h y b r i d m a g . c o m n u m b e r 1
f e r n a n d o b i t t a r e d u a r d o r o d a r t e d a n i l o r o d r i g u e s j i r a t p a t r a d o o n l u c a s a k a c a m a r g o v i n c e c o n t a r i n o k a l o i a n t o s h e v e s t ú d i o p u h l g u s t a v o z y l b e r s z t a j n c h r i s s t e i n b a c h g o r d o n m a g n i n m a t t h e w b i l l i n g t o n p i e r r e d a l c o r s o p a t p e r r y
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Filipe Piรงarro | cargocollective.com/filipepicarro
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Filipe Piçarro | cargocollective.com/filipepicarro
EXPEDIENTE Equipe
Editor/Idealizador | Filipe Piçarro Projeto Gráfico | Filipe Piçarro Designer | Hybrid Design Orientação Editorial | Delfim Jr.
Colaboradores
André Couto, Chris Steinbach, Cláudia Kievel, Daniel Monteiro, Danilo Rodrigues, Delfim Jr, Eduardo Rodarte, Estúdio Puhl, Fernando Bittar, Fernando Molina, Gordon Magnin, Gustavo Zylbersztajn, Howard Hurst, Ivana Piçarro, James Jirat Patradoon, Jorge Albuquerque, Kaloian Toshev, Lucas Camargo A.K.A.. Flash, Marina Loureiro, Matthew Billington, Pablo Medeiros, Pat Perry, Pierre Dal Corso, Rodrigo DeLorenzo, Vince Contarino.
Agradecimentos
Agradeço a todos que colaboraram em fazer a revista, cedendo, imagens, textos, e um pouco do seu tempo para fazer este projeto ganhar vida. À orientação de Delfim, que ajudou os nos rumos do projeto.
Power Graphics
Gráfica, impressão > Edição Piloto > 4 Exemplares > Revista Sem Fins Lucrativos É proibida a reprodução total ou parcial de textos, fotos e ilustrações, por qualquer meio, sem prévia autorização dos artistas ou do editor da revista. A Hybrid é um espaço aberto a Colaboração, Inspiração e Informação. Para colaborar entre em contato no seguinte endereço de email, filipepicarro@gmail.com. Todos os Direitos Reservados. Capa > Matthew Billington
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_CONTEÚDO _CONTENT
FERNANDO BITTAR 06 • JAMES JIRAT PATRADOON 14 • DANILO RODRIGUES 24 • VINCE CONTARINO 32 • EDUARDO RODARTE 40 • MATTHEW BILLINGTON 48 • KALOIAN TOSHEV 62 • LUCAS CAMARGO A.K.A. FLASH 70 • ESTÚDIO PUHL 76 • PAT PERRY 80 • GORDON MAGNIN 88 • GUSTAVO ZYLBERSZTAJN 94 • PIERRE DAL CORSO 100 • CHRIS STEINBACH 106 • GALERIA 116 • TRANSLATE 124
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bittar.tv ilustrações: Fernando Bittar
Fernando Bittar nasceu em São Paulo , no ano de 1985. Designer de Interfaces de formação, Bittar traz aqui muitas de suas melhores ilustrações. Após alguns anos trabalhando em grandes agências de publicidade em São Paulo, Agência Click e Gringo, hoje em dia como
freelancer, Bittar procura utilizar seu tempo para criar cada vez mais peças únicas e artísticas, colocando toda sua inspiração em suas ilustrações, colagens e nas suas criações de motion design. Que você poderá ver mais em seu site.
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ilustrações: James Jirat Patradoon jiratpatradoon.com
JamesJiratPatradoon James Jirat Patradoon nasceu em 1985 na Austrália, aonde se tornou ilustrador/artista. Suas imagens frenéticas são inspiradas em figuras masculinas da mitologia. Algumas dessas figuras são gangues de motoqueiros, estrelas de rock, lutadores de vale-tudo profissionais, sociedades secretas e o Facebook.. Suas artistas influentes são Raymond Pettibon e Katsuhiro Otomo, O trabalho de James tem um olhar irreverente sobre a natureza estóica da cultura pop macho.
