Centro de Arte Contempor창nea Inhotim
MARIA
CRISTINA
SAKAI
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Segundo os moradores de Brumadinho, o local foi uma mineradora que, no século XIX, atuava na região e cujo Timothy - o “Senhor Tim”, que, na linguagem local, acabo
O Instituto Inhotim localiza-se dentro do domínio da Mata Atlântica, com enclaves de cerrado nos topos das serras. Situado a uma altitude que varia entre 700 m e 1.300 m acima do nível do mar, sua área total é de 786,06 hectares, tendo como área de preservação 440,16 ha, que compreendem os fragmentos de mata e incluem uma Reserva Particular do Patrimônio Natural (RPPN), com 145,37 ha.
A área de visitação do Inhotim tem 96,87 ha e compreende jardins, galerias, edificações e fragmentos de mata, além de cinco lagos ornamentais, com aproximadamente 3,5 hectares de espelho d’água. O jardim botânico tem 4.300 espécies em cultivo - marca atingida em 2011 - e está cercado por mata nativa , com trinta por cento de todo o acervo em exposição para o público (cerca de 102 hectares em 2011).Em reconhecimento à necessidade de preservar os 145 hectares de reserva, o instituto recebeu do Minisa fazenda pertencente a uma empresa tério do Meio Ambiente, em fevereiro de 2011, a o responsável era um inglês, de nome classificação oficial de jardim botânico, na caou virando “Nhô Tim” ou “Inhô Tim”. tegoria C. Nesse jardim, estão cerca de 1.500 espécies catalogadas de palmeira, a maior coleção do tipo do mundo.
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Flor-cadáver no Inhotim em 27 de dezembro de 2012. Em fevereiro de 2010, os pavilhões em cubo branco foram substituídas por instalações transparentes. A intenção é promover o diálogo com o entorno de montanhas e mata. Em artigo de Fabiano Cypriano para o jornal Folha de S. Paulo, cita-se que as mudanças criam mais raízes locais e o Inhotim “se torna um novo paradigma para a exibição da produção contemporânea”. Aberto de terça a domingo e aos feriados, o Inhotim oferece visitas temáticas, com monitores, além de visitas educativas para grupos escolares, que devem agendar previamente. As quartas, a entrada é de graça.
Jardim Botânico Os jardins do Inhotim são singulares, com uma beleza rara e um paisagismo que explora todas as possibilidades estéticas da coleção botânica. Para além da contemplação, os jardins são campo para estudos florísticos, catalogação de novas espécies botânicas, conservação in situ (seu ambiente) e ex situ (fora de seu ambiente) e ações de educação ambiental. Em 2010, o Instituto Inhotim recebeu a chancela de Jardim Botânico, atribuída pela Comissão Nacional de Jardins Botânicos (CNJB), e, desde então, integra a Rede Brasileira de Jardins Botânicos (RNJB).
Sonic Pavilion, 2009
tente e resultado de um processo de cinco anos, entre pesquisa, projeto e construção. A obra se fundamenta Redondo Beach, Estados Unidos, 1968; vive em Los num princípio bastante simples, embora ambicioso e de complexa realização. Trata-se de abrir um furo de Angeles, Estados Unidos 200 metros de profundidade no solo, para nele instaPavilhão de vidro e aço, revestido de película plástica; lar uma série de microfones e captar o som da Terra. Este som é transmitido em tempo real, por meio de poço tubular de 202 m de profundidade, um sofisticado sistema de equalização e amplificação, microfones e equipamento de amplificação sonora no interior de um pavilhão de vidro, vazio e circular, Sonic Pavilion [Pavilhão sônico] é uma obra site-s- que busca uma equivalência entre a experiência audipecific desenvolvida a partir de uma ideia pré-exis- tiva e aquela com o espaço. Doug Aitken encontrou
em Inhotim não apenas as condições técnicas para o desenvolvimento da obra, mas também um contexto onde o trabalho fizesse sentido. Ao trabalhar em relação com a natureza e na escala da paisagem, a obra se torna herdeira dos Earthworks dos anos 1960 e 1970. No entanto, aqui esta afinidade é renovada ao introduzir elementos sonoros e de tecnologia. Definir o que de fato escutamos no interior de Sonic Pavilion não é simples – micro ruídos são gerados no interior da Terra, mas a enorme cavidade também cria um espaço de reverberação contínua, cujo som
é transformado pelo trabalho de equalização. Ouvimos um padrão nunca repetitivo, rico em frequências e texturas, que remete à música minimalista de Terry Riley e Steve Reich. Do último, uma possível referência seria a peça processual Pendulum music (1968), em que o som é gerado pelo movimento dos microfones em relação às caixas de som. O que Reich disse sobre sua peça parece servir como uma definição para o processo sempre contínuo, vivo e aberto de Sonic Pavilion: “uma vez que o processo é estabelecido e iniciado, ele funciona por si mesmo”.
