Libro de animación

Animaci贸n Ma. Fernanda S谩nchez Vergara.

ร NDICE: Flipbook Las 12 reglas de la animaciรณn Persistencia de la imรกgen Proyector Estroboscรณpio Praxinoscรณpio Edward Muybridge Georges Melies Emile Reynaud Emile Cohl Stuard Blackton Richard Williams Winsor Mccay Quirino cristiani Pat Sullivan Otto messmer

Lotte Reiniger Tony Sargi Max Fleischer Walter Lantz Walt Disney Berthold Bartosch Bill Nolan Chuck Jones Friz Freleng Oskar Fischinger Bob Clampett Shamus Culhane Ub Iweks William Hanna Frederick Bean Avery John Hubley Joseph Barbera

Ray Harryhausen Jules Engel Norman Mclaren Peter Foldes Heinz Edelmann Manuel Garcia Ferre Jiri Trnka Ozamu Tezuka Ralph Bakshi Carlos Carrera Animadores Mexicanos contemporaneos.

Esteban Azuela.

Roberto Alatriz.

Fernando Ruiz Salvador Pruneda Rodolfo Riva Palacio

-ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech) Consiste en la compresión y estiramiento del objeto animado sin que varíe su volumen aparente.

Está en función del peso y del material del que esté formado. Se trata de la estilización visual de un fenómeno físico: la inercia. Si un objeto está en estado de reposo y le imprimimos un movimiento, la tendencia del objeto será la de permanecer en el estado inicial reposo, por efecto del peso; si por el contrario se le intenta detener, la tendencia del objeto será la de seguir en movimiento, con mayor fuerza cuanto mayor sea su peso. En una animación tradicional, un coche al iniciar velozmente su marcha parecerá estirarse como chicle, hasta que haya alcanzado una velocidad constante durante la cual permanecerá con su forma habitual ; al frenar bruscamente parecerá sufrir un aplastamiento del que se recuperará cuando esté totalmente en reposo.

-ANTICIPACIÓN (Anticipation) En animación, la acción ocurre normalmente por tres etapas: La preparación para el movimiento, el movimiento en sí mismo y la prolongación de la acción.

A la primera parte se la conoce como Anticipación y es la parte más importante de todo el movimiento.

En algunos casos la anticipación es necesaria físicamente. Por ejemplo, antes de poder lanzar una pelota, hay que echar el brazo hacia atrás. El movimiento hacia atrás es la anticipación, el lanzamiento en sí mismo es la acción y el brazo bajando y el cuerpo rotando seria la prolongación.

La acción en sí no tiene relevancia en comparación con la anticipación ni la prolongación de ese movimiento.

La anticipación se utiliza para dirigir la atención del espectador preparándolo para la acción que viene a continuación. Generalmente, para las acciones mas rápidas se necesita un mayor periodo de anticipación.

-PUESTA EN ESCENA (Staging) Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes al espectador.

La Postura es la presentación de una acción o elemento de manera que se entienda con facilidad.

En general, se presenta un elemento de acción cada vez. Si ocurren demasiadas cosas a la vez, la audiencia dudará hacia dónde mirar y la acción estará saturada.

Algo clave para determinar una buena postura es la silueta. Lo que significa que una pose, un objeto o un personaje puede ser interpretado incluso en una silueta en blanco y negro. La postura no describe bien al personaje en silueta es que no es una pose adecuada y podría seguramente

ser mejorada.

Con personajes, es importante pensar realmente si cada pose para una acción es la adecuada y será leída correctamente por la audiencia. Además se debe estar seguro de que no haya dos partes de un personaje que se contradigan entre sí (a menos que sea intencional). Por ejemplo, si estás colocando una pose triste puedes colocar al personaje encorvado, con los brazos colgando a los lados y un ángulo de cámara elevado...pero si colocas una gran sonrisa en su cara no encajará con el resto de la pose.

-ACCIÓN DIRECTA .

La animación Directa es uno de ellos y es donde el animador anima un cuadro tras otro, ordenadamente. Por ejemplo, el animador crea el primer cuadro de la animación, después el segundo, y así sucesivamente hasta que la secuencia de animación deseada esta completa. Esta forma de animar tiende a crear animación mas libre, pero puede dar dificultades a la hora de controlar y ajustar el tiempo, algo de suma importancia a la hora de animar.

POSE A POSE animación de Cuadro Clave a Cuadro Clave. Es la que se usa mas al animar en computador, sea 2D o 3D. Sólo se crean los cuadros mas importantes, los Claves o Key, y el software dibuja o crea los cuadros entre estos principales, los que se conocen como Inbetween, o intermedio. Es muy útil para un timing específico o cuando una acción debe ocurrir en un momento concreto.

-ACCIÓN CONTINUADA La acción continuada, Es el procedimiento para terminar o cerrar adecuadamente una acción. Si un objeto se detiene, la parte principal es la primera en alcanzar el reposo, luego le seguirían los elementos secundarios.

También aquí nos acercamos a la idea de acción secundaria: en este caso se trataría de acciones posteriores a la acción principal. Supongamos que un personaje cubierto con una capa se detiene: lo primero en estar en reposo será el cuerpo, y luego le seguirán la capa, el pelo y demás objetos secundarios del personaje.

De forma general podemos afirmar que cuanto más pesado y voluminoso sea el objeto animado,

más lento será el tiempo de parada, y por tanto, más necesario evidenciar estas acciones secundarias.

-ACCIÓN SUPERPUESTA En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje. Se trata de ligar unas acciones a otras buscando una fluidez y evitando el " efecto robot ".

Un personaje se dirige a una puerta y luego se detiene ante ella para abrirla, lo natural es que la mano se vaya alzando en dirección al pomo de la puerta a medida que el personaje se acerca ; de esta manera crearemos una continuidad en las acciones.

-FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out) La entrada o salida lenta en una clave tiene que ver con la aceleración o deceleración gradual de un objeto al llegar o salir de una clave. Un objeto (p. ej. un brazo) debe ir frenándose según se aproxima a un cuadro clave (Ease In) o empezar a moverse gradualmente desde el estado de reposo (Ease Out).

Por ejemplo, una pelota rebotando tiende a tener un montón de "ease in and out" cuando esta en la parte mas alta de su bote. Cuando va hacia arriba, la gravedad afecta y la va frenando (Ease In), después, inicia su movimiento descendente cada vez mas rápido (Ease Out), hasta que golpea el suelo.

Es importante destacar que "gradualmente" aquí no significa necesariamente lento. Solo quiere decir que el objeto no se esta moviendo al 100% y de repente en un cuadro, se detiene completamente. Para conseguir movimientos enérgicos tipo dibujos animados basta con hacer "ease in and out" en un par de cuadros solamente. Pero incluso 3 cuadros de "ease in and out" pueden evitar que cualquier objeto parezca demasiado rígido o mecánico.

-ARCOS (Arcs) Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas. Habitualmente se utilizan líneas curvas y arcos para guiar el trabajo de intercalado con el fin de que los movimientos sean fluidos.

Al animar, uno debe intentar conseguir trayectorias curvas en lugar de rectas. Es muy raro que un personaje o alguna parte de él, se mueva en línea recta. Incluso los movimientos más toscos del

cuerpo, tienden a no ser perfectamente rectos. Cuando un brazo o una mano se extienden para alcanzar algo, tiende a moverse en un arco.

Siguiendo con el ejemplo de la cabeza, ésta gira describiendo un arco. De manera que si la cabeza de un personaje gira de izquierda a derecha, en el punto intermedio, debería ser inclinada ligeramente hacia abajo o hacia arriba dependiendo del punto al que este mirando. Esto corregirá la rotación para que no parezca perfectamente lineal o mecánica.

-ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action) La acción secundaria es la acción como consecuencia de la acción o movimiento principal. Por ejemplo si movemos la cabeza, como consecuencia de ese movimiento el pelo se moverá. O si movemos la cabeza de un personaje con orejas grades, lo mas probable es que esas orejotas también se muevan. Esta acción secundaria aporta interés, atractivo y quizás realismo al personaje y por lo tanto a la animación. Debe ser realizada de manera que se note pero que no sobrepase a la acción principal.

Son pequeños movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal.

-SENTIDO DEL TIEMPO (Timing) Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y las sensaciones de escalas y tamaños.

Es la velocidad que tarda una acción en desarrollarse. Influye en la apariencia de peso que tiene el objeto animado. Si a un objeto le aplicamos timings diferentes parecerá que tiene pesos diferentes. En general para un objeto pesado el timing será más lento.

Puede parecer un poco absurdo poner en la lista algo tan básico como el tiempo. Pero obviamente el tiempo es la esencia de la animación... ¿les suena familiar Time line o línea de tiempo? La velocidad a la que algo se mueve nos explica qué es el objeto y por qué se está moviendo.

Un simple parpadeo puede ser rápido o lento. Si es rápido, el personaje parecerá alerta y despierto. Si es lento el personaje puede parecer cansado y aletargado.

-EXAGERACIÓN (Exageration) La exageración se utiliza para acentuar una acción. Se debe utilizar de forma cuidadosa y equilibrada, no arbitrariamente. Hay que encontrar el objetivo deseado de una acción o secuencia y qué partes necesitan ser exageradas. El resultado será que la acción parecerá más realista, entretenida y destacada.

Se pueden exagerar movimientos, por ejemplo un brazo se puede mover un poquito más lejos (strech), brevemente, en una posición extrema. Una pose puede ser exagerada o quizás el personaje se inclina sólo un poco más de lo normal. Generalmente cuando se anima con un diálogo, se escucha el sonido y se resaltan puntos donde éste parece tener más tensión o importancia, después, se tienden a exagerar poses o movimientos que coincidan con esos puntos concretos.

