Il teatro e il mondo maggio 2016

Antonio Albanese: un uomo del nostro tempo che racconta il presente con ironia pag. 3

Teatro e nuove generazioni: progetti, spettacoli, rassegne, laboratori per giovani di tutte le età

Alessandra Ferri: torna sulle punte, acclamata étoile in tutto il mondo pag. 8

Il teatro e lo straniero: le esperienze di Gabriele Vacis e Alessandro Gassmann

pag. 4

pag. 10

RIVISTA DELLA FONDAZIONE TOSCANA SPETTACOLO onlus DIRETTA DA

CURZIO MALTESE

TRIMESTRALE - NUMERO CINQUE, MAGGIO 2016 - 3 EURO - REGISTRAZIONE AL TRIBUNALE DI FIRENZE N. 5965 DEL 05/08/2014

di Curzio Maltese

Il teatro educa la convivenza

Il giovane teatro europeo è capace di piccoli grandi miracoli. Che ne direste per esempio se vi raccontassi che uno degli spettacoli più amati, discussi, rappresentati in questi mesi fra Bruxelles e Parigi, le due città più duramente ferite dal fanatismo fondamentalista, è una commedia scritta da un arabo che parla di tre giovani della periferia brussellese diretti a un campo di addestramento di Daesh in Siria? E che per giunta il pubblico ride molto e di gusto? Eppure è proprio così. La pièce ha un titolo da incubo, Djihad, ma è un piccolo capolavoro di umorismo ed è diventata un fenomeno in questi mesi, al punto che il prestigioso Le Monde le ha dedicato un articolo in prima pagina e un ritratto d’artista e il nostro grande linguista Tullio De Mauro l’ha citata nella sua rubrica “Scuole” sulla rivista Internazionale come esempio di teatro per le nuove generazioni. Scrive fra l’altro De Mauro: “Forse una risata non seppellirà i jihadisti e i razzisti, ma spingerà molti a ragionare”.

La storia di Djihad racconta di tre giovani cresciuti nella periferia di Bruxelles che, come tanti di origini arabe, vittime di episodi di razzismo, si lasciano affascinare dalla predicazione jihadista di un imam e finiscono per intraprendere un viaggio in Siria per aderire alle armate nere del Califfo.

Uno dei ragazzi è un ingenuo trascinato dagli altri, il secondo un aspirante ideologo, il terzo un vittimista che vede il razzismo degli altri senza riconoscere il proprio. Seguiamo la loro avventura, le illusioni e le delusioni, fino a una conclusione aperta, dubbiosa, dove i tre capiscono di essere stati sfruttati tanto dall’Occidente quanto dal fanatismo islamista. L’autore Ismaël Saidi conosce bene il tema. È un trentenne nato a Schaerbeek, un sobborgo di Bruxelles che è con Molenbeek la culla del fanatismo, per non dire ormai la capitale del terrorismo. Saidi ha fatto molti mestieri, compreso l’agente di polizia, prima di approdare alla scrittura teatrale e cinematografica. Il fascino della sua scrittura è la totale sincerità, senza sconti per nessuno, resa accettabile da un gioco umoristico intelligente e assai divertente. Uno sguardo frutto di una filosofia meticcia che lui stesso riassume in questo modo: “Oggi l’identità unica non esiste più e per fortuna. Noi dobbiamo

belgi, che hanno sovvenzionato lo spettacolo, rendendo possibile molte rappresentazioni gratuite per le scolaresche. In Italia i fondi pubblici non vanno a spettacoli d’interesse nazionale ma alle compagnie che di solito sono aziende di grandi nomi specializzate in un repertorio classico.

Le giovani compagnie più sperimentali, come nel caso di un eventuale Saidi italiano, sono escluse da molti circuiti e sopravvivono grazie al sacrificio di registi e attori. A parte questo, tocca ammettere che, nonostante i proclami e le buone intenzioni, la politica culturale per le scuole in Italia non riesce ad adeguarsi agli standard europei. Il confronto con Francia, Germania o Belgio rimane imbarazzante. In molte nazioni d’Europa con minore tradizione della nostra lo spettacolo, teatro e cinema, è ormai contemplato nei programmi scolastici come materia d’insegnamento. Insomma, neppure nel teatro siamo un paese per giovani.

