiéndole que eso garantizaría llegar a un acuerdo con Capitol Records. Finalmente, Capitol llegaría a comprometerse en diciembre a publicar "I Want to Hold Your Hand" a mediados de enero de 1964.[14] El 7 de diciembre de 1963 se mostró en el CBS Evening News un fragmento de cinco minutos de una actuación de los Beatles rodado el 16 de noviembre en Inglaterra.[10] El «corto», ya emitido el 21 de noviembre pasado,[10] inspiró a una joven, llamada Marsha Albert, a escribir a Carroll James, un pinchadiscos de una estación de radio de Washington D.C., requiriéndole que pusiese discos de los Beatles. Carroll James, que había visto también el mismo fragmento televisivo, se las arregló a través de un amigo para que le mandasen a su estación de radio una copia del último sencillo de los Beatles, "I Want to Hold Your Hand". Inmediatamente después de debutar en la radio el 17 de diciembre, la canción recibió, de manera abrumadora, reacciones positivas por parte de los oyentes, que hizo que el tema se radiase más a menudo por la emisora. Consciente de cómo estaba respondiendo la audiencia ante la música del cuarteto inglés, el presidente de Capitol Records decidió, unos días más tarde, publicar el sencillo el 26 de diciembre, tres semanas antes de la fecha prevista para su edición, incrementando su fabricación a un millón de copias.[18] Otras estaciones de radio de Nueva York empezaron a emitir "I Want to Hold Your Hand" el día de su publicación. La respuesta positiva que había tenido en Washington, fue duplicada en Nueva York, y pronto se extendió a otros mercados. El sencillo logró vender un millón de copias en tan solo diez días; y para el 16 de enero, la revista Cashbox certificó el disco en el nº 1 para el final de semana del 25 de enero, justo tres semanas después de su inclusión en la lista del Top 100.[19] Fue por este tiempo que Brian Epstein se vio asediado de repente por los comerciantes de productos con la imagen de los Beatles. Decidió crear a finales de 1963 la compañía Stramsact (y su brazo estadounidense Seltaeb [Beatles, al revés]) para gestionar las licencias de los productos con el nombre de la banda. Puso al frente de la compañía a Nicholas Byrne, que, aparte de reunir a cinco socios más, pactó reservarse el 90% de los beneficios del negocio, con la complacencia de Epstein, que desconocía este relativamente nuevo mercado dentro de la música pop. Dicho porcentaje devino pronto en disputas

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The Beatles contractuales y demandas judiciales, haciendo que NEMS dejara de ganar una cantidad estimada en 100 millones de dólares (la mayor parte de esa cifra en Estados Unidos) en ventas potenciales de productos con la imagen del grupo. El pacto se revisó en junio de 1964, percibiendo NEMS esta vez el 45% de la comercialización de la mercadotecnia.[14]

Conquista de Estados Unidos Los Beatles tomaron su primer vuelo a Estados Unidos el 7 de febrero de 1964,[10] acompañados por fotógrafos y periodistas (incluída Maureen Cleave) para cubrir el evento. Arribaron en el recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York, donde fueron recibidos por cerca de 3.000 fans.[cita requerida] Hicieron su primera aparición televisiva americana en el The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por Los Beatles al arribar en el aeropuerto JFK (Nueva aproximadamente 74 millones de York), el 7 de febrero de 1964. espectadores —casi la mitad de la población estadounidense de entonces—.[20] Dos días más tarde, el 11 de febrero de 1964, actuaron en el Washington Coliseum de la capital de Estados Unidos, en lo que fue el primer concierto que dieron en suelo americano.[10] Después del éxito que los Beatles estaban teniendo en 1964, Vee-Jay Records y Swan aprovecharon los derechos que poseían sobre las primeras grabaciones del grupo, para volverlas a editar; todos estos temas alcanzarían esta vez el Top-10 estadounidense. Tres sencillos publicados por Capitol Records de Canadá (que empezó a editar discos de los Beatles en febrero de 1963) fueron importados a los Estados Unidos, vendiendo la suficiente cantidad como para lograr subir a las listas estadounidenses. Uno de ellos, "Love Me Do", fue editado después por el subsello de Vee Jay, Tollie Records, logrando alcanzar el nº 1 en las listas.[14] (MGM y Atco sacaron también provecho de sus derechos sobre las tempranas grabaciones de los Beatles con Tony Sheridan, teniendo éxitos menores con "My Bonnie" y "Ain't She Sweet", esta última con John Lennon como vocalista principal). Esta publicación de los discos de los Beatles hizo que se le diera una nueva dimensión al éxito del grupo en las listas musicales: el 4 de abril de 1964, los Beatles monopolizaron las posiciones del Top 5 de la lista de los Hot 100 de Billboard[21] y la del Top 100 de Cashbox.[22] A la semana siguiente, un total de 14 canciones de los Beatles ocuparon la lista Hot 100 del semanario Billboard;[23] un caso sin precedentes, y que no volvió a repetirse posteriormente. El álbum Introducing... The Beatles, editado por Vee-Jay apresuradamente el 10 de enero de 1964,[cita requerida] volvería a aparecer el 27 del mismo mes en una segunda versión, llegando a alcanzar el n.º 2 en las listas estadounidenses. Este mismo álbum sería editado varias veces más, con diferentes formatos, por Vee Jay, hasta agotar su publicación legal a la que tenía derecho.[10] Después de un litigio entre Capitol y Vee Jay, se llegó a un acuerdo legal en el cual se le reconocía a Vee Jay los derechos sobre el mercado discográfico beatle que poseía en ese

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The Beatles momento hasta el 10 de octubre de 1964; una vez llegado a esta fecha, todos los derechos de las grabaciones de los Beatles en EMI publicadas en Estados Unidos, se le asignaría automáticamente a Capitol Records.[17] El éxito de los Beatles en América hizo que se produciese la denominada Invasión británica: la llegada de una serie de bandas musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de los Beatles.[24] Los Beatles emprendieron a mediados de 1964 su primera gira fuera de Europa y Norteamérica, recorriendo Australia y Nueva Zelanda; Ringo Starr sufrió una amigdalitis y fue reemplazado temporalmente por el batería de estudio Jimmy Nicol. El grupo fue recibido por más de 300.000 seguidores[cita requerida] en el Adelaide Town Hall de la ciudad australiana de Adelaida. Ringo se volvió a reunir con ellos al tiempo que los Beatles arribaban en Nueva Zelanda el 21 de junio de 1964.[25] El 6 de julio de 1964 se estrenó en el Reino Unido la primera película interpretada por los Beatles, A Hard Day's Night.[10] Dirigida por Richard Lester, la película narraba las peripecias por las que pasaba el grupo musical en su camino hacia un programa de televisión en Londres. Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las mejores películas de la historia en su género. Ese diciembre el grupo publicó su cuarto álbum, Beatles for Sale.

Miembros de la Orden del Imperio Británico La Reina Isabel II designó en junio de 1965 a los Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Fueron nominados por el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[14] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia. En julio de 1965 se estrenó la segunda película de la banda, Help!, acompañado por el quinto álbum de mismo título, que hacía de banda sonora del film. El 15 de agosto de 1965, los Beatles actuaron en el Shea Stadium neoyorquino con capacidad para 55.600 espectadores. Fue la primera vez en la historia de la música de este género en que una actuación de estas características se emplazaba en un estadio.[14] El grupo visitó después, el 27 de agosto de 1965, a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air. En diciembre de 1965 se publicó su sexto álbum, Rubber Soul, que mostraba un salto adelante en la maduración y complejidad de la música de la banda.[26]

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Desaire en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo Cuando estuvieron de gira por Filipinas en julio de 1966, los Beatles desairaron sin intención a la primera dama del país, Imelda Marcos, que esperaba que la banda acudiese a una recepción suya para un desayuno dado en el Palacio Presidencial. Cuando se le presentó la invitación a Brian Epstein, éste declinó con buenos modales en nombre del grupo, al no ser norma en ellos de aceptar semejantes invitaciones «oficiales». Pronto descubrieron que el régimen de los Marcos no aceptaban un «no» como respuesta. La noticia del desaire a la primera dama se retransmitió por la televisión y la radio del país, al tiempo que la policía encargada de proteger al grupo había desaparecido súbitamente. Los Beatles y su séquito tuvieron que desplazarse por sí mismos hacia el aeropuerto de Modelos de bajo y guitarra solista que solían usar → Paul McCartney y → Manila, sin protección alguna. En el aeropuerto, fueron George Harrison, respectivamente. empujados y golpeados por una multitud hostil. Una vez abordado el avión, a Epstein y Evans se les ordenó bajar de nuevo del aparato. Epstein fue obligado a devolver todo el dinero que habían ganado allí, antes de permitírsele volver a subir al avión junto a Evans. Tan pronto como volvieron de Filipinas, se encontraron con la reacción furibunda de grupos religiosos y conservadores de Estados Unidos a un comentario de Lennon hecho el marzo pasado. En una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[27] Lennon había opinado que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que los Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo. Poco después, una estación de radio de Birmingham, Alabama, hizo circular la historia de la quema de discos de los Beatles, en lo que se consideraba era una broma. Sin embargo, alguna gente afiliada con las iglesias rurales del sur de Estados Unidos empezó a tomarse en serio dicha historia, comenzando a quemar los discos de los Beatles en plazas públicas de varias ciudades estadounidenses como protesta al comentario de Lennon. Bajo la intensa presión de los medios de comunicación de aquel país, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966,[10] víspera de la primera actuación del grupo en la que llegaría a ser la última gira que darían los Beatles en su carrera. La promoción del álbum de Capitol Yesterday and Today llegó a causar gran controversia en Estados Unidos, al mostrar el disco una portada con los miembros de la banda vestidos de carniceros y rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Pronto se tuvo que sustituir la portada por otra más convencional. Elvis Presley llegó aparentemente a desaprobar a los Beatles por su activismo contra la guerra de Vietnam y el uso de las drogas por parte de la banda, aconsejando posteriormente al presidente estadounidense Richard Nixon que prohibiera a los cuatro miembros del grupo su entrada en Estados Unidos.

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El Sgt. Pepper's y el Álbum Blanco Para las sesiones de grabación de Revolver, se introdujo por primera vez el truco de las cintas de bucle (o loops) y un temprano sistema de sampleado en las canciones del álbum. El 29 de agosto de 1966, los Beatles dieron la última actuación de su carrera en el estadio de Candlestick Park de San Francisco.[14] Desde entonces, el grupo decidió concentrarse en la grabación de sus discos. Menos de siete meses después de grabar Revolver, la banda volvió a los estudios Abbey Road el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, publicado el 26 de mayo[28] de 1967.

Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, que inspiraría la famosa canción del cuarteto.

El 25 de junio de 1967 aparecieron los Beatles en un fragmento de Our World, el primer programa retransmitido via satélite para todo el mundo. El grupo fue visto interpretando en vivo el tema "All You Need Is Love" en los estudios Abbey Road, aunque parte de la música que servía de acompañamiento al tema había sido grabada y mezclada previamente, durante cinco días, en el estudio.[14] El 24 de agosto de 1967, los Beatles visitaron por primera vez al Maharishi Mahesh Yogi en el hotel de Londres → George Harrison (derecha), acompañado por un donde se hospedaba. Unos días más periodista, en los estudios Abbey Road, Londres, 1967. tarde viajaron a Bangor, al norte de Gales, para atender durante un fin de semana una conferencia de «iniciación» que impartía allí el Maharishi.[29] Cada miembro del grupo recibió del Maharishi un mantra. Fue en Bangor donde los Beatles recibieron la noticia de la muerte de Brian Epstein, de 32 años, a consecuencia de una sobredosis aparentemente accidental de estimulantes y barbitúricos. A finales de 1967, recibieron la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su película para televisión Magical Mystery Tour. El filme había sido mostrado en blanco y negro el 26 de diciembre de 1967,[30] de ahí que la crítica no pudiese valorarla en su totalidad, pues el color era parte fundamental de la película. Fue repetida por la televisión, esta vez en color, el 5 de enero de 1968. La banda sonora del film fue editada como doble EP en el Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos aparecería como LP, después de habérsele añadido los sencillos publicados en 1967.

The Beatles El grupo se fue a principios de 1968 a Rishikesh, la India, a estudiar meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi. El tiempo que pasaron en el lugar de la meditación con el Maharishi fue muy productivo desde el punto de vista musical, ya que muchas de las canciones allí compuestas por Lennon, McCartney y Harrison, serían las que después se grabarían para sus dos siguientes álbums. Después de su vuelta, Lennon y McCartney marcharon a Nueva York para anunciar la formación de Apple Corps. La banda estuvo a mediados de 1968 ocupada grabando el doble álbum The BEATLES (popularmente conocido como el Álbum Blanco debido a su funda totalmente blanca). Estas sesiones fueron el comienzo de la aparición de profundas divisiones dentro del grupo, con Starr abandonando temporalmente la banda, lo que hizo que el grupo siguiese adelante con McCartney tocando la batería en los temas "Martha My Dear", "Wild Honey Pie", "Dear Prudence" y "Back in the USSR". Entre otras causas de disensión dentro de la banda estaba que la nueva novia de Lennon, Yoko Ono, estuviera casi siempre presente al lado de él en las sesiones de grabación, y que a los demás les pareciera que McCartney estuviera demasiado dominante dentro del grupo. La división interna era un pequeño pero creciente problema en la banda: esto se reflejó notablemente en la dificultad de Harrison en poder añadir más canciones suyas en los álbums de los Beatles. Desde el punto de vista del negocio, Lennon, Harrison y Starr querían al mánager neoyorquino Allen Klein para hacerse cargo de los asuntos de los Beatles; sin embargo, McCartney quería al hombre de negocios Lee Eastman (el padre de su entonces novia Linda).[31] Todas las decisiones del grupo en el pasado fueron unánimes, pero esta vez los cuatro no se podían poner de acuerdo; los tres miembros pensaron que Eastman iba a poner los intereses de McCartney por encima de los del grupo.

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El proyecto de Let It Be y la separación En enero de 1969, los Beatles empezaron un proyecto fílmico que documentaba la creación de su próximo álbum, originalmente titulado Get Back. Durante las sesiones de grabación, la banda dio su última actuación en vivo en la azotea del edificio de Apple en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[14] Gran parte de la actuación fue filmada, siendo incluida posteriormente en la película Let It Be. El proyecto fue archivado temporalmente, y los Beatles se concentraron en grabar su último álbum, Abbey Road, en el verano de 1969. El 20 de agosto de 1969 fue la última vez que los cuatro miembros de los Beatles coincidieran juntos en el mismo estudio,[10] con ocasión de finalizar la grabación de "I Want You (She's So Heavy)". Lennon anunció el 20 de septiembre su salida del grupo a sus compañeros, pero acordó no hacerlo público hasta que se resolvieran algunos asuntos legales pendientes de la banda. La última Edificio de Apple en el 3 de Savile Row, en la canción nueva de ellos fue el tema de actualidad. Harrison "I Me Mine", grabada el 3 de enero de 1970 e incluida en el álbum Let It Be. Fue grabada sin Lennon, quien se encontraba por entonces en Dinamarca.[14] El 22 de marzo de 1970, las cintas de las sesiones de Get Back fueron dadas al productor americano Phil Spector, quien ya había producido el sencillo de Lennon "Instant Karma!".[10] El «muro de sonido» empleado por Spector en el álbum iría en contra de la idea original que tuvieron los Beatles sobre el disco, que habían pensado presentarlo con un sonido desnudo de cualquier adorno musical. McCartney estaba profundamente insatisfecho sobre todo con el tratamiento que Spector le había dado a su canción "The Long and → John Lennon cantando "Give Peace a Chance", Winding Road", tratando de parar sin éxito 1969. la publicación de esa versión del tema en el álbum. Al final, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de

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The Beatles 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney.[10] Las primeras copias incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de los Beatles y su esperanza cara al futuro. El 8 de mayo de 1970 se publicó la versión producida por Spector de Get Back con el título de Let It Be,[10] siguiéndole el estreno de la película de mismo nombre. McCartney reclamó la disolución de los Beatles el 31 de diciembre de 1970,[32] terminando definitivamente con la carrera de la banda, aunque la disolución de la asociación de los Beatles no se produciría hasta 1975.[33]

Después de la separación Poco antes, y después de la separación oficial del grupo, cada uno de los Beatles publicaron álbums en solitario. Algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones separadas. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de una inédita jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos. En 1975 había expirado el contrato que existía entre los Beatles y EMI, lo que hizo que Capitol buscara pronto el beneficio del vasto material musical que poseía del grupo. Así, liberado del control creativo de la banda sobre su música, editaría cinco LP: Rock 'n' Roll Music (un recopilatorio de sus temas más rockeros), The Beatles at the Hollywood Bowl (que contenía partes de dos actuaciones del grupo de 1964 y 1965 en el Hollywood Bowl), Love Songs (una recopilación de sus baladas más románticas), Rarities (una recopilación de temas que nunca habían aparecido hasta entonces en algún álbum original de los Beatles), y Reel Music (un recopilatorio de canciones de sus cinco películas). También se había publicado Live! at the Star Club in Hamburg, Germany; 1962, un álbum no perteneciente a Capitol o EMI, y que era una grabación rudimentaria de una actuación del grupo en el Star Club de Hamburgo. De todos estos LPs, solo el del Hollywood Bowl había obtenido la aprobación de los ex miembros de la banda. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo de Capitol-EMI al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987. El 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, John Lennon fue asesinado de cuatro disparos por Mark David Chapman en la entrada del edificio Dakota, en la ciudad de Nueva York. Antes, aquella tarde, el músico había autografiado su LP Double Fantasy para Chapman, que había seguido a Lennon desde el mes de octubre. En mayo de 1981, George Harrison publicó "All Those Years Ago", un tema compuesto originalmente para Ringo Starr. La canción fue grabada un mes antes de la muerte de Lennon, con Starr a la batería, y su letra reescrita posteriormente para editarla como tributo a Lennon. Paul y Linda McCartney contribuyeron después a las segundas voces.[10] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo a Lennon en la canción "Here Today". En 1988, los Beatles fueron incluídos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,[24] a la que asistieron Harrison, Starr, y la viuda de Lennon,

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The Beatles Yoko Ono. McCartney no había asistido, aduciendo como motivo en una nota de prensa «dificultades sin resolver» con Harrison, Starr y la sucesora de Lennon.

Anthology y One (1) En febrero de 1994, los tres Beatles supervivientes se reunieron para producir y añadir música a unas grabaciones caseras de Lennon. "Free as a Bird" debutó como parte de la serie documental para televisión The Beatles Anthology, publicándose como sencillo en diciembre de 1995, siguiéndole "Real Love" en marzo de 1996. Estas canciones fueron incluidas en una colección de CDs titulados Anthology, y numerados del 1 al 3, editados en 1995 y 1996. Cada uno consistía en un doble CD con material musical inédito de los Beatles. El concepto de la portada de los discos de Anthology fue dirigido por Klaus Voormann, quien conocía al grupo desde los días de Hamburgo, y el que había ilustrado la portada del álbum Revolver en 1966. En su primer día de publicación, Anthology 1 vendió 450.000 copias. En 2000, fue editado el álbum recopilatorio 1, que reunía casi todos los números 1 de la banda desde 1962 a 1970. El recopilatorio vendió 3,6 millones de copias en su primera semana (una media de 3 por segundo) y más de 12 millones en tres semanas a nivel mundial. Alcanzó el número 1 en Estados Unidos y otros 33 países, vendiendo para el año 2005 25 millones de copias (convirtiéndose así en el noveno álbum más vendido de la historia discográfica).

Fallecimiento de Harrison y proyectos recientes Para 1997, George Harrison había desarrollado un cáncer de garganta, que fue descubierto casualmente al serle analizado un bulto aparecido en su cuello. Cuatro años después, en marzo de 2001, el cantante estuvo bajo intervención quirúrgica por un brote canceroso que se le había detectado en uno de sus pulmones. En julio de ese mismo año, tuvo que ser tratado con radioterapia de un tumor cerebral en una clínica suiza, tratamiento que continuaría después en un hospital de Nueva York. A pesar de todos los tratamientos y operaciones a los que tuvo que asistir, Harrison fallecería a causa de su enfermedad el 29 [34] de noviembre de 2001 en su mansión de Hollywood Hills, Los Ángeles, California. El certificado oficial determinaba que el músico había fallecido «de una metástasis de cáncer de pulmón». George Martin y su hijo Giles Martin remezclaron las grabaciones originales de los Beatles para crear el disco con la banda sonora que acompañase a la producción teatral de Cirque du Soleil, titulado Love y editada en 2006. The Beatles: Rock Band, un videojuego basado en las canciones de los Beatles, esta planeado en publicarse el 9 de septiembre de 2009,[35] al igual que la reedición de la discografía oficial inglesa remasterizada y presentada en sus versiones monoaural y estereofónica.[36]

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The Beatles

Discografía oficial • The Beatles es el grupo con más discos vendidos en toda la historia, más de 1.000.000.000 de discos en todo el mundo —contando sencillos, EPs, y álbums—, de los cuales 400.000.000 de ellos los vendió durante 1962-1970. • The Beatles tienen el récord de tener 6 discos con ventas superiores a los 10.000.000: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, The Beatles, Abbey Road, 1962-1966, 1967-1970, y 1. • The Beatles tienen más números 1 que ninguna otra banda (19 en los Estados Unidos y 18 en el Reino Unido). • Tienen el récord de tener más semanas un número 1 (174 en el Reino Unido y 132 en Estados Unidos). • Poseen el récord de la mayor venta de un álbum doble (Anthology 1, que vendió 855.473 copias en los Estados Unidos desde el 21 de noviembre al 28 de noviembre de 1995). • En el año 2000, con el lanzamiento de 1, lograron vender 13.000.000 de discos en 4 semanas (récord mundial); y es el CD más vendido de la década y del nuevo milenio con casi 30.000.000 de ventas.

Canon discográfico • • • • • • • • • • • • • • •

Please Please Me (1963) With The Beatles (1963) A Hard Day's Night (1964) Beatles for Sale (1964) Help! (1965) Rubber Soul (1965) Revolver (1966) Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) Magical Mystery Tour (1967) The Beatles (1968) Yellow Submarine (1969) Abbey Road (1969) Let it Be (1970) Past Masters - Volume One (1988) Past Masters - Volume Two (1988)

Otros discos oficiales • • • • • • • •

1962-1966 (1973) 1967-1970 (1973) Live at the BBC (1994) Anthology 1 (1995) Anthology 2 (1996) Anthology 3 (1996) Yellow Submarine Songtrack (1999) 1 (2000)

• Let It Be... Naked (2003) • Love (2006)

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The Beatles

Recopilaciones especiales • The Capitol Albums Vol. 1 (2004) • The Capitol Albums Vol. 2 (2006)

Películas Durante sus 8 años juntos, Los Beatles aparecerían en cinco películas: • • • • •

A Hard Day's Night, 6 de julio de 1964. Help!, 29 de julio de 1965. Magical Mystery Tour, 26 de diciembre de 1967. Yellow Submarine, 6 de junio de 1968. Let It Be, 13 de mayo de 1970.

Versiones de canciones de los Beatles A lo largo de la historia muchas bandas han hecho varias versiones de las canciones de los Beatles y han ofrecido varios conciertos tributos.

Canciones originales de los Beatles en el cine • Shampoo es una película estadounidense dirigida por Hal Ashby en 1975 e interpretada, entre otros, por Warren Beatty, Julie Christie y Goldie Hawn, y en cuya banda sonora aparecen, entre otras canciones de grupos musicales de los años sesenta, dos canciones originales de los Beatles ("Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y "Lucy in the Sky with Diamonds"). • A Bronx Tale es una película estadounidense dirigida por el actor Robert De Niro en 1993 e interpretada, entre otros, por el propio Robert De Niro y Chazz Palminteri, y en cuya banda sonora aparece, entre otras muchas canciones, la canción original de los Beatles "Come Together".

