Catálogo FIT 2014 by Eje Escena

Edición Wilson Escobar Ramírez Concepto, Diagramación y Diseño de portada KikiriMiau: Maria del Rosario Vallejo DV / Humberto Jurado DV Fotografías Compañías invitadas, archivos FIT Impresión La Patria, Manizales, Agosto 2014

PRESENTACIÓN, EL USO DESGASTA LAS PALABRAS 6 LA LUPITA, IMAGEN DEL FIT 2014 9 EL GRAN TEATRO DEL MUNDO, UN TEMA EN LA OBRA DE SHAKESPEARE 13 LA ESCENA MEXICANA ACTUAL 15 ESPECTÁCULOS SALA NACIONALES 19 ESPECTÁCULOS SALA INTERNACIONALES 35 MÉXICO, PAÍS INVITADO 57 ESPECTÁCULOS CALLE 79 ESPECTÁCULOS CARPA CIRCO 106 EVENTOS ESPECIALES, PALABRAS EN ESCENA 121 2DO ENCUENTRO RED EURO-LATINOAMERICANA DE FESTIVALES 132 FERIA DEL LIBRO 150 EQUIPO DE TRABAJO XXXVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO 174

PRESENTACIÓN EL USO DESGASTA LAS PALABRAS

¿Cómo está la paz?

Shh… respondemos, hablemos bajito, la pobre esta muy enferma. Y es que un asunto tan serio como la paz de un país no debería estar en manos de cualquiera, debería pertenecer al imaginario de un pueblo que hurga en su memoria atávica alguna cosa que se asemeje a lo que dicen que es eso. Ahora, por ejemplo, nos rige la esperanza, en el sentido en que la construye Ernst Bloch, el filósofo alemán del “Principio esperanza”,

un libro referencial que remite al ser humano a su dimensión utópica, y decidimos apostar a un proceso construido sobre las bases de diálogos que esperamos tengan como fin el comienzo de algo, aun que suene contradictorio, que se asemeje a un camino por el que podamos transitar todos. Es entonces que aparecen en la memoria, los creadores escénicos colombianos que hablaron de la vida, de la paz, de Colombia como sinónimo de utopía, transformándola en gestos, imágenes, palabras que quieren significar, o simplemente en unas miradas que se cruzan y reconocen al otro como interlocutor, construyendo quizás alternativas frente al irracionalismo, queriendo

Para el colombiano promedio la paz es sólo una palabra inserta en los discursos de los políticos, a veces incluso preguntamos por ella:

decirle al mundo que aun estamos aquí, y eso es lo que hace el teatro en este panorama, hacer un inventario de utopías posibles, sumarse al momento que vive el país y apostar nuevamente por que, al fin, “cese la horrible noche” como dice nuestro retórico himno nacional.

Sólo nos restan las palabras, y a ellas nos aferramos como la última esperanza, para que de los monólogos de siempre pasemos a los diálogos, y que cada vez sean mas los incluidos en la construcción de los discursos de paz.

DIRECTOR GENERAL

Ante la cuestión planteada de una relación entre teatro y paz, las respuestas que se vislumbran no provienen de la diosa razón, mas bien de la intuición de quienes aun creemos que las artes de la representación realmente nos re-presentan, tal y como somos, queriendo construir la memoria futura, en que el acto heroico sea el cotidiano, en que los grandes gestos provengan de permitirnos hacer lo que sabemos hacer diariamente: teatro, que es como la vida misma.

OCTAVIO ARBELÁEZ TOBÓN

La generación de espacios de encuentro como nuestros festivales de teatro, apuntan en esa dirección: gestos y palabras puente entre las ciudades y la vida, que tal vez esté en otra parte. Pero, en todo caso, búsqueda incesante de permanecer aquí como testigos de nuestro tiempo, para que no sea el tiempo del silencio.

La Lupita, imagen del FIT 2014 José Manuel Morelos*

He tenido la oportunidad de presenciar las últimas tres ediciones del Festival Internacional de Teatro de Manizales: como público y como diseñador de carteles avocado a la cultura, léase teatro, danza, música, artes plásticas, literatura. Desde hace más de 15 años, adscrito al Instituto de Investigaciones en Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana, he tenido la buena fortuna de trabajar con múltiples compañías de teatro mexicanas y canadienses, conocer e interactuar con directores y dramaturgos, en ambos países.  Cuando el director cultural del Festival Internacional de Teatro de Manizales, Octavio Arbeláez, me invitó a realizar el cartel de tan prestigioso evento, me sentí distinguido, sobre todo al saber que el país invitado, este año, sería el mío: mi tierra, mi sangre, mi gente, mi cultura: México. En principio, la directriz fue no crear un concepto general en torno al teatro, sino poner un énfasis especial en el país invitado, en su identidad. Y esta fue la acción a comunicar. ¿Cómo sintetizar en una imagen a México?, ¿Qué ícono usar?, ¿Qué símbolo podría ser capaz de proyectar y contener su

intimidad, emociones, idiosincrasia y sincretismo -cultural y religioso- su pasado prehispánico, la riqueza de su gente y su gastronomía, por citar algunos ejemplos? Aparece la Virgen  México posee una infinidad de arquetipos reconocidos en todo el mundo: el charro, el chile (ají), la tortilla, la música ranchera, el macho (el cabrón), el tequila y otros tantos que sin tener una connotación necesariamente banal, son estereotipos mundanos que no alcanzan a reunir y representar la grandeza de la diversidad cultural de mi pueblo. También podríamos mencionar la Fiesta de Día de Muertos. Y aún así quería encontrar algo más poderoso. Consecuentemente, busqué un símbolo más profundo, que unifique el sentir y que habite en el corazón de cada mexicano. Ese símbolo es sin lugar a dudas la Tonantzin, la Virgen de Guadalupe madre de todos los mexicanos, “La Morenita”, “La Lupita”. Y si la tuteamos no es por falta de respeto, por el contrario, le hablamos de tú y en diminutivo con la misma confianza y cariño con la que

que arriesgan su vida buscando llegar a Estados Unidos pasando la frontera, encomendarse a “La Lupita” les ayuda a cumplir su cometido permitiéndoles burlar a “La migra” y no morir en el intento. La Virgen de Guadalupe siempre ha estado allí para los más desprotegidos.  La interacción con “La Morenita” va de lo íntimo a lo colectivo, de lo profano a lo religioso, de lo humilde a lo ostentoso. “La Guadalupana” puede ser, en nuestro contexto, una tienda de abarrotes, así como un bar; “La Lupita” una coctelería, sin que ello represente un agravio para la Virgen. Ella es generosa, comprensiva y tolerante. El mexicano no se adjudica la custodia unipotencial de sus facultades, ni la franquicia de sus favores y consejos, más bien juega con ella, se sirve de ella, de su poder auxiliador para sus fines. En México (y los Chicanos) son innumerables las expresiones artísticas -teatro, danza, literatura, música y artes plásticas, entre otras- que recurren al ícono de la Virgen de Guadalupe en sus discursos, ya sea como apología o como vehículo de crítica al poder, la manipulan, la intervienen, la descontextualizan: la hacen suya. La aparición de la Virgen de Guadalupe en el cerro del Tepeyac fue signo de identidad,

se le habla a una madre. En México, el mito de “La Guadalupana” no solo se inscribe en el ámbito religioso. Es un fenómeno social, cultural y político, hecho que lo hace más complejo y rico. Hay compatriotas que no se consideran católicos y no por ello renuncian a la identidad y fe guadalupana: ellos son “Guadalupanos”. Ser Guadalupano es una vocación que se manifiesta en su cotidianidad, ha sido una rica fuente de inspiración para una estética popular y artística, plasmada en las calles de los barrios, así como en recintos artísticos. Recuerdo en los años 90 cuando en las esquinas de algunos sectores populares de Ciudad de México las personas tiraban su basura esperando la recolección de la limpia, esto generaba focos de insalubridad; cuando algunas calles, por ausencia de alumbrado, se hicieron peligrosas; cuando las madres preocupadas por sus hijos y las tentaciones que los rodeaban no sabían qué hacer… Aparece la Virgen. La comunidad tuvo ideas, ideas creativas, pintar a “La Lupita” en la barda, crear altares con “foquitos” de colores que iluminaran su imagen y espiritualmente al transeúnte, escribir mensajes con su rostro: “Yo, tu Madre amable te pido que no te drogues, no te alcoholices, no seas violento, Se amoroso y cariñoso”. Fin del problema de la basuras, fin del problema de inseguridad, fin del temor de las madres. Diversidad cultural  “La Morenita” traspasa fronteras. Para los “Chicanos” es una forma de sentirse mexicanos, para los migrantes,

justicia, resistencia y unificación entre mulatos, indígenas, criollos, mestizos y gachupines (Chapetón en Colombia y Perú).

A través de la historia  En 1810, el cura Miguel Hidalgo y Costilla se sirvió de ella como estandarte, como símbolo de la lucha independentista contra la Corona Española. El también sacerdote y estratega militar José María Morelos y Pavón recurría a la imagen de la Virgen para congregar al pueblo y hacer un llamado a continuar en esa misma lucha. Así mismo fue usada en la revolución de 1910 (se dice que hasta los más revolucionarios ateos la veneraban) y en el 1994 hizo su aparición de nuevo con el rostro cubierto por un pasamontañas o con un rifle durante la irrupción zapatista. Para Rodolfo Usigli (padre del teatro mexicano moderno), “la Virgen de Guadalupe en México no es un adorno: es destino”. La consideraba un elemento de “respiración”, porque “no se piensa en ella objetivamente, como no se piensa en la sangre que circula por nuestro cuerpo: sencillamente se sabe que está allí”.  Leía hace unos días en un diario de México que la selección de fútbol había enviado ya su

equipamiento al mundial y aclaraba el jefe de utileros del tricolor: “La Virgen va, claro, la mandamos antes en avión con la utilería”. Debido a la fuerza del símbolo, sus connotaciones y las consideraciones expuestas, la estética del cartel que nos atañe, su tratamiento formal y conceptual, es un collage con reminiscencias al pop-art -entendiendo al ícono como un elemento de la cultura popular mexicana- y la máscara veneciana como un elemento festivo y metonímico del teatro. Sé que a la Virgen de Guadalupe le gusta el teatro, el buen teatro, y es por eso que viene a este XXXVI Festival Internacional de Teatro de Manizales, una vez terminado su compromiso en Brasil. Solo espero que las condiciones climáticas le permitan aterrizar aquí en Manizales y no la manden a Pereira y de ahí en buseta hasta acá. * Licenciado en Artes Plásticas con especialidad en Diseño Gráfico.  Maestrías en Publicidad, Comunicación Política y Diseño Tipográfico. Investigador del Instituto de Artes Plásticas y académico de la Facultad de Artes Plásticas (UV). Doctorando en Diseño y Creación en la Universidad de Caldas y, durante los últimos 3 años, Becario del Fondo Nacional para la Cultural y las Artes. Se ha desempeñado principalmente como realizador de carteles culturales y sociales para compañías en México y Canadá de teatro, danza contemporánea, artes plásticas, literatura y música.

EL GRAN TEATRO DEL MUNDO, UN TEMA EN LA OBRA DE SHAKESPEARE El teatro es un tema central, recurrente, en los textos de los dramas de Shakespeare. En efecto, este dramaturgo incluye en sus libretos y pone en boca de sus personajes constantes referencias al teatro, a su modo de ser, a su relación con el público y los escenarios de su época. Así, encontramos el motivo teatral en la mayoría de sus obras y en diferentes niveles: Sus personajes hablan de teatro, de géneros dramáticos, del arte del actor, de la recepción del público, los elementos que componen un escenario, y en términos técnicos propios del vocabulario de la dramaturgia. Imágenes de teatralidad alimentan la lengua poética de Shakespeare, y es más: muchos de sus personajes expresan una gran familiaridad con el teatro y algunos son especialmente histriónicos –lo saben y lo dicen-; son capaces de elaborar montajes, de dirigir a otros para que representen un papel y de usar el teatro para sus fines específicos.

De este hecho podríamos deducir que para Shakespeare el teatro es un referente para entender y dar a entender el mundo, desde hechos y

episodios muy particulares, como los gestos, comportamientos, situaciones y proyectos de cada personaje, hasta la vida humana misma. Este rasgo tan peculiar y tan destacado de la obra del isabelino no sólo guía y enriquece nuestro conocimiento del teatro en la Inglaterra de su época, sino de la naturaleza misma del teatro, lo que ha hecho de Shakespeare un maestro, un guía ineludible para la actividad escénica desde hace más de siglo y medio. Podría decirse, incluso, que el teatro contemporáneo, nuestro teatro, se ha formado siguiendo y rehaciendo algunas de las pautas que marcó Shakespeare, como lo son el conocimiento de las virtudes del escenario neutro, el libre desplazamiento por tiempos y espacios, de un tono solemne a uno festivo y prosaico, y la complicidad con el público. Además, este constante hablar del teatro, pensar el teatro, hacer teatro dentro del teatro anticipa lo que será un hecho crucial en la modernidad, cuando desde la obra literaria y artística misma se tematizan el arte y la literatura. Pero también esta característica apunta a

Un texto de Shakespeare es, ante todo, un libreto destinado al escenario y hay que abordarlo como tal, en busca de su naturaleza escénica, de lo peculiar de un lenguaje pensado, ante todo, para la representación. Además, los recursos empleados en la construcción de sus personajes y situaciones están en tan estrecha relación con las condiciones de los escenarios a su alcance, que permiten deducir de los textos dramáticos mucho del funcionamiento de la vida teatral de la época. Para ilustrar lo anterior podemos detenernos en 4 de sus obras -Sueño de una noche de Verano, Ricardo III, Hamlet y La vida del rey Enrique V- en las que la reflexión sobre el teatro es muy evidente y abarcante. Sin embargo, habría que examinar la totalidad del corpus dramático del isabelino, porque su visión del hombre como actor en el escenario del mundo o la de la acción humana como representación de un papel teatral salta a la vista en cualquier escena. Como todo gran poeta, más que inventar metáforas y símiles, Shakespeare los toma, los rehace y los llena de nuevos sentidos. En

numerosas ocasiones Borges ha insistido en que “sólo hay unas pocas metáforas esenciales”, que son metáforas “modelo o patrón”, como la vida es sueño, o río que va a dar en la mar. Pero esos pocos modelos admiten un número infinito de variaciones (Borges, Arte poética, “La metáfora”, Barcelona: Crítica, 2001, 37-59). A ellas se podría añadir la que afirma que el mundo entero es un teatro Y todos los hombres y mujeres simplemente actores. Ellos tienen sus entradas y salidas, Y un hombre en su vida representa muchos papeles (A vuestro gusto, II, 7). Esta formulación, puesta por Shakespeare en boca del melancólico Jacques, está en la base de todas las imágenes que relacionan el teatro y el mundo. Estos versos se podrían asumir como la fuente de miles de variantes, reelaboraciones, recreaciones; expresan un sentir que encontramos en la reflexión filosófica desde Platón. En el texto dramático la imagen del gran teatro del mundo aparece a finales del XVI, pero con insistencia y extraordinaria complejidad florece es en el drama isabelino y en un dramaturgo tan de la entraña del mundo escénico como lo es Shakespeare. En sus textos, esta imagen se llena de sentidos, de connotaciones que solo podría darse en ese gran poeta que es Shakespeare, este hombre de teatro. AMALIA IRIARTE DOCENTE UNIVERSIDAD DE LOS ANDES. COLOMBIA

una, en su época novedosa, relación entre ficción y realidad: no apelamos al mundo real para entender el arte, sino que el arte nos ayuda a entender lo real, como lo declara Oscar Wilde en su ensayo “La decadencia de la mentira”: “la Vida imita al Arte mucho más que el Arte imita a la Vida”.

LA ESCENA MEXICANA ACTUAL Decir que el teatro siempre está en movimiento parecería una verdad de Perogrullo pero esto no siempre ocurre con una velocidad constante. La escena mexicana actual se distingue hoy por la enorme diversidad de puntos De José Ramón Enriquez, Sergio Galindo, Sabina Berman, Ángel Norzagaray, David Olguín, Estela Leñero, Luis Mario Moncada, Cutberto López y, entre otros, un servidor; hasta los más jóvenes como David Gaytán, Diego Álvarez Robledo, Hugo Wirth o Fernanda del Monte, existe una nómina enorme de escritores como Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, Edgar Chías, Alberto Villarreal, Antonio Zúñiga, Alejandro Ricaño, Martín López Brie, Noé Morales o Bárbara Colio, cuyos textos se han traducido a otras lenguas y presentado en decenas de festivales y escenarios del mundo.

Esto es un fenómeno del que no gozaron nuestros mayores, aquellos aglutinados bajo el membrete de Nueva Dramaturgia Mexicana que se acuñó en principios de los años 80 del siglo pasado. La primera década de la presente centuria ha sido la de la internacionalización de la dramaturgia mexicana aunque todavía sigamos siendo relativamente desconocidos en países como Colombia. Pasa algo

similar con los escritores colombianos. Somos grandes desconocidos a pesar de estrenos, giras e intercambios. En los años 60 y 70 del siglo XX los directores de escena tomaron por asalto los escenarios y los puestos de poder en las instituciones de cultura. Esto relegó a la dramaturgia y favoreció que el concepto de puesta en escena se impusiera al igual que estilos de actuación y de dirección que aún hoy siguen siendo vigentes a pesar de que parecen a ratos un viejo traje victoriano. Digamos que un ala del quehacer teatral se aferra a esas formas, a veces con una eficacia artística innegable, mientras lo que se llama hoy “la escena expandida” o liminal o fronteriza, busca romper con las formas anteriores. Esta otra ala del quehacer ya no necesita abrirse espacios porque los ha conquistado palmo a palmo con propuestas renovadoras, muchas de ellas que se podrían aglutinar -quizá arbitrariamente- bajo el concepto de posdramático. A veces los dramaturgos coinciden con los directores de escena en estas nuevas búsquedas y a veces los roles se asumen indistintamente. Así, de los grandes maestros como Luis de Tavira, José Caballero o Raúl

Entre estas dos grandes polos o tendencias de la escena mexicana actual: la de la tradición y la de las expresiones escénicas que encuentran otros contenedores incluso no ficcionales, se da una tensión a veces ríspida. Y al margen de las discusiones se desarrollan otras expresiones teatrales como el clown, el teatro comunitario, el teatro comercial, etcétera. Lo cierto es que el teatro, en sus múltiples manifestaciones, está a la caza de nuevos esquemas de producción dado que el mecenazgo del estado mexicano a la cultura parece cada vez más precario y es tal la demanda de los artistas que el ogro filantrópico no es ya capaz de asimilarlos en una cadena productiva que cada vez se entiende menos. Si bien en Colombia o Argentina el fenómeno de las salas independientes

tiene una larga historia, en México es un tema reciente y palpitante. Los teatros oficiales viven una saturación absurda y el surgimiento de salas autogestivas obedece a esa lógica. El Festival Internacional de Teatro de Manizales tiene como invitado de este 2014 a México y la curaduría da cabal muestra de lo expuesto párrafos arriba. Encabeza la Compañía Nacional de Teatro que trabaja en la línea de la tradición con excelencia, en tanto Teatro Línea de Sombra estaría en el extremo opuesto. Y entre esos dos polos se mueven los espectáculos de Triciclo Rojo, Los Conjurados Teatro y Los Guggenheim. Es evidente que muchos nombres de directores y dramaturgos, así como de agrupaciones emblemáticas y fenómenos mismos han quedado fuera de esta breve presentación. Esperemos que el público del Festival se interese por conocer más de la escena mexicana. JAIME CHABAUD DRAMATURGO, GUIONISTA, E INVESTIGADOR TEATRAL. DIRECTOR DE LA REVISTA MEXICANA DE TEATRO PASO DE GATO.

Quintanilla, pasamos por la generación de Mauricio García Lozano, Martín Acosta, Juliana Faesler, Raquel Araujo, Jorge Vargas o Sandra Félix, hasta llegar a Marco Vieyra, Richard Viqueira, Damián Cervantes, Mariana García Franco y decenas de jóvenes que igual realizan proyectos en teatros oficiales que en casas y cocheras.

ESPECTﾃ，ULOS SALA NACIONALES

LA OBRA “SILVESTRE” explora nuestra condición animal como seres humanos, y nuestra conexión con la Naturaleza. Todos los pasos, imágenes y sonidos han sido inspirados en el poder de la fauna y la flora. Disciplinas como la Acrobacia Aérea, la Danza, el Videoarte y la Música, hacen alquimia para producir un lenguaje que despierta sensaciones en los espectadores y los comunican con su dimensión SILVESTRE.

Carolina Ramírez SILVESTRE Colombia

FICHA ARTÍSTICA Nombre de la Obra: SILVESTRE Autor, director e interprete: CAROLINA RAMIREZ ESCOBAR Género: Acrobacia Aérea, Danza y Video Arte Música: Sonidos electrónicos mezclados con instrumentos de folklore Sonidos de la Fauna y Flora colombiana recuperados por los científicos del Instituto Alexander Von Humboldt Colombia.

Carolina Ramírez Artista Colombiana con 18 años de trayectoria, formada en la universidad de Los Andes (Arte y Nuevos Medios), en la Escuela Nacional de Artes de Cuba (Ballet) y en Centro Nacional del la Danza de París (Danza contemporánea). Ha recorrido con su Arte mas de 12 países en el mundo. Su trabajo multidisciplinar le ha permitido intervenir espacios, transformándolos en escenarios para el Arte y abriendo en el espectador una ventana para ver lo mágico. La compañía Laquebaila ha recorrido con sus piezas países como Francia, Bélgica, Suiza, Macedonia, Italia, Argentina, Costa Rica, Panamá, Perú, Cuba, en varias ocasiones, representando a Colombia y dejando simpre muy en Alto el nombre de nuestro país.

Huellas digitales ANDRÓMEDA 3.0 Colombia Huellas digitales es una creación de: Universidad de Caldas a través de: Grupo de investigación Teatro Cultura y Sociedad, Departamento de Artes Escénicas, Doctorado en Diseño y Creación, Licenciatura en Artes Escénicas con énfasis en Teatro, Vicerrectoría de investigaciones y Postgrados y Vicerrectoría de Proyección. Centro de Atención Especializada del SRPA La Primavera (ICBF-Fundación Hogares Claret).

FICHA ARTÍSTICA Dirección General: Daniel Ariza Gómez Asistente de Dirección: Gloria Patricia Alzate Dirección coreográfica: Jose Fernando Ovalle Lopera Dirección Medios audiovisuales e interactivos: Sebastian Gonzales Muñoz e Ingrid Johanna Trochez Dirección Artística y vestuarismo: Alex Ortiz Bedoya Dirección Fotográfica y Asistente de vestuarismo: Alejandra Murcia Santafé Ingeniería y software: Valentina Aguirre Muñoz Música Original y Composición: Adriana Guzman Umaña y José Lubier López Dirección de Producción: Sergio Arenas Guzmán Diseño de imagen gráfica: Luis Osorio Tejada REPARTO Presentación Virtual: Jóvenes Centro de Atención Especializada (CAE) La Primavera. Presentación Física: Daniela Duque, Luisa Fernanda, Manuela Giraldo y Sergio Arenas. Presentación Física y Virtual: Participantes en las presentaciones

LA OBRA La Obra: “Huellas Digitales” se inscribe como una puesta en escena que busca poner en tensión conceptos como interior/exterior, cuerpo físico/cuerpo digital, Ficción/Realidad, Verdad. Es una propuesta de “Performance Digital” que indaga sobre la interacción e interactividad de los participantes a partir de diferentes situaciones en un espacio inmersivo. Puede considerarse como una obra inacabada en tanto que los participantes son co-creadores de la misma desde el momento en que ingresan al espacio, además porque cada presentación sumará experiencias que irán madurando la propuesta que hasta el momento presentamos. La idea es provocar un acto de subversión del sistema de poder, vigilancia y control que ha instalado el ser humano. Busca un “reflejo” y una “reflexión” de un dispositivo que el ser humano contemporáneo ha interiorizado y que experimenta a cada minuto de su existir.

EL PROYECTO Corresponde a uno de los resultados de dos proyectos de investigación– creación: “La casa de Cristal, del cuerpo marginado, al cuerpo expresivo en la virtualidad” y del proyecto de formación doctoral del director del proyecto, bajo el nombre de “Digitalización del cuerpo del privado de la libertad como acto de subversión de la mirada panóptica”. Los dos proyectos están inscritos en la línea de investigación “teatro y nuevas tecnologías” del grupo de investigación “Teatro, Cultura y Sociedad”. Como antecedentes a este proyecto se pueden mencionar las propuestas escénicas del Director Daniel Ariza: “El Secreto de Vanessa” (2011) y “Confesionarios” (2012).

Compañía LÉxplose EN CASO DE MUERTE Colombia Personajes: Robert: Ulises González, Blanca (La esposa): Mónica Giraldo, El hijo(a): José Miel, Alberto: Carlos Alberto Pinzón, Sara: Natalia Bedoya, Alan: Carlos Aguilar. Coreutas: Gadiel López (Actor-bailarín), Andrés Lagos (Bailarín), Ángel Ávila (Bailarín), Wilman Romero (Bailarín), Camilo Colmenares (Cantante-actor), Marco Antonio Gualdrón (Cantante), Luis Carlos Hernández (Cantante), Germán Pinilla (Cantante-armonicista). Músicos: Carlos Reyes Lega (Guitarra), William Suárez (Bajo), Luis Chereno (Trompeta), Andrés Calle (Trombón), Cristian Bolaños (Batería).

Composición musical: Nicolás Montaña, Carlos Reyes Lega y Natalia Bedoya Letras de las canciones: Juliana Reyes Dirección de la banda: Carlos Reyes Lega Dirección vocal: Natalia Bedoya Diseño de iluminación: Humberto Hernández Diseño de escenografía: Julián Hoyos Realización de escenografía: William Tiriat Diseño y realización de video: Leo Carreño Diseño de vestuario: Rafael Arévalo Realización de vestuario: Servando Díaz Realización de accesorios: William de Jesús Mejía Diseño de sonido: Alejandra Bernal Ingeniero de mezcla: Nicolás Ramírez Diseño de maquillaje: Gigi Williams

FICHA ARTÍSTICA Un texto de: Juliana Reyes Dirección general: Tino Fernández

Fotografía: Zoad Humar – Juan Diego Castillo Beca de creación multidisciplinar de gran formato 2013 – 2014 Coproducción del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y el Teatro Jorge Eliécer Gaitán.