Tempo fa ho incontrato a New York una delle migliori attrici della nuova generazione e ora anche autrice del teatro italiano, Lucrezia Guidone (intervistata da Maltese nel numero Due de Il Teatro e il Mondo, ndr.), allieva di Luca Ronconi, protagonista proprio con la regia del maestro in un memorabile allestimento de I sei personaggi di Luigi Pirandello. Lucrezia vive ormai più in America che in Italia, un po’ per scelta, un po’ perché il nostro paese offre sempre meno occasioni di lavoro. Comincia a crescere, accanto all’emigrazione ormai massiccia di ricercatori e brillanti neo laureati, anche

assumere identità multiple. Io sono un belga musulmano di cultura giudaicocristiana. Festeggio il ramadan e mi commuovo a Natale. Qualche volta mi capita di raccogliermi in una chiesa…”.

Ho assistito alla rappresentazione di Djihad in una scuola vicino Bruxelles.

Una bellissima serata di teatro con la coda di un’appassionata discussione fra gli studenti su quanto avevano appena visto, con toni che non avevo mai sentito nel furibondo, fanatico e ormai insopportabile stupido dibattito pubblico sul tema dell’immigrazione e del terrorismo islamista. Una discussione durante la quale perfino i ragazzi più prevenuti contro gli immigrati mettevano da parte i facili slogan per cercare di capire e d’altra parte i giovani di famiglie arabe ammettevano serenamente che non tornerebbero mai a vivere in società dove si applica la legge coranica. Mi è tornata in mente questa serata quando, poche settimane fa, una professoressa mi ha invitato in una scuola superiore della periferia romana a discutere di questi temi, dopo essersi spaventata alla lettura di temi assegnati sugli attentati di Bruxelles, grondanti di giudizi apertamente razzisti.

Quanto sarebbe stato più efficace e più utile ai ragazzi se invece di un giornalista avesse parlato a loro una commedia, la potenza fisica ed emotiva di una pièce teatrale!

Purtroppo temo che in Italia un fenomeno come quello di Djihad non sarebbe oggi possibile, per tanti motivi.

Intanto il successo del lavoro di Saidi deve molto all’intervento del ministero della cultura e di quello dell’istruzione

segue a pag. 16

di Cristina Grieco*

Scuola, portatrice sana di teatro e cinema Quest’anno ricorrono i settant’anni della nostra Repubblica (1946-2016).

“La Repubblica promuove lo sviluppo della cultura” recita l’articolo 9 della nostra Costituzione. Il Teatro è cultura.

Il Teatro è un valido strumento di democrazia.

“Il teatro è poesia che esce da un libro per farsi umana”, così Federico Garcia Lorca descrive il teatro.

L’esperienza teatrale probabilmente rappresenta la modalità di espressione dei sentimenti e delle emozioni più diretta ed immediata tra l’attore e lo spettatore e costituisce per l’attore stesso il modo più avvolgente ed intenso con il quale prende contatto con i personaggi da interpretare: vi è un’immedesimazione reciproca tramite lo scambio di peculiarità caratteriali, di esperienze di vita, di modi di affrontare le situazioni e la realtà.

Il personaggio prende così vita, grazie all’interpretazione che l’attore riesce a dare, facendolo muovere ed interagire, guidato dalla sensibilità che riesce a profondere. Tuttavia anche l’attore viene ad essere “suggestionato” da colui che interpreta, l’attività teatrale porta infatti ad amplificare la capacità di gestire l’esperienza di vita del personaggio e dell’interprete: due vite che sul palcoscenico diventano una.

