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Fotografía por Peter Funch. Cortesía de V1 Gallery

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MIQUI PUIG PLACERES A UN EURO

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Me llamo Miqui, he pasado de los cuarenta. Solo unos meses. Y soy adicto. Lo reconozco y, al reconocerlo, lo llevo mejor. Soy adicto a tantas cosas e impertinencias que no sé si podría empezar a enumerarlas. Sería demasiado costoso, sobretodo por aquello de lo políticamente correcto que no controlo a veces y que otras me escuece, por no asustar y porque todos los hombres tienen secretos que decía un cantante con tupé y con lirios a la altura de la cintura.

Solo aquí, les reconoceré mi adicción a rastrear entre cubetas de viejos vinilos en busca de discos que me emocionen, con sus canciones, sus fundas, sus fotos para topos miopes, su cara A, su cara B y sus ruidos de fondo que imprimen carácter. En el extranjero lo llaman “diggin’” y a mi me provoca alergia, sobretodo por el polvo. Pero no soy de los que viaja miles de kilómetros para encontrar el disco más raro del mundo, intentar pagar menos y acabar con un riñón encima de la mesa del viejo mostrador del lugar. Lo mío es distinto. Por el precio del café que tomo delante de mi casa (sí, lo tienen rico y barato) encuentro tesoros, algo que complete, algo que te suene de oídas, aquella maravilla que un amigo tiene y que tu le darás envidia al saber que sólo te costo una pequeña moneda.

Este es el coleccionismo del que trataremos aquí, el de una pequeña tienda de caridad, el de la señora que quiere tirar los discos que se dejó el yerno de su hija o amontonados en el cubo de la basura. Y alzo la mano para decir que alguna vez también he pagado el precio de unas zapatillas “casual” por alguna vieja falta de adolescencia. Adicto, con clase y quiero creer que avispado.

La semana pasada tocó rastrear entre basura (palabra a reivindicar y usar más, mucho más) y encontrar perlas, sueños desubicados y hasta una pieza de coleccionista que imaginaste la noche anterior ante el teclado del ordenador. Pero por encima de todo este doble disco que hoy nos ocupa.

NAT KING COLE

“La voz de…”

EMI-Capitol - 1997 - España En el estado español existen prejuicios sobre la carrera del señor Cole por varias razones, pero la de más peso es sin duda aquellos discos sencillos que inundaban patios de casas, hogares de hule en la mesa y vete a saber cuantos lugares más de un pasado no muy lejano que existe y que alguien quiere tapar a golpe de ladrillos feísimos. Aquellas versiones de clásicos del bolero y demás nos dolían, como suele doler según que cosas que conócenos muy bien.

Llegó una película, “In the mood for the love”, y los mismos que denostaban tuvieron que quitarse las gafas de pasta al no dar crédito. Nuestro pequeño placer de hoy, el del euro perfecto, es doble, se enmarca dentro de una colección rara y muy perezosa de enumerar. Nuestro placer es la “voz” en estado puro. ¿Saben que Sinatra lo adoraba? Sabedor de su carisma cruzó la barrera del jazz que cambiaba a cada noche para dotar a melodías imperecederas de una calidez que nunca nadie ha igualado.

Hasta Marvin Gaye le rindió tributo…

Su trío giró y giró sin parar y dicen los entendidos que sus manos eran dos entes con vida propia capaces de crear melodías perfectas, rápidas,

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complejas y emocionantes. Pero esto está en otros discos (que si quieren ya buscaran en otro momento) y no en el de hoy.

El suave viaje de “Route 66” en voz de Cole es cada vez más clásico, lejos y complementario de los ruidos de los venideros. “Ramblin Rose”, la “Mona Lisa” (que no quería grabar y que le dio su segundo número uno, cuando los números unos eran millones y millones), pero por encima de todo “Sweet Lorraine”: cuerdas increíbles, arreglos como guantes para que su voz pasara a la historia.

Esto que les cuento esto es historia y se puede complementar con la magnifica biografía de Cole que el pasado año editó Global Rhythm en su colección “Biorritmos”; con ella tienen en sus manos la oportunidad de entender la evolución de muchas cosas o disfrutar sin más en 24 canciones de una de las voces más maravillosas de todos los tiempos.

Por solo un euro.

A

penas un mes antes de que finalizara el pasado año, el británico Matt Elliott volvía a ser noticia, por la publicación de su cuarto álbum en solitario “Howling Songs” (Ici D’Ailleurs-Acuarela, 2008). Un disco que junto a “Drinking Songs” (Ici D’Ailleurs-Acuarela, 2005) y “Failing Songs” (Ici D’Ailleurs-Acuarela, 2007) cierra la trilogía de las “canciones”.

Un conjunto que debería ser estudiado en los colegios, ya que sin que el propio autor sea consciente del todo, ha firmado una de las obras musicales más inquietantes y necesarias de la primera década de este loco siglo en el que vivimos.

Aprovechando una breve visita que el de Bristol hizo a la capital, me cité con él en una céntrica librería para que nos contara más sobre su reciente disco que formalmente defenderá en directo en nuestro país entre febrero y marzo y, ya de paso, los entresijos de la mencionada trilogía. Fue horas antes de que guitarra en mano, ofreciera un mini showcase en dicho lugar. Posiblemente aquel día fue uno de los más fríos de todo el invierno, pero durante la media hora que duró esta entrevista mi sensación fue sin lugar a duda, la contraria.

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Estás presentando tu recién publicado “Howling Songs”, un disco que cierra la triología de las “Songs”. Si “Drinking Songs” era un disco de canciones de taberna, canciones para beber y olvidar, y de “Failing Songs” decías que era un disco en el que hablabas del fracaso, ¿de qué tratan las canciones de “Howling Songs”?, ¿cómo lo describirías?

Bueno, “to howl” significa aullar, que es lo único que podemos hacer tras la pérdida de alguien o algo. O aullamos, o nos callamos y morimos. Este disco tiene que ver con eso, con la gente que sufre o ha sufrido por diferentes motivos y que sólo les queda aullar y, quizá, por eso suene más fuerte, más agresivo.

Sí, en cierto modo yo también lo siento más salvaje, más visceral que los dos anteriores. De hecho, creo que la clave para transmitir esa angustia está en el tipo de instrumentación (más clásica y a su vez orquestal) que has elegido para “Howling Songs”.

Cada vez prescindes más de los elementos electrónicos. Instrumentalmente hablando, ¿Cómo resumirías tu evolución?

En las canciones de “Howling Songs” aún quedan algunos elementos electrónicos, pero están en un segundo plano. La electrónica no me ofrece esas emociones que un instrumento genera en mí cuando

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lo toco, y eso trasladado al directo, se nota también en cómo lo recibe el público.

Realmente ha sido una evolución basada en la sensación de placer absoluto, que ha supuesto en mí el tocar un instrumento clásico, como es en este caso ha sido la guitarra. Sentimientos que, jamás me los ha proporcionado la electrónica.

Estoy de acuerdo en que es muy difícil plasmar las emociones en el terreno electrónico, pero como en todo, siempre hay alguien que aleja esa idea de mi mente momentáneamente. Te hablo de Burial...

Sí, Burial me gusta mucho, el dubstep en general. En los últimos seis años apenas he escuchado discos de electrónica, porque entre otras cosas pensaba que ya todo estaba inventado y que el resto eran meras repeticiones de lo hecho anteriormente. Pero en países como Holanda se está cociendo algo muy interesante en ese terreno. Mucha gente joven está indagando en sonidos como el dubstep, el jungle o el breakstep creando muy buenos sonidos. Está bien saber que aún hay ciertos elementos que me hacen pensar en que no todo está inventado.

Cambiando de tercio, no sólo ha variado la instrumentación en tu último disco, también por primera vez has grabado en un estudio y con Nicholas Dick haciendo las labores de ingeniero de sonido. Teniendo en cuenta que

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hasta ahora siempre habías grabado en casa y eras tú quien lo hacía absolutamente todo. ¿Cómo han repercutido estos cambios en ti?

El hecho de haberlo grabado en un estudio, ha sido crucial en este disco. En primer lugar, teníamos el tiempo en contra ya que no disponíamos de demasiado presupuesto para grabarlo, y eso dio pie a que los músicos que han participado en él improvisaran sobre mis composiciones, haciendo que casi todo naciera en el estudio. Yo sólo llevaba compuesto el esqueleto de cada tema y su letra. Y en segundo lugar no tuve tiempo para analizar prácticamente nada, cosa que en mis anteriores trabajos ha ocurrido siempre precisamente por tomarme todo el tiempo del mundo. Esta ha sido la razón fundamental para que antes no disfrutara durante el proceso de grabación, por estar muy pendiente del resultado, al contrario que esta vez. En referencia al trabajo de Nicholas, siempre me había mostrado muy reacio a abandonar el control, pero ha sido una gran experiencia porque a su vez, ha supuesto una especie trabajo basado en la confianza y la intuición. De alguna manera sabía que él no lo iba a hacer mal. Por todo ello estoy muy contento, en todos los aspectos, con el proceso y resultado del disco.

Entonces, ¿Estamos ante el disco más completo de Matt Elliott?

Sin lugar a dudas, aunque haya cosas que no me gusten, pero siempre me pasa. Antes solía pensar mucho tras oír mis discos varias veces: “bueno, en el siguiente haré esto y aquello...” y de repente gracias a las experiencias vividas en plena grabación, como el mero hecho de improvisar, he conseguido un resultado inesperado con el que estoy muy satisfecho.

Pasemos a hablar de tus canciones.

Observando tus blogs en Myspace, hemos podido ver tu preocupación por los conflictos sociales efectuados

por el poder de la sociedad occidental del siglo XXI, y cómo sus víctimas son los países con menor desarrollo; ¿En qué medida influye todo esto a la hora de escribir dichas canciones?

Sinceramente no creo que me hayan influido aunque a veces piense en ello, pero ni soy, ni pretendo ser un cantautor protesta.

Tal vez, la única manera en la que me han podido afectar, es que estos hechos me hacen sentirme extremadamente triste y puede que algo de eso se vea reflejado en mi música. No pienso sólamente en los grandes conflictos, sino también en esas pequeñas injusticias que ocurren a diario por culpa del ansia que tienen algunos individuos por hacer dinero. Pero creo que deberíamos combatir de alguna manera contra eso, creando un sistema muy diferente al que tenemos ahora. Nos beneficiaría a todos y pienso que no es tan difícil, ya que son una inmensa minoría los que sacan beneficio del sistema capitalista. ¿Tienes fe en que las cosas cambien?

Veo que la gente está despertando poco a poco, cosa que antes jamás hubiera pensado. Pero la reacción que se generó en la gente de todos los países, tras el asesinato de un joven por parte de un policía en Grecia me ha dado muchísima esperanza porque entre otras cosas veo una generación, a diferencia de la mía, que reacciona, que se manifiesta.

Además, por lo que he podido observar en tu Myspace mucha de esa gente a la que aludes, comparte contigo opiniones, videos y fotografías. Tú les das y ellos te devuelven.

Sí, de hecho ese es uno de los motivos por los que me siento tan feliz. La gente que escucha mi música comparte sus sensaciones y pensamientos conmigo y esto me convierte en un ser muy afortunado. Especialmente gente de Grecia, donde tras lo sucedido muchos me escribieron y enviaron sus fotografías o videos, algo que de verdad agradezco.

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Hablemos de la trilogía. Después de tu primer álbum como Matt Elliott, “The Mess We Maid” nada hacía pensar que ibas a romper tanto con el estilo que venías defendiendo para dejarte llevar por los sonidos de los Balcanes o el Mediterráneo. Unos sonidos que a medida que has ido ofreciéndonos los trabajos de “Songs” cada vez son más evidentes, casi haciendo que olvidáramos tu pasado como Third Eye Foundation. ¿Qué te llevó a investigar por estos sonidos en concreto?

Realmente es la esencia de esa música tan frágil lo que me llamó la atención, y empecé a indagar. Nunca he intentado copiar a nadie, aprendí a tocar la guitarra de esa manera, suave, como la toco ahora.

Pero vuelve a tener que ver con las emociones: tocar la guitarra de esa manera tan concreta, donde más que tocarla la estoy acariciando, me transmite mucha paz. La música no es intelectual, son sentimientos y hay una obvia conexión neurológica para que nuestro cerebro se estimule de esta o aquella manera dependiendo de lo que escucha. Pienso mucho en eso, es alucinante.

No obstante, aunque parezca una contradicción, en alguna entrevista has confesado tener pánico a volar en avión. Supongo que para implicarte en primera persona en las tradiciones folklóricas de estos países, has tenido que viajar mucho...

Es cierto que padecí ese miedo, pero ya está curado. Solía incluso estar un par de días sin poder comer cuando tenía que coger un avión, y después los viajes se me hacían eternos... era un auténtico infierno.

Pero un día estando en ese estado, escuché cómo una niña sentada detrás de mí lloraba y gritaba muy fuerte y paradójicamente, yo me tranquilicé pensando que había alguien que lo estaba pasando peor que yo. Ahora que lo pienso, he rechazado tocar en un montón de países que

me podrían haber aportado excelentes experiencias, por culpa de ese miedo... ¡es tan ridículo!

Tras haber escuchado los tres discos seguidos, siento tu trilogía como la evolución de unos personajes que a lo largo de sus vidas avanzan hacia el caos, hacia la tragedia. Mucho me temo que la instrumentación tiene mucho que ver con mi sensación, ya que en los tres álbumes se percibe mucha tristeza, pero si los separas, del primero al tercero el grado de dolor va “in crescendo”;¿Cómo la definirías tú?

Tengo una relación muy especial con esta trilogía, hay muchas tramas personales puestos en ella y, suelo procurar reservármelos para mí. Pero me parece muy interesante cómo la enfocas, desde unos personajes y su evolución, porque en cierto modo hay algo de eso en ella.

Para terminar, creo que esta trilogía pide a gritos una gira con orquesta como la que presentaste dos años atrás en el auditorio del Primavera Sound. ¿Alguna pista de cómo defenderás tus canciones en directo? ¡Ojalá pudiera costearme una gira así!

Ofrecí algunos conciertos por Europa en ese formato y disfruté muchísimo...

Además tengo muy buena relación con los músicos que me acompañaron, pero hasta que alguien se vuelva a interesar y me lo costee, me parece que no va a ser posible. De momento, la gira que presentaré en España entre marzo y abril iré como siempre, acompañado por mi guitarra.

Sergio Romero Fotografía - Victor Malkievic Matt Elliott estará visitando de nuevo nuestro país todo el mes de Marzo y algunos días en Abril. Madrid, Valladolid, Gijón, Vitoria, Zaragoza, Barcelona, Elche y Granada serán sus destinos.

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noticias

El adiós de Silver Jews Hace unos días David Berman hizo público la disolución del grupo. Como despedida ofrecieron un concierto muy especial a cien metros bajo tierra.

Silver Jews desaparece como banda tal y como anunció su líder y vocalista David Berman debido a su retirada del mundo de la música. A modo de despedida el grupo ofreció un último concierto con un formato muy especial en las Cumberland Caverns de Tennessee a cien metros bajo tierra. A él solo pudieron acceder trescientas personas y el grupo interpreto las quince canciones favoritas de Berman de la discografía de Silver Jews.

Se marcha así uno de los grupos más importantes e interesantes de la escena independiente americana.

Concurso de carteles para Heineken Jazzaldia Heineken convoca el concurso de carteles para la 44 edición de Heineken Jazzaldia, que se celebrará en San Sebastián del 22 al 26 de julio. El premio está dotado con 1.200 euros y ofrece además la oportunidad al ganador de que su diseño sea visto por decenas de miles de personas, al ser el Heineken Jazzaldia uno de los festivales más importantes y de más tradición del continente europeo.

Las obras que deben ser inéditas y originales, sólo se podrán presentar accediendo a la página www.heinekenjazzaldia.com hasta el día 5 de abril.

bros de 6PM para la publicación de su nuevo trabajo discográfico. “Tape Worms“ será el título que lleve el Ep que los gallegos publiquen el 3 de Abril. Contará con cinco canciones, una de ellas una versión muy especial del tema de José González “Down The Line”. Ya podéis escuchar un adelanto en su página de myspace: www.myspace.com/sixpostmorning Fib Heineken: Finalistas del proyecto Demo y primeros espadas

South Pop ‘09 La quinta edición del festival sevillano que se celebra los próximos 2,3 y 4 de Abril en la Sala Mandalar y el Teatro Alameda ya ha cerrado su line-up de este año. Un cartel, formado por interesantes nombres extranjeros y algunos de las principales figuras del pop independiente nacional, en el que destaca la presencia de Kurt Wagner de Lambchop, Pelle Carlberg, Francois Breut, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge o Lidia Damunt.

Tributo al Inquilino Comunista

Grace Jones. La actuación de esta cantante, modelo, actriz e icono de la modernidad más allá de la música estará marcada por su regreso al mundo discográfico más de veinte años después.

Además de la Pantera Negra ya han confirmado su presencia Fever Ray, proyecto en solitario de la cantante de The Knife Karin Dreijer Andersson, el alocado francés Sebastian, Erol Alkan, Moderat, Filastine, Deadmau5, la sensación del año pasado Dj Mujava, Late of the Pier, XXXxhange, Busy-P, James Pants, Ebony Bones y Micachu & the Shapes.

S.O.S. 48: Cartel completo

Maika Makovski: Buenas Nuevas

Grace Jones

PJ Harvey

foto por Xavier Vila

Tras “Kradiaw” (Wild Punk, 2005) y “Kraj So Koferot” (Wild Punk, 2007), Maika Makovski ha grabado su tercer disco en Bristol, bajo la producción de John Parish y con la colaboración de Jim Barr, bajista de Portishead.

El disco que llevará por título “Maika Makovski”, ya que la propia Maika se siente muy identificada con él. “Tiene un punto considerable de oscuridad aunque también mucho oxígeno y algún momento de luz”.

Añade que intenta crear su propio mundo, consiguiendo que nosotros “entremos en él con todos los estados de ánimo que en él habitan, que son muchos”.

La segunda edición del festival murciano está definida por completo con las incorporaciones de los dos grupos locales ganadores del 1er Concurso Talento SOS4.8 – murciarock. com. Estudiante Larry y Noise Box cierran así un cartel donde destacan nombres como Pj Harvey & John Parish, Spiritualized, The Prodigy, Underworld, Peaches, Los Planetas, EL Guincho, Russian Red, Klaus & Kinsky, 2 Many Dj’s, Matthew Herbert, Keane, Duffy o Miqui Puig Dj entre otros. Para más información: www.sos48.com Nacen dos nuevos sellos discográficos Uno en Barcelona y el otro en Galicia. El catalán se llama Doble Vida y nace exclusivamente para sacar singles en vinilo de 7 pulgadas. Todas sus referencias serán compartidas por un grupo local y otro foráneo y la primera de ellas, que ya está en marcha, la llenarán los barceloneses Extraperlo en una cara y a los neozelandeses The Ruby Suns en la otra.

El otro sello es In Silence Recordings y ha sido creado expresamente por los miem-

The Psychedelic Furs El 1 de Abril se celebra la final del proyecto demo del Fib Heineken. Los grupos participantes son: Astradyne (Barcelona), elegidos por voto popular, Ozores (Albacete) y Ratolines (Alcacer, Valencia) y dirimirán sobre el escenario cuál de ellos pasará a formar parte del cartel de FIB Heineken 09. Además, la velada será amenizada desde los platos por Homeboy DJ. El acceso a la final será, única y exclusivamente, con invitación. Éstas se podrán descargar en proyectodemo.com/final Por otro lado ya han puesto un buen puñado de nombres sobre la mesa como son los de Paul Weller, Oasis, Franz Ferdinand, Kings of Leon, The Psychedelic Furs, Boyz Noize, White Lies o Friendly Fires, hecho que les ha llevado a vender ya más de 20.000 abonos cuatro meses antes de la celebración de éste.

Los días 27 y 28 de Marzo se celebra en Madrid el primer Noise Pop Weekend. Un festival que tiene como hilo conductor a El Inquilino Comunista. Todos lo grupos participantes rendirán tributo a esta gran banda que ha influenciado a tantos grupos españoles. Además se proyectará “De viaje por el Xixon Sound”, documental realizado por Astro Discos y donde se cuentan los orígenes y desarrollo de lo que fue toda la escena surgida en Asturias a principios de los 90.

Acuarela, a buen ritmo Tras la publicación del último trabado de Darren Hayman, el sello dirigido por Jesús Llorente vuelve a la carga con las ediciones del nuevo álbum de Arborea y el primer Ep para el sello español de Ant, grupo liderado por el antiguo batería de Hefner Antony Harding.

Y como no todo son trabajos de artistas foráneos el 22 de Marzo también ponen a la venta “1971”, el primer trabajo de Elle Belga, el nuevo grupo del ex-Manta Ray Josele García y Fany Álvarez.

Sonar, primeros nombres A la ya conocida actuación de Orbital se suma ahora la del icono de los ochenta

Novedades desde Limbo Starr Hace muy poco tiempo el sello madrileño ha puesto a la venta los recopilatorios de Maga y Tachenko. En el caso de los primeros cierran así su etapa con Limbo Starr y los segundos aprovechan para remasterizar los descatalogados Nieves y Rescates y Las Jugadas Imposibles, además de los míticos Eps Amable y El Tiempo en los Urales. Dos compilaciones que además vienen acompañados de un Dvd con actuaciones en directo y versiones inéditas.

Por otra parte, Limbo Starr anuncia la salida al mercado de “Error de Fábrica”, el tercer trabajo de P.A.L. el 30 de este mes y el nuevo disco de Abraham Boba que también verá la luz esta primavera.