-PERSONALIDAD (Appel) Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos.

Es un término que los anglosajones utilizan para describir aquello que tiene una apariencia atractiva a la vista. Un movimiento no tiene appeal si en apariencia es torpe o rígido. En la búsqueda por conseguir un buen appeal, el animador evitará, por poner un caso, hacer que su personaje levante los brazos de forma simultánea y creará, en su lugar, un pequeño desfase entre el movimiento de las dos extremidades. De esta forma el resultado será menos mecánico.

El Atractivo tiene relación con el gusto, algo subjetivo, pero es si gusta o no. Esto puede ser una especie de encanto, diseño, simplicidad, comunicación o magnetismo presente tanto en la animación como en el diseño del personaje. El atractivo se puede conseguir con una correcta utilización de otros principios como la prolongación, la exageración o en el diseño, evitando la rigidez y la simetría, utilizando la acción superpuesta y otros. Se puede crear el personaje más increíble, pero si no se anima correctamente, es trabajo perdido. Y lo mismo con un personaje simple. Todos hemos visto en la red las maravillas que se pueden hacer con esferas o figuras de líneas.

FLIPBOOK ¿Qué es un

flipbook?

Flipbook es un permite la facsimilar. Se su calidad versiones que del material, presentación

formato de libro electrónico que reproducción de un libro de manera realiza mediante el uso de software y varía en función de los programas y las se utilicen para realizar la conversión así como del diseño gráfico y la del original.

Existen varias versiones acerca de su fecha de aparición. Se dice que el primer flipbook se vio en septiembre de 1868, patentado por John Barnes Linnet de kineógrafo ("imagen en movimiento"). con el nombre Pero se tosman en cuenta también sucesos como el de John Paris y su taumatropo en 1825, Joseph Plateau y su phenakistoscopio en 1832, Thomas Edison y su kinetoscopio en 1891, siendo el mutoscopio de Hermann Casler –de 1890–, la kinora de Louis y Auguste Lumière –de 1897– y el filoscopio de Henry Short –de 1898. (paratexto.com) En el proceso para hacer nuestro “flipbook”, empezamos por dibujar en papel cebolla alguna idea o historia con una pelota, primero trazamos los dibujos a lápiz, cuando ya estamos conformes y seguros de que no se requiere ningún cambio en la historia entonces podemos entintar utilizando un estilógrafo.

Para el proceso de digitalización podemos escanear las imágenes o tomarles fotografía, si se quiere una mejor presentación visual lo mejor es escanearlas, después utilizamos un

programa que se llama Frame by frame, para reproducirlo, lo exportamos y guardamos, y lo hicimos que se repitiera una y otra vez. (bucle).

Persistencia de la imagen.

Fenómeno visual descubierto por el científico belga Joseph Plateau que demuestra como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpida y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza; si no existiese, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas.

Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual móvil y continua.

Proyector Los hermanos Lumière (Auguste y Louis Jean) fueron los inventores del proyector cinematográfico.

Su padre, Antoine Lumière tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él. Gracias al contacto con la fotografía, los hermanos empezaron a pensar en la posibilidad de crear el movimiento en las imágenes fotográficas. Para ello crearon el cinematógrafo que servía como cámara y como proyector. La proyección de las imágenes se basaba en la persistencia retiniana.

Estroboscopio

El estroboscopio es un dispositivo que emite destellos luminosos a una frecuencia predeterminada.

De esta forma se puede ver un objeto que gira a gran velocidad como si estuviera inmóvil o girando muy lentamente.

Simon von Stampfer, matemático austriaco, inventó el estroboscopio en 1829.

El aparato tiene una lámpara similar a las empleadas en los flashes de fotografía, que, en lugar de un destello, emite varios consecutivos con una frecuencia regulable. Si se sincroniza la frecuencia del estroboscopio con la del objeto que gira, éste parece inmóvil, ya que se ilumina siempre en la misma posición.

Si la frecuencia del giro y del estroboscopio no coinciden, pero se aproximana, el objeto parece moverse lentamente hacia adelante o hacia atrás.

El estroboscopio se utiliza para regular la velocidad de giro de diversas máquinas, como los antiguos tocadiscos de discos de vinilo.

El praxinoscópio.

Inventado en el año 1877 por el francés Charles Émile Reynaud, es un juguete óptico que también aplica el principio de la persistencia retiniana. Para lograr el efecto, Reynaud modificó el diseño del Zootropo de manera que ya no había que ver las figuras a través de orificios en las paredes de un tambor, sino que colocó espejos en el centro y las figuras en la cara interna de este y al girarlo las figuras reflejadas cambian y generan la ilusión de movimiento, con esto logró una imagen más nítida y una mejor transición entre cuadros.

Edward James Muggeridge, 1830-1904)

Fotógrafo inglés. Entre 1870 y 1914 la investigación fotográfica viró, fundamentalmente, hacia el registro del movimiento. Se trataba de reducir al máximo el tiempo de exposición a fin de aproximarse a la instantánea, susceptible de revelar la estructura de un cuerpo en movimiento. En este sentido, las primeras respuestas las aportaría Muybridge, quien estaba intentando probar con ayuda de la instantánea que, en un determinado momento del trote del caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que contradecía años de representación pictórica.

Tomó sus primeras fotografías en 1872, pero no fue hasta 1877, tras conseguir apoyo financiero del gobernador de California Leland Stanford, cuando consiguió un juego completo de fotografías satisfactorias.

Se trataba de un conjunto de placas de colodión húmedo, realizadas a velocidad de obturación de alrededor de una milésima de segundo, recurriendo para ello a sistema de relojería y mecanismos de cortocircuito que obturaban las cámaras al paso mismo de los caballos, al tocar éstos unos finísimos alambres estirados de un lado a otro de la pista. Ello registraba imágenes consecutivas de las diversas fases de su andadura.

Los resultados de sus investigaciones aparecieron en publicaciones periódicas del mundo entero entre 1878 y 1879, demostrando, pese a que la instantánea no revelaba la estructura del movimiento sino que lo fijaba, que no todas las fases de locomoción estaban al alcance del ojo humano, dado que en un momento del recorrido el animal mantenía las cuatro patas en alto. Para Muybridge estaba claro que la discrepancia entre el dato objetivo fotográfico y la norma convencional iba a provocar buen número de dificultades a pintores y dibujantes.

Emile Reynaud A los catorce años, ya bien informado en cuestiones literarias y científicas, Émile fue aprendiz de ingeniero de precisión en París, y más tarde estudió con el escultor y fotógrafo Adam Salomon. Pronto estaba preparando placas de linterna, fotográficos y dibujado a mano, por las conferencias audiovisuales organizadas por el abate Moigno. Después de la muerte de su padre en 1865, Émile y su madre se quedaron en el castillo de su tío en Puy-en-Velay y continuó sus estudios en la biblioteca de su tío. Volver a Moigno en París adquirió una amplia experiencia en todo lo relativo a la proyección. En 1876 se decidió hacer un juguete óptico para divertir a un niño pequeño. La mejora en la fenaquistiscopio y Zoetrope, Reynaud ideó el Praxinoscope , patentada el 21 de diciembre de 1877, un cilindro con una banda de imágenes de colores establecidos en el interior. Hubo un tambor central de espejos, que eran equidistantes entre el eje y la secuencia de imágenes, por lo que a medida que el juguete giraba en la reflexión de cada imagen vista en el espejo de tambor apareció estacionaria, sin la necesidad de mecanismos de parada-arranque complejas. Las imágenes mezclados para dar un, imagen en movimiento sin distorsión brillante claro y sin parpadeo. Al año siguiente se añadió un suplemento de patente de una mejora - el Théâtre Praxinoscope. El espejo de tambor y el cilindro se pusieron en una caja de madera en la que había una cubierta de vidrio abertura de visión, lo que refleja una tarjeta impresa con un fondo. Los sujetos en movimiento - un malabarista, payasos, una carrera de obstáculos - se imprimieron en una banda de negro, y así aparecieron superpuestos en una escena adecuada. Otra novedad fue la Praxinoscope proyección que utiliza una serie de imágenes transparentes de cristal, una lámpara de aceite ilumina las imágenes y los reflejos especulares pasado a través de una lente en una pantalla. La misma lámpara proyecta un fondo estático, y una vez más las imágenes en movimiento fueron vistos en un ambiente apropiado. Los tres modelos se demostró que la Société Française de Photographie en 1880. En diciembre 1888 Reynaud patentó su Théâtre Optique , un Praxinoscope gran escala destinadas a la proyección pública. Mediante el uso de carretes para alimentar y asimilación de la banda de la imagen ampliada, secuencias ya no se limitan a los movimientos cíclicos cortos. Esta fue la primera utilización comercial de las perforaciones que iban a ser tan importante para la cinematografía éxito.

Georges Méliés.

París, 1861 - id., 1938) Director y productor de cine francés. En 1895, fecha en que era director del Teatro Robert-Houdin e ilusionista profesional, asistió al estreno de las primeras películas de los hermanos Lumiere, inventores del cinematógrafo.

Convencido de las posibilidades de futuro del invento, adquirió una cámara cinematográfica, construyó unos estudios en los alrededores de París y se volcó en la producción y dirección de películas. Entre 1899 y 1912 realizó cerca de cuatrocientos filmes, en su mayoría comedias de tono burlesco y desenfadado, entre las que destacan Cleopatra (1899), Cristo andando sobre las aguas (1899), El hombre de la cabeza de goma (1901), la célebre Viaje a la Luna (1902), El viaje a través de lo imposible (1904) y Hamlet (1908).