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Seus trabalhos já foram exibidos em Sydney, San Diego e Bangkok, e já apareceu em diversas revistas como Beautiful/Decay, Nylon, ESPN, Complex, Acclaim, Empty e ILOVEFAKE. E também fez trabalhos pra muitas empresas, por exemplo Ubisoft, Adidas, Diesel, MTV, PepsiCo, Mambo, Grill’d, Yhe Deftones e Minitry of Sound.
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_Criado para Hevy Music Festival _Create to Hevy Music Festival
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Danilo Rodrigues é Diretor de Arte, designer e ilustrador. Nasceu em São Paulo, 1985, e agora está em Nova York. Mesmo sendo jovem, Danilo inspira muitos pelo mundo, jovens ou já renomados profissionais da área. Já ganhou diversos prêmios como FWA, Admirable World, ABP Festival entre outros. Mistura realismo com moda, design, música. Tanto em seus trabalhos experimentais, como na vida profissional, Danilo busca sempre inovar e atingir seus objetivos. Além desses prêmios que já deixam seu currículo “invejoso”, esses são alguns clientes de sua lista, Ford, Coca-Cola, Fiat, Puma, Credicard. Com tanto reconhecimento ele um cara é muito bacana e disposto a se envolver com projetos dos mais variados, ajudando sempre que possível.
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ilustrações: Danilo Rodrigues danilorodrigues.com
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ilustrações: Vince Contarino vincecontarino.com
Vince Contarino é um pintor de Nova York. Suas telas de multi-camadas exploram a linguagem da abstração. De primeira vista há algo de ilusório nas telas de Contarino, uma tensão entre o franco e o oculto. O artista utiliza muitas pinceladas, cores e linhas, assim compoe suas colagens e trabalhos em papel. O resultado é algo bonito e desafiador, uma flutuação
Por Howard Hurst
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VINC CON
da pintura. Contarino cria na relevância permanente da abstração, é espelhado em todas suas atividades extracurriculares. Seu mais recente projeto curatorial, “The Working Title”, organizado com o pintor Kris Chatterson. Recentemente, tive a oportunidade de falar com o artista pelo telefone.
CE NTARINO V I N C E C O N TA R I N O |
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HH: Talvez você possa dizer aos nossos leitores um pouco sobre você. Quando você começou a pintar, e como seus trabalhos mais recentes diferem dos mais antigos?
Flórida. Foi uma experiência de abrir os olhos, para o meu trabalho foi como começar do zero, criar uma linha de trabalho, que eu poderia chamar de meu.
VC: Eu fiz uma decisão consciente de me mudar para Nova York e me tornar um pintor, logo depois de receber o meu diploma de graduação da Escola de Ringling of Art & Design, perto de onde eu cresci em Sarasota,
Eu sempre estive interessado na idéia de ver o traço do artista na pintura, mas também responder a um trabalho que envolve o pensamento conceitual e de tomada de decisão. Há um certo estado de transe que
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todos entram em graus variados, quando fazemos o nosso trabalho, mas fico investido em equilibrar isso com um pensamento mais consciente sobre as marcas que eu faço e os relacionamentos que têm uns com os outros na pintura. Ter uma abordagem simples é importante para o meu processo de trabalho. Eu amo a economia do desenho com lápis sobre papel
e da imprevisibilidade das mãos livres de traduzir essas idéias em minhas pinturas, onde os trabalhos anteriores foram mais diretamente fluidos. Eu trabalhei por anos até que eu finalmente parei com minha antiga abordagem, e comecei a fazer trabalhos de colagem em papel, composta de marcas descartadas, que abriu uma forma mais assertiva e de investigação para expandir a linguagem das minhas pinturas. HH: A pintura abstrata é hoje uma atividade de carga e pode significar muitas coisas. Você sente a pressão das gerações anteriores? VC: Eu acho que os artistas que trabalham com a abstração hoje têm a vantagem de observar o ponto de vista das antigas gerações, e ao invés de serem intimidados ou esgotado pelo peso da história, essas conversas com as gerações anteriores oferecem uma variedade de métodos para desenvolver a seu próprio estilo. Quando eu olho para trás, observo determinados movimentos