Anteojos Booking, giras y grandes conciertos Metidos de lleno en su segundo año de vida desde Anteojos Booking no paran de proponernos cosas. En este caso se trata de las de That Fucking Thank por un lado, y por otro la gira conjunta de Don Vito y No Nebraska! Para completar su oferta de Abril organizan en Madrid el concierto de los legendarios The Ex el 16 de Abril y que tendrán como teloneros a los zaragozanos Picore.

Últimos confirmados, distribución por días y shows especiales en el Primavera Sound

Ariel Pink, El-P, Simian Mobile Disco, Jeremy Jay,

Descarga gratuitamente el nuevo disco de Ama

A-Trak, Jesu, Alela Diane, Shearwater, Kitty Daisy

Los donostiarras Ama editan su tercer trabajo y lo

& Lewis, The Soft Pack, Chad VanGaalen, Plants

ponen a disposición de todo el que lo desee en

& Animals, The Secret Society, Maika Makovski,

www.amamusica.info

Zombie Zombie, The Lions Constellation, Lemonade

Y lo mismo con Joe-k Plan

y Dj Mehdi

En este caso puedes cogerlo directamente desde la web de su sello discográfico Aloud Music. www.aloudmusic.com

Fabchannel echa el cierre

Nuevo single de Delorean Esta primavera los vascos publicarán su primer

El festival Barcelonés ya ha confirmado casi la totalidad de su cartel para esta nueva edición. Durante el último mes hemos conocido que además de la esperada actuación de Neil Young, más de veinte años después en la capital catalana, estarán en el Parc del Forum Saint Ettiene que basará gran parte de su repertorio en su ópera prima “Foxbase Alpha”, Jeremy Jay, Herman Düne, Liars, Duchess Says, Stanley Brinks, Dj Rupture, Dj Yoda, Rhythm & Sound, Dead Meadow, Maika Makovski, La Bien Querida, Los Punsetes o Meneo entre otros.

La distribución por días queda así: Jueves 28 de mayo My Bloody Valentine, Aphex Twin, Yo La Tengo, The Jesus Lizard, Phoenix, Squarepusher, The Vaselines, Spectrum, Andrew Bird, Jay Reatard, Lightning Bolt, The Bats, Marnie Stern, Dead Meadow, Ponytail, Ebony Bones, Wooden Shjips, The Bug, Bowerbirds, Joe Crepúsculo y Los Destructores, Wavves, The Tallest Man On Earth, Women, Magik Markers, Veracruz, Girls, Cuzo y Meneo Viernes 29 de mayo My Bloody Valentine, Bloc Party, Jarvis Cocker, Spiritualized, Throwing Muses, Saint Etienne, Shellac, Joe Henry, Art Brut, A Certain Ratio, Sunn O))), Magnolia Electric Co., Jason Lytle, The Pains Of Being Pure At Heart, Michael Mayer, Dan Deacon Ensemble, Rhythm

Tras más de nueve años ofreciendo conciertos la web Fabchannel cesa su actividad. En un comunicado que ha ofrecido el canal de conciertos online explican que el fin de sus retrasmisiones se debe a que “un gran número se sellos discográficos no nos permiten continuar filmando a sus artistas, lo cual nos impide ofrecer lo que mantiene vivo al canal”.

trabajo con Mushroom Pillow. Será un Ep y llevará por título Ayrton Senna.

Earth en España Los americanos Earth están de gira por Europa y se pasarán por nuestro país los días 1 y 2 de Abril por Madrid y Barcelona Veinte años después, nuevo disco de Devo Será su primera grabación desde 1990 y verá la luz el próximo otoño.

Azkena Rock Festival va tomando forma

Drums, Sex & Dance Así se titula el quinto trabajo de Souvenir que ha sido

Trece nuevos grupos se suman al cartel del evento que tendrá lugar en Mendizabala del 14 al 16 de mayo. Destacan entre todas ellas la presencia de Soul Asylum, que retornan tras unos años de silencio, la de los legendarios The Zombies, autores de himnos generacionales como ‘Time Of The Season’, el pop psicodélico de The Soundtrack of Our Lives.

La gran esperanza blanca del soul también estará en Azkena Rock, Eli “Paperboy” Reed actuará el 15 de Mayo junto a sus True Loves con quienes firmó uno de los mejores discos del género en años. El regreso de The Breeders a nuestro país un año después de su última actuación o la de los garageros White Denim y el proyecto en solitario de Dan Auerbach, líder de The Black Keys también son algunas destacadas incorporaciones.

De esta manera se completa un cartel en el que sobresalían por encima de todos The Black Crowes, que ofrecerán una actuación única en España.

publicado por Jabalina a principios de este mes.

ATP también en cines La película que estará distribuida por Warp contiene grabaciones de conciertos de Sonic Youth, Grizzly Bear, Patti Smith, Portishead o Belle & Sebastian.

“Nuevo futuro” de Corazón El 30 de Marzo Elefant publica el segundo y esperado disco de regreso de Carlos y Nando. Cuenta además con colaboraciones de Teresa Iturrioz y Malela Durán.

Recopilatorio de Hello Cuca Austrohungaro editará a finales de mes un cd recopilatario de la banda murciana donde se repasará todas sus grandes canciones además de incluir alguna inédita.

Rinocerose pospone sus conciertos en España Debido al retraso en la salida de “Futurinô”, los franceses retrasan la fecha de los conciertos que iban a ofrecer en Madrid y Barcelona en el mes de Abril.

Plushgun en España Valencia, Barcelona y Madrid por dos veces verán

& Sound (Mark Ernestus), The Mae Shi, The Drones,

a una de las sensaciones del año en América

Bat For Lashes, Damien Jurado, Fucked Up, Tokyo

gracias a su canción Just Impolite.

Sex Destruction, Crystal Stilts, Vivian Girls, Crystal Ant-

El deseado Romancero

lers, Uffie, Extra Life, Mahjongg, Carsick Cars, Sleepy

Se ha hecho esperar mucho tiempo pero ya llega

Sun, Los Punsetes, Skatebård, Extraperlo y Rosvita

por fin el debut de La Bien Querida. Será el 6 de Abril

Sábado 30 de mayo Neil Young, Sonic Youth, The Jayhawks, Michael Nyman, Ghostface Killah, The New Year, Liars, Herman Dune, Deerhunter, Black Lips, The Bad Plus, Gang Gang Dance, Oneida, Th’ Faith Healers, DJ /Rupture,

breves

The Ruby Suns de gira Los neozelandeses nos visitarán a primeros del próximo mes y ofrecerán tres únicos conciertos en Valladolid, Madrid y Barcelona.

Saioa

En unos meses la joven Saioa Garín, Saioa en lo musical, se ha convertido en algo más que un secreto a voces de la escena nacional. Desde que escuché sus canciones por primera vez siempre he tenido claro que lo suyo podría llegar a ser algo grande. La voz firme de la de Legorreta (Guipúzcoa) recrea paisajes de una emotividad y belleza extenuantes, combinando los sentimientos y las imágenes naturales, creando así un trabajo de debut absolutamente necesario como fue su “Matrioska Heart” (Moonpalace Records, 2008). Una joya sublime al alcance de pocos artistas primerizos.

Vamos a empezar con algo que seguramente te dé respeto comentar; ¿por qué crees que de repente se habla de Saioa en todos los lados?

Me pilla por sorpresa esta pregunta, sinceramente, no creo que se hable tanto sobre mí, lo digo en serio. Es cierto que me entrevistaron en varios medios pero yo no siento que la gente que escuche música indie me conozca tanto.

Situémonos en el CD-EP “Particular land” (Moonpalace, 2007); ¿cómo ves ahora aquel momento?

Fue un momentazo, el principio de todo; a nivel musical, editar algo en una discográfica como Moonpalace me hizo reflexionar sobre el talento que podía tener dentro de mí, empecé a imaginar un futuro musical prometedor, lleno de creatividad. Además,

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fue como una presentación de mi universo emocional…me “desnudé” en público con mis miedos y rarezas. Y eso supuso, para mí, la sensación de que gracias a la música yo tengo las riendas, el control de esos miedos, porque los saco fuera, los canto a los cuatro vientos. ¿Cómo sientes tus cambios en lo musical desde entonces?

Bueno, a nivel compositivo hay un ligero avance, a mi parecer, incluso una nueva perspectiva a la hora de componer una canción…intentando meter acordes un poco más complejos, atreverme a probar otros instrumentos como el banjo o el piano. Lo que ha surgido a raíz del Ep ha sido un atrevimiento, en cuanto a los instrumentos mencionados, y a su vez un ensimismamiento quizá más hondo en mis

Saioa emociones. Me he vuelto, musicalmente, un poquito más compleja y atrevida. ¿Qué papel ha tenido el sello Moonpalace en todo esto?

El hecho de que Juanra Moonpalace sea amigo sí habrá influido en mi intento de gustarle musicalmente, de seguir sorprendiéndole con mis canciones. Moonpalace Records en un gran pequeño sello en el que me siento como en casa. Mantengo una amistad con Juanra que va más allá de la edición del disco. Siempre me está recomendando música o dejándome cómics para leer…, es un amigo. Y lo que sí sé seguro es que “Matrioska Heart” ha salido a la calle porque a Juanra le ha gustado, como todo lo que edita. En ese sentido, es un privilegio tener una habitación propia en su palacio. Esta complicidad entre ambos también me anima a sacar nuevos temas que le puedan llegar a gustar, aunque lamento decir que, actualmente, no estoy musicalmente nada inspirada. ¿Cómo reaccionaste cuando viste que se empezaba a meter a “Matrioska heart” (Moonpalace, 2008) en las listas de lo mejor del año?

Con mucha alegría, creo que algunas canciones del disco son realmente buenas.

Muchos dicen que es un disco un tanto difícil, pesado (algunas canciones duran hasta 8 minutos…), pero que si se escucha una y otra vez entras en mi mundo, el mundo de Saioa, con esa voz grave, triste tal vez, juguetona siempre. ¿Sientes, en estos momentos, una losa encima a la hora de componer nuevas canciones por todo lo que conlleva el reconocimiento del disco?

No, siento que no salen de mí temas nuevos que me gusten, pero no siento presión como que el año que viene tendré que sacar algo nuevo y mejor, no lo veo así. Las canciones que ahora quiero que salgan no salen y punto. Eso sí, soy muy exigente en cuanto a mejorar personalmente en la composición, pero no para que me digan “¡ostias, te has superado!”, sino para decirme a mí misma:

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“¡ostia, Saioa, te has superado!”.

Ya que estamos hablando de nuevos temas. ¿Cómo va ese proceso?

Como ya dije antes mal, no ando inspirada. En Matrioska Heart he “tocado” muchos temas, neuras y emociones que tenían que salir y por eso salió el disco; ahora mismo siento como que no tengo nada nuevo que decir, ni cómo. Sí que tengo un par de temas sin letra que me gustan, se acercan al sonido de Low, pero creo que va a pasar bastante tiempo antes de que saque algo nuevo. Eso sí, si sale, será, siempre que sea posible, vía Juanra Moonpalace.

Da la impresión de que en los meses que van entre “Particular Land” y “Matrioska heart” te das cuenta de que el inglés lo puedes dominar mejor, con destreza y valentía; ¿es así?

Bueno, no es que me haya dado cuenta durante el proceso, eso ya lo sabía desde el principio; la pronunciación mía en inglés es buena, lo tengo que reconocer, es más lo reconoce mucha gente. Lo que ha pasado en este proceso desde el Ep hasta Matrioska es que yo me he entregado totalmente, a excepción de tres temas, a mi querido inglés, que me encanta. Ha sido una elección natural. ¿Lo próximo de Saioa tendrá aún más temas en inglés, dejando al euskera en un segundo plano?

Me aventuro a decir que serán todos en inglés, realmente es un idioma que encaja a la perfección con mi música. ¿A quién escuchas con devoción a la hora de componer?

Me inspiro, inconscientemente, en músicos con los que esté flipando en el momento. El tema “Is it posible” no hubiera salido si no hubiera escuchado el disco de Antony and the johnsons “I am a bird now” o el “You are free” de Cat Power; “Adaxkak adaxketatik” tiene un toque muy Anari también…Me inspiro con la música con la que me enamoro en cada momento, intento “hacer míos” los estilos

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de música de otros, y por eso siempre suele haber comparaciones, lo cual me parece natural y acertado. ¿Y lo haces pensando que tus canciones algún día podrán ser como las suyas?

No, de hecho ése es mi gran miedo.

Aunque esté enamorada de Low no me gustaría sacar un tema que sea casi un plagio de ellos. No quiero eso y además, es mi gran temor.

Cuéntame algo sobre tus directos.

Todos los que te han visto actuar dicen que transmites las emociones de una manera muy especial; ¿Hay algún motivo que pueda explicar eso?

Soy nueva en esto de dar conciertos (carcajadas) por eso me lo tomo como muy en serio, me meto mucho en las emociones y no me limito a interpretar. Me atrevo a decir que sí me gusta seducir al oyente, es como una seducción emocional, una búsqueda desesperada de conectar con algún alma, aunque sólo sea de una persona. Lo vivo casi como una experiencia romántica, no como un concierto más.

Y viendo los lugares en los que has actuado (la Expo de Zaragoza, Chillidaleku…), da la impresión de que la música de Saioa en directo es para sitios especiales.

Sí, es para sitios pequeñitos y calientes, con la gente cerquita, sentada en el suelo, sin mucha luz y silencio mientras toco, je je.

Muchas gracias Saioa, ha sido un verdadero placer intercambiar estas palabras contigo.

El placer es mío.

Nacho Muro Fotografía: N&N

Educada en una familia de artistas, a los 20 abandonó su Hawaii natal para hacer realidad su sueño. Finalmente, fue Nueva York la ciudad en la que dio rienda suelta a su talento y donde compuso su primer album “The Sincere Recording Company Presents Simone White” (Sincere Recording Co., 2003). Fue con su segundo, “I Am The Man”, con el que media Europa cayó rendida a sus pies gracias a esas canciones folk con cierto sabor añejo que tanto recuerdan a las grandes cantautoras de los 70 y cuyos contenidos van más allá de las típicas historias de amor, comprometiéndose a destapar el lado más oscuro de la política norteamericana. En junio por fín verá la luz “Yakiimo” (Honest Jons, 2009) un álbum que según la autora sigue el mismo camino de sus anteriores y con el que esperamos que por fin se le haga justicia en España. Mientras, y visto que a finales de marzo le tendremos presentando estas y otras canciones por diferentes escenarios del país, repasamos su carrera junto a la propia autora.

Simone White es un secreto a voces dentro de la amplia gama de cantautoras que han surgido a raíz del renacimiento del folk en estos últimos años. Comparada con Joni Mitchell, la hawaiana poco a poco se ha hecho un hueco en ese altar que sólo Cat Power, Laura Veirs, Feist y Joan As Police Woman habían logrado ocupar. No es de extrañar, teniendo en cuenta que las canciones de su segundo disco “I am the man” (Honest Jons, 2007), cautivan, atrapan y con los años no se olvidan.

Si estuviéramos en 2010 y tuviera que recopilar las 20 canciones más bellas de la década “Roses are not red” sería sin duda una de ellas.

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Tu disco “I am The Man” tuvo mucho éxito en países como Gran Bretaña, Holanda o Alemania. Sin embargo en España no tuvo distribución, y eso hizo que apenas saliera reseñado en nuestras revistas. Para los que aún no te conocen, ¿Cómo definirías tu música?

No soy buena definiendo mi propia música. Habitualmente, suelo decir que hago música folk aunque por ejemplo en algunas canciones de mi próximo álbum he incorporado violines que le dan un sentimiento muy country. Generalmente suelo tocar sola con mi guitarra, pero en mis discos siempre me acompaña una banda.

Las comparaciones son inevitables, y ya se habla por ahí de tí como “una nueva Joni Mitchell” pero, ¿cuáles son tus influencias? ¿Qué opinas al respecto? ¡Wow! ser comparada con Joni Mitchell es un gran cumplido. Realmente no sé

de donde vienen mis influencias. Crecí escuchando música clásica debido a que mis padres provenían de una cultura que les prohibía escuchar cualquier otra cosa.

También escucho a Leonard Cohen, Low, Neil Young, Ella Fitzgerald, Odetta ... Solía cantar y escuchar mucho jazz en mis comienzos. En realidad, lo que me lleva a componer una canción no tiene que ver más que con un sonido que me apetece crear, una historia que quiero contar y un sentimiento que quiero transmitir.

Provienes de una familia de artistas, como podemos ver en las fotos del libreto de “I am the man”. Sin embargo, no cogiste la guitarra hasta los 22 años... resulta curioso. ¿Cómo surgió esta atracción por la composición? ¿Cuánto crees que te ha aportado el haber sido educada en un seno de artistas?

Que no te resulte curioso... Estaba haciendo muchas otras cosas por aquel entonces. Aparte, tenía un novio que era músico y no me dejaba tocarla. Empecé tarde, a los 22 como bien dices, pero no fue hasta tener 30 cuando me lo tomé en serio, porque mis intereses iban por otras disciplinas artísticas como actuar o pintar.

Supongo que el haberlo mamado en casa desde pequeña habrá tenido algo que ver en todo esto.

Curiosamente “I am the man” se publicó en Honest Jons records, compañía discográfica creada por Damon Albarn para dar salida en Europa a grupos de países de África o el Sudeste Asiático. Me pareció extraño ver tu disco en el catálogo de este sello, pienso que no va con el estilo. ¿Cómo surgió la relación con el sello?

Fue gracias a mi productor Mark Nevers que, ya había trabajado con el sello en el disco de Candi Staton. Cuando terminamos de grabar “I am the man” me lo solicitaron y yo acepté encantada. Recuerdo lo feliz que me hizo ver a un sello interesado en mi música sin que yo tuviera que recurrir a él. Bueno, es cierto que es un sello un tanto atípico, pero la idea de trabajar

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con alguien que no sólo publica discos de indie-folk me pareció aún más atractiva.

Muchas de las canciones de “I am the man” están cargadas de unas letras muy comprometidas con contenido político y social que dejan muy en entredicho al por entonces gobierno de tu país. ¿Qué es exactamente lo que te mueve a escribir este tipo de canciones?

Sin duda, la rotunda desigualdad entre países y el imperialismo que Estados Unidos provoca y promueve en el resto del mundo, son dos motivos suficientes para que escriba canciones con contenido político. He de decir que, a diferencia de Dixie Chicks jamás he sido personalmente censurada, pero tampoco soy tan famosa como ellos. Últimamente, tras la victoria de Barack Obama, se está hablando de una generación de artistas cuyas disciplinas apuntan hacia la esperanza y el optimismo.

Pienso que focalizarlas hacia la esperanza o el optimismo es importante personal y políticamente y las cosas parecen muy diferentes ahora con Obama, pero el país sigue viviendo una situación extraña. Hemos cultivado muchas cosas malas a lo largo de nuestra historia y no creo que ni siquiera el mejor de los presidentes pueda cambiarlo todo de golpe. Aún seguimos bombardeando a la gente. Está claro que hay que observar a todos los que actúan de una manera u otra, interiorizarlo y sacar nuestras propias conclusiones. Pero sí, parece que el cambio que necesitábamos ha sucedido, ahora toca ser paciente. Tenemos que cambiar por dentro, no basta con señalar con el dedo a las grandes corporaciones o a los gobiernos sin antes atender a la parte que nos toca a cada uno. Porque los verdaderos cambios empiezan en nosotros mismos. Cada uno de nosotros hacemos el todo.

Pasaste mucho tiempo en Brooklyn, Nueva York. Un barrio en el que desde hace unos años la prensa especializada ha puesto todas sus miradas debido a la creatividad e innovación

de muchos de los grupos residentes. ¿Cómo afectó este lugar a tu carrera? ¿Es un lugar tan creativo como nos lo muestran o está mitificado?

Nueva York en general, es sin duda una ciudad creativa donde vivir. Se mueve mucha energía y realmente hay muchas posibilidades. Justo antes de instalarme allí, viví en Londres donde no había posibilidades para mi música. También esto ocurrió antes de que el folk se volviera a poner de moda. En 2000 me instalé en Nueva York y todo esto cambió. Allí hay muchos lugares acondicionados para tocar, muchas reuniones de artistas y poetas donde la gente está muy interesada en escuchar música sentida.

De hecho fue allí donde conociste a Scott Matthew, quien poco a poco ha conseguido un número importante de seguidores en España. También has colaborado en la fantástica “Holly Jolly Hollywood” de los míticos The Wedding Present.

Si exacto, Scott Matthew es un gran amigo. Estábamos juntos en el mismo grupo de poetas y artistas en Nueva York. Colaboró conmigo en “Sailor Soldier”, un tema que sólo apareció en la edición en vinilo de “I am the man”. No sé, le adoro. Respecto a la colaboración con The Wedding Present, surgió a raíz de mi amistad con Terry De Castro, su bajista. Trabajábamos juntas en un un restaurante vegetariano de Londres. Fue una experiencia genial.

Próximamente publicarás tu nuevo disco “Yakiimo” de nuevo en Honest Jons. En “I am the man” interpretabas algunas canciones escritas por otros autores como Carole King, Gerry Goffin o Frank Bango. ¿Volverás a hacer uso de canciones de otros autores en esta nueva aventura? ¿Cómo me describirías “Yakiimo”?

Bueno, como te he dicho antes sigue siendo un disco de folk en el que hay canciones que suenan más country y sí, definitivamente volveré a interpretar canciones ajenas a mí. Yo he compuesto siete de los doce temas que incluirá “Yakiimo”, el resto, son versiones de Elizabeth Cotten o mis amigos Victoria Williams y Frank Bango. En mi Myspace de hecho ya se pueden escuchar dos de estas canciones.