Troca-Troca, 2002 Jarbas Lope
As viagens, o compartilhamento de experiências, o movimento estão em constante evidência no trabalho de Jarbas Lopes. Troca-troca (2002) é uma obra composta por três fuscas coloridos, com latarias permutadas entre si. Um sistema de som interliga os três carros. Com o Troca-troca (2002), Jarbas Lopes realizou uma primeira viagem, do Rio de Janeiro a Curitiba, em 2002. O artista convidou oito amigos para fazer o trajeto que culminaria na chegada ao Museu de Arte Contemporânea do Paraná. No caminho, colaram adesivos produzidos a partir do arquivo de palíndromos do artista Luis Andrade, nos pára-brisas dos carros que encontravam na estrada. Em 2007, após passarem por restauro, os carros do Troca-Troca novamente ganharam a estrada, dessa vez de Belo Horizonte a Brumadinho, depois de percorrer as comunidades do entorno. Mais uma vez estacionados nos jardins de Inhotim, os objetos-carros guardam as histórias dessas viagens, dos amigos que os ocuparam, das músicas que ouviram em conjunto. Os carros encontram-se ocasionalmente parados, mas prontos para dar partida em seus motores, tendo ocupado diferentes localizações no parque.
Chris Burden Beam
Boston, EUA, 1946 – Topanga, EUA, 2015 Beam drop Inhotim [título que poderia ser traduzido livremente por “queda de viga”] é a recriação de uma obra realizada originalmente em 1984 no Art Park, um parque de esculturas no Estado de Nova York, e destruída três anos depois. A obra foi refeita pela primeira vez em Inhotim em 2008, depois de ter subsistido apenas como documentação por mais de 20 anos. Numa ação que poderia ser descrita como performática, durante 12 horas um guindaste de 45 metros de altura lançou em uma poça de cimento fresco as 71 vigas que compõem a obra. O resultado desta operação de alto impacto é uma escultura de grandes dimensões que ocupa o alto de uma montanha em Inhotim, que se relaciona de maneira marcante com seu entorno, criando uma visão épica em meio à paisagem. O padrão aleatório da escultura é formado pela queda das vigas, combinando o controle do artista, que mirava o guindaste na poça de concreto fresco, à violência e o acaso provocados pelo peso do material.
Galeria Claudia Andujar Claudia Andujar nasceu na Suíça, mas durante a infância e a adolescência morou em diversas cidades, fugindo da perseguição nazista que enviou seu pai e tantos outros para os campos de concentração. Em 1955, após nove anos em Nova York, mudou-se para o Brasil. Aqui, iniciou sua carreira como fotógrafa e trabalhou para diferentes publicações nacionais e estrangeiras, como as revistas Claudia, LIFE, e The New York Times Magazine. Em 1970, foi enviada à Amazônia pela revista Realidade para trabalhar em uma edição especial sobre a região. Durante a viagem teve seu primeiro contato com os Ya-
nomami, experiência que a marcou para sempre. A informalidade da vida cotidiana na floresta, a curiosidade e a vontade de compreender o outro e a si mesma fizeram com que Andujar se envolvesse profundamente com a questão indígena no Brasil e sua atuação foi fundamental para a demarcação da Terra Indígena Yanomami, em 1992. “Ter esse pavilhão em Inhotim significa entrar para a eternidade com meu trabalho dos Yanomami. É importante que pessoas de qualquer parte do mundo, dos lugares mais remotos, conheçam os Yanomami. Saibam que eles são seres humanos, que fazem parte do mundo e que têm de ter acesso a sua cultura para sobreviver”, comenta Andujar.
