Revista Lapsus del Diseño Visual by Fernando Tituaña

Conclusiones del primer folleto A lo largo del primer tomo de “Lapsos del diseño visual” hemos intentado hacer una aproximación lo más leal posible a lo que llamamos la Historia del Diseño Gráfico, esto a fin de no dejar espacios sin análisis. Por supuesto, estamos conscientes de que no es posible sintetizar en cuarenta escasas páginas toda la producción artística e intelectual de más de un siglo de historia. Sin embargo, a través de cada una de las líneas de esta primera entrega se ha desarrollado, con una base teórica y conceptual, los lineamientos esenciales de las Escuelas de Diseño y movimientos artísticos del siglo XX, inmediatamente después del fin de la época conocida como la Revolución Industrial. Así, a partir de 1910 se registra en los libros de historia a los movimientos del Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo Ruso, De Stijl, Mechano-Factur, Bauhaus como los más paradigmáticos, los mismos que han sido representados con ilustraciones propias de los estudiantes de la cátedra de Impresos inspirados en estas escuelas. Del Futurismo podemos concluir que es un movimiento artístico cuyo máximo representante es el italiano Filippo Marinetti. Fue una evolución del diseño que buscaba reflejar el movimiento, dinamismo, velocidad, y fuerza. Los diseñadores futuristas animaron sus páginas con composiciones dinámicas, no lineales, con letras y palabras pegadas que reemplazaban la fotografía que exaltaban y representaban la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual.

mos con diseños funcionales, mecanizados, que demuestren la esencia de la época y, por supuesto, de los procesos de industrialización de es aquellos años. En cuanto a la Escuela D’ Stijl (El estilo) se concluye que surgió con la revista de diseño del mismo nombre. A diferencia de la Mechano-Faktur, se caracteriza por su carácter eminentemente abstracto, pero, a diferencia de las formas surrealistas que experimenta el Dadaísmo, la escuela del Estilo se dedicó a crear diseños geométricamente calculados. Buscó expresar el mundo de la época desde formas cuadradas y rectangulares. Otra de las escuelas que ha revolucionado no sólo el diseño gráfico sino las artes en general es el Cubismo, cuyo máximo representante es el español Pablo Piccaso. Esta escuela nace como un intento por mostrar la deformación de la sociedad, lo hace a través de las formas geométricas, las mismas que demuestran la frialdad de una época de terribles confrontaciones bélicas y sociales (1910-1940). La escuela alemana de arquitectura y diseño Bauhaus se le conoció por la innovación de sus diseños, la utilización de las formas y figuras cilíndricas, pero sobre todo por la innovación en la tipografía en general sans serif y de carácter funcionalconstructiva. Se manejaron círculos, cuadrados y triángulos con base en 3 colores primarios.

El Dadaísmo es un movimiento artístico y social surgido en Europa a finales de la Primera Guerra Mundial, donde prima la importancia de la imaginación, el azar y el automatismo que recoge el surrealismo, posteriormente. La estética dada niega la razón, el sentido, la construcción del consciente.

Otra importante corriente fue el Constructivismo Ruso, escuela que se ha mantenido hasta la actualidad a través de los diseños de anuncios políticos especialmente para los partidos de ideología izquierdista. Se caracteriza por el uso de una tipografía rígida y el uso de la imagen con inclinada hacia la derecha. Esta escuela se desarrollo a parir del ascenso de Lenin al poder de la URSS.

También (a lo largo de este recorrido) nos encontramos con la Escuela Mechano-FaKtur, la misma que surgió en el periódo entre la Primera y Segunda Guerras Mundiales. Su objetivo era potenciar, por medio del diseño de carteles, el desarrollo industrial de la época. De allí que nos encontra-

Del mismo modo no podían faltar las Tipografías, las mismas que se ha presentado la clasificación por familias: la Serifa y la Sans Serifas, a partir de las cuales han evolucionado un sinnúmero de fuentes tipográficas. Pues todo producto visual no puede estar separado de las letras.

Bibliografía

editorial

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Director Editorial: Marcel Merizalde profesor de cátedra de impresos

Coordinadora: Tatiana Cifuentes

Asistentes de Coordinación: Verónica Bustillos Verónica García Carolina Gruezo Sara Lía Hallo Mauricio Montenegro Consuelo Rivera Andrés Sefla Daniel Silva Fernando Tituaña Jenny Zavala

Impreso en: Universidad Central del Ecuador Facultad de Comunicación Social

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En Polonia, los carteles cumplieron una función patriótica y de agitación, junto a otros que, dentro ya de una sociedad capitalista, se centran en una publicidad puramente comercial, que evolucionó desde los supuestos del Art-Nouveau a los de las vanguardias, así como a los del Art-Déco internacional y a los de la nueva publicidad.

justificación

REPRESENTANTES DE LA MECHANO FAKTUR El principal representante de esta escuela y creador de la teoría sobre Mechano Faktur es Henryk Berlew (1894-1967, polaco) influenciado por las conferencias de Lissitzky en 1920. Mecanizó la pintura y el diseño gráfico en una abstracción elaborada que excluye cualquier ilusión tridimensional, esto se lograba por medio de la colocación matemática de formas geométricas simples sobre un fondo. La mecanización del arte era vista como una expresión de la sociedad industrial. Berlew planteaba que el diseño publicitario y los costos deberían ser gobernados por los mismos principios que rigen a la industria moderna, así como a las leyes de la economía. En cuanto al texto publicitario, él proponía su reorganización para darle cohesión e impacto y la composición visual se adaptaba al texto. Esperaba que la publicidad comercial se convirtiera en el vehículo para terminar con la división entre el artista y la sociedad.