Véase también • • • • • • •

Lista de canciones de The Beatles y sus compositores → Stuart Sutcliffe → Pete Best The Beatles' 1965 USA Tour Lennon/McCartney The Beatles 1965 European Tour Conciertos de The Beatles

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The Beatles

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre The Beatles.Commons • Portal oficial de The Beatles [2] (en inglés) • Página Web de The Beatles [37] (en español)

Referencias [1] Unterberger, Richie. « The Beatles - Biography (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:hifrxqw5ldse)». allmusic. Consultado el 25-04-2008. [2] http:/ / www. beatles. com [3] Shelokhonov, Steve. « Biography for The Beatles (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm1397313/ bio)». IMDb. Consultado el 24-01-2008. [4] « The American Recording Industry Announces its Artists of the Century (http:/ / www. riaa. com/ newsitem. php?news_year_filter=1999& resultpage=2& id=3ABF3EC8-EF5B-58F9-E949-3B57F5E313DF)». RIAA (10-11-1999). Consultado el 24-01-2008. [5] « The Immortals: The First Fifty (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 5939214/ the_immortals_the_first_fifty)». Rolling Stone (24-marzo-2004). Consultado el 04-07-2009. [6] « The Beatles: Biography (http:/ / www. rollingstone. com/ artists/ thebeatles/ biography)». Rolling Stone. Consultado el 24-01-2008. [7] « The RS 500 Greatest Albums of All Time (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 5938174/ the_rs_500_greatest_albums_of_all_time/ )». Rolling Stone (18-noviembre-2003). Consultado el 04-07-2009. [8] « The Top 1000 Artists of All Time (http:/ / acclaimedmusic. net/ Current/ 1948-09art. htm)». Acclaimedmusic.net. Consultado el 14-12-2007. [9] Unterberger, Richie. « The Beatles - Biography (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& sql=11:hifrxqw5ldse~T1)». allmusic. Consultado el 05-07-2009. [10] Sierra i Fabra, Jordi (1995). Diario de los Beatles. Toda su historia día a día. Plaza & Janés. ISBN 84-01-37552-5. [11] Dave Persails (1996). « The Beatles: What's in a Name? (http:/ / abbeyrd. best. vwh. net/ named. htm)». Consultado el 05-07-2009. [12] Doyle, Catherine E. (1997). « From Blackjacks to Beatles: How the Fab Four Evolved (http:/ / abbeyrd. best. vwh. net/ namec. htm)». Consultado el 05-07-2009. [13] Primer viaje a Hamburgo - 1960 (http:/ / www. beatles. ws/ 1960. htm) Consultado el 06-07-2009 [14] Harry, Bill (2000). The Beatles — Encyclopedia. Revised and updated. Virgin Publishing Ltd. ISBN 0 7535 0481 2. [15] Fontenot, Robert. « About.com: Oldies Music (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm1397313/ bio)». Consultado el 06-07-2009. [16] « The 'drop-T' Logo (http:/ / www. beatlesbible. com/ features/ drop-t-logo/ )». The Beatles Bible. Consultado el 06-07-2009. [17] « The Beatles on Vee Jay (http:/ / www. dermon. com/ Beatles/ Veejay. htm)». Consultado el 06-07-2009. [18] Fontenot, Robert. « About.com: Oldies Music (http:/ / oldies. about. com/ od/ britishinvasion/ a/ holdyourhand. htm)». Consultado el 06-07-2009. [19] « CASH BOX Top 100 Singles (http:/ / cashboxmagazine. com/ archives/ 60s_files/ 19640125. html)». Consultado el 06-07-2009. [20] Kozinn, Allan (06-febrero-2004). « CRITIC'S NOTEBOOK; They Came, They Sang, They Conquered (http:/ / www. nytimes. com/ 2004/ 02/ 06/ movies/ critic-s-notebook-they-came-they-sang-they-conquered. html?scp=3& sq=Beatles+ Ed+ Sullivan+ show& st=nyt)». The New York Times. Consultado el 07-07-2009. [21] « The Beatles Dominate the BILLBOARD Hot 100 in April 1964 (http:/ / blog. beatletracksband. com/ 2008/ 11/ 05/ beatles-dominate-the-billboard-hot-100-in-april-1964. aspx)». Beatle Tracks Band (11-05-2008). Consultado el 06-07-2009. [22] « CASH BOX Top 100 Singles (http:/ / cashboxmagazine. com/ archives/ 60s_files/ 19640404. html)». Consultado el 06-07-2009. [23] « Billboard Hot 100 (http:/ / www. mybeatles. net/ charts. html)». Consultado el 06-07-2009. [24] « Rock and Roll Hall of Fame + Museum (http:/ / www. rockhall. com/ inductee/ the-beatles)». Consultado el 07-07-2009. [25] « The Beatles in New Zealand (http:/ / www. nzhistory. net. nz/ culture/ beatles)». New Zealand History online. Consultado el 07-07-2009.

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John Lennon

John en 1969 Información personal Nombre

John Winston Lennon

Nacimiento

9 de octubre de 1940 Liverpool, Inglaterra

Muerte

8 de diciembre de 1980 (40 años) Nueva York, Estados Unidos

Cónyuge(s)

Cynthia Powell (1962-1968) Yōko Ono (1969-1980)

Hijo(s)

Julian Lennon Sean Lennon

John Lennon

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Alias

Dr Winston O'Boogie, Mel Torment, The Reverend Fred Gherkin

Género

Rock rock psicodelico rock experimental

Instrumento(s)

Voz, guitarra, piano, armónica, multi-instrumentista

Período de actividad

1957-1976, 1980

Discográfica(s)

Parlophone, Capitol, Apple, CBS, EMI

Artistas relacionados

→ The Beatles

The Quarry Men Plastic Ono Band Web Sitio web

www.johnlennon.com

[1]

John Lennon (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 – Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980) es el nombre artístico de John Winston Lennon, uno de los más famosos músicos y compositores de música pop y rock del siglo XX, tanto en los años 60, al frente del grupo → The Beatles, probablemente el más influyente de la historia de la música popular, como en los setenta, ya en solitario. El 22 de abril de 1969 añadió a su nombre el de su esposa, la música y artista conceptual Yōko Ono, pasando a llamarse John Winston Ono Lennon. En The Beatles, Lennon cantaba y tocaba principalmente la guitarra rítmica, la armónica y el piano, además de otros instrumentos de teclado y, por ejemplo, el banjo, y firmó además la mayor parte del material junto a su compañero → Paul McCartney, aunque en realidad en la mayoría de los casos trabajaron por separado. Muchas de estas composiciones, dada la repercusión mundial del grupo, se han convertido en algunas de las melodías más conocidas del siglo XX. Lo mismo puede decirse de las canciones de su etapa en solitario, entre las que cabe destacar "Imagine", convertido desde el principio en un himno pacifista conocido en todo el mundo. Lennon fue asesinado por un fan en 1980.

Biografía John Winston Lennon nació en Liverpool, Reino Unido, el 9 de octubre de 1940, durante un bombardeo aéreo nazi. De ahí que, en un gesto de patriotismo, sus padres le impusieran como segundo nombre el del Primer Ministro británico en ese momento, Winston Churchill. Su padre, Alfred Lennon, abandonó a su mujer, Julia Stanley, y a su hijo recién nacido, enrolándose en un mercante con destino a Estados Unidos para evitar ser movilizado por el ejército británico y enviado a la guerra. Tras cumplir John los cinco años sin que su padre diese señales de vida, su madre volvió a casarse con un hombre que no deseaba criar a un hijo del anterior matrimonio de su esposa, por lo que Julia dejó a John al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, de quien John recordaría que le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. No obstante, Julia no abandonó nunca a su hijo, a quien visitaba frecuentemente en casa de la "tía Mimi", y de hecho fue su madre quien le inculcó a Lennon el gusto por la música e, incluso, le enseñó a tocar algún instrumento. El enorme amor que John siempre tuvo por su madre compitió muy de cerca con el que tuvo por su tía Mimi, que

John Lennon

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lo había criado: años después, cuando fue nombrado Miembro del Imperio Británico junto con los otros tres miembros del grupo, John regaló la condecoración a su tía, quien la tuvo en su propiedad con gran orgullo (colgada en la pared, sobre el televisor) hasta su muerte. Cuando John tenía diecisiete años, su madre murió en un accidente de tráfico, atropellada por un policía ebrio. Este hecho causó en Lennon un trauma del que nunca llegó a recuperarse, que reflejaría por ejemplo en dos de sus composiciones, "Julia" (1968) y "Mother" (1970), en la que entremezcla el dolor por la pérdida de su madre cuando más la necesitaba y el abandono por parte de su padre. De éste no volvería a saber hasta que, habiendo alcanzado ya fama mundial con The Beatles, reapareció en su vida cuando trabajaba de camarero en un hotel. John aceptó el reencuentro con alegría y se ocupó de él económicamente hasta su fallecimiento (en la citada "Mother", Lennon canta "Father, you left me, but I never left you…", "Padre, tú me abandonaste, pero yo nunca te abandoné a ti..."). Durante su juventud, Lennon asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Interesado desde su infancia en la música, antes de formar → The Beatles participó en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos → Stuart Sutcliffe. En 1956, durante una actuación en una fiesta, un amigo común de John y → Paul McCartney, Ivan Vaughan, les presentó. John invitó a Paul a unirse al grupo porque sabía tocar la guitarra y, además, afinarla, lo que llamó su atención. Más tarde entraron en la banda → George Harrison, propuesto por McCartney, y, ante la necesidad de tener un batería propio, → Pete Best, que además era hijo de la propietaria de la sala "The Casbah" y por tanto aportaba una seguridad en la continuidad de sus actuaciones. Posteriormente, tras una prueba en la compañía discográfica Parlophone el productor artístico, George Martin, les sugirió un cambio en el batería y los tres miembros fundadores tomaron la decisión de fichar a → Ringo Starr, entonces batería del grupo Rory Storm. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" ("escarabajos") con la palabra inglesa beat ("ritmo"), por el género que tocaban entonces, la música beat.

The Beatles En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer sencillo, "Love me do", y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría a su primer hijo, Julian, que también se dedicaría a la música. En 1963 el grupo grabó su primer elepé, Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles. A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un Casa en la que vivió Lennon en su niñez en fenómeno de masas a nivel mundial, con una Liverpool, Mendips, 251 Menlove Avenue. enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

John Lennon

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar en una entrevista «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó posteriormente que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa». Ese mismo año, John conoció a la artista plástica japonesa Yoko Ono mientras visitaba una exposición suya en Nueva York. Yoko se convertiría en el gran amor de su vida y ambos contraerían matrimonio, en Gibraltar, 1970, tras haberse divorciado Lennon de Cynthia. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en Estatua de John Lennon en Liverpool la personalidad de Lennon, que cambió su modo de pensar y actuar. Muchos fans consideran a Yoko la causante de la enemistad entre John y Paul, una de las causas que dio lugar a la ruptura del grupo en 1969. Durante ese mismo 1966, Lennon residió durante mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester, con quien ya había trabajado en el rodaje de la primera película de The Beatles, A Hard Day's Night. En esta película Lennon apareció públicamente por primera vez con gafas, ya que hasta entonces se había intentado ocultar a sus fans su necesidad de usarlas. Desde ese momento, sus características gafas redondas se convertirían en una de sus señas de identidad. El 11 de diciembre de 1968 Lennon actuó por primera vez en público sin sus compañeros durante la grabación del especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Lo hizo al frente de The Dirty Mac, una banda efímera creada única y especialmente para la ocasión y en la que también participaron Eric Clapton, Keith Richards y → Mitch Mitchell.

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John Lennon

388 En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon firmó en compañía de McCartney la mayoría de los temas, aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Aunque existen numerosos estudios y libros publicados sobre el tema, es difícil saber hasta qué punto se producía esa participación de cada uno en los temas del otro, existiendo por ejemplo canciones que se sabe compuestas exclusivamente por uno de ellos pero que no obstante también firmaron como Lennon y McCartney. De hecho, años después, McCartney comenzó a acreditar algunas de esas canciones, de su autoría, a McCartney y Lennon.

→ John Lennon y Yoko Ono en Ottawa, Ontario (Canadá), 22 de diciembre de 1969

Los años 1970 En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon, con una cada vez mayor influencia en la juventud de todo el mundo por sus opiniones políticas y su compromiso pacifista y antibelicista, comenzó su carrera en solitario, que con el tiempo incluiría otras nuevas canciones que se convertirían igualmente en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko que tendrían una mínima repercusión Graffiti en el Parque John Lennon de Callao comercial: Unfinished Music No.1: Two (Perú), en el que aparecen el músico y su esposa Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Yoko Ono. Lions y Wedding Album, el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el directo Live Peace in Toronto 1969 a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, en el que, además de Lennon y Ono, participaban otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes. En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, realmente el primer álbum de estudio de Lennon en solitario, con temas como Mother, dedicada a sus padres, Working class hero, que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon, o God, toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial.

John Lennon En 1971 publica un nuevo disco, Imagine, que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista «Imagine». Aunque ya se había hecho patente en algunas de sus primeras composiciones en solitario la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, en las primeras ediciones de este trabajo esto se hizo evidente, ya que en la portada aparecía una fotografía de Lennon sujetando un cerdo, un supuesto insulto hacia McCartney. De hecho, la imagen parodiaba la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero; en dicho álbum de McCartney, la canción "Too Many People" era una mofa a John Lennon.[2] En otro tema del disco, "How do you sleep?" ("¿Cómo puedes dormir?"), también hay claros ataques a su ex compañero.[3] [4] . Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de The Beatles, pero se exacerbaron por ejemplo con canciones como "Power to the people", editada en un sencillo también en 1971. De hecho, cuando en esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, tuvo problemas para tramitar el visado debido a las reticencias del gobierno de Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud, así como por su presunta contribución económica al grupo liberacionista y antirracista de los Panteras Negras. Finalmente consiguió instalarse en la ciudad, desde donde iniciaría varias campañas muy politizadas con conciertos y manifestaciones a favor de la paz y que le valdrían el título de "Persona non grata" en la ciudad. En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie. El tema Whatever gets you through the night, con Elton John en el piano, sería número uno en la lista Billboard. En 1975, y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo.

Muerte y repercusión

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John Lennon

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En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double fantasy, que se abría con el tema "(Just like) starting over". Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo: Milk and honey. Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de ese año, mientras volvía paseando a su apartamento del Edificio Dakota, acompañado de Yoko, tras una sesión de grabación, a manos de Mark David Chapman, un fanático que disparó cinco veces sobre el cantante con un revólver. Cuatro de las balas alcanzaron en la espalda de Lennon, que moría en brazos de su esposa minutos después, a las 23:15, en un coche patrulla de la policía camino del hospital. Años después se rodaría una película, Chapter 27 (El asesino de John Lennon), que relata la historia de Chapman y su llegada a Nueva York para asesinar a Lennon.

Mosaico en memoria de John Lennon en Central Park, Nueva York.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX, Lennon Dibujado elevado por sus seguidores a la categoría de mito, y al que en años posteriores se homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000 su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina Aeropuerto John Lennon. Un

claro

ejemplo

preocupación

por

influencia que el músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006 dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vio obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

Aeropuerto John Lennon en Liverpool.

En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia) llamado Imagine Peace Tower, obra de Yoko Ono quien estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison[5]

John Lennon

Discografía • • • • • • • • • • • • •

Unfinished Music No.1: Two Virgins - 1968 Unfinished Music No.2: Life with the Lions - 1968 Wedding Album - 1969 Live Peace in Toronto 1969 - 1969 John Lennon/Plastic Ono Band - 1970 Imagine - 1971 Some Time in New York City - 1972 Mind Games - 1973 Walls and Bridges - 1974 Rock 'n' Roll - 1975 Double Fantasy - 1980 Milk and Honey - 1984 Live in New York City - 1986

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre John Lennon.Commons

Wikiquote • Wikiquote alberga frases célebres de John Lennon. • Página oficial [6] • Entrevista de Playboy a John Lennon [7] • Recordando a John Lennon [8] Especial de BBC Mundo sobre John Lennon.

Referencias [1] http:/ / www. johnlennon. com/ [2] Revista Playboy (1984). Playboy Prensa (ed.): « Playboy Entrevista con Paul y Linda McCartney (http:/ / www. beatlesinterviews. org/ db1984. pmpb. beatles. html)». Consultado el 2008-08-23. [3] Blaney, John (2005). John Lennon: Listen To This Book, pp. 89. ISBN 0-9544528-1-X. [4] « Lennon - Imagine (http:/ / www. superseventies. com/ lennon2. html)». Consultado el 2007-01-20. [5] Islandia, iluminada por John Lennon (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2007/ 10/ 09/ cultura/ 1191946317. html?a=7f86373a3e68411b1bee785bc173154c& t=1192086972) [6] http:/ / www. johnlennon. com [7] http:/ / taringa. net/ ?postid=104505 [8] http:/ / news. bbc. co. uk/ hi/ spanish/ specials/ 2005/ recordando_a_lennon/

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Paul McCartney James Paul McCartney

Paul McCartney en Praga el 6 de junio de 2004. Información personal Nombre

Sir James Paul McCartney

Nacimiento

18 de junio de 1942 (67 años)

Origen

Liverpool,

Cónyuge(s)

Linda McCartney (1968-1999) Heather Mills (2002- 2008)

Hijo(s)

Heather McCartney Mary McCartney Stella McCartney James McCartney Beatrice Milly McCartney

Ocupación(es)

Cantante, compositor, músico, activista

Inglaterra

Información artística Alias

Percy "Thrills" Thrillington

Género

Rock Pop rock rock experimental Rock psicodélico

Instrumento(s)

Bajo, guitarra, piano, ukelele, mandolina, batería

Período de actividad

1957 – presente

Discográfica(s)

EMI Parlophone Capitol Apple Hear Music

Artistas relacionados

→ The Beatles

Wings The Fireman → John Lennon → George Harrison → Ringo Starr Linda McCartney Yoko Ono → Stuart Sutcliffe

Paul McCartney

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Sitio web

www.paulmccartney.com

[1]

Sir James Paul McCartney, MBE (Liverpool, Inglaterra, 18 de junio de 1942) es un músico multi instrumentista, cantante, compositor, productor musical y activista pro-derechos de los animales. Obtuvo un reconocimiento mundial como miembro del grupo británico → The Beatles, junto a → George Harrison, → John Lennon y → Ringo Starr. Junto a → John Lennon formó una de las parejas de compositores más influyentes de la música contemporánea, escribiendo conjuntamente un extenso catálogo de temas mundialmente conocidos. Tras abandonar el grupo, McCartney empezó una exitosa carrera en solitario y formó el grupo Wings con su mujer, Linda McCartney y el músico Denny Laine. McCartney ha trabajado también como compositor de música electrónica, clásica, temas para películas y también programas de televisión. Ha lanzado, además, un gran catálogo de canciones como artista en solitario, y ha formado parte de muchos proyectos musicales para organizaciones benéficas. McCartney figura en el Libro Guinness de récords mundiales como el músico y compositor más exitoso de la música contemporánea, con sesenta discos de oro y ventas en torno a los 100 millones de copias.[2] Su canción "Yesterday"(Lennon/McCartney) es el tema más versionado en la historia, con cerca de 3.700 versiones, y ha sido radiodifundido más de 7 millones de veces en las televisiones y radios americanas. El sencillo de Wings "Mull of Kintyre" supuso el primer single en vender más de dos millones de copias en el Reino Unido, y sigue siendo el single de carácter no benéfico con más ventas.[3] La compañía de McCartney, MPL Communications, es la propietaria de los derechos de autor de más de tres mil canciones, incluyendo el catálogo musical de Buddy Holly. Además de música, McCartney también ha desarrollado una carrera pictórica y una fuerte tarea como activista a favor de los derechos de los animales, del vegetarianismo y de la condonación de la deuda al Tercer Mundo, en contra las minas antipersona y de la caza de focas, y es impulsor de numerosas iniciativas benéficas en favor de la educación musical como el instituto LIPA. Fue nombrado, junto a los otros Beatles, Miembro del Imperio Británico el 16 de octubre de 1965 por Elizabeth II y Caballero (Sir) el 11 de marzo de 1997.

Biografía 1942-1960: los primeros años Paul McCartney nació en el Hospital Walton de Liverpool, Inglaterra, donde su madre, Mary, había trabajado como enfermera en la sala de maternidad.[4] Tiene un hermano menor, Michael, nacido el 7 de enero de 1944. Paul fue bautizado por la iglesia Católica. Nació en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa, su madre era de la Iglesia Romano Católica. En 1947, comenzó sus estudios en el Stockton Wood Road Primary school. Los continuó en Joseph Williams Junior School, y al cumplir los 11 años se fue a estudiar al prestigiado Liverpool Institute. En 1954, mientras iba en autobús al instituto conoció a → George Harrison, y se hicieron grandes amigos.[5]

Paul McCartney

En 1955 la familia McCartney se traslada a 20 Forthlin Road en Allerton.[6] El 31 de octubre de 1956, Mary McCartney (quien fumaba demasiado) muere por cáncer de mama. Al poco tiempo de perder a su madre conoce a → John Lennon, cuya madre, Julia, también había muerto, atropellada por un policía en estado de ebriedad. Jim, el padre de Paul, había tocado la trompeta y el piano en una banda llamada Jim Mac's Jazz Band en la década de 1920. El quería que sus dos hijos fueran músicos. 20 Forthlin Road ahora como atractivo Después de la muerte de su esposa, Mary, Jim turístico McCartney le dio a su hijo Paul una trompeta plateada, pero Paul decidió cambiar la Framus Zenith (modelo 17) por una guitarra acústica lo que le permitía cantar y tocar al mismo tiempo. Paul McCartney escribió su primera canción, "I Lost My Little Girl", con la Zenith y la guitarra de su padre, una guitarra española, cuando empezó a escribir canciones con → John Lennon. La siguiente canción fue en el piano, y se llamó "When I'm Sixty-Four", canción que recuperaría años más tarde para el aclamado disco Sgt. Pepper's. El 6 de julio de 1957 acudió junto a Ivan Vaughn, amigo suyo y de → John Lennon, a la feria de Woolton Village. En ella tocaban "The Quarry Men", un grupo de fama barrial, donde cantaba John Lennon. Tras ser presentado por Ivan y tocar "Twenty Flight Rock" a modo de prueba, Paul McCartney ingresó en el grupo. Introdujo a → George Harrison en "The Quarry Men", debido a la ausencia de un guitarrista que renunció a la banda, por el cambio de estilo llevado a cabo por John Lennon.

1960-1970: The Beatles En la configuración final del grupo, que pasó a llamarse → The Beatles, Paul McCartney fue el bajista (antes de la salida del bajista → Stuart Sutcliffe él tocaba la guitarra rítmica) y vocalista principal (junto a → John Lennon), así como coautor de parte de las canciones. Como artista multifacético, en el estudio también grabó guitarras, piano y experimentó con instrumentos y sonidos nuevos. Debido a un acuerdo entre McCartney y Lennon, todas las canciones del grupo compuestas por cualquiera de ellos aparecen firmadas como Lennon-McCartney. Sin bien las primeras composiciones son fruto de una colaboración real entre los dos músicos, en las canciones que aparecieron aproximadamente a partir de 1965 era más habitual que cada uno escribiese por separado. A través de las numerosas declaraciones de ambos hay un amplio consenso acerca del grado de autoría de cada uno de los compositores en prácticamente todas las canciones de los Beatles. Por este motivo, McCartney propuso a la viuda de Lennon, Yoko Ono, que las canciones en que él fuera el autor principal fueran firmadas como McCartney-Lennon, petición que fue denegada por ésta en más de una ocasión. Una de las canciones más emblemáticas de McCartney con los Beatles es la balada "Yesterday". Otras canciones populares que compuso en esta época son, entre otras, "Hey Jude", "Get Back", "Lady Madonna" y "The Long and Winding Road".

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1970-1980: Wings El 10 de abril de 1970, tras agrias disputas con sus compañeros de grupo y a pesar de que → John Lennon se había apartado de los Beatles en septiembre de 1969 para iniciar nuevos proyectos, anuncia la disolución del grupo. Una semana después, publica su primer álbum en solitario, McCartney, el cual incluye una nota de prensa en la que habla de sus esperanzas sobre el futuro. En 1971 publica Ram, acreditado a Paul y Linda McCartney. En agosto del mismo año, forma junto al guitarrista Denny Laine y al batería Denny Seiwell el grupo Wings, que publica su primer disco, Wild Life, el 7 de diciembre de 1971. En 1972 se embarca en una gira por universidades de Inglaterra y pequeños estadios de Europa. En febrero del mismo año, su single "Give Ireland Back to the Irish" es censurado en la BBC. En 1973, Paul McCartney consigue su primer número 1 en Estados Unidos con el tema "My Love", del álbum Red Rose Speedway. A finales del mismo año, Paul publica con Wings Band on the Run, uno de los álbumes más destacados de su carrera en solitario. La canción que da título al álbum consiguió el número 1 en las listas estadounidenses. En 1975, el grupo "Wings" volvió a conseguir la primera posición en las listas de Billboard con el tema "Listen to What the Man Said", mientras que en 1976 repitió éxito con otra de sus composiciones más conocidas dentro de Wings, "Silly Love Songs". Entre 1975 y 1976, Paul se embarcó en la gira Wings Over the World, que daría como resultado el disco en directo Wings Over America.

Paul y Linda McCartney en una entrevista, al ser nominados con el Oscar por "Live & Let Die". Dorothy Chandler Pavilion de Los Angeles, 2 de abril de 1974

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En 1977, Wings publicó "Mull of Kintyre", sencillo que permaneció en el número uno de las listas británicas durante nueve semanas y el más vendido hasta que en 1984 "Do They Know It's Christmas" rompió su récord. En 1978, Wings publicó London Town, del cual se extrajo como sencillo "With a Little Luck", que consiguió un nuevo número 1 en la lista Billboard Hot 100. Un año después, en 1979, Paul organizó el Concierto para la Gente de Kampuchea, en el cual reunió a → The Who, Paul McCartney y Linda McCartney en 1976. The Clash, The Pretenders, Queen y más artistas con el fin de recaudar fondos para las víctimas del Régimen de Pol Pot en Camboya.