LA OBRA Esta nueva creación de L’Explose pretende explorar el género del teatro musical, a partir del texto “En caso de muerte” escrito por Juliana Reyes en el 2012. La obra plantea una reflexión sobre la contemporaneidad, que ha traído consigo una continua exposición de la vida privada y la búsqueda constante de un show mediático, en esa cultura del espectáculo que tan claramente define Vargas Llosa como “un mundo en el que el primer lugar en la tabla de valores vigente lo ocupa el entretenimiento, donde divertirse, escapar del aburrimiento, es la pasión universal. Este ideal de vida es perfectamente legítimo, sin duda... Pero convertir esa natural propensión a pasarlo bien en un valor supremo tiene consecuencias a veces inesperadas. Entre ellas la banalización de la cultura, la generalización de la frivolidad, y, en el campo específico de la información, la proliferación del periodismo irresponsable, el que se alimenta de la chismografía y el escándalo.” En esa espectacularización de la

realidad, en esa frivolización de los acontecimientos, en ese show mediático que busca el escándalo y hacer atractivo para las masas cualquier hecho ¿cómo se contaría un duelo en el que aparentemente no hay nada que mostrar?, pues sólo queda el dolor, ese que va hacia adentro, ese que inmoviliza y enmudece. Ahí es donde el drama musical irrumpe en la intimidad, para contar lo inenarrable, para hacer divertida la tristeza. Los medios de comunicación, las redes sociales y demás herramientas de información interactiva, han generado una continua exposición de la intimidad propia y ajena; haciendo de todos nosotros público y protagonistas al mismo tiempo. Pero ¿hasta dónde estamos dispuestos a ver? ¿Hasta dónde somos capaces de mostrar? SOBRE L’EXPLOSE La Fundación L’EXPLOSE fue fundada por Tino Fernández en París en el año 1991 y posteriormente se traslada a Bogotá donde es constituida como una entidad sin ánimo de lucro, cuyo objetivo se centra en la promoción y desarrollo de las artes escénicas. Desde entonces, ha realizado un trabajo ininterrumpido en la creación, investigación y difusión artística, principalmente en el campo de la danza. La Fundación ha recibido múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, que la han ubicado como una de las agrupaciones más

EL DIRECTOR Tino Fernández nació en España y estudió arte dramático en Madrid, conocimientos que luego orientó hacia la danza. Se instaló en París en 1983, donde estudió danza contemporánea y clásica con los maestros Jacques Patarozzi, Eléonore Ambash, Catherine Diverrés y Emmanuelle Lyon. Como bailarín trabajó con diversas compañías y coreógrafos como Jean Marc Colet, Francois Larochevaliére, Gilles Mussard y Catherine Berbessou. Hizo parte del grupo de investigación de coreógrafos parisinos La Règle

d’Or. En 1991 creó la Compañía L’EXPLOSE en París. En 1995 trasladó la sede de la Compañía a Bogotá – Colombia. Desde ese momento ha tenido un trabajo ininterrumpido de creación, investigación y promoción de las artes escénicas; con más de 20 creaciones que ha presentado en diversos países del mundo. Ha recibido múltiples reconocimientos nacionales e internacionales. LA DRAMATURGA Juliana Reyes es directora de teatro y dramaturga. Inició su formación en Bellas Artes y la complementó con estudios de Interpretación Gestual en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Ha dirigido, entre otras, las obras “Ad portas, porque hay amores que matan”, “Al salir de la crisálida” y “RH Positivo” de su autoría; “Decadencia”, “Roberto Zucco” y “Despertar de primavera”, entre otras. En el 2008, ganó Premio Nacional de Publicación de Investigación en Danza con el texto “Concierto Polifónico sobre la dramaturgia de la danza”, libro que fue publicado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el 2010. Ese mismo año, recibió la Beca Nacional de Composición Literaria y Musical, por parte del Ministerio de Cultura, con el proyecto Puro Cuento. Desde hace 14 años realiza la dramaturgia de las obras de L’EXPLOSE, Compañía con la que ha realizado más de quince espectáculos de danza y teatro.

importantes del país; con un promedio de 4 giras internacionales por año, ha representado a Colombia en diversos eventos internacionales en Europa, Estados Unidos, América Latina y Asia, convirtiéndose en uno de los principales embajadores de nuestra cultura en el extranjero. Desde hace varios años, L’Explose ha venido ampliando su investigación a otras formas escénicas, en las que teatro y específicamente el teatro musical ha estado en el centro de su pesquisa. En el 2010, realizó el espectáculo de celebración del Bicentenario en la plaza de Bolívar, en el 2011 creó la obra “Martini Blues cabaret”, a partir de un repertorio de clásicos del jazz de los 40’s. En el 2012, montó “Las Bodas” de Stravinski con el coro de la Universidad Nacional y en el 2013 realizó el montaje de “Carmina Burana” con el Coro de la Ópera y la Orquesta Sinfónica Nacional.

Fundación La Maldita Vanidad Teatro MATANDO EL TIEMPO “PRIMER ACTO INEVITABLE: NACER” Colombia

FICHA ARTISTICA Autor y Director: Jorge Hugo Marín. Asistente de dirección: Valeria Bordamalo García. Productor Ejecutivo: Wilson L. García D. Actores: Carmenza Cossio (Matilde) Ella Margarita Becerra (Isabel) Fernando Arroyave de la Pava (Rafael) María Soledad Rodríguez (Esther) Juan Manuel Lenis (Miguel) María Adelaida Palacio (Luna) Adriana Angélica Prieto (Margarita) Santiago Reyes (Gabriel) Daniel Camilo Díaz (Felipe) Miguel González (Manuel).

Esta Obra es una Beca de Creación a directores con trayectoria IDARTES 2013 y una coproducción con el XIV Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá 2014.

LA HISTORIA La obra acontece en medio de un tradicional almuerzo familiar de domingo, donde a través de once personajes el espectador descubre la codicia y el abuso del poder heredado. Tradicionalmente el poder está en unas cuantas familias convirtiéndolas en dueñas de una nación. Es tiempo de celebrar, de matar el tiempo mientras llega un nuevo plan. El árbol genealógico lo demuestra, el niño que nace debe continuar con la tradición del abuelo, pero debe ser más astuto, la vigilancia se intensifica, para eso lo educaron mejor, para saber controlar un pueblo enfurecido. Jorge Hugo Marín, autor y director del montaje, precisa que “con esta nueva obra indago a partir del referente de Ricardo III de William Shakespeare un paralelo histórico que me permito

LA MALDITA VANIDAD Fue creada como un laboratorio de artistas jóvenes del oficio teatral; esta compañía presenta sus propuestas en espacios no convencionales. Su sello está basado en una nueva dramaturgia escénica donde la construcción de sus personajes y la relación entre los mismos es compleja y ante todo verosímil, al igual que el espectador que asume el papel voyeur. La Compañía se ha destacado por su participación en diferentes festivales teatrales en Colombia, Alemania, Austria, España, Brasil, México y Argentina.

Jorge Hugo Marín, su director, nació en Medellín. Es Maestro en Arte Dramático de la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como actor, director de teatro y dramaturgo. En cine, como actor en las películas “Adiós Ana Elisa” y “Retrato de un mar de mentiras”. En televisión en las novelas “El último matrimonio feliz”, “Aquí no hay quién viva”, “Amor sincero” y “Donde está Elisa”. En el año 2008 es invitado a dirigir su primer obra “La Escala Humana” para el grupo Acción Impro de Medellín y en el año 2009 crea en Bogotá la compañía teatral “La Maldita Vanidad” con un primer laboratorio titulado “Sobre algunos asuntos de familia”, donde se indaga el núcleo de la familia en Colombia en la creación de nuevas dramaturgias, dando como resultado tres obras de su autoría, tituladas: “El Autor Intelectual” 2009, “Los Autores Materiales” 2010, y “Como Quieres Que Te quiera” 2011.

actualizar, imaginando las necesidades que dicho autor tenía para llegar a escribir una de las obras más trágicas y descarnadas de la dramaturgia universal, y que a su vez se ha convertido en un símbolo del abuso del poder”

Vueltas bravas producciones MISS JULIA Colombia FICHA ARTÍSTICA Basada en la obra de August Strindberg Adaptación bilingüe: J. Ed Araiza Dirección: Lorenzo Montanini Con: Tina Mitchell , Gina Jaimes y Jhon Alex Toro Música en vivo a cargo de: Helen Yee, Juan Manuel Vergara, Daiana Mutis Una producción de: Tina Mitchell, Gina Jaimes, Lorenzo Montanini Vueltas Bravas Preducciones SAS

LA OBRA Adaptada a lo que sería la noche de San Juan en una Colombia rural Miss Julia y su sirviente Juan tienen un encuentro que cambiará sus vidas para siempre. Mientras Juan trata de levantarse de las profundidades de su existencia servil, Miss Julia procura escapar de las ataduras de una vida de clase alta sin ningún significado.

El resultado es una poderosa obra de Amor, lujuria y lucha de clases que se torna violenta y parece estar fuera de control. Esta producción bilingüe actuada en Inglés y en Español será un choque de culturas que combina una alta exigencia física con un exquisito texto naturalista. Esta forma de abordar el texto de Strindberg hace que Miss Julia sea tan profunda hoy como lo fue hace 100 años. LA PRODUCCIÓN Miss Julia es una colaboración internacional entre el actor Colombiano Jhon Alex Toro, la Artista Internacional de Teatro Tina Mitchell, la actriz colombiana Gina Jaimes , la violinista estadounidense Helen Yee y el director de escena Italianao Lorenzo Montanini. Esta nueva adaptación hecha por J. Ed

LORENZO MONTONINI Actor y director italiano. Ha estudiado con muchos artistas internacionales e italianos, M. Tarasco. B. Meyers, The Living Theatre, Milon Mela, E. Vargas, A. Bogart. Estudió cine en The New York Film Academy y fue el primer italiano en entrenar con la SITI Company en Columbia University y Skidmore College. Ha estado dirigiendo durante los últimos 10 años el laboratorio experimental contemporáneo de teatro chino en la Universidad “L’Orientale” de Nápoles, escenificando y adaptando obras chinas nunca antes puestas

en Europa. Sus créditos cómo actor y director incluyen: Miss Julia (New York/Colombia), Petimus Rogamus (Rome), The Painted Bird, Palissimo Dance Theater Company (New York), Il Viaggio dell’Uva, Teatro de los Sentidos, Festival Internazionale di Montalcino (Italy), Un pasticciaccio (Rome), Mezzanotte all’Havana Cafe (Naples, Italy), Mika, United Nations (New York). Vive en Barcelona y actualmente trabaja en la adaptación de una novela de Jorge Amado para una serie de cinco shows, y en una novela corta de M. Tsvietaieva con el traductor mexicano S. Ancira para el Festival Internacional Cervantino en Mexico.

Araiza dramaturgo y actor de la SITI Company junta 5 artistas de 4 paises diferentes.

Teatro Punto de Partida Colombia

Teatro Punto de Partida La Fundación Teatro Punto de Partida nace en el año 1996 en la ciudad de Manizales. Imparte formación pedagógica a través de su Academia de Artes (Talla en Madera, Pintura, Teatro y Títeres, Danza), dirigido a niños, jóvenes y adultos. Desde 2007 la fundación realiza el Festival Intercolegiado de teatro “Aulas de vida, escenarios de creación”, y desde el 2008 hace parte de la Red Festival Iberoamericano de Teatro de Muñecos, Eje Cafetero. Su liderezgo en la formación y la inclusión en el campo de las artes fue reconocido por el Ministerio de Cultura, el periódico EL TIEMPO, y el canal CITY T.V., con el premio “DIEZ HISTORIAS INEDITAS DE LA DECADA EN COLOMBIA” (2007).

Desde el 2004 es una sala Concertada con el Ministerio de Cultura, lo que le ha permitido fortalecer la actividad artística de la ciudad.

NIÑO POMBO Títeres Rafael Pombo Los hombres grises , los hombres de la polución, de la tristeza ,apresan a los pájaros azul-rojo y blanco , los pájaros de la vida , de la poesía , de la fantasía. La pastorcita acude a la ayuda del poeta que en compañía de rin rin y Juan chuguero, persiguen a los hombres malos y desde su ternura, poesía , alegría y comprensión rescatan a los pájaros de la vida ; terminando en final feliz , la boda de la pastorcita y juan chunguero, dejando la moraleja en cada uno de los corazones de los niños que la unión , la armonía , el abrazo desde el corazón vence a los villanos”, a su vez rendir un homenaje al poeta RAFAEL

EL TROTA CALLES

EL VELADOR DE ALMAS

FICHA ARTÍSTICA Versión libre de El Atravesado, de Andrés Caicedo. Director: Augusto Muñoz Sánchez Actor: John Mario Sepúlveda Luces y sonido: Jorge Edwin Valencia Producción General: Teatro Punto de Partida

FICHA ARTÍSTICA Autor: Anselmo Parra Actor: Augusto Muñoz Sánchez Música: Héctor Fabio Torres Sonido y iluminación: John Mario Sepúlveda Director General: Germán Camilo Díaz Fajardo Producción general: Teatro Punto de Partida Escrito en los albores del tiempo de la ilusión del retorno. La escena transcurre en un lugar de Norteamérica, a principios del siglo XXI en una atmósfera que raya entre la realidad de su vida y el surrealismo de la situación de un hombre que recuerda sus orígenes, su raza, su casa, que se resiste a olvidar. Su soledad lo pone a dialogar con sus propios fantasmas. Recuerdos de su ciudad incrustada en las montañas donde obraba la magia, el teatro, el bar Kien un clásico tránsito por la vida por donde desfilaron expósitos vivientes de generaciones olvidadas, un “punto de encuentro” de un periodista asesinado. Una Torre del cable, una Iglesia, la Iglesia en la plaza, la calle, el café, la campana la niebla…un plátano, dos yucas, unas papas, el fogón, el calor del fogón, la abuela sentada, el guaro en la mesa…

Un joven que desde pequeño ha estado dentro del ambiente de la barra, de la esquina, la pelea, entra por una calle donde en cada parada encuentra personas que marcan su destino: la madre, Edgar, la tropa brava, Akira Nagazaka, María del mar; pero de los que ya solo quedan recuerdos, recuerdos que cada vez se agudizan más con el tictac del reloj que marca el tiempo de su existencia obligándolo a refugiarse en una coraza de rebeldía donde no necesita a nadie porque se tiene así mismo. Lo que para los demás es soledad para él es seguridad, ya no quiere hablar más de sus amigos muertos, andar con personas le cansa, no sabe cuál es el fin de su camino; seguirá trotando hasta que sus puños y sus pasos dejen una huella pero hasta que eso suceda seguirá siendo el trota calles.

ESPECTﾃ，ULOS SALA INTERNACIONALES

Matías Umpierrez DISTANCIA Argentina FICHA ARTÍSTICA

Elenco: Marina Bellati (desde Buenos Aires) Marie Piemontese (desde París) April Sweeney (desde Nueva York) Anne Weber (desde Hamburgo) Músicos: Sebastián Roascio Goldar (batería), Agustín Uriburu (chello y guitarra), Santiago Mazzanti (bajo), Santiago Martínez (violín), Rafael Sucheras (piano y teclados) Traducción: Maren Schiefelbein (alemán), Julie Coupet (francés) Patricia Masera / April Sweeney (inglés) Escenografía: Mariana Tirantte Música: Rafael Sucheras Diseño de Sistemas y Mapping: Matías Fabro Asistencia de mapping: Alejandro Magneres Fotografía: Sebastián Arpesella

Asistencia de escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez Asistencia de dirección: Malena Juanatey Producción: Carolina Castro Concepto, Dramaturgia y Dirección: Matías Umpierrez DISTANCIA es una coproducción de El Cultural San Martín y el GoetheInstitut Buenos Aires con el apoyo de Panorama Sur y el Institut Français d’Argentine. LA HISTORIA Múltiples pantallas. 5 músicos en escena. 4 actrices transmitidas en directo desde París, Hamburgo, Buenos Aires y Nueva York. El amor a 7000 km de distancia e interferido por una fusión ecléctica de recuerdos felices, melodías melancólicas, registros

SOBRE LA OBRA Con este espectáculo intentaremos revelar cómo el teatro puede ingresar al sistema virtual tomando cada uno de sus signos y estimulándolos para que superen sus propias fronteras. En Distancia el espacio de la sala se amplía y los escenarios se quintuplican de manera virtual a partir de un sistema de streaming operado en tiempo real. El texto se construye en cuatro idiomas y se decodifica a través de la escucha y la lectura simultánea; a su vez la dramaturgia se entrelaza jugando con el hipertexto (estructura no secuencial que permite crear, agregar, enlazar y compartir información de diversas fuentes por medio de enlaces asociativos). El tiempo del teatro se relativiza, generando un presente que se desarrolla en distintos husos horarios simultáneos. El sonido y la música se ensamblan virtualmente a partir de la manipulación de instrumentos y voces que llegan electrónicamente desde la lejanía. El público en la platea se remite a su experiencia de usuario frente al cosmos virtual, presenciando, editando y operando mentalmente. Finalmente todos podremos presenciar un espectáculo de teatro-virtual que penetra en un mundo que sólo existirá en el observador a corto plazo (mientras lo observe) y en la memoria de una computadora. Matías Umpierrez

EL DIRECTOR Matías Umpierrez es un artista multidisciplinario argentino que presenta producciones en formatos teatrales, audiovisuales y curatoriales. Ha creado proyectos como Teatro Solo (intervención site specific 2013), Distancia (2013), Paisaje (Video 2013), Hotel Project New York (Colaboración en Intervención 1012), La tierra de las montañas calmas (Teatro 2010 co-escrita junto a Paco Bezerra), 4 Mujeres Bailan (Video 2009), Gente Favorita (Teatro 2008), Cuionera Tropical (Performance 2008), La Flauta Mágica (Ópera 2007), Novela (Teatro 2006). Ha desarrollado proyectos curatoriales como Coordinador del Área de Teatro del Centro Cultural Rojas (dependiente de la Universidad de Buenos Aires) entre los que se destacan: Proyecto Manual, Óperas Primas, ProyectoClásico, Decálogo, entre otros. Sus trabajos se presentaron en instituciones como el Complejo Teatral de Buenos Aires, Museo MALBA, la Filmoteca del Lincoln Center, MoMA, Espacio Pirineos, Centro Cultural San martín, Universidad de Buenos Aires, entre otros. En 2013 fue reconocido por BGH como uno de los 100 argentinos más innovadores, ha ganado la Beca Iberescena en Gestión (2009) y la mención honorífica en dramaturgia del Fondo Nacional de las Artes (2010).

familiares, archivos ocultos, imágenes del olvido, consumismo delirante.

Equipo Teatro Llanura La MIRADA EN LA AGUA Argentina

FICHA ARTÍSTICA Autor: Jorge Ricci Dirección General: Sandra Franzen Actores: Jorge Ricci, Teresa Istillarte y Eduardo Fessia. Escenografía e iluminación: Mario Pascullo. Asistencia de Dirección: Stella Curi

LA HISTORIA En el día en que puede inundarse la ciudad, los actores de provincia recorren la calle principal (como los personajes de Saer en “Glosa”) para ver por última vez los pobres teatros

de provincia, el antiguo edificio del Vespertino, la región de los bares, el Teatro Municipal y el profundo sur con su carnicería histórica ... y cada dos por tres se les aparece el personaje mítico del Tito para chicanearlos socarronamente a ellos, a sus críticos y a los gubernamentales porque acá lo que no se pudo prever es el país. Con humor, poesía y reflexión sobre nosotros mismos. EQUIPO TEATRO LLANURA Fue creado en la Ciudad de Santa Fe en el año 1973 con el estreno de Woyzeck

participado en los más importantes Festivales de Latinoamérica, España y Francia. Jorge Ricci, autor del presente montaje y actor es, además docente y director de teatro. Nació en Santa Fe en 1946. Entre su obra dramática se destacan piezas como “El Clásico Binomio”, “Actores de provincia”, “Vacaciones con mis tíos”, las que se han podido ver en ediciones pasadas del Festival de Manizales. Es, asi mismo, autor de una breve teoría sobre el teatro de provincias, que tituló “Teatro Salvaje” y algunos libros de relatos y de poemas.

de Georg Buchner. En 1979, el Llanura comienza la búsqueda de un lenguaje más propio y de adaptaciones de textos literarios como El Jorobadito de Roberto Arlt (1981) único espectáculo del interior del país que llega al Teatro Abierto de Buenos Aires en 1982. En el 1988 estrenan El Clásico Binomio de Bruza y Ricci; en 1991 Actores de Provincia de Ricci y en 1998 El Cruce de la Pampa de Bruza; en 2004 Como un puñal en las carnes, en 2010 La Chatita empantanada de Sandra Franzen y en 2013 La mirada en el agua, de Ricci. Con estos montajes emblemáticos han

Teatro de los Andes HAMLET, DE LOS ANDES

VERSIÓN LIBRE DE HAMLET DE WILLIAM SHAKESPEARE

Bolivia

FICHA ARTÍSTICA Creación y puesta en escena colectiva: TEATRO DE LOS ANDES ELENCO: Lucas Achirico, Gonzalo Callejas, Alice Guimaraes Ejecucion musical: Helder Rivera Texto: Diego Aramburo Dirección Colectiva: Diego Aramburo y Teatro de los Andes Asistente De Dirección Y Dramaturgia: Giulia D’Amico Ideación y realizacion escenográfica: Gonzalo Callejas Diseño de iluminacion: Gonzalo Callejas y Lucas Achirico Vestuario: Alice Guimaraes, Danuta Zarzyka Dirección Musical: Lucas Achirico Producción: Teatro de los Andes Coordinación general: Giampaolo Nalli

HAMLET, DE LOS ANDES La muerte del padre. Una de las pruebas de la vida a la cual cada uno de nosotros es llamado. Pero, ¿qué pasa cuando la muerte no basta para cerrar la relación, cuando uno es perseguido por fantasmas que insisten en no hacer las paces con los que quedan vivos? Nuestro Hamlet es un hombre de hoy que, como el personaje de Shakespeare, ha perdido la comprensión del “sí mismo”. Por su formación escolástica y academicista, Hamlet debería aceptar la muerte de su padre y pasar a lo siguiente, pero la visión del fantasma lo obliga a enfrentarse con otra concepción del universo. Siguendo la sombra del espíritu, Hamlet consigue atraversar la puerta del desconocido, empezando un viaje que pueda acercarle a sus ancestros y a sus raíces. Descubriendo

lectura metateatral, compartiendo con el público un espectáculo que encarna la paradoja del teatro mismo. DIRECTOR INVITADO Director y fundador de KIKINTEATRO, en Cochabamba, Bolivia. La crítica especializada, tanto boliviana como internacional, lo ha situado como uno de los artistas más importantes e influyentes de la cultura boliviana. Hasta el momento, Aramburo ha obtenido ocho veces el Premio Nacional de Teatro en Bolivia. En Argentina dirigió King Kong Palace (2009), de Marco Antonio de la Parra, y El preciso instante para no ser amado (2011), de su autoría. También ha dirigido y actuado en Estados Unidos, Brasil, Francia y Canadá, y sus textos han sido traducidos y montados en el mundo. Con Macbeth, de Ionesco (estrenada en el Teatro Nacional de Quebec en 2009), se convierte en el primer director boliviano, que, desarrollando su carrera en Bolivia, es contratado para

todo lo que la racionalidad llamaría sueño, fantasía, misterio, superstición o quizá locura, Hamlet espera poder encontrar una respuesta a sus dudas. Vivir, morir, tal vez soñar. Mientras su cerebro viaja en el más allá, el mundo real se agrieta a su rededor y lo que queda es un vacío que no se logra nombrar. Así la frustración y la pérdida de raíces desatarán en Hamlet una crisis existencial que lo sumergirá en el alcohol. ¿Quién es Hamlet? ¿Soy yo, o eres tu? ¿Es cada uno de nosotros, que nos preguntamos quiénes somos en realidad? ¿Es Hamlet el propio Teatro de los Andes? Ser o no ser, esa es la cuestión. Ser qué, quién, y cómo. Hamlet, de Los Andes presenta el texto shakespeariano como lo perciben los ojos de los actores que lo ponen en escena. Así las dudas de Hamlet llegan a romper los confines del personaje para cuestionar a los mismos actores en el escenario, abriendo la obra a una

realizar un montaje en un teatro oficial, compartiendo cartelera con grandes nombres como Robert Lepage y Wajdi Mouawad. A este trabajo le siguieron La librería, de Marie Joseé Bastien (2010), y Medea (2011). Aramburo participa regularmente en festivales internacionales, representando a su cultura. Su presencia en LA MOUSSON D’ÉTÉ de 2010, en Francia, con su texto Fragmentos líquidos, inaugura la participación de Bolivia en festivales internacionales de nuevas propuestas dramatúrgicas.

TEATRO DE LOS ANDES Grupo boliviano fundado en 1991, en el pueblo de Yotala, localidad cercana a Sucre. Actualmente el grupo lo integran Giampaolo Nalli, Lucas Achirico, Gonzalo Callejas y Alice Guimaraes. En un teatro-residencia

preparan sus obras, las presentan, alojan a otros artistas, realizan encuentros y talleres. Allí cada actor es creador de un teatro que ellos mismos llaman “del humor y de la memoria”. En cada obra tienden un puente entre la técnica teatral occidental y la cultura andina expresada en músicas, fiestas y rituales. Su relación con el público se da en los teatros y más allá, en plazas, universidades, barrios, pueblos, lugares de trabajo y comunidades. El Teatro de los Andes ha montado 21 obras diferentes, sumando casi mil 500 representaciones que han sido vistas por más de 300 mil personas en toda Bolivia y en 27 países alrededor del mundo. Ha sido uno de los animadores de la fiesta escénica de Manizales en distintas ediciones, con obras como “La Iliada”, “En un sol amarillo” y “Frágil”.

Compañía Maleza UN POCO INVISIBLE Chile Musica Original: Angela Acuña Producción: Francesca Ceccotti Maleza Prensa: Santi Teatro y Danza Duración: 50 minutos LA OBRA “Un poco invisible” trata de dos niños aparentemente solos en una casa grande. Un terrible suceso ha ocurrido recientemente y ellos guardan un secreto. Los adultos son terribles y no hay más consuelo que el que da la televisión, convertida en oráculo. Dos niños, dos hermanos, uno se está quedando invisible, el otro ya no siente miedo. Juntos, intentan encontrar una solución. La obra es un intento de tratar con respeto la imaginación de los niños y la forma en que perciben el mundo. La propuesta de “Un poco invisible”

FICHA ARTÍSTICA Dirección: Hugo Covarrubias – Muriel Miranda Dramaturgia: Andrés Kalawski Elenco: Mariana Muñoz - Muriel Miranda Director de animación y personajes: Hugo Covarrubias Doblajes en off: Héctor Noguera, Daniel Antivilo, Nicolás Zárate, Marcela Golzio. Diseño de sets y escenografía: Rodrigo Ruiz Construcción de sets: Rodrigo Ruiz, Sebastian Ríos, Fracisca Miranda, Muriel Miranda, Hugo Covarrubias, Conztanza Wette, Claudia González. Diseño de Marionetas: Sebastián Ríos Técnicos en Escena: Camila Miranda, Sebastián Ríos Realización Escenográfica: Francisco Sandoval Vestuario: Andrea Contreras Asistente de Vestuario: Josefa Claude Diseño de Iluminación: Cristián Matta Diseño Multimedia: Rodrigo Leal Diseño Sonoro y Musicalización: Pablo Otárola

consiste en realizar la creación y puesta en escena de la obra del Dramaturgo Chileno Andrés Kalwski, tomando como base la experimentación en torno al lenguaje teatral y cinematográfico, sus características propias y su interacción en la puesta en escena teatral. Este lenguaje para la Compañía Maleza se denomina: “Teatroanimación” (Teatro y Stop-Motion). Se pretende profundizar en un trabajo de investigación en torno al universo sonoro de una producción audiovisual y teatral, tomando como hecho fundamental el doblaje en vivo de lo cinematográfico, enriqueciendo con nuevas herramientas el trabajo actoral y de puesta en escena. Trabajo ya iniciado por la compañía con su obra homónima “Maleza”.

MALEZA La compañía Maleza, dirigida por Muriel Miranda (Actriz) y Hugo Covarrubias (Diseñador) tiene como principal objetivo la búsqueda de nuevas herramientas visuales y autorales para enriquecer la puesta en escena teatral. Por esta razón la compañía experimenta en torno al hallazgo de un lenguaje propio al que denominan Teatroanimación. Este nuevo lenguaje une el Teatro con la animación StopMotion (animación de fotografía cuadro a cuadro), entonces para relatar una historia actor y muñeco interactúan y dialogan en la puesta en escena. Maleza investiga e indaga sobre las posibilidades sonoras que requieren sus montajes y trabaja sobre el concepto de doblaje y realización de foleys a modo de radioteatro en algunos

de sus trabajos, imprimiendo un sello artesanal y mecánico a la vez. En terminos sonoros a Maleza le interesa generar ambientes y atmósferas de misterio y suspenso y contar historias simples y asequibles para todo tipo de público. Las temáticas abordadas son por lo general el aislamiento, la locura y la soledad, todo esto trabajando con matices de fantasía e irrealidad, ya que la compañía pretende viajar dentro de las mentes de sus protagonistas y en este viaje es donde encuentra su mayor fundamento la mezcla de lenguajes y técnicas de expresión cinematográfica que les ayuda a crear mundos ricos en texturas e imaginación. La Compañía Maleza se forma el año 2004 al obtener el premio Azul de la Universidad de Chile, premio entregado a la creatividad estudiantil que sirvió para comenzar a desarrollar la obra del mismo nombre, la cuál fue estrenada en mayo de 2006 y sigue vigente hasta ahora. Maleza es pionera en Chile en Mezclar Teatro y cine de animación. Maleza no es sólo una compañía de Teatro aunque si bien es cierto se crea con este propósito el año 2004. Maleza también es un Studio de animación Stop-Motion dirigido por Hugo Covarrubias y producido por Muriel Miranda. El año 2007 estrenan el primer cortometraje basado en el cuento de Horacio Quiroga “El Almohadón de Plumas” y en 2012 estrenan en Chile el primer corto animado en Stop-Motion y rodado nativamente en 3d estereocópico, este basado en el cuento de Julio Cortázar: “La Noche Boca Arriba”.