Frente a la poca accesibilidad de productos comunicacionales, específicamente, al interior de los medios impresos enfocados a la interpretación conceptual del diseño gráfico, el folleto educativo se presenta como una alternativa de información y conocimiento para los estudiantes.

Además, este proyecto comunicativo se justifica en la necesidad de mostrar las distintas manifestaciones del diseño grafico que surgieron a inicios del siglo XX y que han evidenciado una constante transformación al interior de la comunicación visual.

Según Shakespear el signo es una herramienta única y sublime. “El lenguaje posee niveles, significante y significado. Un mismo signo puede poseer muchos significados, de acuerdo a su contexto, pero en conjunto a otros signos de la misma naturaleza, pueden representar la misma idea”.

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índice

faktur

ESCUELAS DEL DISEÑO VISUAL

BAUHAUS

CUBISMO

FUTURISMO

DADAISMO

CONSTRUCIVISMO RUSO

DE STIJL MECHANO FAKTUR Y BOLK

7 11 15 19 23 27 31

“El cartel configura un género artístico que exige síntesis de significado y capacidad para expresarlo con precisión y al que algunos consideran la forma más pura de lenguaje visual analizable desde el punto de vista de su significado” (BARNICOAT, pág 82). Así, en palabras del diseñador gráfico polaco Jan Lenica, “la simplicidad en el uso de los medios de expresión no implica pobreza del cartel; al contrario, constituye su fuerza”. El auge del Cartelismo en Polonia se debió a que cumplió con la doble función de servir al gobierno como un vehículo más amable y efectivo de propaganda ideológica y a los artistas, a su vez, como un elemento de provocación y resistencia, un espacio de libertad. En esta época, los carteles resultaban artísticamente toscos, pero con un mensaje contundente. Durante las décadas de 1920 y 1930, los carteles reflejaron numerosísimas influencias: cubismo, surrealismo, dadaísmo y Art Déco, entre otras. En la década de los 80, se ven los cuadros geométricos en blanco y negro. Mientras que la pintura de los coloristas que desarrollaron su actividad artística durante los veinte años del periodo de Entre Guerras tiende, a lo decorativo, es considerada, gracias a los rasgos anteriores, como un valor permanente en la pintura contemporánea polaca .

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reseña

histórica del diseño gráfico

DESCRIPCIÓN DE LA ESCUELA. Con el nacimiento de la pintura abstracta polaca, en 1923, apareció también un diseño gráfico funcional. Henyk Berlewi fundó, en 1924, al regresar a Varsovia desde Berlín, el “grupo de arte abstracto constructivo”. Bajo la influencia de El Lissitzky, Viking Eggeling, Moholy-Nagy, Van Doesburg, Raoul Hausmann y Hans Richter, escribió y publicó su teoría sobre Mechano-Faktur. Al mismo tiempo abrió una agencia de publicidad junto con los vanguardistas Aleksander Wat y Stanislaw Brucz. El trío realizó sus trabajos gráficos de acuerdo a los principios del futurismo, el dadaísmo, el suprematismo y Mechano-Faktur. “El trabajo publicitario debe fundarse en los mismos principios que dominan en la moderna producción industrial” (MULLER-BROCKMANN, pág 102103). Por la misma época aparecía en Polonia la revista Block. En su equipo de redacción figuraban Henryk Stazéwski, Teresa Zarnower, Edmund Miller (creador de los vivaces tipomontajes de la publicación) y Mieczyslaw Szczuka. Éste último fue autor de interesantes fotomontajes.

Otro grupo, “Praesens”, defendió en la revista del mismo nombre, editada por Henryk Stawéwski y Szymon Syrkus, el arte y la arquitectura modernos. En cuanto a la imagen, ésta ha sido uno de los medios que desde siempre se han usado para enviar mensajes que cualquiera pudiera entender fácilmente, sin necesidad de leer un texto escrito. Cabe recordar que los retablos no eran sino los carteles de los que se valía la Iglesia para difundir sus enseñanzas.

La primera expresión del diseño gráfico, como tal, empezó con los afiches de Touluse Lautrec diseñados para el Moulin Rouge a finales del siglo XIX. En el se expresaban y publicitaban eventos y lugares pero, el análisis semiotico y profesional del Diseño Gráfico fue desarrollado en las llamadas escuelas. Posteriormente se hicieron famosos los afiches para las obras de teatro actuadas por Sarah Bernhardt y realizados por el artista Polaco Alfonse Mucha, donde se pudo observar el refinamiento gráfico caracterizado por la forma de representar a la mujer dentro del estilo Art Nouveau parisino de aquella época. La bauhaus, fue un referente e influencia de la arquitectura y de las llamadas artes constructivas hasta la actualidad, evidentemente no pudieron evitar la racionalización de la expresión estética, primando la modulación y el desarrollo práctico de los elementos en pleno auge de industrialización. Dirigido en su principio por Walter Gropius e influenciado posteriormente por The van Doesburg con la revista De Stijl marco la influencia para un nuevo rumbo, de allí las ramas de la creatividad con fines prácticos, constructivos y publicitarios.

Ahora se debate la importancia, e influencia del arte en el diseño, teniendo obligadamente que separar el objetivo de la creación en si. Todas las ramas del diseño tienen una misma raíz, el arte adaptado a la industrialización, o al uso cotidiano, planteado en el Dada y en el Pop Art como denuncia de las formas cotidianas hacia objetos de arte, y la cultura popular expuesta hacia otros contextos. Actualmente, en muchos países la carrera de diseño gráfico se basa equivocadamente en los medios que presta la tecnología, olvidando sus principios creativos y entregando como principal recurso una herramienta que no va mas allá de ser eso. Las escuelas del diseño lograron poner al alcance de la gente medios antes impensables, logrando masificar productos e ideas cada vez más libres, marcando referentes para el desarrollo de lo que hoy conocemos como diseño gráfico. Se puede concluir que ls academización es tratar de racionalizar la creatividad adaptándola a conceptos cerrados que lo único que tratan es emular lo que ya se hizo. De allí la imrotancia de estudiar las distintas escuelas, que en sí solo proporcionan las herramientas para el desarrollo de diseño visual.