1980: reacción al asesinato de John Lennon En la mañana del 9 de diciembre de 1980, McCartney se levantó con la noticia del asesinato de → John Lennon a las puertas de su hogar en Nueva York.[7] La muerte de Lennon creó un interés mediático sobre los miembros supervivientes de → The Beatles.[8] La noche del 9 de diciembre, mientras abandonaba un estudio de grabación en Oxford Street, McCartney fue rodeado por periodistas que le preguntaron sobre su reacción a la muerte de Lennon. McCartney contestó: "Estaba muy conmovido, ya sabes, es una noticia terrible", y añadió que había pasado el día en el estudio escuchando nuevo material porque "no quería quedar sentado en casa".[9] Cuando le preguntaron por qué, McCartney contestó: "No tenía ganas". Fue preguntado a continuación cuándo oyó por primera vez las noticias, a lo que Paul contestó: "Por la mañana, en algún momento", y preguntó a los periodistas si todos lo sabían, a lo que contestaron que sí. McCartney dijo entonces: "Qué rollo!, ¿no lo es?".[10] Cuando las declaraciones fueron publicadas, su último gesto fue muy criticado, por lo que McCartney se lamentó. Asimismo, dijo que no había tenido la intención de herir, sino que había una mala interpretación por la pérdida de palabras.[11] Además, recalcó: Hablé con Yoko el día después de que le asesinaran y la primera cosa que dijo fue: "John te tenía mucho aprecio". La última conversación que tuve con él éramos aún buenos compañeros. Siempre fue un hombre muy cálido. Solía bajar sus gafas, aquellas gafas de abuela, y decía: "Soy sólo yo". La fachada era sólo un muro. Un escudo. Esos son los momentos que más aprecio.[12] En 1983, McCartney dijo: No habría sido tan típicamente humano y tan reservado si hubiera sabido que John iba a morir. Habría hecho un mayor esfuerzo por entrar dentro de esa "máscara" y tener una mejor relación con él".[12] En una entrevista a Playboy en 1984, McCartney comentó que había ido a casa aquella noche y visto las noticias de televisión junto a sus hijos y que había llorado toda la noche. Su última conversación telefónica con Lennon y Yoko, antes de la publicación de Double Fantasy, fue cordial. Durante la llamada, Lennon comentó irónicamente: "¡Esta ama de casa quiere una carrera!".[9] [13]

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Paul McCartney En el filme "The Linda McCartney Story" se puede apreciar que Paul y Linda habian visitado a John y Yoko en una Navidad, las hostilidades que tenian desde la disolucion del grupo se habian acabado y que preveian la posibilidad de tocar algun dia juntos, tambien en la pelicula se puede ver que Paul sufre demasiado con la muerte de John. McCartney continuó grabando tras la muerte de John Lennon, si bien no llevó a cabo ningún concierto durante varios años. Al respecto, Paul comentó que se sentía inseguro sobre un escenario, con miedo a ser asesinado.[11] [14] Ello condujo a desacuerdos con Denny Laine, quien quería continuar ofreciendo conciertos, por lo que abandonó Wings.[] [15]

En 1981, seis meses después del asesinato de Lennon, McCartney colaboró con → George Harrison y → Ringo Starr en "All Those Years Ago", tributo de Harrison a su compañero fallecido. Tiempo después, McCartney haría lo mismo a través del tema "Here Today".

1980-1990: en solitario En 1980, publicó McCartney II, álbum que contiene la canción "Coming Up" cuya versión en vivo "Coming Up (Live at Glasgow)" y tomada de la gira europea con Wings volvió a colocar a Paul en la primera posición del Billboard Hot 100. En 1982, publicó Tug of War, el cual cuenta con la producción de George Martin y la colaboración de → Ringo Starr. En el disco se incluye su tributo personal a → John Lennon, "Here Today", así como un dúo con Stevie Wonder en el tema "Ebony and Ivory", aclamada melodía "antiracial" que en el verano llegó a primer lugar en Estados Unidos. Antes de terminar el año, Paul colaboró en los sencillos "The Girl Is Mine", incluido en el álbum Thriller (1982) de Michael Jackson, y en "Say, Say, Say", nuevamente junto a Michael Jackson e incluido en su álbum Pipes of Peace (1983). En 1984, Paul escribe y dirige la película Give My Regards to Broad Street. El tema "No More Lonely Nights" alcanza el número 1 en las listas británicas, a pesar del fracaso de la película. A finales de año, editó el tema infantil "We All Stand Together" para la película de dibujos animados Rupert and the Frog Song. En la segunda mitad de la década, Paul comienza a colaborar con nuevos artistas. Junto a Eric Stewart grabará la mayoría de las canciones que compondrán su álbum Press To Play (1986). Sin embargo, será junto a Elvis Costello con quien conseguirá un éxito relativo en sus álbumes Flowers in the Dirt (1989), que entra directamente en el número 1 de las listas británicas, y Off the Ground (1993). A finales de 1989, Paul McCartney se embarca en su primera gira mundial. En dicha gira actuó de nuevo en España casi 25 años después de sus conciertos en Madrid y Barcelona con → The Beatles en 1965. En concreto fueron dos conciertos, los días 2 y 3 de noviembre de 1989, en el Palacio de los Deportes de Madrid. Estos conciertos comenzaban con una proyección en una pantalla dividida en tres partes, con fragmentos de la historia musical de Paul, destacando las referencias a The Beatles. Además de canciones de su etapa individual, fueron especialmente celebradas las piezas de la etapa de Beatles, interpretando entre otras "Yesterday", "Penny Lane", "Let it Be", "The Fool on the Hill", etc. Curiosamente no cantó ninguna canción de las compuestas por → John Lennon. El concierto concluia de forma espectacular, tras varias propinas, con la parte final de la segunda cara del disco Abbey Road, esto es, la suite de canciones enlazadas que terminan con "The End".

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1990-2000 En la década de los 90, Paul McCartney se abrirá camino en nuevos campos de la música: en 1991, la Orquesta Filarmónica de Liverpool pidió a McCartney una pieza para conmemorar el 150 aniversario de su fundación. El resultado fue Liverpool Oratorio, compuesto junto a Carl Davis. Otras incursiones de Paul en la música clásica son Standing Stone (1997), Working Classical (1999) y Ecce Cor Meum (2006). Junto a Martin Glover, edita bajo el seudónimo "The Fireman" (en español: "El Bombero") dos discos de música ambiental: Strawberries Oceans Ships Forest (1993) y Rushes (1998). En el 2000, edita Liverpool Sound Collage junto a Super Furry Animals. Tras una nueva gira mundial en 1993, Paul se reúne en el estudio de grabación con → George Harrison y → Ringo Starr para trabajar en el proyecto The Beatles' Anthology y completar dos demos de → John Lennon, "Free As A Bird" y "Real Love". Ambos temas, al igual que el documental que narra la vida de → The Beatles a través de entrevistas concedidas por sus protagonistas, consiguen un éxito sin precedentes y resucita la Beatlemanía para acercarla a las nuevas generaciones. En 1997 publica Flaming Pie, que alcanza el número 2 en Estados Unidos y el Reino Unido y es nominado como álbum del año al Grammy. El 11 de marzo de 1997 es nombrado Caballero por la Reina Isabel II del Reino Unido, y en 1999 es incorporado como solista en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Sin embargo, sufre un duro golpe el 17 de abril de 1998 con la muerte de su mujer Linda McCartney a causa de un cáncer de mama. A pesar de un parón musical, graba el álbum Run Devil Run, en el que retorna a sus raíces musicales e interpreta temas clásicos de Elvis Presley, Gene Vicent y Chuck Berry, al cual siguió un concierto en The Cavern retransmitido por Internet.

2000 – presente En el año 2001 publicó Wingspan, un documental que narra la historia de Wings. El mismo año sale a la luz su nuevo disco de estudio, Driving Rain. Igualmente, Paul compuso el tema "Vanilla Sky", nominada al Oscar a la mejor canción original, para la película homónima. El 20 de octubre de 2001 se suma a The Concert for New York City, en homenaje a las víctimas de los atentados del 11-S. Apenas un mes más tarde, el 29 de noviembre de 2001, → George Harrison fallece víctima de un cáncer. Un año después, el 29 de noviembre de 2002, participó en el concierto homenaje a su compañero interpretando "Something" con un ukelele, además de "All Things Must Pass", "For You Blue" y "While My Guitar Gently Weeps".

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Durante la mayor parte de 2002 se vio envuelto en una extensa gira mundial que le llevó a Estados Unidos, México y Japón. En 2003 llevó su directo a Europa, incluyendo un concierto en la Plaza Roja de Moscú el 24 de mayo que posteriormente fue utilizado como documental y editado en DVD. Nuevamente, en verano de 2004 visitó 14 ciudades europeas en su gira '04 Summer Tour, iniciada el 25 de mayo en Gijón, España. La gira finalizó en el festival de Glastonbury, Inglaterra, el 26 de junio, donde interpretó un Paul McCartney en el Live 8 en 2005. "Follow Me" como adelanto de su siguiente trabajo de estudio. El 2 de julio de 2005 fue el encargado de abrir el megaconcierto Live 8 en Hyde Park con el tema "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" junto a U2 y de clausurarlo con "Hey Jude". El 12 de septiembre de 2005 publicó el álbum Chaos and Creation in the Backyard, producido por Nigel Godrich, en el que toca de nuevo la mayoría de los instrumentos, sorprendiendo con un sonido intimista y un álbum en general aclamado por la crítica musical. Cuatro días después, inicia una gira de promoción que le llevará a 37 ciudades de Estados Unidos. El 17 de mayo de 2006 anuncia en su página oficial su separación de Heather Mills. Tras meses como noticia en los tabloides sensacionalistas británicos debido al agrio divorcio, anuncia a principios de 2007 un nuevo contrato con el sello discográfico Hear Music, del grupo Starbucks, en el cual lanza el 4 de junio su nuevo disco de estudio, Memory Almost Full. Para la promoción del álbum, McCartney tocó en pequeños clubes de Londres, Los Ángeles y Nueva York, aparcando su próxima gira mundial hasta 2008. El 25 de septiembre de 2006, McCartney publicó su cuarto álbum de música clásica, Ecce Cor Meum. Su letra alterna el latín y el inglés, y la parte coral es interpretada por un coro de niños y adultos. El disco entró directamente en el puesto 1 de las listas de álbumes clásicos el 14 de octubre de 2006. El 3 de mayo de 2007, Ecce Cor Meum fue premiado como mejor disco en la gala de los Classical Brits celebrada en el Royal Albert Hall de Londres. El premio fue votado por los oyentes de Classic FM y los lectores de la revista homónima, compitiendo por el premio con Katherine Jenkins, Alfie Boe y Sting. El 26 de junio de 2007, Paul McCartney figuró como invitado, junto a su compañero de → The Beatles → Ringo Starr y las viudas de → George Harrison y → John Lennon, Olivia Harrison y Yoko Ono respectivamente, en el programa de la CNN Larry King Live, para conmemorar el primer aniversario del espectáculo "Love" del Cirque du Soleil y recordar a → John Lennon y a → George Harrison. El 13 de noviembre de 2007, se publica The McCartney Years, un box set de cuatro DVD que marcan una retrospectiva de su carrera musical en solitario desde 1970 hasta 2005.

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400

En febrero de 2008, McCartney fue galardonado con el Premio Brit a su trayectoria musical.[16] El 1 de junio, McCartney celebró el año de su ciudad natal, Liverpool, como Capital de la Cultura, realizando un concierto en el que colaboró con → Dave Grohl de Foo Fighters. Grohl acompañó a McCartney en los temas "I Saw Her Standing There", "Band on the Run" y "Back in the U.S.S.R.", ádemas de cantar "A Day in the Life", "Give Peace a Chance" y "Something", en tributo a → John Lennon y a → George Harrison. El 5 de junio, publicó el tema "Lifelong Passion (Sail Away)" como donación para una cena benéfica de Adopt-A-Minefield. El tema supuso una nueva colaboración entre McCartney y Youth bajo el seudónimo de The Fireman y sirvió como adelanto de un nuevo trabajo de estudio del grupo publicado en noviembre bajo el nombre de Electric Arguments.[17] [18] El 14 de junio, McCartney participó en un concierto memorial del Día de la Independencia de Ucrania,[19] reuniendo a más de 350.000 personas y convirtiéndose en el mayor concierto en la historia del país. Un mes después, el 18 de julio, McCartney haría un cameo en el concierto de Billy Joel en el Shea Stadium, interpretando "Let it Be" e "I Saw Her Standing There" previo a la programada demolición del estadio en el que tocaron → The Beatles en 1965.[20] Dos días después, McCartney participó en los actos conmemorativos del 400º aniversario de Quebec con un concierto ante 250.000 personas.[21] El 25 de septiembre de 2008, McCartney llevó a cabo un concierto en el Hayarkon Park de Tel Aviv, Israel, ante cerca de 50.000 personas, en un evento titulado por el propio músico como "Friendship First" (lo cual puede traducirse al español como: "La amistad lo primero").[22] Durante su visita a Israel, McCartney también visitó la Iglesia de la Natividad en Belén, donde encendió velas por la paz entre israelíes y palestinos.

Paul McCartney en Tel Aviv el 25 de septiembre de 2008.

El 6 de noviembre, McCartney fue galardonado con el premio de honor Ultimate Legend por la MTV en Liverpool, su ciudad natal. El premio fue entregado por Bono, vocalista de U2, quien presentó a McCartney diciendo: "Este es el hombre que inventó mi trabajo".[23] El 8 de febrero de 2009 se presento en los Premios Grammy, en el Staples Center de Los Angeles, California, cantando junto a → Dave Grohl la canción de I Saw Her Standing There. Vendió todas las entradas para su concierto del 19 de abril en un casino de Las Vegas en menos de siete segundos. Los promotores del concierto en el Hard Rock Hotel indicaron que la venta de 4 mil entradas podría fijar un récord mundial, ya que los boletos se vendían a 600 por segundo cuando salieron a la venta el 14 de febrero.

Paul McCartney

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El Hard Rock Hotel contrató a Paul McCartney, de 66 años, para estrenar Joint, su nueva sede musical de 60 millones de dólares. El 4 de abril de 2009 Paul McCartney volvió a tocar junto a → Ringo Starr, en el Radio City Music Hall de Nueva York a beneficio de la Fundación David Lynch. En junio Paul lanza una campaña de no comer carne por un dia a la semana para asi evitar el calentamiento global, segun el si seguimos comiendo tanta carne afectara y producira el calentamiento global que puede afectar a nuestros hijos, Paul fue apoyado por su hija Mary McCartney mas unas celebridades de artista. Paul McCartney editara un material con ensayos y canciones ineditas de → The Beatles.

Giras • • • • •

1989-1990: Get Back World Tour 1993: The New World Tour 2002: Driving Tour 2002: Back In The U.S. Tour 2003: Back In The World

• 2004: '04 Summer Tour • 2005: The 'US' Tour • Grandes Conciertos de Paul McCartney

Logros y registros mundiales Aparece varias veces en el Libro Guinness de récords mundiales: • Una vez por "Yesterday", la canción con más versiones en la historia (más de 3000) • Otra por ser el compositor y cantante de música popular más exitoso, con ventas de 100 millones de singles y 60 discos de oro • Una tercera por haber reunido la audiencia más grande del mundo, cuando 184,000 personas pagaron para verlo cantar en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro en abril de 1990. • La cuarta es por ser el vendedor de entradas más rápido de la historia cuando, en 1993, 20.000 entradas para sus dos conciertos en Sydney, Australia, se vendieron en ocho minutos. • Guiness por ser la única persona a la que le han formulado tres millones de preguntas en una entrevista por Internet. • "Yesterday" fue confirmada como la canción más popular del mundo, con más de siete millones de reproducciones por radio en Estados Unidos.

En negro, lo países donde Paul McCartney ha cantado alguna vez, y en rojo donde nunca lo ha hecho.

• Recibió un Doctorado en Música honorario de la Universidad de Sussex en 2008.

Paul McCartney • Fue el primer cantante de rock en recibir la Orden de Mérito en Chile por "servicios a la música, la paz, y el entendimiento humano". • Primer receptor de los Swedish Polar Music Awards (el "Premio Nobel de la música").. • En el 50º aniversario de Su Majestad McCartney tocó delante de más de 1.000.000 de personas en los alrededores del palacio de la reina • Ganador, junto con los otros tres Beatles, del premio Oscar en la edición de 1970 por la música del documental Let it be, y nominado 2 veces para mejor Banda Sonora, con Live and Let Die en 1973, y con Vanilla Sky, en 2002. • Doctor Honoris por la Universidad de Yale, por sus contribuciones a la música durante toda su vida. • Durante sus más de 45 años de carrera dio más de 3000 conciertos llegando a esta marca en San Petersburgo en 2004. • Vendió 4000 boletos de un concierto suyo en Las Vegas en 7 segundos.

Curiosidades En los años 60, y durante mucho tiempo, corrió el rumor de que Paul McCartney había muerto en un accidente automovilístico (supuestamente en 1966) y había sido reemplazado por un imitador, William Shears Campbell. Muchos fanáticos buscaron pistas en las carátulas de los discos y en las letras de las canciones, llegando a todo tipo de extrañas teorías. Ejemplos clásicos fueron la carátula del LP Abbey Road, supuestamente una metáfora de la muerte y el funeral de Paul. Lennon aparecía con un traje blanco en su condición de oficiante, Ringo Starr vestido de negro representaba a la funeraria y George Harrison con unos pantalones vaqueros raidos hacía las funciones de enterrador. Paul McCartney era el único que aparecía descalzo y con el paso cambiado y extrañamente aparecía con un cigarro en su mano derecha pese a ser zurdo: era la prueba "evidente" de que la persona que aparecía era un doble que suplantaba al fallecido. "Magical Mistery Tour", donde algunos encontraron "oculto" un número telefónico en el que (cuenta la leyenda), John Lennon aceptaba la supuesta muerte de su compañero, y "The Beatles" (también conocido como "El Album Blanco"), donde se llegó al punto de escuchar las canciones al revés para encontrar pistas y mensajes ocultos. Existe un rumor que dice que si se escucha la canción "I'm so tired" de The Beatles, se puede distinguir claramente el verso "Paul is a dead man, miss him, miss him, miss him..." (Paul es hombre muerto, extráñenlo, extráñenlo, extráñenlo...)Incluso en los años '90, en varias entrevistas se le preguntó a McCartney si "estaba muerto", a lo que él solía responder: "No, estoy bastante vivo" También, en el disco del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" existe el rumor de que toda la escena de la portada es un funeral para Paul. Algunas cosas obvias que saltan a la vista son: el busto de piedra que semeja a una lápida, el "antiguo" → Ringo Starr que está vestido de negro y siendo consolado por el mismo Paul, el espacio de tierra (donde están las flores que leen “BEATLES”) siendo la parcela donde se va a enterrar, además de otras. Otra curiosidad es que Paul es un fanático de las composiciones musicales de Kōji Kondō, un compositor japonés de Nintendo, creador de las célebres bandas sonoras de videojuegos como The Legend of Zelda o Mario Bros. McCartney es vegetariano.[24] En Los Simpson aluden a este hecho en el episodio Lisa the Vegetarian, donde el y su mujer Linda afirman ser vegetarianos, como Apu.

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Paul McCartney

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Como artista, Paul McCartney ha diseñado una serie de seis sellos postales emitidos por Correos de la Isla de Man el 1 de julio de 2002. Según BBC News, McCartney parece ser la primera gran estrella de rock en el mundo que también es conocido como un diseñador de sellos.[25]

Véase también • "Yesterday" • "Paul está muerto"

Premios Oscar Año

Categoría

Película

Resultado

2002

Oscar a la mejor canción

Vanilla Sky

Candidato

1973

Oscar a la mejor canción

Live and Let Die

Candidato

1970

Oscar a la mejor banda sonora

Let it Be

Ganador

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Paul McCartney.Commons

Wikiquote • Wikiquote alberga frases célebres de Paul McCartney. • Noticia •

Artículos en Wikinoticias: Paul McCartney dice que no va a China por la "matanza salvaje" de mascotas por sus pieles • Noticia • Artículos en Wikinoticias: Un intruso quiso matar a Paul McCartney • PaulMcCartney.com [1] Web oficial de Paul McCartney, con noticias, foro y enlaces • TheBeatles.com [26] Sitio oficial de The Beatles, con detalles sobre su biografía, álbumes, películas, últimos lanzamientos y tienda on-line • MPL.com [27] Sitio oficial de MPL Communications • Paul McCartney's News, blog, bootleg, Forum [28]

Referencias [1] http:/ / www. paulmccartney. com [2] The Independent. « Paul McCartney: When I'm 64 (http:/ / news. independent. co. uk/ people/ profiles/ article1089708. ece)». [3] "The UK's Best Selling Singles" (http:/ / ukcharts. 20m. com/ bestsell. html) ukcharts.20m.com Consultado el 23 de septiembre de 2008 [4] Spitz 2005. p75 [5] Spitz 2005. pp82-83 [6] Photo of Forthlin Road (http:/ / www. nationaltrust. org. uk/ main/ w-vh/ w-visits/ w-findaplace/ w-20forthlinroadallerton/ w-20forthlinroadallerton-seeanddo. htm) nationaltrust.org.uk - Retrieved 27 January 2007 [7] Bresler, Fenton (1990). Who Killed John Lennon?. St. Martin's Press, ISBN 0-312-92367-8. [8] The Last Day in the Life (http:/ / www. time. com/ time/ magazine/ article/ 0,9171,924600,00. html) time.com. Consultado el 6 de diciembre de 2006

Paul McCartney [9] Miles 1998. p593 [10] McCartney on John's death - 9 de diciembre de 1980 (http:/ / www. youtube. com/ watch?v=P1wSMibyuzU) youtube.com Consultado el 9 de diciembre de 2007 [11] Miles 1998. p594 [12] The Paul McCartney Encyclopedia, article "Lennon, John" [13] McCartney’s 1984 Playboy Interview (http:/ / members. tripod. com/ ~taz4158/ macint. htm) Consultado el 14 de octubre de 2008 [14] Bonici, Ray. Paul McCartney Wings It Alone (http:/ / beatles. ncf. ca/ mpl. html), Music Express issue #56, 1982. beatles.ncf.ca - Consultado el 11 de junio de 2006. [15] Lewisohn 2002. p168. [16] « Sir Paul McCartney picks up special Brit award in London (http:/ / www. nme. com/ news/ brit-awards-2008/ 34542/ )». NME.COM. Consultado el 5 de junio de 2008. [17] http:/ / www. paulmccartney. com/ news. php#1218/ 2008-06 PaulMcCartney.com: New McCartney Track For Adopt-A-Minefield [18] PaulMcCartney.com. « The Fireman Finds His Voice With Brand New Album (http:/ / www. paulmccartney. com/ news. php#1453/ 2008-09)». Consultado el 29 de septiembre de 2008. [19] McCartney plans huge Ukraine show (http:/ / news. bbc. co. uk/ 2/ hi/ entertainment/ 7364749. stm) [20] Glenn Gamboa. « Paul McCartney helps Billy Joel say goodbye to Shea Stadium (http:/ / www. newsday. com/ entertainment/ music/ ny-etjoel0719,0,6868792. story)», Newsday, 2008-07-20. Consultado el 2008-07-19. [21] « Québec, je t'aime! (http:/ / www. radio-canada. ca/ regions/ QUEBEC400/ 2008/ 07/ 21/ 001-mccartney-spectacle. shtml)». Radio-Canada. Consultado el 22 de julio de 2008. [22] « 50,000 attend McCartney's TA concert (http:/ / www. jpost. com/ servlet/ Satellite?cid=1222017370585& pagename=JPost/ JPArticle/ ShowFull)», The Jerusalem Post. Consultado el 26 de septiembre de 2008. [23] 20 Minutos. Paul McCartney y Britney Spears, estrellas en los premios MTV Europa (http:/ / www. 20minutos. es/ noticia/ 426729/ 0/ mccartney/ perry/ mtv/ ). Consultado el 14 de noviembre de 2008. [24] Go Vegetarian, with Sir Paul McCartney - PETA (http:/ / goveg. com/ feat/ paulmveg/ ) [25] « McCartney stamps to go on sale (http:/ / news. bbc. co. uk/ 2/ hi/ entertainment/ 1826691. stm)». BBC News. Consultado el 2009-02-07. [26] http:/ / www. thebeatles. com [27] http:/ / www. mplcommunications. com [28] http:/ / www. mccartneyyears. net

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George Harrison

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George Harrison George Harrison

George Harrison visitando la Casa Blanca en 1974 Información personal Nombre

George Harold Harrison

Nacimiento

25 de febrero de 1943

Origen

Inglaterra, Liverpool

Muerte

†29 de noviembre de 2001 58 años Estados Unidos, Los Ángeles, California

Cónyuge(s)

Pattie Boyd (1966-1977) Olivia Trinidad Arias (1978-2001)

Hijo(s)

Dhani Harrison

Ocupación(es)

Músico, compositor, productor musical Información artística

Alias

Nelson/Spike Wilbury

Género

Pop Rock Rock Música hindú Hard Rock

Instrumento(s)

Bajo, guitarra, voz, ukelele, mandolina, sitar, piano

Período de actividad

1958-2001

Discográfica(s)

Parlophone, Capitol, Apple, EMI, Dark Horse

Artistas relacionados

The Quarrymen → The Beatles The Traveling Wilburys Web

Sitio web

GeorgeHarrison.com

[1]

George Harrison (* Liverpool, Reino Unido, 24 de febrero de 1943 – Los Ángeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico y compositor británico integrante de la legendaria banda → The Beatles. Tras la disolución del grupo en 1970 siguió una prestigiosa carrera musical tanto en solitario como dentro del supergrupo Traveling Wilburys, oculto tras los seudónimos de Nelson Wilbury y Spike Wilbury. Asimismo, desarrolló una carrera de productor cinematográfico, creando la compañía Handmade

George Harrison Films en la que dio cabida como actores a gente de la talla de Madonna y los Monty Python. En 2003 la Revista Rolling Stone puso a George Harrison en el lugar Número 21 en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

Biografía 1943-1960: Los primeros años George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove, Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise.[2] Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobús. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que → John Lennon.[2] A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a → Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines. Poco después, al tiempo que conseguía su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly.[3] Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Paul McCartney escuchó a Harrison tocar el riff de "Raunchy" en el autobús de camino a casa y Paul le propuso unirse al grupo. Harrison es presentado por → Paul McCartney a → John Lennon e ingresa en The Quarry Men, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose → The Beatles. Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.