Insectotrópics LA CAPUTXETA GALÁCTICA España LA HISTORIA ¿Y si Caperucita decidiera no hacer caso a su madre, se dejara llevar por su intuición y adentrara en el bosque profundo de sus miedos? ¿Qué puede pasar cuando reaccionamos ante lo que está establecido? Ha acompañado nunca alguien en un viaje iniciático ...? “Caperucita Galáctica” es un espectáculo escénico de arte multimedia que versiona el conocido cuento de Caperucita, ofreciendo

una visión singular del popular mito. Una propuesta multidisciplinar que explota la simultaneidad de diferentes expresiones artísticas y que ofrece una nueva dimensión plástica y escenográfica que sumerge al público dentro de la obra. El espectáculo reúne a tres videoartistas, dos pintores, un músico y una actriz que ruedan una película en directo de tal manera que el público puede disfrutar simultáneamente de la contemplación de la película, proyectada en gran pantalla, y de su making of. Diálogos entre los mundos visuales, performativos, sonoros, artísticos, digitales y teatrales. INSECTOTRÒPICS Es una compañía artística que nace en 2011 a raíz de la unión de artistas

FICHA ARTÍSTICA Creación y Dirección, Insectotrópics Xanu, pintura Iex, pintura Tullis Rennie, música Laia Ribas, video Vicenç Viaplana, video Maria Thorson, video Mar Nicolás, actriz

con trayectorias diferentes ámbitos y lenguajes con ganas de experimentar la fusión e interacción de sus diferentes disciplinas para la creación de nuevos espectáculos multidisciplinares. El trabajo de Insectotròpics es una apuesta de largo recorrido. Se centra en desarrollar una nueva forma de relación con el mundo de las artes y en la investigación de un lenguaje propio y poco habitual. Insectotròpics está formado por los pintores Xanu y Iex , el músico Tullis Rennie y los video - experimentadores VVV , Laia Ribas y Maria Thorson . Sus espectáculos combinan en directo el vídeo, la pintura , el teatro y la música. En septiembre 2012, presentaron su primer espectáculo, Caperucita

Galáctica, en Feria de Tàrrega con gran éxito y con el que han actuado en festivales en Madrid, Suiza, Corea, Dinamarca, Suecia y Alemania. Por encargo del Ayuntamiento de Barcelona, hacen la adaptación infantil del espectáculo, presentado en el fesival Món Llibre (abril 2012). Abriendo así sus puertas también a lacreación para niños. El segundo espectáculo, Bouazizi, co-producido por Fira de Tàrrega y TNT - CAET Terrassa , se estrenó en septiembre de 2013 en Fira Tàrrega . En diciembre de 2013 , en colaboración con el dramaturgo Esteve Soler, el coreógrafo Pere Faura y el escenógrafo Jordi Queralt prepararon la gala de la Noche de Santa Lucía presentada en el Kursaal de Manresa.

Compañía Macarena Recuerda Shepherd “THAS´S THE STORY OF MY LIFE” España

LA OBRA “Esta es la historia de mi vida” presenta una autobiografía audiovisual narrada con la técnica stop-motion de animación de objetos. Una película construida en directo como flashes de la memoria, como archivos abiertos al pasado, por donde desfilan los aciertos y desatinos de una vida que el espectador deberá hilar y ordenar para reconstruirla. Un álbum de familia pero sin familia, según palabras de la artista sevillana, elaborado con distintos soportes visuales.

FICHA ARTÍSTICA Una pieza de Macarena Recuerda Shepherd dedicada al Sr Polissó Con la colaboración del artista Manu Morales Video y edición Gorka Bilbao Zoótropo Alberto Pastore Con la participación de Lorea Uresberueta y Mónica del Castillo Agradecimientos Gerard Casas, Mari Luz Vidal, Amanda Díaz-Ubierna, Cesc Casanovas, Kun, Natalia and Angel Producen MiCarteraPatrocina y ConCa Generalitat de Catalunya Colaboran Bilbao Escena, Bilbao Arte, L’Antic Teatre y Teatre Lliure

MACARENA RECUERDA SHEPHERD Es una artista plástica y bailarina professional sevillana. Integrante del proyecto artístico La Sauna International. Ha realizado diferentes proyectos en colaboración con los artistas Amanda Pola y Vicente Arlandis. Desde el 2008 es fundadora e integrante del Colectivo Estraperlo plataforma de nuevos creadores difícilmente etiquetables. Estas son sus piezas: 2010 “That’s the story of my life” un Producción de MiCarteraPatrocina, con la Ayuda del ConCa y la colaboración del Bilbao Arte, Teatre Lliure y Antic Teatre,

pieza que ha girado por todo el Estado Español y Portugal. 2012 “Greenwich Art Show” Una producción de MiCarteraPatrocina, Festival Neo, CAET y Antic Teatre. Y 2012 “Greenwich Art Show- The Installation” Beca Atrio Alhondiga del Bilbao. 2013 “Whose are those eyes?” Sit specif e intervención urbana que se estrenó en la Fira de Tarrega 2013, Escena Poble Nou 2013 y Bad 2013. Ha recibido la Beca Laboratorio Fira de Tarrega, la Residencia que ofrece conjuntamente Escena Poble Nou y Antic Teatre; y la Residencia de Bilbao Eszena.

Repertorio Español CITA A CIEGAS Estados Unidos

“Cita a ciegas” - recientemente galardonada por 8 premios ACE de La Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York LA OBRA En una banca cualquiera se cruzan múltiples caminos. Caminos unidos por el tiempo o rotos por el azar o el desamor. La idea de las realidades paralelas abre otras formas de contar las historias de cuatro personajes cuyo

punto de cruce es un parque recreado por el autor argentino Mario Diament. Inspirado en Jorge Luis Borges, Diament coloca a un personaje ciego en una banca para conversar con los que furtivamente aparecen. Las historias le son ajenas al hombre ciego, pero se van entrelazando sutilmente, casi de manera invisible hasta llegarlo a involucrar por completo. Al igual que una biblioteca llena de libros, la banca contiene las historias de cuatro personajes con sus ramificaciones para desarrollar la hipótesis de un universo interrelacionado, de una realidad tangible conviviendo con realidades posibles o imaginadas; aquellas que sucedieron antes de la toma de una decisión y aquellas que no fueron escritas. Aclamada en todo el mundo por el público y la crítica, “Cita a ciegas”

FICHA ARTÍSTICA Autor: Mario Diament Director: Jorge Alía Triana Actores: Luis Carlos de La Lombana, Zulema Hernández Clares, Beatriz Córdoba, Hannia Martínez, Garmán Jaramillo. Gerente de Producción: Fernando Enrique Then

es una irresistible y cautivante obra acerca de los encuentros casuales. Un rompecabezas de pasiones, destinos encontrados y coincidencias, que seduce al público dentro de un mundo lleno de amores no correspondidos, peligrosas obsesiones y el pensamiento inevitable de aquello que podría haber sido.

DE REPERTORIO Repertorio Español es producto de la visión del fallecido productor Gilberto Zaldívar y del Director Artístico René Buch quienes fundaron la compañía en 1968 con el objetivo de presentar teatro de excelencia en español. A ellos se les unió Robert Federico en 1971 quien actualmente se desempeña como Productor Ejecutivo. Recientemente José Zayas fue designado como Director Residente de la compañía. En el teatro Gramercy Arts Theater, donde tiene sede la compañía desde 1972, Repertorio ha producido una

incomparable cantidad de obras de teatro en español para promover y divulgar la riqueza de la cultura y la herencia hispana en los Estados Unidos. Repertorio ha presentado desde los clásicos de Lope de Vega y Calderón de la Barca, casi todas las obras de Federico García Lorca, obras de dramaturgos latinoamericanos, adaptaciones teatrales de novelas latinas famosas como “Crónica de una muerte anunciada”, “El amor en los tiempos del Cólera” y “Doña Flor y sus dos maridos”, como así también obras de autores hispanos nacidos en los Estados Unidos. La compañía presenta más de 300 funciones por año de 15 obras diferentes en repertorio rotativo, además de obras invitadas. Repertorio ha sido galardonada con innumerables premios entre ellos: el Premio OBIE, Drama Desk, ACE, HOLA y ENCORE.

Gabriel García Márquez en varios proyectos cinematográficos y teatrales, entre estos “Tiempo de morir” y “Edipo Alcalde” ambos escritos por García Márquez para la pantalla. “Edipo alcalde” fue seleccionada para ser presentada en el Festival de Cannes en 1996. Algunos de los reconocimientos que tiene a su haber son tres Premios ACE como mejor Director; un Premio Tucán a mejor película por “Tiempo de morir”; el Premio del Público en Toulouse, Francia y el premio Ombú de Oro y Ombú de Plata en el Festival Mar del Plata ambos por su filme “¡Bolívar Soy Yo!” Su última película “Esto huele mal” se estrenó en el 2007. Triana dirige en Repertorio y actualmente preside su propia compañía de producción “Dramax”, donde realiza la serie para tv “Comando Élite” para la cadena RCN

JORGE ALÍA TRIANA Jorge Alí Triana nació en Colombia y es considerado uno de los más distinguidos directores de cine y teatro de Latinoamérica. Estudió cine y teatro en la Academia Superior de Artes en Praga. Es fundador del Teatro Popular de Bogotá. Sus películas han sido presentadas en los más importantes festivales de cine del mundo tales como Cannes, Sundance, Berlín, Londres y Mar del Plata. Sus créditos teatrales incluyen “La cándida Eréndira”, “Y se armó la mojiganga”, “Crónica de una muerte anunciada”, “La fiesta del chivo”, “El Quijote” y “Doña Flor y sus dos maridos” para Repertorio Español. Otros trabajos incluyen “Romeo y Julieta” y “Ricardo III” de William Shakespeare; “Fuenteovejuna” de Lope de Vega y “La muerte de un viajante” de Arthur Miller. Triana colaboró con

Zanzibar, CirqueFarouche BLAST Francia Mise en scène : Jef Odet Gestos mudos, gestos vaho que sobre nuestros labios no han encontrado aún su lugar.

LA TRAMA PIERDE EL CONTROL Blast es una deflagración de Circo y de Música donde las acrobacias resuenan como palabras que quieren por fin decir algo.

La anarquía de la poesía y de los sueños que, a veces, queda pegada a las paredes del corazón luego de una representación o al inicio de una historia de amor.

LA OBRA Basado en un sueño original y con una puesta en escena de JefOdet, BLAST es un concierto de “Circo Farouche” que reúne en escena 18 artistas indomables y virtuosos venidos del mundo entero. Llueven plumas debido a un Bolero Aéreo. El hombrecito que busca salvar su “pouleteffarouché” (pollo arisco) termina sobre la cabeza de la gran mujer gorda.

BLAST domestica el vértigo y el miedo con ternura e intenta provocar esos instantes de gracia y de emoción que colman el alma de una alegría que no puede ser sin consecuencia. Su desarrollo perfectamente dominado, describe escena tras escena una cierta idea de anarquía.

un solo pueblo, de todas las creencias tenemos una sola fe. El espectáculo total, indomable y virtuoso donde solo el Circo hace de patria. Nuestros espectáculos, rimados y minuciosamente coordinados, tienen como objetivo romper la lógica, la psicología y ciertos dogmas formales con el fin de inscribirse en el camino del arte escénico de nuestro tiempo. Con la tropa, a través del gesto acrobático y una partitura musical viva, queremos permitirle al Circo expresar las pulsiones profundas de un mundo en plena mutación. Ahí está nuestro arte, nuestro compromiso social y político en el seno de la sociedad cultural de la cual seremos siempre los actores insolentes pero leales.

ZANZIBAR Cubierto por carpa alguna, Zanzibar es una compañía de circo internacional y autónomo donde el espectáculo objeto de la jornada de esfuerzos, ocurrirá a la hora convenida. Una compañía que exalta el trabajo bien hecho y riguroso, la responsabilidad y la audacia, la belleza y la maleabilidad de los cuerpos entrenados. Zanzibar quiere alimentarse directamente de la materia, sin quitar ni poner, desplazándola al corazón mismo del gesto de circo, de la magia que pone en escena, de la sensualidad que despide, del miedo y de los vértigos que él provoca para crear una relación estrecha, sincera y única entre la escena y el espectador. El Circo como un arte del instante. De todos los países, no formamos sino

PAÍS INVITADO MÉXICO

Teatro Línea de Sombra BAÑOS ROMA México LA HISTORIA Baños Roma”, ofrece una mirada actual del ex campeón mundial de boxeo de origen cubano José “Mantequilla” Nápoles y del rescate de su gimnasio como espacio deportivo y cultural en Ciudad Juárez, que vuelve a recuperar su vida colectiva. En “Baños Roma” Teatro Línea de Sombra no cuenta una historia al modo convencional; con un lenguaje experimental propone al espectador un recorrido por las divagaciones alrededor del tema del boxeo, que se convierte en un retrato del ex monarca de peso wélter (medio) de 72 años que vive hace 20 años en Ciudad Juarez, y de paso se constituye en un testimonio de la vida de los jovenes en un gimnasio, con todo lo que eso implica en una de las ciudades más asoladas y violentadas, donde han sido

FICHA ARTÍSTICA Creación: Teatro Línea de Sombra, Zuadd Atala, Viany Salinas, Jorge León, Alicia Laguna, Malcom Vargas Textos: Gabriel Contreras, Eduardo Bernal, Jorge Vargas, Extracto de Prometeo de Rodrigo García, TLS. Cantante: Jesús Cuevas Diseño de dispositivo de espacio de iluminación: Jesús Hernández Diseño sonoro y música original: Jorge Verdín Imágen y video: Marina España, Malcom Vargas Asistente de dirección: Fabiola Mata Diseño Gráfico: Malcom Vargas Producción Ejecutiva: Alicia Laguna Coordinación Administrativa: Patricia Díaz Concepción: Eduardo Bernal, Jorge A. Vargas Dirección de Escena: Jorge A. Vargas

asesinadas más de 11.130 personas en los últimos cinco años en la llamada lucha contra el narcotráfico. LA OBRA Un relato aleatorio y transversal de un ex boxeador, de un hombre viejo y de su entorno. Al final todas estas piezas configuran una sombra donde se adivina un rostro y una figura se desvela hasta el alba fumando habanos en una calle solitaria de Ciudad Juárez. Si desplegáramos sobre una mesa de trabajo los materiales de esta experiencia, tendríamos como resultado una vasta acumulación de objetos encontrados, de encabezados de prensa, de relatos reales y apócrifos, de relatos inconclusos de imágenes que se han fijado en la memoria, de hallazgos luminosos y otros impenetrables, montones de imágenes capturadas en el apremio del instante; y todo esto apenas alcanza para dibujar los contornos de la sombra de un hombre, de un lugar y de una ciudad. No esperemos que las cosas sucedan en el espectáculo como se esperaría de un documental o un retrato de esas realidades, sino la incertidumbre con la que se intenta expresar aquello que hace que un recuerdo se albergue en la memoria. Jorge A. Vargas

EL PROYECTO Baños Roma se ubica sobre tres

líneas de interés: a) Un lugar histórico ubicado en Ciudad Juárez, b) Un sitio geográfico localizado en los Baños Roma, c) Un espacio temporal encarnado en la figura de José Ángel Mantequilla Nápoles. A su vez el proyecto se dirige hacia tres puntos de trabajo: I. Una pieza escénica en en continuo desarrollo, II. La diversificación de un antiguo gimnasio como espacio de comunidad, III. La instrumentación de un programa permanente multidisciplinario de producción artística. La traza que la experiencia de Ciudad Jaurez ha producido entre los integrantes de la compañía, las vivencias subjetivas de grupo de amigos, la sensación de un espacio olvidado , el desierto, la nieve, los relatos y el pan de la esquina de un parque son entre muchos otros, los insumos con los que se llevan a cabo una serie de cuadros escénicos. Sin embargo el montaje de la pieza Baños Roma no es una ilustración de aquello, es apenas la presentación de un mapa conjetural que muy claramente inició por una influencia de un relato de Cortázar pero que paradójicamente no contempla un destino claro y preciso. Esta pieza no pretende reproducir los fragmentos rotos producidos por el caos ni reestablecer el orden cronológico de los acontecimientos tal como sucedieron, es ante todo un alud ordenado de subjetividades.

A Poc A Poc MACBETH, CIUDAD INSOMNIO México LA HISTORIA Esta creación parte de una paráfrasis de la obra de William Shakespeare. Este Macbeth actual es lanzado a la fama gracias a una felación que comienza a circular por redes sociales. El argumento presenta a una estrella de rock y a Duncan, un líder de opinión, quienes se enfrentan en un

conflicto mediático en medio de un concierto. Como en toda la obra de Shakespeare, aquí se habla del miedo, de la voracidad, del poder, pero con un lenguaje y un código actual: el tamiz de la virtualidad de las redes sociales. La historia clásica sí, pero con el distintivo de la época actual: los medios virtuales y la manera como estos están reinventando nuestras relaciones. La idea nace por parte de Jaime Camarena gracias a su encuentro con un ensayo sobre lo virtual, el cual generó y sembró en él una inquietud sobre fenómenos como Madonna o Lance Armstrong (quien durante ese tiempo se encontraba en una lucha con el cancer) y con la sociedad misma. Todo esto lleva a los creadores a un análisis de la presión ejercida de la sociedad sobre un ícono de la misma.

FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia: José Alberto Gallardo Coreografía: Jaime Camarena Dirección y supervisión musical: Roberto Cabezas Composición musical: Discantus Trio y Roberto Cabezas Discantus Trio es: Edmar Soria: Guitarra eléctrica. Erik Martinez (erk bass): Bajo eléctrico. Adrián Méndez: Bateria

A POC A POC La compañía vio la luz en 1994 bajo el signo de la globalización. Concebida en Barcelona, nutrida de experiencias internacionales, y gestada durante una era en la que el módem comenzaría a acercar al mundo cada vez más. A poc A Poc se caracteriza por realizar un trabajo multidisciplinario experimental continuo que busca vías alternas narrativas para generar historias No pasó mucho tiempo para que A Poc A Poc se adentrara en el fenómeno de la globalización tomando un rol activo, convirtiéndose en una compañía mexicana invitada a varios de los festivales de mayor reconocimiento en México y el mundo. A Poc A Poc, ha participado en la realización de múltiples producciones, presentándose en distintos foros destinados a la muestra y proyección de jóvenes creadores: En 1994 y 1995 es finalista en el Premio Nacional de Danza Ricard Moragas, en España; en 1996 estrena el espectáculo Pasiri a Kuri y en 1997 estrena el espectáculo multidisciplinario Toro a 100; en 1999, obtiene el primer lugar de la XX edición del Premio INBA UAM; en 2000 recibe el Premio Iberoamericano de Coreografía de La Habana, Cuba y en el 2002 la compañía vuelve a ser

premiada en la XXIII edición del Premio INBA UAM. A la fecha, A Poc A Poc es una de las compañías con mayor presencia dentro del panorama dancístico de nuestro país, presentándose en festivales internacionales y en los foros de mayor proyección en México tales como el Palacio de Bellas Artes, la sala Miguel Covarrubias, el Teatro Degollado, Teatro de la Paz, el Teatro de la Ciudad de Monterrey y el Centro Nacional de las Artes. Como resultado de este trabajo se ha logrado la conformación de un cuerpo de bailarines de alto desempeño, así como la creación del repertorio sobre el que se ha constituido el prestigio que sitúa a A Poc A Poc dentro de los grupos más representativos de la danza contemporánea mexicana. JAIME CAMARENA Director artístico de la compañía y coreógrafo, Jaime Camarena inicia sus estudios dancísticos en la Escuela Nacional de Danza del INBA, de donde egresa en 1984 para formar parte del cuerpo artístico de la Compañía Nacional de Danza por 6 años. En 1990, viaja a Barcelona para incorporarse como alumno regular del Institut del Teatre de Barcelona, en donde aprende la metodología de José Limón.

Los Guggemheim EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS México Reparto: Personaje / Nombre María 1 / Sonia Franco María 2 / Ana Zavala María 3 / Sofía Sylwin Lola/ Sara Pinet Ramón / Hamlet Ramírez Rómulo / Pablo Marín Sacerdote, Tendero, Papá, Chofer/ Miguel Romero Creativos y realizadores: Iluminación / Matías Gorlero Escenografía / Ricardo Ricaño Vestuario / Mario Marín

Producción Ejecutiva / Raúl Morquecho Asistente de Dirección / Isaías Martínez Diseño de Imagen / Paco Argumosa LA HISTORIA El amor de las luciérnagas es una comedia inscrita en el realismo mágico. Una joven escritora, María, viaja a Noruega luego de una decepción amorosa. Allí compra una máquina de escribir en un mercado de pulgas. Al llegar a la cabaña donde se aloja, escribe sobre un encuentro ficticio que tiene con otra doble suya, a la cual le pide que se haga cargo de su vida. A la mañana siguiente, en el vagón de un funicular que sube a la cima del monte del lugar en donde está, se encuentra con un duplicado de sí misma, descubriendo que lo que escribe en esa máquina de escribir se vuelve

FICHA ARTÍSTICA Autor: Alejandro Ricaño Director: Alejandro Ricaño Grupo: Los Guggenheim Estado: Distrito Federal

realidad. El encuentro le provoca un desmayo. Al despertar, asustada, huye de regreso a México, pero al llegar al aeropuerto descubre que su otra yo ha vuelto antes que ella y ha empezado a adueñarse de su vida. María tendrá que empezar entonces una travesía en busca, literalmente, de sí misma. Sobre la obra Esta novela escénica de la emergente compañía Los Guggenheim, es a su vez una novela de viaje que, sin saber cómo, comienza en Tijuana, pasa por Noruega, Xalapa, Tlacotalpan, y termina en el Lago de Atitlán en Guatemala. El colectivo mexicano propone un viaje de la memoria del personaje a los reversos de su piel; desde su infancia, su iniciación sexual, la muerte de su padre, la pérdida del amor, hasta ese extraño encuentro con un duplicado de sí misma que se apropia de su vida. La construcción de los espacios y los saltos temporales recaen en la narración. Es una puesta en escena que se construye a partir del actor y la palabra; la evocación.

Los actores, con tres maletas –el elemento obvio que simboliza el viaje constante- se desplazan por un piso de madera –otro elemento constante en la historia (uno de los protagonista es un laudero de jaranas)- bajo 200 focos, que penden apenas por encima de ellos, prendiéndose y apagándose gradualmente a lo largo de toda la obra, y que representan el tercer elemento constante: las luciérnagas, y la sensación de caminar en este mundo como quien va a tientas en la oscuridad esperando una luz intermitente. “El amor de las luciérnagas” es una tragicomedia teatral escrita en el realismo mágico. Situada en la década de los noventa e inicios del 2000, la obra también habla del tiempo de la niñez y la adolescencia del autor, Alejandro Ricaño. “La época de la aparición de los teléfonos celulares, Internet (…), el choque cultural entre el norte y el sur del país. Quería hablar, en general, de cómo viví mi país”, confiesa el dramaturgo y director, quien obtuvo el Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia (2011) por esta obra.

Compañía Nacional de Teatro CONFERENCIA BAJO LA LLUVIA México

Dirección Técnica Kay Pérez Coordinación de Gira Francis Palomares Producción pendiente Asistente de Dirección Ángeles Hernández Operación Técnica Gustavo López Jiménez LA HISTORIA Un bibliotecario va a dar una conferencia sobre la relación entre la lluvia y la poesía amorosa, pero pierde sus papeles y acaba haciendo una loca confesión personal. Sobre la obra Siempre me ha intrigado la posibilidad de que alguien transforme una

FICHA ARTÍSTICA Autor Juan Villoro Dirección Sandra Félix Diseño de escenografía e iluminación Philippe Amand Música original Daniel Aspuru Producción ejecutiva Philippe Amand Quinto ciclo Teatro Mexicano Elenco Bibliotecario Arturo Bersitain Compañía Nacional de Teatro Director Artístico Luis de Tavira Operación en gira Coordinación Técnica y de Producción Mireille Bartilotti Coordinación de Promoción y Giras Cecilia Merelo

conferencia en una confesión. ¿Hasta dónde controlamos lo que decimos? Al modo de un actor, el conferencista puede olvidar sus parlamentos o sucumbir a la tentación de revelar algo incómodo o devastador. Conferencia bajo la lluvia surge de ese predicamento. Los devaneos del protagonista se inscriben en la larga tradición literaria de la digresión, es decir, en el distraído arte de decir una cosa para hablar de otra. En el siglo XVIII, Lawrence Sterne escribió la obra maestra del género: Tristram Shandy, monumental novela cuyo tema es el cambio de tema. Antón Chéjov se sirvió del recurso en un breve ejercicio para actores, Sobre el daño que causa el tabaco, y el actor y dramaturgo norteamericano Spalding Grey lo usó en sus originales monólogos-conferencia. Esos y otros antecedentes me animaron a combinar los devaneos mentales y los predicamentos amorosos del protagonista con una disertación sobre un asunto cardinal de

la literatura: el vínculo entre la lluvia y la poesía. Me interesaba que la confesión íntima sirviera de insólito respaldo a la exposición literaria. No es fácil encontrar a un actor que haya pasado su vida entre los libros. El excepcional Diego Jáuregui fue bibliotecario y entiende las obras impresas como personajes. La suerte de contra con él se vio reforzada por la directora Sandra Félix, que comenzó a hacer teatro en la Biblioteca de México hace un cuarto de siglo y sabe, como Borges, que los volúmenes numerosos son un resumen del universo. Un bibliotecario entra a escena. Ha ordenado libros y los libros han desordenado su vida. ¿Hasta dónde depende de sí mismo y hasta dónde de lo que ha leído? El intermediario entre los libros y los lectores se busca a sí mismo en una conferencia. Hablará de la lluvia, o más bien, de lo que pasa cuando llueve. Juan Villoro

LA COMPAÑÍA A partir de 2008, año de su reestructuración bajo la dirección artística de Luis de Tavira, cuenta con un elenco estable integrado por 49 actores y actrices. Dedicada a la creación de un repertorio, la Compañía Nacional de Teatro ha estrenado 43 montajes que pertenecen a cuatro rubros –Patrimonio Universal del Teatro, Nuevas Teatralidadas, Teatro Mexicano y Laboratorio Actoral– que articulan un discurso creador de su identidad y traen a nuestros escenarios obras que se inscriben en la diversidad, el equilibrio y la excelencia.

LA DIRECTORA Sandra Félix estudia la carrera de actuación en The Arts Educational Schools en Londres, Inglaterra, y dirección escénica en el Núcleo de Estudios Teatrales de la Ciudad de México. Ha dirigido más de treinta puestas en escena. Recibió el premio a la mejor dirección por parte de la Asociación Mexicana de Críticos Teatrales (AMCT) en dos ocasiones, la primera por Polvo de mariposas basada en la novela Las olas de Virginia Wolf, y la segunda por Feliz nuevo siglo, Doktor Freud de Sabina Berman, así como el premio al mejor teatro de grupo por Este Paisaje de Elenas de Elena Garro. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes desde el 2001. Dentro de la Compañía Nacional de Teatro ha dirigido El caso Romeo y Julieta de Bertha Iriart, Sandra Félix y Ángeles Hernández, estrenada en el 2011, y Conferencia sobre la lluvia de Juan Villoro estrenada en el 2013.