He grabado bastante material y, como no todo será publicado, lo pondré para que la gente se lo descargue. Me encanta cantar e interpretar las canciones de otros autores asi que, para nada me molesta no haber sido yo la compositora de todas las canciones de “Yakiimo” que por cierto, se distribuirá en España gracias al sello Junk. ¡Esa es una gran noticia! Para terminar, en marzo comenzarás tu nueva gira europea que por primera vez pasará por España. ¿Qué tipo de público esperas en Europa? ¿Y concretamente en España?

Me encanta venir de gira a Europa, el público es increíble y además siempre me han tratado muy bien. De España espero un público tierno y emocional... ¿tal vez sea un estereotipo? Estuve en vuestro país hace dos años grabando un video-clip como actriz. Concretamente, en Murcia, Granada y el desierto de Las Bardenas y me encantó. ¡Tengo muchas ganas de tocar y disfrutar de España!

Sergio Romero Fotografias - Mike Chylinski

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sonido selo o r t s e u n e u icen q ollective y otros n d s o n u g l A “ nimal C steen. Si acerca a nAcon Bruce Sprinlgleva razón.”. asemeja creo que ninguno embargo

THE war on drugs The War on Drugs han regresado a España tan solo unos meses después de compartir escenario junto a Animal Collective en la última jornada del pasado Greenspace.Volvieron para mostrarnos cómo ha evolucionado su directo, después de una extensa gira mundial, de la mano de Heineken Music Selector. La música popular americana vista desde un prisma contemporáneo de los de Philadelphia fue la encargada de abrir la nueva edición del ciclo de conciertos el día 10 en Madrid. Unos días antes respondió a nuestras cuestiones Alan Granduciel, vocalista y cabeza visible del proyecto desde algún lugar a medio camino entre Ámsterdam y Groningen.

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Ha pasado muy poco tiempo desde que se os vio en España por última vez. ¿Qué ha cambiado en vuestro directo en este periodo?

Hay varias diferencias notables pero las dos más importantes son que ahora somos tres en lugar cuatro miembros y que hemos introducido nuevos elementos electrónicos a nuestro show, lo cual nos hace ser más intensos.

Estos cambios vendrán con motivo de estar mucho más rodados. Termináis la gira europea en nuestro país. ¿Valoráis positivamente esta nueva visita al viejo continente?

El recibimiento ha sido increíble en todos los lugares donde hemos tocado como la pasada noche en Ámsterdam donde tocamos con Chris Cornell. El único problema que tuvimos fue en Francia donde nos intentaron robar los instrumentos. ¿Y qué pasó?

Nos tuvimos que poner duros y ahí se terminó la historia (risas). No llegó a más.

En Ámsterdam habéis caído en la tentación de los coffee shops o hicisteis honor a vuestro nombre, tomado de una campaña antidroga que hizo Nixon hace casi cuarenta años.

(Más risas) Si que entramos y probamos algunas cosas. Venir a Ámsterdam y no acercarse a un Coffee Shop sería casi un delito.

¿En cuanto acabe esta gira os encerrareis de nuevo en el estudio para grabar el segundo disco?

Empezaremos a trabajar en ello dentro de tres semanas aproximadamente pero no nos hemos marcado una fecha para la salida del nuevo álbum. ¿Continuaréis con esa mezcolanza de influencias o por el contrario os decantaréis por un sonido más concreto?

No lo sabemos aún. Ahora, a veces, intentamos jugar con los errores. Queremos innovar a partir de los fallos.

Se os relaciona con grandes artistas como Tom Petty o Bob Dylan. De hecho tu voz es comparada constantemente con la del genio de Minessotta.

Es cierto, pero prefiero no hablar de esto.

Comienzo a estar un poco cansado del tema.

Además también se os compara con grupos más experimentales como Animal Collective. De hecho hubo una pequeña discusión en algunos blogs a partir de “Taking the farm”, el segundo corte de “Wagonwheel Blues” (Secretly Canadian/Houston Party, 2008).

Respecto a esa canción algunos dicen que nuestro sonido se acerca a éstos y otros lo asemejan con Bruce Springsteen.

Sin embargo creo que ninguno lleva razón.

Para mí la etiqueta más acertada es la que dice que revisitáis la música

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popular americana con una mentalidad moderna, con sonidos actuales.

El resultado viene por nuestra forma de grabar. En nuestra casa, con una cinta de una pulgada. Una vez que tenemos todo, tal y como lo queremos, lo llevamos al estudio para masterizarlo, pero todo el trabajo lo hacemos nosotros.

Dais nuevos aires a un género que rara vez deja que se le introduzcan elementos externos a través de muchas capas de sonido y una gran profundidad sonora.

Ahí es donde se notan las influencias de los primeros Sonic Youth, Spacemen 3 o My Bloody Valentine.

Para terminar ¿Qué más esperas para lo que queda de año?

Continuar tocando y creando canciones para el 2009, con eso es suficiente. Lo de más adelante ya se verá.

Joshua Nadeau - Roi Canda Fotografías - Travis Newman

EXTRAPERLO En marzo salía a la venta “Desayuno continental” por Mushroom Pillow. Éstos lo han anunciado a bombo y platillo y no sin razón porque de momento es el debut más prometedor de lo que llevamos de año en España. Unir de forma magistral en un solo disco referencias a movimientos tan distintos

como el post punk, el tropicalismo, la new wave y el hilarante pop español de principios de los

80 debe ser arto complicado. Borja Rosal, voz de este

nuevo grupo barcelonés, nos facilita las claves de esta mixtura.

Todavía no os ha caído una crítica negativa. Pero independientemente de lo que diga la prensa lo importante es la opinión que uno mismo tiene de su trabajo. ¿Contentos con el resultado?

La verdad es que si. Mucho. Pero a su vez también te digo que si lo volviéramos a grabar ahora sería un disco completamente diferente. Experimentaríamos mucho más. ¿Os acercaríais a terrenos más experimentales como El Guincho o High Places?

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No. Experimentaríamos en el aspecto de la producción, nuevos arreglos y cosas así, pero no en el plano musical.

Con una primera escucha el disco suena a muchos grupos pero a medida que éstas avanzan esa opinión desaparece debido a la manifiesta personalidad que mostráis.

Todas nuestras influencias al final convergen en una serie de ideas que es lo que intentamos plasmar en el disco. Todos hemos escuchado mucha música y eso se nota en el disco. De Pale Fountain a Golpes Bajos pasando por Pavement, Los Planetas y por supuesto mucha música africana, mediterránea y tropical.

Cualquiera diría que Pavement y Los Planetas están entre vuestras influencias.

Hace años que no escuchamos un disco de Pavement, pero son un gran grupo que nos ha gustado mucho. Aunque ahora no se manifieste, la influencia está ahí.

La más clara de todas éstas puede ser la de Orange Juice.

Algunos de nuestros ritmos sí que podrían formar parte de “Rip it Up” el segundo disco de los escoceses con el que dieron un giro más negro tras incorporar al grupo a Zeke Manyika. Pero Aleix también se inspira en Arthur Russell y en mucha más gente.

También se os relaciona con grupos españoles como Golpes Bajos y Deribos Arias por un lado y por otro con nuevos grupos como Vampire Weekend.

Musicalmente no creo que tengamos mucho que ver con Vampire Weekend.

Lo que he escuchado de ellos me gusta pero no he llegado a oir el disco entero.

Se os engloba dentro de una escena en Barcelona donde destacan Coconot, Joe Crepúsculo, Thelemáticos, Mujeres, Veracruz, Tu Madre y unos cuantos grupos más.

Es cierto que desde hace unos pocos años han salido una gran cantidad de grupos de Barcelona y sus alrededores.

Puede que hace unos años no hubiera

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esa inquietud por los nuevos grupos.

Ahora los sellos sí que apuestan por ellos.

Pero a diferencia de todos ellos vosotros habéis fichado por Mushroom Pillow, uno de los grandes sellos independientes españoles.

Estábamos en conversaciones con Félix de Discoteca Océano (sello discográfico de El Guincho) pero en ese momento no podía hacer frente a los gastos de grabar un nuevo disco y ahí apareció Mushroom Pillow. Son una gente maravillosa que nos ha dado todo tipo de facilidades desde el principio, estamos contentos.

Antes hemos hablado de Pablo DiazReixa (El Guincho) y ahora vuelve a salir su nombre. ¿Qué relación tenéis con él?

Somos muy amigos. Se pasa el día recomendándonos discos y además ha grabado alguna de las percusiones de “Desayuno Continental”. Por otra parte Aleix toca con él en los conciertos así que hay una relación muy estrecha.

Algo que llama también la atención es el hecho de incluir un tema cantado en catalán.

Esa canción la compuso Alba. Ella se encuentra más cómoda componiendo en catalán. ¿Entonces en el futuro seguiréis esta línea de bilingüismo?

Probablemente sí. Todos nosotros utilizamos los dos idiomas a diario por lo que nos puede salir en castellano o catalán indistintamente. Somos extremadamente bilingües.

Antes hablábamos de Vampire Weekend. Ellos suenan como si The Strokes se hubieran pasado un año sabático en algún país centro africano. ¿Cómo definimos Extraperlo?

Como si África y el Caribe se juntaran y revisionaran “Pacific Street” de The Pale Fountain.

Roi Canda Isaac Caasi

Son seis. Regalan conciertos y caretas de líderes comunistas.

Llevan juntos desde Abril del 2006. Desean el anonimato pero cada vez lo tienen más difícil gracias al altruismo con el que intentan reactivar la cultura vallisoletana. Hacen un fanzine.

Son un colectivo de microguerras.

COLECTIVO LAIKA

¿Muchas batallas por librar?

Unas cuantas, mientras hay vida hay desesperación.

Casi todas ellas las centráis en Valladolid.

Sí, es una ciudad pequeña pero fea. Nosotros somos de aquí por lo que buscamos impulsar un poco la escena de la ciudad. Si que hemos hecho alguna cosa fuera, en León y Salamanca concretamente, pero para nosotros es más fácil hacerlo en nuestra ciudad ya que cada uno tiene sus respectivos trabajos y no nos sería fácil desplazarnos a los conciertos.

Yo sigo convencido que si sacáis vuestras propuestas a ciudades como Madrid, en el caso, por ejemplo, de los conciertos invisibles, tendríais un

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gran éxito; ¿Queda descartada entonces la expansión bolchevique?: No, no queda descartada. Claro que nos gustaría movernos fuera de Valladolid, pero sin volvernos locos y sin la pretensión de establecernos en otros lugares. Sería algo así como turismo, dejando a un lado las connotaciones imperialistas de la palabra.

Estamos pensando en que el próximo, y casi eterno, fanzine pueda distribuirse en el Primavera Sound. Sería una buena forma de darnos a conocer y que así los insultos y las descalificaciones vengan también del exterior.

Hagamos una regresión a los difíciles comienzos; ¿Por qué hace tres años decidís crear Colectivo Laika?

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Casi todos nos conocíamos de la facultad de Filosofía (única pista que darán de quiénes son) y todos librábamos guerras individuales.

Nos dimos cuenta que necesitábamos una imagen común y aunar fuerzas para poder hacer cosas peores pero de un dudoso mejor gusto.

Supongo que en vuestro intento de mejorar habréis buscado los apoyos institucionales; ¿no?

Buscar, hemos buscado, pero no aparecen.

Hemos realizado más de 35 conciertos y solo hemos contado con alguna ayuda, como es el caso del último a cargo de Nacho Vegas y el de Animal Collective el año pasado. Del presupuesto del año pasado solo el diez por ciento es de subvenciones. Esto tiene su parte buena que es no tener que rendir cuentas sobre lo que haces pero también nos hace llegar a todos los conciertos pillados y preocupados sobre el dinero que puedes llegar a perder.

Es algo contradictorio que no se apoye a los pequeños colectivos que mantienen viva la ciudad durante todo el año y luego se gasten auténticas millonadas en traer a grupos de los denominados “grandes” En el caso de Depeche Mode o de Bruce Springsteen no es que estemos en contra de ese tipo de conciertos. Nos parece bien que vengan e incluso veríamos bien que el Ayuntamiento y otras instituciones se implicaran en ellos por lo beneficioso que puede resultar para la ciudad. El problema, al menos en el caso de Depeche Mode, es que el precio que se va a pagar por ellos es mucho más elevado de lo que se va a pagar, por ejemplo, en Bilbao. Por esa plusvalía se podría mantener una programación estable de muy buen nivel durante dos o más años.

¿Como por ejemplo?

Nos han ofrecido para esta primavera dos grupos americanos muy importantes,- unos de Chicago y otros un poco “mongoloides”, pero no ha podido ser porque no llegábamos ni de lejos a lo que nos pedían. Pero ya no es sólo cuestión de ayudas económicas, tampoco nos ceden salas municipales para poder realizar conciertos. Hace unos meses pudimos traer a Valladolid a ese grupo que nació en el mismo lugar que Dylan. Únicamente necesitábamos un espacio municipal medianamente grande para que tocasen. Solicitamos la sala Ambigú, pero nos la denegaron, y el día que se podía haber celebrado el concierto esa sala no tenía ninguna actividad programada. A veces no sabemos a qué estamos jugando. ¿Esa ha sido una de las mayores frustraciones sufridas por el colectivo?

Podría ser una de ellas sí, aunque hemos podido traer una gran cantidad de cosas interesantes para la ciudad que no han salido por estos motivos. En el caso de ese grupo duele más porque venían de manera casi gratuita y que un grupo de ese nivel venga con esas condiciones no es algo que creo que se repita.

Probablemente con ellos sí que hubierais llenado pero ha habido veces que vuestras propuestas no han cuajado y han tenido una escasa afluencia de público.

Al principio sí que era así y éramos veinte amigos en los conciertos aunque ahora parece que las cosas van mejorando y tenemos un público fiel a lo que hacemos.

Por qué crees que el público se cierra a nuevas propuestas.

Es un problema de educación y de interés. En el caso de la educación, los que deberían hacerlo son los medios públicos pero no sucede así. En la prensa escrita local hay muy buenos profesionales pero están capados y no pueden desarrollar los temas que les gustaría porque tienen que hablar, por ejemplo, de si Depeche Mode ha vendido 34 entradas más o menos y así es complicado, aunque ahora gracias a la red parece que la gente está más informada.

Pero cuando hablo de internet, no me refiero a lo que está proliferando ahora por estas latitudes: gente que lleva escuchando música año y medio y que aprovecha internet para darse a conocer y buscar notoriedad. Siempre hay honrosas excepciones, pero es triste traer a un artista y que los aspirantes a críticos intenten tapar sus carencias hablando de cuestiones anecdóticas, como si el concierto empezó tarde, si hacía calor en la sala, o si la cantante tenía un herpes en su labio superior.

Pues mientras no lo hagan los medios alguien lo tendrá que hacer; ¿Cuáles son las propuestas a corto y medio plazo de Laika Sputnik?

Lo primero son los conciertos de Matt Elliott el 14 de Marzo en el Café Teatro y el invisible del 1 de Abril en el Café España. Además el 3 de ese mes tendremos a The Ruby Suns y el 20 a The Wave Pictures. Haremos un pack promocional para esos tres conciertos de Abril a un precio casi simbólico, ya que uno solo de estos en otras ciudades cuesta lo mismo. Y para Mayo ya podemos asegurar que tendremos como mínimo tres conciertos incluidos en el Véral.

Roi Canda

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conciertos DARREN HAYMAN + THE SECRET SOCIETY Madrid, 17 de Febrero, Círculo de Bellas Artes

Darren Hayman salió al escenario del Círculo de Bellas Artes madrileño con ese aire desgarbado que tanto le caracteriza e inmediatamente comenzó su repertorio cantando a pulmón y con la única compañía de su ukelele dos maravillosas canciones entre la que se encontraba la extraordinaria “Porn shoes” de su época en The Fruit. Bajo su atenta mirada Hayman dio muestras de su carácter extrovertido, auto parodiándose, mientras escenificaba la historia que estaba cantando. Posiblemente, no sólo fue un gran comienzo, sino, lo mejor de la hora y cuarto que duró el concierto.

Lejos de centrar el repertorio en las canciones de “Pram Town”(Aucarela, 2009) el británico prefirió hacer un repaso a toda su discografía entre las que se incluyeron algunas canciones de Hefner. Destacaron la oscura pero no menos popera “China crisis”, “When the angels play their drum machines” y ya en los bises, “The Greedy Ugly People”.

Se echaron de menos los coros de David Tattersal (The Wave Pictures) en “Losing my glue” y “Big fish” sonó anodina por culpa de un apagón de corriente en el bajo, dejando muy en entredicho a los responsables de solucionar el problema ya que, sin urgencia aparente se pasearon por el escenario mientras los músicos miraban sonrojados.

En definitiva, no quedó la menor duda de que Darren

TINDERSTICKS + DAVID KITT

Madrid, 9 de Febrero, Teatro Haagen Däsz Fotografía: Salomé Sagüillo

Hayman tiene mucho carisma y excelentes canciones pero aquella noche le faltó hacer más uso de ambas cosas. Correcto cuando pudo haber sido brillante.

La noche comenzó con The Secret Society, proyecto del madrileño Pepo Márquez. Siéndole fiel a la evolución estilística que ha adoptado desde su debut “Sad Boys dance when no one’s watching” a su reciente “I am becoming what I hate the most”, Márquez decidió desglosar su concierto en dos bloques: Primero sólo con su guitarra repasó las canciones más folk de su repertorio. Sorprendió con composiciones aún por grabar y hasta se atrevió con una versión de Elliott Smith que fue con la que rompió el hielo. Cuando llevaba media hora sobre la tarima, recibió a Andrés Perruca, Javi Vicente y Jorge P. Zaera que se encargaron de finiquitar el repertorio folkie que previamente Pepo nos había mostrado para dar comienzo a las composiciones oscuras, que apuntan hacia el slow-core con las que tanto nos sorprendió el año pasado cuando publicó su segundo álbum.

Pese a la variedad de estilos, fue un concierto que de cabo a rabo mantuvo la oscuridad como argumento principal y que sirvió para que los escépticos como yo, nos creyéramos esta nueva faceta que Pepo ha defendido en su nuevo trabajo. Un buen concierto.

Sergio Romero

Tras su paso por la última edición del Primavera Sound, los británicos volvian a España para presentar su último disco “The Hungry Saw” (Beggar’s Banquet, 2008) y, como ya lo hicieron años atrás, volvieron a optar por mostrarnos su música en diferentes teatros del país.

A pesar de la larga cola que se formó minutos antes de que se abrieran las puertas del teatro, la banda liderada por Stuart A. Staples no logró ocupar las 900 butacas que tiene dicho lugar, muy posiblemente debido al elevado precio de su entrada.

Abrió el concierto de la misma manera que lo hace en su último disco, con esa escalofriante pieza instrumental que sirvió para que la banda tomara posiciones en el escenario. Una vez incorporados y tras la ovación que recibió Stuart, pudimos ver a una banda técnicamente perfecta pero que careció de emoción mientras tocaban las

bellas “Yesterday Tomorrows” o “Feel The Sun”. También, sobre todo al principio, sentimos a Staples algo inquieto, como queriendo tener todo bajo control, pero poco a poco ganó en firmeza y eso lo trasladó a la perfecta interpretación que requieren sus canciones.

Muy a pesar del amplio repertorio que tienen, los de Nottingham prefirieron centrar su setlist en su último álbum, algo que el público no asimiló del todo ya que fueron “She’s Gone”, “Say Goodbye To The City” o “Dyin’ Slowly” los temas que recibieron mejor acogida.

Desgraciadamente, pese a que la acústica e iluminación del lugar fueron impecables, la banda no terminó de convencer, ya sea por la falta de expresividad de la mayoría de los integrantes o por la linealidad de su repertorio. / Sergio Romero

OXFORD COLLAPSE + AMEBA Madrid, 10 Febrero, Wurlitzer Ballroom

Toda la expectación que había por ver a Oxford Collapse y que hizo que a pesar de un martes la céntrica sala madrileña tuviera una más que aceptable entrada, se fue diluyendo en un concierto que aburrió por momentos pero que se salvo por un excelente y atropellado comienzo con “Electric Arc”, “The Birthday Wars” y “VernonJackson”, los tres temas que abren su último disco, y un divertidísimo final con covers de The Cramberries (“Salvation”) y fragmentos del “Loser” de Beck. Pero, en cambio la parte central fue soporífera, con un acercamiento al brit más plomo y a un garage anodino sin ritmo ni fuerza, hizo que a pesar de la excelente actitud mostrada no consiguieran remontar el vuelo hasta los bises mencionados anteriormente.

Abrieron la noche Ameba, el grupo de Raquel, mujer orquesta donde las haya y que en esta ocasión se rodeó de amigos como Buter de Pier y Carmelo de Decapante para desgranar el pop con tintes punk deudor de Throwing Muses que lleva desarrollando casi diez años.

Sonaron dulces, arrebatadoras y excelentes, por señalar alguna, “I’m Not Happy By Your Side Anymore “y “Baby It’s Over Now” . / Roi Canda Fotografía: Salomé Sagüillo

HERMAN DÜNE

Madrid, 13 de Febrero, Sala Heineken Ya que hacía tres años que Herman Düne no pisaba Madrid, para un concierto que no fuese un pase privado, y eso se notaba en el ambiente de la rebosante sala Heineken que recibía a David-Ivar de manera ansiosa.

Su nueva visita se debía al reciente “ A Year In Zion” (Cityslang, 2008), disco en el que David-Ivar, de ahora en adelante Ya Ya, tomó las riendas de la composición después de que su hermano André abandonara el grupo para empezar su carrera en solitario como Stanley Brinks.

Ya Ya comenzó el concierto solo con su guitarra durante un par de temas y logró que una rebosante sala quedara en un silencio absoluto. Una vez entraron a escena Neman, su otro hermano, y el nuevo bajista Ben Pleng comenzó el desglose de su último disco. Y aunque es lógico que presenten su último trabajo, en las dos horas que duró el concierto repasaron también las mejores canciones de sus anteriores álbumes así como las que han publicado en formato Ep y hasta alguna que han escrito durante esta gira.