1960-1970: The Beatles En los primeros días de The Quarrymen, McCartney animó a Harrison a que se uniera. Al comienzo, y debido a su corta edad, era visto con desdén por los otros miembros del grupo.[4] En un principio, Harrison no podía considerarse como un guitarrista virtuoso, si bien el hecho de que supiera suficientes acordes para tocar varios temas hizo que → John Lennon lo aceptara en el grupo. Pese a ello, a mediados de los 60, la práctica hizo de Harrison un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista principal y rítmico. Más adelante, entrados los 70, el sonido que conseguía con la guitarra slide se convertiría en su sello personal. Harrison fue el primero de los Beatles en viajar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton, Illinois, en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show.[5] Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios singles sin que el dueño lo reconociera debido al escaso

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George Harrison conocimiento que tenían los estadounidenses de la música pop británica; nadie pudo venderle un disco de los Beatles. A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en América. Durante la Beatlemanía, Harrison fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. A pesar de la imagen de "Beatle tranquilo", la mayoría de compañeros y amigos, como Eric Idle, miembro de Monty Python, aseguran que en las distancias cortas era muy hablador y dicharachero, contraponiéndose a la imagen que solía tener de él la prensa.[6] Durante el primer viaje de → The Beatles a los Estados Unidos en febrero de 1964, Harrison recibió un nuevo modelo de guitarra, el "360/12", de la compañía Rickenbacker, eléctrica y con doce cuerdas, que comenzaría a tocar en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds. Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer una canción". Aparece publicada en el álbum With the Beatles de 1963 y en su versión americana, Meet the Beatles!, de 1964. Si bien para el siguiente álbum del grupo, Beatles For Sale, también había compuesto un tema, éste fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum Help! con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much". Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por él en su etapa con → The Beatles. Asimismo, también cantó temas de otros artistas, incluyendo "Chains" y "Do You Want to Know a Secret" en Please Please Me, "Roll Over Beethoven" y "Devil In Her Heart" en With the Beatles, "I'm Happy Just to Dance With You" en A Hard Day's Night, y "Everybody's Trying To Be My Baby" en Beatles For Sale. Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby, de The Byrds, introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Muy pronto, quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de la misma en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965, fue el primer músico de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio, en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", del álbum Rubber Soul. Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película Help! en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación. También por aquel tiempo mantuvo una decisiva correspondencia con Joan Mascaró tras leer la versión de los Upanishads de aquel excepcional traductor mallorquín.[7] Su interés por la cultura hindú se expandería formalmente al abrazar el hinduismo. En una peregrinación con su mujer Pattie a la India entre la última gira de The Beatles en 1966 y el inicio de las grabaciones de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison estudió lecciones de sitar, conoció a varios gurús y visitó sitios sagrados, acercándose así a la cultura oriental. Poco después, de vuelta a Inglaterra, conoció a Maharishi Mahesh Yogi, a quien presentó al resto del grupo para iniciar unos ejercicios de meditación transcendental que tendría lugar a comienzos de 1968 en Rishikesh. En el verano de 1969, produjo el single "Hare Krishna Mantra", interpretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna. El mismo año, él y → John Lennon conocieron a

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George Harrison A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna (ISKCON) [8]. Poco después, Harrison abrazaría la tradición Hare Krishna, en particular el canto del mantra usado como meditación privada y llamado japa-yoga, similar al rosario en la tradición católica. A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables, pasando de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1965 y 1970, los temas compuestos por George Harrison fueron: "If I Needed Someone", "I Want to Tell You", "Think For Yourself", "Taxman" (que abría el álbum Revolver), "Within You Without You", "Blue Jay Way", "Only a Northern Song", "It´s All Too Much", "Old Brown Shoe", "I Need You", "While My Guitar Gently Weeps" (con Eric Clapton en la guitarra), "Piggies", "Long, Long, Long", "Savoy Truffle", "Something", "The Inner Light", "Here Comes the Sun", "I Me Mine" y "For You Blue".[9] Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de The Beatles, llegando a intentar dejar el grupo en aquel momento. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfación con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto Get Back en Twickenham Studios, que acabará por editarse como documental bajo el título Let It Be, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré." Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones y aletargado por las horas de trabajo, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.[10] Las relaciones internas del grupo se desarrollaron más cordiales durante las sesiones de grabación de Abbey Road, en las que se incluyen las composiciones de Harrison "Something" y "Here Comes The Sun". "Something" ha sido reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles tanto por Elvis Presley como por Frank Sinatra, si bien, a modo de anécdota, Sinatra comentó acerca de la canción que era su "composición de Lennon/McCartney favorita". La creciente productividad de Harrison al final de la vida de → The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con casi 27 años.[11]

1970-2001: Después de los Beatles 1970-1980 Tras la disolución de → The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, All Things Must Pass, el primer álbum triple de la historia musical. All Things Must Pass supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él. Junto al álbum John Lennon/Plastic Ono Band de → John Lennon y Ram de → Paul McCartney, All Things Must Pass es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.

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George Harrison El álbum, que alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos británicas y estadounidenses, incluía los singles de éxito "My Sweet Lord" e "Isn't It A Pity", así como "What Is Life", que entró entre los diez primeros puestos. Años después, Harrison sería demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita el single de The Chiffons "He's So Fine". Si bien Harrison negó la acusación, acabó perdiendo el juicio en 1976. Durante el mismo, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3. Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de → The Beatles Allen Klein denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.[12] Harrison fue, asimismo, el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su Concert for Bangla Desh el 1 de agosto de 1971 reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en día Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía a artistas de la envergadura de Eric Clapton, Bob Dylan, Jim Keltner, Billy Preston, Leon Russell, → Ringo Starr y Klaus Voormann. Desafortunadamente, problemas con los impuestos y gastos cuestionables ensombrecieron la leyenda del mismo. En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF. De forma adicional a su propio trabajo, Harrison escribió dos temas para → Ringo Starr, "It Don't Come Easy" y "Photograph" y apareció en el álbum Imagine de → John Lennon, así como en los temas "You're Breakin' My Heart" de Harry Nilsson, "Day After Day" de Badfinger, "That's The Way God Planned It" de Billy Preston y "Basketball Jones" de Cheech & Chong. El siguiente álbum de Harrison, Living in the Material World, sería publicado en 1973. Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" le brindaría su segundo #1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial → The Beatles. Con un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el álbum se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas. En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto #38 del Billboard Pop Catalog Chart. En 1974, vio la luz Dark Horse, al tiempo que daba inicio a una gira por los Estados Unidos. La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aun así, el álbum alcanzó el puesto #5 en las listas de éxios estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que Dark Horse no entrara en las listas de éxitos británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto #15 en las listas de Billboard. Durante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Dentro de las oficinas conocería a su segunda mujer, Olivia Trinidad Arias, asignada para trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver. Su relación sentimental daría frutos a partir de la gira, hasta que en 1978 contrajeran matrimonio.

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George Harrison Su último álbum de estudio bajo el sello Apple, Extra Texture (Read All About It), fue publicado en 1975, del cual se extrajeron dos singles: "You", que alcanzó el Top 20 de las listas de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep From Crying)", que supuso el último single editado por Apple y el primer sencillo de un Beatle que no entró en las listas estadounidenses. Tras la salida de → John Lennon, George Harrison y → Ringo Starr del sello EMI (→ Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en The Best of George Harrison, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en → The Beatles y en solitario. Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de su primer álbum en Dark Horse Records, Thirty Three & 1/3, Harrison se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum. Thirty Three & 1/3 supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto #11 en las listas de éxitos estadounidenses. El primer single, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo single. Tras su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, George Harrison, publicado en 1979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard. 1980-1990 En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir una autobiografía, titulada I Me Mine. El publicista de → The Beatles Derek Taylor le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula Uno. Tras el asesinato de → John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon y al enfado de éste por no verse mencionado en su autobiografía. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum Somewhere in England. Con → Ringo Starr en la batería y con → Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el single, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos estadounidenses. Tras la publicación en 1982 de Gone Troppo, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en el especial Carl Perkins and Friends, con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's

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George Harrison Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan. En 1987, regresaría con Cloud Nine, uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, alcanzando su tercer número #1 en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con → The Beatles, supuso también un notable éxito. El álbum alcanzó el puesto #8 en las listas de éxitos estadounidenses y el #10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde Living in the Material World. Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1 y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos. Uno de las empresas desarrolladas por Harrison durante la época fue la productora cinematográfica Handmade Films, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto La vida de Brian, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise y Withnail and I. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en La vida de Brian. Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de → The Beatles The Rutles, creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison. A comienzos de 1989, Harrison, Lynne y Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica. Ese mismo año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, Best of Dark Horse 1976-1989, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. el álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora Lethal Weapon 2 "Cheer Down". 1990-2001 El primer año de la nueva década vería la luz el segundo álbum de Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar del óbito de Roy Orbison en 1988. Como sustituto, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes. En 1991, Harrison emprendió por Japón y junto a Eric Clapton su primera gira desde 1974, si bien aún tenía en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum Live in Japan, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En octubre del mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: "If Not for You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages". Entre 1994 y 1996, emprendió junto a → Paul McCartney y → Ringo Starr el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de → The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde → John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con

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George Harrison entrevistas a los tres miembros supervivientes. En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum Go-Cat-Go. La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1997 para la promoción de Chants of india, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison interpretó, después de que un miembro del público le pidiera una "canción de The Beatles" y el respondiera "'creo que no conozco ninguna", "All Things Must Pass" y la futura "Any Road", canción que aparecería en 2002 en su álbum póstumo Brainwashed. En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia. A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón. El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del asesinato de → John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se enfrentaron al intruso y lo redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison y que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas. En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocó la guitarra slide en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman & Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys y compuso una nueva canción, "Horse To The Water". La canción, que sería su última publicación en vida, fue grabada el 2 de octubre, dos meses antes de su muerte, y apareció en el álbum Small World, Big Band de Jools Holland.

Fallecimiento El cáncer que sufría Harrison reapareció en 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo. Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles,[13] el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.[14] Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos". En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros",como también decía : "Donde hay agujero, hay trinchera"[13] Harrison y Aaliyah hicieron historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en dos números uno consecutivos tras el fallecimiento del artista, con el tema "More

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George Harrison than a Woman" de Aaliyah alcanzando el primer puesto el 13 de enero de 2002 y la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002. El álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto #18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto #37 en las listas de éxitos británicas.

Vida familiar Harrison contrajo matrimonio con la modelo Pattie Boyd, a la que conoció en el rodaje de la película A Hard Day's Night, el 21 de enero de 1966 en el registro civil de Esher, con Paul McCartney como testigo. George le habría dedicado la canción "Something", aunque mucho después dijo haberla compuesto pensando en la música de Ray Charles, y que en definitiva era un tema de amor que podría haber sido dedicado a cualquiera [15] . A finales de los años 60, Eric Clapton se enamoró de Pattie, dejando patente su amor en la canción "Layla". Poco tiempo después, Pattie Boyd abandonó a Harrison para casarse con Eric Clapton; sin embargo, ambos siguieron manteniendo una fuerte amistad. El 2 de septiembre de 1978, Harrison contrajo matrimonio por segunda vez con Olivia Trinidad Arias. Poco tiempo después, nacería su primer y único hijo, Dhani Harrison, que guarda tal parecido a su padre que sirvió a → Paul McCartney de anécdota en el Concert for George, diciendo al público: "Olivia me dijo que en este escenario parece que George permaneció joven mientras todos nosotros envejecimos.", en referencia a Dhani. Harrison era un gran admirador del grupo Monty Python, hasta tal punto que su productora cinematográfica Handmade Films fue fundada expresamente para dar financiación a la película de los Python La vida de Brian en la que el propio Harrison aparece fugazmente en una de las escenas de la parte final del film junto a John Cleese. Durante el rodaje, entabló una fuerte amistad con Eric Idle, miembro del grupo humorístico, que posteriormente realizaría la comedia All You Need Is Cash, en la que Harrison aparece como un reportero llamado Erik Manchester en una escena en la que se parodiaban los desmanes económicos que se produjeron en Apple, la compañía que fundó junto a sus tres compañeros de → The Beatles. Idle apareció como invitado en el Concert for George, interpretando las canciones "The Lumberjack Song" y "Sit On My Face" junto al resto del grupo humorístico y al actor Tom Hanks. Asimismo, Harrison se declaró un seguidor del grupo de rock en clave de humor Bonzo Dog Doo-Dah Band, que aparecieron en la película de The Beatles Magical Mystery Tour. Uno de los principales hobbies de Harrison fue la Fórmula Uno. Antes incluso de ser músico, coleccionó fotos de pilotos y de sus monoplazas. En más de una ocasión tuvo acceso a los paddock del Gran Prix de Inglaterra en el Circuito de Silverstone, así como en otros circuitos. El tema "Faster", publicado en el álbum George Harrison, está dedicado a Jackie Stewart y a Niki Lauda. Asimismo, en The Beatles Anthology puede verse un póster del piloto brasileño de Fórmula 1 Ayrton Senna detrás de McCartney, Starr y Harrison mientras discuten acerca de algunos episodios de sus vidas.

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George Harrison

Premios y reconocimiento El 12 de junio de 1965, Harrison y el resto de The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre. En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar[16] El asteroide 4149, descubierto el 9 de marzo de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor.[17] Pocos días después de su fallecimiento, el episodio de The Simpsons "A Hunka Hunka Burns in Love" fue dedicado en su memoria.[18] Previamente, Harrison había aparecido como invitado en el episodio "Homer's Barbershop Quartet". El 29 de noviembre de 2002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, → McCartney, → Starr, Eric Clapton, Tom Petty and the Heartbreakers, Jeff Lynne, Billy Preston, Joe Brown, Jools Holland, Sam Brown, Olivia Harrison y Dhani Harrison participaron junto a otros músicos en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. En él, → McCartney tocó "Something" acompañado de un ukelele, contando como anécdota que cuando solía visitar a Harrison en su casa después de cenar, George solía sacar un ukelele y tocar alguna canción. Asimismo, McCartney, Clapton y Starr se reunieron por primera vez en la canción "While My Guitar Gently Weeps" desde que fue grabada en 1968. Los beneficios del concierto fueron cedidos a la organización The Material World Charitable Foundation que Harrison fundó en 1973. En 2003, Harrison fue clasificado en el puesto #21 de la lista "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos" elaborada por la revista musical Rolling Stone.[19] El 15 de marzo de 2004, Harrison fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame por sus amigos y compañeros de la banda Traveling Wilburys Jeff Lynne y Tom Petty. El legado musical y la vida de George Harrison fueron el tema principal de la revista Time en su publicación del 10 de diciembre de 2001, marcando la primera portada dedicada a una persona o a un tema en especial tras los atentados del 11-S. El 1 de agosto de 2006, Harrison fue incluido en el Madison Square Garden Walk of Fame. Recientemente, el 14 de abril de 2009 fue homenajeado póstumamente con una estrella en el Hollywood Walk of Fame, ubicada en frente del Edificio de Capitol Records. Al evento asistieron su viuda Olivia, su hijo Dhani, su ex-compañero de banda → Paul McCartney, Jeff Lynne, Tom Hanks, entre otros. EQUIPO MUSICAL GUITARRAS • • • • • • •

Gretsch 6122 Chet Atkins Country Gentleman Rickenbacker 360-12 Fire-glo 1965 Rickenbacker 360-12 Gretsch 6119 Tennessee Rose Epiphone E230TD Casino Gretsch Duo Jet Gibson J160E

• Gibson SG Standard • Gibson Les Paul Standard

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George Harrison • • • •

Fender Telecaster Sonic Blue Fender Stratocaster Rickenbacker 425 Fender Stratocaster

AMPLIFICADORES Vox AC-100 Vox AC-30 Vox AC-50

Referencias [1] http:/ / www. georgeharrison. com [2] (2000) Anthology. Ediciones B. ISBN 84-406-9953-0. [3] « The Times Peter Harrison obituary (http:/ / www. timesonline. co. uk/ tol/ comment/ obituaries/ article2106466. ece)». Consultado el 2007-07-22. [4] Lewisohn, Mark (1992). The Complete Beatles Chronicle. Pyramid Books, pp. 13. [5] Lewisohn, Mark (1992). The Complete Beatles Chronicle, pp. 122. [6] (2003) Concert for George. A Celebration on the life of George Harrison. Genesis Publications. ISBN 0 904351 92 0. [7] Mir, Gregori (Palma de Mallorca, 1998). Correspondència de Joan Mascaró. Editorial Moll. ISBN 84-273-0724-1. [8] http:/ / www. iskcon. com. mx [9] MacDonald, Ian (2005). Revolution in the Head: The Beatles' Records and the Sixties, Second Revised Edition edición, London: Pimlico (Rand), pp. 337. ISBN 1-844-13828-3. [10] Sulpy, Doug; Schweighardt, Ray (2003). Get Back: The Unauthorized Chronicle of the Beatles' Let It Be Disaster. Helter Skelter Publishing. ISBN 1-900924-83-8. [11] Lewisohn, Mark (New York, 1988). The Beatles Recording Sessions. Harmony Books. ISBN 0-517-57066-1. [12] Huntley, Elliot J (2004). Mystical One: George Harrison: After the Breakup of the Beatles. Guernica Editions Inc.. ISBN 1-55071-197-0. [13] « Harrison death mystery solved (http:/ / news. bbc. co. uk/ 2/ hi/ entertainment/ 1817780. stm)» (2002-02-13). [14] « Harrison will made public (http:/ / www. theage. com. au/ cgi-bin/ common/ popupPrintArticle. pl?path=/ articles/ 2002/ 11/ 30/ 1038386359453. html)». TheAge.com.au. [15] « Desentrañando el Origen de "Something" (http:/ / rockeado. com/ desentranando-el-origen-de-something/ )» (2008-09-27). [16] « Results Page - Academy Awards® Database - AMPAS (http:/ / awardsdatabase. oscars. org/ ampas_awards/ DisplayMain. jsp?curTime=1188500005584)». Academy of Motion Picture Arts and Sciences. [17] « (4149) Harrison (http:/ / www. cfa. harvard. edu/ iau/ special/ rocknroll/ 0004149. html)». Harvard-Smithsonian Center for Astrophysics. [18] « Beatle George Harrison dies CNN.com (http:/ / www. cnn. com/ 2001/ SHOWBIZ/ Music/ 11/ 30/ harrison. obit/ )» (2001-12-01). [19] « The 100 Greatest Guitarists of All Time (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 5937559/ the_100_greatest_guitarists_of_all_time)». Rolling Stone.

Enlaces externos Wikiquote • Wikiquote alberga frases célebres de George Harrison. • GeorgeHarrison.com (http:/ / georgeharrison. com/ ) Sitio oficial • George Harrison (http:/ / imdb. com/ name/ nm0365600/ ) en Internet Movie Database (en inglés) • Genesis Publications (http:/ / www. genesis-publications. com/ books/ concert/ index. html) Concert for George: A Celebration of the Life of George Harrison

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Ringo Starr

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Ringo Starr Ringo Starr

Richard Starkey Información personal Origen

7 de julio de 1940 Liverpool, Inglaterra (69 años)

Cónyuge(s)

Maureen Starkey (1965-1975) Barbara Bach (1981-actualidad)

Hijo(s)

→ Zak Starkey

Jason Starkey Lee Starkey Información artística Género

Rock Pop Rock Rock N'Roll Hard Rock Country

Período de actividad

1957 - Presente

Discográfica(s)

Parlophone, Capitol, Apple, Polydor, Atlantic, RCA, Mercury, Koch

Artistas relacionados

→ The Beatles, → Paul McCartney, → George Harrison, → John

Lennon Web Sitio web

RingoStarr.com

[1]

Sir Richard Starkey (Liverpool, 7 de julio de 1940), más conocido como Ringo Starr, es un músico (cantante y compositor) y actor británico, reconocido por haber sido el baterista de → The Beatles. De los cuatro miembros del grupo, fue el último en incorporarse a la formación definitiva. Le llaman así porque siempre usa anillos, aunque en una entrevista dijo "Yo lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan".

Biografía Los primeros años Ringo Starr nació en el seno de una familia trabajadora el 7 de julio de 1940 en el 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio portuario de Liverpool, Inglaterra. Sus padres, Elsie Gleave y Richard Starkey, prontamente se divorciaron, quedando el joven al cuidado de su madre. Ambos se mudaron al 10 de Admiral Grove, a la vez que su madre alternaba

Ringo Starr distintos trabajos para subsistir. Ingresó en la escuela de St. Silas, pero a los 6 años se vería obligado a abandonarla debido a una grave peritonitis. Permaneció en coma durante dos años y diez semanas en el hospital. A los trece, después de que su madre contrajera matrimonio con Harry Greaves, un resfriado se convirtió en pleuresía, lo que le obligó a ser ingresado en el Myrtle Street Hospital, donde permaneció hasta 1955. Su ausencia del aula le dificultó el aprendizaje, por lo que a su salida apenas sabía leer y escribir. Trabajó, gracias al apoyo de su padrastro, para la British Rail de Inglaterra como mensajero, aunque a las seis semanas fue despedido por no pasar el examen médico. Poco después, Harry Greaves logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica local llamada H. Hunt & Son. Pese a todo, y debido al auge del skiffle, la mayor afición de Ringo era la música. Durante su estancia en el hospital, aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. A su salida de éste, Harry Greaves le compró una batería de segunda mano. Tocó para algunas bandas locales: primero en bailes junto a Eddie Clayton y más tarde con The Darktown Skiffle Group, aunque alcanzó cierta reputación en el grupo Rory Storm & The Hurricanes, donde cambió su nombre por el de Ringo Starr (Ringo debido a los numerosos anillos que usaba, y star para anunciar su solo de batería como Starr Time). En otoño de 1960, y después de numerosos conciertos en su Liverpool natal, Ringo, junto a Rory Storm and the Hurricanes, tocó en Hamburgo, Alemania, donde conoció a → The Beatles. En varias ocasiones sustituyó a → Pete Best a la batería debido a su ausencia, y entabló una fuerte amistad con el resto de la banda.