Teatro Gayumba EL QUIJOTE NO EXISTE República Dominicana

apasionante reflexión-denuncia acerca del arte y los artistas en una sociedad dominada por el mercantilismo. Escrita por el reconocido Jorge Díaz, uno de los más importantes dramaturgos hispanoamericanos.

LA OBRA Después del encierro, la guerra y la miseria, y en un espacio repleto de recuerdos e imágenes, Miguel de Cervantes lucha por lograr que su obra El Quijote se imprima y se respete. Una

TEATRO GAYUMBA Es un dúo teatral de Santo Domingo, República Dominicana, que fue creado como grupo en 1976 y se ha convertido al correr de los años en uno de los referentes fundamentales

FICHA ARTÍSTICA Autor: Jorge Díaz Intérprete: Manuel Chapuseaux Asistente de dirección: Nives Santana Asistente técnico: Carlos Chapuseaux Dirección: Manuel Chapuseaux

MANUEL CHAPUSEAUX. Director, actor y animador teatral con más de 35 años de experiencia profesional. Es miembro fundador del Teatro Gayumba, grupo que dirige desde 1978, uno de los más destacados del teatro dominicano actual. Ha dirigido y actuado en decenas de obras clásicas, contemporáneas, latinoamericanas y dominicanas y de creación colectiva. Autor del libro Manual del Teatrero, galardonado con el Premio Nacional de Didáctica en 1987.

del teatro dominicano. Integrado por la actriz Nives Santana y el actor y director Manuel Chapuseaux, desarrolla desde su origen una intensa y múltiple labor. Durante su trayectoria ha llevado a escena decenas de obras de las más diversas épocas y géneros, siempre dentro de un estilo de teatro popular. Gayumba ha representado exitosamente a su país en numerosos festivales de América y Europa, lo que, junto a sus giras al exterior, lo ha convertido en el grupo teatral dominicano más internacional de las últimas décadas.

Complot Teatro ALGO DE RICARDO Uruguay FICHA ARTÍSTICA Ricardo III de Wiliam Shakespeare Dramaturgia y versión de Gabriel Calderón Dramaturgia visual: Miguel Grompone Diseño: Gerardo Egea Actor: Gustavo Saffores Directora: Mariana Percovich Productor: Adrián Minutti

LA OBRA El proyecto nace de la premisa de la directora de investigar la incidencia del género en la creación. Qué dispositivos de poder, deseo e implicaciones tiene la mirada masculina y la apropiación del cuerpo masculino de la actuación. A partir de esa premisa Calderón comienza a trabajar en un material

dramatúrgico que se apropia del Ricardo III de Shakespeare y de otros materiales del dramaturgo inglés, así como de los mecanismos de representación del teatro isabelino, proponiendo una base textual para el trabajo en el ensayo en la que el actor (Gustavo Saffores) entra y sale del cuerpo masculino y del cuerpo femenino como ocurría en el teatro isabelino. La idea de contar con un creador audiovisual (Miguel Grompone) apunta a generar un espectáculo para teatro italiano o espacio teatral en el que el actor pueda manejar solo todos los elementos espectaculares: imágenes, audio, elementos de vestuario u objetos. Un cuerpo territorio y un

e imágenes y sus intensidades y podrá tomar decisiones durante cada función: el cuerpo del espectador y la espectadora podrá modificar el ritmo o intensidad del unipersonal. Pensado para colocar a los espectadores dentro del escenario en el caso de grandes salas, o colocarlo en perímetro en salas más pequeñas, la autonomía y poder del cuerpo de la actuación dialogará con la presencia física y material de los/las que miran. Este trabajo se completa con otro unipersonal: cuerpo femenino, con dramaturgia de Mariana Percovich y un equipo completamente femenino, que a partir de una historia protagonizada por una mujer, se hace preguntas sobre las energías y las decisiones de lo femenino en la creación. La directora viene desarrollando experiencias en la mirada de género sobre la creación y el hecho teatral: en Pentesilea, su versión de la tragedia de Von Kleist, divide a los espectadores en “bandos” o ejércitos. En Clitemenstra, desarrolla dos monólogos simultáneos y separados de Agamenón con los espectadores y Clitemnestra con las mujeres. En la dramaturgia de Percovich el darle voz a las mujeres ha sido una constante a través de sus textos sobre personajes trágicos femeninos.

juego con el lenguaje de la escena. Generación de materiales audiovisuales como una capa textual más. En el caso del Ricardo III: el cuerpo del poder, del mal y lo deforme, el proyecto dialoga con lo escrito por Pascal sobre la construcción del cuerpo del poder: “Hágase la prueba: déjese a un rey en completa soledad, sin ninguna satisfacción de los sentidos, sin ninguna preocupación en el espíritu, sin compañía, pensar en sí mismo a discreción y se verá que un rey sin diversión es un hombre lleno de miserias” El cuerpo del actor, que se apropia de los personajes a representar, el cuerpo del dramaturgo que se traduce en texto y se apropia de un texto clásico. Los elementos de la escena: audio, luces, imágenes, vestuario y objetos, manipulados por un solo actor en la escena. “Fisión del cuerpo de poder en público y privado escisión de del sujeto de representación en un rostro descubierto y en un rostro escondido, en una máscara exterior y en un rostro interior” (Louis Marin. El Cuerpo del Poder). Desde una computadora el actor controlará los elementos espectaculares, manejando luz, sonido

NOTA DEL ESCRITOR Concepto para la escritura dramática ¿Cuáles son los conflictos y nodos dramáticos que hacen de Ricardo III una obra tan importante? Sin duda su protagonista, hombre, deforme y malvado, representante de como la inteligencia puede revolverse en la lógica de los buenos hombres y mujeres aunque ella venga acompañada de malas intenciones. Ricardo III nos confirma que, si bien destruir siempre será mas fácil que construir, esta facilidad bienes acompañada de ambición y perdida continua. Pero ¿Cómo atraviesan estos parámetros dramáticos al actor hombre? El actor hombre mira al personaje hombre deforme y lo construye, atraviesa su mirada del poder por

el genero que comparten y cabe la pregunta ¿Como salen parados los personajes mujeres y hombres en esta pieza? Esto se pregunta el actor-hombre que atraviesa al personaje- hombre y llega hasta el autor-hombre. ¿Qué característica de estos tres roles puede definir o influir en el camino de maldad trazado por Ricardo III? Para ello el actor debe sufrir una metamorfosis de genero, experimentar los roles femeninos, intentar adivinar que harían otros personajes en su posición y que harían personajes de otras obras del autor en la posición de Ricardo III. ¿Es Ricardo III la peor opción, malvada y desnaturalizada, o es tal vez, en esa posición, ese momento y en esas circunstancias, el mejor personaje posible?

Teatro El Galpón de Montevideo LA FIESTA Uruguay

LA OBRA El Teatro El Galpón revisita a su manera los tiempos de la dictadura militar que asoló a Uruguay, la que padeció y le obligó al exilio. Y lo hace cuando se cumplen 40 años del golpe de estado y apela para ello a una fiesta, una fiesta ambigua, en la que todos están invitados, pero nadie se puede retirar. “En principio el tema me pareció complejo, pero al reflexionar sobre mis principales motivaciones para la creación teatral (los misterios del comportamiento humano) y remontarme a aquellos tiempos, visualicé historias fragmentadas, situaciones sin dogmas ni recetas,

FICHA ARTÍSTICA Dirección: Fernando Toja. Anfitriones: Arturo Fleitas, Solange Tenreiro, Marcos Flack, Marina Rodríguez Velázquez  Marcos Zarzaj, Nadina González Miranda, Claudio Lachowicz. Escenografía: Verónica Carriquiry. Vestuario: Claudia Coppetti. Iluminación: Eduardo Guerrero  Música original y Ambientación sonora: Fernando Ulivi. Prensa y difusión: Gabriela Judeikin.  Producción Ejecutiva: Angeles Vázquez. Producción: Teatro El Galpón.

dolores y alegrías. La gente se enamora, se casa, sufre, se divierte, la vida continúa a pesar de los pesares, con conciencia o sin ella, por acción o por omisión (que también es una forma de acción)”, explica su director. Toja convoca a otros autores de diferentes visiones y estilos que interactuaron con los actores, desde la corporalidad, desde su naturaleza expresiva y desde sus matices generacionales. “La Fiesta” es un trabajo colectivo de investigación y dramatización. Un juego de la memoria acerca de pequeñas historias cotidianas en torno a aquellas épocas del golpe de estado y la huelga general de 1973.

EL GALPÓN Es una institución teatral uruguaya fundada el 2 de septiembre de 1949 a partir de la unión de dos instituciones teatrales: La Isla, dirigida por Atahualpa del Cioppo y el elenco del Teatro del Pueblo. Desde su fundación hace 65 años “El Galpón” empezó a elaborar y a aplicar una política teatral y cultural de vastas proyecciones sobre los requerimientos del público uruguayo.

Fundamentalmente desarrolló un repertorio que fue dando cabida a las expresiones de la dramaturgia universal, latinoamericana y nacional. Por otro lado, la apertura de su teatro a otras disciplinas (la literatura, la plástica, la música, la danza) hizo de “El Galpón” un lugar de confluencia de amplios sectores de la cultura nacional. Durante el exilio mexicano, comprendido entre 1976 y 1984, “El Galpón” conservó la unidad del grupo y su organización y métodos de trabajo. Una de sus preocupaciones permanentes fue también la de promover la solidaridad de los pueblos latinoamericanos y, en primer lugar, del país anfitrión con el pueblo uruguayo y contra la dictadura. Una importante parte de la historia del teatro independiente del Uruguay está ligada a la historia de El Galpón. Estrenaron casi todo Bertolt Brecht, donde obtuvieron éxitos importantes como con La ópera de dos centavos, El círculo de tiza caucasiano que fue llevada a Buenos Aires con tal éxito que se trasmitió por televisión en vivo una de sus funciones.

Complot Teatro TEBAS LAND Uruguay

LA OBRA Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo francouruguayo Sergio Blanco escribe su

pieza de teatro Tebas Land inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un supuesto expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual supuestamente se narraría el juicio de un joven parricida. A partir de los distintos encuentros imaginarios que el dramaturgo hubiera querido mantener con el joven parricida en su prisión para poder escribir la historia del crimen, Tebas Land propone el siguiente dispositivo escénico: una cancha de básquetbol en donde un dramaturgo y un joven actor que encarnará al parricida, tratarán de representar esas

FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia, dirección y puesta en escena: Sergio Blanco  Elenco: Gustavo Saffores y Bruno Pereyra  Asistente de dirección: Florencia Mirza  Escenografía e iluminación: Laura Leifert y Sebastián Marrero  Video Arte: Miguel Grompone  Prensa: Valeria Piana  Asistente producción: Matilde López  Producción: Adrián Minutti

conversaciones ficticias que nunca tuvieron lugar.  A medida que la pieza avanza, el dramaturgo al igual que el actor, empezarán a preocuparse no tanto de la reconstrucción de la historia del crimen, sino de la representación escénica de esos encuentros que nunca existieron entre el autor y el parricida. La pregunta inicial que abre la pieza ¿cómo es posible matar a alguien?, será reemplazada por la pregunta final ¿cómo es posible representar a alguien? De esta manera Tebas Land se aleja de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y poder ofrecernos así una bella tesis sobre el acontecer teatral. Escrita y diseñada especialmente en 2012 para el Teatro San Martín de Buenos Aires, Tebas Land revisita una serie de textos clásicos que abordan el tema del parricidio - Edipo Rey de Sófocles, Los hermanos Karamazov de Dostoievsky, Un parricida de Maupassant y Dostoievsky y el parricidio de Sigmund Freud -, no con el propósito de rendirles un hueco homenaje literario sino con el fin de proponer un verdadero desafío de parricidio escénico.

SERGIO BLANCO Nació en Montevideo en 1971 en donde realiza estudios de filología y arte teatral. Luego de ser alumno y asistente de dirección de diferentes directores de renombre (Atahualpa del Cioppo, Antonio Larreta, Nelly Goitiño

y Aderbal Freire-Filho), realiza distintas puestas en escenas en su país: Ricardo III y Macbeth de Shakespeare, Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand. En 1993, al ser ganador del prestigioso premio Florencio Revelación, es becado a la ciudad de París para realizar estudios de dirección teatral en la Comédie Française junto a grandes directores y maestros de la escena europea tales como Alain Françon, Georges Lavaudant, Daniel Mesguich y Matthias Langhoff. Su actividad teatral se verá dividida entre Uruguay y Francia hasta que en el año 1998 decidirá radicarse definitivamente en París, ciudad en la cual vive actualmente, obteniendo algunos años más tarde la nacionalidad francesa. A partir de ese momento, empieza a dedicarse a la escritura teatral Varias de sus piezas han sido estrenadas en su país y en el extranjero, y su obra entra al repertorio de la Comedia Nacional de Uruguay en 2003 y 2007 con sus piezas .45? y Kiev. La mayoría de sus obras han sido publicadas en varios países y varias de ellas han sido traducidas a distintas lenguas. Su teatro ha sido recompensado con varios premios, entre ellos con el Premio Nacional de Dramaturgia del Uruguay, el Premio Nacional de Dramaturgia de la Municipalidad de Montevideo, el Premio del Fondo Nacional de Teatro y el Premio Florencio al Mejor Dramaturgo.

artistas y compañeros de camino que se suman y se van continuamente. Y así, sin objetivos y pensamientos eternos, sin manifiestos ni teorías perpetuas. Somos un grupo de artistas complotados para cada trabajo en particular, y será nuestro trabajo el que con su mera y continua existencia asegure por mucho tiempo la vida de COMPLOT. La compañía está integrada desde hace 9 años por artistas que se dedican a crear en el ámbito del teatro, danza teatro y danza contemporánea. Todo surge de la efervescente escena que proponen Mariana Percovich, Martín Inthamoussú, Gabriel Calderón, Ramiro Perdomo y Sergio Blanco. COMPLOT a presentado sus artistas y sus obras en Francia, Alemania, Grecia, España, Inglaterra, Canadá, EEUU, México, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica, Panamá, Colombia, Perú, Chile, Brasil, Bolivia

COMPLOT Complot - Compañía de Artes Escénicas Contemporánea, no es un colectivo de artistas aunados bajo una forma de pensar la escena en común, ni siquiera aunados bajo los mismos objetivos. En COMPLOT los objetivos y pensamientos siempre son diferentes, las formas de pensar la escena, los resultados buscados, las razones que mueven los diferentes espectáculos y actividades que desarrollamos son siempre distintas y aun mejor, contradictorias. No hay caminos pautados ni objetivos trazados, solo la certeza del cambio continuo de rumbo, de la búsqueda constante de aquello que no queremos encontrar, solo nos entusiasma el trabajo, nos aúna el trabajo y nos apasiona y esperanza la posibilidad de seguir trabajando, así conocemos a los maravillosos

ESPECTﾃ，ULOS CALLE

Circo Alboroto CUATRO X CUATRO, CIRCO TODO TERRENO Argentina FICHA ARTÍSTICA Idea y Dirección: Compañía Circo Alboroto Intérpretes: Florencia Schrott, Ismael Agüero Sandillu, Federico Fernández y Alejandra Ceciaga Vestuario: Avatar Escenografía: Compañía Circo Alboroto, El artesano de la Magia Fotos: Paula Schrott Duración: 50 minutos Espectáculo de circo para todo público

LA OBRA Cuatro por cuatro es la última producción de la compañía Circo Alboroto. Sus cuatro integrantes, caricaturas extrañamente humanas, juegan y nos conducen con mucho humor por terrenos circenses, mágicos y musicales.

Duelos acrobáticos, trucos delirantes y cómicos enredos en un espectáculo para todo público que deja huella. 4 x 4, circo todo terreno. LA COMPAÑÍA Circo Alboroto es una compañía argentina de circo formada a fines del 2006 que fusiona el circo, el teatro y la magia. Sus producciones están ideadas para ser presentadas tanto en salas como en espacios no convencionales y al aire libre. Su lenguaje muy visual y dinámico, su ritmo vertiginoso y una puesta delirante y simple les han permitido recorrer el país y cruzar sus fronteras, realizando giras por Colombia, México y España. Entre sus obras se destacan: Un poco de cordura en medio de tanta locura (2008), Cartón lleno (2011), Cuatro por cuatro (2014).

Compagnie d’Outre-Rue ON AIR Bélgica

LA OBRA Entre usted, dos misionarios de la indiscreción están observando. Atento al ruido más leve sus oídos, excesivamente grandes, están capturando la reunión.

D´OUTRE-RUE Es una compañía de teatro profesional de la calle, establecida en Virton, sur de Bélgica, creada en 1999. El acercamiento artístico que logran con sus pasacalles no sólo les da la libertad creativa, sino también una oportunidad en la improvisación y la interacción entre y con el público. Sus historias transitan entre las historietas y la ciencia-ficción, de las que parten para hacer representaciones fantasiosas. Todas sus creaciones son interpretadas por dos actores y carecen de texto, por lo que construyen un lenguaje universal.

FICHA ARTÍSTICA Integrantes Jean Francois Geubel, Jean Paul Jeuniaux, Nis Alexis

Circo Da Silva BANDA DE MUVUCA Brasil

FICHA ARTÍSTICA Paula Preiss: Bufón Arturo Cussen: Clarinetista Julia Guerra: Percusionista Antonio Marrache: Percusionista Reubem Neto: Saxofonista Diego Terra: Saxofonista

LA OBRA Circo da Silva presenta el pasacalles “Banda de Muvuca” un musical al contrario, un Circo ambulante, un espectáculo de Bufón para toda la familia. El Maestro y Padre soltero, Jairo

da Silva, lidera la acción y dirige caóticamente la banda formada por sus 5 virtuosos hijos. Los hijos de Jairo da Silva son: Jaquitiba, Jacrix, Casemiro, Bangladesh y Edson Gordinho. Ellos bailan y tocan instrumentos de viento y percusión, aparte de presentar técnicas circenses como malabares y acrobacia. La acción se desarrolla en movimiento con un guión acompañado de banda sonora original, donde aparecen escenas como: un programa de televisión, un casamiento, una banda militar y un picnic.

CIRCO DA SILVA Es un colectivo de artistas que se reúnen en diversos formatos para realizar espectáculos autorales que mezclan Teatro Físico y Música. Creado en Rio de Janeiro en el año 2006 por la actriz gaúcha Paula Preiss y el músico chileno Arturo Cussen, el Circo da Silva se ha destacado por la creación de nuevos lenguajes, lo que se ve plasmado en los espectáculos “Humanimal”, “{RIANTE!}” y “Banda de Muvuca“, este último merecedor del premio “Carequinha“ de estímulo al Circo en 2010. Paula Preiss, su directora, es una actriz gaucha residente en Rio de Janeiro desde 2001. Profesional de Circo desde 1998, destaca por su trabajo con teatro físico a través del lenguaje del bufón y el clown. En 1999 y 2000 recorre el estado de Rio Grande do Sul con la lona itinerante de Circo Teatro del “Circo Girassol”. Después de participar en diversos grupos y montajes, crea en 2006 el Circo da Silva.

Teatro El Paso SOLIETAD Colombia 85

FICHA ARTÍSTICA Dirección y dramaturgia: César Castaño Productores: César Castaño, Luz Stella Gil Giraldo Músicos: William Fernando Ortiz Pérez Robinson Sierra Martínez, Carlos Ariel Diaz Jaramillo Actores: César Castaño Angélica Jhoana Correa Osorio Bárbara Figueroa Caelles Nathaly Hernández Gutiérrez Alberto Antonio Gutérrez Carvajal Jorge Mario López Moreno Dirección musical: William Fernando Ortiz Composición musical: William Fernando Ortiz Ariel Diaz Robinson Sierra

Asesoría en diseño y elaboración de vestuario: Natalia Toro Ángel Diseño y elaboración de escenografía y utilería: Colectivo Teatro El Paso Asistencia técnica: James Alzate Giraldo, Johanna Andrea Gutiérrez Valencia SINOPSIS DEL ESPECTÁCULO Solietad como estado de existencia ingrávido, como resguardo de lo etéreo, lugar de ausencia que nos refiere al vacío de la vida, al abandono, a los sueños que pierden las alas y los recuerdos que mueren con el tiempo. Ella, Alejandra la pequeña niña bien lo sabe, bien lo siente, mientras la rabia revienta sus poros por la angustia que le produce la distancia con su soñador abuelo, el cual desvencijado de su realidad es llevado a un asilo por mano de la madre de Alejandra.

TEATRO EL PASO El Paso viene trabajando desde el 2005 como colectivo teatral y desde el 2011 como productora y gestora de proyectos culturales. Además de la producción de espectáculos escénicos, El Paso representa otras agrupaciones

artísticas de la música, la danza y el teatro, produce eventos culturales y desarrolla procesos de intervención social desde el arte. En su trabajo de producción escénica El Paso se ha dedicado a la exploración y formación técnica en el campo de la antropología teatral. En su trayectoria, ha llevado a escena varias obras de diferentes géneros –tragedia, comedia, farsa y drama–, en diversos formatos –sala, espacio no convencional y calle– y cuenta en su repertorio con espectáculos para todos los públicos. Su propuesta escénica conjuga la actuación, los muñecos, el trabajo de máscaras y la música en vivo. La agrupación ha sido ganadora de la Beca Nacional de Creación Teatral 2011, de las Becas de Circulación Internacional 2012 y 2013 y de la Beca de Itinerancias por Colombia 2013 y 2014 del Ministerio de Cultura, con la obra Ricardo III. César Castaño Dramaturgo, director y actor de Teatro El Paso, director del Encuentro de Lecturas Dramáticas de Pereira desde el año 2010 y director de la Red Nacional de Dramaturgia en Colombia desde el 2011.

Ahora ambos, niña y anciano, inventan una metáfora para resistir la distancia decidiendo andar juntos por el camino de la imaginación, ambos juegan a convertir su soledad en una costumbre que se derrumba con la fantasía, los recuerdos y los sueños. Alejandra sube al árbol, se desliza por los techos, por los arboles y desde allí ve el lugar donde se encuentra su abuelo, imagina como sacarlo de allí, como robárselo al tiempo y tenerlo para sí. Ella recuerda y habita la memoria de él, se entrega al relato y se abandona al sueño. Al final, nos damos cuenta que la soledad es una espada que no se siente, con un filo tan agudo que corta el silencio y te entrega al bordo del río. Pero los sueños nos permite caer sin haberlo pensado, caer hacia arriba, desclavar el cielo y guardarlo en una maleta. Perder la costumbre, los pasos fijos y soltarse al vacío.

Corporación Caza Retazos DE PASO Colombia FICHA ARTÍSTICA Director: Daniel EduardoAlzate Actores: Pablo Andrés Castro, Alexander Devia Horta, Nacor Julio Quintero Carvajal Músicos: Alexander Orozco Quintero, Santiago Sánchez Acosta, Edwin Andrés Serrato Orjuela, Técnico escenográfico: Daniela Narváez Mejía Técnico de sonido: Leonardo Grand

LA OBRA Propuesta escénica que parte de la disciplina del clown y la ambientación musical incidental, dando forma a la historia de dos vagabundos, Doninjusto y Lamí- seria que van y vienen en su pequeño mundo, donde el encuentro ocasional devela sus necesidades más

íntimas, generando situaciones en las que convergen y divergen diferentes emociones, estados de ánimo y estatus, impulsado cada uno por sus propios intereses. En esta obra se rescata la divergencia del transeúnte común y las problemáticas de desigualdad de la sociedad actual. Su puesta en escena parte del método de creación colectiva. El montaje es concebido por medio de la dramaturgia corporal propuesta por los actores, utilizando la acción física como parte fundamental, donde la línea general de la obra se construye por medio de las relaciones entre los personajes, así como la trasformación de atmósferas dramáticas que son acompañadas de la musicalización en vivo que la puesta en escena plantea.

CAZA RETAZOS La corporación Caza Retazos es un colectivo interdisciplinar de la ciudad de Manizales que viene desarrollando un trabajo artístico y cultural desde el año 2009 Vvnculando la música, las artes plásticas, el circo y el teatro a sus procesos creativos. Entre sus obras se encuentran: “De paso” (creación colectiva), “la tropa de payasos” (creación colectiva), “los cuatro elementos” (creación colectiva) y “la puerta” de Sanchis Sinisterra. Ha participado en eventos de diferente índole como festivales, encuentros, muestras, temporadas, carnavales. Daniel Eduardo Álzate Palma, su director, actualmente estudia en la Licenciatura en Artes Escénicas de la Universidad de Caldas.

Circo Medellín AUGUSTO Colombia

FICHA ARTÍSTICA Duración: setenta minutos Espectáculo: familiar Director artístico: Carlos Álvarez

LA OBRA Es un espectáculo risueño, patéticopoético, optimista y melancólico, latino y universal. Un montaje al estilo “Circo Medellín”. Inspirados en la película “Los Clowns” de Fellini, armamos un estrambótico y loquísimo circo, entrañablemente humano. El que asista a este espectáculo no puede más que estallar de la risa; hombres disfrazados de mujeres bailando el cancán, mientras un caballo se sienta a tomar un poco de vino, unos bebés suben a lo alto de un gran balón para hacer acrobacias,

una mujer cuelga por ahí arriba, en un ring tres payasos boxean y los músicos marcan el compás como un payaso más. Y en medio de la locura, una verdad profunda se erige, es gritada, compartida, desnudada: la vida se hace circo. “Augusto”, es un homenaje póstumo de gratitud, alucinante y un tanto poético (patético) al gestor cultural Augusto Díez “el hacedor de fiestas”, fundador de la Universidad lúdica de Colombia, en Fredonia (Antioquia). CARLOS ALVAREZ Mimo-clown, nació en Medellín, el 04 de febrero de 1963 Carlos Alvarez inició la carrera teatral en el año de 1984 y es mimo profesional desde 1991. En los últimos veinte años ha participado

ring tres payasos boxean y los músicos marcan el compás como un payaso más. Y en medio de la locura, una verdad profunda se erige, es gritada, compartida, desnudada: la vida se hace circo. “Augusto”, es un homenaje póstumo de gratitud, alucinante y un tanto poético (patético) al gestor cultural Augusto Díez “el hacedor de fiestas”, fundador de la Universidad lúdica de Colombia, en Fredonia (Antioquia). CARLOS ALVAREZ Mimo-clown, nació en Medellín, el 04 de febrero de 1963 Carlos Alvarez inició la carrera teatral en el año de 1984 y es mimo profesional desde 1991. En los últimos veinte años ha participado en muchos festivales nacionales e internacionales de teatro, títeres y pantomima. Es fundador y director de la Fundación Circo Medellin y socio de la Fundación Noches de Magia.

en muchos festivales nacionales e internacionales de teatro, títeres y pantomima. Es fundador y director de la Fundación Circo Medellin y socio de la Fundación Noches de Magia. Duración: setenta minutos Espectáculo: familiar Director artístico: Carlos Álvarez

Corporación DC Arte BANDOLEROS Colombia

FICHA ARTÍSTICA Actores: Ángel Bohórquez, Danny Valderrama, Diego Cañón, Rosario Vergara, Daniel Rivera. Músico: Hernán Castillo Apoyo Técnico: Adriana Ortega. Diseño y construcción escenográfica: Daniel Rivera y El grupo. Asesoría Histórica: Nancy Heredia. Creación Musical: Hernán Castillo Diseño de afiche y piezas publicitarias: Camilo Espitia A. Dramaturgia y dirección general: Enrique Espitia.

LA OBRA “Bandoleros” cuenta con referentes históricos: basada en la guerra que libraron a mediados del siglo XX liberales y conservadores por el poder político en Colombia y la manera como atizaron este odio utilizando personas de origen campesino que revestidos de odio sembraron terror. Bandoleros es una oportunidad para repensar la historia reciente del país a partir de la representación de algunos pasajes de la vida de Efraín González, El Chispas, Zarpazo, El Mosco y La Aguililla, personajes emblemáticos de la violencia bipartidista.