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reseña

histórica tipografía “Es el arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vista a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto.” La tipografía es un invento chino que llegó a Europa. “Todo el progresivo intercambio cultural que tuvo Europa además trajo consigo no solo la tipografía sino papel, tinta, inventos como la brújula, etc.” La primera tipografía con serifas apareció en 1465, más tarde, tipógrafos e impresores como Nicolas Jenson y Aldo Manucio las perfeccionaron, volviéndolas más estilizadas y refinadas, el nuevo estilo de letra se llamó bastardilla, actualmente llamada itálica. Los primeros tipos de letra redonda que aparecieron en Italia (1460-1470), estaban basados en la escritura manual humanista. Un renovado interés por la minúscula carolingia provocó un refinamiento en su diseño, el resultado fue el proyecto final para el primer tipo romano. Después de 1460, el liderazgo en el desarrollo de los tipos móviles pasó de Alemania a Italia, centro artístico del renacimiento. La tipografía se remonta al renacimiento con los primeros impresos de Gutenberg, posteriormente en la Edad Media, el auge tipográfico siguió evolucionando a pesar del acceso privilegiado de la iglesia a este invento. Hacia el año 1500, el invento de Gutemberg había tenido una amplia difusión, en Europa ya existían aproximadamente 1.100 imprentas funcionando. En los países germanos el estilo de letra más usado era la fraktur (aunque la tipografía usada en la primera Biblia de Gutem-

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berg fue “textura”). A diferencia de Alemania, en el sur de Europa la costumbre en la Edad Media era utilizar la minúscula carolingia junto a las mayúsculas cuadradas romanas. La ilustración se denominó la edad de oro de la imprenta, pues la elaboración y la adquisición de libros dejó de ser exclusiva. El tipo sans serif está basado en las proporciones de las romanas. Las mayúsculas inscripcionales y el diseño de caja baja de las romanas de los siglos XV–XVI. No son monolíneales y son una versión de la romana pero sin serifas (pequeñas líneas que se encuentran en las terminaciones de las letras, principalmente en los trazos verticales o diagonales). La tipografía “Antiguos o romanos” utiliza los tipos antiguos que empleó Aldo Manucio, refinados y de gran influencia caligráfica. Las de transición o reales, llamados así porque no se ajustan con exactitud ni al aspecto formal de los tipos antiguos ni al de los llamados Modernos (último cuarto del siglo XVIII). Firmín Didot, 1784, creó el primer tipo moderno. Este poseía caracteres formales tales como una profunda modulación y contraste entre los trazos y unos remates nítidos. La tipografía “egipcios” o mecana es aquella que utilizan grandes remates, exagerándolos en las modernas produciendo un impactante aspecto. Caracterizados por su estructura monolineal y rasgos achatados. El serif (principios del siglo XIX) es casi del mismo grosor que los bastones de las letras.. Las letras sin serifas o de palo seco, son aquellas que no llevan ningún tipo de terminación; por lo general son consideradas inadecuadas para un texto largo.

CONTEXTO HISTORICO La época en que surge esta escuela está determinada por el período Entre Guerras. La economía mundial, excepto Japón y la URSS, sufrió una profunda crisis tras la Primera Guerra Mundial. La "gran depresión" económica que se vivió a partir de 1929 contribuyó al aumento de la inseguridad, violencia y tensión en las relaciones internacionales. Hacia 1933 algunas economías empezaban a recuperarse. Durante los años 1919-1920 se firmaron cinco tratados de paz que dieron fin a la primera Guerra Mundial y lugar a la creación del nuevo estado de Polonia. Después de la Gran Guerra, muchas democracias de países europeos fueron sustituidas por regímenes totalitarios de extrema derecha como el fascismo italiano y el nazismo alemán; y de extrema izquierda, como el stalinismo en la Unión Soviética. Los efectos de la Gran Guerra, a corto plazo fueron importantes, el desempleo alcanzó niveles máximos. La crisis social provocó un marcado extremismo político, lo que favoreció el nacimiento de nuevas corrientes sociales de pensamiento y por ende, de lucha y opresión. Entre otras cosas, esta crisis favoreció la llegada de Hitler al poder.

Manejo de la Gráfica Se puede decir que lo artistas de De Stijl siempre estuvieron alineados con la tradición moderna que “[…] en lo referente a la forma se asemejaba al cubismo y, en la cromática, tiene como punto de partida la obra de Vincent van Gogh […]” (SIMON pág. 217). Este movimiento, tomaba como modelo la realidad visible, se destacó por la utilización, por un lado, a la línea recta en vertical u horizontal y al ángulo recto, y por otro, a los tres colores primarios (rojo, azul y amarillo) y al blanco, el gris y el negro como subsidiarios de las superficies planas. Las líneas generalmente negras o grises eran líneas gruesas y sus formas bases fueron cuadrados y triángulos. El De Stijl logró articular estos elementos a través de relaciones puras mediante trazos bien calculados y generalmente geométricos nítidamente separados entre sí sobre un fondo blanco… La utilización de líneas horizontales y verticales ocasionó la presencia de ángulos rectos lo generó un sistema reticular, regular o no, que se considera como la base de su composición… (Marchán Simón pag. 219). Una de las características de esta escuela fue la extensión del cruce y cerramiento de las verticales y horizontales que en ocasiones rompían con la lógica de las formas pero manteniendo el ángulo y la geometría lo que posteriormente produciría estructuras reticulares irregulares. Esta variante en el estilo se consideró como una transfiguración abstracta de lo real, un rompimiento con lo real que introdujo en el diseño un fondo neutro caracterizado por el color negro. La lógica geométrica de la escuela de De Stijl proporciona desde la rigurosidad geométrica un sistema de ordenamiento para páginas de impresos que a demás de las características ya mencionadas promovió la utilización de tipografías que conjuguen líneas verticales y horizontales gruesas.