También grabó reconstrucciones de eventos o noticias reales y mensajes publicitarios. Inventor de numerosos trucos y técnicas cinematográficas, se retiró en 1913, ante la imposibilidad de competir comercialmente con las grandes productoras que habían nacido pocos años antes. A su muerte, acontecida en 1938, se encontraba en la más absoluta miseria.

Emile Cohl.

Emile Courtet nació en París en 1857 y adoptó el seudónimo Cohl cuando tenía 20 años. Sólo empezó a interesarse en el cine en 1907 - un año que marcó un punto de inflexión en lo que ya era una vida productiva y profesional.

Entre las edades de 18 y 50, Cohl recorrían un gran número de operaciones.

Trabajó principalmente en la ilustración satírica (fue amigo y discípulo de André Gill), dibujos animados, el periodismo, así como el teatro y la fotografía Cohl llegó al cine como un artista de feria, pero que no tiene cabeza para los negocios, prefirió ofrecer sus servicios como cineasta y director de cine truco para Lux, y en particular a Gaumont, que se incorporó después de un año de trabajo de forma independiente. Después de una breve temporada con Pathé (1911), que fue independiente otra vez e hizo algunas películas para Eclipse, antes de ser enviada por Eclair a trabajar en su estudios americanos en Fort Lee, New Jersey (1912-1914) en la que, poco después de su regreso a Francia, los primeros estudios de animación abriría (Raoul Barré y JR Bray).

Las penurias de la Gran Guerra no le impidió hacer cine, pero cuando la dominación del mundo del cine cine francés terminó su carrera disminuyó: Cohn se retiró del cine en 1923 después de haber hecho, por lo general trabajan solos, unos 300 cortos (de cuales el 80% se consideran perdidos).

Murió en un hospital de Villejuif el 20 de enero de 1938, sin dinero y olvidado.

Lo que es interesante en la obra de Cohl es que, además de haber inventado los dibujos animados con su "Fantasmagorie" (un término linterna mágica), proyectada el 17 de agosto 1908 en el Théâtre de Gymnase en París, dio la animación un sentido de la poesía.

Stuart Blackton.

James Stuart Blackton nació en Sheffield el 5 de enero de 1875, pero mientras que el niño salió de Inglaterra a Estados Unidos. Trabajó como periodista e ilustrador en Nueva York, donde se entrevistó con Thomas Edison, que estaba tan impresionado con sus dibujos para hacer una película de dibujos animados:. Blackton el dibujante Mundial de noche (1896) Blackton compró un kinetoscopio de Edison y se asoció con AE Smith, y más tarde William T. Rock, para formar la Compañía Vitagraph. Se abrió un estudio en la azotea del edificio de Morse en 140 Nassau St, New York, y producido películas en las que actuó a sí mismos. Derribando la bandera española (1898), resultaron muy populares en la recreación de un incidente de la guerra españolaestadounidense y Vitagraph continuó explorando todo tipo de cine, incluyendo realidades de los eventos locales, series de comedia (como 'The Happy Hooligan') y adaptaciones de Shakespeare y Dickens. La empresa se trasladó a Flatbush en Brooklyn a un nuevo propósito construido acristalado en el estudio, donde fue pionero en animación fotograma Blackton parada y disparó a uno de sus filmes más exitosos, fases chistosas de una cara con ángel (1906). También fue innovador en su desarrollo de técnicas de edición y trabajo de cámara y procesos simplificados de la organización industrial del estudio con el fin de supervisar varias producciones a la vez.

Blackton Vitagraph dejó en 1917 para que los sujetos patrióticos a través de su propia compañía.

En 1921 se fue a Inglaterra, donde dirigió tres dramas de época pródiga en 'Prizmacolor' The Glorious Adventure (1922) y La reina (1923), ambos protagonizaron la sociedad de la belleza Lady Diana Cooper (considerado como Diana modales). Gypsy Cavalier ( 1922) protagonizada por el mundo la luz campeón mundial de boxeo, George Carpentier. Blackton no había podido seguir el ritmo de evolución de la técnica cinematográfica y sus películas eran dramáticamente poco sofisticado, pero era un showman experto

Richard Williams nació en Toronto el 19 de marzo 1933, pero ha pasado la mayor parte de su vida profesional en el Reino Unido. Aunque más conocido por su trabajo en ¿Quién engañó a Roger Rabbit (EE.UU., d. Robert Zemeckis, 1988), Williams tiene una cartera considerable de trabajo, y su publicación, kit de supervivencia del animador, es una lectura esencial para cualquiera que esté seriamente interesado en la animación. No hay más que ver la apertura de 'Cartoon Castaño', Cookin 'de Somethin, en la apertura de ¿Quién engañó a Roger Rabbit, supuestamente realizado en 1947, para ver cómo Williams ha vivido, absorbida y perpetuado las mejores tradiciones de la historia de dibujos animados.

Williams comenzó su carrera con el trabajo submarino amarillo (1968) del director George Dunning, y luego trabajó en la industria de los comerciales de televisión en expansión. Su primera película, The Little Island (1958), un tratado filosófico jugar los imperativos obsesivos de la "belleza", "verdad" y "bondad" como monstruos en competencia, manifestó su interés en el lado compulsivo del espíritu humano. El éxito de la película le permitió establecer su propio estudio, que atrajo a muchos animadores dispuestos a abrazar enfoque perfeccionista Williams. Más tarde, fue a participar Disney veteranos Art Babbitt, quien desarrolló 'Goofy' y trabajó en la "Mushroom Dance 'en Fantasia (1940), y Milt Kahl, animador de Shere Khan en El libro de la selva (1967), para capacitar a jóvenes animadores en su estudio.

En la década de 1960 Williams continuó equilibrar su trabajo comercial - en particular una serie de anuncios de Truman Bitter - con películas personales como Ámame, ámame (1962) y una conferencia sobre el hombre (1962), pero que efectivamente combina los dos en la extraordinaria títulos animados y secuencias de puente para Tony Richardson 's La carga de la Brigada Ligera (1968).

Basándose en viñetas satíricas de Punch, y una tradición más antigua de la caricatura que se remonta a Hogarth, Gillray y Rowlandson, En 1966 Williams ilustra las hazañas del incomparable Mulá Nasrudin (d. Jonathan Cape, 1966), una colección de cuentos populares sufíes sobre el tonto sabio, Mulla Nasrudin, y decidió convertir las historias en un largometraje.

Zenas Winsor McCay, conocido como Winsor McCay (Woodstock, Ontario, Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de 1934) fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland.

Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio.

Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906), historia en la que los estornudos del pequeño Sammy producen inimaginables catástrofes. La temática onírica aparece, al año siguiente, en uno de sus trabajos más recordados, Dreams of a Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las desmadradas pesadillas de un impenitente aficionado a las fondues de queso.

La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911. El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams.

Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después, McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje.

Quirino Cristiani nació

el 2 de

julio de 1896, en un pueblo llamado Santa Guiletta, cerca de la ciudad de Pavia en Italia.

Siendo adolescente, Cristiani desarrolló una gran pasión y vocación por el dibujo. Realizó un breve curso en la Academia de Bellas Artes y encontró trabajo dibujando caricaturas para distintos diarios de la época. Por esos años, los periódicos estaban llenos de historietas y sátiras políticas. Cristiani, encontró el escenario propicio para desarrollar un humor sagaz y picaresco que le permitió convertirse en un dibujante conocido en el medio.

Para 1916, el noticiero “Actualidades Valle” incluyó en el final, un corto de animación llamado “La intervención en la provincia de Buenos Aires” realizado por Cristiani. El corto tenía como tema lo sucedido en la intervención del presidente Yrigoyen en dicha provincia.

1917 Realiza el primer largometraje de dibujos animados de la historia: “El Apóstol” (una sátira sobre Hipólito Irigoyen, con libreto de Alfonso de Laferrére, producida por Federico Valle, dibujos de Diógenes Taborda y maqueta del Arq. Andrés Ducaud).

1918 Patenta una mesa para la crear películas de animación. Realiza el segundo largometraje de animación de la historia del cine: “Sin Dejar Rastros” (denunciando una un acontecimiento de la Primera Guerra Mundial). Este film fue censurado y confiscado por el gobierno, sacándolo de cartel al día de su estreno.

Patrick Peter (Pat) Sullivan.

Fue uno de los pioneros de la animación, dibujante y productor del cinede animación australiano. Se hizo conocido por ser el primer productor de dibujos animados mudos, “Gato Felix”.

Comenzó trabajando como islustrador en “Worker and Gadfy”.

En 1915 fundó su propio estudio adaptando las tiras cómicas de Marrimer: “ Sambo y Sammy Johnsin”.

En ésta época Sullivan contrató Otto Messmer para su estudio de animación.

En el corto de “La cola de Tomas el gato” pareció el primer prototipo de Félix el Gato” en 1917.

La animación y los cortos de Félix el Gato se hicieron populares en Europa en 1924, cuando Sullivan realizó una gira por Ingglaterra.

Otto Messmer.

Messmer ideó un personaje llamado "Mat Motor", un piloto de carreras temerario, y lo trajo a Cohn. Cohn se lo mostró a los animadores de renombre Pat Sullivan y Henry "Hy 'Mayer , que estaban tan impresionados con lo que ambos pidieron Messmer para trabajar con ellos. Messmer eligió Mayer y le ayudó a animar su serie "The Travels of Teddy", basada en las hazañas de Mayer amigo Theodore Roosevelt . Después Messmer terminado ese proyecto se fue a trabajar para Pat Sullivan. Desafortunadamente para ambos, Sullivan fue arrestado por violación en 1917, declarado culpable y condenado a dos años de prisión . Messmer volvió a Hy Mayer, pero pronto fue reclutado por el ejército y luchó en la Primera Guerra Mundial, de regreso a los EE.UU. en 1919.

En ese momento Sullivan estaba fuera de la cárcel , y los dos se volvió a hacer películas animadas.