ENRIQUE ESPITIA Maestro en arte dramático, con Maestría en Escrituras Creativas, especialista en gestión cultural. Director y dramaturgo de la Corporación DC Arte se ha especializado en teatro para calle, espacios no convencionales y teatro foro. Hace parte de espacios organizativos teatrales como la Red Colombiana de Teatro en Comunidad y la Plataforma Puente.

La puesta en escena se mueve alrededor de diversos momentos y episodios significativos de la vida de estos personajes, narrando sucesos de su cotidianidad. No es una obra histórica en el sentido que no desarrolla cronológicamente las vivencias de los protagonistas. La necesidad de que los colombianos pensemos en la paz, pasa por el conocimiento del origen de estos conflictos. Esta obra pretende ser una reflexión sobre los antecedentes de la violencia colombiana dirigida a públicos amplios.

Variete local de circo CIUDAD DE LAS PUERTAS ABIERTAS Colombia

FICHA ARTÍSTICA Creación colectiva Integrantes: Sebastián Giraldo Lozano, José Fernando Usma Aguirre, Maira Fernanda Manrique, Carlos Andrés Patiño, Jonhatan Rodríguez, Adriana María Rincón, Juan Ruzzo, Sergio Escobar Vargas, David Gallego, Julieth Tatiana Henao Ayala, Andrés Felipe Álvarez Muñoz, Diego Fernando Díaz, Brian Camilo Rodríguez, Sebastián lozano Restrepo, Mario Cardona.

LA OBRA Esta es la historia de Ginebra una extranjera que vivía su vida con monotonía y aburrimiento, su único pasa tiempo era ver televisión en su sofá; un día cualquiera, en el pasar y pasar de canales se topó con un comercial donde promocionaban un viaje a Suramérica para vivir una experiencia única y fuera de la cotidianidad europea, fue tanto su interés en darse una vacaciones que no dudó ni un minuto en llamar y adquirir el paquete turístico.

Inició su viaje sin saber que esta sería la mejor aventura jamás vivida con la cual impregnaría su existir de fantasía e ilusión por disfrutar al máximo el resto de su vida; viajó desde el Sur de Sur de América, hasta llegar a Colombia (Manizales). Los colectivos La Fundación Circo Manizales surge en la ciudad de Manizales en el año 2013, con el fin de incentivar procesos de investigación, formación y recuperación de espacios de la ciudad, generando inclusión de las expresiones artísticas como el arte circense. Pandora Producciones es un grupo que se ha venido consolidando en la ciudad desde el año 2007 como ente fortalecedor de procesos donde el arte es el principal objetivo, haciendo búsquedas de procesos donde el arte es el principal objetivo.

Los Malafachas LA BODA Costa Rica – Guatemala LA OBRA Hoy! …¿me caso, o no me caso?... Así comienza la escena, una indecisa payasa y su enamorado payaso, la historia de dos singulares personajes que deciden casarse, y en medio de esta loca decisión se las ingenian utilizando diferentes elementos y técnicas como teatro, música, malabares, manipulación de objetos, equilibrio con monociclos, interacción con el público, comedia, y hasta perros amaestrados, todo con tal de poder lograr su objetivo; sin embargo la participación del público es el ingrediente principal para poder

realizar la tan esperada boda de Los Malafachas. LOS MALAFACHAS Es un espacio para la experimentación escénica, la libre expresión, y buen humor. Imparten talleres de teatro-clown, y Reutilización Creativa para todo publico. Conformado por “Lola Carambola” (Laura Cordero de Costa Rica) bailarina, actriz, directora de arte y productora de “Los Malafachas”, tallerista y payasa profesional; “Karim” (Carlos Leiva, Guatemala- Líbano) malabarista, actor, director de “Los Malafachas”, tallerista y payaso profesional. Promueven un “nuevo circo”, un circo sin animales salvajes, con animalitos domésticos criados y entrenados, el grupo está completamente en contra del Maltrato Animal.

FICHA ARTÍSTICA Dirección y creación Original: Los Malafachas Teatro-Circo-Clown. Elenco: Lola Carambola Malafachas (Laura Cordero) Karim Malafachas (Carlos Leiva) El Perrito: Zar Malafachas

La Patogallina EL HÚSAR DE LA MUERTE Chile

FICHA ARTÍSTICA Actores Sandra Figueroa Cael Orrego Pilar Salinas Victoria Gonzáles Rodrigo Rojas Eduardo Moya Francisco Ramirez Carolina Mardones Músicos Alejandra Muñoz Jaime Molina Sergio gonzalez Técnicos Gonzalo mella / fx (y proyeccionista) Pablo Riveros /sonido Dirección e iluminación Martin Erazo

LA OBRA Montaje inspirado en la maravillosa película “El Húsar de la Muerte” filmada en 1925 por el actor, director y periodista Pedro Sienna, donde se narran las hazañas; de Manuel Rodriguez en su lucha por la independencia Chilena. Hoy es considerada un clásico del cine Chileno y a su vez la obra más conocida de Sienna, quien fuera el premio nacional de arte en 1966 en reconocimiento a la vida dedicada al cine y al teatro. Estrenamos entonces la obra El Húsar de la Muerte en homenaje al cine mudo y a un importante protagonista de la historia de Chile, Manuel Rodriguez.

LA PATOGALLINA Su origen se remonta al año 1996 con la gestación de un trabajo experimental teatral y callejero llamado “A Sangre e Pato”, una obra que carecía de argumento lineal y que se presentaba en formato de una serie de bloques escénicos con música en vivo; una especie de clip teatral donde los músicos también actuaban. En el año 1999 comenzaron a trabajar en los ensayos del montaje “El Húsar de la muerte”. Con esta propuesta rompen los esquemas hasta aquel entonces experimentados, la obra entra al mundo del cine chileno desde el teatro, e instala la imagen de un héroe nacional en un momento donde la política nacional era aún más grave de hablar. Se trara de un montaje que contiene mucha ironía y que cruza elementos de la tragicomedia con elementos del teatro callejero. Hasta ese minuto en Chile aún no se facturaba una obra que a pesar de todos estos elementos y nivel de contenido político, cumplía con la nobleza de poder ser comprendida por cualquier persona y que por añadidura podía ser entregada a todo tipo de público sin ningún tipo de discriminación cultural, social o académica.

Gracias al inconmensurable aporte histórico y cultural que logra el montaje, junto a la opinión de la crítica internacional, catalogan a nuestro colectivo como uno de los más sólidos del continente, y es así como El Húsar de la Muerte se posiciona como una de las más fundamentales y trascendentes piezas de la historia del teatro chileno. Los espectadores entran a una sala de cine de los años veinte y son acomodados frente a la pantallaescenario esperando a que llegue un personaje en motocicleta, trayendo consigo el rollo de celuloide. Tal como en la película la obra narra las hazañas del guerrillero Manuel Rodriguez en pleno proceso del impulso de la independencia chilena ante el sometimiento de la corona española, donde el objetivo es desestabilizar al gobierno imperante. Entra a escena la banda de músicos a emitir ritmos y melodías de la música contemporánea en reemplazo del pianista del cine mudo, para dar comienzo a nuestra película de cuatro dimensiones con el lenguaje expresionista del cine de aquella época. Los actores muestran la historia tal como en el cine de aquel entonces, con textos escritos en carteles que entran apoyar solo algunos cuadros, y manteniendo la misma estética del film en blanco y negro con sólo algunos detalles en color.

Radio Salmonela HiltOff España LA OBRA Se aproxima la hora “F”, comienza la búsqueda de sonidos deportivos, frecuencias moduladas ligadas al deporte rey, el momento radiofónico más esperado. Por fin se consigue sintonizar la retransmisión y de repente se interrumpe. Catapultado por este inconveniente, crea con la complicidad del público, un ambiente pasión-parodia deportiva que lo lleva a marcar el gol de su vida, de una manera épica, al desnudo, con huevos, con humor, sin que suba al marcador… Este espectáculo ha sido galardonado en los más destacados festivales de teatro de calle en Europa, como el el Premio Glops al mejor espectáculo de humor - Vevey. Suiza 2009, el Premio del público y el Premio del jurado - Italia 2010 del Milano Clown Festival.

HiltOff El artista HiltOff nace en Granada, motivado e interesado por el aspecto

lúdico y creativo del movimiento, se licencia en Ciencias de la Actividad Física y el Deporte. Desarrolla paralelamente cursos y workshops de teatro gestual, mimodrama, creación de personaje, clown, bufón… 2001 es cuando comienza su andadura como comediante y junto a su compañero de duo Krolikowski, nace “Le Troupé”. En el 2004 cofunda “La Mona y el Boquerón”, colectivo de artistas escénicos de diferentes nacionalidades, estilos y disciplinas, dando comienzo en su sala un ciclo que durará cinco años de varietes mensuales, donde acontecen diversos experimentos y un grandísimo numero de sketchs y piezas cortas. HiltOff presenta solos como La lucha, Marcelo, Tinho y en duo Fadriques, Ortega y Gasset…Surgen obras como: Cabaret subterráneo, El Rincón de Maikel Tano y en 2009 comienza la gestación de su espectáculo unipersonal de teatro de calle: Radio Salmonela.

Marcos Carolei CAPOCOMICO Italia

LA OBRA Capocomico: Un hombre elegante con su maleta de cuero pasea por las calles del centro. Parece demasiado elegante y como si fuera escapado de una película muda del siglo pasado….La gente empieza a buscar una eventual cámara escondida. En el mismo tiempo, el Capocomico empieza a tomar el control total de la calle y de la situación…Publico, pasantes, coches, y todo lo que encuentra en su camino

se transforma mágicamente en piezas de su peculiar pieza de terso o película imaginaria. Este show ha ganado mucho premios y fue presentado en mas de 60 Países desde 1982. The Best of Capocomico! es una mezcla irresistible de comedia italiana, humor ingles, pantomima, clownería moderna y todo con la participación activa del publico. Un espectáculo por toda la familia y un clásico de Marco Carolei!.

Autor y director: Marcos Carolei

UNAM Los Conjurados Teatro VERDADES COMO PUÑOS México FICHA ARTÍSTICA Dirección: Ernesto Collado Textos, Creación E Interpretación: Los Conjurados Teatro, Zabdi Blanco, Gerardo Del Razo, Guiureni Fonseca, Héctor Iván González, María Elena Gore, Daniela Jaimes, Gabriela Leguizamo, Daniel Lemus Daniela Morales Montero, Tania María Muñoz, Dan Sotelo. Concepto de Espacio: Ernesto Collado Escenofonía: Alberto Solís Asistencia Musical: Felipe Gallegos Producción Ejecutiva: Sol Sánchez Diseño Gráfico: Héctor Iván González Realización de Lotería: María Guadalupe Ruz Altamirano/ Emilio Daniel G. Cantón Ruz

Agradecimientos Coordinación Nacional de Teatro Del Inba, Programa De Teatro Escolar, Centro Universitario de Teatro UNAM, Mario Espinosa, Anabel Rodrigo,

Mónica Juárez, Juan Meliá Huerta y David Olguín LA OBRA La obra inicia como un juego. Los actores vestidos con sombreros de charros entonan la popular canción mexicana “El Rey”. Ya que consiguieron la atención de su auditorio, les proponen jugar una partida de lotería y así el espectador que tenga en su programa de mano la combinación ganadora, obtendrá un premio al final de la representación. A lo largo de la puesta en escena van apareciendo las cartas de lotería que a su vez nombran cada escena que se representa. Los actores toman esta condición como pretexto para hablar de sus verdaderas inquietudes. Echan mano del humor, la burla, la música, la lucha libre, los mitos más bizarros que han dejado eco en la Ciudad de México y de sus historias personales

EL PROYECTO UNAM a través del Centro Universitario de Teatro y del INBA a través de la Coordinación Nacional de Teatro, unieron fuerzas para concretar un experimento teatral con miras internacionales. Así pues, convocaron al reconocido actor y creador escénico de origen catalán, Ernesto Collado (director de la “Fundación ColladoVan Hoestenberghe”, del “Centro de Creación Cèl-lula” y del “Festival Mapa”) y a la compañía de jóvenes “Los Conjurados Teatro” (integrada por actores egresados de la generación 2009-2013 del Centro Universitario de Teatro) con la consigna de hacer un espectáculo de teatro de calle.

Como resultado de esta innovadora mezcla cultural y generacional, surgió un performance a corazón abierto. El director utilizó experiencias personales de los actores, sus anhelos, sus miedos, sus inquietudes, su rebeldía; y los mezcló con los referentes culturales más tradicionales de nuestro inabarcable país. De tal modo que entre cuentos, leyendas, canciones, supersticiones, juegos y lucha libre, vemos a un grupo de jóvenes que nos cuentan su versión de la historia. “Verdades como Puños” es la gran boca de la juventud mexicana que se queja y grita mientras busca un lugar en ésta sociedad. “Verdades como Puños” está llena de vida, de risas, de mitos, de miedos y sueños, de preguntas e ironías, de cuestionamientos honestos y dolorosos, de ganas de contra historias, de la violencia que se respira en el aire de nuestra Cuidad de México y de gritos de guerra y amor por nuestras tradiciones. Definitivamente una experiencia de vida.

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para mantener al público interesado, divertido y conmovido. Hacia el final del espectáculo, la última carta que se muestra es “La Muerte” y ella misma regala al espectador ganador un hermoso ramo de girasoles mientras lo invita a bailar. El grupo entona entonces la espléndida canción mexicana “La Bruja”, concluyendo así el espectáculo.

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LA OBRA Es un espectáculo de gran formato que rinde homenaje a la muerte, representado en este caso por una catrina acompañada de arlequines. En este recorrido se invita al público a participar uniéndose al espectáculo disfrazados de la época de muertos. México viene con 1 catrina gigante de más de 3 mts de altura más 2 actores

CATRINAS México - Colombia

Coproducción Circlown Rodara (México) y Triciclos Negros Teatro (Colombia) FICHA ARTÍSTICA Directores: Henry Carvajal Zúñiga y Roberto Mendiola Medina Dirección musical: José Luis Rodríguez Dirección de escena: Henry Carvajal Zúñiga Escenografía: Roberto mendiola Vestuario: Triciclos Negros Teatro/ Circlown Rodara Iluminación: Roberto Mendiola Reparto Catrinas: José Luis Rodríguez, Cristian Carvajal, Marlon Salazar, Andrés Romero, Alejandra jaimes, Ferney Briseño.

con personajes en piso, acompañados por otras 5 catrinas, producidas en Colombia, y 4 músicos arlequines. LOS GRUPOS Triciclos Negros Teatro fue fundado en 1995 en Piedecuesta –Santander – Colombia por el artista escénico Henry Carvajal Zúñiga (director del Festival Internacional de Teatro de Calle – viva el teatro en Santander, miembro de la red Clap por Latinoamérica - Red Interoceánica de festivales en teatro de calle, productor - programador artístico y gestor cultural). Circlown Rodara es dirigido por Roberto Mendiola medina, pionero del nuevo circo o las artes del espectáculo en Puebla (México). Dirige al grupo piloto para la compañía de artes del espectáculo (circo, pantomima y clown). Circo social que actualmente son una compañía. Organiza y dirige el festival internacional Rodar circlown desde 1998.

La Tropa del Eclipse PERIPLOP Perú

LA OBRA El espectáculo se inicia con la llegada de dos payasos; Sasha y Bufo, a presentar sus respetos en el velorio de un colega. Cuando se acercan hacia su compañero en el lugar donde se velan sus ropas, por casualidad, se topan con la maleta de trabajo de su amigo; la abren y ven todos los artículos

y cosas que su compañero usaba para divertir a la gente, Así, usando lo que se encuentran, con respeto, arman un espectáculo rindiéndole un homenaje a él y a todos los payasos que nos dejaron un legado, para que podamos tener rutinas y situaciones de comicidad maravillosas, inteligentes, sanas y espectaculares; un recuerdo y homenaje con alegría, dignidad y elegancia para todos los maestros. LA TROPA DEL ECLIPSE Es una compañía de teatro contemporáneo que se funda en 1997 en Lima- Perú. Desde el inicio realiza una investigación constante en mezclar

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FICHA ARTÍSTICA Concepto: Carlos Criado y Alex Ticona Actuación: Diego Ticona, Alex Ticona y Arabel Donayre Dirección Escénica: Carlos Criado Dirección General: Alex Ticona Productora: Rosa Elena González

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técnicas del teatro y circo. Es así como se profundiza en la técnica de la comedia física basado en los payasos clásicos del circo. Malabares, música, teatro, comedia del arte, mimo, elementos circenses, son algunas de las herramientas que los actores van trabajando; todas estas sumadas a la dramaturgia son el fundamento de la creación escénica. La Tropa del Eclipse está conformada por actores, actrices, músicos, pedagogos y expertos en arte. Aparte de realizar espectáculos, han desarrollado proyectos educacionales y eventos institucionales de gran éxito a nivel nacional como internacional. La Tropa del Eclipse es una compañía de carácter internacional por su desempeño tanto dentro como fuera del país, ha participado representando a Perú, en eventos y festivales como: Festival Latinoamericano de ManizalesColombia (2001 -2005 – 2008 y 20102013), Festival Internacional de Teatro al Aire Puro en Bogotá- Colombia (1999- 2001 – 2005 -2013), Festival de Teatro Iberoamericano de República Dominicana(1999 -2011), Festival Internacional de Arte Escenarios del Mundo en Cuenca - Ecuador (2008 2009) y en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá ( 2012 y 2014).

ESPECTﾃ，ULOS CARPA CIRCO

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Compañía Shambala Circo CIRCO X 4 Argentina

LA OBRA Cuatro artistas se presentan para poner en escena las cuatro artes circenses, en un recorrido que permite descubrir el origen y los secretos de los números más característicos de la historia del circo. Podremos ver acrobacia, trabajos en altura, equilibrio y malabares de la mano de destacados artistas argentinos.

SHAMBALA CIRCO Tras varios años de trabajo juntos, en los que fueron integrantes del elenco de diferentes espectáculos , Silvina Paemaa, Constanza Andreozzi, Ezequiel Barrile y Lucas Kamin, deciden formar la compañía “Shambala Circo” y con ella su primer espectáculo “El camino de Wan Tan”, el cual se presenta con éxito en el verano 2012 en Buenos Aires Polo Circo. Debido a la formación de dichos artistas basada en las técnicas circenses tradicionales, se da origen al más reciente espectáculo, “Circo x 4”.

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FICHA ARTÍSTICA Dirección: Mario Perez y Gabriela Ricardes. Acróbatas: Constanza Andreozzi, Silvina Paemaa, Ezequiel Barrile, Lucas Kamin. Producción General: Marina Copello Producción logística: Alejandra Elmo Dirección Técnica de circo: Mario Perez

Circo da Silva {RIANTE!} Brasil 109

Riante fue creado especialente para divertir a los niños y niñas de suramérica. En cada canción el espectador se sorprende con la mezcla de ritmos y la aparición de elementos extra musicial como juguetes y efectos especiales. La Banda del Circo da Silva está compuesta por la payasa –cantante Ultravioleta, el guitarrista –súper héroe Hombrenalgas, el baterista – pulpo Siripulpo y la bailarina Flaminga. El cuarteto desarrolla una performance en vivo altamente histriónica, marcada por la interacción con el público. El disco {RIANTE!} fue grabado en 2011 y contó con la participación de destacados músicos de la escena musical latinoamericana como: Hugo Fattoruso (Uruguay), Rita Ribeiro (Brasil), Juan Ayala (Chile), Mariana Baltar (Brasil), Alexi Graterol (Venezuela), entre otros.

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FICHA ARTÍSTICA Dirección y creación Original: Los Malafachas Teatro-Circo-Clown. Elenco: Lola Carambola Malafachas (Laura Cordero) Karim Malafachas (Carlos Leiva) El Perrito: Zar Malafachas

Variete local de circo CIUDAD DE LAS PUERTAS ABIERTAS Colombia

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Pepa Plana PENÉLOPE España

LA OBRA Cójase a una payasa y póngasela a esperar el regreso de un marido que acaba de abandonar el hogar conyugal para irse a la guerra. Démosle, a guisa

de distracción, una máquina de coser y el hilo suficiente para que con sus labores pueda olvidar sus penas y hacernos olvidar de paso a nosotros las nuestras. Pues bien: el resultado es una versión de la Guerra de Troya que no tiene nada que envidiar a la del ínclito Homero. Como en la Ilíada y la Odisea, también aquí tenemos naves griegas e inexpugnables ciudadelas, heroicos guerreros y feroces batalles, islas hospitalarias y voluptuosas Calipsos. Y, cómo no, el caballo que dio la victoria a las tropas de los griegos y convirtió a su inventor, Ulises, en toda una celebrity. Es cierto que aquí las victorias no se celebran con monumentales sacrificios de bueyes y ovejas (¿los antepasados de nuestras

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FICHA ARTÍSTICA Payasa: Pepa Plana Asesoramiento Magia: Mag Lari Música Original: Lluís Cartes Vestuario: Rosa Solé Iluminación: Jordi LLongueras Atrezo: Oriol Blanchar i Xavier Garcia Fotografía: Joan Sánchez Producción: La Vaca Flaca Ayudante de dirección: Aina Tur Adaptación Payasa: Joan Busquets Idea Original: Pepa Plana Dirección: NOLA RAE

barbacoas?) para agradecer sus favores a los dioses, sino con unas copitas de cava catalán; es cierto también que al ruido del mar y el rugir de las tropas viene a unírseles a veces el timbre de la puerta y alguna canción popular muy posterior a Homero, pero también es verdad que esta Penélope, aunque no se exprese en hexámetros dactílicos y sea bastante más descarada e irreverente que la original, nos cose a nuestras sillas con su poesía lacónica y despojada. (Mercedes Abad)

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PEPA PLANA Actriz y payasa catalana, nacida en Valls, Tarragona, el 2 de mayo de 1965, es un referente nacional en el género por la calidad de sus espectáculos y por su contribución en la visualización de las payasas, destacando como una de las figuras europeas. Pepa Plana ha sido también la directora artística del “Festival Internacional de Pallassess d’Andorra”, absoluto referente del género, de carácter bianual, desde la primera edición, en 2001 hasta la última en 2009.

Compañía Bam WILLYGOODWOOD Francia LA OBRA Un hombre y una mujer: ella funámbula, él acróbata. Con sensibilidad y humor intentan ser cómplices, interactuar, oponerse, tomar el poder. Dos jóvenes artistas a flor de piel que intentan vivir como respiran: de a dos. Una mezcla explosiva de danza, canto, acrobacia, arte marcial y funambulismo acompañada en directo por el guitarrista Jérémy Manche. El espectáculo empieza con la llegada escandalosa de un guitarrista. Con su aire desgarbado nos toca una mezcla explosiva de rock, blues y música electrónica. Es uno de los

tres personajes y va a crear la banda sonora de un encuentro poco común. Un hombre espera, su cuerpo y su espíritu divagan. Aparece una mujer, bailarina ligera como el aire. Empieza entonces un dúo asombroso. ¿Qué hacen? ¿Bailan, hacen acrobacias, juegan, se pelean? Tal vez hacen de todo un poco al mismo tiempo, entre danza, acrobacia y arte marcial. En este número los cuerpos en acción cuentan la historia de estos dos personajes que deambulan y se revelan poco a poco, cada uno en su universo. Estos dos individuos le muestran al público quienes son y lo que saben hacer, según las intervenciones del guitarrista. Se encuentran, se buscan, se cuestionan y aprenden a funcionar juntos. Descubren que uno va más rápido estando solo pero que siendo dos… se llega más lejos. Un dúo donde se mezclan proezas y poesía.

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FICHA ARTÍSTICA Funánbula y acróbata: Natalie Good Acróbata y desequilibrista: William Thomas Músico y performer: Jérémy Manche

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COMPAÑÍA BAM La formaron en el 2008 cinco jóvenes artistas de Amiens graduados del Centro Nacional de las Artes del Circo de Chalons en Champagne y que compartían las mismas ganas y la misma visión del circo. Montaron su primer espectáculo, Switch en el 2010. A partir de ahí, BAM ha incorporado a otros circenses e invita de igual manera a otros artistas para la elaboración de sus espectáculos. La compañía se ha presentado en Francia, Rusia, Argentina, Inglaterra, España, Bélgica, Italia, Holanda, Argentina, México, Estados Unidos, y ahora llega a Colombia. El espectáculo está conformado por dos artistas de la Compañía Bam: Natalie Good, funámbula y acróbata de origen americano, formada en la Escuela Nacional de Circo de Montreal entre el 2006 y el 2008, y William Thomas, acróbata y desequilibrista de origen francés, formado en el Centro Nacional de las Artes del Circo de Chalons en Champagne entre el 2007 y el 2009. En escena cuentan con la colaboración de Jérémy Manche, músico y Performer de origen francés, formado en el conservatorio de Lyon, sección “música actual y amplificada”. Es miembro del grupo “Deadwood” y del proyecto circo/música/performance de la Cie The Beast.

Triciclo Rojo POETA DE LAVABO México LA OBRA Etolo es un caballero andante, siempre en busca de pequeños milagros, cuyo destino es devolverle a la gente la fe en sus sueños. Con ayuda de Bum y Hum descubrirá a dónde van los sueños olvidados y conquistará el miedo y el peligro antes de escalar el mundo. TRICICLO ROJO Integra de manera poética y lúdica el clown, la danza, las artes plásticas, la animación y la música en complicidad viva con la imaginación de los niños. Hace de la risa un arma del pensamiento mediante un diálogo incansable con la fantasía y el asombro. Ha sido reconocido por su autenticidad escénica y su capacidad de realizar

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FICHA ARTÍSTICA Idea original: Emiliano Cárdenas Coreografía: Emiliano Cárdenas, Natalia Cárdenas y Elizabeth de Anda Intérpretes: Elizabeth de Anda, Emiliano Cárdenas y Natalia Cárdenas Iluminación: Pilar Campo y Gloria Minauro Música original y diseño de audio: Jesús Rodríguez (Toy) y Carlos Millán (Chuk) Diseño y realización de escenografía y utilería: Sofía Arredondo, Elizabeth Álvarez y Natalia Cárdenas. Diseño de vestuario: Natalia Cárdenas Realización de vestuario: Marisa Sánchez y Lidia Romero. Producción ejecutiva: Pilar Campo Fotografía: Gloria Minauro

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proyectos integrales de gran impacto, pisando los escenarios más importantes para las artes en México como el Palacio de Bellas Artes. Ha llevado su obra por la República Mexicana y países como Dinamarca, India, Chile, Estados Unidos, Portugal, Canadá, China y Brasil. Ha desarrollado el proyecto Caravana del Elefante Polar con el que lleva artes escénicas para niños y niñas de manera gratuita a las zonas que no cuentan con infraestructura teatral.

ENRIQUE CÁRDENAS PÉREZ Fundador, creativo, coreógrafo, payaso y bailarín de Triciclo Rojo. Se formó en el Centro de Educación Artística Luís Spota Saavedra y la Academia de la Danza Mexicana, además estudió técnicas de clown en Dinamarca con Alfredo Rastelli. Su trabajo se ha presentado el Lisboa, Portugal dentro de movilizaciones callejeras de payasos a favor de las paz mundial, en Santiago, Chile dentro del Festival Clownstro Internacional, en el Young Dancers Festival 2006 en la Ciudad de Nueva Delhi, India, en Estados unidos, Canadá, China y Brasil. En México su juego poético y lúdico danza clown ha pisado los escenarios más importantes como la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes y la Sala Miguel Covarrubias entre otros.

La Tropa del Eclipse PERIPLOP Perú

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Muro de Espuma ACTO DE PAYASOS Colombia MURO DE ESPUMA Es una compañía artística creada en 1983 por Felipe García Silva (Director), con el propósito de generar una constante investigación en torno a los

temas del circo y el teatro, la formación de nuevos artistas y el impulso de las artes escénicas en Colombia y el mundo. Propuestas interdisciplinares, performativas, alegres, grotescas, festivas y carnavalescas, son los micro mundos creados por la compañía, en dónde el desenfreno del goce del juego, el infinito o de un estornudo son los protagonistas.