Galeria Adriana Varejão Adriana Varejão elegeu o campo da pintura para desenvolver sua obra. Sua produção abarca fotografia, escultura e instalação, mas sobretudo a pintura, no sentido mais clássico do termo, pela utilização de materiais e técnicas característicos desta que é, historicamente, tanto a mais nobre quanto a mais apreciada
linguagem das artes visuais. Nos trabalhos reunidos aqui, é possível acompanhar a diversidade de interesses de sua obra e a variedade de fontes de sua pesquisa - a abstração, a ruína, o monumento, o monocromatismo, a violência; a história, as ciências naturais, a arquitetura.
Viewing machine, Olafur Eliasson
Luiz Zerbini
A exposição amor lugar comum reúne nove trabalhos de Luiz Zerbini produzidos na última década. Como conjunto, as obras demonstram a intencionalidade da prática pictórica do artista, suas estratégias compositivas e sua relação com o tempo. Residente no Rio de Janeiro há muitos anos, o paulistano Zerbini participou da histórica mostra Como Vai Você, Geração 80?, em 1984, que incluiu obras de
Leda Catunda, Jorge Guinle Filho (1947-87), Beatriz Milhazes, Cristina Canale, Daniel Senise, e Leonilson (195793). A exposição realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, ajudou a definir o retorno à pintura no Brasil dos anos 80. Desde então, o artista continua a se dedicar a uma prática pictórica experimental e profunda que transcende tendências e modas, com a produção de um conjunto de obras significativo.
Yayoi Kusama Narcissus garden
John Ahearn
Binghamton, Nova York, 1951; reside e trabalha em Nova York, EUA
Rigoberto Torres
Aguadilla, Porto Rico, 1960; reside e trabalha em Orlando, Flórida, EUA Rodoviária de Brumadinho, 2005 Os murais escultóricos de John Ahearn são muito mais do que simples esculturas realistas: são desafios à própria natureza da representação, de quem representa quem. Eles resultam de um longo processo de imersão do artista e de seu parceiro freqüente, Rigoberto Torres, em uma comunidade, com o objetivo de conhecer as pessoas, seu caráter, valores e vitalidade, para então retratá-las com sensibilidade – os trabalhadores que constituem a espinha dorsal de uma sociedade e que, raramente, são objeto de representação, ou que, quando o são, raramente opinam sobre a maneira como são retratados. No caso dos dois murais em exibição, Ahearn e Torres escolheram seus modelos entre a população de Brumadinho, a cidade onde se situa Inhotim, sendo que muitos deles trabalham no Centro de Arte Contemporânea. O mural Rodoviária de Brumadinho (2005) representa a estação rodoviária de Brumadinho e as pessoas que passam por ela, um lugar que é não apenas um terminal de transporte mas também centro de vida social, pois nele se apresentam grupos de danças populares.
Edgard de Souza Agrupadas pelo artista sobre uma mesma base elíptica de concreto, as três esculturas de Edgard de Souza aqui reunidas são apresentadas juntas pela primeira vez em Inhotim. As esculturas são parte de uma série em bronze fundido, que inclui outras peças e foi desenvolvida pelo artista ao longo da década de 2000. Elas representam uma figura masculina nua baseada no corpo do próprio artista e poderiam ser consideradas autorretratos, não fosse a ausência do principal elemento de identificação de um retrato: o rosto. Articuladas numa elegante disposição linear, as esculturas sugerem, num primeiro momento a leitura de um movimento contínuo, que se revela, numa observação mais detida, como fragmentado e sem uma óbvia relação de causa e efeito entre cada uma das poses. Estas são impossíveis e abstratas, sugerindo tanto pulsão quanto introspecção, mas também fragmentação e fusão de corpos.