Otto Messmer

Lotte Reiniger.

Fue cineasta y musa de la vanguardia alemana de los años 1920. En ella se encuentran los orígenes del mundo del cine animado, del que se enamoró en su adolescencia: Dedicó tres años de su vida a crear el largometraje animado Las aventuras del príncipe Achmed, el primer largometraje de animación que se conserva (*), estrenado en 1926. Mantuvo lazos estrechos con los círculos culturales del Berlín de la época: creó el decorado de algunas representaciones en el teatro Volksbühne, conoció a Bertold Brecht y rodó varios cortos publicitarios. Por sus películas de animación, casi siempre dirigido al público infantil, siempre sobre argumentos de raíz popular, recibió infinidad de aplausos y premios. De su film Papageno (1935), Jean Renoir dijo que era el mejor equivalente óptico a la música de Mozart.

Tony Sargs.

Él empezó a interesarse por los títeres, y fue inspirado por la marioneta troupe Holden.

Como ilustrador, entró en el negocio del arte comercial. Ilustraciones de Tony aparecieron en revistas (incluidas las cubiertas de Saturday Evening Post), periódicos y vallas publicitarias. Más tarde tejidos utilizados para la ropa de los niños, calcomanías y decoraciones infantiles diseñado. Sus obras se incluyen en muchos libros de ilustración.

SARG se le ocurrió la idea de que un truco le ayudaría a promover como un artista distintivo. Usó algunas marionetas de su colección y comenzó a realizar espectáculos de marionetas.

En 1914, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, Tony envió a su esposa e hija a Cincinnati, y pronto siguió. Los Sargs trasladó a Nueva York en 1915, donde Tony alquiló un estudio en el Flatiron Building en la calle 23. En 1917 su pasatiempo marioneta se había convertido en una profesión, junto con sus ilustraciones y otros trabajos de arte. En 1920 se convirtió en ciudadano naturalizado.

En 1928, Tony diseñó una serie de helio, globos de goma animales de seda para desfile de Acción de Gracias de Macy. Bil Baird supervisó la construcción, y los llamó "marionetas gigantes, al revés", ya que las cadenas estaban por debajo de ellos. En la mente del público presente, Tony ganó la mayor parte de su fama en Nueva York.

Max Fleischer El primer dibujo animado con sonido se realizó en 1924-26. En 1928 la compañía cambió su nombre por el de su fundador, con lo que pasó a llamarse Estudio Fleischer. El cliente más importante era la productora Paramount. En 1930 diseñó algunos de los personajes con los que consiguió más fama, Betty Boop y Popeye, de los que se realizaron las series Carrie of the Chorus o Popeye the Sailor respectivamente. En 1939 produjo Gulliver's Travels, un filme basado en el cuento homónimo, que supuso su primer largometraje.

Dos años después el Estudio Fleischer produjo una serie sobre el famoso personaje de cómic Superman, y poco después, el estudio cayó en manos de la productora Paramount, con lo que los hermanos Fleischer dejaron de ser sus responsables.

Dibujante estadounidense de origen austriaco, creador de personajes animados tan populares como Betty Boop o Popeye, nacidos en el estudio que fundó con su hermano Dave. Procedente de una familia de emigrantes, que llegó a los Estados Unidos cuando tan él contaba sólo cuatro años de edad, realizó sus estudios de arte en la Union Coper y en la Liga de Estudiantes, concluidos los cuales en 1916, comenzó a trabajar para John R. Bray.

En 1917 patentó el "Rotoscope", un artefacto que permitía animar fotografías reales mediante un sencillo procedimiento, basado en copiar la acción que se proyectaba sobre unas hojas de papel. Tras varios años trabajando para John R. Bray, en 1921 fundó con su hermano la compañía “Out of the Inkwell Films” que se convirtió, andando el tiempo, en uno de los estudios de animación más importantes de los Estados Unidos, competencia directa de la factoría Disney.

Walter Lantz

Walter Benjamin Lantz nace en Nueva Rochelle (EEUU) el 27 de abril de 1899.

De muy joven aprendió a dibujar por correspondencia, desarrollando su talento y expandiendo su imaginación con el lápiz y el papel. Comenzó trabajando como mecánico, ocupación que no le satisfacía demasiado, y en sus ratos libres hacia dibujos que después colgaba en las paredes del garaje. En una ocasión uno de sus clientes, Fred Kafka, se fijó en los dibujos y le ofreció a Walter estudiar en el colegio de arte de Nueva York, ofreciéndole además, un trabajo de repartidor de periódicos en el New York American. Al poco tiempo empezó a trabajar detrás de una cámara en el departamento de animación de la escuela y Gregory La Cava se fijó en él como un diamante en bruto. Al terminar sus estudios trabajó en los John R. Bray Studios de la misma ciudad y comenzó a destacar en su trabajo, siendo conocido en el mundo de la animación gracias a su primera serie de animación "Dinky Doodle".

En su estudio creó a muchos personajes, destacando a "Andy Panda" Una noche, un pájaro carpintero estuvo deleitando con sus picoteos a Walter y su mujer, Grace Stafford, (casados en 1940) insistió en que debería crear un personaje basado en aquel animal. Dicho personaje se materializó, conviertiéndose en "Woody Woodpecker", el pájaro loco, que tuvo un enorme éxito reconocido por el público infantil y adulto.

Walter Elias Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois.Su sueño era convertirse en un artista del Kansas City Star, el diario que había repartido en su infancia, pero encontró trabajo como aprendiz en una agencia de publicidad, la Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. en aquel empleo conoció a Ubbe Iwerks, un joven de su misma edad y excepcionalmente dotado para el dibujo, con el que entabló amistad. Cuando los dos se quedaron sin trabajo montaron su propia compañía, la Iwerks-Disney Commercial Artists. La empresa duró apenas un mes, ya que Walt prefirió aceptar un empleo seguro, aunque convenció a sus nuevos jefes para que contrataran a Iwerks. En aquel trabajo ambos aprendieron las técnicas, todavía muy rudimentarias, de la animación cinematográfica. En 1923, después de intentar inútilmente remontar el bache, Disney emigró a Hollywood. La floreciente industria cinematográfica había convertido a Hollywood en una tierra de promisión. Disney creyó que con su experiencia como cámara obtendría trabajo de director, pero ningún estudio quiso contar con sus servicios, por lo que decidió volver a montar su propia empresa con su hermano Roy como socio. El 16 de octubre de 1923, la Disney Brothers Studio firmó su primer contrato importante, pero todavía insuficiente para hacer frente a sus dificultades financieras.

En la primavera de 1926, y después de haber tenido que cambiar de local porque la compañía crecía, los dos hermanos cambiaron el nombre de su empresa, que pasó a llamarse Walt Disney Studio. Pero el estudio sufrió un importante revés cuando su principal cliente se quedó con los derechos del conejo Oswald, un personaje creado por Disney que había protagonizado diversos cortometrajes. Disney concibió durante un viaje en tren de Hollywood a Nueva York a Mortimer, un ratoncito rebautizado luego con el nombre de Mickey por sugerencia de su esposa y al que Iwerks dio forma.

En octubre de 1928, cuando Disney buscaba distribuidor para las dos películas que había producido con Mickey Mouse como protagonista, se proyectó el primer filme del cine sonoro.

Adelantándose a otros productores que creyeron pasajera aquella innovación, Walt se apresuró a incorporar el sonido a una tercera película de Mickey, Willie en el barco de vapor (1928). Buen imitador de voces y acentos, Disney hizo que el ratoncillo y su novia, Minnie, hablaran con su propia voz para abaratar costes. La película, estrenada el 18 de noviembre de 1928 en un teatro de Nueva York, obtuvo un rotundo éxito de público y crítica.

Berthold

Bartosch

Animador francés formó como arquitecto.

Trabajó con Lotte Reiniger en Las aventuras del príncipe Achmed y otros dibujos animados, incluyendo tarjetas animadas (1919) y la ocupación de la Renania (1925).

Experimentó con técnicas de cine de animación de los años 30, fue conocido por su simbólica corto de dibujos animados L'Idée (1932), cuya sencillez bruto fue considerado revolucionario en su momento.

La idea (1920) es la novela gráfica sin palabras de Frans Masereel que en 1932 convirtió en un filme de animación Berthold Bartosch, acompañado en la composición musical por Arthur Honegger en 1934, y que no se recuperó hasta 1976 después de su desaparición a manos del régimen nazi.

No obstante y a pesar de constituir casi el único fragmento de su obra que nos ha llegado, es un ejemplo perfecto para deshacer multitud de prejuicios comunes sobre la animación, lo cual suele ocurrir en cuanto se dedica un poco de estudio a la historia y evolución de una forma artística. Incluso entre grandes aficionados al cine, la animación no ha podido quitarse el estigma de ser una forma conservadora, alejada de los círculos y ambientes de la vanguardia. Nada más alejado de la realidad. En este corto colabora, ni más ni menos, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo, Eric Honegger, y se escribe la música para un instrumento electrónico, el famoso Ondes Martenot, que utilizaba válvulas de vacío y altavoces para producir el sonido.

William Nolan William Charles Nolan o simplemente Bill Nolan (1894-1956) fue un pionero de la animación La Edad silenciosa de animación y La edad de oro de la animación . Fue uno de los mejores animadores de la Era Silenciosa, capaces de convertir a un récord de 500 dibujos al día, una hazaña sólo superado por el animador Ub Iwerks .

Bill era importante que él era un pionero del estilo del arte rubberhose que definió clásica de animación-el origen de la misma se inició en 1924, cuando se trabaja en Felix el Gato con Otto Messmer , que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, pero también hacer la animación una carga menor para los trabajadores. Por lo tanto, él es el padre de las extremidades Rubberhose .