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente Bauhaus, fue la escuela de “(…) arte, arquitectura y diseño fundada en la ciudad alemana de Weimar por W. Gropius en 1919 y trasladada posteriormente a Dessau (1925-32) y Berlín (1932-33) (…)” ( Ebrisa Online, Gran Enciclopedia Salvat, Artículos) La Alemania estaba en quiebra después de una devastadora Primera Guerra Mundial y la generación más joven está deseosa de hacer cambios positivos. Este movimiento estaba influenciado por diferentes corrientes como el Constructivismo ruso, Suprematismo, Expresionismo y Neoplasticismo. Henrich von Eckardt dice que Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo Dada su importancia Las obras de Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996. La Escuela Bauhaus se asento en tres ciudades: Weimar (1919 – 1925), Dessau (1925 – 1932), Berlín (1932 – 1933).

desarrollo del Bauhaus

En octubre de 1917 aparece la revista De Stijl (El Estilo) bautizada así por sus precursores, y en 1918 el Manifiesto 1 de De Stijil firmado por sus miembros a la cabeza de Theo van donde se proclamaba la lucha en contra de la individualidad en aras de lo colectivo.

Primera época (1919-1923) En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius fueron: La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público. Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925) En 1923 Theo van Doesburg creo en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Tercera época (1925-1933)

Una de las razones que influyeron y posibilitaron la creación de esta escuela fue que Holanda no formó parte del conflicto bélico que el momento estremecía toda Europa. Holanda se convirtió en una isla en medio del océano para los artistas de la época. Allí Mondrian pintaría sus principales obras a partir de las cuales se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl. Mondrian desarrolló una forma de “[…] abstracción llamada neoplasticismo… Sus pinturas eran cuadrículas, con relieves bidimensionales del plano pictórico. Creó un estilo simbólico hacia una abstracción geométrica pura […]” (DEICHER pág. 75). Las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles, aunque “[…] Mondrian no utilizaba líneas diagonal, pero sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato. Van Doesburg sí admitió el trazo de la diagonal […]” (DEICHER pág. 78). Así los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Otros artistas que destacaron en este movimiento fueron: el ucraniano Vladímir Tatlin, el argentino Fernand Léger y el uruguayo Joaquín Torres García, todos pintores y artistas plásticos que se encargaron de difundir los preceptos del De Stijl por América Latina y el mundo.

En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría.

manejo de la gráfica

Escuela

El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración. Construcciones con formas rectangulares, con base en hormigón y cristal, inclinaciones más hacia el funcionalismo. La tipografía, es funcionalconstructiva y la gran mayoría de las veces se aplicó la sans serif. Se manejó el círculo, el cuadrado y el triángulo y se utilizaron los 3 colores primarios como base.

Europa vivía el desempleo, la inflación y el caos político que surgieron de la primera guerra mundial “[…] En las principales ciudades de Europa, el diseño gráfico surgirá como parte de la moderna sociedad industrial, no sólo a través de los carteles, sino también en los membretes, folletos de publicidad, catálogos de componentes industriales y ferias […] “ (BERNAL pág. 6) El llamado arte comercial sobrevivirá en el trabajo de los artistas de los carteles. Pero la comunicación visual en los años 20 estuvo dirigida por los artistas de vanguardia. En este contexto nacen dos poderosos movimientos vanguardistas, el Construtivismo en la Rusia soviética y De Stijl.

El De Stijl es parte de lo que se considera arte abstracto pues abarca varios estilos. Empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX, un año antes de que finalice a la Primera Guerra Mundial. Este movimiento nació en Holanda y sus precursores fueron los pintores Piet Mondrian (principal figura), Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y Theo van Doesburg, quien creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas.

Johannes Itten, profesor del primer curso de Bauhaus sostenía que: "Si un pintor quería conseguir equilibrio y armonía, tenía que prestar atención a las afinidades naturales entre el cuadrado y el rojo, el triángulo y el amarillo, el círculo y el azul". (SATUÉ, pág. 3) Líneas de recado dividían la superficie en distintas áreas según su importancia temática. Además, las líneas contrastaban entre sí por su diferente grosor: el diseño debía parecer y bien definido. “(…)Los tamaños de las fotografías y otras imágenes ilustrativas eran rigurosamente sistematizados, la anchura de textos e imágenes era idéntica en las columnas, la altura de los tipos se redujo a unos pocos tamaños definidos, y casis siempre se ampliaban dos colores (el negro y otro color distinto del gris) (…)” (Müller, pág 106) Las direcciones horizontales y verticales surgen con mucha frecuencia. Los textos se diferencian de forma tipográfica. Se resaltan palabras con colores de fondo o una fotografía impresa en un color no realista. Se colocan textos breves en un ángulo de 90º, algo totalmente nuevo.

La escuela de De Stijl nace en el contexto de la Primera Guerra Mundial y otros acontecimientos que incidieron sobre la escena artística de la época. El 28 de junio de 1914 fue asesinado el archiduque Francisco Fernando, heredero del trono Austriaco, en Sarajevo, capital de Bosnia, a manos del partido secreto panservio Unión y Muerte de la república de Servia. El gobierno Austriaco apoyado por Alemania (potencias centrales), envió un ultimátum a Serbia para permitir una investigación de los hechos. Serbia rechazó el ofrecimiento y se alió con Rusia (fuerzas aliadas).