Sería injusto destacar unas cuantas, porque

no hubo momento para el bostezo o el aburrimiento ya que supieron elegir un buen repertorio para hacernos bailar, reir, ponernos al límite con esos riffs de guitarra más propios del rock que del free folk al que nos tienen acostumbrados y hasta mostrar nuestros respetos con un silencio abrumador cada vez que David-Ivar se quedaba solo.

Les dio tiempo hasta a hacer una versión del “Ghost Of A Smile” de The Pogues que David-Ivar presentó en un gracioso español.

Una vez finalizado el concierto, tras haber hecho un bis, tal fue la ovación y el reclamo del público que tuvieron que volver a salir para cantar a petición de una chica de la primera fila, “My baby is afraid of sharks”.

Salimos de allí con la sonrisa dibujada, pensando que se ha hecho justicia con Herman Düne, los pioneros de adoptar en Europa ese anti (free) folk al que en su día nos acostumbraron The Moldy Peaches.

Como sigan con este buen ritmo, nuestros nietos hablaran de ellos como nosotros lo hacemos de Dylan, porque Herman Düne son muy grandes en disco y enormes en directo. / Roi Canda

WE ARE STANDARD

Valladolid, 19 de Febrero, Sala Mambo

Con bastante escepticismo me acerque al concierto de los vascos We Are Standard ya que su último y homónimo disco, “We Are Standard” (Mushroom Pillow, 2008) me parece un quiero y no puedo. Su nueva aventura ofrece muchas posibilidades y abre un nuevo abanico de sonidos al grupo que les beneficia bastante, pero que no completa. En cambio lo de su directo es otra cosa. Por lo menos aquella tarde fue un concierto redondo.

Deu, Javi Leta (batería de El Inquilino Comunista) y el resto de los componentes del grupo salieron desde el principio dispuestos a comerse a los más de doscientos asistentes, y doy fe que lo hicieron. Hedonistas, irreverentes y sobre todo divertidos, desde las primeras notas de “Bye Bye” dejaron claro que lo suyo es el baile y que viéndoles en directo se justifica el cambio en su sonido hacia terrenos más rítmicos, que era necesario.

La inclusión de dos baterías les hace tener una gran fuerza sobre el escenario como demostraron con “Don´t give up” y “Last Time”, que caldearon el ambiente de manera definitiva. Recordaron varios temas de su debut como “On the floor” y “‘Jam 256” con la que cerraron, con invasión por parte del público incluida, pero sin embargo los dos mayores aciertos de la noche se los llevaron las versiones que dedicaron a algunos de sus artistas más admirados. A Lou Reed con “I’m Waiting for the Man” de la Velvet y al recientemente fallecido Mikel Laboa, con un emotivo homenaje a través de una ruidista y obsesiva versión de “Gure Bazterrak”, que interpretaron de manera impecable. Electro, sudor, rítmico rock’n’roll y frenesí para celebrar la primera cita de Valladolidindie’09. / Roi Canda

discos

ANDREI MACHADO

BEIRUT

ELUVIUM

EXTRAPERLO

FRANZ FERDINAND

IMPOSSIBLE HAIR

La belleza más absoluta. Es tan difícil describir la música de Andrei Machado que resulta más sencillo compararla con el sentimiento más maravilloso que cada persona pueda albergar. Un bosque, un lago, una cabaña, la fina lluvia, el calor del fuego, la persona amada,... y, sobre todo, un piano. Machado, junto a Olafur Arnalds, se postula como abanderado de un nuevo estilo músical, el “classical indie” (más cercano a Yann Tiersen e incluso Wim Merters que a cualquier referencia pop minimalista). Atmósferas etéreas llenas de sosiego y tranquilidad donde parece que nada importa (“Eu Si Que Soi Fraco” es tan hermosa que asusta). Meritorio es el hecho que cada una de las canciones tenga vida propia y no se basen en un mismo pasaje, algo muy común en las grabaciones pianísticas. ¿Cómo es posible que todavía no tenga compañía discográfica? Él, mientras tanto, regala su belleza a todo aquel que quiera disfrutarla. / JL Pérez

Zach Condon lo ha vuelto a hacer. El giro geográfico de sus canciones no es el único movimiento en su música esta vez, aunque también mire hacia México, de donde toma una orquesta tradicional.

La magia de este nuevo disco de Beirut está en el formato, ya que ha optado por un doble disco con una parte más tradicional y otra menos cercana al “universo Beirut”, centrada en las bases electrónicas. Con “March of the Zapotec”, el bueno de Zach juega a reinventar su música, a encontrarse con el cancionero popular mexicano y a darle una vuelta de tuerca a todo para continuar de otra manera por esa senda de temas de folk triste que tan bien le caracterizan. Y con “Realpeople Holland” las tornas cambian. Las pequeñas joyas electrónicas hacen su aparición por primera vez en su música, y aunque de buenas a primeras sólo apetezca bailar con “No dice”, la última, ya desde “My night with the prostitute from Marseille” se aprecia una interesante apertura de miras. / Nacho Muro

Si nos arrodillamos a los pies de Johannsson o Ritcher, con el álter ego de Eluvium no debería ser diferente. “Life Through Bombardment” recopila, en edición limitada de siete vinilos, todas sus grabaciones desde 2003. Seis prolíficos años, donde Cooper se ha destacado como el más adelantado discípulo de profeta Philip Glass y el maestro Satie, gracias a obras esenciales del neoclasicismo actual como “Talk Amongst the Trees”, “An Accidental Memory…” o el más reciente “Copia”. Eluvium debería ser una troncal en los últimos cursos de una hipotética titulación de cultura musical. Sus composiciones son un mundo de sensibilidad, con una realidad que relata unas veces tristeza, otras contenida alegría (o discreta felicidad) y que lleva los sentimientos hasta las máximas cotas de expresión.

Nunca una palabra transmitió más que sus notas.

Los más de dos años de trabajo de recopilación han merecido la pena. Y nosotros bien que se lo agradecemos. / JL Pérez

La primera vez que me senté dispuesto a meterme entre pecho y espalda este “Desayuno Continental” me tuve que levantar de la silla, darme protección solar, prepararme un mojito y unirme a la primera conga que pasaba por debajo de mi casa. El debut de los barceloneses supura teñido tropicalismo por todos sus poros. Miles de matices e influencias adornan su pop mayúsculo. Del post punk británico a los hilarantes ochentas españoles o la new wave neoyorkina de finales de los setenta, pasado todo por un filtro mediterráneo, africano y tropical.

Si viviéramos en un mundo ideal “Desayuno Continental” sonaría hasta finales de Septiembre en todas las radio-formulas y temas como “Bañadores”, “Las Palmeras del Amor”, “Cavalcade” o “Entre la Plantas” serían la banda sonora estival de este país.

La mía lo será. Para los demás no perdamos la esperanza. / Roi Canda

Los escoceses prometían una revolución en su sonido tras el adelanto de “Ulysses”, pero sin embargo se ha quedado en fuegos de artificio. En éste, Kapranos y los suyos, se dejaron las guitarras afiladas en algún trastero de Glasgow y se fueron a cenar a casa de James Murphy con toda la plana de DFA. No era su mejor canción, pero no pintaba mal la cosa.

Varias escuchas del disco después el resultado no puede ser más desalentador. Continúan la moda instaurada de cambiar guitarras por sintetizadores, el acercamiento al vacío electro-rock que no aporta nada si no llevas el groove en la sangre y la búsqueda de la producción perfecta que no encaja por mucho que ensambles todas las piezas con esmero. La mitad de sus temas sonarán en las pistas de medio mundo pero a Tonight: Franz Ferdinand le falta electricidad para ser un disco de electrónica de corte rockero y guitarras para ser un álbum de rock de corte electrónico. A medio camino. / Roi Canda

Cíclicamente vienen a parar a nuestras manos los debuts de grupos que sin inventar nada aportan la frescura necesaria a la música popular. El caso de Impossible Hair es este. La banda, creada a partes iguales entre Baltimore y Washington y formada por miembros de Buttsteak, Oranges Band o Spoon, nos alegra con su descarada actitud en un disco que recrea el indie-rock más sugerente de su tierra aderezado con sutiles hierbas inglesas de olores twee y un punto nerd que le da un encanto aun mayor. La mejor manera de imaginarse a que suena Impossible Hair es meter en una coctelera a Death Cab for Cutie, The Orchids, Guided by Voices, Talulah Gosh, Teenage Fanclub, Devo y The Pastels, para después removerlo con cariño y servirlo al instante cuando todavía no ha perdido sus vitaminas. / Don Destroy

ARMAND VAN HELDEN

DARREN HAYMAN

DIPLO

FANFARLO

HERE WE GO MAGIC

IRAN

Tenía mucha curiosidad por ver como continuaba Armand Van Helden aquel divertido primer volumen de la serie “mix odissey” donde mezclaba sin pudor canciones de Blondie, Felix da Housecat, Soft Cell, Yes, Klonhertz o Jess & Crabe. Sin embargo con solo quince minutos de escucha del nuevo volumen las sensaciones no podían ser peores. Impresiones que corroboré cuando el disco avanzó hasta la hora y dieciocho que dura la nueva aventura sónica del americano.

Esto fue hace quince días y hoy al recuperarlo para hacer esta reseña y tras dos nuevas escuchas continúo valorándolo igual. Si en la sesión que se marcó hace cinco años mezclaba con desparpajo diferentes géneros en una secuencia sorprendente e interesante, en ésta tanto la sucesión como las mezclas bien podría haberlas hecho cualquier aspirante a home dj. Aburrido, simple, previsible y con un hilo conductor tan tedioso como el hip house de finales de los ochenta este disco tiene un destino claro: el olvido. / Don Destroy

Aunque sea imposible compararlos, cuando pienso en Darren Hayman inevitablemente me viene a la cabeza Jonathan Richman. Son dos músicos que nada (o poco) tienen que ver entre ellos, pero sus carreras tienen bastantes similitudes. Los dos fundaron bandas de culto, uno y otro asumen influencias de la Velvet Underground y ambos continúan editando álbumes que merecen algo más que nuestros respetos. En el caso de Hayman está más activo que nunca y acaba de editar su tercer álbum en solitario, el mejor tras la separación de Hefner hace seis años.

En “Pram Town” la orquesta folk que acompaña a Hayman viste catorce canciones que hablan magistralmente de vidas que no evolucionan, huidas geográficas y rutina propiciada por el lugar en el que te ha tocado nacer y crecer. Pop, bossa nova, jazz, folk y secretos arreglos indietrónicos convergen en un disco que invita al escapismo melódico, irónico y figurado. Renovarse o morir. / Sergio Romero

Wesley Pent ha hecho meritos durante los últimos años para ser uno de los productores más reclamados y afamados. A Santogold, Spank Rock o M.I.A. los encumbró él. Sin embargo su faceta más reconocible es la de dj y remixer bajo su jurásico apodo.

En “Decent Work for Decent Pay” recopila esta última versión de si mismo uniendo el electro mas canalla, el hip hop más palpitante, el funk más festivo y el pop adulterado en tan solo dieciséis pildorazos que ya habíamos degustado en su gran mayoría.

Lástima que para la compilación haya elegido sus trabajos más comerciales. Se echan de menos algunos maravillosos remixes que ha hecho para Pixies, Edu K, Beck o el reciente de Marlena Shaw, así como la multitud de “white labels” que ha editado y aunque este disco en sí no aporte nada que no le hubiéramos oído antes... ¡que me quiten lo bailao! / Roi Canda

Tras casi tres años publicando deliciosos singles en 7”, ya tenemos ante nosotros el esperadísimo álbum debut de los londinenses Fanfarlo. Y ciertamente el Sr. Bowie ha vuelto a dar en el clavo. Abrir con todo un himno como “I´m a pilot” provoca que las expectativas sean máximas. Y el otrora sexteto británico no defrauda en absoluto, e incluso supera los mejores augurios.

El notabilísimo nivel compositivo, la dulce y esponjosa voz de Simon y los brillantes arreglos inundan Reservoir de los más bellos matices. Y, aunque sean compañeros de promoción de Ra Ra Riot, no cabe duda que Fanfarlo beben de las mejores fuentes (Zach Condon, Arcade Fire, CYHSY,…), lo que queda más que demostrado en cancones como “Ghosts”, “Luna”, “Fire Escape” o “Harold T. Wilkins or...”. “Reservoir” tiene una ligera digestión y deja un regusto muy agradable. / JL Pérez

Ojito que pueden marcar este 2009. Y no hablamos de una nueva banda “hype”, Here We Go Magic está por encima del marketing y las modas.

El inclasificable trío norteamericano encabezado por Luke Temple aparece con el pop como base musical (¿Simon & Garfunkel como referencia más clara?), en el que la experimentación les lleva a crear su propio mundo, lleno de matices y que simula una fragilidad quebrada por momentos.

Nunca un nombre fue más acertado.

Con tan solo una primera escucha, uno se da cuenta de que “Here We Go Magic” es pura orfebrería musical. Si alguien es capaz de resistirse a canciones como “Fangela”, “I Just Want To See You Underwater” o “Tunnelvision” (uno de los temas del año), que de un paso al frente. Suena familiar, sorprendente pero nunca extraño. Un álbum que suena igual hoy que lo hará dentro de treinta años o tal y como hubiese sonado allá por 1960. Nosotros ya estamos absorbidos por su magia. / JL Pérez

En siete años muchas cosas cambian y todos pasamos por diferentes etapas. Tanto de nuestra vida como en la música que consumimos. Quien diga lo contrario miente. Es pura evolución. En el caso de Iran han pasado de maravillarnos con sus rugosidades propias del noise y el folk grabado a mínimas intensidades a dejarnos indiferentes con el pop-folk de clase media y tintes melancólicos que tanto abunda por el mundo y que tan aburridos estamos de escuchar. Ya no existen los tormentosos zumbidos, abrasivos fuzzs ni lóbregos filtros vocales. Por no quedar no quedan ni las sonoridades disonantes, las melodías claustrofóbicas y el sonido lo-fi que caracterizaba al grupo. Ahora todo es mucho más normal, común si lo prefieren. “Dissolver” rezuma indie americano, ese de las letras limpias, ese que escuchamos en miles de grupos de forma clónica en un disco muy estructurado que no sorprende lo más mínimo. Sin pena ni gloria. / Roi Canda

Lacuna (Autoeditado)

New York A Mix Odissey 2 (Southern Fried)

March of the Zapotec / Realpeople Holland (Pompeii / Ba Da Bing)

Pram Town (Acuarela)

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Life Through Bombardment (Temporary Residence)

Decent Work for Decent Pay (Mad Decent)

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Desayuno Continental (Mushroom Pillow)

Reservoir (Autoeditado)

Tonight: Franz Ferdinand (Domino)

What is the Secret of Impossible Hair?

(Autoeditado)

Here We Go Magic (Western Vinyl)

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Dissolver (Narnack Records)

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JEREMY JAY

MONO

M WARD

SOUTHERLY

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART

TELEFON TEL AVIV

Otro más que se apunta a la moda de cambiar de registro. Afortunadamente para nosotros al joven californiano sus variaciones estilísticas le sientan de maravilla, y no porque las anteriores no parecieran hechas a su medida. Jeremy Jay ha pasado en tan solo once meses de componer un gran disco de debut en clave de pop romántico con dejes lo-fi al más puro estilo de los Go-Betweens a pasearse por un post punk paisajista y la new wave menos canalla de forma más que acertada. Sus dejes de gran crooner británico continúan en “Slow Dance” pero esta vez mezclado con sonidos más propios de las pistas de baile de principios de los ochenta, gracias a la introducción de sintetizadores de manera más que acertada.

Los únicos peros son la escasez de minutos del disco, la decisión de no introducir el grandioso “Love everlasting”, incluido en el Ep que sirvió de adelanto a “Slow Dance” y por último, el abandono de su anterior faceta como chaval tímido, romántico y buenecín que tanto nos gustaba. / Don Destroy

En una nueva “El Señor De Los Anillos”, Howard Shore debería dejar paso a Mono en la composición de la banda sonora. Y en este quinto largo, el cuarteto nipón suena más épico que nunca. “Hymn To The Immortal Wind” es el hermano mayor del infravalorado You Are There, y la continuación necesaria de este. Un hermano que demuestra una madurez enorme.

Un álbum con una producción soberbia, una orquestación excelsa y un sonido extraordinario. Estamos ante casi una sinfonía en la que el piano y las cuerdas adquieren un mayor protagonismo en detrimento de la batería, demostrando que el post-rock puede fundamentarse en algo más que en interminables y estruendosos desarrollos de guitarra (que los tiene y buenos). La belleza de las melodías resulta abrumadora, como para sumergirse en ellas, ¿o como si no se digieren himnos como “Ashes In The Snow”, “Pure As Snow” o “Everlasting Light”? Mono confirman su relación consanguínea con EITS a la vez que definitivamente se alejan de GY! BE. / JL Pérez

Ha costado que reconozcan el talento de Matt Ward pero por fin parece que se hace justicia con él y ya empiezan a nombrarle como uno de los mejores músicos de los últimos veinte años. Algo normal teniendo en cuenta el nivel mantenido en todos sus discos, especialmente a partir de “Transfiguration of Vincent”. Desde entonces va de octava maravilla en octava maravilla regalándonos en cada disco un manantial de estremecedoras emociones disfrazado de perfectas y luminosas composiciones pop, recubierto por el polvo del árido y desértico folk tradicional. “Hold Time” no es una excepción a su carrera. Se mantiene fiel a su estilo. Solemne, arrebatador, vaporoso, pausado y de nuevo con una colección de canciones que te atrapan para no soltarte jamás. Canciones de clásico contemporáneo para escuchar con mucho tiempo, sin prisa.

Canciones que coronan una discografía sobresaliente, con matrícula de honor. / R. C.

Shouterly es el grupo de Krist Krueger y por lo visto hace más de dos años que se publicó este disco en Estados Unidos. Sin embargo no ha sido hasta hace un mes escaso que tuve idea de su existencia gracias a la edición que Artic Rodeo hace del mismo en Europa. El propio Krueger autodefine su trabajo como si Brian Wilson y Willie Nelson hubieran tenido un hijo y este hubiera sido cuidado por Marc Bolan y Woody Guthrie. En ese caso estaríamos hablando de un autentico genio, y desgraciadamente para nosotros no es para tanto.

El talento del de Portland no es discutible pero no nos encontramos ante una obra mayor. “Storyteller & the Gossip Columnist” está bien orquestado, adecuadamente armonizado y perfectamente producido por el propio Krueger y Robert Bartleson (Wilco) pero no por ello sobresale dentro del mar de cantautores americanos que inundan nuestras costas con preciosos discos y la vista puesta en Elliott Smith o Stuart A. Staples. / Don Destroy

Cuando terminaron los noventa, todos teníamos la sensación de que era mejor que todo lo que habíamos vivido durante aquella década no volviera nunca. Pero con el tiempo nos hemos dado cuenta de que estábamos equivocados, que había partes que eran necesarias, una de ellas, aquel pop de trasfondo ruidista.

The Pains of Being Pure at Heart vuelven a ese pop con fuerza y gancho como abanderados de una hornada de bandas que no ha hecho más que empezar. No dejan de lado su mirada pop, pero desarrollan el concepto de su música con herramientas como la oscuridad, lo que ya hicieron The Jesus and Mary Chain o My Bloody Valentine.

En las diez canciones de este disco de debut de los de Nueva York se entiende de alguna manera que en unos meses podríamos estar hablando de himnos de una nueva generación, de canciones hechas con una belleza sorprendente, en definitiva, de algunas de las mejores joyas pop de finales de los 00’s. / Nacho Mucho

A los de Chicago siempre se les ha enmarcado dentro de los grandes nombres de la IDM más vanguardista de la década. Sin embargo Inmolate Yourself confirma lo que ya apuntaban en su anterior trabajo. El abandono de este movimiento con un álbum que busca y encuentra amiguismos dentro del synth pop ochentero, el techno más etéreo y el pop de referentes indietrónicos más experimental en una evolución que parece natural si se escuchan sus tres discos uno tras otro. La producción, mucho más cuidada y ambiciosa, llena el disco de momentos memorables que evocan al mejor Apparat en un trabajo que devuelve al sello de Ellen Allien al lugar preferente, dentro de la electrónica avanzada, del que nunca debió salir. Lástima que éste quede como la última obra maestra de Eustis y Cooper tras el fallecimiento de éste tan solo tres días después de la publicación del disco. Una gran pérdida. / R. C.

JULIE DOIRON

LONEY DEAR

PÁJARO SUNRISE

WAVVES

Ya con “Woke Myself Up” Julie Doiron dio muestras de que algo había cambiado respecto a sus composiciones previas. No se sabe si el hecho de volver a aliarse con sus antiguos compañeros de Eric’s Trip provocó que sus composiciones se acercaran más al rock en lugar del folk desnudo de sus primeros álbumes. Ahora la canadiense avanza un paso más, afianza el estilo que asomó la cabeza en su anterior álbum y a su vez se muestra más versátil que nunca. En su tracklist conviven composiciones anti folk que recuerdan a Kimya Dawson con eléctricas canciones que son puro rock. Entre medias, flirtea con la electrónica sin desentonar, canta en francés al ritmo de una guitarra saltarina y sobre todo, vuelve a los sonidos lo-fi que tan bien supo defender con su antigua banda. Julie Doiron ha compuesto su mejor álbum. Un disco que desde la primera escucha, entra hasta dentro de uno mismo y engancha. Espero que no sea grave, y si lo es, moriremos felices. / Sergio Romero

Emil Svanängen vuelve a ser noticia por su reciente “Dear John”, un disco cuyo sonido ha variado ligeramente respecto a los anteriores, pero que consigue estar mínimamente a la altura de “Loney Noir”, una auténtica obra maestra. En éste el multi-instrumentista sueco factura de nuevo un gran disco de pop pero esta vez embellecido con algunos matices que no le sientan nada mal. Regustos ochenteros (“Airport Surroundings”), latidos clásicos (samplea el Adagio de Albinioni en “Harm”) y percusiones tropicales (“I was only going out”) se entrelazan con crecientes melodías que como de costumbre suenan melancólicas y esperanzadoras.