Red, Tsuruko Yamazaki
Coleção Botânica O acervo botânico do Instituto Inhotim é representado por grupos com valor paisagístico e expõe uma significativa representatividade filogenética. Ao todo, são cerca de 5.000 acessos, representando 181 famílias botânicas, 953 gêneros e pouco mais de 4.200 espécies de plantas vasculares. Tamanha diversidade faz do Jardim Botânico Inhotim (JBI) um espaço único, possuindo a maior coleção em número de espécies de plantas vivas entre os jardins botânicos brasileiros.
Cildo Meireles Inmensa (1982-2002) é uma versão desenvolvida especialmente para Inhotim da obra homônimaw criada em 1982. Na presente escultura, Cildo Meireles não apenas substitui a madeira, da qual é feita a versão original, por aço, como também amplia consideravelmente suas dimensões, criando uma nova relação de escala tanto com a paisagem em seu entorno como com o corpo humano e alterando assim a experiência estética do observador. A obra apresenta características que a aproximam da estética minimalista, como a redução formal a elementos geométricos, o serialismo e a progressão. Porém, o uso que o artista faz dessa linguagem subverte os preceitos do minimalismo, uma vez que a obra não se resume à sua forma e seu material, mas evoca uma ampla gama de significados e referências externas, algo implícito já no próprio título, que se refere não apenas ao tamanho mas ao que a obra representa: do latim, in mensa quer dizer na/ sobre a mesa. Ao se apropriar de objetos de origem doméstica – um jogo de mesa e cadeiras – e alterar sua configuração usual, suas proporções e seu contexto, o artista cria uma escultura que permite várias interpretações. Formada por uma estrutura arquitetônica na qual, opondo-se à lógica, os elementos menores sustentam os maiores, a obra questiona noções de hierarquia e equilíbrio que podem ser lidas na ordem da sociedade, da política e da economia.
Helio Oiticica
Invenção da cor, Penetrável Magic Square Magic Square # 5 (1977) faz parte de um grupo de seis trabalhos que se articulam em torno da praça e do quadrado, já que em inglês a palavra “square” tem os dois significados. Estas obras são propostas de edificações ao ar livre, que o artista não chegou a executar em vida e cujas instruções de realização foram minuciosamente anotadas por ele em textos, plantas, desenhos técnicos, diagramas, maquetes e amostras. Baseados no quadrado, estes espaços se oferecem ao espectador como grandes áreas de permanência e de convívio, colocando-o em contato vivencial com a forma, a cor e os materiais. A tendência à criação de categorias para nomear e organizar suas obras é marca da produção de Oiticica desde o início. Assim, os Magic Squares pertencem ao grupo de trabalhos Penetráveis, em que a pesquisa do artista em torno da ocupação do espaço pela cor atinge escala ambiental e se articula com uma idéia de renovação do espaço arquitetônico, aproximando-o ao jardim, à praça, ao labirinto, ao parque de diversão e ao barracão. Construídas postumamente, estas obras constituem uma maneira coerente de fazer jus ao legado de Oiticica, mantendo viva sua ambiciosa proposta de junção entre arte e vida.
Tunga
Galeria True Rouge, 1997 Desde meados dos anos 1970, Tunga cria obras de um imaginário exuberante em desenho, escultura, instalação, filme, vídeo e performance. Seu impulso multimídia está associado a uma compreensão da arte como campo multidisciplinar, em que filosofia, ciências naturais e literatura andam ao lado das artes visuais; trata-se de compreender as ações físicas de uma obra como parte do pensamento sobre ela, evitando-se a dissociação entre teoria e prática de um mesmo fenômeno.