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LA OBRA Una historia peregrina que nos invita a viajar y disfrutar de la inocencia, el ridículo, el amor, burlar la guerra y la anarquía. Todo ello, a través del maravilloso mundo del payaso y, por supuesto, de su cómplice: el espectador.

Eventos especiales "PALABRAS EN ESCENA"

INVITADOS

AMALIA IRIARTE NÚÑEZ

Es Licenciada en Filosofía y Letras de la Universidad de Los andes. Se ha desempeñado como docente de literatura en la Escuela Española de Middlebury College, Vermont, U. S. A. y de historia del teatro y Estudios Teatrales en la Escuela Nacional de Arte Dramático, en la Escuela de Formación de Actores del Teatro Libre de Bogotá. Desde enero de 1990 y hasta diciembre de 2009, fue profesora asociada del Departamento de Humanidades y Literatura de la Universidad de Los Andes. En 1996 publicó Lo teatral en

ANGELA MOURAO

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Es actriz y directora de teatro. Vive en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil. Es una de las fundadores del Grupo Teatro Andante, con trayectoria ininterrupida desde 1990. Enseña técnicas corporales y actuación escénica. Participa de festivales, tanto como artista y como observadora en Brasil, América Latina y Europa, donde recién estuvo en residencia artística.

la obra de Shakespeare, libro editado por Ediciones Uniandes y la Editorial Universitaria de Antioquia, y en 1998 Tragedia de fantoches. Estudio del esperpento valleinclanesco como invención de un lenguaje teatral, obra publicada en coedición de Plaza y Janés, Uniandes y Universidad Nacional. Coordinó la edición del libro Don Quijote en las aulas, publicado en 2006 por Ediciones Uniandes y Siglo del Hombre, obra que incluye un ensayo suyo titulado “Don quijote espectador de Teatro”.

INVITADOS CRISTÓBAL PELÁEZ Cristóbal Peláez nació en Envigado. A los 18 años comenzó a dirigir dos agrupaciones juveniles de teatro: El Triángulo y Tercera Planta, allí participo como actor y director de seis montajes. En 1975 tomó un barco que lo llevó a España donde permaneció tres años haciendo trabajos de observación e investigación. Fue actor en el teatro la Escalera y el Grupo Internacional bajo la dirección del venezolano José Salas. En 1979, fundó el Colectivo Teatral

Matacandelas, grupo con el que ha realizado 40 Montajes y cerca de 5 mil Presentaciones en toda Colombia e internacionalmente en países como Venezuela, Guatemala, Francia, Portugal, España, Bélgica, Ecuador y Cuba donde se ha desempeñado como actor, escenógrafo, dramaturgo y director. En 1996 recibió el Premio del Festival Nacional de Teatro en Cali, como dramaturgo y director de la obra Angelitos Empantanados.

DANIEL GOLDMAN

Es también el director artístico del Festival de Teatro CASA América Latina, la celebración de más alto perfil del teatro latinoamericano del Reino Unido, así como un entrenador experimentado de actores (Oxford Escuela de Drama, Drama Centre London, East 15, Universidad de Cumbria and Drama School Mumbai)

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Es el director artístico de Tangram Theatre Company. Como director independiente, ha dirigido Wanawake Wa Wa Heri Windsa (The Merry Wives of Windsor in Swahili) para el Globo del Festival Globe en Globe de Shakespeare y Que no eres como las otras chicas Chrissy (Premio Ganador de la etapa / Oliver Award nominada) en el Bush y Touring Nacional.

INVITADOS DIEGO ARAMBURU

Fundador de Kiknteatr, es uno de los artistas más importantes e influyentes de la cultura bolivian. Instancias de gran prestigio como la UNESCO han reconocido su trabajo entre el de artistas destacados del mundo. Ha obtenido el Premio Nacional de Teatro en Bolivia nueve veces, Premio a la Trayectoria Teatral otorgado por el Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra / APAC, y Medalla de Honor y reconocimiento a la labor artística por parte del Gobierno; también su reciente producción en Argentina le ha valido varios de los premios más importantes (Mejor Obra, Dramaturgia y Dirección 2011, por “El Precio Instante Para No Ser Amado”, de su autoría; y el Premio Mayor FABIO RUBIANO

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Egresado de la Escuela Superior de Teatro de Bogotá. Actor de televisión, cine y teatro. Fundador, Director y Dramaturgo del Teatro Petra; desde 2001 es profesor en la Maestría en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional. En 2014 ganó el premio de Dirección Nacional otorgado por el Ministerio de Cultura de Colombia.

entre las producciones de Córdoba, Premios Gran Teatro del Mundo 2011 por “La Librería”). Primer artista externo invitado para dirigir al mítico Teatro de Los Andes de Bolivia, para quienes escribió y dirigió Hamlet de Los Andes. Con “Macbett” de Ionesco (Teatro Nacional de Quebec, Theatre du Trident, 2009), se convierte en el primer director que desarrolló y ejerce su carrera en Bolivia en ser contratado para realizar montajes en teatros oficiales de primer nivel en distintos países y su presencia en La Mousson d’Été de 2010, en Francia, con su texto “Fragmentos Líquidos”, inscribe la participación boliviana en festivales internacionales de nuevas propuestas dramatúrgicas.

INVITADOS FELIPE CÉSAR LONDOÑO

PhD en Ingeniería Multimedia, UPC Barcelona, España. Rector Universidad de Caldas. Profesor titular e investigador en diseño y nuevos medios del Departamento de Diseño Visual de la Universidad de Caldas, Colombia. Es cofundador del programa Diseño Visual y ha sido director de Departamento, Decano de la Facultad de Artes y Humanidades y Director del Doctorado en Diseño y Creación. Ha sido durante 16 años el director del

Festival Internacional de la Imagen. Ha publicado varios libros, entre ellos su tesis doctoral: “Interfaces de las Comunidades Virtuales”, “Paisaje y nuevos territorios-en red” (con la editorial Anthropos, Barcelona, España), y las investigaciones: “Videojuegos, Diseño y Ciudadanía”, “Diseño Digital. Metodología para la creación de proyectos interactivos”, y “Expresión visual en las ciudades del bahareque”, entre otros.

GABRIEL CALDERÓN

Morosoli por su aporte a la cultura nacional en su joven trayectoria. Premio a jóvenes talentos 2006 otorgado por la fundación Bank Boston. Desde 2011 es miembro del Lincoln Center Theater Directors Lab y artista residente del Théâtre des Quartiers d’Ivry en Paris- Francia.

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Integrante de la Compañía COMPLOT con la cual ha creado o colaborado en más de 25 espectáculos. Ha escrito más de 16 obras de teatro y ha sido reconocido con diferentes premios como: Premio Florencio; Premio Iris 2008; Premio a Nueva Dramaturgia otorgado por el Instituto Internacional de Teatro; Premio

INVITADOS GUILLERMO HERAS

Licenciado en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza. Estudios de Periodismo e Imagen en la Facultad de Ciencia de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Actor y Director del Grupo Tábano, de 1974 a 1983. Director del Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas (Ministerio de Educación y

ANGEL IGOR LOZADA

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Destacado productor en el quehacer teatral mexicano. Fundador, director ejecutivo y productor de teatro de Ciertos Habitantes, compañía cuyas producciones han sido presentadas con gran éxito en México, Europa, Asia, Latinoamerica, Estados Unidos y el Caribe. Del 2006 a la actualidad es Secretario de Vinculación y difusión Cultural el CUAAD (Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño) de la Universidad de Guadalajara.

Cultura), 1984 a 1993. Director de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos de Alicante, 1993. Ex-Vicepresidente de la Asociación de Directores de Escena (ADE). Profesor del Área de Danza del Máster de Gestión Cultural ICCMU (Universidad Complutense) y del Máster de gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid.

INVITADOS JAIME CAMARENA

Director y Coreógrafo. La necesidad de explorar a profundidad su oficio, motivó a Camarena para cruzar las fronteras de México y tener otros panoramas del género contemporáneo. Es entonces que viaja a Barcelona, España, donde vivió durante ocho años. En ese tiempo, el mexicano gestó lo que ha sido su proyecto de vida: la Compañía A Poc A Poc. Sus obras son muestra fiel de sus inquietudes. Ha abordado a través

del lenguaje corporal temas como la imposibilidad del amor, la soledad en pareja y sus complejas manifestaciones (en Binomios y antimonios), el frágil sentimiento de la espera (en Azul oniris), las múltiples aristas de la sexualidad humana (en Cópula negra), la pérdida o ausencia del ser amado (en Fugit amor), y el complejo mundo de la servidumbre (en Las Criadas), por mencionar algunas coreografías.

JAIME CHABAUD MAGNUS

Sin pies ni cabeza, el Premio Nacional de Dramaturgia “Víctor Hugo Rascón Banda” 2006 por Rashid 9/11 y el Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón 2013 a su trayectoria. Sus obras se han traducido (y en algunos casos publicado) al francés, alemán, inglés, búlgaro, portugués, catalán, gallego, polaco y checo. Es director de Paso de Gato, Revista Mexicana de Teatro, publicación trimestral especializada, por la que recibió en 2005 el Premio Nacional de Periodismo “José Pagés Llergo” a la mejor Publicación Cultural del año.

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Dramaturgo, guionista, pedagogo, periodista, editor e investigador teatral, nace en la ciudad de México el 24 de febrero de 1966. Estudió Letras Hispánicas, Teatro y Cine. Ha recibido catorce distinciones por su trabajo dramatúrgico entre las que destacan el Premio Nacional de Dramaturgia “Fernando Calderón” del gobierno de Jalisco (1990) por su obra ¡Que Viva Cristo Rey!, el “Premio Nacional Obra de Teatro 1999” que otorga el INBA por Talk Show, el Premio FILIJ de Dramaturgia “El Mejor Teatro para Niños” 1999 por

INVITADOS ELIZABETH DOUD

Tiene más de 15 años de experiencia como organizador cultural y educador, con énfasis en el intercambio cultural internacional en las artes escénica. Comenzó a trabajar con el Departamento de Asuntos Culturales del Miami Dade College en 1998 en el servicio de la del Lobo Performance Series Cultura, y se desempeñó como director artístico del Departamento de 2009 a 2011 y ha trabajado con FUNDarte, Inc., con sede en Miami presentando organizaciones como la programación consultor. Ha sido la Coordinadora del National

MARCELINO MARTÍN

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Desde Octubre de 1995 trabaja como Director del Área de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Puerto de la Cruz . Tenerife. Islas Canarias. España. Entre otras funciones dirige el Festival Internacional de arte en la calle “ Mueca”, el festival internacional de literatura de viajes y aventuras “Periplo” y pertenece a la secretaría técnica del Estrategias para la Cultura de Puerto de la Cruz 2020.

Performance Network’s Performing desde 2005, y ha sido clave en el crecimiento de este programa de intercambio de artes internacional único y sistemático, que se basa en la reciprocidad y la construcción del conocimiento, así como la creación de oportunidades para artistas en gira internacional, con énfasis en América Latina y el Caribe. Entre los diversos premios y reconocimientos, fue galardonada con un estado de la Florida Artista individual Fellowship para el trabajo interdisciplinario en 2011.

INVITADOS MARIANA PERCOVICH

Nace en Montevideo en 1963. Asesora de Artes Escénicas en el Ministerio de Educación y Cultura, y directora del Instituto Nacional de Artes Escénicas entre los años 2008 y 2011. Docente en la Universidad Católica del Uruguay de Puesta en Escena, Escuelas de Teatro del medio, Tecnicatura de Gestión Cultural en el CLAEH, y de Dramaturgia y Dirección escénica en COMPLOT compañía teatral a la que pertenece como Directora Artística desde el año 2007 junto a Gabriel Calderón, Sergio

Blanco, Martín Inthamoussú, Ramiro Perdomo y Adrián Minutti (Productor). Recibió el premio Florencio a Mejor Directora en 1997 y 2013, e innumerables nominaciones a lo largo de su carrera, como directora, dramaturga, y otros rubros (escenografía y banda de sonido). Sus espectáculos se caracterizan por una permanente investigación sobre la relación del espacio real, el espacio teatral y los espectadores.

NEL DIAGO

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Doctor en Filología Hispánica por la Universidad de Valencia, 1987. Profesor Titular de Historia del Teatro en la Universidad de Valencia. Crítico e investigador teatral. Ha sido Vicedecano de la Facultad de Filología de la Universidad de Valencia (1990-1996). Coordinador del Aula de Teatro de la Universidad de Valencia (1990-1994). Desde 1999 hasta 2008 codirige con José Monleón el Encuentro Internacional de Dramaturgia de La Valldigna.

PAU LLACUNA I ORTÍNEZ Es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona, Gestión de instituciones Artísticas y Cultural por ESADE y de Dirección de Proyectos Culturales por el CERC. Entre 1976 – 1985 coordina el Departamento de Cultura de la Ciudad de Igualada. Entre los años 1986 y 1990 es coordinadorgerente de la Feria de Teatre de Tàrrega. Después, y hasta el año 1996, es responsable del “Espai de Dansa y Música de la Generalitat de

Catalunya”. También es coordinador de Actividades Propias del Servicio de Danza y Teatro de la Generalitat de Catalunya (1989-1991) y coordinador del Festival Internacional de Teatro de Sitges (1990-1992). En 2005, impulsa COFAE, Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado español de la que es presidente entre 2006- 2008, cargo que ejerce otra vez a partir del 2011.

SERGIO BLANCO

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Dramaturgo y director teatral francouruguayo, Sergio Blanco vivió su infancia y su adolescencia en Montevideo y reside actualmente en París. Luego de realizar estudios de filología clásica, ha decidido dedicarse por entero a la escritura y a la dirección teatral. Sus piezas han sido distinguidos en reiteradas oportunidades con varios primeros premios nacionales e internacionales. Su obra entra al repertorio de la Comedia Nacional de Uruguay en 2003 y 2007 con sus piezas .45’ y Kiev. Entre sus títulos más conocidos se destacan Slaughter; .45’; Kiev; Opus Sextum; diptiko (vol. 1 y 2); Barbarie; Kassandra; El salto de Darwin y Tebas Land. Varias de sus obras han sido estrenadas en su país y en el extranjero, y la mayoría de ellas traducidas a distintas lenguas y publicadas en diferentes países. En marzo del 2013 es designado por la Universidad Carlos III de Madrid,

Director Artístico y Académico del proyecto europeo Crossing Stages que reúne diferentes universidades e instituciones artísticas de siete países europeos.

SYLVIE DURÁN Actriz, Cantante y Gestora Cultural, coordinadora del Programa Cultura e Integración de Costa Rica. Especialista en Gestión y Políticas Culturales. Ha sido docente y consultora para instituciones regionales y de cooperación al desarrollo como BID, OEI, AECID, UE, Secretaría de Cultura, Artes Deportes de Honduras, Institutos de Turismo de Costa Rica y Honduras. Es miembro de la Junta Directiva de la Asociación para el Desarrollo de la industria de la Música Iberoamericana (ADIMI) por el período 2010-2011.

2DO ENCUENTRO RED EURO-LATINOAMERICANA DE FESTIVALES Manizales, Agosto 29 y 30 de 2014

Allí confluyen ideales, sueños, trabajo y la empatía de un grupo de personas que no se conocían o nunca se habían encontrado físicamente, a pesar de que algunos habíamos trabajado ya en alguna ocasion. Un grupo de personas con muchas ganas de transformar la realidad en sus ámbitos de trabajo y establecer lazos de unión con otras personas con el objetivo de avanzar en la sostenibilidad de sus proyectos. Este encuentro no se debió a la casualidad o a alguna convocatoria mesiánica. Esta convocatoria y el hecho de haber llegado hasta allí se fue fraguando durante bastantes años atrás, durante muchas horas de conversación, tras intensos y largos

viajes y después de vivir muchas horas de artes escénicas. Indudablemente, este encuentro fue posible gracias a Octavio Arbeláez, la persona que fue capaz de hacer converger todas esas energías y permitir que todas esas personas pudiéramos encontrarnos. En este caso con la complicidad de Marie Julienne Hingant y Jean Marie Broucaret organizadores del festival “Les Translatines” Gracias a su esfuerzo, a los kilómetros que recorrió para ir al encuentro de cada uno de nosotros y nosotras, a las horas de teatro, danza o circo compartidas con él, se concluyó con un encuentro en el cual todos hablábamos, intercambiábamos ideas y proyectos en torno al tema que nos ocupa y que nos trae hasta aquí, el teatro Latinoameriacano. Así nace REDELAE (Red EuroLatinoamericana de Artes Escénicas), una red de carácter latinoamericana que tiene como objetivo principal la de promocionar las artes escénicas de habla hispana en ambos continentes.

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En la ciudad francesa de Bayonne, en octubre del año pasado y en el marco de un festival referencia para el teatro euroameriacano, el festival “Les Translatines”, se celebró la asamblea constitutiva de la Red Eurolatinoamericana de las Artes Escénicas.

Durante la trigésima sexta versión del Festival Internacional de Teatro de Manizales se dará lugar a un nuevo encuentro que tiene por objeto dar continuidad a los suscritos acuerdos a la vez que convocar nuevos miembros representantes de Festivales de Latinoamérica y Europa.

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PARTICIPANTES _Guillermo Parodi, Instituto Nacional de Teatro - Argentina _Bolivar Carvalho, Festival Internacional de Teatro Santa Cruz de la Sierra Bolivia _Cassio Pinheiro, Festival Internacional de Teatro Palco & Rua de Belo Horizonte _Brasil _Alexandre Jose Vargas da Silva, Festival de Teatro de Rua Porto Alegre _Brasil _Hugo Covarrubias, Festival Cielos del Infinito - Chile _Nixon García, Festival Internacional de Teatro de Manta - Ecuador _Jorge Parra Landázuri, Festival Internacional de Teatro de Guayaquil Ecuador

_Marcelino Martín, MUECA Festival Internacional de Arte en la Calle España _Pau Llacuna, Fira Tàrrega - España _Norka Chiapuso, dFERIA - España _Jean-Marie Broucaret, Théâtre des Chimères - Francia _Marie Julienne Hingant, Théâtre des Chimères - Francia _Alicia Laguna, Encuentro Internacional de Escena Contemporánea Transversales - México _Raquel Araujo, Festival de Teatro la Rendija - México _Lucero Millan, Sala de Teatro Justo Rufino Garay - Nicaragua _Roberto Enrique King, Festival Internacional de Artes Escénicas de Panamá - Panamá _Daniel Goldman, CASA Latin America Festival - Reino Unido _Gustavo Zidán, Sala Verdi - Muestra Iberoamericana de Teatro Uruguay _Freddy Ñáñez, FUNDARTE - Festival de Caracas - Venezuela _Antonio Revez, Festival Internacional de Teatro do Alentejo - Portugal

JOHN ALEX TORO, COLOMBIA DANIEL ARIZA, COLOMBIA LUIS FERNANDO VELASCO, COLOMBIA La ACA, Asociación Colombiana de Actores, convoca, en todo el territorio nacional, a la mayor cantidad de colegas actores con el propósito de organizarse como gremio y poder adelantar, con el estado y la empresa privada, un estatuto coherente y justo que beneficie las condiciones de realización de su producción artística, que los proteja laboralmente y dignifique sus condiciones de salud y calidad de vida. TEMAS A DESARROLLAR _Presentación de ACA. _Bienestar y protección social del actor en la región. _Mesas de trabajo para levantar una cartografía que identifique las condiciones en las que el actor desarrolla su actividad, en las distintas regiones del país. _Conclusiones de las mesas de trabajo e inscripciones .

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SEMINARIO-TALLER “Socialización del Sindicato ACA, Asociación Colombiana de Actores, en las Regiones”

PONENTES

CONFERENCIA-TALLER GESTIÓN DE LAS ARTES Conferencista: Guillermo Heras, España Viernes 29 de Agosto

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Encuentro/ debate con el sector de gestión de las Artes en el que a partir de la exposición por parte del coordinador de la jornada de una serie de temas relacionados con estrategias de gestión que busquen la sostenibilidad y excelencia de su práctica, se abra un debate de confrontación con las propias experiencias desarrolladas por los participantes en la jornada.

FORO TEATRO MEXICANO CONTEMPORÁNEO Lunes 25 de Agosto de 2014

El desarrollo de los lenguajes dramáticos o aquellos propios de la puesta en escena suceden o han sucedido a la par del surgimiento

de otros sistemas de producción y recepción del espectáculo, al redimensionamiento de las políticas culturales para el sector, y , en fin a la complejidad en sus relaciones. De aquí que en este seminario busquemos dibujar el alcance de esa tradición teatral , y su evolución a lo que podríamos denominar lo contemporáneo , sus retos, su desarrollo, el intrincado engranaje institucional y especialmente, en la voz de algunos de los representantes de la escena mexicana, desde la dimensión institucional, desde la visión de los creadores, y desde la de los intelectuales críticos, entender los posibles retos y desafíos que surgen para su consolidación en el panorama internacional. PONENTES JAIME CHABAÚD, MÉXICO JUAN MELIÁ, MÉXICO

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El teatro mexicano, invitado especial de la presente edición del Festival Internacional de Teatro de Manizales, presenta una rica diversidad imbricada con su dimensión territorial que se mueve entre la tradición y la modernidad, desde las expresiones más “vanguardistas” hasta formas tradicionales del teatro clásico. Estas perspectivas se ven reflejadas en el día a día de su quehacer escénico tanto desde la producción oficial, ligada al estado Federal , al ámbito universitario, o a sus formas regionales, o a la producción independiente que se ha consolidado en las dos últimas décadas con la fuerte irrupción de generaciones que toman el relevo del movimiento teatral de un país que ha estado a la vanguardia de Latinoamérica.

TALLER ESPECIALIZADO DE ENTRENAMIENTO ACTORAL Mariana Percovich & Gabriel Calderón

Taller para estudiantes de actuación con al menos 2 años realizados en alguna escuela o taller del medio. Así mismo se aceptarán actores con más de dos participaciones en alguna obra profesional del medio. EJES TEMÁTICOS:

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EMOCIÓN Y ESTADO. POR MARIANA PERCOVICH Sobre textos teatrales (de la Tragedia Moderna al Teatro contemporáneo). Aproximación a los abordajes contemporáneos sobre EmociónVerdadEstado. StanislavskyStrasberg- y la línea de las acciones físicas. Evolución del concepto de verdad. Nuevas aproximaciones en la actuación contemporánea.

EL ACTOR INTELIGENTE. POR GABRIEL CALDERÓN Ofrecer herramientas contemporáneas de composición teatral aplicadas al hecho escénico. Trabajar sobre tres conceptos actorales a investigar, experimentar y aplicar; Lo obeso, lo escuálido y lo neutro. Apuntar a un actor- actriz de conciencia total sobre el hecho escénico. Trabajo sobre todos los elementos poéticos que conforman un espectáculo y el rol del actor en cada uno de ellos.

SEMINARIO DE DIRECTORES Por Mariana Percovich La violencia de la decisión

Solo cuando se ha decidido algo puede empezar realmente el trabajo. Anne Bogart La preparación del director

2. EL OFICIO DEL DIRECTOR. Un poco de historia. Etapas de la historia de la puesta en escena según Pavis. Análisis de referencias teóricas (Del Teatro de Arte de Moscú a la formación del director de Anne Bogart). 3. EL ARTE ES VIOLENTO. La violencia de la decisión. Según Anne Bogart. La idea. El texto. El actor. El diseñador. El ensayo. 4. PUNTOS DE VISTA. Cómo formulamos, como nos comunicamos. Metodologías de la dirección. El proyecto con el diseñador. Análisis del texto espectacular.

Planificar o dejar fluir la inspiración. La calidad de mi atención. Análisi de la cartelera: ¿textos o proyectos? 5. DIRECCIÓN DE ACTORES. (¿Versus Puesta en Escena?) Como dirigir una escena realista. Como dirigir una escena contemporánea. (Ejercicios con actores). La ruptura de la cuarta pared. La negación de la representación. 6. CAMBIOS EN LOS PARADIGMAS DE LA REPRESENTACIÓN. Los dispositivos del director. Una silla es el mundo. 7. DEL TEATRO ITALIANO AL ESPACIO NO CONVENCIONAL. Estrategias y procedimientos Seminario de trabajo teórico práctico sobre dirección teatral.

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1. LA ESCENA PRIMIGENIA. El disparador de la vocación. Ejercicio para descubrir, recordar o inventar la primera vez que sentimos las ganas de ser directores teatrales. La primera idea para dirigir.

SEMINARIO REDES DE ARTES ESCÉNICAS EN IBEROAMÉRICA. Plataformas, Circuitos y Escenas para la Circulación Manizales, Agosto 27 y 28 de 2014

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PRESENTACIÓN Las redes culturales como forma organizativa surgen en América Latina en la década de los 80, teniendo como sus intereses prioritarios colaborar para vencer el aislamiento y la incomunicación entre países y en fundar lazos de cooperación o fortalecer los ya existentes. Rápidamente se han consolidado como la columna vertebral de la cooperación cultural internacional y factor de integración latinoamericana. Otra característica muy importante, es que además de representar a los protagonistas de la vida ciudadana ante las diferentes instituciones, fomentan la movilidad entre personas y grupos; y amplian la generación de oportunidades para el acceso, disfrute y desarrollo de bienes, productos y servicios culturales. Desde estas perspectivas las Redes y Circuitos de gestores de las artes escénicas, vinculados a festivales, mercados, ferias o espacios escénicos han constituido un instrumento de vital trascendencia para defender

la presencia de las artes escénicas y musicales en muchos ámbitos territoriales. El actual contexto queremos proponer con este seminario la puesta en valor de los diversos modelos, públicos y privados que existen en Iberoamérica y que nos han traído perspectivas de intercambio y circulación, garantizado elevados niveles de pluralidad artística y creativa, dado soporte a las industrias culturales y configurado una relación de cercanía y complicidad con el espectador. Las redes de artes escénica su potencial inherente, su complejidad organizativa (conformadas por actores nacionales, locales y regionales que representan una gran variedad de tipos, tamaños y funciones), la velocidad a la cual se transmite la información, su capacidad para actuar como incubadoras de proyectos culturales innovadores; asi como el contexto que ofrecen para la confrontación independiente y el diálogo intercultural, serán entre otros los temas a abordar en este seminario

CONFERENCIAS Redes y Circuitos Ante Sus Nuevos Retos Actuales Por: Guillermo Heras, España Una serie de reflexiones desde la propia experiencia personal de vinculación a diferentes alternativas en redes y circuitos de artes escénica con el objetivo de resituar su discurso actual y, sobre todo, de cara al futuro. Estas reflexiones marcadas por el análisis y la autocrítica tienen como objetivo generar un diálogo con todas aquellas personas comprometidas con la evolución de la teoría y la práctica de esta importante herramienta de gestión que generan las redes y circuitos cuando su funcionamiento resulta adecuado. Sostenibilidad, internacionalización, buenas prácticas, recursos y financiación, objetivos sociales, culturales. profesionales y económicos como claves de las varias líneas de ese debate desde hoy hacia el futuro. Seminario de Redes en las Artes Escénicas - FITM 2014

Redes y Festivales. Procesos Colaborativos de Apoyo a las Industrias Creativas Por: Felipe César Londoño, Colombia Las plataformas virtuales y las redes colaborativas se han convertido en herramientas fundamentales para el desarrollo y la consolidación de proyectos culturales en tanto posibilitan espacios de interacción y laboratorios de co-creación que fortalecen las dinámicas de estas iniciativas. Esta presentación profundizará en la propuesta de creación del ClusterLab, un escenario colaborativo que se estructura a través de un espacio múltiple que integra a stakeholder en una dinámica de interacción que permite la generación de proyectos acordes con los objetivos de las industrias creativas. En concreto, el ClusterLab se concibe como un laboratorio virtual que alberga herramientas para la asociatividad en red (Networking), la formación y mentorías especializadas (E-learning), las plataformas virtuales de negocio para la circulación de productos (E-bussines), las iniciativas open source y laboratorios abiertos colaborativos (Open Labs), y un centro de recursos especializado, al servicio de festivales e iniciativas culturales de la región y el país. La Sostenibilidad de las Organizaciones Culturales y el Trabajo en Red Por: Octavio Arbeláez, Colombia La consideración de la existencia de estrechas relaciones entre cultura

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PONENTES Felipe César Londoño, Colombia Octavio Arbeláez, Colombia Guillermo Parodi, Argentina Ângela Mourão, Brasil Sylvie Durán, Costa Rica Hugo Covarrubas, Chile Elizabeth Doud, Estados Unidos Guillermo Heras, España Pau Llacuna, España Marcelino Martín, España Igor Lozada, México Cuauthemoc Nájera, México

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y sostenibilidad se abrió camino progresivamente tanto en el ámbito académico como de las políticas culturales. El resultado de este proceso fue la propuesta de contemplar la cultura como cuarto pilar de la sostenibilidad, conjuntamente con el crecimiento económico, el equilibrio ecológico y el progreso social. Es decir se considera que el progreso hacia una sociedad sostenible se produce de una manera “más efectiva si la vitalidad cultural se incluye como uno de los requerimientos básicos” (Hawkes, J.). En este sentido, la cultura sostenible debe construir marcos que permitan la relación de todos los actores (individuos, empresas, organizaciones, territorios) con sus entornos, facilitando una construcción coherente de la realidad del individuo y los diferentes sistemas en que se integra. La cultura ha sido colocada como fundamental para el logro de unos procesos que nos lleven a un desarrollo sostenible. De aquí que la noción de sostenibilidad, según se propone, deba leerse en función de un entramado conceptual sobre cultura y desarrollo e identifica la sostenibilidad con tres factores: _La conciencia del capital cultural de una colectividad. _Las decisiones que facilitan los medios para conservarlo y extenderlo. _La capacidad para abrir ese capital a los intercambios y a los flujos de cooperación. Así mismo trata de incorporar al propio desarrollo cultural mensurable en parámetros convencionales (índices educativos, consumo cultural formal,

frecuentación de eventos y servicios artísticos, así como la articulación en redes y espacios colaborativos). Los indicadores y conceptos que giran alrededor de los criterios de sostenibilidad cultural han pasado a un plano preferente en el debate sobre las políticas y la gestión de la cultura y las artes. Los factores culturales no son ni corolarios ni derivados únicamente de las políticas públicas. Se ha permeado el discurso de cultura y desarrollo tanto en los economistas y planificadores que valoran los aportes de la fenomenología cultural en el capital socioeconómico de una comunidad, como en la institucionalidad de los poderes tradicionales como los ministerios, secretarias e instituciones del ámbito regional y local. A pesar de esto se presenta la enorme paradoja de un desdibujamiento de la responsabilidad del sector Estado, lo que evidencia uno de los cambios ideológicos más importantes que, desde fines de siglo XX, están presenciando los países. Observatorio de Festivales de Brasil Por: Ângela Mourão, Brasil El Observatorio de Festivales es un conjunto articulado de acciones con los objetivos de promover la difusión, la investigación y la producción de conocimiento sobre festivales. Centrado inicialmente en los festivales de teatro del territorio brasileño, luego en el futuro el Observatorio pretende ampliar su acción para las artes escénicas en general y para más allá del territorio nacional.