Il teatro è un’arte, che è resa ancor più straordinaria dal valore educativo, didattico e formativo che è in grado di fornire a coloro che vi si accostano, basti pensare all’importanza di tutte quelle iniziative ed attività di carattere solidale ed aggregativo che sono realizzate in contesti d’indigenza e d’emarginazione, la cui incredibile valenza sociale è determinata dall’impegno, passione e volontà di personale specializzato che quotidianamente riesce a coinvolgere tanti giovani. Chiaro è che anche nelle scuole si è cominciato, con costanza e continuità, ad inserire tra le attività la pratica teatrale, cinematografica e di spettacolo in generale. Non solo, la scuola può essere portatrice di teatro e cinema, laddove il pubblico ha difficoltà di accesso di fruizione – si pensi alle periferie o alle aree geografiche più disagiate – dove non vi sono luoghi di aggregazione culturale/ artistica, dunque l’istituto scolastico come collettore tra comunità e mondo dell’arte. segue a pag. 16

1

2

Cento personaggi un solo autore Albanese un antieroe che fa ridere, commuovere, pensare di Frida Nacinovich

Antonio Albanese è il tuo vicino di casa, quello che ti sta simpatico anche se non lo conosci troppo bene perché sta sempre sulle sue. Antonio Albanese è anche il tuo amico d’infanzia che non vedi da una vita, e quando lo incontri lo trovi un po’ ingrassato, un po’ invecchiato, ma gli vuoi lo stesso un gran bene perché avete giocato insieme a pallone all’oratorio. Antonio Albanese è cento altri volti ancora, maschere della nostra vita quotidiana, con i suoi tic, i suoi sogni, anche i suoi vizi. La realtà diventa teatro con il tenero e gentile Epifanio, il visionario ottimista “abitante di un mondo perfetto”, il sommelier che dopo tanto annusare e roteare di bicchieri sentenzia “è rosso”, “è bianco”, il politico spietato e cinico Cetto La Qualunque, che riassume l’intero programma elettorale e il suo stile di vita nel motto “chiù pilu pi tutti”, l’ultrà del Foggia zemaniano Frengo, Alex Drastico siciliano dal carattere suscettibile, l’industriale emigrato al nord avaro e razzista Ivo Perego, il docente di latino dimenticato da tutti Pacifico. Antieroi che fanno ridere, commuovere, pensare.

Teatro, televisione, cinema: dove vivono meglio i tuoi personaggi?

I miei personaggi vivono bene fondamentalmente ovunque.

L’importante è creare loro una famiglia, un’atmosfera, un senso logico. Nascono quasi tutti in teatro. Il teatro è un luogo sacro, una casa, uno spazio che si apre a qualsiasi altra forma di arte. Mi sono molto divertito ad adattarli al cinema e alla televisione. Anche se è stato un lavoro impegnativo. Non c’è niente di casuale, perché la televisione ha degli spazi diversi da quelli del teatro, delle tecniche diverse, e il cinema è altro ancora. Sono tre mondi differenti, e c’è da faticare molto per adattare in mondi diversi personaggi che raccontano il nostro paese.

Albanese è diventato Antonio Albanese?

Vengo da un piccolo paesino di provincia. Una sera ho assistito a uno spettacolo teatrale che mi è piaciuto moltissimo. Mi è balenata in testa l’idea di poterlo fare anch’io. Come tutti i ventenni, stavo cercando un mio equilibrio. Ho avuto la fortuna di trovare la mia strada, anche il coraggio e l’incoscienza di provarci. Mi hanno preso in Accademia, alla Paolo Grassi di Milano, dove ho incontrato maestri veri, persone che non mi hanno trasmesso solo regole ma tanta passione. Ho iniziato a fare teatro, un teatro classico.

Ma un po’ mi annoiavo, avevo la sensazione di non trasmettere nulla al pubblico, di non essere particolarmente utile. E quando casualmente, girando per locali, ho scoperto la comicità, ho cominciato a scalpitare. La comicità è una fortuna. Hanno subito creduto in me persone che stimo. Con Michele Serra e Giampiero Solari ho iniziato a costruire i miei personaggi. Il cinema è arrivato quasi subito, con il grande Mazzacurati, che mi aveva notato proprio in teatro, a Padova. Mi ha coinvolto nel mio primo film, Vesna va veloce.

ancora oggi ci si sorprende. Sorrido quando la politica sentenzia che “ormai è sicuro, la mafia è anche al nord”. Era già così venticinque anni fa. Ho preso una strada ambiziosa: raccontare l’attualità. Per riuscirci devi essere curioso. Analizzare, capire, osservare, individuare. Un lavoro faticoso e lunghissimo di cui sono molto orgoglioso.