daqueles que vieram antes de nós, existe um padrão de abandono reacionário, ou destituição de determinadas abordagens pela última geração, a fim de que as coisas avancem. O que está acontecendo agora é, parece que assumem uma postura menos defensiva em fazer arte, e incentivam a liberdade de trabalhar em um diálogo aberto com o passado, buscando e elaborando abordagens anteriores que podem ter sido marginalizados ou esquecidos. HH: Eu sou especialmente inclinado para a sua série Acoustic, juntamente com suas colagens recentes que parecem ser um ponto de partida em sua pintura. Você poderia falar sobre essas obras, de onde eles vêm? VC: Eu comecei a série acústica ao longo do verão, como forma de explorar ainda mais usando marcas descartadas em um ambiente limitado. Tipo um cantor/compositor que em uma jam acústica pode criar uma nova música. Algumas outras coisas na minha cabeça enquanto trabalhava neste projeto, foram o efeito prolongado do início do cinema, particularmente o filme Noir, os panfletos DIY de show punk (cut-and-paste), e um desejo de criar este santuário em constante evolução preto que eu possa fazer referência ao trabalhando em minhas pinturas. A remoção da cor dá qualidade de um desenho preliminar, enquanto procurava ideias através de textura, valor e posicionamento. Em vez de tentar reinventar a forma, prefiro as obras que criam um diálogo visual com base em V I N C E C O N TA R I N O |
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minhas coleções de formas e gestos. Prefiro deixar a complexidade de manifestação no processo através da criação de profundidade em uma superfície plana e organizar os trabalhos acabados através de várias configurações no meu estúdio. HH: Qual é a participação de edição e execução de auto-seleção em seu trabalho? VC: Uma parte importante da minha prática de estúdio envolve a busca por gestos casuais e emparelhamento com formas mais deliberadamente construídas. Embora haja espaço para o acaso e descoberta, eu tento operar em um meio termo, que não é restritiva ou auto-indulgente, o mais importante para as pinturas de seus elementos.
HH: Vamos falar sobre o sua próxima exibição, The Working Title. O que lhe deu a motivação para começar a curadoria shows? Por abstração?
trabalho e foi oferecida a oportunidade de colocarmos esse show juntos, com base no trabalho que estávamos apresentando no Progress Report.
VC: Esse show em particular saiu de um projeto online chamado Progress Report, o qual sou cofundador com o pintor Kris Chatterson. Dedica-se às características do artista, visitas a estúdios, e destina-se como um recurso de curadoria para nós mesmos e aos outros. Queríamos criar algo que era extremamente visual, teve um apecto mais editorial, foto-jornalístico, e que daria aos nossos leitores uma visão do processo criativo do artista a partir da perspectiva do trabalho.
A organização desta exposição foi específica sobre como organizar abordagens contrastantes que iriam encorajar as relações imprevisíveis do ponto de vista curatorial. Minimalismo, pós-moderno, geométrico, gestual, formal, processos ocupando o mesmo espaço. Nosso sentimento é que os artistas são agora mais capazes de trabalhar de uma forma mais detalhista, traços livres, ou conceitualmente focada como quiserem, empregando e quebrando metodologias enriquecendo seus trabalhos.
Eu e Kris estamos interessados na elasticidade e possibilidades de abstração em nosso próprio
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HH: Como você se sente crinado essas ligações em sua prática artística,? Há ligação do estúdio, ou vice-versa? VC: Uma das melhores coisas sobre a vida em Nova York é o acesso direto que você tem a outros artistas por meio de visitas aos estúdios. O mundo da arte pode ser um lugar hiper-social, onde as conexões reais e conversas críticas são difíceis de encontrar. Enquanto estávamos fazendovisitas aos estúdios, Progress Report foi fundamental na reunião de artistas que respeitamos, e os projetos desses artistas agiram como uma cápsula do tempo para entendermos o que os outros estavam fazendo no momento. Manter-se ativo e interessado no que os seus colegas estão fazendo, e ser dedicado ao seu trabalho é uma extensão de renovação de sua própria prática de trabalho. HH: Quando e por que você iniciou o Progress Report?