La iniciativa viene de la acumulación de experiencia y el contacto con los festivales de norte a sur del país, junto con el deseo de contribuir a pensar, registrar, desarrollar y compartir ideas sobre este fenómeno que se multiplicó en Brasil en las últimas décadas en las más variadas formas de muestras de la producción y la investigación en las artes escénicas.

apoyo que otorga al “Latin American Legacy Program” del ISPA (International Society for the Performing Arts); proyecto que impulsa a Gestores de Latinoamérica para tener presencia en los congresos de ISPA.

¿Qué es cultura udg? ¿Por qué es importante la circulación de bienes y servicios culturales? Circulación en Latinoamérica ISPA – Latinoamérica

Por: Elizabeth Doud, Estados Unidos En la última década, ha surgido un interés creciente del intercambio cultural entre Latinoamerica y América del Norte de parte de artistas y promotores culturales en los EE.UU., Brasil, Argentina, y Colombia entre muchos otros países. Como este intercambio sufría durante mucho tiempo de falta de una política cultural pro-acativa de parte de los gobiernos del los países del hemisferio, organizaciones sin fines de lucro como el National Performance Network, gestores culturales y artistas independentes comenzaron a desarrollar programas de intercambio sistemático que han establecido un mercado viable de giras para artes escénicas en las Américas. Cada vez mas se está contemplando la importancia de este intercambio y el potencial del trabajo de sostener políticas abiertas que muevan artistas y borran fronteras.

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Por: Igor Lozada, México Para el mundo en desarrollo, la exportación de sus bienes y servicios culturales se constituye en una excelente forma de generar empleo y divisas; estas son actividades de un alto contenido de valor agregado; su circulación es una forma de fortalecer la identidad cultural y enriquecerla en el enfrentamiento con otras culturas. Cultura UdG se plantea como uno de sus principales objetivos, la generación y fortalecimiento de colaboraciones internacionales entre grupos y compañías de Guadalajara con instituciones extranjeras y viceversa, mediante la circulación de artistas y gestores; una muestra de esto es el

National Performing Network: intercambios entre la escena norteamericana y la Latinoamericana

SEMINARIO SHAKESPEARE EN LATINOAMÉRICA Manizales, Agosto 25 y 26 de 2014

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PRESENTACIÓN Cuando hablamos de teatro, es inevitable que nos llegue a la mente el “Ser o no ser”, como una cuestión clave que prácticamente todo el mundo se ha planteado alguna vez en su propia vida. La célebre frase la escribió William Shakespeare en su obra maestra “Hamlet” y sigue vigente 450 años después del nacimiento del dramaturgo más famoso de las letras universales. La influencia de Shakespeare en la lengua inglesa, y en la dramaturgia universal continúa, aún con el paso del tiempo, y el interés por su obra sigue alcanzando nuevos hitos. “Apenas hay alguien, ni en el extremo más meridional de Sudamérica ni en la estepa siberiana, que no sepa algo sobre Shakespeare”, Dromgoogle, William Shakespeare nació el 23 de abril de 1564 en la pequeña ciudad de Stratford-upon-Avon, en el corazón de Inglaterra. A lo largo de su trayectoria compuso más de un centenar de sonetos y decenas de obras teatrales: De su pluma salían desde comedias como “Sueño de una noche de

verano” o “Como gustéis” (“Como les guste”), a tragedias como “Macbeth” o “Julio César”. Pero lo que hizo de Shakespeare único para su época y para todos los tiempos era su forma de percibir al ser humano “Cuando Otelo casi se consume por los celos, Romeo y Julieta experimentan por primera vez qué es el amor verdadero o Hamlet reflexiona con lo que sucede cuando morimos, todos podemos sentirnos identificados”, Crystal. No hay lugar en el mundo en el que no se represente a Shakespeare, todas las culturas, todos los continentes han interpretado y se han apropiado de la obra del poeta, y este interés se refleja en los libros y estudios publicados en todos los idiomas. En este contexto, el Festival de Teatro de Manizales propone este seminario sobre Shakespeare desde la perspectiva de los hacedores latinoamericanos y sus apropiaciones de ese universo creativo en el contexto de un continente que pareciera oscilar entre los mundos propios de la obra del que sigue siendo considerado como el autor referencial del teatro mundial.

CONFERENCIAS El gran teatro del mundo, un tema en la obra de Shakespeare Por Amalia Iriarte, Colombia – Conferencia Central El teatro es un tema central, recurrente, en los textos de Shakespeare. En efecto, encontramos el motivo teatral en la mayoría de sus libretos y en diferentes niveles. Por ejemplo, pone en boca de sus personajes constantes alusiones a la naturaleza del teatro, a su relación con el público y los escenarios de la época. Los géneros dramáticos, el arte del actor, la recepción del público, los elementos que componen un escenario, la terminología de la dramaturgia, alimentan la lengua poética de Shakespeare. Es más: muchos de sus personajes son especialmente histriónicos –lo saben y lo expresan-; son capaces de elaborar montajes, de dirigir a otros para que representen un papel y usan el teatro para sus fines específicos. De lo anterior podríamos deducir que para Shakespeare el teatro es un punto de referencia para entender y dar a entender el mundo, desde

hechos y episodios particulares, gestos, situaciones y proyectos de cada personaje, hasta la vida humana misma. Este rasgo tan peculiar y destacado de la obra de Shakespeare, no sólo guía y enriquece nuestro conocimiento del teatro en la Inglaterra de su época, sino que anticipa lo que será un hecho crucial en la modernidad: la obra literaria y artística que se tematiza dentro de sí misma. Además, apunta a una, en su época novedosa, relación entre ficción y realidad: no apelamos al mundo real para entender el arte, sino al arte para que nos ayude a entender lo real. Este es el problema que me propongo abordar. Para ello he seleccionado ejemplos de un grupo de dramas del isabelino, pero me centraré en 4: Sueño de una noche de Verano, Ricardo III, Hamlet y La vida del rey Enrique V. “Del ojo dominante de Shakespeare al ojo panóptico de CNN...” Por: Sergio Blanco, Uruguay Partiendo del eje temático que propone este año el 36 Festival Internacional de Manizales, Shakespeare en Latinoamérica, la conferencia abordará el tema de las correspondencias ópticas que existen entre los dispositivos visuales del Renacimiento europeo y los dispositivos visuales de la Latinoamericana contemporánea. En un primer tiempo la conferencia propondrá una exposición acerca de la mirada renacentista y los nuevos horizontes visuales de exploración del ojo, apoyándose para ello en una

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PONENTES Amalia Iriarte, Colombia Fabio Rubiano, Colombia Diego Aramburu, Bolivia Nel Diago, España Daniel Goldman, Inglaterra Jaime Camarena, México Mariana Pércovich, Uruguay Gabriel Calderón, Uruguay Sergio Blanco, Uruguay

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reflexión en torno a la proyección de las célebres pinturas La virgen del canciller Rolin de Jean Van Eyck y La clase de anatomía del doctor Nicolaes Tulp de Rembrandt. El objetivo de esta primera parte es presentar lo que designo con el nombre de nuevo ojo dominante y a partir de esta nueva mirada acercarnos a algunos aspectos de las poéticas de representación que establece la escena teatral shakesperiana y que son acordes a las nuevas exigencias de este nuevo ojo dominante que se instala en la Europa del siglo XVII. En un segundo tiempo la conferencia vendrá a nuestra época contemporánea para presentar esta vez las características de nuestra actual mirada informatizada y mediatizada, apoyándose para ello en una serie de reflexiones en torno a las poéticas visuales de Alfred Hitchcock, de Stanley Kubrick y de las imágenes televisivas del 11 de septiembre transmitidas por la cadena CNN para Latinoamérica. El objetivo de esta segunda parte es presentar lo que designo con el nombre de nuevo ojo panóptico y a partir de esta nueva mirada acercarnos a algunos aspectos de las actuales poéticas de representación que establece la escena posmoderna. Poéticas que por supuesto son acordes a las nuevas exigencias de este nuevo ojo panóptico que se instala en la era mundializada del siglo XXI y que por sus similitudes con algunos aspectos del ojo dominante del Renacimiento, pueden explicarnos la reiterada presencia del modelo Shakespeare en el actual discurso

teatral Latinoamericano. Matar a la ninfa: perspectiva de género en Shakespeare. Reflexiones de una mujer creadora latinoamericana. Algo de Ricardo de Gabriel Calderón sobre Ricardo III de Wiliam Shakespeare Por: Mariana Percovich, Uruguay En 1890 una firma francesa de cosméticos, lanzó al mercado un polvo para maquillaje llamado “Ofelia”, Presumiblemente una mujer usando esos pálidos polvos, podría crear al menos la apariencia exterior de ser tan decorosamente pálida y demente, frágil y perdida, como la verdadera Ofelia de William Shakespeare. La imagen de la flotante Ofelia muerta, cadáver autosacrificial femenino, se trasladó con frecuencia a otras narraciones apropiadas al gusto de la mujer o al del hombre, por las mujeres autosacrificadas. El gran Shakespeare ha contribuido de manera notable a la construcción de lo femenino en extremos radicales: desde la ninfa ahogada a la asesina con manchas de sangre en sus manos, de la madre terrible ingiriendo a sus hijos sin saberlo, a la mujer “demasiado sabia” que debería callarse la boca o dejar de ser fierecilla y domesticarse. Shakespeare y el género es un capítulo fascinante de su abordaje. En el trabajo que hicimos como equipo creativo de varones en su mayoría y una directora mujer, mi interés principal al ponernos a trabajar con el dramaturgo Gabriel Calderón en nuestra traducción del Ricardo III de Shakespeare, era el cuerpo masculino atravesado por el cuerpo femenino.

En la escritura, en los movimientos, en los gestos, en las máscaras, en la vestimenta y en los accesorios se inscriben residuos/ huellas del cuerpo. Teatralizaciones de Shakespeare en la Valencia del siglo XXI Por: Nel Diago, España En los inicios del siglo XVII hay dos teatro nacionales que emergen con fuerza en la Europa del momento y que marcan tendencias y modelos: el teatro español del Siglo de Oro, con Lope de Vega y Calderón de la Barca a la cabeza, y el británico, con la figura de William Shakespeare como su más llamativo emblema. Quizá por eso, por tener su propio modelo, al teatro español le costó comenzar a valorar y apreciar la dramatugia shakesperiana en toda su grandeza. Puede que fuera Manuel Tamayo y Baus el primero en glosar y teatralizar la vida y obra de Shakespeare en su excelente obra Un drama nuevo, pieza interesante por muchos motivos, aunque equivocada en algunos aspectos (la presencia de la mujer en los escenarios isabelinos). Vendrían muchas más en el siglo XX: versiones, adaptaciones, dramatizaciones, traducciones… Largo sería dar cuenta de todas ellas. Sin embargo sí puedo y quiero dar cuenta de algunas obras de este recién comenzado Siglo XXI que han sido concebidas y estrenadas en Valencia y que tienen al mundo teatral de Shakespeare como punto de referencia.

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La apropiación de los hombres actores isabelinos de los cuerpos y personajes femeninos, era una posibilidad maravillosa de investigar en nuestro proceso creativo. El propio Ricardo de Calderón/ Saffores envidia el monólogo de la Reina Margaret: “Ni siquiera Ricardo tiene un monólogo tan contundente” dice envidioso del estallido de furia femenina/masculina de la ex reina contra Ricardo III. ¿Qué opiniones se pusieron en juego en la escena desde un actor heterosexual masculino, que nunca había usado una falda? ¿Qué opiniones se pusieron en juego desde la dramaturgia de Calderón, en diálogo con Shakespeare? ¿Qué opiniones se pusieron en juego desde la dirección de una mujer que revisa y dialoga con la construcción de lo femenino en el teatro occidental obsesivamente? El cuerpo como materialidad y portador de saber que se inscribe o produce es una permanente y cambiante constructio que se va edificando por medio de iteración, apropiación y/o rechazo sin terminar de construirse (Butler). El cuerpo como materialidad se presenta como superficie de inscripción basándose en reiteraciones y, a través de diversas concretizaciones, se puede “leer”. Dice Alfonso de Toro Por lo tanto, podemos entender el cuerpo como un “proscenio” teatral en el cual se inscriben y se leen procesos culturales, produciendo al mismo tiempo significación y diseminación.

Macbeth, Ciudad Insomnio. Creación, signo y metáfora en la escritura escénica. Por: Jaime Camarena, México Los avances tecnológicos en todas sus ramas han permito la creación de trabajos artísticos que abordan la intersección entre Arte, Ciencia y Tecnología, pero han sido tan diversos los usos y roles que la tecnología y los nuevos medios han jugado en el proceso creativo o en la realización del trabajo que han nacido nuevas metodologías, definiciones y perspectivas teóricas de como abordar el quehacer artístico, por tanto, nuevas dudas y nuevos caminos para responderlas. Macbeth, Ciudad Insomnio, es una disección de las líneas clásicas de Shakespeare como capas de cebolla para llegar a la rendición de una voz eterna desesperada, una voz no del miedo, sino la voz de la verdad y la relación a través de la semejanza en un Macbeth actualizado, analizado desde el ícono, planteando sus semejanzas como líneas de estudio, reflexión y acercamiento a una nueva lectura de un clásico. De la Intervención a la Subversión y de Shakespeare hacia uno mismo

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Por: Diego Aramburu Al igual que sucede con Dante en su Divina Comedia, abrir la experiencia y jornada íntima de tomar a Shakespeare, y abrirla de forma personal -pero fiel, honesta y plenamente personal-, es un viaje iniciático. Se da paso a que

lo universal se convierta en individual y viceversa, que lo individual se convierta en universal; y se da que el viaje y el proceso de creación y reinvención del material, sea también la reinvención y crecimiento de uno mismo, y entonces, e idealmente, se da que ese encontrarse sea también de otros. En este caso, de la mano de una insuperable guía: la del genio de Shakespeare. Shakespeare: Fuera de contexto, lleno de posibilidades. Por: Daniel Goldman En 2012, para celebrar las olimpiadas en Londres, el teatro Shakespeare’s Globe decidió crear el festival Globe to Globe, con la idea de presentar las 37 obras de Shakespeare y su poema Venus y Adonis en t38 idiomas diferentes. Por razones bastante complejas e inesperadas, yo me fui a Kenia a dirigir la obra Las alegres comadres de Windsor en Swahili, un idioma que no hablaba, en un contexto que no conocía. Como director de teatro fue el proyecto mas lindo de mi vida, como espectador, vi 26 obras en 26 idiomas distintos y ahora, como invitado a esta conferencia, quiero compartir esa experiencia, buscando responder las siguientes preguntas: ¿Cuándo funciona Shakespeare en otro idioma y contexto, y por qué? ¿Qué se gana y qué se pierde adaptando y traduciendo a Shakespeare? ¿Cuál es la relevancia de Shakespeare hoy en día y para qué y por qué, dios mio, seguimos haciendo estas obras?

HOMENAJE AL TEATRO EL GALPÓN EN SUS 65 AÑOS Conversación alrededor de la creación de grupo, con:

Taller “Producir Teatro: de la idea a la concreción” Dirigido por Gustavo Zidán “Desde hace casi 20 años, produzco teatro. He pasado por diferentes experiencias, algunas muy exitosas y otras que se convirtieron en fracasos olvidables. En este recorrido he podido ir construyendo una metodología de trabajo, que no tiene ningún misterio, ni enigma a resolver, la clave ha sido encontrar una gran motivación para hacer lo que quería hacer, he ahí la primera y tal vez más importante respuesta. Espero en estos dos encuentros poder contarles sobre mi relación con el apasionante mundo del teatro y que

esto sirva para también motivarlos. De la idea a la concreción. Dos días en que buscaremos herramientas prácticas y posibles para producir teatro”. Gustavo Zidán EJES TEMÁTICOS _Diseño y presentación de proyecto. _Factibilidad y sustentabilidad _Ejecución Lugar: Sala Cumanday 2, Agosto 27 y 28 10:00 am a 1:00 pm Conferencia taller: “Gestión de las Artes Escénicas” Liderada por Guillermo Heras Encuentro/ debate con el sector de gestión de las Artes en el que a partir de la exposición por parte del coordinador de la jornada de una serie de temas relacionados con estrategias de gestión que busquen la sostenibilidad y excelencia de su práctica, se abra un debate de confrontación con las propias experiencias desarrolladas por los participantes en la jornada. LUGAR: SALA CUMANDAY 2, VIERNES 29 DE AGOSTO 9:00 AM - 1:00 PM

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Marina Rodríguez Solange Tenreiro Nadina Gonzalez Miranda Marcos Zarzaj Arturo Fleitas Pablo Pipolo Marcos Flack Fernando Toja Moderador: Cristóbal Peláez, Colombia Lugar: Sala Cumanday 3, viernes 29 de Agosto 10:00 am a 1:00 pm

QUINTA FERIA DEL LIBRO DE MANIZALES ¡Enamórate de los libros! Universidad de Caldas en alianza con el Festival Internacional de Teatro de Manizales

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La Universidad de Caldas, desde la Oficina de Producción Editorial, en alianza con el Festival Internacional de Teatro de Manizales, en su afán por fomentar la lectura en niños, jóvenes y adultos viene realizando desde hace 4 años la Feria del Libro de Manizales. Un evento de ingreso gratuito que presenta al público local y de la región una variada oferta editorial, académica y cultural. Con el eslogan Enamórate de los libros la Feria del Libro de Manizales, como proyecto cultural, es un proceso de construcción y transformación que ha permitido el acercamiento de la cultura a los habitantes de la región y del país por medio de exposiciones, oferta editorial, conversatorios, conferencias, talleres infantiles y juveniles, así como talleres de escritura creativa, conferencias, programación académica y musical.

INVITADOS FRANCISCO HINOJOSA

Nació en la Ciudad de México. Es poeta, narrador y editor. Estudió la carrera de Lengua y literatura hispánica en la Universidad Nacional Autónoma de México. Una gran parte de su obra ha sido dedicada a los niños y jóvenes. El humor, la crueldad y la fantasía, aunadas a un desparpajo casi surrealista, conviven en la escritura de este “auténtico” como lo ha definido

la crítica. Así lo han sabido advertir, desde hace muchos años, los miles de niños que han convertido a Francisco Hinojosa en el autor infantil más leído de México. Ha impartido talleres de literatura infantil en diversos países y es uno de los autores más destacados de literatura infantil y juvenil en lengua española. Ha sido traducido al inglés y portugués.

MARCELA SÁNCHEZ MOTA

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Es originaria de la Ciudad de México, estudió sociología en la UNAM, realizó estudios de danza clásica así como danza contemporánea. Fue miembro fundador del grupo Utopía DanzaTeatro donde fue intérprete, creadora de textos y coreógrafa. Ha sido académica en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM por más de siete años. Es egresada de la Escuela Dinámica de Escritores que dirige Mario Balletín. Ha colaborado con sus relatos en diversas revistas

literarias. Fue editora y crítica de danza de la sección de danza de la Revista DF. Ha sido invitada con ensayos sobre artes escénicas y danza en la Revista de la Universidad de México, en el suplemento Hoja x Hoja, en la revista de Danza, una pasión y en el libro México: una apuesta por la cultura. Es ganadora del Premio Bellas Artes Juan Rulfo de la Primera Novela 2010, con la obra La otra piel, bajo el pseudónimo Natalia Mireles.

INVITADOS TOMÁS GONZÁLEZ

Filósofo de la Universidad Nacional de Colombia. En 1983 partió hacia Estados Unidos y vivió tres años en Miami y dieciséis en Nueva York, donde escribió gran parte de su obra y se ganó la vida como traductor. Empezó su carrera literaria a principios de los

años 70, ha escrito cuentos, novela y poesía. Ha publicado: Primero estaba el mar, Para antes del olvido, El rey del Honka-Monka, La historia de Horacio, Manglares y Los caballitos del diablo. En 1987 ganó el premio de novela Plaza y Janés por Para antes del olvido.

MIGUEL MÉNDEZ CAMACHO

De la favela a la gloria, y Antología. Fundador del Concurso Universitario Nacional de Cuento Corto y Poesía de la Universidad Externado de Colombia, de los concursos nacionales de Poesía, Eduardo Cote Lamus, y de Cuento, Jorge Gaitán Durán. Poeta de año del XII Festival internacional de poesía de Bogotá 2004. Director de la Colección Clásicos de la literatura Colombiana (27 ediciones. Editorial Colcutura). Director de la Colección Un libro por centavos.

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Nació en Cúcuta. Es Doctor en Derecho Ciencias Sociales y Políticas de la Universidad Externado de Colombia. Es periodista y profesor universitario. Decano de la Facultad de Comunicación Social-Periodismo de la Universidad Externado de Colombia desde 1991. Autor de: Los Golpes Ciegos, Papeles, Poemas de Entrecasa, Perfil y Palote, Instrucciones para la nostalgia, Malena, La alegría de Escribir, Desencantos y Cantos, La primera cosecha que dio pájaros, Pelé:

INVITADOS JUAN MANUEL ROCA

Nació en Medellín. Es poeta, narrador, ensayista, crítico de arte y periodista. Estuvo claramente influenciado por su tío el poeta Luís Vidales. Por 10 años fue, primero coordinador y luego director del Magazín Dominical de El Espectador. Ha obtenido numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Cuento Universidad de Antioquia (2000), El Premio Nacional

de Poesía Ministerio de Cultura (2004), el Premio José Lezama Lima (Casa de las Américas, La Habana, Cuba, 2007); el Premio Casa de América de Poesía Americana (Madrid, España, 2009); el Premio Ciudad de Zacatecas (México, 2009); y el Premio Estado Crítico 2009 al mejor libro de poemas publicado en España por su libro Biblia de Pobres.

CAROLINA LÓPEZ JIMÉNEZ

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Creció en Armenia y realizó estudios universitarios en la ciudad de Bogotá. Sus primeras aproximaciones a la escritura fueron a través de cartas, diarios íntimos y aforismos. Ingresó a la Maestría de Escrituras Creativas de la Universidad Nacional de Colombia en 2010 donde escribió En la punta del lápiz, su primera novela. Desde 2005 ejerce la docencia universitaria y apoya

procesos de investigación-creación en los campos de fotografía, producción escénica y visual, y literatura. En sus nuevos escritos continúa apostando por la experimentación con diversos soportes, lenguajes y sustratos para la creación literaria. Sus reflexiones en torno a las prácticas lectoras y escriturales contemporáneas se encuentran en su blog letra & palabra.

INVITADOS LUIS FERNANDO GONZÁLEZ ESCOBAR

Oriundo de Supía, Caldas, arquitecto constructor, Magister en Estudios Urbano-Regionales y Doctor en Historia de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es el Director de esta Escuela del Hábitat de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia sede Medellín. Ha ganado diversos premios: Mención de Honor en Crítica, XVII Bienal Panamericana de Arquitectura SAQ 2010, Quito, 2010; Premio Nacional de Arquitectura Carlos Martínez Jiménez, XVI Bienal Colombiana de Arquitectura, 1998;

dos veces mención de honor en las Bienales Colombianas de Arquitectura de 1996 y 1998; Premio Departamental de Historia del Ministerio de Cultura en 1998. Autor, entre otras obras, de: El Darién. Ocupación, poblamiento y transformación ambiental. Una revisión histórica. Partes I y II; Del alarife al arquitecto. El saber hacer y el pensar la arquitectura en Colombia 18471936; y El Carré y el Vásquez. Memoria urbana de Medellín en el contexto de Guayaquil.

CAMILO VALLEJO GIRALDO

Pontificia Universidad Javeriana. Sus investigaciones se han centrado en las narrativas de construcción de memoria del conflicto y la violencia desde el periodismo, la literatura y el derecho. Columnista del periódico La Patria de Manizales.

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Abogado especialista en Constitución de la Pontificia Universidad Javeriana. Candidato a magíster en periodismo de la Universidad de los Andes. Es investigador del Centro Nacional de Memoria Histórica y profesor de historia de las ideas políticas de la

INVITADOS RIGOBERTO GIL MONTOYA

es narrador y ensayista. Doctor en Literatura de la Universidad Nacional Autónoma de México y profesor de la Universidad Tecnológica de Pereira. Premio Nacional de Novela “Aniversario Ciudad de Pereira” y Departamental de Historia del Ministerio de Cultura. Premio de ensayo “Caldas 100 años”. Ha publicado los libros El laberinto

de las secretas angustias (1992), La urbanidad de las especies (1997), Nido de cóndores: aspectos de la vida cotidiana de Pereira en los años veinte (2002), Retazos de ciudad (2002), Pereira: visión caleidoscópica (2002), Plop (2004), Guía del paseante (2005) y Territorios (2010).