Anche Verdone ha raccontato il paese attraverso i suoi personaggi, penso a Furio, Mimmo e Pasquale di Bianco

I miei personaggi sono uomini del nostro tempo che raccontano il presente Rosso e Verdone, o Enzo, Ruggero, Leo, don Alfio di Un sacco bello. Come è stato lavorare con lui nel recente L’abbiamo fatta grossa?

Bellissimo. Carlo è più grande di me – ha una decina di anni in più – ed è un attore che ho sempre stimato e ammirato. Per la sua onestà culturale, per il suo talento straordinario nel portare in scena personaggi popolari molto, molto divertenti. Io ho un’estrazione sociale diversa, un’estrazione più popolare, più operaia. Dunque i miei personaggi si trascinano più scheletri dei suoi.

Carlo è un signore che fa commedia da quarant’anni, un uomo coraggiosissimo.

Il nostro incontro è stato meraviglioso, e siccome spero sempre di continuare a imparare, anche molto utile.

In un mondo fatto di ossessioni, paure, deliri di onnipotenza e scorciatoie, c’è posto anche per la poesia?

Certo. Invece, con tutto il rispetto dovuto, trovo certa prosa un po’ ridicola. Buffa, inutile. O forse utile, nel senso storico, perché la storia non va mai dimenticata ed è giusto andare al museo. Il teatro si deve muovere.

Proprio nel rispetto di quegli autori che sono stati innovativi, rivoluzionari. Che hanno rischiato grosso per mettere in scena i loro spettacoli. Raccontare la realtà è molto faticoso. Naturalmente, ci sono anche momenti in cui ti devi rilassare, andare in vacanza, interpretare un testo scritto da altri.

Come è successo che Antonio

Che cosa hanno in comune i mille volti che Antonio Albanese indossa per raccontare il presente?

Sono tutti uomini del nostro tempo.

Finita l’Accademia mi sono fatto una domanda banale, del resto tutte le cose belle nascono da richieste semplici.

Stavo lavorando su Pinter, Cechov, Brecht, e ho pensato: anche se le tematiche portate in scena restano le stesse, i linguaggi, i ritmi, le esigenze si trasformano nel tempo. Così mi sembrava molto interessante – proprio nel rispetto di questi grandi autori – cercare, sforzarmi di raccontare il nostro tempo. Questo hanno in comune tutti i miei personaggi: da Epifanio, uno dei primi, all’ultimo, il renziano in analisi. In teatro, al cinema, si può raccontare il presente. Anche se questo comporta inevitabilmente un grande lavoro. Bisogna essere curiosi, e anche osservatori attenti. Quando ti chiamano per interpretare Zio Vanja, ti trovi davanti un capolavoro, un testo meraviglioso scritto da un signore straordinario. Non si capisce che bisogno ci sia di riadattarlo, è stato scritto in un altro tempo. Forse oggi Cechov non lo avrebbe scritto, oppure lo avrebbe fatto in un altro modo. Sto estremizzando, ma voglio dire che è anche il contesto storico a rendere unica un’opera. Io cerco di raccontare il nostro tempo con i miei personaggi, i loro caratteri, la loro gestualità, così come fanno la musica, o la pittura.

Quello che spesso manca è una nuova energia. Anche se vedo giovani che stanno cominciando a portare avanti progetti interessanti, ed è bellissimo.

C’è sempre l’occasione per far vivere un personaggio come Cetto La Qualunque nell’Italia di oggi. Non invecchia mai. Come ti è venuto in mente? Lo rivedremo presto?

Sono legato a questo paese in tutto e per tutto. Ecco come nasce Cetto La Qualunque. Sono di origine siciliana, ma sono nato in Lombardia, a Lecco.