Con el estallido de la Primera Guerra mundial más países se fueron sumando a la contienda: Bélgica, Francia, Inglaterra, Italia, Rumania, Portugal y Grecia. El conflicto se extendió más allá de de los territorios europeos cuando Turquí y Bulgaria deciden formar parte.

En 1917 Estados Unidos intervino en la guerra apoyando a los aliados. En agosto de 1918 termina la Primera Guerra Mundial cuando los alemanes son vencidos por las tropas estadounidenses en la batalla de Marne.

van der Rohe

Gropius

Walter Gropius llevó a cabo varios proyectos, incluyendo su obra maestra: El edificio de la Bauhaus en Dessau, el cual tenía una planta asimétrica, con pabellones situados a diferentes alturas y predominio de ventanas horizontales, uno de los puntos de referencia de la arquitectura racionalista. Otras obras que realizó fue la reconstrucción del Teatro Municipal de Jena junto con Meyer, la edificación de la Academia de Filosofía de laUniversidad de Erlangen, la Urbanización cercana a Karlsruhe, la Casa Sommerfeld en Berlín, el Monumento Memoria Víctimas Golpe Estado de Kapp, la Casa Auerbach en Jena, las Casas de los Maestros de la Bauhaus en Dessau, la Colonia Törten, la Oficina de Empleo.

En cuanto a Ludwing Miës van der Rohe, en 1929 un año antes de tomar el cargo en la Escuela- había edificado su máxima obra: El Pabellón Nacional de Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona. Otras de sus obras son: la Casa Tugendhat en Brno (actual República Checa), el Proyecto Club de golf en Krefeld (Alemania), el Proyecto Casa Gericke en Berlín, el Apartament para Soltero, la Casa Lemcke, el edificio administrativo para la industria de la seda, la Casa Hermann Lange, la Silla de Barcelona y mucho más. Además, participó en la Exposición Berlinesa de Edificios celebrada en la capital aleman.

A este contexto se sumó la revolución Rusa iniciada en 1905. La revolución estalló en 1917 a la cabeza de Vladimir Illich Ulianov, conocido también como Lenin, jefe del partido Bolchevique. Las tropas revolucionarias Rusas lucharon contra en régimen del zar Nicolás quien fue duramente criticado por el pueblo por no poder hacer frente a los problemas derivados de la Guerra Mundial. Estos periodos políticos sociales estuvieron matizados por guerras y la devastación de Europa, que dieron como resultado la muerte de millones de personas, cuantiosas destrucciones materiales, pérdidas demográficas y una oleada de agitación social. El panorama económico dejo por otro lado como resultado deudas de guerra que dieron lugar a un caos financiero y una fuerte inflación. (OCEANO pág. 1972).

El constructivismo tiene sus bases en el movimiento psicológico llamado gestalt, que estudia la psicología de las formas y cómo éstas inciden en el aprendizaje y el conocimiento del mundo, por ello la propuesta de esta escuela es trabajar con formas geométricas básicas a las que asignamos funciones, materiales industriales sencillos, encaminados a la comprensión de los fenómenos cognoscitivos en especial en esta época donde el fin es promulgar un ideal. Luego de que Lenin enfermara en 1922 y falleciera posteriormente en 1924, Stalin asumió el partido comunista ruso y el estado soviético, por lo que algunos de los artistas constructivistas se exiliaron y así esta tendencia tuvo su declive.

cubismo

el inicio de las vanguardias El cubismo es una forma de expresión que tiene como base las formas geométricas de los objetos de la naturaleza, nace en Francia como una nueva expresión que rompe con los estatutos renacentistas que rigieron en los inicios del siglo XX y da paso a una nueva vanguardia artística. El cubismo se ubica en la línea del tiempo desde 1907 hasta 1914, en esta época Europa se encontraba muy tensionada debido a los dos sistemas de alianzas hostiles, el primero Gran Bretaña, Francia, Rusia, Italia y Estados Unidos, y el otro la coalición de los llamados Imperios Centrales, integrada por Alemania, Austria-Hungría, el Imperio Otomano y Bulgaria. Historia y evolución del cubismo 19071914: Braque, Picasso y J. Gris En 1905 empiezan varios enfrentamientos que causan varias crisis internacionales, dando paso a la Primera Guerra Mundial (28 de julio de 1914). Al estar Francia en el mismo grupo aliado con África permite que Picasso tenga acceso a exposiciones de la escultura ibérica y africana, esto ayuda a que la circunstancia principal para el surgimiento del cubismo sea el conocimiento que se tiene de la obra de Cézanne, un artista africano, quien propuso, representar la realidad de una manera diferente: Las líneas perpendiculares al horizonte dan sensación de profundidad. Pero la naturaleza para nosotros los seres humanos es más profunda que la superficie, de donde surge nuestra necesidad de introducir en nuestras claras vibraciones, representadas por los rojos y los amarillos, un monto suficiente de tono azul para dar la sensación de aire. (CÉZANNE, pág. 371)

cubismo En la actualidad el cubismo no es un arte muy utilizado pero se lo puede encontrar en lo referente a diseño gráfico en revistas especializadas y también con algunos rasgos en obras como lo hace Disney en su galería de arte fino.