OCTAVIO ESCOBAR

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Nació en Manizales. Es médico cirujano, especializado en Literatura Hispanoamericana, profesor de literatura en la Universidad de Caldas. En 1995 publicó las novelas Saide y El último diario de Tony Flowers; en 2003 El álbum de Mónica Pont; en 2007, 1851. Folletín de Cabo Roto, que lo convirtió en uno de los autores más populares del momento en su país. Escobar Giraldo ya era un autor de culto gracias a sus libros de cuentos De música ligera (1998) y Hotel en Shangri-Lá, en 2002, cuyos personajes

forman parte de un proyecto narrativo del que también participan los de Saide, y que constituye uno de los retratos de la sociedad colombiana más acertados del cambio de siglo. En 2010 llegó al público Destinos intermedios, y en el 2013 publicó Cielo parcialmente nublado. Ha recibido varios premios, entre ellos: El premio Crónica Negra Colombiana, en 1995; fue el ganador en la VIII Bienal Nacional de Novela José Eustasio Rivera, 2003; y Premio Nacional del Ministerio de Cultura, en 1998.

INVITADOS FERNANDO ALONSO RAMÍREZ

Periodista y parte de la redacción del periódico La Patria de Manizales, en donde ocupa el cargo de Editor de Noticias. Terminó sus estudios de derecho en la Universidad de Manizales y ha sido catedrático en Comunicación Social y Periodismo

de la misma. Forma parte de los consejos directivos de la Fundación para la Libertad de Prensa (Flip) y de Consejo de Redacción colectivo por la promoción del periodismo de investigación en Colombia.

OCTAVIO ARBELÁEZ

Fue decano de la Facultad de Artes de la Universidad de Caldas (1985-90) y Coordinador Nacional del Programa del PNUD, en el área de cultura y nuevas tecnologías. Es columnista de revistas y de periódicos de Iberoamérica. Participa regularmente como ponente en numerosos congresos y seminarios académicos, nacionales e internacionales sobre gestión, política, marketing, economía, industrias y redes culturales. Este año fue el ganador de la Mención Internacional al Mérito de la Sociedad Internacional para las Artes Escénicas, como reconocimientos a su trayectoria en el ámbito de la gestión cultural en Colombia y Latinoamérica.

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Abogado y especialista en filosofía y marketing cultural. Desde 1984 dirige el Festival Latinoamericano de Teatro de Manizales, uno de los más importantes en su tipo y el Mercado Cultural de Medellín, CIRCULART. Fue presidente y fundador de la Red de Promotores Culturales de Latinoamérica y preside REDLAT Colombia. Es miembro fundador y primer presidente de la Asociación para el Desarrollo de la Industria de la Música en Iberoamérica, ADIMI (2007). Fue su Secretario Ejecutivo hasta 2010 y miembro de su actual Junta. A finales de los años noventa, se desempeñó como director de Artes del Ministerio de Cultura y Viceministro de Cultura (1999-2000).

INVITADOS FABIO RUBIANO

Nació en 1963, en Fusagasugá. En 1983 empezó a estudiar en la Escuela Superior de Teatro de Bogotá. En ese proceso afinó su escritura y entró de lleno a las tablas. Hizo su primer papel en la pantalla chica en Asunción (1989) como un taxista. Luego seguiría Crónicas de una generación maldita, dirigida por Jorge Alí Triana y Vuelo secreto, que darían paso a más de 30 papeles en televisión y cine. Pero

definitivamente se quedó con el teatro. Desde 2001 es profesor en la Maestría en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional y hace unos meses celebró los 25 años del Teatro Petra, que fundó con Marcela Valencia. Ha sido el ganador del Premio Nacional de Dramaturgia en 1996, 1997, 1999 y 2009; también ha ganado cinco becas de creación, y cuatro coproducciones internacionales.

MARIO HERNÁN LÓPEZ

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Profesor de la Universidad de Caldas. Administrador de Empresas en la Universidad Nacional, Magister en Gestión Ambiental de la Universidad Javeriana y doctor en Paz, Conflictos y Democracia de la Universidad de Granada, España. Ha publicado relatos breves en revistas culturales y en el blog La loca de la casa, creado en el año 2005. Su última obra, Yo me acuerdo mal de usted, fue publicada por la Editorial Universidad de Caldas en marzo de este año.

Entre sus trabajos académicos se encuentran diversos ensayos sobre conflicto y paz publicados en revistas nacionales e internacionales, así como investigaciones sobre cuestiones ambientales y políticas públicas en el campo de la pobreza y el desplazamiento forzado por la violencia. En 2009, ganó el primer premio del concurso de literatura de Caldas con el libro de cuentos Palabras en la puerta.

INVITADOS ADALBERTO AGUDELO

Originario de Manizales. Es Licenciado en Lenguas Modernas y Literatura de la Universidad de Caldas. Como docente trasegó todo el esquema educativo desde la escuela rural hasta la cátedra universitaria. Publicó su primera novela Suicidio por reflexión, en 1967. Ha

merecido importantes galardones en cuento, novela, poesía y ensayo en los Estados Unidos, México, España, Chile y especialmente en Colombia. Es uno de los escritores más sólidos y disciplinados de Caldas.

JAIME ECHEVERRI

se han beneficiado de su asesoría en los últimos quince años. De su obra, lo más notable es: Historias reales de la vida falsa, Versiones y perversiones y otras inversiones, Las vueltas del baile y El mar llega a todas las playas, y las novelas Reina de picas y Corte final. Varios premios nacionales de cuento, obtenidos entre 1968 y 2004, dan fe de su calidad literaria.

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Nació en Manizales, es uno de los narradores más interesantes e imaginativos de la narrativa actual de Colombia. Hace parte del cuerpo docente de la Maestría en Escrituras Creativas de la Universidad Nacional de Colombia y es tutor en la especialización en narrativa de la Universidad Central. Algunos autores de renombre en Colombia y México

INVITADOS ORLANDO MEJÍA RIVERA

Nació en Bogotá 1961. Médico internista y tanatólogo, Magíster en filosofía, Docente e investigador de la Universidad de Caldas. Premio Nacional de la Academia de Medicina en 1994, Premio Nacional de Novela del Ministerio de cultura en 1998, Premio Cámara Colombiana de Libro al libro científico-técnico de 1999, Premio Nacional de Ensayo Ciudad de Bogotá del mismo año. Algunos de sus libros: Pensamientos de guerra (2000),

De clones, ciborgs y sirenas (2000), La muerte y sus símbolos (1999), De la prehistoria a la medicina egipcia (1999), La Generación mutante (2002), El asunto García y otros cuentos (2006), El enfermo de abisinia (2007), Recordando a Bosé (2009). Autor de ensayo biográfico: “Heinz Göll: Das Vagabundieren das Kunstlers (El vagabundear del artista)”, en libro sobre el artista plástico austríaco Heinz Göll.

CLAUDIA PATRICIA LEGUIZAMÓN LONDOÑO

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Creció en Cali donde se desarrolló como bailarina en el Instituto Colombiano de Ballet –Incolballet, y realizó estudios universitarios de Arte Dramático y Educación Física en la Universidad del Valle y la Universidad de Caldas. Ha sido directora escénica y coreógrafa del Taller de Opera de la Universidad de Caldas por más de veinte años, al igual que del Laboratorio de Danza de la misma institución, apoyó su creación

a partir de los procesos obtenidos de la experiencia de trabajo con el teatro, la televisión, los títeres, la música y la danza en todos sus géneros. Pertenece al grupo de investigación Teatro, Cultura y Sociedad en donde apuesta por la investigación-creación desde todos sus proyectos y procura experimentar desde la reflexión en torno a la danza dramática.

INVITADOS CARLOS SUÁREZ QUICENO

Sociólogo de la Universidad Autónoma Latinoameriacana, licenciado en Español y Literatura de la Universidad de Antioquia y Magíster en Estética de la Universidad Nacional -sede Medellín-. Docente desde 1995, su experiencia investigativa se enfoca en temas sociológicos y en la didáctica de la lengua. Entre sus proyectos investigativos se encuentran: las causas de la transgresión de las normas jurídicas por parte de menores. Investigación basada en metodología

de historias de vida; la etiología de los comportamientos delincuenciales en mujeres judicializadas. Historias de vida; modelo para diseño de juegos interactivos de texto orientados al desarrollo de la comprensión de lectura y el pensamiento lógico. Además tiene múltiples participaciones en proyectos sociales en comunidades locales, y ha escrito un gran número de textos académicos publicados en diferentes revistas universitarias.

ADRIANA PAOLA FORERO OSPINA

Siglo del Hombre, Fondo de Cultura Económica, Luna Libros, Universidad Nacional, Universidad de los Andes, Universidad Javeriana, Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Ha sido docente de la Universidad de Caldas en la carrera de Diseño Visual y en la especialización en Edición de Publicaciones de la Universidad de Antioquia.

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Filósofa y magíster en Literatura por la Pontificia Universidad Javeriana y magíster en Edición por la Universidad de Salamanca y Santillana Formación, España. Editora con cerca de veinte años de experiencia en el sector público y privado, tanto en publicaciones de narrativa como en las académicas e institucionales. Durante su ejercicio profesional ha trabajado para Santillana, Panamericana Editorial,

INVITADOS SERGIO OCAMPO

Nació en Bogotá. Estudió Comunicación Social y Psicología en Bogotá, ciudad donde ha vivido la mayor parte de su vida. Periodista por casi veinte años, en 2008 decidió dedicarse del todo a la literatura. Comenzó como cronista y reportero en El Tiempo, donde luego fue editor político y editor nacional. También fue editor general de El Colombiano, y de El Heraldo. Es ganador de los premios

Simón Bolívar de 1998 y 2005, del premio CPB de 1996, y del Semana Petrobrás, de 2008. Actualmente es profesor en la Universidad Externado de Colombia, y en la Pontificia Universidad Javeriana, ambas en Bogotá. Es columnista del Diario La República de Colombia y columnista invitado del Diario El Comercio, del Perú, y tallerista internacional sobre temas de política en América Latina.

JULIAN MARULANDA (REPTIL)

Co creador y co editor de Dr. Fausto Publicaciones. Diseñador visual de la Universidad de Caldas, autor de fanzines autopublicados e Ilustrador freelance.

DANIELA MESA

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Estudiante de Filosofía y Letras, directora de la revista Cazamoscas. Lectora y entusiasta de los cómics.

http://relampagarto.tumblr.com/ email: reptilido@gmail.com

INVITADOS NOMÁS

Es un autor que no debe pasar desapercibido del radar del cómic colombiano. A principios del siglo XXI se tomó internet con innovadoras propuestas de publicación: ezines, webzines y blogs en los que daba cuenta de manera habitual de su trabajo. Con una línea de diversos registros, así como con un despliegue

de talento para el color, los cómics de Nomás son desparpajados y no le temen a la posible autocensura ni a los tabúes de nuestra sociedad. Acaba de publicar “Si yo fuera el jefe”, compilación de algunos de sus mejores trabajos hasta la fecha. nomascomics.blogspot.com

EDD MUÑOZ

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Una de las jóvenes firmas del cómic nacional. Ha ido posicionándose, poco a poco, como uno de los autores a tener en cuenta y todo gracias a sus fanzines y cómics en internet. Cofundador del fanzine Dr. Fausto, ha sido clave en la circulación de publicaciones independientes en Manizales, su ciudad de origen. Hace poco fue premiado con la Beca de circulación nacional del Festival Entreviñetas 2014. http://edwardmo.com/

INVITADOS MARTÍN LÓPEZ LAM

Artista gráfico peruano, licenciado en Bellas Artes. Vive desde el 2003 en Valencia (España) desde donde trabaja en diferentes proyectos entorno al dibujo, el cómic, la serigrafía y la edición de publicaciones independientes. Ha colaborado con revistas de diferentes partes del mundo como ARGH! (España), Qué Suerte! (España), Clift (España), Carboncito (Perú), El Buen Salvaje (Perú), Kuti (Finlandia), Puck (Italia), Mesinha de Cabeceira (Portugal) o

Komfort (Czech Rep.), y publicado en editoriales tan prestigiosas como Media Vaca, Ultrarradio, Aristas Martínez y Edicions De Ponent de España, y Chili Com Carne de Portugal. Desde el 2010 dirige el sello gráfico Ediciones Valientes donde publica antologías de cómics, dibujo e ilustración. Desde el 2011 codirige el Festival de autoedición gráfica y sonora Tenderete, en la ciudad de Valencia.

DANIEL JIMÉNEZ QUIROZ

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Desde el 2006 publica la revista Larva, especializada en promocionar artistas del cómic y otras artes visuales de diversas partes del mundo. Otra de sus facetas es la de director del Festival Entreviñetas, el festival de cómic y novela gráfica más importante de América Latina. Daniel ha sido premiado con un premio YCE en el 2012 en la Feria del Libro de Londres. En 2008 recibió una beca de investigación de parte de la Biblioteca

Luis Ángel Arango y el Banco de la República. En el 2013 fue incluido en la prestigiosa lista de los 70 nombres más importantes del mundo de los libros en español en la Feria del Libro de Buenos Aires. Ha tenido un papel clave como uno de los directores culturales más activos de Colombia en el campo de las artes visuales y la promoción de la lectura, así como en el campo de las publicaciones independientes.

INVITADOS FABER LONDOÑO MORENO

Maestro en Arte Dramático. Artista Escénico Profesional por más de 25 años. Fue actor, escenógrafo, utilero, vestuarista, titiritero y dramaturgo del teatro Matacandelas de Medellín, trabajó con el Teatro Pablo Tabón Uribe de Medellín y la empresa de Caja de Compensación Comfama Antioquia, con la Escuela Superior Tecnológica de Artes Débora Arango

de Envigado. Actualmente está en la Corporación de las Artes Escénicas Teatro Casa de Fuego de Medellín, donde es actor (Dramático, trágico, de comedia familiar y Titiritero) dramaturgo y director. Es docente en Historia del teatro, de técnica vocal hablada y cantada, de semiología del arte teatral, de dramaturgia y de actuación.

JULIÁN GREGORIO GAVIRIA ZULUAGA

improvisación y creación de personaje en el teatro en Panamá. Entre sus trabajos como actor y director están: “Los inquilinos de la ira”, “El monte calvo de Jairo Aníbal Niño”, “Un pequeño paso para el hombre un gran payaso para la humanidad”, creación colectiva, “la montaña del arco iris”, obra infantil, Productora de Panamá, “Los imbéciles están de testigo” de Andrés Caicedo.

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Licenciado en Artes Escénicas con énfasis en teatro, candidato a Magister en educación, docente del programa de Artes Escénicas Universidad de Caldas, ha trabajado como profesor de Teatro y expresión corporal en la Secretaría de Educación de Bogotá, Institución Educativa República Bolivariana de Venezuela, profesor Fundación Conquistando con Talentos; ha orientado talleres de teatro infantil,

INVITADOS MILER LAGOS

Cursó sus estudios de Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia e Ingeniería Mecánica en la Universidad de América. Sus obras e intervenciones escultóricas revelan su particular inquietud por entender la esencia misma de los materiales que constituyen su entorno. Proyectos como El papel aguanta todo, SilenceDogood, Semillas mágicas o Cimientos, se desarrollan mediante la técnica de talla sobre papel apilado, lo que deja al descubierto la abundancia del material impreso, inseparable de

MARGARITA ARIAS

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Bogotá, 1977. Historiadora, especialista en gestión y promoción cultural, candidata maestría en enseñanza de lenguas extranjeras. Profesora de inglés y correctora de estilo.

la forma escultórica que tiene una clara referencia a los troncos de los árboles y las propiedades del papel mismo. Entre sus últimos proyectos se cuenta The Great Tree of Water, que celebra el mito sagrado sobre la creación del río Amazonas a través de esculturas, relieves de papel, collage y dibujos de gran formato, o Rompimiento de Gloria, en el que a través del video y la fotografía, recoge sus experiencias en el Ártico canadiense.

INVITADOS JAVIER MAURICIO NARANJO VASCO

Ingeniero Químico, con énfasis en Ambiental, Magíster en Ingeniería Química y PhD en Ingeniería de la Universidad Nacional de Colombia sede Manizales. Sus temas de interés abarcan desde la ingeniería ambiental y sanitaria, hasta la biotecnología industrial enfocada

en el aprovechamiento de los recursos naturales renovables para la producción sostenible de productos de valor agregado como biomateriales, biocombustibles, bioenergía y seguridad alimentaria, todo enfocado hacia el concepto de biorefinerías.

PABLO ROLANDO ARANGO GIRALDO

filosofía moral (teórica y aplicada), y De la belleza y otros caprichos de conservador. En el 2010 fue el ganador del premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Educación. Ha publicado artículos de filosofía en revistas especializadas, y durante su carrera también se ha dedicado a realizar traducciones para diferentes medios.

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Filósofo de la Universidad de Caldas, y magister en Filosofía de la misma universidad. Su principal interés dentro de la filosofía ha sido la ética y la moral, y en especial la aplicación de estas a la vida práctica. Actualmente es profesor de la Universidad de Caldas, y ha escrito en varias revistas nacionales. Ha publicado tres libros: Ética y significado: una defensa del objetivismo moral, Introducción a la

ACTIVIDADES PABELLÓN INFANTIL [4 – 12 años] PABELLÓN JUVENIL [12 – 25 años] Talleres certificados por la Universidad de Caldas Cada taller estará orientado a un grupo máximo de 30 personas [Inscripción previa]

TALLER JÓVENES ESCRITORES Un espacio para el aprendizaje y el desarrollo de la creación literaria. Dirigido a todas aquellas personas que quieren potenciar su capacidad creativa y expresiva, además de su formación intelectual y que buscan ampliar su horizonte teórico. El curso se centrará en el desarrollo del talento narrativo desde la práctica de la escritura. El taller será dictado durante tres días de 9 a.m. a 12 m y de 2 p.m. a 5 p.m por: Francisco Hinojosa Marcela Sánchez Mota Rigoberto Gil

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TALLER DE ILUSTRACIÓN Para el aprendizaje y el desarrollo de las habilidades creativas para la ilustración en alianza con el Festival Entreviñetas. Dirigido a todas aquellas personas que quieren potenciar su capacidad creativa y expresiva. El curso se centra en el desarrollo del talento narrativo a partir de la ilustración de historias.

TALLER DE ESCRITURA CIENTÍFICA Dirigido a investigadores y estudiantes de postgrado que certifiquen su inquietud investigativa (certificado de Estar o haber cursado una maestría o estar activo en un grupo de investigación) y quieran desarrollar sus competencias para la escritura de artículos científicos y adquirir conocimientos en formas de citación, procesos editoriales de revistas y libros científicos. Dictado por Docentes de las Maestrías y Doctorados de la Universidad de Caldas y Universidad Nacional Sede Manizales TALLER DE EXPRESIÓN GESTUAL Y COMUNICACIÓN ORAL El taller se propone como un elemento dinamizador del desarrollo del lenguaje. Orientado al mejoramiento de conductas lingüísticas con la intervención estimuladora del lenguaje oral y con el cual contribuimos al desarrollo de las capacidades necesarias para la lectura. El taller tendrá un componente lúdico, orientado por: Julián Gregorio Gaviria Faber Londoño

TALLER ESCRITURAS DE LA VIOLENCIA PARA LA MEMORIA Discutir sobre las posibilidades de una escritura de la violencia que se enfoque hacia la construcción de memoria. Se busca que los talleristas puedan acercarse a las propuestas éticas y a las inquietudes estéticas que se encuentran al momento de construir relatos sobre la violencia y el conflicto El taller será orientado por Camilo Vallejo STAND TRUEQUE DEL LIBRO Con el objetivo de favorecer a toda la comunidad e incentivar la lectura, se realizará el intercambio de libros gratuito. La Universidad de Caldas, a través de la oficina de Producción Editorial, y El diario El Espectator buscan que aquellos menos favorecidos tengan la oportunidad de adquirir un nuevo libro por medio de canje en el marco de la Feria del Libro, donde los asistentes llevando un libro ya leído, pueden hacer un intercambio para adquirir uno del stand.

EXPOSICIONES Realizar una actividad creativa, debe contar con la lectura, es por eso que el arte está ligado a la 5ta Feria del Libro. En el Centro de Museos de la Universidad de Caldas podrán encontrar: _Cimientos del Artista Miler Lagos _Exposición Concurso de arte Homenaje a la memoria de Gabriel García Márquez

EQUIPO FERIA DEL LIBRO FELIPE CÉSAR LONDOÑO Rector MARIA VICTORIA BENJUMEA Vicerrectora de proyección LUIS MIGUEL GALLEGO S. Editor SERGIO LUIS OSPINA Asistente editorial OCTAVIO ESCOBAR Asesor Feria del Libro CAROLINA GUACANEME Productora General PAULA ECHEVERRI Productora ejecutiva VERONICA OSORIO Jefe de prensa SEBASTIÁN DAHM Fotógrafo ÁNGELA PAULINA CRUZ Asistente administrativa

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TALLER DEL LIBRO DIGITAL El taller se dedica a mostrar los desarrollos en materia de libros y lectura digital, buscando orientar el uso de los recursos textuales digitales por medio del conocimiento y manejo de las herramientas más adecuadas entre los desarrollos tecnológicos disponibles actualmente. El taller estará orientado por: Carlos Suarez Quiceno

EQUIPO XXXVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE MANIZALES

Director Artistico Octavio Arbeláez Tobón Directora Ejecutiva Pamela Jaramillo Lombana Producción General Julián Arbeláez Tobón Coordinador de Producción Sergio Arenas Guzmán Coordinadora de Escenografía y Montaje Paula Andrea Leguizamón Jefe Técnico José Norberto Henao Asistente Jefe Técnico Valentina Hincapié Agudelo Eventos Especiales Beatriz Elena Quintero López Angelica Castillo Mejía Paula Tatiana Gómez Pérez

Coordinación de Calle Bredy Jeins Gallego Giraldo Asistente de Producción Calle Manuela Giraldo Valencia Coordinación Carpa German Camilo Díaz Fajardo Coord. de Alimentación y Hospedaje Ximena Dávila Mejía Asistente Alimentación Marlen García Alba Receptivo Aeropuerto Bogotá Marlis Marrugo Castillo Coordinación Transporte Rafael Valencia Montoya Coordinación Utilería Luis Ariel Pineda Uribe Coordinación Bodega Julián Gregorio Gaviria Zuluaga Coordinación de Guias Ángela Yauri Aristizábal Coordinación Prensa Lorena Suárez Muñoz Asistente de prensa y editora web Alejandra Ramírez García Coordinación de Publicidad Elena Mejía Echeverri Asistente de Publicidad Daniela Velásquez Restrepo Editor de contenidos/Director Periódico TEXTOS Wilson Escobar Ramírez Diseño & Comunicación Visual KikiriMiau Maria del Rosario Vallejo Gómez Humberto Jurado Grisales

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JUNTA DIRECTIVA Elvira Escobar de Restrepo Luz María Calderón Uribe Jorge Alberto Gutiérrez Jaramillo Felipe César Londoño López Matilde Cuartas Villegas Luz Adriana Trujillo Galvez Ana María Mesa Villegas Pedro José Delgado Gutiérrez Clara Lucia López de Estrada Carlos Adolfo Escobar Holguín Octavio Escobar Giraldo Sandra Vandenenden Amador Octavio Arbeláez Tobón Natalia Marulanda Mejia Catalina Rey López

CONFAMILIARES Jefe de sala Alejandro Loaiza Guzmán Operario de Luces Ian Salomón Huertas Camargo Operario de Luces David Felipe Román Calvo Operario de Luces Álvaro Andrés Castro Tramoyista Santiago Ramírez Calvo Tramoyista Cristian David Huertas Gutiérrez Servicios generales Francisco Javier Londoño Castro

TEATRO LOS FUNDADORES Operario de Luces Alexander Tobón Operario de Luces Leonardo Soto Operario de Luces Mauricio Soto Operario de Luces Luis Gabriel Bedoya Ríos Operario de Luces Fernando Cárdenas Cuervo Tramoyista Néstor Julián Salazar Londoño Tramoyista Juan Camilo Calderón Servicios generales Jhon Jarol Ospina Arias Servicios generales Luz Idalba Gómez Tobón

GALPÓN Jefe de sala Pablo Andrés González Tramoyista Camilo Pacheco Ospina Tramoyista Carlos Antonio López Vallejo Servicios generales Marlin Marin Marin

UNIVERSIDAD NACIONAL Jefe de Sala Edgar Fernando Barona Tramoyista Ricardo Giraldo Zuluaga Tramoyista Richard Alonso Hernández Calvo Servicios generales Manuela Ramírez Moreno Servicios generales Diana Inés Moreno Culma

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BODEGA Jefe de sala Diana María Buriticá Pineda Tramoyista Ricardo León Marín Matinez Tramoyista Diego Andrés Valencia Casas Tramoyista Yulian Andrés Olaya Zuluaga

RAFAEL POMBO - FONDO CULTURAL Jefe de sala Juliana Pineda Cárdenas Tramoyista Jhan Karla Martínez Quintero Tramoyista Juan Pablo Mejía Zapata Tramoyista Fabián Lozada CARPA Tramoyista Jairo Steven Calvo Taborda Tramoyista Omar Andrés Osorio Garzón Tramoyista Miguel Ángel Ayala Cárdenas Tramoyista Carlos Willian Pulgarin Marín Servicios generales Luisa Fernando Duque Gómez Servicios generales Martha Inés Sánchez

CALLE Asistente Calle Jessica Alexandra Orjuela Villa Asistente Calle Lino Jeison Cardona Rincón Asistente Calle Isabel Cristina Buitrago Osorio Asistente Calle Adriana María Rincón Flórez Asistente Calle Andrés Felipe Toro Arias Asistente Calle Ana Carolina Soto Ortiz Asistente Calle Natalia Rivera Alvarado Asistente Calle Luisa Daniela Guevara Wong Asistente Calle Jorge Hernán Moreno Culma Asistente Calle Jully Andrea Castillo Cadavid Asistente Calle Ivonne Garavito Trejos Asistente Calle Manuela Gómez Holguín Asistente Calle Ibán De Jesús Alarcón Marín Asistente Calle Fernando Alberto Pérez Murcia Asistente Calle Estefanía Giraldo Ramírez Asistente Calle Juan Camilo Gómez Palacio Asistente Calle Víctor Alfonso Coronado Marín Asistente Calle Luis Felipe Agudelo Quintero

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8 DE JUNIO Jefe de sala Manuel Alejandro Calderón Tramoyista Carlos Eduardo Giraldo Gómez Tramoyista Daniel Hoyos Loaiza Tramoyista María Elena Gutiérrez Zamora Servicios generales Mónica Castaño

ELECTRICISTA CALLE Electricista Alfonso De Jesús Higuita Arias Electricista José Ramón Castrillón Botero UTILEROS Asistente Utilería Luis Fernando Moncada Holguin Asistente Utilería Ana María Valencia Arias Asistente Utilería Juan David Salazar Cardona Asistente Utilería Jorge Eduardo Cárdenas Padilla Asistente Utilería Juan Pablo Charry Osorio Asistente Utilería Katterine Rocioupegui Sánchez

Asistente de Bodega José Fernando Hurtado Giraldo Asistente de Bodega Oscar Gutiérrez Mejía

AUXILIARES DE BODEGA Asistente de Bodega Juan Sebastián Cortes Gonzales Asistente de Bodega Cristian David Pava Valencia Asistente de Bodega Bernardo Sánchez Bustamante Asistente de Bodega Paolo Andrés Tabares García Asistente de Bodega Fredy Jair Fernández Carrera Asistente de Bodega David Ruiz Flores Asistente de Bodega Celiano Hernando Montes Ramírez Asistente de Bodega Luis Alfonso Serna Bedoya

OFICINA Secretaria Beatriz Herrera Salgado Asistente de Direccion Ejecutiva Paola Patiño Giraldo Coordinadora de Abonos Jenny Marcela Ramírez Contadora Liliana Patricia Salazar Arenas Revisora Fiscal Gloria Inés Ospina Isaza Servios Generales Yessica Fernanda Arcila Giraldo

ESCENÓGRAFOS 1 Escenógrafo Diego Fernando Sánchez Mendoza 2 Escenógrafo Roberto Adrián Duran Castro 3 Escenógrafo Federico Cárdenas Uribe

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CARPINTEROS 1 Carpintero Dario Arce Tabares 2 Carpintero Jonh Fredy Carvajal Sierra

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