Conosco l’Italia per i racconti che mi vengono fatti, per quel che sento dire, e sono incredibilmente curioso.

Denunciare un certo tipo di malvagità, di ignoranza totale, di stupidità, era anche e soprattutto una mia esigenza.

La maschera diventa strumento di denuncia di ciò che non va in questo paese... È il mio stile, sono le mie rabbie, le mie dolcezze. La comicità è difficilissima.

Accanto a Epifanio, l’uomo più ingenuo

Alcuni spettacoli drammatici mi fanno ridere molto più di quelli comici e dolce del pianeta, ci sono personaggi spietati come Cetto o il ministro della Paura. Mi piace cambiare, alternare.

Prima di tutto sono uno spettatore, e da spettatore ho i miei desideri. Sono curioso, voglio indagare questo nostro tempo, dove non si è mai contenti.

Osservare vuol dire anche lavorare, inseguire, guardare, informarsi.

Insomma, fare il comico è faticosissimo.

Lo è fare l’attore in generale. Certo, si può anche essere attori “da batteria”, tutti sono utili. Ma non potrei mai farlo, mi annoierei terribilmente.

Antonio Albanese è artista a tutto tondo, lo abbiamo ammirato anche come interprete di ruoli drammatici, come Michele di Giorni e nuvole.

I ruoli drammatici sono sempre i più esaltati, i più elogiati dalla critica. La cosa a me fa un po’ ridere. Nel 2016 ancora non si è capito che l’ironia è uno dei modi più efficaci per raccontare, denunciare, analizzare il presente?

Quando interpreto ruoli drammatici faccio un quinto della fatica di quando faccio il comico. Lo confesso, alcuni spettacoli drammatici mi fanno ridere molto più di quelli comici…

Una volta si diceva “un film bellissimo, ho pianto così tanto...”.

La commozione è un sentimento meraviglioso, straordinario. Ma solo quando è vera, vivaddio. Ed è sempre più raro.

Diciamolo: intervistare Albanese è quasi commovente, visto il tanto tempo che ho trascorso insieme ai suoi personaggi, in tv, al cinema, in teatro. L’ultima domanda è: cosa diresti ai giovani che vogliono fare questo mestiere?

Quello che ho sempre detto loro. È un lavoro bellissimissimissimo. È un lavoro faticoso, dove bisogna rimboccarsi le maniche e lavorare, lavorare, lavorare.

Studiare, leggere, e soprattutto osservare, guardare, informarsi il più possibile. Senza sosta. Ci vuole un’autentica passione, non dettata da un momento di noia, o solo perché i tuoi genitori se lo possono permettere.

O perché te lo puoi permettere tu, economicamente. Io auguro a questi giovani di avere un momento di vera disperazione, aiuta moltissimo. E di essere più indipendenti possibile, solo così hai la libertà e l’immenso piacere di questo lavoro.

In scena con Albanese c’è l’Italia del sud e quella del nord, uomini alti e bassi, gentili e arroganti, ricchi e poveri, ottimisti e qualunquisti.

Insomma la realtà, guardata con occhio attento a carpirne i difetti, le abitudini. Il quadro di un’epoca.

L’industrialotto emigrato al nord Ivo Perego – fra i miei personaggi preferiti – raccontava, già nel 1997, la trasformazione antropologica di questo paese. Vent’anni fa Alex Drastico parlava di don Antonino, la mafia che si era insediata al nord, che da Milano gestiva affari. Eppure 3

TEATRO E NUOVE GENERAZIONI

Toscana fertile per il teatro ragazzi Fondazione Sipario Toscana, Giallo Mare Minimal Teatro, TPO di Mario Bianchi*

attraverso una scrittura effervescente e coinvolgente, primi tra tutti Non siamo quelli della via Paal (1992), Le bugie di Anna e Chiara (1993), quest’ultimo con una bravissima Letizia Pardi, ancora oggi una delle colonne della struttura.