Con los Beatles En 1962, → The Beatles consiguen su primer contrato discográfico con Parlophone gracias a la ayuda de Brian Epstein y George Martin. Pese a todo, a George no le gustaba el ritmo de → Pete Best a la batería, por lo que propuso sustituirle por un profesional llamado Andy White. Sin embargo, el grupo se presentó en la siguiente sesión con Ringo Starr. A pesar de las reticencias, finalmente contó con el apoyo de George Martin e ingresó oficialmente en el grupo.[2] A pesar de ser zurdo, Ringo toca una batería para diestros. Su tendencia a dirigir el ritmo con su mano izquierda contribuyó al distintivo estilo de tocar la batería de Ringo. → John Lennon dijo de Ringo: Ringo era un estrella en su justa medida en Liverpool, antes de que le conociéramos. Por entonces era un baterísta profesional que tocaba y cantaba, tenía su propio espectáculo y estaba en uno de los grupos más importantes de Gran Bretaña pero especialmente de Liverpool... Ringo es un muy buen músico.[3] Por su parte, Steve Smith dijo de él: Antes de Ringo, los bateristas seguían el ritmo con su habilidad y su virtuosismo. La popularidad de Ringo trajo un nuevo paradigma en la forma de que el público veía la batería. Comenzamos a ver al batería como un participante igualado en todos los aspectos de la composición. Una de las mejores cualidades de Ringo era que componía la pista de la batería con un estilo único para las canciones de los Beatles. Las partes de la batería suponían una firma tan personalizada que podías escuchar a Ringo sin el resto de la música e identificar de inmediato la canción.[4]

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Ringo Starr Muchos bateristas, entre ellos Max Weinberg, de la E Street Band, → Dave Grohl, de Nirvana, Danny Carey, de Tool, Liberty deVitto de la banda de Billy Joel, → Phil Collins y Mike Portnoy, han reconocido la influencia de Ringo a la hora de tocar la batería.[5] Según Phil Collins: Starr es enormemente menospreciado. La pista de batería en "A Day in the Life" tiene cosas muy complejas. Puedes contratar a un buen batería hoy en día y decirle: "Quiero que lo toques como tal", sin que sepa cómo hacerlo.[6] En su extenso estudio sobre las sesiones de grabación de → The Beatles, Mark Lewisohn confirmó que Ringo era hábil y notablemente formal. Según el autor, a lo largo de ocho años de sesiones hubo menos de una docena de ocasiones en la que tuviera que interrumpirse la grabación por un error de Ringo, recayendo la mayor parte de los errores en los otros tres componentes de → The Beatles.[5] Ringo es asimismo considerado por introducir aspectos modernos en las técnicas de la batería, como es la forma de coger las baquetas por ambas manos de la misma manera, a diferencia de la forma tradicional en la que ambas eran cogidas de manera diferente, o el aspecto de emplazar el instrumento en una plataforma para hacerlo más visible de cara al público. Existen dos canciones donde Ringo es reconocido por su labor como batería: en "Rain", por su sincronización con el bajo de → Paul McCartney en la parte final, y en "She Said, She Said", por la forma de cubrir sin inconvenientes el cambio de compás de 3/4 a 4/4. Tanto → John Lennon como → Paul McCartney y → George Harrison han reconocido, a modo de halagos y de compañerismo, a Ringo como el mejor batería del mundo. Durante la grabación del Álbum Blanco, McCartney sustituyó a Ringo en las canciones "Back in the U.S.S.R." y "Dear Prudence" tras la salida de Ringo debido a su disgusto por las crecientes tensiones entre los miembros del grupo y por el tiempo que tenía que pasar abandonado en el estudio mientras sus compañeros no le requerían para la batería. Pasó dos semanas con el actor Peter Sellers en su yate, cerca de Grecia, donde escribió la canción "Octopus' Garden". Lennon mandó telegramas a Ringo, y Harrison llenó el estudio de flores para agasajar a Ringo en su vuelta a Londres.[7] Asimismo, el 31 de enero de 1969, un día después del último concierto ofrecido por el grupo en la azotea de Apple Studios, McCartney mandó una postal a Ringo diciendo textualmente: "Tú eres el mejor batería del mundo. De verdad", estás palabras quedaron plasmadas en el libro de Ringo Postcards From The Boys.[8] McCartney también tocó la batería en el tema "The Ballad of John and Yoko", grabado el 14 de abril de 1969 exclusivamente junto a → John Lennon.[9] Ringo comentó en ese aspecto que tenía suerte de 'estar rodeado por tres baterías frustrados' que sólo podían tocar con un único estilo.[10] Ringo generalmente cantó al menos una canción por cada álbum de estudio, como parte de un supuesto pacto por plasmar las voces de los cuatro miembros del grupo en cada disco. En algunos casos, Lennon o McCartney escribían las letras y la melodía especialmente para él, como en el caso de "Good Night" para el Álbum Blanco o en el de "Yellow Submarine" para Revolver. En otros casos, las melodías eran hechas a medida para el rango vocal de Ringo. Aunque algunas reseñas criticaban la voz nasal de Ringo en comparación con las voces de sus compañeros, se volcó en la interpretación de canciones de otras estrellas musicales con una voz parecida a la suya, haciendo una gran contribución al grupo. La voz de Ringo también se puede escuchar en canciones como "All Together Now", "Carry That

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Ringo Starr Weight" o "The Continuing Story of Bungalow Bill". Indudablemente, Lennon y McCartney fueron los compositores más prolíficos dentro de → The Beatles. Harrison escribió, asimismo, cierta cantidad de canciones, mientras Ringo es acreditado como único compositor en los temas "Don't Pass Me By", del Álbum Blanco, y "Octopus's Garden", de Abbey Road, en la cual fue ayudado por su compañero George Harrison. Su nombre figura también en los créditos del tema "What Goes On", del álbum Rubber Soul, junto al de Lennon y McCartney, mientras las canciones "Flying", procedente de Magical Mystery Tour, y "Dig It", de Let It Be están acreditadas a Lennon, McCartney, Harrison y Starr. De forma adicional, Ringo escribió "Taking a Trip to Carolina" (publicada en el segundo disco de Let It Be... Naked) y fue acreditado junto a los otros tres Beatles en los créditos de las canciones "12-Bar Original", "Los Paranoias", "Christmas Time (Is Here Again)", "Suzy Parker", del filme Let It Be, "Jessie's Dream", de la película Magical Mystery Tour, y la versión de "Free As A Bird" incluida en el proyecto Anthology. La película Let It Be también incluye "Jazz Piano Song", acreditada como una composición de "McCartney/Starkey". Asimismo, cada miembro de → The Beatles contribuyó a las canciones sin estar específicamente mencionado en sus créditos. Es el caso del tema "Eleanor Rigby", cuyo verso "writing the words to a sermon that no one will hear" fue una aportación de Ringo reconocida por McCartney. Por su parte, Lennon utilizó expresiones de Starr para los títulos de canciones, como es el caso de "A Hard Day's Night" y "Tomorrow Never Knows". En el proyecto Anthology, Ringo reconoció que en la etapa previa a sus únicas dos composiciones dentro de → The Beatles, solía presentar material a los otros tres miembros del grupo que ellos reconocían al instante como música de otros artistas, generalmente de Jerry Lee Lewis.

Después de los Beatles Tras la separación oficial de → The Beatles el 10 de abril de 1970, Ringo continuó una carrera en solitario que había inaugurado con el disco de versiones clásicas Sentimental Journey, publicado el 27 de marzo de 1970. Seis meses después, edita un disco con temas country titulado Beaucoups of Blues, grabado en Nashville junto al músico Peter Drake. Orquestó, además, singles de éxito con "It Don't Come Easy" y "Back Off Boogaloo", siendo este último su mayor éxito en el Reino Unido al alcanzar el puesto #2. En Estados Unidos, logró la primera posición de las listas de éxitos con los singles "Photograph", co-escrita con → George Harrison, y "You're Sixteen", ambos en 1973. En 1971, participó en The Concert for Bangladesh, organizado por → George Harrison con el objetivo de recaudar fondos para los refugiados de Pakistán del Este, así como en los álbumes All Things Must Pass y Living in the Material World, de → George Harrison, Plastic Ono Band de → John Lennon, y el primer trabajo de Yoko Ono. Poco después hizo su debut como director con el documental Born to Boogie sobre T. Rex. A día de hoy, Ringo es el único Beatle que no ha conseguido un primer puesto en las listas de singles británicas como artista en solitario, si bien en Estados Unidos logró dos números uno. Asimismo, es el único Beatle sin un número uno en las listas británicas de álbumes, alcanzando como puesto más alto el #7 con los discos Sentimental Journey y "Ringo". En Estados Unidos, su disco homónimo se izó hasta la segunda posición de las listas de éxitos. En 1971, fundó junto a Robin Cruikshank una compañía de muebles. Entre los diseños exclusivos de Ringo figuraban mesas con flores en forma de corazón que incluían pétalos

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Ringo Starr ajustables.[11] Su álbum de 1973 Ringo supone el mayor éxito comercial de su carrera. Producido por Richard Perry y con la colaboración por separado de los otros tres miembros de → The Beatles, Ringo se convierte en el Beatle más exitoso. Su siguiente álbum, Goodnight Vienna, mantendrá el listón de su predecesor y se convertirá en otro éxito del artista. Éxitos y notables temas de ambos discos son "Photograph" y "You're Sixteen", que alcanzan el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses, así como "I'm The Greatest", compuesta por → John Lennon, "Only You (And You Alone)" y "No No Song". A finales de 1975, estos temas, junto a a otros éxitos anteriores, serán recopilados en el álbum Blast From Your Past, que supone la última publicación bajo el sello Apple Records. La carrera musical de Ringo comenzó a disminuir posteriormente en relación a su impacto comercial, si bien continuó grabando discos y reteniendo la presencia de celebridades musicales. A mediados de los años 70 firmó un contrato con Atlantic Records, publicando en 1976 Ringo's Rotogravure. A pesar de convertirse en un éxito menor, el álbum alcanzó buenos niveles de ventas. El siguiente álbum de estudio, Ringo the 4th, fue un fracaso comercial, por lo que pronto tendría que firmar un nuevo contrato con Portrait Records. Su comienzo en la discográfica fue prometedor: 1978 vio la edición de Bad Boy y de un especial de televisión titulado Ognir Rats ('Ringo Starr' al revés). Tristemente, ambos resultaron un fracaso, por lo que Ringo no volvió a publicar un álbum bajo el sello Portrait. En 1975, Starr fundó su propia compañía discográfica, llamada Ring O'Records, publicando cuatro discos entre 1975 y 1978: Startling Music, de David Hentschel; Graham Bonnet, de Graham Bonnet, Restless, de Rab Noakes, y The Whale, de John Tavener, así como dieciséis singles de artistas como Bobby Keys, Carl Grossman, Colonel Doug Bogie, David Hentschel, Graham Bonnet, Suzanne, Johnny Warman, Stormer, Rab Noakes y Dirk & Stig. En 1980, George Harrison escribió "All Those Years Ago" para el álbum de Ringo Can't Fight Lightning, publicado posteriormente como Stop and Smell the Roses. Sin embargo, y tras el asesinato de → John Lennon el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Harrison publicó la canción en su disco Somewhere in England, con la colaboración de → Paul, Linda McCartney y Ringo Starr en el tema. Stop and Smell the Roses fue un álbum bien recibido por la crítica, si bien supuso un fracaso comercial. La composición de Harrison "Wrack My Brain" supuso la última entrada, hasta la fecha, de Ringo entre los primeros cuarenta puestos de las listas de éxitos. Accidentalmente, Lennon tenía preparados dos temas para el álbum Stop and Smell the Roses: "Nobody Told Me" y "Life Begins At 40". Sin embargo, tras el asesinato de Lennon, Ringo no se sentía a gusto grabando las canciones, de modo que fueron entregadas a Yoko Ono para posteriormente ser publicadas en el álbum póstumo de Lennon Milk and Honey. El 27 de abril de 1981 contrae matrimonio con Barbara Bach, actriz principal en la película de 007 La espía que me amó. En 1983 edita el álbum Old Wave, producido por Joe Walsh, el cual únicamente verá la luz en Alemania, Canadá, Australia, Brasil, México, Japón, Nueva Zelanda y Holanda. En 1984, Starr trabaja como narrador de la serie infantil de televisión Thomas the Tank Engine and Friends. En un principio se sintió inseguro en su nueva faceta al no haber leído los libros del reverendo Awdry. Sin embargo, cambió de opinión y tomó parte de la serie, narrando las primeras dos temporadas. Además, Ringo representó el papel de Mr. Conductor en el programa Shining Time Station, haciendo su debut en 1989.

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Ringo Starr

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Dentro del campo de la música, su problema con el alcohol le apartará relativamente de los estudios de grabación hasta finalizar su rehabilitación a comienzos de 1989. Un año antes, graba junto a → George Harrison el tema "When We Was Fab", del álbum Cloud Nine. A comienzos de 1989, tras colaborar junto a Harrison y a Jeff Lynne en el tema de Tom Petty "I Won't Back Down", Ringo organizó una serie de conciertos bajo el nombre de Ringo Starr and His All-Starr Band, reuniendo en el grupo a conocidos músicos de distintas décadas. El formato de los conciertos consistía en una selección de canciones interpretadas por Ringo, tanto de su carrera en solitario como de su etapa en → The Beatles, alternadas con temas de los músicos que lo acompañaban mientras Ringo regresaba a la batería. La novena gira de la All-Starr Band tuvo lugar en el verano de 2006. El éxito de su primera gira animó a Ringo a trabajar en un nuevo álbum de estudio, Time Takes Time, finalmente publicado en 1992. Recibió una sustancial promoción al tiempo que el single "Weight Of The World" fue notablemente radiado. Los críticos consideraron Time Takes Time, producido por Phil Ramone, Don Was, Jeff Lynne y Peter Asher, como el mejor trabajo discográfico de Ringo desde su disco homónimo. Asimismo, para su grabación contó con la colaboración de Brian Wilson y Harry Nilsson. En 1997, tras el éxito del proyecto Anthology que rescata el legado musical de → The Beatles para acercarlo a un público más joven, Ringo es invitado por → Paul McCartney para participar en dos canciones del álbum Flaming Pie. En él, el tema "Little Willow" es dedicado a la primera esposa de Ringo, Maureen Starkey, fallecida a causa de un cáncer. La grabación de "Beautiful Night" incluye a Ringo en la batería, mientras al día siguiente ambos grabaron una tema improvisado titulado "I Really Love You", acreditado a McCartney/Starkey. 1998 vio la publicación de dos álbumes bajo el sello discográfico Mercury. El álbum de estudio Vertical Man, que recibió buenas reseñas por parte de los críticos musicales, supuso el inicio de una relación laboral con Mark Hudson, productor de los siguientes cuatro álbumes, junto a la banda The Roundheads. De forma adicional, varios artistas invitados se unieron en la grabación de cierto número de canciones, incluyendo entre ellos a George Martin, → Paul McCartney y → George Harrison. Asimismo, The Roundheads y Joe Walsh se unieron a Ringo en su aparición en el programa VH1 Storytellers, que fue publicado posteriormente como álbum bajo el mismo título. A lo largo del concierto, alternó las canciones con detalles y anécdotas sobre su composición. En 2001, Starr y Harrison fueron invitados a la grabación del álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocando en dos temas. A finales del mismo año, Ringo sufrió una fuerte conmoción por la pérdida de su compañero y amigo → George Harrison el 29 de noviembre a causa de un cáncer de garganta. En 2002, Ringo fue admitido en el Percussive Hall of Fame como Buddy Rich, William F. Ludwig, Sr. y su hijo.

[12]

, que incluye a celebridades

El 29 de noviembre de 2002, Ringo interpreta las canciones "Photograph" y "Honey Don't" en el concierto homenaje a George celebrado en el Royal Albert Hall, al cumplirse el primer aniversario de la muerte de Harrison. Según palabras de la web oficial [13], "Ringo cautivó a todos con una interpretación de "Photograph" que parecía resumir el sentimiento general." La canción incluye los versos "Every time I see your face / it reminds me of the places we used to go / But all I've got is a photograph / and I realize you're not coming back anymore", que, en palabras de Ringo, tenían un significado diferente tras el fallecimiento de Harrison.

Ringo Starr Un año después, Starr graba para el sello independiente Koch Records y publica Ringo Rama, avalado por la crítica como el mejor disco de su carrera musical. En él incluye el tributo a George Harrison "Never Without You" y aparecen Billy Preston, Eric Clapton, David Gilmour y Willie Nelson como artistas invitados. En 2005, publica Choose Love, que incluye la colaboración de Billy Preston y Chrissie Hynde. El mismo año, Ringo anuncia públicamente la realización de un cómic de manos de Stan Lee para producir un nuevo superhéroe basado en la personalidad de Starr. Asimismo, en septiembre, el Ayuntamiento de Liverpool anuncia el derribo de la casa de nacimiento de Starr por no tener 'significado histórico' [14], a pesar del indulto concedido en julio [15]. Posteriormente, el Ayuntamiento anunció la desestructuración del edificio ladrillo a ladrillo para preservarlo. A mediados de 2006, Ringo se embarca en su novena gira con la All-Starr Band, con Sheila E. en la percusión, el bajista Hamish Stuart y Edgar Winter como incorporaciones. El día de su sexagésimo sexto cumpleaños, el 7 de julio de 2006, la gira recala en Florida. Poco después, participa en el álbum de duetos de Jerry Lee Lewis, Last Man Standing, cantando el tema de Chuck Berry "Sweet Little Sixteen". En junio de 2007 era de esperar la publicación del nuevo álbum de estudio de Ringo, titulado provisionalmente Liverpool 8 y producido por David Stewart y Mark Hudson. Sin embargo, su publicación ha sido aplazada hasta comienzos de 2008 debido a un enfrentamiento entre Hudson y Starr que provocó cierto distanciamiento entre ambos. Bruce Grakal, compañero de gira de Ringo, declaró a la prensa que la relación laboral entre Hudson y Starr estaba rota y que no volverían a trabajar juntos, debido al cese del primero como director musical de la última gira para hacer un programa televisivo [16]. El 26 de junio de 2007, Ringo participó en el programa de la CNN Larry King Live junto a → Paul McCartney, Yoko Ono, Olivia Harrison y el fundador del Cirque du Soleil Guy Laliberté para la promoción del espectáculo circense "Love" que se desarrolla en Las Vegas, Nevada. El 28 de agosto de 2007, coincidiendo con la edición en formato digital de sus cuatro primeros álbumes editados bajo el sello EMI, se publica el recopilatorio Photograph: The Very Best of Ringo. El pasado 4 de abril de 2009 Ringo Starr y → Paul McCartney tocaron juntos en Nueva York en una obra de beneficencia, el tema With_a_Little_Help_from_My_Friends, no se les había visto tocar juntos desde el homenaje a → George Harrison en el año 2002

¿Caballero del Imperio británico? En diciembre de 2006, el columnista de The Times Daniel Finkelstein dio comienzo a una campaña[17] para solicitar el título de Sir para Ringo.[18] Si bien supone un intento para probar el recién introducido sistema de peticiones en la web del Gobierno británico, Finkelstein admite que "él (en referencia a Ringo) merece el título" y parte de las siguientes razones sin respuesta por las cuales debe ser investido Caballero: 1. → The Beatles no son sólo un grupo de música Rock, sino que cambiaron la cultura popular. 2. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Tom Jones es Caballero. 3. ¿Han oído la batería del álbum Abbey Road? 4. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Cliff Richard es Caballero. 5. → The Beatles son un símbolo de la creatividad del país que es reconocida en cualquier parte del planeta.

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Ringo Starr 6. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Errol Brown, de Hot Chocolate, es Miembro también. 7. Antes de que Ringo se uniera al grupo no había nada. 8. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Gerry Marsden de Gerry and the Pacemakers, es Miembro también. 9. ¿Han visto la película Help!? 10. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Jeffrey Archer es noble. La petición fue generalizada a los periódicos The Sun[19] y Canada National Post,[20] recibiendo un total de 1887 firmas. Aun así, el propio Ringo declaró que no tiene interés en dar promoción a la Familia Real británica y que no está interesado en ser Caballero, según declaró en una entrevista publicada en la edición deluxe de Ringo Rama: Entrevistador: Al final de la canción [en referencia a "Elizabeth Reigns"], ¿cuál es tu opinión acerca de la Reina y compañía?. Al final dices, "Bien, ahí viene mi título de Caballero." Starr: "Ahí viene mi título de Caballero." Sí, creo que se eso ya es pasado. Entrevistador: ¿Te molesta no recibir el título? Starr: No, no quiero ser un Caballero, prefiero ser un duque o un príncipe. Así que si me proponen eso, me lo pensaría seriamente.

Premios y reconocimiento El 12 de junio de 1965, Ringo y el resto de → The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre. En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar. Figura, además, como miembro de The Beatles en el Rock and Roll Hall of Fame desde 1988. Desde entonces, → Lennon en 1994, → McCartney en 1999 y → Harrison en 2004 fueron inducidos como reconocimiento a sus carreras en solitario. Pese a todo, el 5 de septiembre de 2007 fue anunciado su inclusión en la votación para figurar como miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su carrera musical en solitario. El asteroide (4150) Starr, descubierto el 31 de agosto de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor.[21]

Filmografía The Caveman (El Cavernicola)

Referencias [1] http:/ / www. ringostarr. com [2] Lewisohn, Mark (1988). The Beatles Recording Sessions, pp. 20. [3] Sheff, Davis (2000). All We Are Saying: The Last Major Interview with John Lennon and Yoko Ono. St. Martin's Press. ISBN 0-312-25464-4. [4] « PAS Hall of Fame, Ringo Starr (http:/ / www. pas. org/ About/ HofDetails. cfm?IFile=starr)». [5] « Ringo's Drumming (http:/ / web2. airmail. net/ gshultz/ drumpage. html)». [6] « Referencia de Phil Collins a "A Day In The Life", 1'39" (http:/ / youtube. com/ watch?v=74cQutLM9Dk)». Consultado el 08-05-2007.

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Ringo Starr [7] « Entrevista a Ringo Starr en 1976 (http:/ / www. geocities. com/ ~beatleboy1/ db1976. 00rs. beatles. html)». The Beatles Ultimate Experience Database. [8] « Postcards From The Boys (http:/ / www. genesis-publications. com/ books/ ringo/ comment. html)». [9] Lewisohn, Mark (1988). The Beatles Recording Sessions. Nueva York: Harmony Books, pp. 173. ISBN 0-517-57066-1. [10] « La importancia de Ringo como batería (http:/ / web2. airmail. net/ gshultz/ drummer. html)». [11] « Sección de la revista "People" (http:/ / radio. weblogs. com/ 0108008/ images/ TIME/ people. jpg)». [12] http:/ / www. ringostarr. com/ movies. php?id=113 [13] http:/ / www. concertforgeorge. com [14] http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ england/ merseyside/ 4229068. stm [15] http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ england/ merseyside/ 4676121. stm [16] http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ entertainment/ 6766645. stm [17] « Petición al Primer Ministro británico para recomendar a la Reina el nombramiento de Ringo Starr como Caballero de la Orden del Imperio Británico (http:/ / petitions. pm. gov. uk/ Ringostarr/ )». Consultado el 09-03-2007. [18] Finkelstein, Daniel. « Ringo and power law (http:/ / timesonline. typepad. com/ comment/ sign_up_to_support_sir_ringo/ index. html)». TimesOnline. [19] Brown, Derek (16-12-2006). « Arise, Sir Ringo, you are a Starr (http:/ / www. thesun. co. uk/ article/ 0,,2-2006580262,00. html)». The Sun Online. Consultado el 09-03-2007. [20] Doherty, Mike; Nestruck, J. Kelly (12-12-2006). « Knight Ringo? (http:/ / www. canada. com/ nationalpost/ news/ artslife/ story. html?id=6eeda248-0638-44c2-938e-155a031a00ed)». National Post. Consultado el 09-03-2007. [21] « (4150) Starr (http:/ / www. cfa. harvard. edu/ iau/ special/ rocknroll/ 0004150. html0)». Harvard-Smithsonian Center for Astrophysics.

Enlaces externos • RingoStarr.com (http:/ / www. ringostarr. com) Sitio oficial de Ringo Starr • Ringo Starr & His All-Starr Band (http:/ / www. ringotour. com) • RingoRama.com (http:/ / www. ringorama. com) Sitio oficial del disco Ringo Rama • MySpace.com (http:/ / www. myspace. com/ ringostarr) Sitio web con videos y temas del álbum recopilatorio Photograph • TheBeatles.com (http:/ / www. thebeatles. com) Sitio oficial de The Beatles

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Pete Best

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Pete Best Pete Best (24 de noviembre 1941, Madrás, India) es un músico británico conocido por haber sido el primer baterista de → The Beatles, la famosa banda de pop-rock. Best comenzó a tocar con el grupo en 1959 y continuó en la gira de Hamburgo (1960-1961), permaneciendo hasta el 16 de agosto de 1962 poco después de la primera audición para EMI. Fue entonces reemplazado por Richard Starkey, más conocido como → Ringo Starr.

Biografía Pete Best era hijo de Mona Best, propietaria del Casbah Club, que funcionaba en el sótano de su casa en Liverpool, lugar en el que tocaban los Beatles, Pete se integró al grupo el 12 de agosto de 1960, un día antes de que los Beatles salieran para Hamburgo, donde los habían contratado con la condición de encontrar antes un baterista.

Pete Best

Best fue despedido por el manager de Los Beatles, Brian Epstein el 16 de agosto de 1962. La razón fue que George Martin, quien se había convertido en productor de la banda, estaba insatisfecho con el modo de tocar la batería de Best, y había intentado reemplazarlo durante las grabaciones. De hecho, Martin reemplazó efectivamente a Best con un baterista del estudio, Andy White, en la primera sesión para la grabación del single "Love me do" (Ámame). La decisión parece haber sido el desenlace lógico de una falta de compromiso de Best con el grupo. Mientras → John Lennon, → Paul McCartney, → George Harrison y, en los primeros tiempos,→ Stuart Sutcliffe solían permanecer juntos después de los ensayos, Best generalmente se iba solo. Ellos mantenían incluso una estrecha relación con Starr, quien incluso llegó a reemplazar a Best en bolos a los que éste no se presentaba. Además, Best resultaba ajeno a muchas experiencias del grupo, tanto en el sentido del humor como en el estilo que estaban desarrollando. Por ejemplo, cuando John, Paul y George adoptaron el corte de cabello «Mop Top» (Principito), que sería característico de la banda, Best no lo hizo. Epstein intentó consolar a Best ofreciéndole organizar otra banda, manteniéndolo a él como líder de la misma. Sin embargo Best no se mostró interesado. Posteriormente comenzó a trabajar como panadero durante un año y luego como funcionario hasta el año 1988, momento en el que decidió volver al ámbito musical con su propia banda.

Pete Best Cuando se conoció la noticia del reemplazo de Best, muchos fanáticos de Los Beatles manifestaron su desacuerdo, e incluso uno de ellos le pegó un puñetazo en un ojo a Harrison, considerado el principal responsable, dejándoselo negro. Muchas fanáticas consideraban que Best era el más guapo del grupo y durante cierto tiempo protestarían en los recitales gritando: «Pete es best(mejor)» «¡Por siempre Pete, nunca Ringo!» (Pete is best! Pete forever, Ringo never!). La calidad musical de Best ha sido materia de debate entre los simpatizantes de Los Beatles. Los Beatles eran considerados como un buen grupo antes de que comenzaran las grabaciones en EMI, y la ejecución de la batería por Best era generalmente considerada como sólida. Su intervención en dos demos de Love Me Do de 1962 (incluido en "Antología"), es virtualmente imposible de distinguir de la exitosa versión grabada posteriormente con Ringo Starr. Su mayor defecto era la falta de creatividad; en las dos grabaciones Pete Best se mantiene tocando de un modo estándar y utilizando variantes convencionales. Starr, por el contrario, mostró ser más innovador, abriendo un nuevo estilo para tocar la batería, a partir del protagonismo de la mano izquierda, y componiendo partes especiales que se adecuaban a las necesidades de cada canción. El especialista en historia de la música pop, Spencer Leight, escribió en 1988 un libro sobre la expulsión de Pete Best: Drummed Out: The Sacking of Pete Best. Leight sostiene que la envidia y los celos, en especial de Paul McCartney, jugaron el papel principal en la expulsión y ello parece haber sido exacerbado por un reportaje realizado por la revista Mersey Beat durante el recital Teenagers Turn donde se relata: John, Paul y George hicieron su entrada el escenario entre vivas y aplausos, pero cuando Pete entró, los fans se volvieron locos. ¡Las chicas gritaban! En Manchester se ganó su popularidad sólo con su apariencia.[1] Best fue prácticamente asaltado a la salida del escenario por unas 400 chicas, mientras que al resto del grupo le permitieron pasar después de firmar algunos autógrafos. El padre de Paul, Jim McCartney, estaba presente y le reclamó a Best: ¿Por qué tienes que atraer toda la atención? ¿Por que no llamaste a los demás? Creo que fue muy egoísta por tu parte. El padre de Paul puso en evidencia el conflicto cuando tiempo después, una vez que Best había sido despedido, y se encontraban juntos en la Caverna durante una grabación para televisión, le dijo con evidente mala fe: «Maravilloso, ¿no? Están en televisión». Observadores presentes en ese momento dicen que Best hizo un chasquido con su lengua y se retiró.