Asimismo la dulce voz de Svanängen y los coros casi naíf de los que siempre hace uso nos acercan a los sonidos que podíamos esperar tras lo visto en sus anteriores discos. Mantiene la emoción desada y muestra una evolución en su discurso que le hace afianzarse en el hueco que otros grandes desconocidos a día de hoy, merecerán el día de mañana. / Sergio Romero

Me suelen dar miedo los segundos discos de los grupos. Muchas veces las expectativas tras un buen debut se han ido al carajo por intentar demostrar que saben hacer más y mejores cosas de las que son capaces. En el caso de Pájaro Sunrise no solo las han colmado sino que las sobrepasan, y por mucho. Han transcurrido tres años desde que los leoneses sentenciaran en su primer disco que “los hombre sabios caminan paso a paso” y ellos bien que siguen sus propios consejos. “Done/ Undone” es un disco maduro, sereno y meditado que se ha hecho esperar pero poco importa. Ahora aparcan algunas de las sonoridades souleras de su ópera prima para centrarse en el exquisito y sosegado folk, teñido por perfectas armonías vocales, guiños al pasado y susurros electrónicos que tan bien desarrollan. “Done/Undone” son setenta minutos, veintidós milagros y el peligro de quedarte atrapado en un planeta idílico con una banda sonora perfecta. / Roi Canda

A Nathan Daniel William, único miembro de Wavves, no paran de lloverle elogios con su segundo disco.

La prensa norteamericana le encumbra como la gran esperanza del 2009 y es algo que me extraña.

El nuevo trabajo del imberbe californiano está muy por debajo de su predecesor donde soltaba casi un himno lo-fi por canción. En “Wavvves” el rabioso y sucio punk pop da paso a atropelladas y estridentes experimentaciones que ya no dejan entrever las influencias de Nirvana, Pavement o Guided by

Slow Dance (Green Ufos/K Records)

I can wonder what you did with your day (Jagjaguwar)

Hymn To The Immortal Wind (Temporary Residence)

Dear John (Polyvinyl)

The Hold Time (Merge Records / 4AD)

Done / Undone (Lovemonk)

Storyteller & The Gossip Columnist (Artic Rodeo)

The Pains of Being Pure at Heart (Slumberland / Fortuna Pop)

Wavvves (Fat Possum) Voices de las que hacía gala en su primera referencia discográfica. Únicamente en “So Bored” nos recuerda que el año pasado facturó un gran disco que nos hizo poner su debut al lado de No Age, Sic Alps, Jay Reatard, Vivian Girls o Times New Viking como nuevos referentes del noise pop. A veces las prisas no son buenas consejeras y en este caso queda la sensación de que si William hubiera invertido un poco más de tiempo en continuar su legado el resultado hubiera sido otro. / Don Destroy

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Inmolate Yourself (BPitch Control)

Libros: música, arte, diseño y narrativa Rumbo a la Gloria Woody Guthrie / Global Rhythm Woody Guthrie fue un prolífico cantautor folk que Dylan, Wilco o The Clash citan entre sus mayores influencias. Woody, a secas, tal y como se le conoce en Estados Unidos, con su áspera voz inventó la canción protesta y ha sido uno de los grandes narradores de las desigualdades sociales sufridas por el pueblo americano. Ahora de la mano de Global Rhythm nos llega “Rumbo a la gloria”, una autobiografía donde éste nos relata sus peregrinaciones por la América profunda. Independientemente de que te gusten sus canciones o no, este libro es imprescindible para entender la pobreza urbana que la sociedad americana nunca nos ha querido mostrar. Un trayecto que muestra las texturas de una época que no debería caer en el olvido.

Rompepistas Kiko Amat / Anagrama Si la anterior novela de Amat tomaba como partida el mundo mod, en ésta son los punkrockers quienes toman protagonismo. “Rompepistas” (nombre tomado del sello de Hello Cuca) recrea las aventuras de un joven skin y sus amigos, amantes del punk y sin nada que perder. En el cierre de su trilogía adolescente, Kiko Amat, nos intenta acercar a su propio mundo del extrarradio barcelonés de finales de los ochenta a base de jerga juvenil pandillera, excesivas onomatopeyas y ajados tópicos que empañan el fraseo brillante del que otras veces ha hecho gala.

Kinky Characters - Un homenaje a Ray Davies Luís Hernández y Mireia Muntés / Lenoir Ray Davies ha sido uno de los mayores talentos compositivos que ha dado la música en los últimos cincuenta años. Su capacidad para moldear personajes a lo largo de su carrera musical lo sitúan dentro los grandes nombres del rock. Este libro es un pequeño homenaje ilustrado al líder de “The Kinks” y un juego para el lector. Para saber de que canción se habla en el libro éste deberá asociar las ácidas e imaginativas ilustraciones de Mireia Muntés con los versos seleccionados por Luís Hernández, uno de los mayores devotos de la obra de Davies. Curioso para los no iniciados, imprescindible para los fans.

God save The Kinks!

Sharper Word, Una antología Mod Paolo Hewitt / Lenoir Libros “El fin está a la vista y este extracto nos cuenta por qué” reza el principio de uno de los textos recopilados para la ocasión por el reconocido periodista musical Paolo Hewitt. De estos extractos está lleno “Sharper Word”, donde se analiza un movimiento que, en teoría, concluyó hace cuarenta años como tal, pero que a día de hoy sigue estando de rabiosa actualidad gracias a los continuos “revivals” que surgen década tras década. En “Sharper Word, una antologçia mod”, Hewitt nos muestra gracias a su total conocimiento y a la afilada narrativa de la que siempre hace gala, algunos de los mejores pasajes escritos sobre una de las corrientes culturales más importantes del siglo pasado.

Symbols, Pictograms & Silhouettes Marta Aymerich / Index Book Una imagen vale más que mil palabras. Las mejores siluetas, iconos y pictogramas creados por diseñadores del mundo.”

Symbols” pretende aislar algunos elementos gráficos de su contexto; para que así nos podamos recrear en los detalles más sutiles, en la simplicidad de formas o en la infinidad de respuestas a una misma idea. Cada página de este libro es una mirada distinta, así que de principio a fin Symbols está lleno de sorpresas. Como sorpresa un cd con algunas de las imágenes aquí ilustradas. Pasa página y adentrate en una nueva dimensión.

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El Placer del arte Renato de Fusco / Gustavo Gili

Payasos en la Lavadora Álex de la Iglesia / Seix Barral

Que el arte pueda proporcionar placer es una idea tan ausente de las manifestaciones artísticas más recientes como de las reflexiones en torno al arte realizadas en la actualidad. Este ensayo pone en primer plano el placer de estudiar las cuatro manifestaciones del arte visual: la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño, así pretende convertirse en una guía para su conocimiento.

Payasos en la Lavadora (referencia a un anuncio de detergentes) hace justicia a una sensibilidad pop y post-moderna, en la que lo serio se desdramatiza y lo lúdico adquiere cualidades siniestras.

Un ordenador abandonado en la calle durante la semana grande de Bilbao encierra en su disco duro un contenido explosivo: la frenética narración del descenso a los infiernos de Juan Carlos Satrústegi; poeta fracasado y en paro que entrará en una delirante espiral de sexo, drogas, katxis, ertzainas, palizas y superhéroes. Inmerso en las situaciones más aberrantes y exacerbadas por la falta de sueño y los alucinógenos, Satrústegi plasma sin caprichos las tenebrosas ideas de su mente desquiciada que salta sin pudor de Hannibal Lecter a Pinocho y de los payasos de Micolor al monstruo de Alien en sus razonamientos. Álex de la Iglesia hace gala de un humor negro y fuertes dosis de sarcasmo en esta divertida novela.

Nueva Arquitectura del paisaje Latinoamericana Miquel Adriá / Gustavo Gili

Destellos de vida, Memorias Friderike Zweig / Papel de Liar

Este volumen explora la relación entre paisaje y arquitectura a través de más de veinte ejemplos actuales latinoamericanos, con el fin de demostrar la interacción entre ambas disciplinas. Se presentan arquitecturas que, por un lado, estén menos basadas en la concepción objetual que preserva la realidad de un planeta asolado y, por otro, un paisaje modificado y domesticado. La selección abarca desde arquitecturas insertadas como objetos en el paisaje, hasta arquitecturas que no sólo constituyen el soporte, sino también el contenedor, de porciones domesticadas de naturaleza -por ejemplo, el Orquiedorama de Medellín-. En otras ocasiones se basarán en experimentos, juegos e instalaciones temporales cuyo común denominador es la alteración del paisaje en sí.

Friderike Zweig narra en estas memorias su niñez en Viena, su primer matrimonio y su creciente dedicación a la literatura antes de fraguar una estrecha amistad con quien acabaría siendo su marido. Fueron treinta años de matrimonio durante los cuales Friderike influyó en los radicales cambios de mentalidad experimentados por un autor que alcanzó cotas de fama rara vez igualadas en la historia de la literatura, y que acabó suicidándose en Brasil. Destellos de vida es un heterogéneo escenario donde muchos ilustres del pasado siglo (Rilke, Rolland, Einstein, Gorki, …) interpretan sus heroicos, dramáticos o anodinos papeles. Es además, y sobre todo, el testimonio único de dos intensas peripecias intelectuales en una Europa amenazada por la llegada de dos guerras devastadoras.

El Viaje del Elefante José Saramago / Alfaguara

La Dama de la furgoneta Alan Bennet / Anagrama

En su regreso a la novela, tras largo tiempo sin publicar y diez años después de que le concedieran el Premio Nóbel de Literatura, José Saramago publica El Viaje del Elefante, un cuento con extensión de novela que, con el pretexto de un hecho histórico menor, como es el regalo de un elefante, llamado Salomón, por parte de el rey Juan III de Portugal a Maximiliano de Austria, y que con su ingenio y dotes de fabulación, como ya nos tiene acostumbrado, consigue un libro que demuestra que aún después de estar enfermo y al borde de la muerte, a sus 86 años tiene la capacidad suficiente para escribir obras maestras como esta. Un libro plagado de personajes dispares, que entran y salen de escena, que nos van acompañando en este épico viaje del elefante por toda Europa, en donde conviven la ironía, el humor, la compasión. El que no haya leído nada de Saramago no puede perder la oportunidad de empezar a leerlo, seguro que después querrá leer otros libros de él, como Ensayo sobre la ceguera, La caverna, Las intermitencias de la muerte, etc. y los que lo conocen de obras anteriores se darán cuenta de que sigue siendo un auténtico maestro de la literatura, una maravilla.

En esta obra basada en hechos reales, el polifacético Alan Bennet (escritor, guionista, actor…) nos cuenta cómo por proteger a la protagonista Miss Shepherd, un día ésta se queda de okupa durante quince años en el jardín de su casa de Candem Town. Mary Shepherd, es una mujer mayor muy peculiar: vive en una furgoneta, tiene como gorro una caja de cereales atada con una bufanda azul, viste un impermeable rezurcido y su falda está formada por varias gamuzas color calabaza de limpiar el polvo, cosidas con esmero. Tampoco su aspecto es el de una abuela bonachona. Es fuerte, es grande, gorda, hirsuta, basta, sucia y desagradecida, aparte de su hedor insoportable. Con ironía, Bennet construye esta historia tremendamente extraña, el cuento fascinante y conmovedor de Mary Sheperd, una persona y una presencia muy reales, y con más de una identidad y una vida, como descubrió el autor después de su muerte. Un relato surrealista, melancólico y divertido a la vez, un nuevo regalo del autor.

Un mito discretísimo Mario Benedetti Hortensia Campanella / Alfaguara

Brothers Yu Hua / Seix Barral

Nunca antes una biografía sobre Mario Benedetti se había mostrado tan minuciosa, tanto a la hora de desenlazar la vida del autor, como en la descripción de la influencia que ésta ha ejercido en su obra. Al poco de empezar a leer descubrimos que es imposible separar a Mario el autor y poeta, de Mario el hombre coherente y honesto. Campanella, ha indagado la vida del creador proporcionándonos una amplia información de su existencia. Desde que en un pueblo situado a casi trescientos kilómetros de la capital nació el artista, hasta el presente, pasando por los azarosos años del exilio.

El libro incluye una selección de textos que contemplan tanto la poesía como la prosa del maestro Benedetti, y así, entre unas y otras palabras, nos contagiamos de su entusiasmo y de su lúcido pesimismo, aprendemos de su coraje y compromiso descubriendo, así, su constancia y honestidad.

La gran novela del autor más importante chino de la actualidad. En China, donde ha escandalizado a la sociedad y a la crítica, ha vendido 1.000.000 de ejemplares. A través de la narración de los encuentros y desencuentros de Song Gang y Li Guangtou, hermanastros y amigos inseparables de infancia, desfila ante nuestros ojos casi medio siglo de historia china, desde la Revolución Cultural de las décadas de 1960 y 1970, marcadas por la represión moral y las atrocidades políticas, hasta la época contemporánea, la de la apertura económica y la llegada del capitalismo. Con esta novela, que contiene la experiencia de toda una generación, la del hambre, la violencia, el frenesí económico y las grandes migraciones, los ascensos fulgurantes y los naufragios individuales Yu Hua ha escrito una verdadera odisea de China, de Mao a los Juegos Olímpicos.

Una lectura necesaria.

Los vivos y los muertos Edmundo Paz Soldán / Alfaguara

Lo que perdimos Catherine O´Flynn / Seix Barral

El boliviano Edmundo Paz Soldán dibuja en Los vivos y los muertos, su séptima novela, una trama ambientada en Madison, una pequeña localidad del estado de Nueva York. A través de encuentros en los pasillos del instituto, paseos por los centros comerciales y mensajes en Myspace, sus jóvenes habitantes van construyendo un mundo de aspiraciones truncadas, secretos inconfesables y pasiones desatadas. Pero no son los únicos en Madison que están expuestos a tales deslices de la condición humana. Cruda, directa y desprovista de artificio, la narración de Soldán se va desenvolviendo poco a poco de la mano de sus protagonistas, conduciéndonos por un camino sin retorno al lado más oscuro de las relaciones, del deseo y de la frustración; del miedo y la violencia; de la muerte y la desesperación.

Tras la puerta de cristal del centro comercial Green Oaks, en Birminghan, se esconden los anhelos de cientos de personas.

Una noche, un guardia capta a través de las cámaras, la imagen de Kate Meaney, una niña solitaria y perspicaz desaparecida hace 20 años. Kate solía deambular por el centro mientras jugaba a ser detective e imaginaba los oscuros secretos de los clientes y trabajadores con la única compañía de su muñeco de peluche Mickey. Lo que perdimos contiene una intriga detectivesca y una historia de fantasmas, pero, es por encima de todo, una novela sobre la amistad, la infancia y la búsqueda de la felicidad.

La obra se ha convertido en un fenómeno internacional en 25 países, fue rechazada más de 20 veces antes de que una pequeña editorial confiara en ella, desde entonces no ha parado de cosechar éxitos. Ha sido ganadora del Costa Award, el Galaxy British Book Award y finalista del Booker Prize. Nos encontramos ante una soberbia e inolvidable novela de un nuevo talento literario.

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comics El Demonio Rojo Mauro Entrialgo / La Cúpula ediciones Nacido en 1994 en las páginas de la revista “El Víbora”, el Demonio Rojo es uno de los personajes humorísticos mas conocidos de su autor, Mauro Entrialgo. Aunque el protagonista se gana la vida como combatiente de lucha libre, a juzgar por los intereses y aficiones que manifiesta continuamente en sus historias, el único título al que parece aspirar con perseverancia es al de campeón mundial de “meter el rabo en caliente”. Por eso, este libro, con una edición de lujo especial para coleccionistas no podría titularse de otra manera más definitoria: “Ganas de follar”. Una hilarante secuencia que provocará continuas carcajadas a sus lectores.

Bone “La corona de cuernos” Jeff Smith / Astiberri ediciones La corona de cuernos, noveno y último volumen de la clásica saga “Bone”, culmina la apasionante y ambiciosa serie creada por Jeff Smith en 1991. Los primos Bone, Thorn y la abuela Ben, están allí para defender el valle y evitar el regreso del Señor de las Langostas. Al adentrarse en un círculo fantasma Thorn oye una voz que insiste que busque “La corona de los cuernos”. Así comienza el apasionante final de una de las mejores novelas gráficas que se pueden encontrar hoy en las librerías y así lo acreditan los más de cuarenta premios que ha recibido la saga.

Pyongyang “El gran hermano aún vigila” Guy Delisle / Astiberri ediciones Delisle ya ha llegado a su quinta edición impresa de esta magnifica novela gráfica. Pyongyang nos permitirá descubrir cómo es la vida en Corea del Norte vista por un dibujante canadiense que se marcha a trabajar como supervisor de dibujos animados a la capital norcoreana. Estamos ante un libro que refleja de forma magistral, el día a día en uno de los regímenes totalitarios mas cerrados del mundo. Las sorprendentes anécdotas que cuenta el autor sirven de contrapunto frente al horror de la dictadura. Pyongyang es un reportaje apasionante realizado por un autor dotado de una mirada aguda y nada complaciente.

Diario de un exterminador de mosquitos John Porcellino / Apa Apa editorial A los 10 años, John se muda de Chicago a los suburbios de Northwest, una zona llena de bosques, campos y pantanos.

Con 20 años, y guiado en parte por el recuerdo idílico de una infancia en contacto con la vida natural, comienza a trabajar para la compañía local de control de mosquitos como inspector de campos. Las viñetas de este tebeo reflejan tanto la evolución gráfica como espiritual del autor durante ese período. Una evolución que irá del encanto a la decepción, y que acabará en una profunda crisis interior que lo llevará a cuestionarse ciertos aspectos morales de su vida y su profesión. Porcellino retrata de manera simple y directa las largas jornadas de trabajo, los encuentros esporádicos en mitad de la noche y los detalles de la vida cotidiana, dotándolos de un carácter único y extraordinario.

Nylon Road Parsua Bashi / Norma Editorial Publicado originalmente por Kein & Aber Verlag hace más de dos años ahora llega a España la historia de Parsua una inmigrante iraní en Suiza que a lo largo de su vida ha sido muchas cosas: simpatizante comunista, madre que se debe separar de su hija, estudiante de arte y mujer divorciada en una sociedad islámica, entre otras. Ha llegado el momento de saber quién es en realidad y ella nos lo muestra en esta singular autobiografía donde también nos enseña otra visión de su país natal. Si te gustó Persépolis, no debería dejar escapar la oportunidad de pasear por Nylon Road.

Los hijos de Octubre Nikolai Maslov / Norma Editorial Nikolai Maslov es un autor ruso especializado en retratar la realidad social que se vive en los países de la antigua URRS. En este comic, con prólogo del director de cine y escritor Jose A. Zorrilla y epílogo del periodista Rafael Poch de Feliú, Maslov nos enseña el lado más duro del desmoronamiento de la Rusia comunista con maestría, gracias a su expresividad gráfica y unas pocas palabras.

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ESTRENOS DE CINE LOS ABRAZOS ROTOS

LA ALDEA MALDITA

Director: Pedro Almodóvar Reparto: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo País: España Género: Drama Catorce años después de sufrir el accidente que le dejara ciego, un escritor y cineasta recuerda las circunstancias que lo rodearon y la mujer a la que amaba... Este hombre tiene dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones, y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. Después del accidente, Mateo Blanco se convierte en su seudónimo, Harry Caine. Si ya no puede dirigir películas, prefiere sobrevivir con la idea de que Mateo Blanco ha muerto con Lena, la mujer a la que amaba, en el accidente.

Capitán Abu Rae Director: Amin Matalqa Reparto: Nadin Sawalha, Rana Sultan, Hussein Al-Sous País: Finlandia Género: Drama Un hombre de muchos añosz, antiguo bedel del aeropuerto, se convierte por obra y gracia de una gorra de capitán en el hombre al que todos los chicos del barrio quieren escuchar. Él cuenta, se inventa, historias de un mundo que nunca ha visitado; ellos, imaginación desbordada, sonrisa satisfecha, piensan que ése es el mundo que querrían visitar.

Atanarjuat, la Leyenda del Hombre Veloz Director: Zacharias Kunuk Reparto: Natar Ungalaaq, Sylvia Ivalu, Peter-Henry Arnatsiaq País: Canadá Género: Drama/Fantástica Atanarjuat es el primer largometraje en lengua indígena escrito, dirigido y actuado por los Inuit. Situada en el ártico canadiense antes del encuentro con los Europeos, esta emocionante historia de acción trae a la pantalla una lucha de vida o muerte entre poderosos personajes naturales y sobrenaturales.

La Buena Vida Director: Andrés Wood Reparto: Aline Kuppenheim, Manuela Martelli, Eduardo Paxeco País: Chile Género: Drama Narra cuatro historias urbanas del Santiago de Chile de nuestros días. Teresa, Edmundo, Mario y Patricia son cuatro habitantes de Santiago cuyas vidas se entrecruzan en medio de bocinazos y frenadas, pero que difícilmente llegan a tocarse. Sumidos en la vorágine urbana, cada uno de ellos persigue su sueño.

Religulous Director: Larry Charles Reparto: Bill Maher País: Estados Unidos Género: Documental/ Humor Documental que arremete contra todos los fanatismos, no se centra en una única religión. Describe las ideas y creencias religiosas que son evidentemente absurdas, cómicas o ridículas. Maher viaja por todo el planeta entrevistando a personas acerca de Dios y la religión. Saca la sinceridad que le caracteriza en este viaje espiritual tan inusual.