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VC: Progress Report foi fundada há pouco mais de um ano atrás, e nasceu das minhas contribuições para um jornal on-line, que começou por Kris Chatterson, chamado de KCLOG, um registro de todas as exposições que estávamos vendo em Nova York. Ficamos particularmente intrigados com o aumento do número de artistas expondo sua arte, que começaram a aparecer durante esses últimos anos. Estar no NYC caótica ,criativo e cheia de energia ... o seu trabalho melhora (ou não) a um ritmo muito rápido. A parte mais importante sobre a vida aqui para mim tem sido o apoio e o intercâmbio intelectual com meus colegas. O mundo da arte é um negócio, e deve ser tratado como tal, mas as relações que você compartilha com outros criativos é o que você deve cultivar e desenvolver, assim como eles tiveram o mesmo empenho e sacrifícios que você teve ao decidir viver a vida de um artista. Há apenas poucos registros confiáveis que nos dão oportunidades de exposição
e oferta, assim nós queremos começar algo que será investido mais em dar uma compreensão mais profunda aos artistas, o seu processo, e porque eles fazem o trabalho que eles fazem. Mantendo esta abordagem de auto-gerado como o foco de nosso projeto de apoio ao trabalho de outros artistas em paralelo com o mundo da arte como um todo, foi e continua a sendo o impulso para o Progress Report. HH: Você pode nos dizer sobre a recente iniciativa, Artistas Selecionando Artistas. (Esta nova iniciativa já tem um nome, algo como Progress Report?) VC: A idéia do Progress Report era fazer com que outros artistas vissem o que estava sendo apresentado no site. Para este fim, que surgiu com uma nova seção chamada “Take Five”, uma oportunidade para os artistas, anteriormente apresentado, para que permita o projeto gerar um novo conteúdo de maneira orgânica e dar ao site nova diversidade.
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illustrações: Eduardo Rodarte cargocollective.com/eduardorodarte
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matthew billington Matthew Billington, canadense, é um ilustrador e designer cujo trabalho tem sido apresentado em todo o mundo, incluindo galerias e publicações na Rússia, Brasil, Argentina, Tóquio, Londres, Alemanha, Espanha, França e Melbourne. Reconhecido por trabalhar bem com cor, teorias de design e pela complexibilidade de seu trabalho, Billington reuniu um grupo de leais fãs e colecionadores. Nos últimos anos temos visto que o artista tende para uma maior qualidade de um estilo vintage com toque moderno. Por seu estilo de colagem, Matthew Billington produziu um corpo de trabalho que se estende para os confins do mundo da arte e do design. Embora mantendo um compromisso com a experimentação visual. ilustrações: Matthew Billington matthewbillington.com
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ilustrações: Kaloian Toshev kaloiantoshev.com
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Kaloian Toshev Kaloian Toshev tem 23 anos de idade, ele é um artista da Bulgária. Seu fascínio pelas formas femininas e, como muitos outros artistas. Kaloian precisa desenhar o tempo todo em busca da perfeição pessoal dele. Como designer inicia a sua carreira de 5-6 anos atrás, e agora ele trabalha como diretor de arte na Rizn Design de Comunicação. Atualmente estudando arquitetura na Bulgária.
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Gordon Magnin é um artista de Los Angeles que trabalha com colagem e imagens já existentes que ele altera. O Magnin interesse reside no uso inventivo da geometria, padrão, repetição, forma, perspectiva e operações sistemáticas como métodos para distorcer e subverter o objetivo pretendido, a interpretação, tudo isso produzido a partir de imagens de consumo, publicidade. Gordon tem feito exposições tanto local, quanto internacionalmente, incluindo uma residência e uma exposição em Rouyn-Noranda, Quebec. Recentemente ele encerrou sua primeira exposição individual intitulada 10:10 na galeria 825 em Los Angeles. Gordon tem mestrado do Instituto da Califórnia do Sul de arquitetura e bacharéis em ciências de engenharia estrutural da Universidade de Nevada, Reno e estudos realizados em Mountain School of Arts em Chinatown, em 2008.