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Pete Best

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Bibliografía • Leigh, Spencer (1998). Drummed Out: The Sacking of Pete Best. Northdown. ISBN 1-900711-04-4.

Véase también • Los Beatles

Enlaces externos • Página oficial de Pete Best

[2]

Multimedia • • • •

Video Entrevista 1997 Video Entrevista 2004 Video Entrevista 2005 Videos variats de Pete

a Pete Best a Pete Best a Pete Best Best [6]

• Audio Entrevista a Pete Best • Música de Pete Best [8]

[3] [4] [5]

[7]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]

Leigh, Spencer (1998). Drummed Out: The Sacking of Pete Best. Northdown. http:/ / www. petebest. com/ index. asp http:/ / www. vidiac. com/ video/ ff60a5d1-844c-4939-9e19-99170107d280. htm http:/ / www. vidiac. com/ video/ 6fadb546-3f32-4975-810b-991701058a77. htm http:/ / www. vidiac. com/ video/ c3c74616-179c-4862-a275-9910009b4f8f. htm http:/ / www. youtube. com/ watch?v=i_p3tKjy1xA http:/ / home. att. net/ ~chuckayoub/ the_beatles_video_5. htm http:/ / www. vh1. com/ artists/ az/ best_pete/ 175547/ album. jhtml

Stuart Sutcliffe

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Stuart Sutcliffe Stuart Sutcliffe (23 de junio de 1940, Edimburgo, Escocia - 10 de abril de 1962, Hamburgo Alemania). Bajista original de → The Beatles conocido también, al igual que otras personas, como el Quinto Beatle . Fue amigo íntimo de → John Lennon y por quien entra al grupo en 1959. Cursó estudios en el Art College de Liverpool, donde a los 19 años le consideraron como el más talentoso y prometedor estudiante. Según cuenta Paul cuando Stu vendió una de sus pinturas en 1959 por 65 libras, John y Paul le convencen de comprar con ese dinero un bajo eléctrico alemán marca Hofner y unirse a la banda, el cual muy difícilmente sabía tocar. Se dice que lo usaba más por estética que por interés genuino de ser músico, según Paul "era mejor tener un bajista que no sabía tocar que no tener bajista". En algunas de las primeras fotos del grupo cuando aún eran desconocidos se le puede ver tocando de espalda al público para ocultar su falta de práctica. En realidad su interés por ser parte de una banda de Rock & Roll, además de su amistad con John, era el de reforzar su imagen de "bohemio" en el instituto. Es en esos inicios de la banda cuando se da la aportación humorística de Stuart para la creación del término Beatles (los que hacen música beat), junto con Lennon, aprovechando el juego de palabras que resultaba de "Beetles" (Escarabajos), parecido al nombre del grupo de Buddy Holly "Crickets" (Grillos). Surge así en su etapa inicial el grupo "Long John and the Silver Beatles", posteriormente sería solamente "The Silver Beatles" y finalmente el nombre con el que pasarían a la historia, → The Beatles. Después de haber tocado una noche en el Litherland Town Hall, en el norte de Liverpool, los "Silver Beatles" fueron sorprendidos mientras salían por su camioneta. En la pelea, Stu resultó golpeado y pateado en la cabeza. Esa lesión repercutirá en Stuart más tarde. En 1961 el grupo había realizado su segunda gira por Hamburgo, Alemania, y al final la banda regresa a Liverpool, menos Stuart, quien decide quedarse más tiempo para desarrollar más su inclinación por la pintura. En esa época, Stu había comenzado una relación sentimental con la fotógrafa alemana Astrid Kirchherr (inspiradora del famoso peinado "Mop Top" -Principito- beatle) y muy amiga de estos, junto al bajista, también alemán, Klaus Voormann, posterior integrante de Manfred Mann y Plastic Ono Band, esta última liderada por John Lennon postbeatle y su esposa Yoko). El 10 de abril del año siguiente, 1962, morirá a consecuencia de una hemorragia cerebral, contando apenas con 21 años. Justo en la víspera de la tercera gira del grupo por esa ciudad y días después del lanzamiento del primer single de The Beatles "Love Me Do".

Enlaces externos • Página oficial de Stuart Sutcliffe

Referencias [1] http:/ / stuartsutcliffeart. com

[1]

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The Jimi Hendrix Experience The Jimi Hendrix Experience The Jimi Hendrix Experience Información personal Origen

Londres, Inglaterra

Estado

Separados Información artística

Género

Rock, Rock psicodélico, Hard rock, Blues, Rock Ácido

Período de actividad

1966 - 1969 Miembros → Jimi Hendrix† → Noel Redding† → Mitch Mitchell†

The Jimi Hendrix Experience fue un grupo de rock británico-estadounidense de final de los años 1960, que a pesar de su corta existencia tuvo una influencia decisiva en el posterior desarrollo del rock. Destacó principalmente por el virtuosismo de su guitarrista principal, → Jimi Hendrix, que suele ser considerado el guitarrista más grande de todos los tiempos. Algunas de las canciones más populares de los trés únicos álbumes de estudio del grupo son «Purple Haze», «Foxy Lady», «Hey Joe», "Voodoo Child (Slight Return)», «All Along The Watchtower» (versión del tema homónimo de Bob Dylan),«Red house», «Little Wing» y «Angel». Si bien Hendrix era el líder y centro de atención, los otros dos miembros fueron vitales y tuvieron una gran importancia en el éxito del grupo.

Integrantes • → Jimi Hendrix - guitarra, voz principal. • → Noel Redding - bajo. • → Mitch Mitchell - batería.

Discografía • Are You Experienced? (UK: mayo de 1967; US: agosto de 1967) (UK: #2; US: #5) enero de [[]]). • Axis: Bold As Love (diciembre de 1967) (UK: #5; US: #4). • Electric Ladyland (septiembre de 1968) (UK: #5; US: #1).

The Jimi Hendrix Experience

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Véase también • → Jimi Hendrix

Jimi Hendrix Jimi Hendrix

Retrato realista a lápiz de Jimi Hendrix. Información personal Nombre

James Marshall Hendrix (tcc Johny Allen Hendrix)

Nacimiento

27 de noviembre de 1942

Origen

Seattle, Washington, Estados Unidos

Muerte

18 de septiembre de 1970, (27 años) Londres, Inglaterra

Ocupación(es)

Guitarrista, cantante, compositor Información artística

Alias

Jimi Hendrix Buster

Género

Blues rock, hard rock, psicodelia, álbum rock, soul psicodélico, [1] acid rock

Instrumento(s)

Guitarra Eléctrica

Período de actividad

1965 - 1970

Artistas relacionados

→ The Jimi Hendrix Experience

Band of Gypsys The Isley Brothers Cream Web Sitio web

www.jimihendrix.com

[2]

Jimi Hendrix

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James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk. Su

exhibición

durante

cierre

del

festival

Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

Caricatura de Jimi Hendrix.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.[3] En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.[4] y en 2004 lo consagro #6 en su lista de los mejores artistas de toda la historia

Biografía Adolescencia e inicios

Busto de Hendrix en Kielce, Polonia.

Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix. El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en

Lugar donde está enterrado Jimi Hendrix

Jimi Hendrix

tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos Conmemoración a Hendrix en la 5.ª más experimentados y escuchando discos. En 1958, el Avenida, en Seattle. año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.[5] En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.[6] Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.[7] [8]

El acercamiento a la escena musical Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals.[9] El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix. Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit[10] y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues. Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur

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Jimi Hendrix del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem).[11] La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de → Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon.[5] Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.

La subida hacia el éxito Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico. Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington. En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.[12] No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su

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Jimi Hendrix considerable bagaje guitarrístico. En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;[13] entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California[14] a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy. Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento. Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter.[15] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de → Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.[16]

The Jimi Hendrix Experience 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento. Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista → Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista → Mitch Mitchell. Había nacido la Jimi Hendrix Experience. El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el

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Jimi Hendrix mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de → The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records. El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido a la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cries Mary; las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el que normalmente abrían sus conciertos) y Rock Me Baby de B.B. King.

La consagración estadounidense en el Monterey Pop Festival En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida. La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de → Paul McCartney[17] - a la histórica edición del Monterey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor" que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor.[18] Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes. Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.[19] La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendría acogido tanto en las exhibiciones en directo del guitarrista como en sus lanzamientos discográficos.

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Jimi Hendrix

Axis: Bold as Love El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk de James Brown, Blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en standard en la producción del guitarrista. El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida. Sucedió de hecho que Jimi olvidó el master tape ya remezclado de la cara A del disco en el asiento posterior de un taxi, sin ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que los masters originales deberían haber sido entregados poco tiempo después para la impresión del LP; toda la cara A del trabajo tuvo entonces que ser remezclada a partir de los multitrack del bajo en una única noche de trabajo. Hendrix y su histórico técnico Eddie Kramer afirmarían poco tiempo después no estar completamente satisfechos con el resultado.[20] Hubo otros contratiempos relacionados con el diseño de la portada: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas - refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de norteamerica - vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una portada en la cuál Hendrix, → Redding y → Mitchell lucen los vestidos de las deidades hindúes Durga y Visnú. De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol.[21]

Electric Ladyland La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

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Jimi Hendrix La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre teclista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.[22] No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer. Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.[23]

El final de Jimi Hendrix Experience Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista → Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia. La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas. La frustración de → Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista.;[24] resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismísima Experience.[25] A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para volver a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans.[26] La ruptura con → Redding fue oficializada al día siguiente.

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Jimi Hendrix Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroína en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa.[27] En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

Woodstock y la nueva formación El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores pagantes) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados. El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra.[28] La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el por qué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así".[29] Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema Machine Gun, contenido en su

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Jimi Hendrix último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.[30]

Muerte de Jimi Hendrix El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido. Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de que morir en un accidente aéreo.[31] Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: → Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, → Kurt Cobain y Brian Jones).

Experience Music Project En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

El sonido, la euforia y la psicodelia Hendrix era musicalmente lírico, esto significa que no tenia estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando "riffs" hipnóticos llenos de poder y fuerza, "la guitarra parecía parte de su cuerpo" dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.

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Discografía The Jimi Hendrix Experience • (1967) Are You Experienced? • (1967) Axis: Bold as Love • (1968) Electric Ladyland

En solitario • 1970: Band of Gypsys (en vivo). • 1997: First Rays of the New Rising Sun (disco póstumo).

Otros • Blues (1994): 11 piezas bluseras incluyendo composiciones originales y algunas covers. • South Saturn Delta (1997): Una de las primeras colecciones de rarezas. • BBC Sessions (1998): Las grabaciones oficiales en la emisora BBC en 1967 y 1969. • Live at the Fillmore East: Los dos primeros conciertos de Band of Gypsys en víspera de año nuevo de 1970. • Live at Woodstock (1999): Edición oficial de su presentación en el festival de Woodstock en 1969. • The Jimi Hendrix Experience (MCA Box) (2000): La gran caja de cuatro discos, llena de canciones raras. • Blue Wild Angel: Live at the Isle of Wight (2002): Edición oficial de su legendario concierto en el festival de la Isla de Wight de 1970.

Sencillos UK singles

US Hot 100

17-Mar-67 Track 604 001 Purple Haze (UK)

01-May-67 Reprise 0572 (US)

Fecha

16-Dic-66

Sello

UK singles

US Hot 100

Stone Free

51st Anniversary

Highway Chile

The Wind Cries Mary

The Stars That Play With Laughing Sam's Dice

Foxy Lady

Hey Joe

Up From The Skies

One Rainy Wish

Cara_A

Polydor 56139 Hey Joe (UK)

Hey Joe

05-May-67 Track 604 004 The Wind Cries Mary (UK) 19-Jun-67

Reprise 0597 (US)

Purple Haze

19-Ago-67 Track 604 007 Burning of the (UK) Midnight Lamp

27-Nov-67 Reprise 0641 (US) 26-Feb-68

Reprise 0665 (US)

Cara_B

Jimi Hendrix

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02-Sep-68

Reprise 0767 (US)

All Along The Watchtower

18-Oct-68

Track 604 025 All Along The (UK) Watchtower

18-Nov-68 Reprise 0792 (US) 15-Sep-69

Reprise 0853 (US)

Crosstown Traffic

Stone Free

14-Nov-69 Track 604 033 (Let Me Light Your) (UK) Fire

Burning of the Midnight Lamp

Long Hot Summer Night

Gypsy Eyes

If 6 Was 9

Burning of the Midnight Lamp

13-Abr-70

Reprise 0905 (US)

Stepping Stone

Izabella

23-Oct-70

Track 2095 001 (UK)

Voodoo Child (Slight Return)

Hey Joe

Freedom

Angel

Night Bird Flying

Remember

Star Spangled Banner (en vivo)

08-Mar-71 Reprise 1000 (US) Abr-71

Track 2094 007 (UK)

Angel

Oct-71

Track 2094 010 (UK)

Gypsy Eyes

Oct-71

Reprise 1044 (US)

Dolly Dagger

Ene-72

Reprise 1082 (US)

Johnny B. Goode (en vivo)

Loverman (en vivo)

Ene-72

Polydor 2001 277 (UK)

Johnny B. Goode (en vivo)

Little Wing (en vivo)

Ago-73

Reprise K-14286 (UK)

Hear My Train A-Comin'

Rock Me Baby (en vivo)

Ago-78

Polydor 2141-258 (UK)

Gloria

Dic-79

Reprise PRO-A-840 (US)

The Little Drummer/Silent Night/Auld Lang Syne

Three Little Bears

1982

CBS A13-2749 Are You (UK) Experienced? (en vivo)

Fire (en vivo)

1982

Reprise 7-29845 (US)

Fire (en vivo)

Little Wind (en vivo)

1999

MCA/CD 155-635-2 (US)

Are You Experienced?

Remember

Jimi Hendrix

Videografía • • • • • • •

Monterrey Pop Festival (1967) Royal Albert Hall (1967) Woodstock (1969) Band of Gypsys (1969) Royal Albert Hall (1969) Hendrix en Atlanta (1970) Isla de Wight (2004-2005)

Véase también • → The Jimi Hendrix Experience

Enlaces externos Wikiquote •

Wikiquote alberga frases célebres de Jimi Hendrix.

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jimi Hendrix.Commons • Web Oficial [32]

Referencias [1] Richie Unterberger; Sean Westergaard. « Jimi Hendrix (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& searchlink=JIMI)» (en inglés). Allmusic. Consultado el 17 de julio de 2009. [2] http:/ / www. jimihendrix. com [3] Jimi Hendrix en la Rock and Roll Hall of fame (http:/ / www. rockhall. com/ inductee/ the-jimi-hendrix-experience) [4] Datos recavados en la revista Rolling Stone (http:/ / www. rollingstone. com/ news/ story/ 5937559/ the_100_greatest_guitarists_of_all_time) [5] Notas del libro conjunto al CD Jimi Hendrix: Blues (1994) [6] Charles R. Cross. La Habitación de los Espejos - La vida, los sueños, las pesadillas de Jimi Hendrix. . Feltrinelli, p.129-131, 2005. [7] Charles R. Cross. La Habitación de los Espejos - La vida, los sueños, las pesadillas de Jimi Hendrix. Feltrinelli, p.129-131, 2005. [8] Documento relativo al periodo de Hendrix en el ejército (http:/ / www. thesmokinggun. com/ archive/ 0803051jimi1. html) [9] Historia de los King Casuals, por Larry Grogan (http:/ / funky16corners. tripod. com/ 9_johnnyjones. htm) [10] Jimi Hendrix y el Chitlin' Circuit (http:/ / www. soul-patrol. com/ funk/ jh_chitlin. htm) [11] Perfil artístico y discográfico de los gemelos Allen (http:/ / www. discogs. com/ artist/ Aleem) [12] Entrevista a Tommy Chong sobre su colaboración con Hendrix (http:/ / www. harpmagazine. com/ articles/ detail. cfm?article_id=6162) [13] Sitio oficial de Randy Califormia (http:/ / www. randycaliforniaandspirit. com/ biography. html) [14] Sitio oficial de Randy Califormia (http:/ / www. randycaliforniaandspirit. com/ biography. html) [15] Archivo on-line de artículos y material sobre la Jimi Hendrix Experience (http:/ / www. experiencefestival. com/ a/ Jimi_Hendrix_-_1965-1966/ id/ 5185888) [16] Archivo on-line de artículos y material sobre la Jimi Hendrix Experience (http:/ / www. experiencefestival. com/ a/ Jimi_Hendrix_-_1965-1966/ id/ 5185888) [17] Artículo de la BBC sobre la participación de Hendrix en la edición del Monterrey Pop Festival de 1967 (http:/ / www. bbc. co. uk/ music/ sevenages/ events/ blues-based-rock/ hendrix-at-monterey-pop-festival/ ) [18] Live At Monterey Pop Festival 1967 (DVD) [19] Artículo y foto de un pedazo del instrumento en el sitio del Experience Music Project (http:/ / www. empsfm. org/ exhibitions/ index. asp?articleID=658#rs2) [20] Notas del librito perteneciente a la edición remasterizada de Axis: Bold As Love (1997) [21] El arresto de Jimi Hendrix en Estocolmo (http:/ / www. 8notes. com/ biographies/ hendrix. asp#1968)

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Jimi Hendrix

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[22] Notas del librito conjunto a la edición remasterizada de Electric Ladyland(1997) [23] Billy Cox, Eddie Kramer y John McDermott. La historia de Jimi Hendrix: todas las grabaciones de estudio (1963-1970). [24] AllMusic.com - Biografía de los Fat Mattress (http:/ / www. allmusic. com/ cg/ amg. dll?p=amg& searchlink=FAT|MATTRESS& sql=11:g9fyxqy5ld0e~T1) [25] [http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&searchlink=FAT|MATTRESS&sql=11:g9fyxqy5ld0e~T1 Biografía de los Fat Mattress [26] Reportaje sobre los desórdenes en el Denver Pop Festival (http:/ / www. bobwyman. com/ hendrix. html) [27] Nota sobre el proceso por droga a cargo de Hendrix (http:/ / www. 8notes. com/ biographies/ hendrix. asp#1969) [28] Live At Woodstock 1969 (DVD) [29] En vivo durante "The Dick Cavett Show" (DVD) [30] Billy Cox, Eddie Kramer y John McDermott. La historia de Jimi Hendrix: todas las grabaciones de estudio (1963-1970). [31] J. Tapper, «Jimmy Hendrix [''sic''] 'was murdered' by his manager, claims roadie», en dailymail.co.uk, 31 de mayo de 2009 (http:/ / www. dailymail. co. uk/ news/ article-1189805/ Hendrix-murdered-manager-claims-roadie. html). Enlace consultado el 19 de junio de 2009. [32] http:/ / www. jimi-hendrix. com/

Noel Redding Noel Redding Información personal Nacimiento

25 de diciembre de 1945 en Folkstone, Inglaterra

Muerte

11 de mayo de 2003 en County Cork, Irlanda Información artística

Género

Rock Rock sicodélico Hard rock

Instrumento(s)

Guitarra Bajo

Período de actividad

1966 - 2003

Noel David Redding (25 de diciembre de 1945 – 11 de mayo de 2003) fue un guitarrista de Rock más conocido como el bajista de → The Jimi Hendrix Experience

Biografía Nació en Folkstone, Inglaterra. Fue elegido por Chas Chandler para unirse a la banda de → Jimi Hendrix en 1966, que abandonó en 1969. Aunque actuó en otras bandas antes y después de la muerte de Hendrix, nunca alcanzó un nivel similar de éxito, y decidió radicarse en Irlanda, en 1972. A la edad de 9 años Noel tocaba el violín en el colegio, luego el mandolín a los 12 y guitarra ya a los 14. Sus primeras aparicies en público fueron en el Hythe Youth Club y en la Harvey Grammar School, lugar donde estudiaba. Sus primeras bandas locales fueron: • The Strangers: con John "Andy" Andrews (bajo). • The Lonely Ones: en 1961 con John Andrews (bajo), Bob Hiscocks (guitarra), Mick Wibley (batería) y Pete Kircher (voces y percusiones). The Lonely Ones grabó un EP de vinilo, de

Noel Redding manera privada, en el Hayton Manor Studio en Stanford, Inglaterra en 1963. • The Loving Kind: en 1966 con Pete Carter (batería), Jim Leverton (bajo), y Derek Knight (voces). A los 17 años decidió dedicarse profesionalmente a la música e hizo una gira por Escocia y Alemania, donde tocó en diversos clubes con Neil Landon and the Burnettes y su banda The Loving Kind. Noel fue la primera persona en unirse a la "Experience" de Hendrix, y fue por accidente. Chas Chandler lo invitó a una audición y pensó que audiocionaría para la banda The Animals. Cuando llegó ahí le dijeron que lo haría para un "fantástico" guitarrista estadounidense, así lo hizo y se transformó en el bajista de Jimi Hendrix. En 1969 abandona el proyecto de Hendrix para formar Fat Mattress con Neil Landon en voces, Jim Leverton en bajo y Eric Dillon en batería. Más tarde a esta banda se uniría por un corto tiempo el guitarrista → Martin Barre antes de unirse a → Jethro Tull. Un gran esfuerzo del manager de Hendrix, Michael Jeffery, intentó reunir una vez más a The Jimi Hendrix Experience meses antes del festival de Woodstock en 1969 con el afán de revivir la popularidad de éste en los rankings. Sin embargo, pronto dejó la banda de Hendrix por última vez para avocarse a otros proyectos. En 1972 mientras vivía en Los Ángeles, Redding se unió a una banda de heavy metal llamada Road. De este experimento resultó un único álbum homónimo que salió a la venta el mismo año. A fines de 1972 se mudó a Irlanda y formó The Noel Redding Band junto a Eric Bell, Dave Clark y Lee Samson. Esta agrupación grabó dos discos RCA y realizó giras por Holanda, Inglaterra, Irlanda y Estados Unidos. La banda se separó después de una disputa con su compañía disquera. En su libro "Are You Experienced?" (co-escrito junto a Carol Appleby]], y públicamente, se refirió a su desacuerdo con la forma en que se llevó la venta de las grabaciones de Hendrix, ya que fue forzado a abandonar sus derechos de royalties en 1974. Posteriormente hizo varias grabaciones y giras a través de los años, ocasionalmente cooperando con otros artistas. En 1993, por ejemplo, tocó con Phish. Noel Redding falleció en su hogar en Irlanda a la edad de 57 años, el 11 de mayo de 2003. En la localidad de Arfield los vecinos han erigido una placa en su memoria. En 2004 salió a la venta un disco de The Jimi Hendrix Experience titulado The Experience Sessions. La colección contiene temas raros e inéditos en las que participó Redding. La mayoría de las canciones son temas que no se incluyeron en Axis: Bold As Love y Electric Ladyland que interesantemente presentan a Redding en guitarra y a Hendrix en el bajo. También contiene una versión de "Red House" con Redding en la guitarra rítmica.

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Noel Redding

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Discografía • Con The Loving Kind • Singles: • "Accidental Love"/"Nothing Can Change This Love" (1966) Piccadilly . • "I Love The Things You Do"/"Treat Me Nice" (1966) Piccadilly . • "Ain't That Peculiar"/"With Rhyme And Reason" (1966) Piccadilly. • Con → The Jimi Hendrix Experience • • • • • • •

Are You Experienced? (1967) Polydor. Axis: Bold as Love (1967) Polydor. Electric Ladyland (1968) Polydor. Smash Hits (1968) Polydor. Radio One (1989) Castle Communications. BBC Sessions (1998) MCA. The Experience Sessions (2004) Image Entertainment.

• Con Fat Mattress • Fat Mattress (1969) Polydor. • Fat Mattress II (1970) Polydor. • Singles: • "Naturally"/"Iridescent Butterfly" (1969) Polydor. • "Magic Lanterns"/"Bright New Way" (1970) Polydor. • "Highway"/"Black Sheep Of The Family" (1970). • Con Road • Road (1972) Kama Sutra. • Con Noel Redding Band • Clonakilty Cowboys (1975) RCA. • Blowin (1976) RCA. • Singles: • "Roller Coaster Kids"/"Snowstorm" RCA. • "Take It Easy"/"Back On The Road Again" RCA.