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José M. Segura Fresno

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o todos los días se puede visionar una película española, muda y en cine. Hace unas semanas, tuve la oportunidad de ver, en formato cine, La Aldea Maldita. Considerada una de las mejores películas españolas de todos los tiempos y la mejor de la época muda. Sin saber nada de la sinopsis, me pareció que podía ser un filme de terror, fantástico, incluso un thriller, pero a los pocos minutos del inicio, ya descubrí el porqué del título. Una aldea castellana, llamada Luján, lleva tres años consecutivos sin cosechas por culpa de las tormentas, y eso sí es una maldición.

La historia se centra en un joven labriego, Juan Castilla, interpretado por Pedro Larrañaga, y en su familia formada por su mujer Acacia (Carmen Viance), el pequeño hijo de ambos, y su padre ciego. La desesperación provoca el encarcelamiento de Juan y el éxodo de la mayoría de habitantes, incluida Acacia. Este sentimiento de abandono marcará el conflicto de la película.

La Aldea Maldita es un retrato, casi un documental etnográfico, de una Castilla diametralmente opuesta a lo que fue. El derrotismo de 1898 impregna la obra, sobre todo por el hecho de perder las cosechas. La película sirve para comprobar personajes y las relaciones sociales que resultan tan típicas en los pueblos. Pero fundamentalmente la tradición y el honor, representados por el padre de Juan.

Desde el principio del filme los grandes planos generales parecen cuadros paisajistas, lo que demuestra claras influencias de los pintores españoles de finales del siglo XIX y principios del XX, que retrataron los diferentes paisajes y personajes distintivos de España. Podemos destacar, entre otros a Ignacio Zuluoga y Valentín de Zubiaurre, que sirvieron de inspiración para representar las gentes de Luján. De la misma forma, la pintura tenebrista también tiene su reflejo en el ambiente mostrado, algo vinculado con el tratamiento de las sombras y las luces en el cine expresionista alemán, el cual Florián Rey conocía de primera mano.

La Aldea Maldita tiene elementos sorprendentes y soluciones ingeniosas para una película española de finales de los años veinte.

Cabe destacar el uso de encadenados utilizando la aproximación y el alejamiento de los personajes, la cámara a ras de suelo, y sobre todo, los planos generales para destacar el paisaje y los habitantes, creando así un estilo casi pictórico.

En conclusión, La Aldea Maldita se puede considerar una mezcla de retrato social de la Castilla profunda, aunada con una historia ficticia sobre el honor familiar.

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Las desaparecidas La Aldea Maldita es el proyecto que Florián Rey desarrolla gracias a la ayuda de Pedro Larrañaga. Juntos, casi en cooperativa, se convierten en productores del filme, lo que les permite libertad artística y creadora. Larrañaga convenció a Carmen Viance para que se uniera al proyecto, y es precisamente esa independencia la que consiguió que la actriz se embarcara en el proyecto.

La copia en formato cine que nos ha llegado es muda, pero existió una versión sonora. Un amigo de éstos corrió con los gastos para la sonorización. Para ello, tuvieron que trasladarse a París, a los estudios Tobis, donde incluso rodaron nuevas escenas. Esa versión desapareció o mejor dicho todavía no ha sido encontrada. Desgraciadamente, ésta no es la única película que no podemos disfrutar.

Diversos factores son los causantes de que la mayoría de la producción muda europea esté dada por perdida. Uno de estos agentes forma parte de la Historia, las guerras sufridas en el Viejo Continente destruyen muchas películas almacenadas en estudios y teatros. Además, en los comienzos de la historia del cine, el hecho de guardar los rollos cinematográficos no era considerado importante ni primordial. Muchas cintas son reutilizadas tras su ciclo de proyecciones ya que el soporte era costoso.

Precisamente, ese soporte primitivo también es un elemento que causó problemas para su almacenaje. La cinta era celuloide, compuesto de alcanfor y nitrato de celulosa, con un gran inconveniente, era explosivo si no se controlan las condiciones de temperatura y humedad, y además, se degradaba.

Un caso importante de incendio, se produjo en los laboratorios Madrid Film, en 1950. Posteriormente, los soportes se construirían con acetato de celulosa, triacetato de celulosa y polyester. Éste último, es el que se sigue usando en la actualidad.

Afortunadamente, filmotecas e instituciones como el Institudo Freidich W. Murnau, llevan a cabo restauraciones de películas y almacenaje para que podamos disfrutar de obras de Segundo Chomón, Georges Mèliés, o Fritz Lang.

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GALLERY

Este espacio está concebido como una galería virtual en el que diferentes artistas abordarán cuatro páginas de la revista en cada uno de los números. Proyecto de Rafael Doctor Roncero AITOR SARAIBA (Patrocinio de San Jose, Toledo, 1983) londres y los ángeles...

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ARCO

Conservadurismo y prudencia

Isaac Montoya – Fantamas (visionados filtro con filtros azul y rojo) Galería Espacio Mínimo Isaac Montoya – Fantamas (Filtro Fantasma) Galería Espacio Mínimo

Éxito, edición por encima de las expectativas o ARCO sorprende al mercado, son algunas de las afirmaciones que hemos venido escuchando a lo largo de estos últimos días. Sin duda, ha sido la expectación suscitada por la incertidumbre del momento, la que ha otorgado mayor valor a los resultados.

Una vez más ARCO nos mostró “un poco de todo” (según rezan los adeptos).

Innovación, vanguardia, originalidad, color, imaginación, novedad, fotografía, performance, fantasía, arte, pero como en anteriores ediciones no faltó la polémica provocada por puntuales expresiones

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inconclusas que restan valor al arte contemporáneo y reabren debates sobre la instalación de éste en el “todo vale”.

No hubo, pues, excesos ni espectáculos, en un montaje tan depurado como establecido que sigue combinando las vanguardias y el arte emergente. Los artistas más cotizados de esta edición (Bacon, Antonio Saura, Ballester, Hirst, Serra, Viola...) animaron el cotarro pero no vendieron, mientras los responsables de Arco lanzaban ruegos al Patronato de Ifema y a los coleccionistas más fieles para que comprasen y salvasen el evento. Al final, se empató respecto al 2007 (dicen) y todos contentos.

En cuanto a las propuestas, miles y muy variadas, pero con un punto común entre todas las galerías sobre todo occidentales con un cierto status y es el conservadurismo, la apuesta sobre seguro, lo que se refleja en un auge de la pintura sobre otras disciplinas. Como novedad apuntar que cada vez más galeristas apuestan por la ilustración, algo que no se había observado mucho en galerías e instituciones pero que durante estos tiempos de crisis parece que vive un renacimiento.

Y así es el arte, se mueve por modas, aunque esto no es necesariamente lo que más me gusta. La moda es algo efímero y hay que ser un genio para mantenerse

fuera de ella, algo que me fascina de los artistas de ARCO. A mi entender, hay que empezar distinguiendo dos cuestiones que suelen ser peligrosamente confundidas. Un tema es discutir si una obra es o no es arte; y otro tema, bien distinto, decidir si una obra es o no es bella. La primera pregunta es de naturaleza objetiva, mientras que la segunda es, a mi juicio, subjetiva. Creo que es posible alcanzar cierto convenio a la hora de discernir si una obra es o no artística, aunque nunca a la hora de calificarla de bella o fea, por cuanto, como decía Espinosa, “la belleza no está en el objeto sino en el ojo del sujeto que mira”.

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Bajo este prisma de belleza artística y resumiendo: no mucha espectacularidad, todo algo sobrio y aunque me lo tomé como un paseo, es decir no apunté nada, me quedo con galerías como Espacio Mínimo, casi siempre el mejor stand, con las propuestas que llegan de países que todavía arriesgan en el arte contemporáneo como India, China, incluso Irán, con las galerías pequeñas, de provincias que sí que apuestan por los jóvenes, y detesto a las galeristas estiradas que van de modernas y me miran por encima del hombro por no llevar una chequera.

1 Thukral & Tagra - Phantom IX-B, 2007 2 Esther Ferrer - ‘El libro de las cabezas.

Evolución – Metamorfosis’, 2005 3 Subodh Gupta – ‘Untitled’, 2008 4 Antonio Ballester –’ Hombre Pájaro’, 2008 5 Julia FullertonBatten – ‘Mirror’, 2007 6 Martín López Lam - ‘Por si alguna vez olvido algo, recuerda no morir nunca’, 2008 7 Anay Mann – ‘The red room portfolio’, 2008 8 Marina Abramovich – ‘Family III’, 2008

Yessica Alonso

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The Estate of Eva Hesse, Hauser & Wirth Zurich London.

los dibujos de

Kramarsky

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lo largo de muchos momentos del siglo XX, el dibujo se ha considerado como una disciplina preparatoria para otro tipo de lenguaje artístico, llegando incluso a la categoría de marginal. Con estas consideraciones no es de extrañar que muchos artistas hayan encontrado en este arte una libertad de expresión absoluta.

Una vez más, el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, es el lugar en dónde destacados componentes del minimalismo cruzan el atlántico para pintar las paredes del antiguo Palacio de Enrique IV. La colección de Wynn Kramarsky, la más prestigiosa del panorama del arte contemporáneo de Estados Unidos, está centrada en el dibujo como lenguaje artístico y reúne más de 3.000 obras realizadas entre mediados del siglo XX y la actualidad.

Se trata de una obra que nunca antes se había mostrado en nuestro país, y que ya ha podido contemplarse en grandes museos de todo el mundo, tanto estadounidenses como europeos. El Moma de Nueva York, el Museo de San Diego o la National Gallery de Washington, habían

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visto las obras de un coleccionista avezado, inquieto y culto.

La exposición es un ejemplo de calidad y mejora permanente en la actividad cultural de este Museo. La muestra titulada “Nueva York, el papel de las últimas vanguardias”, nos presenta una cuidada selección de 117 obras de 71 artistas todas representativas del minimalismo. No obstante, también incluye obras abstractas que representan la herencia de este movimiento hasta el presente.

Artistas de varias generaciones realizan un rastreo por la genealogía del arte que mayor huella ha dejado desde la segunda mitad del siglo XX. Desde los nombres míticos que a finales de la década de 1950 comenzaron a distanciarse de la abstracción expresionista como Esteban Vicente, Barnet Newman o Ellsworth Kelly, pasando por el núcleo de artistas que alcanzaron su madurez en la década de los 60 y 70 como Kristine Holder o Susanna Hardwood Rubin. Cinco salas, y los pasillos del centro de arte recorren desde la esencia del minimalismo a las relaciones con el land art, la ciencia y la astronomía.

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Apasionado del dibujo como lenguaje artístico autónomo, Kramarsky ha logrado atesorar un conjunto de piezas de gran calidad, siendo siempre fiel a los artistas de quien ha sido mecenas, por lo que en la muestra podremos disfrutar de obras tempranas y tardías de casi todos los participantes, lo que nos ayuda, además, a hacernos una ligerísima idea del crecimiento artístico de cada uno de ellos. Sin duda, lo más destacado de la exposición es que nos invita a profundizar en una técnica poco valorada y que, sin embargo constituye toda una revelación íntima sobre la intencionalidad del artista, es como una especie de síntesis acerca de la compleja mente del creador.

No hace falta ser un entendido en arte contemporáneo para poder disfrutar el “papel de la últimas vanguardias”.

Nerea A. de la Vega

PETER FUNCH

Nació en Dinamarca hace 35 años y aunque cursó sus estudios y empezó

su carrera como fotógrafo en su país natal ha sido en Nueva York donde ha obtenido el reconocimiento que se merece. Trabaja para The New York Times Magazine, además de colaborar con otros prestigiosos medios como Big Magazine o Neon. Por si fuera poco completa su exitosa carrera con

trabajos publicitarios de sobra conocidos como los de Sony Bravia, Lee, Jack & Jones, O2 y Axe entre otros.

A finales de este año publicará “Babel Tales”, su segundo libro. Un trabajo que recompone la realidad a base de manipularla fotográficamente.

¿Cómo surge la idea de recopilar en un libro toda la serie “Babel Tales” dos años después de su creación y para cuando está previsto su lanzamiento?

He trabajado en el proyecto durante aproximadamente tres años ya, la idea se ha ido desarrollando durante esos años.

He querido ir desde imágenes más sencillas donde la idea era simple a otras

en las que las ideas son más crípticas y con contradicciones. Esto es necesario cuando estoy haciendo un libro donde necesitas un flujo entre las historias de las imágenes. El libro verá la luz a finales de este año.

Toda la serie es en Nueva York ¿Qué tiene de especial para ti la ciudad de los rascacielos?

La propia ciudad es una torre de Babel en sí misma. Es misteriosa, bonita, desigual y malvada. Contiene todos esos factores desconocidos que son interesantes cuando intento contar una historia sobre las relaciones y la falta de ellas entre la gente.

Tienes otra serie con la misma técnica, ¿incluirás también “Deja Vu” en el libro?

peter funch

“Deja vu” es prácticamente la misma idea y también estarán en el libro.

La diferencia es que se centra más en el tiempo sobre un área…

En Babel Tales juntas personas de distintas fotografías con algo en común en un solo montaje. ¿Por qué en éstas distorsionas la realidad en lugar de recrear escenas reales y que buscas con ello?

Veo este documento como un estudio de la sociedad, no como un entretenimiento.

Trata sobre la realidad y sobre cómo los seres humanos tenemos todos de alguna manera un enlace a cada uno de nosotros. Los enlaces más obvios sobre los que solemos hablar son el color de la piel, la religión y la nacionalidad. Pienso que hay otras formas de apreciar una sincronización relativa entre las personas y eso es lo que muestro en estas imágenes.

En cada lugar, ¿normalmente cuánto tiempo sueles estar haciendo fotos para conseguir suficientes?

De diez a quince días disparando, varios editando, y otros tantos de retoque. Pero no seguidos, en algunas imágenes trabajo durante un año y en cambio otras están hechas en dos semanas.

En una campaña publicitaria, ¿en qué medida influyen las decisiones del director artístico en tu trabajo? ¿Cuánto espacio suelen dejar para tu creatividad?

Depende de en lo que consista, si la idea

es buena hago todo lo que puedo para trabajar como a mí me gusta. Lo que siempre hago es dotar a mi trabajo de mi “look” personal.

Los tratamientos que haces de la luz son algo asombroso, tus fotografías tienen una gran luminosidad, ¿mantienes la exposición que lograste en la toma original o realizas un balance en un procesamiento posterior para lograr resultados más impactantes?

Trabajo con la luz del sol e intento no retocar demasiado. Busco conseguir la apariencia de los carretes, con las cámaras digitales.

En el pasado has retratado escenas difíciles como en “Crash” y “NYC September 2001” ¿volverás en el futuro a dar un giro a tu obra hacia ese tipo de instantáneas o ahora ya te has centrado en este modo de collage urbano?

Todavía me fascina la fotografía como un documento o prueba científica. Solo juego con las composiciones cuando quiero trasmitir un concepto determinado, sino dejo éstas tal y como las he tomado.

La última exposición individual que has realizado fue en Nueva York hace un año, ¿dónde y cuándo se podrá ver de nuevo tu obra?

Estoy trabajando en “Dream Amsterdam”, una exhibición en la capital holandesa que se abrirá en junio de 2009. Y para más adelante, pero este mismo año, otra exposición en un museo en Dinamarca.

Expones individualmente, colaboras en New York Times Magazine y además trabajas en campañas publicitarias. Será difícil que puedas mantener este ritmo durante mucho más tiempo. ¿A cual de estas modalidades pretendes dedicarte en los próximos años?

El arte será mi foco este año. El libro está a punto de salir a la venta y hay tres gran-

des exposiciones a la vuelta de la esquina.

Además, si es posible, intentaré compaginarlo con algunos trabajos comerciales. ¿Qué sensaciones o situaciones no has conseguido fotografiar a pesar de haberlo intentado muchas veces?

Gente perdiendo su trabajo a causa de la recesión. Es una pregunta con truco…

Y finalmente, seguro que los aficionados a la fotografía se preguntan: ¿cuál

es el cuerpo de cámara que más utilizas? ¿Y cuáles son tus objetivos favoritos?

Disparo siempre con cámaras digitales y la verdad es que no siento predilección por ningún objetivo en concreto.

Roi Canda / Héctor Gómez Fotografías por Peter Funch Cortesía de V1 Gallery

iván domínguez VJ

CREADOR DE IMÁGENES Hace unos años asistí a unas clases que impartía Vj Ibi. Siempre había pensado que era “el de las luces” que acompaña al Dj, pero no es así. Los Vj’s son creadores de imágenes e historias visuales para nosotros. Personas que hacen que la música nos entre por los ojos.

Iván Domínguez es uno de estos Gurús de imágenes.

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Lo primero y más importante ¿Qué es un Vj? Un VideoJockey es una persona que intenta transmitir emociones y sensaciones. Ya sea contando una historia con imágenes y o sonidos, o bien a través de situaciones que hagan fluir sentimientos.

Eso es para nosotros, no la persona que se tira ocho horas poniendo imágenes para decorar una sala. ¿Qué expresan las imágenes que expones y donde más se pincha imágenes a parte de las discotecas?

Lo que tú quieras expresar. Únicamente son el hilo conductor de lo que quieres trasmitir al público. Museos, casas culturales, fachadas de edificios… cualquier lugar es bueno siempre que puedas llegar al fin que buscas.

Pero lo habitual es relacionaros con los Dj’s ¿Hay algo necesario para trabajar con ellos?

Tiene que haber un conocimiento de la manera de trabajar de ambos. Desgraciadamente hoy por hoy esto no existe, salvo cuando hay ensayos de por medio y se sabe lo que se quiere hacer como con los grupos de directo y obras de teatro. Actualmente no hay compenetración entre Dj y Vj, de hecho en la mayoría de los casos no se sabe con quién vas a trabajar una noche. De ahí que haya que diferenciar entre un VideoJockey y la persona que pone imágenes al tuntún desde un ordenador u otra máquina. ¿Un lugar perfecto para proyectar tus imágenes?

En la calle. Para todo el mundo.

Me refería a algún sitio en concreto El Vaticano sería un buen lugar para proyectar imágenes discrepantes y así hacerles pensar un poco.

Volviendo a las cabinas, los meritos suelen llevárselos quienes ponen los discos. ¿Alguna queja al respecto?

No sé, podríamos tener tantas seguidoras como tienen los grupos de Rock (carcajadas). Es broma, en realidad tenemos bastante libertad a la hora de trabajar ya que quien suele contratarnos no tiene mucha

idea de cómo va todo esto por lo que no podemos quejarnos demasiado. ¿Supongo que tendréis infinitud de anécdotas curiosas en relación con vuestro trabajo?

Nos han pasado muchas cosas, algunas graciosas y otras menos como en un directo con System Chaos, un grupo de electrónica que teníamos hace años en el que una de las máquinas de sonido se volvió loca y empezó a mandar impulsos de señal midi a las máquinas de vídeo y aquello empezó a soltar infinidad de imágenes rapidísimamente y las pantallas parecían que se habían vuelto locas.

En otra ocasión una de las tarjetas de vídeo se desconfiguró y paso del estándar europeo al americano. Las imágenes hacían un efecto extrañísimo en las pantallas.

Cuando acabamos hubo gente que se interesó por como habíamos hecho eso, les gustaba el resultado. ¿Cómo es el proceso para crear tus imágenes?

Todas las formas son válidas para crear.

Mediante Motion Graphics, rodando con la cámara, no sé, cualquier forma es válida siempre que consigas lo que quieres y que el material lo crees tú mismo. Hay quien se preocupa más de buscar vídeos por internet que de crearlos y lo bonito de esto es que el material que proyectes lo hayas creado tú anteriormente o lo hagas en directo.

Has compartido experiencias con muchos artistas pero, ¿con quién te gustaría trabajar?

Autechre, Plump Dj´s y Prompt. Con cualquiera de ellos creo que se podría hacer un buen trabajo. La música que hacen es muy divertida y da mucho juego. ¿Hacía donde se encamina el tema audiovisual?

Ahora mismo se está expandiendo en todos los sentidos. Hace unos años oír hablar de visuales era sinónimo de club o festival de música pero hoy por hoy se está empleando para muchas cosas. Ejemplo de ello son las compañías de teatro que cuentan con su lado visual en la puesta en escena.

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Nosotros ahora mismo estamos haciendo pruebas para que el público pueda jugar con la imagen en directo, interactuar con ella. ¿Podrías explicarnos esto último un poco más?

Hay diversas formas de hacerlo. En estos momentos estamos probando que el público situado delante de la proyección pueda jugar ya sea con un logo u otro elemento, pudiendo moverlo, deformarlo e incluso haciendo que aparezcan otras cosas sobre éste haciéndoles partícipes de lo que ocurre. Pero hay muchas variantes como que la gente se vea proyectada y al mover la mano u otra parte del cuerpo la imagen se transforme. Se pueden hacer muchas cosas y por ello en Improbable Films estamos investigando sobre ello. Es algo novedoso y muy divertido.

Por último, ¿una imagen que describa tus deseos?

Una multitud de tijeras volando y cortando las corbatas de toda esa gente de traje que no les interesa solucionar los problemas de este mundo.

A partir de ahora, nuestras miradas hacia la pantalla de cualquier local serán otras. Posiblemente nos trasladen al lugar que nos gustaría habitar o imaginar nuestro propio cosmos y porque no, nos animen a proyectar en cualquiera de las paredes que nos encierran representaciones pictóricas que nos hagan traspasar la frontera material del ladrillo. labatadeguatiné

Links para el lector www.improbablefilms.com En ella se pueden ver algunas de las cosas que hemos hecho, aunque en breve modificaremos la web. www.vjspain.com Foro nacional de VideoJockeys y precursor de este movimiento. www.lightsurgeons.com Con base en Londres son sin duda un referente a seguir.