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Gustavo Zylbersztajn, paulistano, 1976, guardou o diploma de engenheiro e a carreira de arquiteto em busca de algo mais dinâmico. Autodidata, começou a fotografar e se envolver no meio em meados de 2000, e desde de então vem colaborando no mercado de advertising editorial. Ama sua família, seus amigos, seu cachorro. Ama fotografar. Ama viajar. Seu sonho, um mundo feliz e correto para todos.
fotos: Gustavo Zylbersztajn gustavoz.com.br
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Filipe Piรงarro | cargocollective.com/filipepicarro
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_GALERIA A Galeria é mais um espaço aberto pela Hybrid para trazer novidades de artistas buscando um começo. Aceitamos trabalhos de design, ilustração, artes gráficas, fotografia, 3D, animação, motion, tipografia, pintura, graffiti, moda, entre outros. Este espaço é para você, que vai mostrar grandes trabalhos próprios, mostrando sua linguagem. Colabore conosco. > para enviar seus trabalhos envie para collaborate.hybrid@gmail.com > caso seja selecionado, entraremos em contato para que você mande a imagem em 300 dpi
COLABORAR - INFORMAR - INSPIRAR
_GALLERY The Gallery is a more open space for the Hybrid to bring news of artists looking for a start. We accept design work, illustration, graphic arts, photography, 3D animation, motion, typography, painting, graffiti, fashion, among others. This space is for you, they will show themselves great works, showing your language. Collaborate with us. > To submit their work to send collaborate.hybrid @ gmail.com > if selected, we will contact you to send the image at 300 dpi
COLLABORATE - INFORM - INSPIRE
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Marina Loureiro | cargocollective.com/marinaloureiro
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Pablo Medeiros | cargocollective.com/pablera
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Fernando Molina | cargocollective.com/esilo
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Daniel Monteiro | cargocollective.com/offsquare
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Clรกudia Kievel | cargocollective.com/ckievel
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Filipe Piรงarro | cargocollective.com/filipepicarro
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_TRANSLATE your recent collages which seem to be a point of departure in your painting. Can you speak to these works, where did they come from? VC: I started the acoustic series over the summer as a way to further explore using discarded marks in a limited setting. Kind of similar to how a singer/songwriter might come up with a new song on an acoustic jam. Some other things on my mind while working on this project have been the lingering effect of early cinema, particularly Film Noir, cut-and-paste DIY punk show flyers, and a desire to create this ever-evolving black shrine that I can reference when working on my paintings. Fernando Bittar was born in Sao Paulo in 1985. Graduated in Interface Design, Bittar brings here many of his best illustrations. After several years working on major advertising agencies in Sao Paulo, Agência Click and Gringo, today as a freelancer, Bittar seeks to use their time to create more and more unique pieces of art, putting all his inspiration in his illustrations, and collages, and in motion design creations. You can see more at his site.
Vince Contarino is a New York based painter. His multi-layered canvasses explore the language of abstraction. From first glance there is something illusive in Contarino’s canvases, a tension between the forthright and the concealed. The artist often repurposes forgotten brushstrokes and colors, pasting them into his collages and works on paper. The result is something both beautiful and challenging, a floating soup of the painterly. Contarino’s belief in the ongoing relevance of abstraction is mirrored in his extracurricular activities. His most recent curatorial project, “The Working Title”, organized with painter Kris Chatterson. I recently had the chance to speak with the artist over the phone. HH: Perhaps you could tell our readers a little about yourself. When did you start painting, how are your recent works different from the older ones? VC: I made a conscious decision to move to NYC and become a painter right after receiving my undergrad from the Ringling School of Art & Design, near where I grew up in Sarasota, FL. It was an eye-opening experience, and I was pretty much starting from scratch in terms of developing work that I could call my own.