Características del Cubismo Se pueden observar varios elementos que caracterizan al cubismo como la primera vanguardia en el arte. La fragmentación de la imagen: los planos toman una autonomía de las figuras, esto hace que el volumen de los objetos sea diferente pues los grandes volúmenes terminan en otros más pequeños. La perspectiva múltiple: los planos pueden verse desde varios puntos de vista, de cara, de perfil, etc. El geometrismo: estos pueden ser cilindros, conos, esferas y cubos. Y como otra característica está la utilización de nuevas técnicas como los collages en papel, la introducción de objetos reales en los lienzos que ayuda a que la creación sea más libre y se puedan crear nuevas texturas. Los cubistas buscaban crear un nuevo concepto de espacio plástico de una manera bidimensional en el lienzo, para crear estos espacios se realizaba la fragmentación de las formas y del espacio mediante la interrelación del color y las líneas. Otras características de esta expresión de arte fueron: el sombreado, austeridad cromática y centrarse en el bodegón y el retrato.

Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios en 1919. (Caballero, revista web) El constructivismo es un arte productivista con el fin de crear una cultura artística obrera, es así que esta escuela permite proclamar las virtudes del nuevo estado obrero mediante la construcción de esculturas abstractas que tienen como material el metal, alambre y trozos de plástico o como mediante la publicación de carteles apoyando la revolución y también plasmando en las paredes de las ciudades su arte.

cubismo La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Por otra parte Naum Gabo (1890 - 1977), quien es otro de los representantes de la escuela rusa, en 1920 mediante un manifiesto le otorga el nombre de Constructivism, desde esta fecha, y con mucha mayor fuerza esta tendencia artística, se difunde por la Unión Soviética al igual que la revolución obrera, por lo que varios artistas que desean apoyar y promulgar los mensajes revolucionarios se unen a este movimiento con un sentido más vanguardista del arte. Esta escuela se basa en ideales de utilitarismo , funcionalismo y abstracción , aquí se utiliza formas básicas para la construcción de diseños. Su objetivo es tratar de mostrar la realidad, aquí prima la superficie cuadrada, los renglones horizontales, verticales y los colores puros. Su composición hecha con medios tipográficos sans serif y gráficos muy sencillos lo que le da el carácter de funcional, y la utilización de formas rectangulares permiten crear una visión de seguridad y control sobre lo que se ve. Además las leyendas escuetas en sus textos en renglones horizontales, ascendentes y descendentes rítmicamente apoyados por líneas atribuían la influencia supremacista.

Representantes del cubismo Los mayores exponentes del Cubismo son Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris plantean nuevas formas en el arte, completamente contraria a la de aquella época, en la que el espectador tiene una nueva relación con la obra artística, él interpreta la realidad con las guías que le da la obra. Esto hace que cada persona tenga una visión diferente de la realidad ya que la mira desde su cosmovisión. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) el personaje principal del cubismo, su obra representativa es Las señoritas de Aviñón. Georges Braque (1882-1963) tiene una característica especial en su obra que llegó a ser más intelectual que Picasso. Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista que muestra al cubismo fundamentalmente sintético y colorido. Pone a sus obras títulos intranscendentes. Y otros artistas como Marcel Duchamp se caracterizan por dar volumen a los planos.2 Etapas del Cubismo El cubismo tuvo varias faces y en cada una tuvo una característica especial en la creación de las obras artísticas. La primera fase fue denominada como cubismo analítico que fue desde 1909 hasta 1912 esto sucede cuando Braque y Picasso empiezan a trabajar juntos y parten desde la observación de la realidad para luego destruirla, esto hacia que las obras tengan como resultado planos casi indescifrables. La etapa analítica o hermética era básicamente monocromática en gris y obre, los colores no

tenían mucha importancia en esta etapa sino que primaba la forma, la geometría. Al ser las obras demasiado abstractas eran indescifrables es por eso que introducen algunos detalles como cuerdas, pipas, letras u otros detalles que permitan distinguir al objeto, como por ejemplo las cuerdas de una guitarra. La siguiente etapa es la del Cubismo sintético que va desde 1912 hasta 1914. Los colores son más utilizados ya no solo existe el grises sino también el rojo, el azul. Braque empieza a utilizar las palabras y los números en sus obras y se convertiría en el pionero al utilizar la caligrafía y pone papel y periódicos directamente en el lienzo, un ejemplo de esto es la pintura de Braque llamada "Naturaleza muerta con silla de rejilla", que se realizó con hule encerado que imita un trabajo con paja entrelazada. El Cubismo y su propuesta gráfica Dentro de la propuesta gráfica que hace el cubismo se encuentra el inicio del collage que tiene como objetivo la superposición o el enlace de varias imágenes opuestas dentro de un mismo plano. El collage emplea elementos extraídos de libros de grabados y añade a la obra objetos reales. Es de ahí que se puede hacer una comparación con el fotomontaje que tiene un mismo significado pero no la misma técnica, los dos buscaban nuevas formas de expresión. El fotomontaje es una manipulación de la realidad a través de la fotografía, el fotomontaje es una técnica Dadá 3.

cubismo En la actualidad Szymon Roginski ha utilizado el concepto del cubismo para crear su fotografía, su objetivo ha sido, según lo describen en páginas web, como por ejemplo: “romper el aspecto bidimensional de la fotografía al igual que los representantes del cubismo trataron de hacer lo mismo pero con la pintura”. (unmundolibre.net /fotografia) En lo referente a la tipografía existen varios referentes mucho más fuertes que Braque y Picasso que son Marinetti y Calder. Marinettri con el manifiesto futurista que fue publicado en un diario francés llamado “le figaro” en febrero de 1909 que tuvo tonos estridentes y el de Calder en Milán denominado el “Manifiesto of Futurist painting”. El retrato del padre de Paul Cézanne es motivo de portada en el periódico francés L´Evénement y este va acompañado de las primeras letras con estilo cubista: “en letras grandes negras, reproduciendo la cabecera, condensadas de palo y caja alta”. En lo referente al color se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color assepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos, se utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y Marrones. Bibliografía • GOLDING, John. “El cubismo: una historia y un análisis, 1907-1914” Publicación, Madrid: Alianza, del 1993. • Cézanne para Emile Bernard, 15 de abril de 1904 Correspondencia. Madrid. Visor Distribuciones. pág. 371. • SATUÉ Enric. “Arte en la tipografía y tipografía en el arte: compendio de tipografía artística”, Editor Siruela, 2007. • http://unmundolibre.net/2009/12/24/fotografíacubista