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Fotógrafo: Fernando Lorenzo

LAURA RIBÓN Hace unos días, presentó su nueva colección otoño-invierno 2010 en Burgos, bajo la pasarela de la Moda de Castilla y León. Vallisoletana de pro, Laura Ribón, lleva diez años dedicada al mundo de la moda y su nombre suena cada vez con más fuerza en el circuito de los nuevos diseñadores nacionales.

¿Cómo define Laura Ribón su estilo?

Mis colecciones se suelen basar en los básicos, y ahora, si pretendo comercializar la marca “Laura Ribón” los trabajos que haga han de ser más viables para el mercado, más comerciales.

Mis trabajos son muy simétricos y me baso siempre en el patronaje que es la parte fundamental de todas mis creaciones y que además es lo que más me gusta trabajar.

Has participado en multitud de pasarelas durante unos años, de las cuáles has obtenidos importantes galardones. Llevábamos un tiempo sin verte en estas pasarelas emergentes.

Si, tuve que “desaparecer” un tiempo pero no porque yo lo quisiera así. Decidí trabajar con diversos diseñadores porque es la mejor forma de aprender, por lo que no tenía tiempo para preparar mi propia colección. Ahora he vuelto para quedarme. ¿Entonces la principal razón por la que te pones el patrón por montera y decides crear tu negocio es la falta de tiempo para crear tus propios diseños?

Principalmente por libertad. No podía trabajar en cualquier sitio, como teleoperadora, como hace un tiempo y llevarme mis labores para los ratos libres. Necesito crear, tener un espacio para mi, pero al mismo tiempo dependo de mis ingresos, por ello decidí que lo mejor era montar mi negocio.

Estoy encantada, vendo muchas telas para trabajos de patchwork, cortinas y creaciones de todo tipo, Es un trabajo muy creativo aunque no lo parezca, y lo más importante, cuando no tengo clientes puedo sacar mis bocetos y ponerme a dibujar.

El patchwork, ha venido para quedarse, o eso parece.

Es una labor que admiro, porque tiene muchísimo trabajo y es admirable la cantidad de tiempo que emplean para hacer cualquier cosa, aunque parezca insignificante. A mi personalmente no me gusta nada. No sé si habrá venido para

quedarse, son modas como todo y éstas son cíclicas en todos sus sentidos.

Hablando un poco de tus colecciones, la última pasarela era muy romántica, algo que hasta el momento no lo habías mostrado con tanta fuerza en tus desfiles. ¿Se trata de un nuevo estilo de Laura Ribón?.

Me apetecía hacer algo así, más romántico y femenino pero eso no significa que mis próximas colecciones vayan a seguir la misma línea.

Siempre me gusta probar cosas nuevas, nuevos tejidos y patronajes. Intentar dar un poquito la vuelta a lo convencional.

A quien admira Laura Ribón.

Dentro de la alta costura tengo claro que mis dos diseñadores predilectos son David Delfín y Josep Font. Sé que los dos no tienen nada que ver, pero por eso les admiro, son dos extremos totalmente opuestos pero cada uno posiblemente inmejorables en su estilo.

Un imprescindible en 2010 Siempre que hay épocas de crisis, la moda se vuelve más austera, volverán los vestidos en colores fríos y neutros con dominio del negro. Austeridad, tejidos lisos, ausencia de ornamentos, pliegues, drapeados,… posiblemente marcaran la moda durante un tiempo.

Aunque mucho me temo, que pasada esta época volverán los ombligos al aire, algo que me da mucho miedo, pero será así. ¿Hasta donde llegará la marca Laura Ribón?

Nunca me pongo metas, lo que me gustaría es seguir trabajando en esto, cuándo trabajas con tanto empeño y satisfacción como yo lo hago… hasta donde llegue estará bien.

Nerea A. de la Vega

Clásicos revisados y propuestas innovadoras Premteatro, un potente y oscuro drama de Polly Stenham (escritora revelación alabada por la crítica londinense tras su estreno en el Royal Court, con tan solo 19 años); Carton Village, dirigida por el carismático actor catalán Sergi López, planteada como un espectáculo cómicovisual basado en las técnicas del clown; o El club de la calceta, basada en la exitosa novela de María Reimóndez, expuesta como una divertido reflexión sobre la condición femenina.

La Muestra, avala una vez más, en el empeño de convertir Madrid en una ventana abierta a las distintas realidades teatrales de nuestro rico y diverso panorama escénico, con el compromiso de ofrecer un espacio para la presentación de compañías de otras Comunidades Autónomas.

vs Actúan para un público accidental, en mitad de cualquier parte sin convocatoria previa y no obtienen ningún tipo de remuneración económica. Estos son los puntos comunes que existen entre Invasión danza y Videotapas, dos colectivos emergentes que reivindican la calle como espacio cultural.

Demandan ésta como zona artística, un lugar de encuentro, creación y libertad, bajo dos prismas diferentes pero con

intereses comunes: un papel activo y visible en la sociedad, que les haga partícipes de las posibilidades que los espacios urbanos pueden brindarnos.

La danza y la música se dan la mano en esta nueva forma de reivindicar el lugar que les pertenece, por ello ambos colectivos realizan esta entrevista cruzada para explicarnos de primera mano en qué consisten sus proyectos.

Por parte de Videotapas participa Ico Romroy por Invasión Danza Ainhoa Sarmiento.

VT: ¿En qué consiste vuestro proyecto y cuál es el objetivo a conseguir?

ID: Invasión Danza es, al mismo tiempo, una propuesta artística y una reivindicación.

Se trata de invadir las calles con la danza, aprovechar las posibilidades estéticas y estructurales de los espacios públicos, llamar la atención sobre la danza a través de la danza misma, sorprender a los viandantes y reivindicar más espacios para ésta. Salimos a bailar, grabamos la invasión en vídeo y luego la colgamos en la Web: www.invasiondanza.com No todo el público reaccionará por igual ante estas improvisaciones. ¿Qué tipo de respuesta soléis obtener del público accidental que “disfruta” de las invasiones?

En las que yo he participado el público ha sido muy receptivo y ha quedado gratamente sorprendido. Nadie nos ha mirado mal, ni se ha quejado. Los más atrevidos se acercan a preguntar quienes somos, a felicitarnos e incluso hay quien se ha animado a bailar con los invasores.

Fotografía: Emilio Tenori

Ya son catorce las ediciones que celebra la Muestra de Teatro de las Autonomías en Madrid, un certamen que ya se ha consolidado como un auténtico escaparate de la vitalidad escénica en toda España. A lo largo de todo este mes tendrá lugar la XIV Muestra de Teatro de las Autonomías en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, este año con compañías invitadas de Galicia, Extremadura y, como siempre, Madrid. Un total de catorce espectáculos se darán cita en el

teatro Fernando de Rojas y en la Sala de Columnas, con el objetivo de acercarnos a la realidad escénica de estas Comunidades.

En Escena Sobre el escenario se van a contemplar propuestas muy variadas. El público podrá acercarse de nuevo a algunos clásicos: la shakesperiana y siempre divertida Noche de Reyes, una sugerente e imaginativa Chrónica de Fuenteovejuna, basada en el popular texto de Lope de Vega, la comedia de enredo de Tirso de Molina La mujer por fuerza o el disparatado montaje que, desde Extremadura, Guirigai Teatro ha ideado para la comedia El deleitoso y otras delicias, fiel al espíritu de Lope de Rueda.

Junto a los clásicos, ofertas innovadoras como el estreno de Esa cara, recreada por

C / Arribas esquina, C / Cascajares Frente a la Catedral 47002 Valladolid

“Ropa y complementos buscados especialmente para ti.

Si aprecias la diferencia encontrarás diseño y creatividad.”

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Fotografía: Gabriela Bossio

Jana Hunter

Russian Red

vs

¿Qué es lo que os motiva a elegir un espacio concreto para una acción?

Yo, por ejemplo, siempre intento buscar sitios en los que haya mucha gente y que además no sean lugares donde uno esperaría encontrar un espectáculo de ningún tipo. Una estación de metro a las ocho de la mañana, la calle preciados de Madrid en época de rebajas o un lago glaciar en Islandia. También me gustaría destacar una invasión que nos mandaron rodada en la calle de la estafeta en fiestas de San Fermín en Pamplona. ¿Cuanto hay de planificación en una invasión?

La planificación es muy importante, en lo que se refiere al lugar, fecha y hora de la invasión, pero el movimiento no tiene porqué estar planeado. El objetivo no es la coreografía en si misma, sino llamar la atención, sorprender, y eso se puede conseguir de varias formas, con un movimiento impresionante, con un vestuario llamativo, con mucha gente bailando o con una música que atrape. ¿Qué puede aportar la escenografía urbana a la danza practicada en espacios diseñados para ello?

La idea misma de invasión influencia mucho las propuestas coreográficas porque los objetivos de la creación son diferentes que los que te planteas para presentar tu obra en un escenario. La forma física del espacio es condicionante pero también el mobiliario urbano, el tipo de suelo y el “decorado”. No es lo mismo bailar en un mercado que en un jardín. Pero también el tipo de público potencial que frecuenta el lugar a la hora elegida es un factor determinante.

Hay bastante gente que ya ha “invadido” con la danza. ¿Qué le puede pasar por la cabeza a alguien que tras haber visto vuestra llamada decide salir a bailar?

Hay que tener en cuenta que todos los que nos dedicamos a las artes escénicas tenemos un punto de exhibicionismo y eso ayuda, a todos nos gusta que vean nuestro trabajo. Es una manera de mostrar lo que haces, al mismo tiempo que apoyas la danza. Creo que se sienten atraídos por el proyecto, que están de acuerdo con nuestra reivindicación y que anhelan el impulso creativo de hacer algo en la calle con esa idea de sorprender y llamar la atención.

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La expectación ha sido impresionante y las invasiones han aumentado en poco tiempo. ¿Habéis cumplido vuestras expectativas?

La respuesta ha sido sorprendentemente buena, tanto por parte de los profesionales del sector, como por parte de la prensa.

Nos propusimos llegar a cincuenta invasiones antes de fin de año y lo superamos con creces. Ahora hemos iniciado una nueva fase que hemos llamado “¿tienes un minuto para la danza?” en la que reunimos videos-firmas para solicitar la presencia de la danza en la televisión ya que nos parece un medio muy efectivo para la captación de público.

Para terminar, ¿cuál es la ciudad más bailable que ha sido invadida por la danza?

Madrid. Supongo que porque los iniciadores estamos aquí y porque en Madrid hay muchos bailarines pero tenemos invasiones de diferentes ciudades de Europa e incluso la que yo grabé en Islandia. Muchos aprovecharon sus vacaciones de verano o alguna gira para invadir en tierras extranjeras.

Invasión danza entrevista a videotapas ID: ¿Qué es videotapas?

VT: Sacamos a los músicos de los escenarios habituales y los grabamos tocando en acústico, en un plano secuencia, para luego difundirlo en la Red. Videotapas da a conocer a grupos independientes mediante vídeos de actuaciones improvisadas frente a un público accidental.

Un poco de historia, ¿de dónde surge la idea y cómo decidís poner el proyecto en marcha?

Videotapas surgió de una beca. De la fascinación compartida de becada y “padrino” por la música, y del descubrimiento del trabajo de Big Purple Van, Blogotheque y BlacK Cab Sessions.

Pensamos que este tipo de páginas están cambiando las reglas del audiovisual musical y otras cosas un poco sesudas, así que convencimos al jefe de actividades que nos dejase organizar un mp7 en el CCCB sobre el tema. Por el camino nos dimos cuenta que nadie en España trabajaba este formato así que nos lanzamos.

Después fichamos a Felipe Martín (entre los tres formamos el núcleo duro) y a otros tres colaboradores: Ferriol Moya, Enric Granados y Jose Luis Pérez, responsable de blog A Letter for the Stars. ¿Qué reacción buscáis en el público que presencia vuestras grabaciones?

Cualquiera, incluso alérgica (risas). Pues ninguna en especial... Que disfruten y conozcan a los artistas en una faceta

más cercana e improvisada. Que tengan contenidos de las bandas que les gustan, que a través de los vídeos la gente decida comprar discos o ir a los conciertos. Y quizá (como deseo inconfesable, oculto y secreto), que los promotores de Barcelona decidan acreditarnos para todos los conciertos y festivales de la ciudad. ¿Qué es lo que más os gusta de este proyecto?

El contacto con los grupos, vivir la música de primera mano, en primerísimo primer plano. ¿En algún momento habéis pensado que sería mejor abandonar la idea?

Mmmm, otra pregunta. ¿Por qué los futbolistas siempre se lían con las modelos y en cambio los artistas estamos dispuestos a darlo todo por nuestro arte?

No sabemos qué es lo que pasa por la cabeza de los artistas (con los futbolistas es más fácil). Nosotros hacemos esto de manera completamente desinteresada, dejando claro que los artistas están al otro lado de la cámara. Es una afición que nos apasiona y nos cuesta dinero, como pasa con alguien a quien le gusta hacer reproducciones de batallas a escala o colecciona chapas de cava. Nadie sabe por qué… Misterios…

Por experiencia propia, en estas actuaciones improvisadas, surgen un montón de anécdotas curiosas. ¿Cuál nos podéis destacar?

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La idea de cambiar la música de entorno abre la posibilidad de que ocurran mil historias mientras grabamos, y eso es una de las cosas que más valor da a Videotapas.

Tenemos una versión de “Maria is a Bird” de Arbol a dos voces, xilófono, tubo de obra, llaves, boli bic y Harley-Davidson.

Estábamos en Poble Nou. La calle estaba desierta y cerrada por obras pero a mitad de la grabación una especie de ángel del infierno se saltó las vallas. En la grabación se ve como éste pasa perfectamente acompasado con la canción. En realidad, con un poco de atención extra se pueden descubrir muchas de estas cosas en las Videotapas Creo que tanto Invasión Danza como Videotapas comparten más de lo que yo imaginaba al comenzar ésta “entrevista cruzada”. ¿Somos capaces de encontrar cinco semejanzas que nos caractericen?

Compartimos la idea de sacar actividades artísticas de sus entornos habituales y de dar nuevos usos al espacio público.

El resto lo debemos dejar para un divertido juego de agudeza visual con los lectores de Ilikemagazine.

PEN DRIVES DE DISEÑO

Su gran popularidad nos ha llevado a llamarles de multitud de formas: pen drive, memory stick, memoria flash o simplemente USB. Su pequeño tamaño ha permitido que se intedren en objetos de uso cotidiano como mecheros, llaveros, bolígrafos, pulseras, etc. Las grandes empresas lo han adaptado como artículos de merchandising, y como ocurrió con los móviles, con la extensión de su uso cada vez aparecen más modelos. Ésta es sólo una pequeña muestra de éste nuevo fenómeno informático.

locos por...

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ANTITURISMO ¿Qué es el anti-turismo?

Se trata de informar acerca del destino elegido dando un valor informal, caótico, sembrado de dudas y difícil.

El Anti-turismo es lo malo del destino, lo no mencionado en ningún otro medio de comunicación, lo que no se clasifica pero que existe en ese lugar al que viajaremos.

Por eso y a partir de este número en ilike magazine comenzamos la aventura crítica sobre el turismo.

Lisboa ¿Dónde está el rock?

Una ciudad cosmopolita dicen, será por su incipiente inmigración, está desarrollando una increíble capacidad para intentar y no conseguir. Los dos inmensos puentes que la unen con la otra orilla abren el horizonte de esperanza. Ellos, los lisboetas, están llenos de amargura, resignación; ellas no existen. Estarán al resguardo de sus amados, en casa sin asomarse a ver lo que sus hombres hacen y esto es un error porque las mujeres son su futuro.

Es grande, no sabes cuando acaba y empieza el pueblo siguiente, y está masificada de carreteras, de basura, de obras y escombros. Hizo ser genial, su pasado seguro era más honesto que su presente. Las formas son correctas, educadas al viajero, no te arrepientes de pedir nada, todo está bueno, sabroso, quizá a veces mejor que en tu propia guarida.

No es caro, ni barato. No es oscuro, ni claro.

No es fácil, ni difícil. No es caótico, ni ordenado. No es nada, ni tampoco lo es todo.

Es una ciudad mas, sin impresión, sin una guía o pauta a seguir, puede que no sea suficientemente objetivo pero lo vi como viajero erguido, atrevido y observador narcotizado.

En Lisboa no existe el rock, fallo garrafal para el disfrute. La música es melosa con ritmo conservador, los movimientos corporales no acontecen, son pasos de milicia comparados con el ánimo, la serenidad, la identidad y la pureza del rock. Buscamos sin parar buena música, y encontramos buenos locales, buenos barrios, buenos bares pero nunca un ritmo de fiesta.

Los detalles hacen que valores lo que resalta ese detalle. El que te sirvan la cerveza en vaso de plástico jode a la cerveza en si, jode el bar donde te la tomas y distorsiona la pobre sonrisa del barman. Las carreteras son buenas pero el que no esté bien señalizadas las estropea por completo. Esos detalles son los que indican el camino a seguir para salvarse de las opiniones de gente mala, como yo. Un viajero no arrepentido del viaje por la compañía y por la atracción al conocimiento de cualquier tipo.

El consejo es hacer, crear o importar Rock and roll.

Texto y fotografía - Ángel Hurtado

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expo -siciones Martin Kove

Pequeña Historia de la Fotografía

En Domus Artium (Salamanca) Hasta 26 de abril El artista alemán, Martin Kobe, expone en la antigua cárcel del Da2 “Other Monuments”, una muestra que puede verse por primera vez en España y en la que reúne once obras de gran formato con un carácter “retrofuturista”, fruto de su intuición, a la hora de seleccionar elementos sacados de la realidad, y de la precisión de su técnica. En sus pinturas de gran formato la relación entre tiempo y espacio se traduce en estructuras arquitectónicas muy complejas, en las que los límites entre realidad y ficción se confunden una y otra vez. La exposición se desarrolla en colaboración con la Galería White Cube de Londres y el Gobierno alemán.

Jordi Colomer

Anarchitekton (maquetas), 2002-2004 En Centro de Arte La Panera (Lleida) Hasta 19 abril

Francis Bacon

Retrato de Isabel Rawsthorne de pie en una calle del Soho En Museo Nacional del Prado (Madrid) Hasta 19 abril A diferencia de Londres o Nueva York, dónde se presentará la retrospectiva tras su paso por España con motivo del centenario del nacimiento del artista, la obra de Bacon no llegaba a España desde 1978.

La exposición cuenta en Madrid con un conjunto de unas sesenta pinturas, entre las que figuran quince de los trípticos mas importantes realizados por el artista además de un destacado material documental procedente de su taller. El Prado presenta como novedad y a diferencia de las anteriores ciudades dónde se ha exhibido la muestra, un gran tríptico de 1984 procedente de una colección privada que no ha viajado a Londres ni lo hará a Nueva York. La exposición abarca desde las obras mas tempranas del autor en los inicios de su carrera, hacia 1949 hasta los años finales de su vida, ya en 1991, y está estructurada en varios capítulos que pretenden ordenar las obsesiones sucesivas del pintor y dar una visión exacta de sus elevados intereses artísticos.

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Paul Thek

Trabajos en la calle En Círculo de Bellas Artes (Madrid) Hasta 29 de marzo

Tar Baby, 1975-76 En Museo Nacional Reina Sofía (Madrid) Hasta 20 de abril

Nombres fundamentales de la historia de la fotografía de las últimas décadas, obras portada de revista, o que han sido utilizadas como carteles de eventos artísticos internacionales, o que sirvieron como motivo central a ensayos fundamentales sobre la estética de la actualidad componen un fondo que permite realizar diferentes itinerarios y proponer multitud de lecturas o revisiones. A partir de las colecciones del CGAC y ARCO y del depósito de la Colección Ordóñez-Falcón, se propone una revisión desde el punto de vista de los géneros históricos de la fotografía, retrato, naturaleza muerta, paisaje y abstracción, de la posmodernidad fotográfica para mostrar el capital fundamental que en este medio poseen los fondos del centro.

Hipótesis Urbana. Investigación sobre diseño contemporáneo, pretende ser una selección de los objetos y entornos de la rutina ciudadana de nuestros días. Se trata de una idea de exploración del ecosistema callejero como si quien se hubiera topado con ellos no tuviera una referencia anterior y sintiese la necesidad humana de definirlos, conocerlos, entenderlos y finalmente asimilarlos como parte de su naturaleza. La muestra pretende reseñar también cierto intervencionismo del ciudadano de a pié en el medio, quienes llegan a interactuar con los elementos urbanos hasta el punto de transformar y confundir funciones y mensajes, aplicar mejoras de diseño, e incluso añadir detalles para dotar de mayor calidad social nuestro paisaje callejero. Una vez más, el CBA nos da esa muestra que caracteriza sus obras, generar espacio para las más destacadas y novedosas corrientes urbanas. Una apuesta acertada.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acoge en sus salas la retrospectiva” retrospectiva dedicada al artista neoyorquino Paul Thek, pionero de la instalación o environment. Se trata de un completo recorrido por el universo creativo de Thek, uno de los artistas más complejos, productivos y contradictorios de los últimos 50 años de arte contemporáneo.

La religión, su homosexualidad, la paternidad, el arte industrializado, son algunos de los conceptos que atraviesan la muestra a lo largo de las 300 obras pinturas, fotografía y objetos de obras colectivas realizadas para instituciones.

Un “NO” por respuesta

Bajo la Nieve

Power Food

En CAAC (Málaga) Hasta 31 de mayo

En Es Baluard (Palma de Mallorca) Hasta 24 de mayo

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga nos propone una exposición de Ilya & Emilia Kabakov, dos de los artistas rusos más relevantes del panorama internacional de todos los tiempos. La exposición se compone de veintitrés pinturas de gran formato, treinta y cinco acuarelas y dibujos a lápiz que reúnen estilos opuestos como la abstraccción y el realismo, con escenas costumbristas y paisajes.