James Jirat Patradoon (born 1985) is an Australian Artist/ Illustrator. His frantic images are inspired hyper-masculine mythologies of of biker gangs, rockstars, pro wrestlers, secret societies, and Facebook. Citing Raymond Pettibon and Katsuhiro Otomo as his artistic influences, James’ work is an irreverent take on the stoic nature of macho pop culture. His works have been exhibited in Sydney, San Diego, and Bangkok; and have appeared in magazines such as Beautiful/Decay, Nylon, ESPN, Complex, Acclaim, Empty, and ILOVEFAKE. He has collaborated with such companies as Ubisoft, Adidas, Diesel, MTV, PepsiCo, Mambo, Grill’d, The Deftones and Ministry of Sound.
I’ve always been interested in the idea of seeing the artist’s hand in paintings, but also respond to work that involves conceptual thought and decision-making. There is a certain trance-like state that we all enter to varying degrees when we make our work, but I am invested in balancing that with more conscious thinking about the marks I make and the relationships they have to each other in the paintings. Having a simple approach is important to my process. I love the economy of drawing with pencil on paper and the freehanded unpredictability of translating those ideas into my paintings, that in the earlier work were more directly fluid. I worked for years like this until I eventually took a break from this approach and began making collage works on paper composed of discarded marks that opened up a more assertive and investigative way to expand the language of my paintings. HH: To paint abstract today is a loaded activity and can mean so many things. Do you feel the pressure of previous generations?
Danilo Rodrigues is an art director, designer and illustrator. Born in São Paulo, 1985, now he’s working in New York. Even as a young man, Danilo inspires many around the world, young or already renowned professionals in area. Has won numerous awards such as FWA, World Admirable, PBL Festival among others. Mixing realism with fashion, design, music. Both in his experimental work, as in life, Danilo always seeks to innovate and achieve their goals. In addition to these awards that have let their curriculum “envious”, these are some clients from your list, Ford, Coca-Cola, Fiat, Puma, Credicard. With so much recognition he is a very nice guy and willing to engage with a variety of projects, helping whenever possible.
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VC: I think artists working with abstraction today have the advantage of hind sight, and rather than being intimidated or exhausted by the weight of history, these conversations with previous generations offer a variety of methods in developing your own voice. When I look back at the hard-lined stances of particular movements of those that came before us, there is a pattern of reactionary abandonment, or dismissal of certain approaches by the latest generation in order to move things forward. What is happening now feels like it takes on a less defensive stance on making art, and encourages the freedom of working in an open dialogue with the past, seeking out and elaborating on previous approaches that may have been have marginalized or forgotten. HH: I am especially drawn to your acoustic series, along with
The removal of color gives them the preliminary quality of a drawing while searching for ideas through value, texture and placement. Instead of attempting to reinvent form, I’m left with works that create a visual dialogue based on my collections of shapes and gestures. I prefer to allow the complexity to reveal itself in the process by creating depth on a flat surface and organizing the finished works through various configurations in my studio. HH: What part does editing and self selection play in your work? VC: An important part of my studio practice involves searching for casual gestures and pairing them with more deliberately constructed forms. While there is room for chance and discovery, I try to operate in a middle ground that is neither restrictive or self indulgent, continually editing down the paintings to their most important elements. HH: Let’s talk about your upcoming show, The Working Title. What gave you the motivation to start curating shows? Why abstraction? VC: This show in particular came out of an online project called Progress Report, that I co-founded with painter Kris Chatterson. It is dedicated to artist features, studio visits and is intended as a curatorial resource for ourselves and others. We wanted to create something that was highly visual, had a more editorial, photo-journalistic feel, and would give our readers a glimpse of the creative process from the working artist’s perspective. Both Kris & I are interested in the elasticity and possibilities of abstraction in our own work and were offered the opportunity to put this show together based on the work we were featuring on Progress Report. The organization of this exhibition was specific about arranging contrasting approaches that would encourage unpredictable relationships from a curatorial perspective. Minimalism, post-modern, geometric, gestural, formal, process-driven works occupying the same space. Our