Ecco poi la trasformazione in Fondazione Sipario Toscana e l’arrivo di Fabrizio Cassanelli, che dà nuovo impulso alla compagnia, creando nel contempo il Centro Studi, ancor oggi luogo di ricerca, progettazione artistica, documentazione, consulenza e approfondimento teorico, insomma il teatro “del fare e del pensare”, come si è chiamata una recente manifestazione coinvolgente e complessa organizzata in loco.

Agli inizi degli anni Duemila, Donatella Diamanti, prima di allontanarsi da Cascina con Antonella Moretti, altra colonna storica, firma con Fabrizio Cassanelli e Letizia Pardi il sempreverde Sette note in fuga (1998), che segna anche l’inizio della collaborazione con le attrici e danzatrici Chiara Pistoia e Francesca Pompeo.

Nascono poi per merito di Cassanelli una serie di spettacoli che affondano le radici nel disagio dell’infanzia e dell’adolescenza, da Difficile come un bambino (2002), a Nostra pelle a Cuore buio, e nel contempo vengono affrontate altre problematiche contigue alla vita dei ragazzi: Mammatrigna (2007), Principessa (2011), Io femmina e tu? (2012, prima foto dal basso), Non sono stato io (2014).

Nel 2012, Sandro Garzella, che nel frattempo si è dedicato completamente alla nuova drammaturgia con progetti specifici di grande rilevanza che continueranno con la sua nuova formazione Animali celesti, lascia la direzione artistica de La Città del Teatro. Si avvia dunque una nuova stagione progettuale, con il ritorno di Antonella Moretti e di Donatella Diamanti: quest’ultima attraverso un bando ritorna a Cascina con la qualifica

foto Marco Caselli Niman

di direttrice artistica. Nel 2013 Sipario con La Peggiore vince il premio Eolo Awards per la migliore drammaturgia, frutto di un’équipe coordinata da Donatella Diamanti.

Il nostro primo incontro con la compagnia di Empoli, Giallo Mare Minimal Teatro, formata da Renzo Boldrini e Vania Pucci, avvenne invece al festival Micro Macro nel 1986 con lo spettacolo Un attimo una stella, creazione innovativa per uno spettatore, che ha anticipato modalità e temi, poi ripresi più avanti anche dal teatro di ricerca.

Renzo Boldrini e Vania Pucci, prima insieme, poi con percorsi diversificati, mescolando sempre in modo ironico, poetico, stili e metodologie diverse, hanno saputo rinnovarsi con esiti spesso di grande risalto.

Ecco dunque spettacoli che hanno ipotizzato una diversa dimensione del tempo e dello spazio: Hansel e Gretel restaurant (1988); la creazione, in collaborazione con Giacomo Verde, del Teleracconto (1989), incontro innovativo tra la narrazione con oggetti e la televisione; l’originalissimo Boccascena (1991), in cui la bocca di Vania Pucci diventava scenografia di uno spettacolo memorabile. Boldrini poi ci dona Il racconto. La storia di Giulietta e Romeo (1999), con gli spettatori che, divisi da un sipario, seguivano l’immortale storia di Shakespeare da punti di vista diversi; Di segno in segno (1998, foto a sinistra), di Vania Pucci, dove una lavagna luminosa diventa l’impero del sogno; Albero (2001), nel quale la natura vive, avvolgendo l’immaginazione di chi guarda; Per un attimo (2006), sempre di Vania, nel quale, grazie alla collaborazione di Margherita Hack, la scienza viene raccontata ai più piccoli. Nel 1998, in coproduzione con il TPO, nasce Storie zip (premio Stregagatto), che ha dato inizio in modo creativo all’utilizzo del computer in scena. Ed eccoci ad oggi. Vania e Renzo continuano il loro percorso artistico interfacciandosi con l’immagine: Perché Piangi (2013) e I tre porcellini (2013), con la collaborazione di Michelangelo Campanale.

Da poco si è inaugurata la nuova sede di Empoli. A Santa Croce sull’Arno la compagnia ha una residenza produttiva e a Castelfiorentino, dove Vania dirige il teatro, viene organizzato un vero e proprio festival: il Teatro tra le generazioni, con il meglio del teatro ragazzi non solo toscano.