El color blanco de la nieve, juega un papel muy destacado en el arte ruso en general, por lo que el artista lo utiliza de hilo conductor para mostrar así la diferencia entre la vida en la ciudad y la vida fuera de ella, algo patente en la cultura rusa.

Exposición ideada por el artista catalán Antoni Miralda y el equipo de la Fundación FoodCultura y coproducida conjuntamente con Artium, Power Food pretende reflexionar sobre un acto tan cotidiano como es el comer y a la vez realizar una revisión poética en torno a las conexiones existentes entre nutrición, poder, cultura, tradiciones populares y sociedad contemporánea. La muestra reúne vídeos, imágenes e innumerables productos y objetos recogidos a lo largo y ancho del mundo: recetas milagrosas, vigorizantes, revitalizantes, y fotos de musculosos. Vírgenes de Lourdes, certificados de laboratorios, agua bendita en distintos formatos, viagras, perfumes para atraer al ser amado, aceites para que el dinero venga pronto, … Todo esto y mucho más nos encontramos en esta exposición repleta de ironía, que cuestiona las relaciones entre el Poder y la energía.

If I can´t dance i don´t want to be part of your revolution

Bestué/Vives Cisnes y Ratas

La Sala Rekalde se convierte en sede de la plataforma itinerante If I Can’t Dance, I Don’t Want to Be Part of Your Revolution, proyecto que investiga la evolución de la performance y sus diversas tipologías dentro del arte contemporáneo. En su primera edición en 2005 el colectivo exploró nociones como la teatralidad y la puesta en escena.

En la segunda, el legado feminista dentro del arte contemporáneo fue protagonista y esta tercera edición explora la trayectoria histórica de la mascarada en los contextos del psicoanálisis, el feminismo y la performance. Una apuesta atractiva en la que la ciudad de Bilbao acogerá diversos talleres, charlas y grupos dirigidos por gran parte de los artistas participantes.

El Centro de Arte 2 de Mayo presenta dos instalaciones de los artistas David Bestué y Marc Vives. Con el uso de diferentes formatos desde los pequeños gestos en los espacios públicos, hasta la video instalación pasando por la representación teatral, los dos artistas buscan provocar al público, hacerle replantearse el lugar y el sentido que ocupan las cosas cotidianas y el papel mismo del arte. “Acciones en el Universo “ es uno de estos recorridos que nos proponen los artistas por diferentes salas dispuestas a modo de túnel del terror, que consiguen desorientar al público. Una apuesta excelente y original de estos dos nuevos expertos que están destacando en el panorama de la creación actual.

Angela Strassheim - Sin título En MUSAC (León) Hasta 21 de junio

En muchas de sus instalaciones de video, dónde la arquitectura y la ciudad contemporánea aparecen como una tela de fondo fictica, Jordi Colomer se pregunta por la form en que el urbanismo influye en el comportamiento humano, y explora así los inconvenientes de la modernidad en el paisaje urbano. El autor nos habla con gran lucidez crítica de las nimiedades de la vida. La exposición está coproducida por el Centro de Arte La Panera y el Jeu de Paume de París.

Hipótesis Urbana

En Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela) Hasta 3 de mayo

El Laboratorio 987 del MUSAC presenta un proyecto colectivo en torno a la idea del “No” en sus diferentes vertientes, desde la negación como posicionamiento ideológico, hasta la reflexión acerca del “No” como concepto relacionado con la decepción y el fracaso. En la propuesta participan artistas como Javier Arce, Menchina Ayuso, o Aitor Saraiba, entre otros. La muestra se articula en torno a los nueve posters diseñados por los artistas que estarán a disposición gratuita de los visitantes, dando a la exposición un formato en el que será el público quien decida qué se lleva y qué “no”.

La casa, la calle, la cocina

Martha Rosler. Cleaning the drapes En Centro José Guerrero (Granada) Hasta 12 de abril La exposición recoge 70 piezas creadas entre 1977 y 2008, entre ellas varias de las obras históricas de la artista realizadas sobre diferentes soportes, como fotografía, fotomontaje o vídeo. La muestra se estructura en torno a tres pilares: los espacios privados con la casa como lugar refugio de la familia y reflejo de entramados sociales, roles, jerarquías; la construcción del espacio público, la calle, como territorio en constante definición; y por último la cocina, espacio ocupado tradicionalmente por la mujer, que padece sus constricciones y obligaciones, y lugar de elaboración de la comida, con las connotaciones que puede tener en relación al despilfarro y consumismo de Occidente. La neoyorkina nos plantea una crítica de los mitos y realidades de la cultura occidental desde un enfoque feminista cargado de ironía y sentido del humor.

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En Sala Rekalde (Bilbao) Hasta 19 de abril

En Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid) Hasta 30 de mayo

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agenda CASTILLA Y LEÓN 17 Marzo - Joan Manuel Serrat, Teatro Calderón (Valladolid) 18 Marzo - Carlota, La Piedra (Valladolid) - Berlanga Dj´s, Berlanga (Valladolid) - Spinky, La Española (Valladolid) 19 de Marzo - Miqui Puig Dj. Berlanga (Valladolid) - Punnic, La Española (Valladolid) - We Rock @Mambo (Valladolid) 20 Marzo - Reznik & Erizo, Eperpento (Salamanca)-La Flor de Alcorcón & Aviadordeluxe & Oscar Mina, Berlanga (Valladolid) - The Mostaza Taco Brothers, Sala Wallaby (Valladolid) - Letyfunk, Café Tacuba (Valladolid) - Miss Cafeina, Sala Pícaro (León) - Chains, La Española (Valladolid) - Tiago, La Piedra (Valladolid) 21 Marzo - Nach, Studio 54 (León) - Latex Dj & Pupilatex Dj, Berlanga (Valladolid) -Elastic Band & Chema Rey Dj, La Tramoya (Aranda de Duero) - Iaha Dj, La Española (Valladolid) - Peke, Café Tacuba (Valadolid) - Barbarella, Espacio Joven (Valladolid) - Dj Yeyo, La Piedra (Valladolid) 23 Marzo - Crazy Joe & His Mad River Outlaws, Sala Estudio 27 (Burgos) 26 Marzo - Tote King, Sala Mambo (Valladolid) - Dj Posac, La Española (Valladolid) - We Rock@Mambo (Valladolid) 27 Marzo - El Columpio Asesino, Sala Porta Caeli (Valladolid) - Hora Zulú, Coliseum (Burgos) - Eme Dj, Berlanga (Valladolid) - Dj Posac, La Piedra (Valladolid)

- Longplay, La Española (Valladolid) - Letyfunk, Café Tacuba (Valladolid) 28 Marzo - Pushpop Djs, Berlanga (Valladolid) - Spinky, La Española (Valladolid) - Sergio Walrus, La Piedra (Valladolid) - Tote King, Salamanca - Oscar Mina, Café Tacuba (Valladolid) 1 Abril - Concierto Invisible, Café España (Valladolid) 2 Abril - We Rock@Mambo (Valladolid) - Skyhook, Berlanga (Valladolid) 3 Abril - The Ruby Suns, Café Teatro (Valladolid) - Oscar Mina, La Piedra (Valladolid) 4 Abril - Don Vito & No Nebraska, Esperpento (Salamanca) - Num 9, Berlanga (Valladolid) - Dj Chimpun, La Piedra (Valladolid) - Carvin Jones, Sala Wallaby (Valladolid) 5 Abril - Tote King, Studio 54 (León) - Carvin Jones, Gran Café (León) 6 Abril - Doctor Explosion. Gran Café (León) 9 Abril - Carlota, La Piedra (Valladolid) - We Rock@Mambo (Valladolid) 10 Abril - Aitor & Sergio Walrus, La Piedra (Valladolid) - Tupeloco & J. Groove, Berlanga (Valladolid) 11 Abril - Sidedrums, La Piedra (Valladolid) - Fiesta presentación Electroperras Festival con Bailando con Lobas Dj’s, Berlanga (Valladolid)

MADRID 16 Marzo - Goran Bregovic, Teatro Circo Price - Magnetix, Wurlitzer Ballroom - Le Punk, Sala El Sol

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18 Marzo - Javier Corcobado, Sala Heineken - Triángulo de Amor Bizarro & Los Punsetes & Nudozurdo, Sala Caracol - Atención Tsunami & Rosvita, Sala Clamores - Ursula 1000, Café La Palma - Belle de Jour, Moby Dick - You and I, Sala El Sol 19 Marzo - Santi Campos, Fotomatón - Mi And l’Au + Boat Beam, Centro Cultural Carril del Conde - His Majesty the King, Costello Café - Boat Beam , Moe Club 20 Marzo - Duke Specials & The Sleeping Years, Sala El Sol - Vintage, Moby Dick - Crookers, Low Club - Antonio Madriles y cierta gente, La Mala 21 Marzo - Jason Mraz, Joy Eslava - Peanut & Butter Wolf & Dam-Fun &, James Pant, Sala Caracol - Boat Beam, Moe Club - Coque Malla, El Sol - Zombie Nation, Low Club - Revancha + Carta Baladi, La Mala 22 Marzo - Elle Belga & El Hijo, Circulo de Bellas Artes - Simone White & Boat Beam, Wurlitzer Ballroom - The Killers, Palacio de los Deportes 24 de Marzo - Amaro Ferreiro & Emilio Saiz, Búho Real 25 Marzo - Eagles of Death Metal, Sala Caracol - Wildbirds & Peacedrums, Moby Dick - Gala Intermon Oxfam: Vetusta Morla & Lori Meyers & Russian Red & Cat People, Sala Joy Eslava - Mater Donic Trio vs Sonic Belvis, La Boite 26 Marzo - The Pauls, La Boite - Jugoplastika, El Sol - Zahara, Búho Real - Love of Lesbians, Sala Joy Eslava 27 Marzo

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- The New Raemon, Círculo de Bellas Artes - Plushgun, Café La Palma - Fiesta Elefant: Speedmarket Avenue [sw] + Bob Stanley Dj [uk] + Les Très Bien Ensemble + Dj Polar, Sala 8 y Medio - The Rasmus, Sala Joy Eslava - La Alcurnia, La Mala - Noise Pop Weekend, La Pequeña Betty - Mr Oizo, Low Club 28 Marzo - Matt Elliott + Mary Hampton, Neu! Club - Lidia Damunt, Contraclub - Los Petersellers & El Hombre Linterna, Sala Heineken - Francisco Nixon, El Sol - Plushgun, Moby Dick - Noise Pop Weekend, La Pequeña Betty - Juanita y los Feos & A.I., Wurlitzer Ballroom - Lam RIm, Café La Palma - Kavinsky, Low Club 30 Marzo - Barzin, Wurlitzer Ballroom 31 Marzo - Francois Breut & Soy un Caballo, Sala El Sol - Messer Chups, Gruta 77 - Kodama, Sala Juglar 1 Abril - Earth, Sala Caracol - Final Proyecto Demo FIb Heineken 09, Sala Heineken - The Magnolias, Wurlitzer Ballroom 2 Abril - ACDC, Palacio de los Deportes - Fuel Fandango, La Boca del Lobo 3 Abril - Franz Ferdinand, Palacio de los Deportes - Aeroplane & Homeboy, Low Club - Soulfamidas Band, La Mala -Chalart 58, La Boca del Lobo 4 Abril - Templeton, Sala Love Division - Manos de Topo & Los Punsetes, Neu! Club - The Ruby Suns, Moby Dick - Cooper, Fnac Callao - Cola Jet Set, Sala El Sol - Franz & Shape, Low Club

- Aniversario La Mala con Soothe & Noaloha & Meandthearmy, La Mala - Kokolo, La Boca del Lobo 5 Abril - US3, Sala Heineken - Ben Lee, Sala Caracol 7 Abril - Elvis Perkins, Sala El Sol 8 Abril - The French Semester & Indinella, La Pequeña Betty - Jojo de Freq & Dorian Dj, Low Club 10 Abril - Filthy Dukes, Low Club 11 Abril - Dj Cat NYC, Low Club - Alberto de Paz, La Mala 12 Abril - Za & Au, Wurlitzer Ballroom - Tumbuctú, La Boca del Lobo 14 Abril - This Will Destroy You, La Boite - That Fucking Thank, Wurlitzer Ballroom 15 Abril - Millencollin, Sala Heineken - Audrey, Moby Dick - Roots and Grooves, La Boca del Lobo

VALENCIA 18 Marzo - Trickski & Quarion & Atjazz & Daniel Kyo, Sala The Face 20 de Marzo - You And I, Sala Wah-Wah 21 Marzo - Iba Andando, Black Note Club 26 de Marzo - The Rasmus, Heineken Greenspace - Simone White, Centre Cultura Contemporánea - Templeton, Magazine Club 27 Marzo - Los Negativos, Sala Wah-Wah - Niños Mutantes, Sala El Loco - Inlogic, Sala Matisse

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- Alex Face, Magazine Club 28 Marzo - Cooper, Fnac San Agustín - Señor Mostaza y Rebeca Jimenez, Sala Wah-Wah 29 Marzo Vetusta Morla, Heineken Greenspace 2 Abril - Joe Crepúsculo, Sala Wah-Wah - Remate, Centre Cultura Contemporánea Octubre 4 Abril - Nacho Vegas, Sala Mirror

BARCELONA 17 Marzo - El Petit de Cal Eril, La [2] 18 Marzo - Goran Bregovic, Palau de la Música - Dr Feelgood, Sala Bikini - Cult of Luna & Vortice, La [2] - Los Van Van, Sala Apolo 19 Marzo - Judas Priest & Megadeth & Testament, Pabellón Olímpico de Badalona 20 Marzo - Veracruz & Los Punsetes & Hola a Todo el Mundo, La [2] - Zahara, Sidecar - Rex the Dog, Razzmatazz - Technasia, Nitsa 21 Marzo - Matt Elliott & Bélmez, Sidecar Templeton, La [2] - The Killers, Pabellón Olímpico de Badalona - B Fleischman & Pumuky, Sala Be Cool - The Fabolous Ottomans, La [2] - Girl Talk, Razzmatazz - Dj Fra & Marc Piñol, Nitsa 23 Marzo - Jason Mraz, Razzmatazz 24 Marzo - Eagles of Death Metal, Sala Bikini - Zennet, Sala Apolo - Ocean Colour Scene, Hard Rock Café

25 Marzo - Extraperlo & Delorean, Sala Razzmatazz - Plushgun, Sidecar - The Rasmus, Razzmatazz 26 Marzo - Alexander Turnquist, Sala Be Cool - Espaldamaceta, L´heliogábal - Loud Neighbor & The Lovely Jonjo, La [2] - Capsula, La [2] 27 Marzo - Hello Cuca & M.A.L., La [2] - Mazoni & Les Aus, Sidecar - Zombie Nation Live, Razzmatazz - Sinden, Nitsa 28 Marzo - Birdy Nam Nam, Nitsa - Muy Fellini & Cosmopolitans, La [2] - Los Coronas, La [2] 31 Marzo - ACDC, Palau Sant Jordi 2 Abril - Mando Diao, La [2] - Earth, Sala Apolo 3 Abril - The Drift, Sala Be Cool - Messer Chups, Centro Cívico Les Basses - Los Chichos, Razzmatazz - Ellen Allien, Nitsa - The Magnolias, La [2] 4 Abril - Barzin, La [2] - Def con Dos, Razzmatazz - Superpitcher & Matias Aguayo, Nitsa 5 Abril - The Ruby Suns, La [2] 6 Abril - Francois Breut + Soy un Caballo, Sala Be Cool - US3, Sala Bikini 8 Abril - Tools and the Maytails, Sala Apolo 9 Abril - The French Semenster & Indinella, La [2] - Tu Madre, L´Heliogàbal - Zomby, Nitsa 10 Abril - Andy Votel & Dom Thomas, La [2] - Dj Supermarkt, Nitsa

11 Abril - Eric cheneaux &Jennifer Castle, La [2] - El Petit de Cal Eril, L´Heliogàbal - Mujeres, Pop Bar Razzmatazz - Simian Mobile Disco, Nitsa 14 Abril - Josele Santiago, La [2] 15 Abril - Antony & the Johnsons, Palau de la Música - The Ex, Sala Apolo - Manos de Topo, Fnac Triangle Geoff Farina, L´Heliogàbal

OTRAS CITAS 20 Marzo - Matt Elliott, La Lata de Bombillas (Zaragoza) - Hovatron & Chelis & Funkfow, Mar de Dios (Zaragoza) - Triángulo de Amor Bizarro, Sala Stereo (Alicante) - Festival Palabra y Música (Gijón y Sevilla) - Dr Feelgood, Sala Mondo (Vigo) 21 Marzo - Second, Sala Stereo (Alicante) - Festival Palabra y Música (Gijón y Sevilla) - Dr Explosion, La Iguana (Vigo) - Miqui Puig y su Conjunto Eléctrico, Sala Zero (Constantín-Tarragona) 22 Marzo - Festival Palabra y Música (Gijón y Sevilla) 23 Marzo - Jimi Tenor, Teatro Lope de Vega (Sevilla) 24 Marzo - Wildbirds & Peacefrums, Sala Mondo (Vigo) 26 Marzo - Matt Elliott, Jimmy Jazz (Vitoria) - Centella & Tu Madre & Tarántula, Teatro Lope de Vega (Sevilla) 27 Marzo - Simone White, La Lata de Bombillas (Zaragoza) - Manos de Topo, Sala Stereo (Alicante) - Fangoria & Nancys Rubias & La Prohibida, Fever Club (Bilbao)

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- Joe Crepúsculo, Sugarpop (Granada) - Los Coronas, Sala Zero (ConstantínTarragona) 28 Marzo - Les Tres Bien Ensemble, La Lata de Bombillas (Zaragoza) - Second Coming, Sala Stereo (Alicante) - Joe Crepúsculo & Hidrogenesse, Auditorio Victor Villegas (Murcia) 29 Marzo - Keren Ann, Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela) 30 Marzo - Francois Breut, Forum Metropolitano (A Coruña) 3 Abril - Los Coronas, Sala Stereo (Alicante) - South Pop, Teatro Alameda (Sevilla) - 6PM & Niño y Pistola, Sala Capitol (Santiago de Compostela) - Russian Red, Círculo de Arte (Toledo) - Vetusta Morla, Sala Q (Sevilla) 4 Abril - LA, La Lata de Bombillas (Zaragoza) - South Pop, Teatro Alameda (Sevilla) - Franz Ferdinand, Coliseo Atarfe (Granada) - Vetusta Morla, Sala Vivero (Málaga) 7 Abril - Bigott & Russian Red & Francois Breut, La Lata de Bombillas (Zaragoza) 8 Abril - Richie Hawtin & JPLS, Fever Club (Bilbao) 10 Abril - 6PM, El Ensanche (Vigo) 11 Abril Impossible Hair, La Lata de Bombillas (Zaragoza)

Editorial Hay un sonido que aunque no me da miedo, me produce una sensación de intranquilidad. El de los cerrojos de una puerta. Me ha pasado desde que tengo uso de razón. Me pasa ahora y me pasaba cuando tenía que echar la cadena en la primera y desgraciada casa en la que viví, donde fui tan feliz. También, irremediablemente, siempre que escucho los engrasados pasadores lo asemejo a esa manida expresión que, aunque no recuerdo de memoria, venía a decir algo parecido a que cuando unas puertas se cierran, otras se abren.

Me hace gracia esa coletilla, como si fuera algo automático. Por eso cuando alguien empuja una puerta en Australia para dejar atrás su casa, trabajo o pasado, instantáneamente se debe abrir otra a alguien en, por poner un ejemplo, Madagascar. Además la proporción tiene que ser la misma. No se puede cerrar la de un burdel de dudosa reputación e higiene en Bangkok para que se abra el portón de un garaje lleno de coches de lujo en Beverly Hills, ¿o sí?

Para nosotros se nos ha abierto una recientemente, una de las grandes.

Me la imagino de la misma manera tal y como desde el colegio nos han retratado las puertas que Pedro debe custodiar en eso que llaman paraíso. No se me viene a la cabeza de otra manera posible esta nueva etapa en mi vida ya que por fin hago de mi pasión, mi trabajo y mi forma de vida. Y además lo hago rodeado de gente a la que quiero y admiro. Y eso es un privilegio al alcance de muy pocos.

La difusión e impulso de la imaginación, el deseo de cambiar un panorama estancado y muchas veces vetado. El cambio a través del establecimiento de jóvenes e interesantes voces, y el gusto por crear una edición relevante con una exigente apariencia artística es lo que nos mueve.

Aportar una visión objetiva del adelantado mundo que nos ocupa.

Prestar especial atención a los movimientos culturales que irrumpen continuamente y que tanto nos afectan y ofrecer oportunidades a todos, estableciendo como único filtro el mutuo respeto y la calidad literaria y conceptual. En definitiva, apostar por una cultura emergente y heterogénea, sin ponerle fronteras al término.

Con esos propósitos comenzamos nuestra andadura editorial a la que lógicamente le deseo la mejor de las suertes, aunque todos sabemos que la suerte hay que buscarla, que viene de la mano condicionada por diferentes factores como ilusión, calidad, trabajo y respeto. Hablo de no detenernos, de mirar hacia adelante con el futuro como único objetivo para así no girar nunca la llave que tanto me ha costado conseguir.

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MIQUI PUIG MATT ELLIOTT SAIOA SIMONE WHITE THE WAR ON DRUGS EXTRAPERLO DOCTOR GALLERY LAIKA PEPO SALAZAR MURAKAMI

ESTEBAN VICENTE

IVÁN DOMÍNGUEZ PETER FUNCH INVASIÓN DANZA VS VIDEOTAPAS ARCO

Roi Canda

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