Nolan también descubrió que si una pintura de fondo de largo se deslizó bajo un personaje correr en su lugar, le dio la ilusión de una cámara pan , por lo tanto él el inventor de la toma de fondo del cruzado .

El Sr. Nolan también hizo un libro de instrucción rara sobre cómo dibujar personajes de cómic de prensa.

Cursó estudios en el Chouinard Art Institute (hoy California Institute of the Arts). En 1932 entra en Ubbe Iwerks Studio donde se inicia como animador en 1936.

Trabajó y dio vida a muchos personajes durante la Edad de Oro de la animación de Warner Bros, La mayoría de los personajes de Looney Tunes: Bugs Bunny, Daffy Duck, Elmer Fudd, Porky Pig, Road Runner, Wile E. Coyote, Marvin Martian, Pepe Le Pew, Gossamer y muchos otros.

En 1938 dirigió su primera película animada "The Night Watchman".

Trabajó para la Warner Bros hasta que cerró en 1962. En 1966, mientras dirigía la animación de MGM Estudios, Jones realiza uno de los shows televisivos más memorables que se produjeron "Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas".

Desde su compañía de producción, Chuck Jones Film Productions, crea obras como, "Chariots of Fur," que se realizó en 1994. Autor de más de 300 películas animadas y ganador de cuatro Oscar de la Academia, incluyendo un Oscar Honorario en 1996. Se le han concedido dos Honoris Causa y ha recibido distinciones y premios incontables en todo el mundo, siendo uno de los últimos el del Directors Guild of America's Honorary Life Membership.

Chuck Jones

Friz Freleng

Isador "Friz" Freleng nacio el 21 de agosto de 1905 en Kansas City, Missouri, EEUU. Fue un gran ilustrador que trabajo 63 a帽os para la industria de los dibujos animados. Fue creador, director y productor de la gran Warner Brothers Cartoons entre los a帽os 1933 y 1983.Comenzo en 1930, creando el dibujo "Sinkin' In the Bathtub" (1930) y dirigiendo el primer dibujo en cine, "Bosko in Dutch" (1933).

Fue galardonado por la Honorable Academia de Premios por su titulo "Tweetie Pie" (1947), Speedy Gonzales" (1955), "Birds Anonymous" (1957) and "Knighty Knight Bugs" (1958); siendo nomminado en otras 7 oportunidades.Entre sus obras destacadas, se encuentra "La pantera rosa" (The Pink Panther) con quien revolucion贸 el mundo de los dibujos debido a su sencilles y originalidad.Friz continu贸 trabajando y contribuyendo al mundo de la animacion hasta que un 26 de mayo de 1995 fallece en Los Angeles, Califormia, EEUU.

Oskar Fischinger.

Notable realizador de dibujos animados abstractos. Fue el primero en emplear el color y el sonido en este género tan poco conocido, uniendo la geometría, el movimiento y las distintas dimensiones. Fue discípulo de Walter Ruttmann. Después de 1925 realizó una cantidad de producciones publicitarias (como por ejemplo para cigarrillos Muratti). A partir de 1938 trabajó en Estados Unidos, donde realizó una secuencia (An American March) para Fantasía, el largometraje de Disney, pero fue eliminada del montaje final y desde ese momento parece que no tuvo posibilidad de seguir sus investigaciones. Falleció en Hollywood en 1967 víctima de un ataque cardíaco.

Fischinger resultaba muy difícil trabajar en situaciones de estudio, los episodios persistentes de Paramount (1936), MGM (1937) y Disney (1938-9). Su frustración por no ser capaz de producir cine independiente le llevó a dedicarse a la pintura de aceite, y vino bajo el patrocinio de Hilla Rebay, comisaria de la Fundación Solomon Guggenheim, que se extendió varias subvenciones a él durante los años difíciles de la guerra. Desafortunadamente, ellos pelearon sobre los méritos artísticos de la película Motion Painting N º 1 (1947) y nunca vuelven a recibir apoyo financiero suficiente para realizar otra película. Durante los últimos veinte años de su vida, Fischinger tuvo que contentarse con proyectos sin terminar, con sus pinturas y con un instrumento de luz espectáculo en casa, el Lumigraph.

Bob Clampett . Desde temprana edad, demostró tener un talento innato para el dibujo, lo que trajo como consecuencia que cuando estaba aún en el colegio, fue contactado por la agencia de prensa King Features, para que se encargara de dibujar la tira cómica de un periódico. Entre otro de sus logro tempranos, se dice que diseño los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Disney quedó tan impresionado con su trabajo, que no tardó en ofrecerle trabajo. Sin embargo, la falta de espacio existente en el pequeño estudio Hyperion de la Disney, disuadió a Clampett de tomar el trabajo. En vez de eso, en el año 1931 comenzó a trabajar en la unidad de Hugh Harman y Rudolf Isingen la Warner Brotherscomo un “enlazador”. Al poco tiempo estaría trabajando como animador en “Lady Play Your Mandolin” (1931), el primer dibujo animado de la serie “Merry Melodies”, marcando el inicio de una carrera bastante prolífica.

Durante los cinco años siguientes, Clampett trabajó en un buen número de caricaturas y personajes, los cuales gradualmente comenzaron a construir su reputación como uno de los más jóvenes y brillantes animadores del estudio Clampett fue ascendido a director en julio de 1937, para llenar el espacio dejado por Frank Tashlin. Como primer proyecto,Clampett deseaba realizar una versión animada del personaje creado por [[Edgar Rice Burrough]], John Carter. Sin embargo, este proyecto solo se quedó en la idea. En reemplazo, comenzó a dirigir una serie de cortos animados protagonizados por Porky Pig, a los cuales les supo inyectar algunas dosis de surrealismo, muy en la vertiente de su colega Tex Avery, aunque siempre intentando imponer su propio estilo.

Shamus Culhane

Sr. Culhane era el único animador para trabajar en todos los cuatro primeros largometrajes animados de Disney dibujos animados. En una carrera que abarcó seis décadas, trabajó durante 18 estudios de dibujos animados, incluso del propio. A mediados de la década de 1990 su primera animación a mano se combina con la animación por ordenador para películas de Disney como Aladdín (1992), El rey león (1994) yPocahontas (1995).

En el estudio de Lantz, Culhane comenzó a animar películas educativas para el esfuerzo de guerra. Con el fin de las hostilidades, después de un par de los esfuerzos fallidos para entrar en el cine educativo y los programas de televisión para niños, fundó su propia compañía, Shamus Culhane Productions. Dentro de un corto período de tiempo, se convirtió en una fuerza importante en la creación de comerciales animados y Culhane se hizo conocido como un pionero de esta nueva forma. Entre las creaciones de Culhane fueron el Ajax Elfos y Muriel "Sube y me fumo algún momento" Cigar. Con operaciones en la costa este y oeste, la compañía de Culhane trasladó a la animación de películas educativas con la serie de Bell Ciencia, producido por Frank Capra, utilizando animación por talentos como Bill Hurtz y Bill Baird. Para Culhane, Hurtz y Saul Bass idearon los créditos iniciales de la película La vuelta al mundo en ochenta días.

Ub Iweks

(Kansas City, Missouri, 1901 - Burbank, California, 1971) Director de cine, técnico de animación y de efectos especiales y dibujante de comics estadounidense, uno de los creadores más relevantes en el desarrollo de la compañía Walt Disney, en la cual trabajó con total discreción gran parte de su vida.

Considerado un genio de la técnica, Iwerks fue asimismo uno de los más grandes artistas del cómic y el dibujo animado.

Dos años después, sus buenas dotes para el dibujo le abrieron las puertas de una compañía de diseño publicitario y comercial, el Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. Es allí donde conoció a Walt Disney, con quien le unió una estrecha amistad, sobre todo a raíz de que ambos fueron despedidos y decidieron montar un negocio por cuenta propia.

Desconocedores de lo complicado que era mantener en marcha un estudio, fracasaron en su tentativa empresarial, así que tuvieron que volver a contratarse en una compañía ajena, en este caso la Kansas City Film And Company, donde comenzaron a realizar tareas de animación en pequeñas películas comerciales. El año 1922, aprovechando que habían obtenido experiencia y, lo más importante, habían logrado reunir una clientela estable, Disney e Iwerks volvieron a probar suerte como negociantes. Roy Disney, hermano de Walt, los ayudó en este nuevo proyecto empresarial que llevó por nombre Laugh-o-Gram.

William Hanna.

El Sr. Hanna, ingeniero de profesión, comenzó su carrera en la animación durante la Depresión. Poco tiempo después, mientras trabajaba en MGM, se asoció con Joe Barbera, una alianza que duraría más de 60 años y que les dio a los dos hombres fama internacional. Su primer colaboración, "Puss Gets the Boot" introdujo a Tom y Jerry, cuyas aventuras le merecieron siete Premios de la Academia®.

La especialidad del Sr. Hanna era la sincronización oportuna de la comedia para lo cual era el maestro indiscutido como podemos apreciar en las caricaturas de "Tom y Jerry". El dúo fue exitoso no con el dialogo sino solamente en base a gags bien sincronizados y perfectamente acentuados por música y efectos de sonido.

Cuando Hanna-Barbera Producciones abrió sus puertas en 1957 los dos hombres desarrollaron un proceso de animación limitado que revolucionaría la forma en la que las caricaturas eran producidas, resultando en un oportunismo y efectividad de costos que les permitió crear varias temporadas de animación clásica para televisión.