Galeria Lygia Pape No Rio de Janeiro, onde construiu sua trajetória, Pape integrou os grupos Frente e Neoconcreto, participando ativamente da renovação que marcou a arte brasileira naquele período. A recepção das ideias construtivas das vanguardas europeias levou à formulação de uma síntese original, culminando na 1ª Exposição de Arte Neoconcreta e no manifesto do movimento, que Pape assinou em 1959, juntamente com Amílcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Clark, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis. O texto versa sobre o resgate da liberdade de experimentação, questionando os parâmetros racionalistas do projeto construtivo e recuperando a dimensão subjetiva da obra.
De Lama Lâmina, 2009
Matthew Barney
Domo geodésico em aço e vidro, trator florestal, escultura em polietileno de alta densidadeA instalação De lama lâmina (2009) é o último desdobramento de um projeto que teve origem numa performance realizada em parceria com o músico Arto Lindsay, durante o carnaval de Salvador, em 2004, e que também serviu de base para o vídeo homônimo apresentado em Inhotim na galeria Marcenaria. Nesses trabalhos, Matthew Barney toma o candomblé baiano como fonte de referência para tecer uma complexa narrativa sobre o conflito entre Ogum, orixá do ferro, da guerra e da tecnologia, e Ossanha, orixá das florestas, das plantas e das forças da natureza. Narrativas mitológicas são uma constante na obra de Barney, que encontrou no sincretismo afro-brasileiro um campo fértil para explorar seu interesse pela natureza dialética das coisas. Criada especialmente para o contexto de Inhotim, a localização da instalação é parte importante de sua concepção. Os domos geodésicos de aço e vidro oferecem um contraste futurista à paisagem ancestral de morros de minério e árvores abatidas. Do lado de dentro, o espaço é tomado pela máquina, construção humana que ergue uma escultura que representa uma árvore. Usado na performance e nas filmagens, o trator, aqui desprovido de todas as suas funções, é transformado numa grande escultura “congelada” num instante de instabilidade. Esta tensão constitui o princípio organizador da obra, evocando o dualismo entre destruição e criação, progresso e conservação, fecundidade e morte.
Elevazione, 2000 Giuseppe Penone é um dos principais expoentes do grupo de artistas italianos que se destacou a partir do final dos anos 1960, reunidos sob o rótulo de arte povera. Ao lado de artistas de outros países da Europa e dos Estados Unidos, tinham em comum a experimentação com materiais não convencionais e o contraponto ao racionalismo da arte conceitual em voga então no mundo anglosaxônico. Desde o início de sua trajetória, Penone se mostrou interessado em realizar obras diretamente na natureza, associando intervenções escultóricas ao processo de crescimento de árvores. Segundo Penone, “ao invés de fazer obras a partir das obras de outros artistas, como eu via na academia, resolvi fazê-las a partir de coisas objetivas que eu conhecia: a paisagem, as pedras do rio, as árvores da floresta”. Elevazione [Elevação, 2001] pertence a uma etapa pos-
terior de sua prática, na qual o artista tornara ainda mais complexo o diálogo com a natureza por meio do domínio de elaboradas técnicas de escultura, mas conservando a mesma dualidade entre o fenômeno artístico e o natural. A obra parte da modelagem e conseguinte fundição em bronze de uma castanheira centenária, à qual outras partes de árvores foram soldadas. A grande árvore de metal está presa ao chão por pés de aço e, plantadas ao seu lado, estão cinco outras árvores que, ao longo dos anos, irão crescer e se aproximar da escultura, como se a sustentassem e criassem um espaço arquitetônico para abrigá -la. Para a montagem em Inhotim, Penone optou por aumentar consideravelmente a distância da escultura do chão e por plantar cinco exemplares da espécie local de árvore Guaritá.
By means of a sudden intuitive realization Olafur Eliasson
Centro de Arte Contemporânea Inhotim Fotos: Maria Cristina Sakai Diagramação: Rony Costa