Enlaces externos • Entrevista con Noel Redding (inglés) [1] • Clarín informa de la muerte de Noel Redding

Referencias [1] http:/ / www. retrosellers. com/ features11. htm [2] http:/ / www. clarin. com/ diario/ 2003/ 05/ 14/ c-00802. htm

[2]

Mitch Mitchell

Mitch Mitchell Mitch Mitchell, (9 de julio de 1947 - 12 de noviembre de 2008), en Enealing, Middlesex, Inglaterra y fallecido en Oregón, el 12 de noviembre de 2008. Fue un influyente batería de entre finales de los años 60 y comienzo de los años 70. Se destacó por su trabajo con la banda → The Jimi Hendrix Experience. Se consagró por su trabajo en canciones como Maniac Depression y Third Stone From the Sun. Mitch fue muy influido por el jazz y fue fuertemente inspirado por su labor con Elvin Jones. Mitch comenzó una forma de tocar que sería llamada más tarde fusión, En 1966, este innovador estilo de tocar era nuevo en el Rock. En 1968 participa en el especial de televisión "The Rolling Stones Rock and Roll Circus" como batería de The Dirty Mac, un grupo formado por → John Lennon, Eric Clapton y Keith Richards, donde interpretan la canción Yer Blues. Mitch era un importante colaborador musical de → Jimi Hendrix, tocando en el trío → The Jimi Hendrix Experience desde Octubre de 1966, hasta 1969. Siendo esta su banda en el festival de Woodstock en Agosto de 1969. También trabajó con la banda Cry of Love, en 1970. Después de la muerte de → Jimi Hendrix, Mitch (junto con el ingeniero Eddie Kramer), finalizó varias grabaciones incompletas de → Jimi Hendrix, dando lugar al álbum lanzado con el nombre de Cry of Love y Rainbow Bridge. En 1972, se unió a dos guitarristas, April Lawton y Mike Pinera para formar Ramatam. Grabaron un álbum con el que abrirán el espectáculo para ELP en varios conciertos. Irónicamente, Mitch había sido invitado a tocar en ELP, en 1970, pero declinó en favor a tocar con → Jimi Hendrix. Mitch también hizo algunos trabajos con Terry Reid, Jack Bruce y Jeff Beck (sustituyendo a Cozy Powell, ya que estaba enfermo). A finales de los años 70 y hasta los años 90, Mitch sobresalió poco, haciendo trabajos eventuales (como el álbum Long Walk Home, de Junior Brown) y también participando en varios vídeos y entrevistas relacionadas con → Jimi Hendrix. Formó parte de la banda Gypsy Sun Experience, junto con el antiguo bajista de → Jimi Hendrix, Billy Cox y el guitarrista Gary Serkin. Falleció el 12 de noviembre del 2008 a los 61 años por causas naturales.

Enlaces externos • • • •

Sitio de Mitch Mitchell [1] Mitch Mitchell/John Mitchell [2] en Internet Movie Database (en inglés) Mitch Mitchell [3] en Drummerworld Mitch Mitchell, histórico batería de Jimi Hendrix [4]

Referencias [1] http:/ / www. mitchmitchell. de/ mitch/ mitchgighistory. htm [2] http:/ / imdb. com/ name/ nm0593614/ [3] http:/ / www. drummerworld. com/ drummers/ Mitch_Mitchell. html [4] http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2008/ 11/ 13/ obituarios/ 1226541523. html?a=53db4b7bea8b55b782f0e9bb3a3a92a2& t=1227165792

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Taking Head Talking Heads Talking Heads

Talking Heads durante una presentación en Horseshoe Tavern, en Toronto, el 13 de mayo de 1978. Información personal Origen

Nueva York, EE. UU. Información artística

Género

Rock, punk rock, post-punk, Funk, Rock alternativo, New Wave

Período de actividad

1974 - 1991

Discográfica(s)

Sire Records Web

Sitio web

www.talking-heads.net

[1]

(Fan Site)

Miembros → David Byrne - Vocales, Guitarra

Chris Frantz - Batería Tina Weymouth - Bajo Jerry Harrison - Guitarra, Teclados

Talking Heads fue una banda de rock formada por → David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth.[2] Un par de años después se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación.

Historia Esta banda fue una de las más representativas bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, el cual influenció y sigue influenciando la música popular. Encabezado por el músico → David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

Talking Heads

Los primeros años (1974-1977) Formada en 1974 en la ciudad de Nueva York, la banda se llamó inicialmente The Artistics, y está formada por tres miembros, → David Byrne (voz principal y guitarra), Chris Frantz (batería, percusión), y Tina Weymouth (bajo y coros). Los tres fueron alumnos de la Escuela de Diseño de Rhode Island. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: "Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de 'todo contenido, nada de acción'". Se mudaron a Nueva York y fueron teloneros de The Ramones en el legendario club CBGB. En 1976, se unió Jerry Harrison (guitarra, teclados y voz), exmiembro de la banda de Jonathan Richman, The Modern Lovers. El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977. El grupo lanzó su primer single, "Love - Building On Fire" en febrero de ese año. Su primer álbum, Talking Heads: 77 fue lanzado a continuación y no contenía el primer single.

Con Brian Eno (1978-1982) Esto fue con su segundo álbum, en 1978 More Songs About Buildings and Food con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 "King's Lead Hat" es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer "Psycho Killer" del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green's de More Song's "Take Me to the River" la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general. La experimentación continuó con Fear of Music en 1979, el cual filtreaba con el oscuro estilo del post-punk rock. El single "Life During Wartime" creó el himno "This aint's no party, this ain't no disco". Remain in Light, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda Nigeriana Fela Kuti de quienes Eno introdujo su música en la banda, explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial. Para interpretar todos esos complejos arreglos la banda fue de gira con más miembros en el grupo, primero en el Festival de Heatwave en agosto, y más tarde en sus famosos conciertos de la película Stop Making Sense. El single del álbum Once in a Lifetime, fracasó una vez que se lanzó en el propio país de la banda (sin embargo llegó a estar en el top 20 en el Reino Unido), pero creció en popularidad durante los siguientes años tras su video musical, una de sus primeras canciones con el poder que tendrían los videos musicales durante los años 80.

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Talking Heads

Discografía Álbumes de Estudio • • • • • • • •

Talking Heads: 77 (1977) More Songs About Buildings And Food (1978) Fear Of Music (1979) Remain In Light (1980) Speaking In Tongues (1983) Little Creatures (1985) True Stories (1986) Naked (1988)

Discos en Vivo • • • •

The Name of this Band is Talking Heads (1982) Monkey Business USA tour (1983) Stop Making Sense (1984) Stop Making Sense: Special New Edition (1999)

• The Name of this Band is Talking Heads: Expanded New Edition (2004)

Compilaciones • • • • • •

Sand in the Vaseline (1992) Once in a Lifetime (1992) 12x12: Original Remixes (1999) Once in a Lifetime: Box-Set (2003) (Ganador de Premio Grammy a "Mejor Diseño") The Best of Talking Heads (2004) Brick (2005)

Videografía VHS y DVD • "Stop Making Sense" (1984) (VHS y DVD) • "Storytelling Giant" (1987) (VHS y versión expandida en DVD en el box-set "Once in a Lifetime")

Videoclips • • • • • • • •

Once in a Lifetime (1982) Crosseyed and Painless (1982) Burning Down the House (1983) This Must Be the Place (Naive Melody) (1983) Swamp (1983) And She Was (1985) Road to Nowhere (1985) The Lady Don't Mind (1985)

• Stay Up Late (1986) • Wild Wild Life (1986) (Ganador de dos MTV Video Music Awards a "Mejor Video de un Grupo" y "Mejor Video de Banda Sonora")

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Talking Heads • • • • • •

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Love for Sale (1986) Blind (1988) (Nothing But) Flowers (1988) Lifetime Piling Up (1992) 'Sax and Violins 'Psycho Killer

Enlaces externos • Talking Heads: Stop Making Sense [3] • Sitio oficial de "The Best of Talking Heads" • Francey's Talking-Heads.net [1]

[4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. talking-heads. net/ Talking Heads (http:/ / www. rockhall. com/ inductee/ talking-heads) Rock and Roll Hall of Fame. http:/ / www. rottentomatoes. com/ m/ talking_heads_stop_making_sense/ http:/ / www. talkingheadsbestof. com/

David Byrne Este artículo o sección necesita fuentes o referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como libros de texto u otras publicaciones especializadas en el tema. Puedes dar aviso al autor principal del artículo pegando el siguiente código en su página de discusión: {{subst:Aviso referencias|David Byrne}} ~~~~

David Byrne

David Byrne en Montreal, Canadá en octubre de 2006 Información personal Nacimiento

14 de mayo de 1952

Origen

Dumbarton, Escocia

Ocupación(es)

Músico, Escritor, Productor, Actor, Director, Artista Información artística

Género

Música experimental, New wave, Rock alternativo

Instrumento(s)

Guitarra

Período de actividad

1977 - Presente

David Byrne

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Discográfica(s)

Luaka Bop

Artistas relacionados

→ Talking Heads, Brian Eno

Web Sitio web

DavidByrne.com

[1]

David Byrne 14 de mayo de 1952, Dumbarton, Escocia. Músico destacado y miembro fundador y compositor de la banda → Talking Heads.

Biografía Primeros años Hijo de un ingeniero electrónico, a los 2 años de edad, sus padres se mudaron a Canadá, mudándose nuevamente a los 8 o 9 años, esta vez a los suburbios de Baltimore, Maryland, Estados Unidos. En su adolescencia tocó guitarra en una serie de bandas tan sólo como un pasatiempo. En septiembre de 1970 ingresó como estudiante en la prestigiosa Escuela de Diseño de Rhode Island. Fue allí dónde conoció a Tina Weymouth y Chris Frantz. En esta escuela estudió un programa funcional de diseño conocido como "La Teoría Bauhaus", además de tomar un curso de arte conceptual. Por diferencias con sus profesores y perdiendo su interés en la carrera, abandonó la escuela después de un año, viajando por los Estados Unidos durante algún tiempo. A su regreso a Baltimore, conoció a Marc Kehoe y juntos formaron un dúo llamado Bizardi. Bizardi existió desde febrero de 1971 hasta marzo de 1972. Durante su año de existencia, realizaron presentaciones en la escuela de arte, algunos teatros y el Club Playboy de Baltimore, antes de viajar a San Francisco, donde tocaron por las calles, manteniéndose con trabajos temporales en restaurantes. Su repertorio consistía básicamente en viejas composiciones como "The Glory of Love", "April Showers" y el cancionero de Frank Sinatra. Lo que más se destacaba era "96 Tears", tema que luego David tocaría en vivo en 1992, durante su gira acústica por los Estados Unidos junto a Richard Thompson. Cuando llegó la primavera, Marc Kehoe comenzó una carrera en la creación de películas y David decidió regresar al área de Providence, Rhode Island, para reunirse con sus amigos Chris Frantz y Tina Weymouth nuevamente. David y Chris formaron una banda llamada The Artistics (también conocida como The Autistics), interpretando versiones de algunos temas antiguos, y Byrne contribuyó con un par de originales, entre ellos "Psycho Killer", "I'm Not In Love" y "Warning Sign", temas los cuáles serían adoptados posteriormente por → Talking Heads.

Talking Heads Entre los pocos fans cercanos al grupo estaba Tina Weymouth, quien eventualmente se casaría con Chris Frantz. Luego de que The Artistics dejara de existir a mediados de 1974, Byrne, Frantz y Weymouth decidieron comenzar una nueva banda. Los estudios musicales de Tina sirvieron para que tocara el bajo y Chris, la batería. Después de que los tres decidieran mudarse para el lado este de Nueva York, comenzaron a realizar importantes ensayos y, en mayo de 1975, encontraron un nombre para la banda: → Talking Heads.

David Byrne En junio de 1975, la banda realizó su primer concierto en el club CBGB de Nueva York como teloneros de The Ramones y a comienzos de 1976, realizaron sus primeros demos como "First Week/Last Week... Carefree" y "Artists Only", para el sello Beserkeley. Estas grabaciones y los pequeños conciertos que habían brindado resultarían suficientes para que Sire Records se fijara en ellos y los contratara en noviembre de 1975. En diciembre de 1976, el trío grabó su primer sencillo titulado "Love Goes To Building On Fire/New Feeling", el cuál fue lanzado a la venta a principios de 1977. A la banda luego se le adhirió el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quién ya había tocado para The Modern Lovers y había grabado junto a ella su disco debut, considerado como uno de los mejores álbumes de rock de toda la historia. Para el mes de abril, la banda ya de cuatro integrantes comenzaba a grabar su primer álbum, el cuál fue completado en julio luego de una serie de conciertos por Europa. "Talking Heads: '77" fue lanzado a la venta en septiembre de 1977 en los Estados Unidos. El debut no fue un gran éxito, a pesar de ser considerado como uno de los mejores discos de todos los tiempos (incluido en la lista de los Mejores 500 Álbumes según la revista Rolling Stone). Esta grabación incluía el excelente tema "New Feeling", lanzado anteriormente en el primer sencillo de la banda, y "Psycho Killer", uno de los temas que aún David Byrne continúa tocando en vivo en sus conciertos como solista, y el cuál ingresó sorpresivamente al ranking de los sencillos de Billboard por un par de semanas. La banda continuaría la línea de su primer trabajo con el álbum "More Songs About Buildings And Food", lanzado tan solo un año después, y al cuál se le integraba como productor el músico Brian Eno. Los dos últimos temas de este trabajo, "Take Me To The River", un cover de un clásico de Al Green y "The Big Country", eran totalmente diferentes a los anteriores y servirían como un adelanto del sonido utilizado en los futuros discos de la banda. El primero de ellos fue tocado en el programa Saturday Night Live la primera vez que la banda se presentó allí, además de otro gran tema del disco llamado "Artists Only". El grupo grabó su oscuro tercer disco titulado "Fear Of Music" en 1979, del cual se destaca "Life During Wartime", "I Zimbra" (tema que relata un poema de Hugo Ball), "Heaven", la cual es la composición más melódica del disco, y "Cities". También en este año Talking Heads tocó en vivo en el programa de televisión Saturday Night Live por segunda vez, nuevamente con la canción "Take Me To The River" y el corte de Fear of Music "I Zimbra".

Años 80 "Remain in Light", el mejor trabajo de la banda según muchos críticos, fue lanzado en 1980 y también fue incluido en la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos. Este disco incluía "Once In A Lifetime", el tema que representaba el primer video musical lanzado por el cuarteto, considerado por muchos como uno de los videos más innovadores en la historia de la música. En este álbum participó por última vez Brian Eno. El segundo sencillo de "Remain in Light" fue "Crosseyed And Painless". Esta racha de 4 excelentes álbumes (los mejores del grupo), en 4 años consecutivos (desde 1977 hasta 1980), fue una de las más importante de la historia del rock. En 1981, la banda decidió tomar un descanso y retomó las giras en 1982, hasta regresar a grabar un nuevo álbum de estudio recién en 1983. En 1981, David Byrne comenzó a grabar junto a Brian Eno (músico que ya había trabajado en tres discos de Talking Heads) el álbum "My Life In The Bush Of Ghosts", que se basaba

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David Byrne en grabaciones de periodistas de radios de Nueva York utilizadas sobre bases rítmicas. El proyecto fue uno de los pioneros de la utilización de 'Samples' en distintos ritmos de música, una característica muy utilizada por el Hip Hop, y, fue citado por grupos muy importantes de Rap (como Public Enemy) como su principal influencia. Uno de los mejores temas del disco y el que lo abre, "America Is Waiting", fue elegido como el primer sencillo y fue acompañado de un video musical muy interesante en dónde no aparecía ningún músico (fue dirigido por Bruce Conner). En ese mismo año, David lanzaba al mercado su primer disco completamente solista, titulado "The Catherine Wheel: Complete Broadway Score". La música de este disco (mitad instrumental y mitad vocal) sirvió como banda sonora para una obra de Broadway dirigida por Twyla Tharp. Los temas que se destacan de ese trabajo son "What A Day That Was" y "Big Blue Plymouth (Eyes Wide Open)". En 1982, Talking Heads comenzó su gira con una importante serie de músicos acompañándolos (entre ellos el gran guitarrista Adrian Belew, Alex Weir, Nona Hendryx, etc.). Fue una gira muy interesante la cuál fue parte registrada en el primer LP en vivo de la banda llamado "The Name Of This Band Is Talking Heads". Este trabajó contenía además temas grabados en anteriores conciertos. Las grabaciones en vivo del álbum "The Name Of This Band..." fueron lanzadas en 1982 solamente en formato vinilo, y se demoró 22 años para que salieran remasterizadas en formato de doble CD. Para el año 1983, Talking Heads ya tenía pronto un nuevo disco de estudio titulado "Speaking In Tongues", un disco en dónde ya no aparecía Brian Eno pero seguía la línea del anterior trabajo de la banda ("Remain In Light" de 1980), agregándole estructuras de canciones pop. Fue el primer álbum en 3 años y dejó a la banda su primer sencillo Top 10 en Estados Unidos, "Burning Down The House", un tema con ritmos funky acompañado por un muy buen video musical, nominado a la categoría "Mejores Efectos Musicales" en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, en 1984. El tema también estuvo nominado a un premio Grammy como "Mejor Interpretación Vocal Rock Por Un Grupo o Dúo": esa nominación no se pudo ganar, pero el artista Robert Rauschenberg ganó uno de los importantes premios por la creación de la portada del disco. El segundo sencillo del álbum fue "This Must Be The Place (Naive Melody)", la primer balada importante del grupo, la cuál vendría también acompañada por un muy buen video musical, y, el tercer sencillo fue del tema "Swamp". "Speaking In Tongues" fue el primer disco de Talking Heads en vender más de un millón de copias en América. Luego del lanzamiento de este disco, la banda se embarcó en otra extensa gira para promocionarlo, la cual resultaría ser la última en la historia de la banda. Esta gira fue capturada en la película "Stop Making Sense", del director Jonathan Demme, quien posteriormente dirigiría la película "El Silencio De Los Corderos". "Stop Making Sense" es considerado como uno de los mejores conciertos de la historia del Rock N' Roll. La banda presentó los temas más importantes de su quinto álbum "Speaking In Tongues", más lo mejor de los cuatro anteriores lanzamientos. Se destacan la gran interpretación de "Psycho Killer", además de "Take Me To The River", "Life During Wartime", "Once In A Lifetime", "Burning Down The House", entre otros.

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David Byrne Estas grabaciones fueron tomadas por el director Jonathan Demme y el cinematógrafo Jordan Cronenweth durante cuatro shows en el Pantages Theatre de Hollywood, y capturaban al cuarteto en el máximo de su energía. Además, fue la primera película de sonido completamente digital de toda la historia. El videoclip de "Once In A Lifetime", extraído del concierto, fue seleccionado para promocionar la película a través de distintas señales musicales como MTV, además de haber sido nominado a "Mejor Interpretación En Un Escenario" en la entrega de los MTV Video Music Awards en 1985. También se lanzó, además de la película, su banda sonora, con los mejores nueve temas de los cuatro conciertos. El disco vendió más de dos millones de copias y lanzó varios sencillos, entre los cuales se destacan "Slippery People", quizás el éxito más grande de la banda en Europa, y una increíble versión renovada de "Girlfriend Is Better" (ambos temas en sus versiones originales se incluían en "Speaking In Tongues"). Gracias a esta filmación, lograron ganar el premio a "Mejor Documental" en los Premios de Críticos del Cine (Film Critics Awards). Un año después de "Stop Making Sense", Byrne comenzó a trabajar en su segundo trabajo solista, esta vez componiendo música para la banda sonora de la obra de teatro de Robert Wilson "The CIVIL warS". El título del disco fue "Music For The Knee Plays", y era mitad instrumental y mitad vocal, al igual que su primer trabajo. La pieza que más se destaca de este trabajo es su último tema, "In The Future". Este álbum nunca se lanzó en formato CD, y actualmente es muy difícil de encontrar su versión original en vinilo. Más tarde en ese mismo año, 1985, David Byrne recibe en la segunda entrega de los premios MTV Video Music Awards el premio "Video Vanguard Award" (La posición más avanzada en la creación de videos musicales). También en ese mismo año, Talking Heads lanzó su nuevo trabajo de estudio llamado "Little Creatures", un disco totalmente pop en donde se dejaba de lado los estilos rock y funk que caracterizaba sus anteriores trabajos, especialmente la grabación en vivo "Stop Making Sense". Este disco es, para muchos, el trabajo más accesible de la banda. Su primer sencillo fue "And She Was", tema muy exitoso que ingresó a varios de los rankings de Billboard (entre ellos: The Billboard Hot 100, Mainstream Rock Tracks, Hot Dance Music, Club Play Singles, Maxi-Singles Sales). El disco también ingresó al ranking de los 200 álbumes más vendidos alcanzando la posición 20. El segundo sencillo de este increíble disco fue "Road To Nowhere", una de las mejores composiciones de Byrne acompañada por un muy buen video musical, el cuál estuvo nominado a "Mejor Video del Año" en los MTV Video Music Awards 1986. Entre los videos de "And She Was" y "Road To Nowhere", Talking Heads logró cinco nominaciones en los premios MTV. Otros sencillos extraídos de este trabajo fueron "Stay Up Late" y "The Lady Don't Mind", aunque todo el material fue reproducido frecuentemente por radios locales, incluso hasta el día de hoy. En el año 1986, David escribió, dirigió y protagonizó la película True Stories. Además, escribió y produjo la mayoría de su banda sonora, dejando todo registrado en un LP titulado “Sounds From True Stories”, álbum que nunca se lanzó en CD. En ese mismo año, el nuevo disco de Talking Heads, también llamado “True Stories”, estaba a la venta. Fue una continuación a Little Creatures, basándose también en música particularmente Pop, y su primer sencillo fue el muy exitoso “Wild Wild Life”.

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David Byrne Aunque David alguna vez dijo que desearía nunca haber cantado el álbum “True Stories”, éste fue muy popular, y el video que acompaña al primer sencillo ganó dos premios MTV en el año 1987, entre ellos Mejor Video de un Grupo y Mejor Video desde una Película, además de haber tenido una tercera nominación a Mejor Concepto. Para el video fueron invitados varios actores conocidos, los cuáles además trabajaban en la primera película de David Byrne (“True Stories”), además de la participación de los propios miembros del grupo. El segundo sencillo fue el tema que más se le acercaba al Rock de todo el disco, “Love For Sale”, y, el tema “Puzzlin’ Evidence” ingresó sorpresivamente al ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard, alcanzando la posición 19. En este mismo ranking, “Wild Wild Life”, alcanzó como máximo la posición número cuatro. Un suceso interesante relacionado con este álbum se dio con el título del tema "Radio Head", él cuál fue adoptado por Thom Yorke y sus compañeros de banda como nombre de ésta. Mientras tanto, David Byrne salió en la portada de la prestigiosa revista Time, y fue calificado como el 'Hombre Renacentista del Rock'. En esta portada aparecía el nombre de todos los rubros en los cuales el artista se especializa (cantante, compositor, letrista, guitarrista, director de cine, escritor, actor, artista de videos, diseñador y fotógrafo). En 1987, Talking Heads lanzaría su primera compilación en video llamada "Storytelling Giant", la cuál era de los innovadores videos musicales de la banda, desde el año 1980 hasta 1986. El compilado incluía el legendario video de "Once In A Lifetime", además de "Burning Down The House", "Road To Nowhere" y "Wild Wild Life", entre muchos otros. "Storytelling Giant" recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de Mejor Video Extendido. También en este año, David Byrne ya había comenzado a escribir junto a Ryuichi Sakamoto y Cong Su la banda sonora de la película “The Last Emperor” (El Último Emperador) y, en 1988, la grabación ya estaba a la venta. Esta banda sonora logró ganar varios premios importantes: entre ellos un Grammy, un Oscar de la Academia y un Golden Globe. También en 1988 se estaría lanzando el último disco de estudio de Talking Heads, titulado “Naked”, en dónde aparecen ciertas características de los primeros álbumes de la banda, mezclados con elementos pop, los cuáles caracterizaban a sus dos anteriores trabajos. Los dos sencillos principales del disco, los excelentes temas “(Nothing But) Flowers” y “Blind”, lograron ingresar al ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard y el álbum, por otra parte, ingresó al ranking Billboard 200 alcanzado la posición 19, la mejor desde que “Speaking In Tongues” llegará al puesto 15 en 1983. “Naked”, a pesar de tener muy buenas canciones como los sencillos nombrados, no fue un álbum muy exitoso y es quizás el menos aceptado por los críticos de toda la discografía de la banda. El año 1988 fue muy productivo para Byrne: además de la banda sonora de la película The Last Emperor, y el disco "Naked" junto a los Talking Heads, también colaboró con la banda sonora de la comedia de Jonathan Demme "Married To The Mob". Además, crearía su propia compañía discográfica, Luaka Bop, inspirada en su fascinación por la "World Music" y su experiencia musical adquirida junto a Talking Heads. El objetivo de esta compañía era ofrecerle a las audiencias americanas la posibilidad de conocimiento de la denominada "Música Global".