No le llevó mucho tiempo al equipo armar una fenomenal variedad de shows desde El Show de Huckleberry Hound ganador de un Premio Emmy® hasta los amados Oso Yoguiy Tiro Loco McGraw. En 1960 triunfaron con la primera comedia sobre situaciones de la vida cotidiana para televisión: Los Picapiedras. La inolvidable familia de la Edad de Piedra tomó al mundo por sorpresa y se tradujo a más de 80 idiomas. En un momento Hanna y Barbera podrían haber proclamado sin equivocarse, "A cada hora del día alguien en algún lugar del mundo está mirando Los Picapiedras".

Tex Avery era un dibujante estadounidense nacido el 26 de febrero de 1908, en Taylor, Texas. A temprana edad, desarrolló un interés en la animación y estudió arte en la universidad. Él trabajó para Warner Brothers de 1935 - '41, donde creó los queridos personajes de dibujos animados Pato Lucas, Porky Pig y Bugs Bunny. Después de salir, trabajó para otros estudios en los que creó personajes populares como Droopy y Willy frío. Avery murió el 16 de agosto de 1980, en el trabajo a Hanna Barbera Studios en Burbank, California.

Avery intentó vender su tira cómica de los periódicos locales, pero que experimentó poco éxito. En cambio, él consiguió un trabajo como asistente de animador en el Walter Lantz Studio, que produce las "Oswald el conejo afortunado" caricaturas, entre otros. Hay Avery tuvo una epifanía desalentador: no era en realidad un muy buen artista. "La mayoría de esos tipos en Lantz de anillos podría sacar a mi alrededor", recordó más tarde Avery. Para compensar su falta de talento artístico, Avery se convirtió en decidido a dominar todas las etapas de la producción de dibujos animados. Al final de sus cinco años en Lantz de, se había convencido a sus jefes que le permitiera supervisar dos películas-una característica animada llena enorme responsabilidad. Él también había ganado el apodo de "Tex", en honor de su estado natal, y perdió el uso de su ojo izquierdo en un accidente de oficina fenómeno que implica un juego nefasto de la captura y un clip de papel.

Frederick Bean Avery.

John Hubley Hubley nació en Marinette , Wisconsin, el 21 de mayo de 1914, en una familia de artistas. Su abuelo fue un pintor, y su madre estudió en el Instituto de Arte de Chicago. Creció viendo a su abuelo en su estudio, Hubley sabía que iba a ser pintor. Fue a la universidad en Los Angeles, California, luego estudió pintura en el Centro de Arte allí durante tres años.

En Disney A la edad de 22, Hubley fue a trabajar en los estudios de Walt Disney. Disney estaba experimentando una rápida expansión, como el trabajo comenzaba en el primer dibujo animado de largometraje del estudio, blanco como la nieve. Los jóvenes artistas se encontraban en la demanda que ver la gran cantidad de trabajo y el estudio proporcionó capacitación y aprendizaje para determinar la mejor gente para trabajar en las características importantes. Hubley pronto se encontró trabajando en Blancanieves,, pintura fondos y diseños que se preparan. Fue director de arte para el clásico Pinocho, trabajando con el director de animación para determinar la disposición y el aspecto general de la película entera. Tenía el mismo papel en Bambi y Dumbo, y para las secuencias de apertura de Fantasia.

La famosa huelga Disney produjo en 1941. Muchos de los graduados de las escuelas de arte más jóvenes que se habían unido a Disney tras el éxito de Blanca Nieves, y que ahora formaban parte de una gran compañía de producción, se encontraron en desacuerdo con Disney paternalismo . Tanto en materia de compensación y la libertad creativa, los artistas se sintieron engañados. El objetivo de Walt Disney era un mayor realismo en la animación de su estudio, lo que iba en contra de lo que muchos, incluyendo Hubley, vieron como las posibilidades ilimitadas de la imaginación, la estilización y la fantasía en el medio.

(Nacido el 24 de marzo de 1911, Nueva York, NY-muerto 18 de diciembre 2006, Los Angeles, California), American animador cinematográfico que, colaboró durante más de medio siglo con William Hanna, y los dos crearon algunos de los personajes más queridos de la pantalla grande y pequeña, entre ellos Tom (el gato) y Jerry (el ratón) para MGM y dichos favoritos de TV como Huckleberry Hound, el Oso Yogi, Los Picapiedra y Los Supersónicos. Barbera estaba trabajando como contador del banco con el Irving Trust Co. en Nueva York durante la década de 1930 cuando comenzó la presentación de caricaturas para revistas, vendió su primero en la revista Collier y decidió renunciar a la banca para la caricatura. Se unió a MGM como dibujante en 1937, el mismo año que Hanna. Hanna y Barbera produjo más de 200 películas de la serie Tom y Jerry, entre 1940 y 1957, y ganaron siete premios Oscar por sus caricaturas entre 1943 y 1952. Después de 1957, cuando formaron HannaBarbera Productions, hicieron un prodigioso número de serie de dibujos animados para la televisión. Ellos fueron ridiculizados por emplear técnicas de animación limitada de tipos de corte, lo que permitió la producción rápida de los dibujos animados de televisión, pero fueron elogiados por la calidad de la escritura que se encuentra en sus producciones más exitosas.

Raymond Harryhausen.

Raymond Frederick Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en Los Angeles, California, EE.UU., a los padres de Fred y Martha. Él tenía una pasión, que nunca ha disminuido, por dinosaurios y nada de fantasía.

Sus padres le animaron a dedicarse a lo que quería, incluso si la carrera elegida no era lo que probablemente habría considerado habitual. Ray comentó: "Mi obsesión por la fantasía ha sido toda la vida, creciendo durante mis años de formación y de ser llevado a nuevas alturas por las novelas, las pinturas y de las películas del curso, y yo siempre estaba animado por mis padres. Ellos nutren esta inusual pasión en mí por llevarme al cine y el teatro, y más tarde entusiasmado acerca de mis experimentos con marionetas, maquetas y animación, con el tiempo, incluso ayudarme con producciones.

El joven Ray comenzó a recrear las imágenes en Kong usando marionetas o títeres de hilo.

Buscó alrededor para tratar de averiguar cómo Kong parecía ser "vivo" y se encontró con un par de artículos, algunos de los cuales resultó ser inexacta y que de alguna manera lo sabía de inmediato.

Finalmente se descubrió artículos que incluían información acerca de algo llamado la animación stop-motion.

Jules Engel

Cuando Jules Engel falleció en septiembre de 2003, dejó un legado de más de treinta y tres películas personales y miles de dibujos de animación. El Jules Engel Preservación del proyecto fue establecido en 2003 por el Center for Visual Music para asegurar la conservación de los archivos de su obra. A través del apoyo de las contribuciones individuales y subvenciones institucionales, y conducido por el liderazgo financiación proporcionada por el National Film Preservation Foundation, el proyecto ha permitido la preservación de varios cortometrajes después de su muerte: COARAZE, Accidente, móviles, Tres Arctic Flowers, Celebración, Play- Pen, Times Square y el paisaje, además de la catalogación, clasificación y almacenamiento en frío para muchos de sus elementos originales de la película y los nuevos materiales de conservación.

Fundador del programa experimental, animación en CalArts en 1970 (donde fue profesor durante más de treinta años), y uno de los fundadores del estudio de animación UPA, Jules Engel coreografía del famoso hipopótamo / cocodrilo danza, los cardos cosacos botella de danza y el ballet de setas dentro de "Fantasía" (1940).

Norman McLaren Dibujante y creador cinematográfico británico. Virtuoso del dibujo animado, utilizó técnicas muy diferentes, como el dibujo directo sobre película, la animación de personajes humanos, el relieve estereoscópico y los trucos. Entre sus obras destaca Blinkity Blank (1954) Norman McLaren nació en Stirling, Escocia. Sus pininos en el cine y la animación los realizó mientras estudiaba diseño en la escuela de arte de Glasgow. Al terminarsus estudios hizo una que otra pelicula en Londres. En 1939 al iniciarse la Segunda Guerra Mundial decide mudarse a Nueva York. Un par de años despues es invitado por el National Film Board de Canada a radicarse en este país para abrir un estudio de animación que sirviera de academia de mejoramiento para los animadores canadienses. Aqui en el Canada realizó uno de sus cortos animados más famosos VECINOS ( Neighbours) en 1952. Este filme ganó gran cantidad de premios alrededor del mundo incluyendo el Canadian Film Award y el Academy Award de Hollywood.

Este corto es un canto contra guerra y la intolerancia. que utiliza actores reales como elementos de animación y cuya banda sonora esta dibujada directamente sobre el celuloide.

Peter Foldes

Nacido en Budapest Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros (otra fue la película compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando con su compatriota John Halas en películas de animación de este último después de mudarse a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa británica Joan (nacido en 1924), a partir de la alegórica “Génesis animados” (1952), “más de cerca” (1953) y “Una visión corta” (1956).

“Una visión corta” se convirtió en uno de los más influyentes películas británicas de animación jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan. Aunque los niños se les aconsejó salir de la habitación mientras se juega, todavía causa indignación y alarma con su representación gráfica de los horrores de una guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen en el terror como un misil extraña sobrevuela. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios mirar hacia arriba. La explosión de misiles, la destrucción de los seres humanos, criaturas salvajes y la Tierra misma. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la guerra fría y la paranoia nuclear.

Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en un pionero en la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF. Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su película “El hambre”, que recibió el Premio del Jurado en el “corto” en la categoría del Festival de Cannes, así como una nominación al Oscar.

Heinz Edelmann Tras formarse en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, trabajó como diseñador freelance y profesor a finales de los cincuenta. Entonces colaboró también con una radio en la realización de carteles, se inició en el diseño editorial y en la ilustración de revistas infantiles, antes de empezar a experimentar un trazo muy peculiar, suave y estilizado al mismo tiempo. Sus obras llamaron la atención de Al Brodax, productor estadounidense que a mediados de los sesenta lanzó The Beatles, una serie de dibujos animados basados en las vivencias de la banda, y que en 1968 acabó produciendo el largometraje de animaciónSubmarino amarillo. Fue él quien eligió a Edelmann para que creara un universo gráfico acorde a la música de los cuatro de Liverpool. La estética de la película resultó ser uno de sus rasgos más característicos.