En 1914 la Primera Guerra Mundial causaba conmoción en el mundo, paralelamente a este hecho, Vladimir Tatlin (1885 - 1953) regresa a Rusia luego de un viaje a París después de visitar la exposición de Pablo Picasso, la cual le hace soñar con un nuevo estilo de arte. Tatlin tiene ahora el objetivo de ensamblar materiales diversos para crear formas e ir más allá del cubismo en busca de la tridimensionalidad de los objetos en el espacio. Cuando se desata la Revolución Soviética, en 1917 el gobierno bolchevique decide conceder mediante el Ministerio de Cultura y Educación cargos en la política artística a Tatlin, quien es autor de varias obras en honor, como el Monumento a la Internacional, diseñado en 1919 en honor a la revolución naciente. Tatlin crea un Laboratorio de Volumen en Leningrado para ensamblar sus obras basadas en su frase “hacer arte es formar el material”.

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dada Técnicas dadaístas

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento y todo tipo de codificación, los dadaísta frecuentemente recurrían al uso de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

La adopción de nuevas formas revolucionarias de la fotografía, la representación en blanco y negro, el uso psicológico del color, la tipografía ya revolucionada, el collage y posteriormente el fotomontaje, fueron parte de nuevos repertorios teóricos más sólidos, que aportaron a la creación de nuevas técnicas y soportes para el diseño visual gráfico.

dibujo y dejar que los trozos al caer creen una nueva composición (azar), etc. “Sus realizaciones artísticas abrieron nuevas posibilidades a la comunicación visual, figuran collages y fotomontajes: se recortaban y pegaban fotografías de revistas ilustradas, cartas antiguas, anuncios, etiquetas, páginas de libros de cuentas, etc., y de combinación de signos e imágenes extraños entre sí resultaban composiciones ricas y en asociaciones o provocadoras”. Brokmann, pág. 95.

Según Dietmar Elger en su texto “Dadaísmo” considera que “los dadaístas hicieron suya la técnica del collage inventada por los cubistas Pablo Picasso y Georges Braque”. Uno de los precursores Jean Arp empezó a hacer relieves, collages y bordados en los que ya empezaban a aparecer las formas geométricas y orgánicas. Desarrolló algunos métodos de hacer arte que poco más tarde tendrían un papel decisivo en el desarrollo del Surrealismo: desparramar tinta sobre un papel (automatismo), romper un

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“Actualmente maneja retículas normalmente con una cuadrícula, con un espaciado que se puede adaptar, este elemento sirve como referencia para colocar los diferentes elementos del texto, imagen, tablas. Se puede activar la aproximación los objetos a las líneas de la red y éstos se desplazan hasta alinearse con la fila y la columna más próximas”.

Irán integrándose las distintas especialidades del sector grafico (cartelismo, diseño tipográfico, ilustración comercial, diseño publicitario, imagen de identidad, etc.) clasificadas desde entonces en una misma categoría multidisciplinar” (Web: Paola Fraticola) Con el fin de la revolución industrial en 1910 e inicios de 1920, proliferan las grandes revoluciones artísticas. Con una sociedad autosatisfecha de su aparente bonanza, sin imaginar la futura guerra mundial, se inició un agitado movimiento que revolucionó las artes y el diseño que era academicista.

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Las fuentes del dadaismo fueron diseñadas a diferencia y como respuesta a los supuestos de bauhaus. Se utiliza la mezcla tipográfica, la composición desordenada, la ruptura de la linealidad, la composición en diagonal, la asimetría. La tipografía de los dadaistas Tzara y Hausmann era el resultado de consideraciones ópticográficas por las que letras y signos se constituían en valores formales capaces de crear campos de tensiones y marcar contrastes en composiciones como collages de imprenta, recatados y signos pictóricos. (BROKMAN, pág. 95)

“El entusiasmo que en él expresaba Marinetti por la vida moderna, la velocidad, la guerra y la revolución iba dirigido contra aherrojamiento en el dominio del arte”. ( BROKMAN, pág. 90) Marinetti y sus seguidores (Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Giacomo Balla, Gino Severini y Luigi Russolo) produjeron una carga tanto explosiva como emocional que desafiaba y condenaban toda forma de imitación. Impugnaban los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo. También aportaron a la estructuración del futurismo Soffici, Depero, y Guillaume Apollinaire, poeta francés y rival de Marinetti. quien contribuyó de manera significativa al diseño gráfico con la publicación de su libro “Caligramas” (1918), el cual contiene poemas diseñados con una pictografía visual fuera de lo comun. Con esta rebelada técnica en la poesía, se crearon páginas con composiciones dinámicas. Las letras y palabras pegadas reemplazaron a la fotografía, exaltando a la guerra, las máquinas, lo nacional, lo sensual y todo lo que fuese moderno . Rompían con lo tradicional, con el pasado y el academicismo.

Ideologías: El dadaísmo abarcó géneros artísticos en los cuales todo estaba permitido. A este movimiento le debemos el collage, los murales de pensamiento liberal y revolucionario, según los cuales el arte debía ser popular y no solo para la clase alta. Lucharon contra una fuerte crítica de la sociedad conservadora opuesta a sus pensamientos contra las normas establecidas.