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David Byrne Un año después, en 1989, Byrne lanza su tercer disco solista (sexto si contamos las colaboraciones y bandas sonoras), titulado "Rei Momo". Este trabajo es considerado uno de los mejores de la carrera solista de Byrne, y está basado en ritmos latinos, estilo anteriormente utilizado en el último álbum de Talking Heads, "Naked". El disco incluía una colaboración única junto a Celia Cruz en el tema "Loco De Amor", y, además dos muy buenos temas elegidos como sencillos, llamados "Make Believe Mambo" y "Dirty Old Town".También incluyo temas a ritmos de((Merengue))acompañado por el musico dominicano de merengue tipico Agapito Pascual. Estos dos sencillos ingresarían al ranking de Billboard Modern Rock Tracks, y, uno de ellos, "Dirty Old Town" sería tocado en vivo en el show Saturday Night Live junto al tema "Loco De Amor". Para promocionar el disco David inició una gira mundial, la cuál sería su primera desde la del álbum "Speaking In Tongues", entre los años 1983 y 1984 y, además del lanzamiento de Rei Momo, el músico dirigió un documental llamado "Ile Aiyé (The House Of Life)", el cuál se concentraba en rituales de música Dance. En 1990, David colaboró en el álbum a beneficio "Red, Hot & Blue" junto a artistas como Annie Lennox y U2, en la versión de un tema de Cole Porter titulado "Don't Fence Me In". El tema fue lanzado como sencillo junto a un video promocional.

Años 90 Para el siguiente año, Byrne colaboró nuevamente con Robert Wilson (quién había estado involucrado en la obra The CIVIL WarS), en el disco instrumental "The Forest", escribiendo música orquestal. El único sencillo lanzado desde el disco fue titulado "Forestry" y contiene cinco remixes de temas originales del disco instrumental, entre ellos tres versiones diferentes de "Ava", el Mix Industrial de "Nineveh" y la versión del álbum de "Machu Picchu". En este mismo año Talking Heads anunciaba oficialmente su separación, mientras que dos compilados de la banda eran lanzados: primeramente, el álbum doble "Popular Favorites 1976-1992: Sand In The Vaseline", el cuál contenía los éxitos básicos de la banda además de otras extrañas elecciones tales como "Memories Can't Wait" del álbum Fear of Music de 1979 y "Mr. Jones", del álbum Naked, entre otras. En Europa, una versión reducida de este compilado se lanzaba a la venta un tiempo después en un solo disco, y contenía la versión de Stop Making Sense del tema "Slippery People", el cual no fue incluido en el "Popular Favorites". También una de las últimas fotos tomadas de la banda aparece en la portada de una edición de la revista Rolling Stone, y a Talking Heads se la nombraba como La Mejor Banda de América. Unos años antes, David Byrne sin los demás miembros del grupo había también aparecido en la portada de esta revista. En ambas compilaciones, se incluía dos temas inéditos y los que serían lanzados como los últimos sencillos de la banda: "Lifetime Piling Up" y "Sax and Violins". Este último llegaría a la primera posición del Ranking de Billboard de los Mainstram Rock Tracks y anteriormente se incluía en la banda sonora de la película "Until the End of the World". El video musical de "Lifetime Piling Up" es una compilación de varias imágenes de la banda tomadas de sus videos musicales entre 1980 y 1988 y es una rareza estos días. En la primera compilación doble, además de estos temas exclusivos, existían dos más: "Popsicle" y "Gangster of Love", los cuáles nunca fueron lanzados como sencillos.

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David Byrne En 1992, David Byrne graba su nuevo disco solista y primero luego de la separación de Talking Heads, titulado "Uh-Oh". Este álbum sirvió como punto intermedio entre su anterior trabajo vocal "Rei Momo" y el que sería el próximo. Existían temas Rock como "She's Mad", uno de los sencillos, y temas de estilo latino como el excelente "Hanging Upside Down" o "Something Ain't Right". Fue grabado junto a una banda más pequeña de la utilizada para la grabación de "Rei Momo", que incluía en bajo a George Porter Jr. y como vocalistas secundarios a Dolette McDonald y Nona Hendrix. "She's Mad" ingresó al ranking Mainstream Rock Tracks de Billboard, y su video musical fue uno de los innovadores en la categoría de efectos especiales, ganando dos nominaciones a los premios MTV Video Music Awards de ese año. Otros sencillos elegidos fueron "Girls On My Mind" y "Hanging Upside Down", y para promocionar el disco David hizo una mini gira por los Estados Unidos junto a Richard Thompson tocando lo mejor de sus discos como solista, material de Talking Heads y temas escritos por Richard Thompson. Entre 1992 y 1993, Byrne inició una gira mundial para continuar promocionando el álbum llamada "Monster in the Mirror Tour", y uno de sus conciertos sería registrado en el VHS "Between the Teeth", lanzado en este último año. Es un muy buen registro de los mejores temas de "Rei Momo" y "Uh-Oh", varios temas de Talking Heads e incluso un adelanto, "Buck Naked", tema que sería lanzado en su versión de estudio un año más tarde, en el álbum homónimo de David Byrne. Para el 20 de mayo de 1994, Byrne estaría lanzando su próximo álbum solista titulado de una forma muy sencilla, "David Byrne", producido por Arto Lindsay y Susan Rogers. El disco está considerado por muchos como el mejor álbum de su carrera solista, pero para algunos críticos no es demasiado bueno musicalmente hablando. Su primer sencillo fue una canción mayoritariamente hablada titulada "Angels", muy similar al clásico sencillo de Talking Heads, "Once in a Lifetime", de 1980. En el CD de este sencillo existen tres temas: la versión reducida para radios de "Angels", y las inéditas "Princess" y "Ready For This World". Este sencillo es una de las más importantes rarezas de la carrera de David Byrne, al igual que su extraño video musical, el cuál apareció en Beavis & Butthead. El segundo sencillo de este álbum homónimo sería el gran "Back in the Box", un tema muy pegadizo y moderno, y el CD de este sencillo contenía 7 temas: 4 versiones de este misma canción, 3 remixadas y la versión del álbum, el tema instrumental de estilo étnico llamado "A Woman's Secret", y dos temas en vivo: "Cool Water", lanzado en su versión original en el álbum "Naked" de Talking Heads y grabado en el Teatro Keswick de Philadelphia el 20 de julio de 1994, y "Gypsy Woman", una versión cover de un éxito de Crystal Waters grabado en el show Acoustica TV en Milán, Italia. Al igual que el sencillo de "Angels", este es una rareza y su buen video musical, en formato blanco y negro, es muy difícil de encontrar estos días. Otros sencillos no tan importantes fueron lanzados posteriormente, como "Sad Song" y "Lilies of the Valley", y el álbum ingresó al Ranking de los 200 más vendidos del Billboard, al igual que todos los anteriores trabajos solistas de Byrne. El músico hizo una gira mundial para promocionar el álbum llamada "In Constant Motion World Tour", y realizó una presentación en el David Letterman Show tocando el clásico "Big Blue Plymouth", lanzado originalmente en el primer disco totalmente solista de David Byrne llamado "The Catherine Wheel: Complete Broadway Score" de 1981.

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David Byrne Durante 1995 continuo la gira de promoción del disco y para el año 1996, grabó el tema "Waters of March", originalmente escrito en portugués por Antonio Carlos Jobim. El tema lo interpretó junto a la cantante brasilera Marisa Monte, y su video, dirigido por Nelson Enohata, fue grabado completamente en Brasil. Este tema fue lanzado en el álbum a beneficio "Red, Hot and Río", que continuaba la línea del "Red, Hot and Blue" de 1990. Mientras tanto, los miembros originales de Talking Heads invitaron a David Byrne a formar la reunión completa de la banda para grabar un nuevo disco, y esta invitación fue rechazada. De aquí en adelante comenzaron de forma más intensa los distintos rumores acerca de la verdadera razón de la separación de la banda en 1991, pero aún se mantiene como un misterio. A pesar del rechazo de esta invitación, los tres miembros restantes decidieron convertirse en The Heads, para grabar un disco titulado "No Talking Just Head" invitando a distintas personalidades de la música para colaborar con un tema. Entre los invitados se destacan Shaun Ryder y Michael Hutchence, líder de INXS. Para el próximo año, 1997 Byrne estaría comenzando una nueva etapa en su carrera musical involucrándose en estilos de música electrónica y canciones pop modernas. Las investigaciones de estos estilos fueron registradas en el álbum "Feelings", lanzado a principios del mes de junio y que contenía 13 canciones completamente nuevas, un instrumental de aproximadamente 20 segundos y colaboraciones con Morcheeba, Paula Cole y miembros de la banda Devo. El primer sencillo del disco, "Miss America", se convirtió en uno de los éxitos más grandes de la carrera solista de Byrne, y fue acompañado por un gran video musical dirigido por Robert Jason y producido por Ethan Wolvek. Además, el disco contenía el tema "Finite=Alright", presentado anteriormente en su gira mundial de 1994. Quizás su presentación más importante durante ese año fue en el programa de televisión Sessions at West 54th, en el cuál realizó un set de música electrónica, incluyendo un DJ en el escenario. Presentó sus mejores temas de Feelings como "Fuzzy Freaky", en el cual Byrne se destacó con su trabajo en extendidos solos de guitarras, "Dance On Vaseline", el sencillo "Miss America", y versiones renovadas de clásicos de Talking Heads, como "Making Flippy-Floppy" y "Take Me to the River". Durante su presentación, pequeñas entrevistas se le realizaban, y se destacaba la utilización de distintos trajes para cada uno de los temas, técnica que también era utilizada durante los shows en vivo de su gira. El tema que más se destaca de los nueve presentados es el último, una versión totalmente renovada y electrónica de "I Zimbra", clásico de Talking Heads lanzado originalmente en el álbum "Fear of Music" de 1979. Durante el siguiente año, 1998, David continuó con su gira, y lanzó un álbum exclusivamente en formato CD de versiones remixadas de los mejores temas de "Feelings" como "Dance on Vaseline", "You Don't Know Me", una excelente versión por parte de New Kingdom de "Wicked Little Doll", y una colaboración con la banda de música electrónica Thievery Corporation. El Remix de Mark Walk & Ruby de "Fuzzy Freaky" fue elegido como sencillo. Fue un disco de versión limitada de 5.000 copias, actualmente se encuentra agotado, y su primera mitad fue vendida durante la gira mundial de "Feelings". Un gran suceso en la carrera de David Byrne sucedió en este año, y este fue que comenzó a conducir el programa Sessions at West 54th, en el cuál había dado una impresionante presentación un año antes. Tuvo muchos invitados importantes, y estos programas grabados en 1998 se comenzaron a transmitir un año después. Además de conducir el

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David Byrne programa, en uno de los episodios hizo una pequeña presentación en vivo junto a The Balanescu Quartet, dónde hizo un cover del clásico de Kraftwerk, "The Model", el gran tema del álbum "Feelings" llamado "Burnt By the Sun", el exclusivo "Dreamworld" y "Memories Can't Wait", de Talking Heads. En 1999 colaboró para el álbum benéfico "Red Hot and Lisbon", en dónde se incluye un nuevo tema a dúo junto al cantante Caetano Veloso llamado "Dreamworld". También durante este año, se lanzó el álbum "In Spite of Wishing and Wanting", que David Byrne produjo para la compañía de danza Última Vez, y que contenía nuevas composiciones instrumentales como también remixes del disco "Feelings": uno de ellos era el Mix de DJ Food de "Fuzzy Freaky", anteriormente incluido en "The Visible Man". Este trabajo contenía 7 temas, y el último era una versión súper extendida de "Dance On Vaseline", de aproximadamente 20 minutos de duración, elegida, en una versión reducida, como tema de promoción. Un video musical fue creado para este tema en el cuál no aparecía David Byrne en ningún momento, y se mostraban distintos estilos de danzas. Actualmente, este álbum se encuentra agotado a causa de que estuvo solamente disponible on-line durante un tiempo, y además se podía adquirir en conciertos de David Byrne y de Última Vez. Otro suceso importante ocurrido ese año fue el re-lanzamiento de la clásica película del concierto "Stop Making Sense" de Talking Heads, en una nueva versión de la banda sonora completamente remasterizada en CD por el DJ Eric 'E.T.' Thorgreen, esta vez con los mejores 16 temas de los conciertos, además del lanzamiento del DVD de la película. Todos los integrantes de Talking Heads incluyendo David Byrne se reunieron para el lanzamiento de prensa del CD y del DVD. También la compañía discográfica EMI Records lanzó la compilación 12x12: Original Remixes, la cual incluye 12 buenos remixes de los temas más importantes de los últimos 3 álbumes de Talking Heads, incluyendo versiones extendidas de "The Lady Don't Mind", "Televisión Man" y "Radio Head".

2000s En el año 2000, David Byrne colaboró con el álbum benéfico "Mantra Mix" escribiendo el tema "Ain't Got So Far to Go", además de comenzar a componer los temas para su próximo disco de estudio, el cuál tendría como título "Look Into The Eyeball" y que sería lanzado en los Estados Unidos el 8 de mayo del 2001. El primer sencillo de este álbum fue el tema "Like Humans Do" y su versión Europea contenía dos temas extras: "All Over Me" y "Princess", anteriormente lanzado en el sencillo de "Angels" en el año 1994. Durante este año, Bill Gates y su compañía Microsoft estaban preparando el lanzamiento de su nuevo sistema operativo Windows XP, y junto a él el nuevo reproductor Windows Media Player 8: David Byrne firmó con Bill Gates para que este tema sea incluido en forma completa en este nuevo programa. También hizo una presentación para promocionar sus nuevos temas en los estudios de Microsoft con una muy buena aceptación. Este disco fue su primer trabajo en ingresar al Ranking de Billboard de los Top Internet Albums, los cuales son los discos más descargados de forma legal y paga desde Internet. Además, fue incluido en el Ranking de los 200 más vendidos de Billboard (el último disco en entrar a este Ranking fue "Feelings" de 1997). La versión japonesa de este disco contenía

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David Byrne un tema extra titulado "Empire". Otros sencillos del álbum fueron "U.B. Jesus" y "Desconocido Soy", el cual es un tema escrito en español y a dúo con N.R.U., el cantante del grupo latino Café Tacuba. Para el año 2002 Byrne estaría colaborando con el grupo de música electrónica X-Press 2 para la creación del tema "Lazy", el cuál sería incluido en el álbum de X-Press 2, "Muzikizum". El sencillo fue un hit en todo el mundo, llegando a la primera posición del Ranking de Música Electrónica de Billboard, además de ser un éxito número uno en Europa: el músico se presentó en el programa Top of the Pops tocando el tema en vivo, y además inició una gira llamada "The Lazy Eyeball Tour", presentando temas del álbum "Look Into The Eyeball", además de "Lazy", incluido en todas sus shows. Este año llegaría el reconocimiento más importante para la legendaria banda de David Byrne, Talking Heads: ingresaron al Salón de la Fama del Rock N' Roll, y la formación original se reunió para tocar cuatro de sus principales temas durante la ceremonia: "Psycho Killer", "Take Me to the River", "Life During Wartime" y "Burning Down the House". Según el baterista del grupo, Chris Frantz, esta reunión para el show y la presentación en vivo le dio a la banda un final feliz. Hacía más de 15 años que la banda no tocaba en vivo en un escenario, y fue un momento histórico. Durante todos estos años, los demás integrantes hicieron trabajos independientes: Jerry Harrison, el guitarrista y teclista de Talking Heads, produjo discos de varios artistas como Crash Test Dummies, No Doubt y Foo Fighters, además de lanzar 3 muy buenos discos solistas (dos durante los años 80 y uno en los 90). Chris Frantz y Tina Weymouth formaron, a principio de los años ochenta, la banda de música Funk llamada Tom Tom Club, que tiene publicado varios discos y sencillos exitosos, y que en el 2002 lanzaron un álbum doble en vivo grabado en los estudios de su casa para una audiencia limitada de invitados amigos. Además, integran desde el año 2001 la banda "animada" Gorillaz, junto al líder de Blur, Damon Albarn. Volviendo a la carrera solista de David Byrne, para el año 2003 se lanzaría el sencillo final de "Look Into The Eyeball", del tema "The Great Intoxication", que estaría luego acompañado de un excelente video musical dirigido por Jason Archer & Paul Beck. Para septiembre de este año, David estaría lanzando su nuevo disco solista, la banda sonora de la película de David MacKenzie "Young Adam", un disco mayoritariamente instrumental llamado "Lead Us Not Into Temptation", y que contiene colaboraciones con miembros de Mogwai y Belle & Sebastian. Sus dos últimos temas, "Speechless" y "The Great Western Road" fueron los únicos temas vocales de todo el álbum, y éste se convirtió en uno de los discos instrumentales más importantes del año 2003. Para finales de este año, una compilación de lo mejor de Talking Heads llamada "Once in a Lifetime: Boxed Set" y formada por 3 Cd's y 1 DVD fue lanzada al mercado con una cubierta diseñada por Stefan Sagmeister. Esta completísima compilación incluye lo mejor de todos los discos de Talking Heads, incluyendo nuevas versiones alternativas de clásicos temas de la banda como "New Feeling", "Cities" y "Drugs" con la participación de Robert Fripp en guitarra, versiones extendidas de los sencillos del álbum "Speaking in Tongues", y un tema nunca antes lanzado en ningún disco de la banda llamado "In Asking Land" (una versión previa de la canción que se convertiría en "Carnival Eyes", incluida en el disco solista de David Byrne, "Rei Momo" de 1989).

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David Byrne En el DVD de la compilación, se incluyen 13 de los mejores videos musicales de la banda, además del exclusivo "Sax and Violins" nunca antes transmitido en televisión, a pesar de haber sido un sencillo lanzado en el año 1992. Este DVD se considera como la versión extendida del VHS "Storytelling Giant" lanzado originalmente el 1987. También incluye los videos extraídos del álbum "Naked" de 1988 de los temas "Blind" y "(Nothing But) Flowers", los cuáles nunca antes habían sidos lanzados en ninguna compilación de video. En el año 2004, se lanzó a la venta el nuevo trabajo como solista de David Byrne titulado "Grown Backwards", y para promocionarlo David comenzó una gira mundial junto a The Tosca Strings, presentando generalmente pocos temas de este trabajo pero muchos de toda su carrera, incluyendo "Marching Through the Wilderness" de Rei Momo, y muchos cortes de "Look Into the Eyeball". Sorpresivamente ningún tema de su álbum homónimo fue incluido a excepción de "Sad Songs" en pocas ocasiones, pero si existieron muchos clásicos de Talking Heads. Este disco es una continuación de los estilos musicales que el músico comenzó a explorar en su anterior trabajo vocal del 2001. El primer tema de este álbum es "Glass, Concrete & Stone", una canción que anteriormente fue incluida en la banda sonora de la película "Dirty Pretty Things" del 2002. Utiliza estilos musicales muy variados, como Pop, Rock, Funk, Jazz, Dance, Country e incluso estilos de Ópera para dos de los temas: "Au fond Du Temple Saint" de Bizet, e interpretado junto al músico contemporáneo Rufus Wainright, y "Un di Felice, Etérea", de Giuseppe Verdi. Dentro del estilo del Funk y del Pop, podemos encontrar el gran ritmo de "Dialog Box" o de "Pirates", y, el corte de difusión "The Other Side Of This Life" (el cuál tocó en vivo en el David Letterman Show), y, dentro del Jazz se encuentra "She Only Sleeps", él cuál también incluye estilos de Rock. Además, se incluye una versión renovada del tema "Empire", que, originalmente se lanzó como tema extra en la versión japonesa del álbum "Look Into The Eyeball" del 2001, y una nueva versión remixada del éxito “Lazy”. El álbum ingresó al Ranking de los 200 más vendidos de Billboard, y sus giras para promocionarlo agotaron teatros y estadios por todo el mundo, haciéndola quizás la gira más importante de toda su carrera. Aparte del lanzamiento de este disco solista de David Byrne, también se lanzaron dos álbumes relacionados con Talking Heads: la versión remasterizada y extendida del álbum en vivo de 1982 llamado "The Name of This Band is Talking Heads", la cuál casi duplicaba la duración del LP original siendo la primera vez que estos temas en vivo se lanzaron en formato CD; y "The Best of Talking Heads", un álbum con los mejores 18 temas de la banda remasterizados y elegidos por sus propios miembros. En esta compilación se incluyen "Psycho Killer", "Take Me to the River", "And She Was" y "Wild Wild Life", entre otras raras selecciones como "Found a Job" y "Houses in Motion". A finales de este año, David Byrne lanzó al mercado su primer DVD de un concierto en vivo como solista, llamado “Live at Unión Chapel”. Este concierto fue grabado en una importante iglesia de Londres, y una versión con sus mejores temas fue transmitida por la señal BBC. Fue grabado en el año 2002 durante uno de los conciertos de su gira “The Lazy Eyeball Tour”, y contiene solo un tema del álbum “Grown Backwards”, él que en aquel tiempo era el adelanto del disco: “Un di Felice, Etérea”. Además, aparecen clásicos de Talking Heads como por ejemplo “Sax and Violins”, y varios temas de “Look Into the Eyeball”.

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David Byrne

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Un suceso “importante” ocurrido también durante el año 2004 fue cuándo David Byrne apareció haciendo de sí mismo en el episodio “Dude, Where’s My Ranch?” de The Simpsons. Para principios del 2005, David Byrne colaboraría con Thievery Corporation en su nuevo disco “The Cosmic Game”, aportando letras y vocales a uno de los temas que sería elegido como sencillo: “The Heart’s a Lonely Hunter”. Su sencillo contenía una serie de Remixes del tema, y tan solo luego de un corto tiempo colaboró también con Fisherspooner, en el tema “Get Confused”. Durante el año 2005, David Byrne no lanzó ningún material solista pero terminó con su gira mundial de promoción del disco “Grown Backwards”. Sin embargo, Talking Heads si apareció bastante: la banda lanzó “Brick”, una caja que incluía toda la discografía de la banda, remasterizada, con temas y videos extras. Los encargados del remasterizado y, en algunos casos, remixado de los temas fueron Jerry Harrison y el DJ Eric ‘E.T.’ Throngren. Gracias a estas compilaciones y a su increíble calidad de sonido, la banda fue la gran ganadora en la entrega de los premios Music Surround Awards, llevándose cuatro de los importantes premios. Durante los primeros meses del año 2006 todos los álbumes incluidos en "Brick" fueron lanzados de forma individual remasterizados y con sus respectivos bonus tracks y videos, tal como se los puede encontrar la caja. David Byrne, además, comenzó a trabajar junto a Norman Cook (conocido popularmente como Fatboy Slim) en la obra musical "Here Lies Love", y se espera que para el año 2007 se lance al mercado un álbum de estos trabajos. También en este mismo año se lanzó la versión remasterizada de "My Life in the Bush of Ghosts" con bonus tracks de las legendarias sesiones de grabación entre los años 1979 y 1981. Además, en este trabajo se puede encontrar el video de "Mea Culpa", dirigido por Bruce Conner (al igual que "America is Waiting" extraído del mismo trabajo) y nunca antes visto. David Byrne colaboró en el más reciente álbum de Paul Van Dyk "In Between" con la canción "Fall with me"

Discografía Álbumes • • • • • • • • • • •

1981 1981 1985 1986 1988 1989 1991 1992 1994 1997 1998

'My Life in the Bush of Ghosts' (con Brian Eno) 'The Catherine Wheel: Complete Broadway Score' 'Music for the Knee Plays' 'Sounds from True Stories' 'The Last Emperor (Con Ryuichi Sakamoto & Cong Su)' 'Rei Momo' 'The Forest' 'Uh-Oh' 'David Byrne' 'Feelings' 'The Visible Man'

• 1999 - 'In Spite of Wishing and Wanting' • 2001 - 'Look Into the Eyeball' • 2003 - 'Lead Us Not Into Temptation'

David Byrne • • • • •

2004 2007 2007 2008 2008

463 'Grown Backwards' 'Live from Austin Texas' 'The Knee Plays' 'Everything That Happens Will Happen Today' (con Brian Eno) 'Big Love: Hymnal'

Videografía Videoclips • 1981 - "America is Waiting" (Con Brian Eno) (Dir.: Bruce Conner) • 1981 - "Mea Culpa" (Con Brian Eno) (Dir.: Bruce Conner) (Realizado en 1981, lanzado en 2006) • 1989 - "Make Believe Mambo" (Dir.: David Byrne) • 1989 - "Dirty Old Town" (Dir.: David Byrne) • 1990 - "Don't Fence Me In" (Dir.: David Byrne) • 1992 - "She's Mad" (Dir.: David Byrne) • 1992 - "Girls On My Mind" (Dir.: David Byrne) • • • • • • •

1992 1994 1994 1996 1997 2002 2002

"Hanging Upside Down" (Dir.: David Byrne) "Angels" (Dir.: David Byrne) "Back in the Box" (Dir. David Byrne) "Waters of March" (Con Marisa Monte) (Dir.: Nelson Enohata) "Miss America" (Dir.: Robert Jason) "Lazy" (Con X-Press 2) (Dir.: Howard Shur) "The Great Intoxication" (Dir.: Jason Archer & Paul Beck)

• 2006 - "Hoy No Le Temo A La Muerte" (Colaboración con "La Portuaria") (Dir.: Daniel Böhm)

VHS / DVD • • • •

1986 1989 1992 2004

True Stories Ile Aiyé (The House of Life) Between the Teeth Live at Unión Chapel

Enlaces externos • • • • • •

DavidByrne.com (Sitio Oficial en inglés) [1] Jornal de David Byrne (En Inglés) [2] DavidByrne.tk (Sitio No-Oficial en español) [3] Talking-Heads.net (Sitio No-Oficial en inglés) [4] Radio David Byrne [5] Letras de canciones de David Byrne (En Inglés) [6]

David Byrne

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Referencias • Talking-Heads.net • DavidByrne.tk [3]

[1]

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Fuentes y contribuyentes del artículo

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