Los trabajos sucesivos de Edelmann en el ámbito publicitario le valieron éxito y excelentes críticas y, pese a que no quería ser identificado con un estilo definido, se le acabó asociando a un trazo que mezcla sensibilidad expresionista e impresionista y sentido del humor. Y, desde luego, no le faltó ironía al presentar al concurso para la selección de la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992 un pájaro con patas de elefante, además de un pico y una cresta multicolor que hacía referencia a los cinco continentes. Curro fue elegido entre más de veinte dibujos y compitió en la selección final con propuestas de Antonio Mingote y el alicantino Miguel Calatayud.

Manuel García Ferré.

En 1952 García Ferré realizó para el semanario infantil Billiken (de Constancio Vigil), su primer comic: Pi Pío, el cual se desarrollaba en un pueblo llamado Villa Leoncia, y donde aparecerían por primera vez Oaky e Hijitus. García Ferré solía agregar el sufijo "itus" al final de los nombres de los personajes (por ejemplo "Pichichus") como una manera de superar el karma que le provocó los varios años que estudió latín en la escuela. En 1959 decidió crear su propia empresa de publicidad de dibujos animados, desde donde creó cientos de jingles. Creó su propia editorial, y, ya en el año 1964, creó la "Revista Anteojito". También hizo una enciclopedia para niños y jóvenes (El Libro Gordo de Petete), y lanzó otras revistas ("Muy Interesante" y "Ser Padres Hoy").

García Ferré realizó, debido al éxito de sus personajes, episodios semanales televisivos de la serie animada "Hijitus" (fue la primera serie de dibujos animados de la Argentina, y se extendió desde el año 1967 hasta 1974). Además, en las décadas de 1970 y de 1980, realizó otros programas de TV con diversos personajes, como ser "Calculín y la familia", "El libro gordo de Petete" y "El club de Anteojito y Antifaz". Efectuó, además, una serie de largometrajes cinematográficos: "Mil Intentos y un Invento" (1972, reestrenada en 2001 con nueva banda sonora y nuevo título: "Anteojito y Antifaz: Mil Intentos y un Invento"), "Las aventuras de Hijitus" (1973), "Petete y Trapito" (1975), "Ico, el caballito valiente" (1981), "Manuelita la tortuga" (1999, reestrenada en 2005, basado en el personaje de María Elena Walsh), "Corazón, las alegrías de Pantriste" (2000) y "Soledad y Larguirucho" (2012). Falleció el día 28 de marzo de 2013, en Buenos Aires.

Ozamu Tezuka

Osamu Tezuka (手塚 治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de manga y animador japonés, creador del personaje Astroboy. Gracias a su prolífica producción y a sus técnicas pioneras, a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso "el dios del manga". El rasgo más característico de la animación japonesa, los ojos desproporcionadamente grandes, fue inventado por Tezuka, quien se basó en los dibujos animados de Walt Disney.

Entusiasmado por el género de la animación (y los trabajos de Disney) comenzó a dibujar cuando aún era un niño.

Profundamente marcado por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios. Su primer trabajo de importancia lo hizo a los 20 años. Fue la serie Shin Takarajima ("La nueva Isla del Tesoro"), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei ("Kimba"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") y el no menos famoso Ribbon No Kishi ("La princesa caballero").

El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack (197384),Buddha (1972-83) y Adolf (1983), su última obra.

Tezuka también fue uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. En este año creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy") luego vendrian Janguru Taitei("Kimba"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación.

Ralph Bakshi

Akshi nació en octubre de 1938 en Haifa, Israel. En 1939 su familia se fue a Nueva York escapando de la guerra. Se crió en Brooklyn y se fue a la Escuela Superior de Artes Industriales, que ahora se llama Escuela Superior de Arte y Diseñ). Bakshi terminó de graduarse con un premio en la caricatura en 1957, Bakshi fue a trabajar para Terrytoons Animation Studio en New Rochelle como pulidor de células, y se graduó de la pintura celular. Practicar noches y fines de semana se convirtió rápidamente en un tintero, y luego directamente a la animación (alegando un escritorio vacío en el suelo y animadores, alegando que fue ascendido a animador, pidió escenas de animar a personajes como el ratón Mighty Mouse, Heckle y Jeckle, Deputy Dawg, Foofle y Lariat Sam. Por 25 que dirigía estos programas, así como Cat Sad, James Hound y otros. A los 28 años creó y dirigió los poderosos héroes y se hizo director creativo del estudio.

En 1967 Bakshi aceptó el cargo de Productor y Director de Paramount Cartoon Studios (Famous Studios aka) que había sido el Fleicher Studio Max. Allí realizó cuatro representaciones teatrales: Marvin Digs, Mini Squirts, Super Basher y Bop, y el diabólico Cinco. Aquí contrató a Mort Drucker, Wally Wood, Jack Davis, Joe Kubert, Jim Steranko, Gray Morrow y Roy Krenkel. En cuanto se detuvo abruptamente el mercado teatral, el estudio cerrado y Bakshi fue contratado por Steve Krantz Productions para ir a Toronto a hacerse cargo de la dirección y producción de Robinhood Rocket en Al Guest Studios. Allí se produjo y dirigió Spiderman-traerlo a la vida por primera vez fuera de sus páginas de cómic.

Jiri trnka.

jiri Trnka (Pilsen, 1912 - Praga, 1969) Dibujante y director cinematográfico checoslovaco. Como sus abuelos eran tallistas de madera, Trnka aprendió el arte de fabricar marionetas cuando sólo contaba nueve años de edad.

Semejante destreza llamó la atención de un maestro en esta materia, Josef Skupa, director del teatro de marionetas de Pilsen. Aunque la relación con Skupa se prolongó mientras duraron sus estudios de bachillerato, Trnka decidió abandonar por un tiempo los títeres y dedicarse a la pintura, y para ello ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Praga.

Su talento como dibujante pronto le dio la pauta de lo que iba a ser su profesión: dibujante de cómics, pintor, figurinista en el Teatro Nacional de Praga y, finalmente, ilustrador de libros. De hecho, se casó con la escritora de cuentos infantiles Helena Chvojková, cuyos libros aparecieron publicados con dibujos de Trnka. Durante la Segunda Guerra Mundial ilustró numerosos textos infantiles que, luego, una vez concluida la contienda, le dieron el prestigio suficiente para ingresar en el Estudio Oficial de Animación que inauguraron Jiri Brdecka, Stanislav Látal, Eduard Hofman y Jan Kadar.

El equipo de Trnka estaba formado por doce animadores, algunos de los cuales habían estudiado, como él, en la Escuela de Artes y Oficios, y compartían su inclinación por el teatro de marionetas. Con esa complicidad, se comprometieron en el desarrollo de un cine de animación muy peculiar, usando muñecos animados fotograma a fotograma, tan meticuloso en su desarrollo que pronto ganó renombre internacional.

Terry Giliam

Fue primero conocido por las secuencias de animación en extrañas "de Monty Python Flying Circus" (1969), utilizando imágenes y fotografías recortadas. Después de terminar el instituto en el año 1958, Terry estudió Ciencias Políticas en la Occidental College de California, en donde editó la publicación “Fang” y colaboró como dibujante en la revista “Mad”.

Más tarde se trasladó a Nueva York, trabajando con éxito para la revista “Help!”. En esta época conoció al actor inglés John Cleese.

Cuando la revista “Help” cerró, Gilliam, intentando evitar su incorporación a la Guerra del Vietnam, se unió a la Guardia Nacional durante breve tiempo. Después dejó Nueva York por Los Angeles y finalmente en 1967 se marchó al Reino Unido, colaborando con el “Sunday Time Magazine” y “The Londoner”.

Su capacidad para la animación y su imaginación visual fueron claves en la trayectoria como cineasta de Terry Gilliam.

Su primer trabajo como director cinematográfico fue la realización de un corto de animación titulado “Storytime” (1968), título continuado por otro cortometraje llamado “The Miracle of Flight” (1974). Por esta época también escribió guiones de comedia para diversas emisiones televisivas como “Do not adjust your set”.

Don Bluth

Desde la edad de seis años en adelante, que siempre se puede conocer dibujo.

Pronto se convirtió en un sueño, su sueño de trabajar para Disney y llevar sus dibujos a la vida. Su familia se trasladó a Santa Moncia, California, y después de graduarse de la escuela secundaria, tomó una cartera de sus dibujos a los estudios Disney en Burbank.

En 1955 fue aceptada y comenzó a trabajar como "intermedio" (crear dibujos de entre los dibujos del animador clave para completar el movimiento). Antes de salir para continuar su educación en la Universidad Brigham Young, que había ayudado a completar el cuadro clásico movimiento, la Bella Durmiente . Aunque estudió literatura Inglés en la Universidad, Bluth volvió a trabajar en Disney en el verano.

Después de completar su educación, Bluth y su hermano Federico comenzó un teatro vivo, donde iban a producir y dirigir comedias musicales populares. AUNQUE la empresa ha ido bien, Bluth abandonó y volvió a animar a los tres años.

Fue contratado como diseñador (dibujar el escenario o escenografía y el carácter poses) por una empresa de animación de televisión en Los Ángeles Bluth fue muy hábil en esto y fue ascendido a jefe del departamento, después de tres años.