feeling is that artists are now more able to work as painstakingly detail-oriented, gesturally-free, or conceptually focused as they please, employing and breaking systems to be absorbed and enter into the work. HH: How do you feel curating ties into your artistic practice? Are there tie ins from the studio or vice versa? VC: One of the best things about living in NYC is the direct access you have to other artists through studio visits. The art world can be a hyper-social place where real connections and critical conversations are hard to come by. While we were both already exchanging studio visits, Progress Report was instrumental in meeting artists that we respected and our artist features acted as a time capsule of what others were making in the moment. Staying active and interested in what your peers are making and being dedicated to your work is a healthy extension of your own practice. HH: When and why did you start Progress Report? VC: Progress Report was founded just over a year ago, and born out of my contributions to an online visual journal,
started by Kris Chatterson called KCLOG that was a log of all the exhibitions we were seeing throughout NYC. We were particularly invested in the increasing number of artistorganized shows that started appearing during the recession of the past few years. Being in the NYC hotbed of chaotic, creative energy…your work improves (or not) at a pretty rapid pace. The single most important part about living here for me has been the support and intellectual exchanges with my peers. The art world is a business, and should be treated as such, but the relationships you share with other creatives are the ones that you must nurture and develop, as they have made the same commitment and sacrifices you have in deciding to live the life of an artist. There are only a handful reliable registries that give us exposure and offer opportunities, so we wanted to start something that was more invested in giving a deeper understanding of the artists, their process, and why they make the work that they do. Keeping this self-generated approach as the focus of our project by supporting other artists’ work in tandem with the artworld-at-large, was and remains the impetus for Progress Report.
Kaloian Toshev have 23 years old, he’s is an artist from Bulgaria. His fascinated by female forms and like many other artists. Kaloian need to draw them all the time in searching of him personal perfection. As a designer starts your career 5-6 years ago, and now he works as art director at Rizn Communication Design. Currently studying architecture in Bulgaria.
HH: Can you tell us about the recent initiative, artists selecting artists. ( Does this new Progress Report initiative have a name?) VC: The idea for Progress Report from the beginning, was to get other artists more involved in who was being featured on the site. To this end, we came up with a new section called “Take Five”, an opportunity for previously featured artists to feature five artists of their choosing that would allow the project to generate new content in an organic way and give the site a more diverse feel.v
Gustavo Zylbersztajn, brazilian, born in 1976, put his engineer degree and his future architect career inside the box looking for something more dinamic. Autodidact, startes shooting and involving himself into photograph in the 00’s and since then has been contributing both editorial and advertising world. Loves his family, his friends, his dog, loves to shoot, loves traveling. His dream, a happier and right world for everyone.
Matthew Billington a Western Canadian illustrator/ designer whose work has been showcased worldwide, including galleries and publications in Russia, Brazil, Argentina, Tokyo, London, Germany, Spain, France and Melbourne. Recognized for his complex color and design theories, Billington has amassed a cadre of loyal fans and collectors. Recent years have seen the artist tend towards more a vintage quality with modern take. This eye-cataching, puzzling methodology of cutting and pasting Matthew Billington has produced a body of work that extends into the far reaches of the art and design worlds. While maintaining a commitment to visual experimentation. Gordon Magnin is a Los Angeles-based artist who works in collage and altered found image. Magnin’s interest lies in the inventive use of geometry, pattern, repetition, form, perspective, and systematic operations as methods to distort and subvert the intended objective, interpretation, and significance of consumer based images. Gordon has shown both locally and internationally including a residency and exhibition in Rouyn-Noranda, Quebec. He recently closed his first solo exhibition titled 10:10 at gallery 825 in Los Angeles. Gordon Holds a Masters Degree from the Southern California institute of architecture (SCI_arc) and a bachelors of science in structural engineering from the University of Nevada, Reno and completed studies at Mountain School of Arts in Chinatown in 2008. T R A N S L AT E |
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Filipe Piรงarro | cargocollective.com/filipepicarro
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