Il terzo faro che ha illuminato e illumina la scena italiana, ma non solo, è il TPO - Teatro di Piazza o d’Occasione, nato a Prato nel 1981 come compagnia di teatro visivo, che già dai primi anni di attività mette in scena spettacoli concepiti come quadri in movimento, animati da oggetti e giochi di luce.

Così, ad esempio, in Frammenti (1987), Cromico (1992), Pinocchio (1998). Poi dal 1999, sotto la direzione di Davide Venturini e Francesco

foto Raffaelli

La Toscana, per noi che seguiamo il teatro per l’infanzia e la gioventù da oltre trent’anni, e che ne siamo in qualche modo la memoria storica, è sempre stata terreno di elezione, dove trovare alcune delle eccellenze di questo particolare ambito di teatro che, unico nel suo genere, si qualifica per il pubblico a cui è destinato. Tre, in particolare, in questa bellissima regione, le compagnie, i luoghi faro, la cui luce ci ha accompagnato e ci accompagna in questi anni: Fondazione Sipario Toscana a Cascina, Giallo Mare Minimal Teatro a Empoli, TPO a Prato.

La prima volta in cui venimmo in Toscana, teatralmente parlando, fu nel 1986, a Cascina per la prima edizione di Mercanti in Fiera, ma non alla Città del Teatro (non c’era ancora).

Allora fummo ospitati in uno spazio che si trovava nel centro del paese per una manifestazione che ogni anno accoglieva tutto il teatro ragazzi italiano, per partecipare ad un’originale mostra mercato che poi divenne un vero e proprio festival.

Fu l’anno dopo che si spostò nell’enorme caseggiato in via Toscoromagnola ed è da allora che abbiamo visto la struttura piano piano cambiare, per mutarsi in quella che oggi è diventata una vera e propria città della cultura, luogo importante di collegamento tra spettatori, artisti e studiosi: La Città del Teatro e dell’immaginario contemporaneo.

Di questa vera fucina ho seguito tutto il percorso, come del resto, in parallelo, ho seguito quello della compagnia che lo gestiva, dal Teatro delle Pulci a Sipario Stregato e poi a Sipario, con produzioni che spaziavano dal teatro ragazzi al teatro di ricerca, con sempre alla testa un infaticabile Alessandro Garzella.

Fummo poi testimoni dell’arrivo di Donatella Diamanti che per molti anni firmerà gli esiti più felici di Sipario

4

Gandi, la svolta: la compagnia inizia una originale ricerca sull’uso della grafica digitale, contaminando il teatro d’attore con altri linguaggi, tra cui la danza e la videoarte. Da questa sperimentazione nascono il già menzionato Storie zip (1998), Il brutto_@natroccolo (2002), Cina (2003).

Successivamente viene intrapreso uno studio specifico sulle tecnologie che permettono una relazione interattiva tra performers e spazio scenico, applicando alle immagini e ai suoni dei sensori controllati via computer.

Nasce così CCC [Children Cheering Carpet], concept teatrale in stretta collaborazione con Elsa Mersi (digital design), Martin von Gunten e Rossano Monti (engineering), grazie al quale sono stati allestiti spettacoli pensati come viaggi immaginari all’interno di “giardini sensibili”, dove i performers danzano con immagini e suoni e propongono nuove forme di racconto.

CCC è un “teatro dei sensi”, dove anche il pubblico può esplorare lo spazio e partecipare a un’esperienza di “teatro immersivo”, creando un vero gioco esistenziale con le arti. Il successo di questo progetto ha dato al TPO una notorietà internazionale e ha aperto nuove possibilità di ricerca nella collaborazione con diversi artisti europei (attori, danzatori, musicisti, scrittori, ingegneri, designers, illustratori).