Bluth regresó a Disney en 1971, donde se trasladó rápidamente de animador director de animación, a productor / director. De 1971 a 1979 Bluth trabajó en varios proyectos, incluyendo Robin Hood (1973), Winnie the Pooh y Tigger, Too (1974), Los rescatadores (1977), el dragón Elliot(1977) y The Small One (1978).

Ganas de recuperar la calidad de los clásicos Disney, Bluth comenzó un proyecto a corto con otros animadores, Gary Goldman y John Pomeroy .Trabajaron en un cortometraje, Banjo, el gato vagabundo, durante las horas de la noche mientras trabajaba en Disney durante el día.

Comenzó a filmar sus primeros cortometrajes de animación cuando contaba solo con 12 años y con ayuda de una cámara Super 8 que le prestaron. Para estos cortometrajes utilizó muñecos de plastilina que él mismo modelo.

En el año 1981 ingresó a la Universidad iberoamericana para estudiar la carrera de ciencias de la comunicación, para este tiempo ya había realizada más de 25 cortometrajes.

Debido a su inclinación hacia el cine, decidió aprender mas sobre su realización, por lo que ingresa al Centro de Capacitación cinematográfica. De los 4 cortos de animación que realiza en esta institución, el más importante fue “Malayerba nunca muerde”.

Al culminar su carera en el CCC recibe la oportunidad de filmar su primer largometraje, ya que resulta ganador además del primer lugar con su guión titulado Benjamín y Micaela, escrito junto con Ignacio Ortiz Cruz, también egresado del CCC, en el concurso de óperas primas que organiza el CCC. A comienzos de 1991 se estrena en privado la copia 0 de la ópera prima de Carrera, ya titulada: La mujer de Benjamín; su estreno mundial se da en el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania de 1991.

Esta cinta obtuvo varios premios a nivel internacional.

En 1993 realiza su segundo largometraje “La vida conyugal”, peo este filme paso sin pena ni gloria. Paralelamente trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos, era “El Héroe” el cual fue enviado al Festival de Cannes y obtuvo el premio de la Palma de Oro, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtenerla desde María Candelaria en 1943.

Carlos Carrera

Esteban Azuela nació en la Ciudad de México en 1984. Estudió fotografía en la Academia de Artes Visuales y animación tradicional en la Vancouver Film School. Trabaja en México dándole vida y movimiento a la imagen a través de la animación.

Esteban Azuela

Roberto Alatriz mejor conocido como "Darkar" se le conoce por su trabajo en la animación y creatividad en la serie trasmitida por youtube y su pagina oficialhttp://www.vetealaversh.com "Vete a la versh" que trata generalmente de las "aventuras" de Darkar y una criatura hecha de semen llamada Mecoboy. Es una serie que consta de 14 capítulos y un especial hasta el momento y de un tema musical oficial llamado "el chacro vorraz" se le conoce en la ciudad de México por su trabajo de animación y musical. Actualmente radica en el D.F. y se especia en animación flash. Su nivel de popularidad se acrecienta en México debido a que ah obtenido los siguientes reconocimientos en YouTube: #63 - Con más suscripciones (Siempre) - Comediantes - Global #2 - Con más suscripciones (Siempre) #2 - Con más suscripciones (Siempre) - Comediantes #2 - Con más suscripciones (Siempre) - Socios #27 - Más vistos (Siempre) - Comediantes - Global #6 - Más vistos (Siempre) #1 - Más vistos (Siempre) Comediantes #4 - Más vistos (Siempre) - Socios

Roberto Alatriz.

Fernando Ruiz Fernando Ruiz, graduado de la Universidad Iberoamericana y posteriormente de la Universidad de California, creó la compañía Producciones Omega en 1961, en la que realizó El duende y yo de Tin tan, donde se mezclaba la animación y la acción real. Ruiz también tuvo la oportunidad de trabajar en el filme La espada en la piedra de Disney.

Salvador Pruneda

Salvador Pruneda (1985-1986) colaboro en el nacional como caricaturista, partió hacia Hollywood y trabajo en los estudios de Max Fleiser y de walt Disney. De nuevo en México intento hacer una película a partir de su tira cómica Don Catarino y su apreciable familia, proyecto que quedo inconcluso- aunque algunas fuentes se dice que concluyo el proyecto.

En 1934 participo con unos fragmentos animados en el cortometraje de Arcady Boytler: revista musical. Era un corto financiado por la compañía Godrich-Euzkadi.

Rodolfo Riva Palacio es Licenciado en Ciencias de la Comunicación, graduado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Querétaro; Maestría en dirección y guionismo cinematográfico, graduado del American Film Institute, Hollywood, CA; y graduado de Semiología de la Vida Cotidiana, en el Instituto de Semiología, DF. Estudiante de CUARTO CAMINOHa trabajado como guionista para ARGOS TV, Columbia Tristar, Videocine, Altavista, IMCINE, Cine Concepto, DREAMWORKS, Mund2 de TELEMUNDO, entre otros. Ha dirigido más de 70 videos Recibió el premio AMY ROSE BLOCH AWARD en Los Ángeles como mejor director por el cortometraje MOVIN TO MONTANA. Co-creador y Director Creativo del concepto HUEVOCARTOON. Guionista, Co-director y Productor Ejecutivo de los dos largometrajes de animación mexicana más exitosos de la historia del cine animado nacional: Una Película de Huevos y Otra Película de Huevos y un Pollo, derivados del mismo concepto.

Ganador de un Ariel y una Diosa de Plata por “Una Película de Huevos”.

Carlos Baena

Carlos Baena animador español, trabajó en Pixar en las animaciones de Toy Story, Los increíbles etc.

Carlos Baena cuenta que trabajar en los estudios Pixar, en California, es “una gozada”. “Es un lugar donde promueven que estemos inspirados como artista. Dejan que vistas como quieras, que decores tu oficina como te guste, ofrecen cursos, incluso de yoga, de cine o de escultura”, explica. Ahora trabaja en la secuela de Monstruos S.A.

Tim Burton Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor.

Desde niño el mundo del pequeño Burton se nutría de cómics y antiguas películas de terror y fantasía, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos: Edgar Allan Poe. Desarrolló en su juventud talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979.

Henry Selick

Biografía: Perteneciente a la última generación de animadores, Selick tuvo la suerte de conocer a Tim Burton y a Rick Heinrichs cuando todos trabajaban en el departamento de animación de la Disney durante los '80. A Selick le interesaba la técnica cuadro a cuadro, y eso lo llevó a dirigir en 1981 el corto Seepage. Nueve años después logró estrenar Slow Bob in the Lower Dimensions (1990), otro corto animado, que hizo a Burton decidirse por Selick como director de su ambicioso proyecto El Extraño Mundo de Jack

Nacido el 6 de diciembre de 1958 en Lancashire, Inglaterra, Nick Park hizo su primera película en stop-motion a los 13 años. Después de unirse a Aardman Animations Ltd. en 1985, creó los famosos Wallace y Gromit Claymation cortos acerca de un inventor miope y su perro. Park ha ganado varios premios de la Academia por sus películas, mientras que la popularidad de Wallace y Gromit han dado lugar a varios lugares de interés en todo el Reino Unido.

Sergio Pablos

Sergio Pablos fue uno de los muchos españoles que durante los noventa se fueron a Estados Unidos a probar fortuna en el mundo del cine. Animador inquieto, lo fichó la Disney para trabajar, entre otras, en sus producciones de Hércules y Tarzan. Pero Sergio decidió regresar a España para continuar su carrera como animador. Varios años en el barbecho profesional después, debidos fundamentalmente a su voluntad de hacer un cine "lejos de la subvenciones, un cine creativo y comercial, un cine que no se hacía en España", decide crear su propia empresa de animación, Animagic, y llamar a la puerta de Hollywood con un, literal, librito en el que se encontraba la esencia de Gru, mi villano favorito. (en inglés un mucho más sugerente despicable me.

Fabio Sabina.

Fabio es un gato de color blanco con manchas naranja, mide 45 cm de la cabeza a la cola, tiene los ojos grises y grandes, una nariz rosada, al igual que sus orejas y tiene dos años.

Fabio es de carácter neutral pero eso no quiere decir que no se enoje, a pesar de todo es un gato tranquilo, pero prefiere estar solo pues no le agrada mucho convivir con otros gatos, su comida favorita son las aves y los ratones, es un gato huérfano y vagabundo vive en un edificio abandonado junto con algunos otros gatos, la mayor parte del tiempo Fabio se la pasa tocando jazz en su saxofón pues es un instrumento que le gusta mucho y que aprendió a tocar cuando tenía un año, aprendió cuando veía tocar a algunas personas en las plazas, y quiere aprender a tocar otros instrumentos como el violín; a Fabio le gusta leer, y nos e sabe como fue que aprendió a hacerlo, es un gato valiente pero no significa que no tenga miedos, le tiene miedo a los autos al señor de la basura, y sobre todo al agua.

Fabio suele usar un chaleco café y un sombrero gris con negro, es la vestimenta que ocasionalmente usa en especial si va a tocar a algún lado ya sea él solo o con otros gatos.

A pesar de estar acompañado Fabio es un gato solitario y de hecho disfruta de estar solo, a pesar de ser un gato a Fabio le encanta el helado en especial de chocolate que es su favorito y de nuez. Su miedo al agua fue porque cuando era u gatito pequeño se callo a un rio.

Fabio es muy sociable y a pesar de disfrutar de su solitaria vida, no se le dificulta hacer nuevos amigos.

http://www.biography.com/people/nick-park-40089 http://cultura.elpais.com/cultura/2010/10/08/actualidad/1286488801_850215.html http://xino-xano-videos.blogspot.mx/2007/11/karel-zeman.html http://www.proceso.com.mx/?p=268113 http://www.imdb.com/name/nm0000318/ http://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/103209.html