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El Futurismo busca reflejar el movimiento, dinamismo, velocidad y fuerza. Nace gracias al poeta italiano Filippo Marinetti al producir poesía que desafiaba la gramática ortodoxa. En sus nuevos y elaborados diseños de poesía ponía a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades científicas e industriales.

Los dadaístas eran hábiles propagandistas de su causa, perfectamente consientes de cómo mantener en vilo a su público; precisamente la enorme expectación despertada fue la que dio al traste con el movimiento. En consecuencia se prohibieron numerosas publicaciones, sus exposiciones fueron clausuradas, sus materiales confiscados. (DIETMAR, pág. 7) Mientras la Bauhaus quería construir un orden nuevo, la gran arquitectura del dadaísmo quería huir y destruir todo orden. Su actitud antiarte, de negación del concepto clásico de belleza, se apropia de la letra para romper el sentido textual mediante la mezcla tipográfica, la composición ilógica, el desatino y el fragmento. Descontextualiza las letras y las palabras corriéndolas de su significado verbal.

Actualmente este movimiento implica una actitud más que un estilo, un planteamiento negativo y destructivo que propone la revisión de las tradiciones y convenciones artísticas existentes hasta entonces. De allí que a decir de Elger Dietmar el Dadaísmo hoy en día tiene un posicionamiento muy notorio frente a otras corrientes debido a que sus artistas han marcado una diferencia gracias a su innovación artística.

Ahora en cuanto al diseño gráfico desarrollado a partir de 1990 se puede mencionar que: El diseño gráfico de los años 90 hace un recorrido inverso: del diseño hacia las artes visuales, resignificando aquellos procedimientos discursivos de principio de siglo XX en los que la tipografía como signo visual ocupa un espacio protagónico siendo, conformadores de discursos sociales en el desarrollo incipiente de las modernas tecnologías de la comunicación visual como (la fotografía, el cine), y el segundo en el marco de la expansión masiva de la TV y los medios digitales. (Web LA BARBOTINA DADAISMO)

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A partir de lo expuesto, consideramos que en el dadaísmo prima la importancia de la imaginación, el azar y el automatismo que recoge el surrealismo, posteriormente. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente, sus formas expresivas son el gesto, el escándalo y la provocación. Una vez más citando a Aguirre, tenemos que “El dadá no creía en ninguna fuerza de o voluntad constructiva y veía en la tecnología una manifestación más de ese mundo falso y absurdo que consideraba necesario destruir”. (AGUIRRE, pág. 18)

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Principales rasgos del Dadaísmo

El movimiento dada le añadió al diseño gráfico un sentido de juego y azar que antes no poseía, influenció en la tipografía y las vanguardias artísticas del siglo XX (futurismo, dadaísmo y constructivismo ruso).

La técnica del futurismo se basa en convertir la escritura y la tipografía en formas visuales expresivas y concretas. Los versos tomaban forma de objetos o símbolos, ampliando los efectos visuales de la escritura. Se omiten las mayúsculas y la puntuación, se varia el espaciado de las palabras, se emplean más de un signo de puntuación para dar énfasis. Priman composiciones vibrantes de color, desmaterialización de los objetos, multi-posiciones de un mismo objeto, repetición y yuxtaposición del rostro y dorso de la figura. La tipografía publicitaria surgió con nuevas invenciones gráficas, engrandeciendo el poder de lo vital. Repartían elementos publicitarios cuya composición dinámica y collages de textos evocaban las impresiones de los autores que reflejaban tipografías variadas y expresivas. Los pintores futuristas, para representar diferentes perspectivas en una obra, se influenciaron fuertemente por el cubismo, de esta manera expresaron en sus trabajos en movimiento, y sobre todo secuencia cinemática.

dadaismo Surgimiento y su contexto

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El dadaísmo es un movimiento surgido en Europa y en Norteamérica en 1915, caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las cual los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte para crear un anti-arte. Sus orígenes fueron localizados cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial.

Por lo tanto:

Dadá surgió “[…] de una necesidad de independencia, de desconfianza hacia la comunidad como un impulso irrefrenable por salvar aquello que, más allá de las reglas de todos los juegos impuestos por la sociedad y la historia constituyen uno de los caracteres esenciales de la existencia: lo impredecible de sus movimientos, la libertad esa libertad que se debe proteger”. (AGUIRRE, pág. 15)

Fortunato Depero, pintor, diseñador gráfico y poeta influyó en la tipografía publicitaria de la Italia de los años 20 y 30, hasta que el contexto político, económico y social de los años anteriores de la II Guerra mundial sofocó todos los indicios de progresos de esa época.

En las artes gráficas visuales, un representante que contribuyó al futurismo y su estructuración fue Otto Eckmann quien a pesar de trabajar con el movimiento, también creó las tipografías Eckmann. Esta fuente fue hecha para tamaños grandes como para trabajar en carteles, hoy se la usa para dar un tono de nostalgia.

En Alemania es donde el dadaísmo adquiere un aspecto más marcado políticamente, por sus posturas de los artistas que eran comunistas y, en algunos, casos anarquistas. El dadaísmo “Crece más con la ruptura de las concepciones de la estética clásica europea que se inicio con el romanticismo, a comienzos del siglo XIX, y se acentúa en el primer tercio del siglo XX con la aparición de los llamados movimientos de vanguardia en todas las artes […]” (AGUIRRE, pág. 16)

Manifiestos de la corriente dadaísta

“Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumania, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck son grandes representantes de esta escuela que se presenta como una ideología total. Es considerado un antihumanismo entendiendo como el humanismo de la tradición anterior, tanto filosófica, artística o literaria”.