Da questa sinergia tra diversi autori, la compagnia ha progressivamente orientato il proprio lavoro sulla danza, creando degli spettacoli basati sullo sviluppo di ambienti teatrali interattivi: La trilogia sul giardino (2004-6), Farfalle (2007), Barocco (2008), Kindur (2010), dedicato all’Islanda e alle sue pecore, Babayaga (2013), liberamente tratto dall’opera Babayaga illustrata da Rébecca Dautremered, Bleu! (2013, foto in alto), in cui i bambini vengono immersi nel mare e nel cielo, e il recentissimo Pop up Garden, dove la compagnia, in modo del tutto diverso, torna al tema del giardino. Il TPO ha partecipato a numerosi festival internazionali in Europa, Asia, America e Australia e attualmente rappresenta una delle più interessanti e originali formazioni europee di teatro ragazzi.

TPO è compagnia di residenza presso il Teatro Metastasio di Prato, con cui collabora stabilmente, nel suo spazio Il Fabbrichino, ovviamente con giardino non virtuale annesso, dove ha la sua sede e dove ospita spettacoli ed eventi.

Questi sono i tre fari che illuminano la scena del teatro ragazzi toscano, ma certo questa Regione è abitata anche da altre realtà interessanti... *responsabile di Eolo-Ragazzi, la rivista ufficiale del teatro ragazzi italiano. È condirettore artistico del festival Una città per gioco di Vimercate.

Dirige il festival nazionale della narrazione di Mariano Comense. Nel 1998 ha curato le voci dedicate al Teatro Ragazzi per il Dizionario dello spettacolo della Baldini&Castoldi. È consulente per il teatro della Provincia e del Teatro Sociale ASLICO di Como.

TEATRO E NUOVE GENERAZIONI

Teatro e scuola, tra il dire e il fare… ... e il ben sperare per un teatro vivo e civile di Loredana Perissinotto*

Nella società dell’immagine spettacolare tra commedia e tragedia, a che serve ormai?

– dice A. È un reperto archeologico del passato, dobbiamo fare i conti coi nativi digitali!

– dice B. Pensa se questo, un giorno, questo, un bel giorno pensa, se un giorno questo finisse, pensa – disse S. Il teatro è l’oggetto di questo immaginario dialogo, ma la battuta di S. è di Beckett. Sono tra quelli che, accogliendo la natura proteiforme di questo “umano” linguaggio e non credendo alla sua scomparsa, ne ammirano l’inesauribile capacità di trasformazione. Sono tra quelli che lo vedono come il ring del punto di domanda e del contrasto: il teatro interroga e immagina risposte, da che mondo è mondo. Sulla vita, sulla sua fine e fini. Quello che so è che, pur passando gli anni e mutando le tipologie di connessione e di relazione,

un filo rosso resta costante: bambini e giovani trovano il modo di “parlare agli adulti” attraverso il teatro. Lo spazio/ tempo del teatro diventa luogo d’ascolto di sé e dell’altro, manifestazione poetica e spesso graffiante – adulto dove sei?! – delle loro difficoltà, dei sogni e delle prospettive, della ragione e dell’emozione. Sono tra quelli che lo considerano nella sua “pluralità”: di generi, di forme espressive e, soprattutto, di pubblici; che non si turbano se qualcuno punta ancora un dito giudicante sul suo risvolto “pedagogico”. Resti pure convinto che l’arte sia solo questione d’artisti; che non debba mischiarsi, dunque, con la pedagogia o che questa sia un’invenzione ottocentesca.

Un teatro vivo e civile, che non mi annoia e mi sorprende sempre, lo trovo in quei “teatri di comunità”, così definiti oggi, ma con radici nell’animazione teatrale del decennio Settanta. L’attenzione al “contesto” ispira la sua drammaturgia, l’attenzione alla “situazione” del gruppo lo arricchisce di varianti. È altra cosa dal teatro amatoriale o filodrammatico.

Persone di varie età intraprendono un percorso espressivo che è al contempo “ricerca” di poetica e urgenza di comunicazione. Il teatro educativo, realizzato a scuola, ne è un aspetto rilevante per qualità, dati e tematiche.

La linea artistico-pedagogica italiana, per quanto attiene alla formazione delle giovani generazioni, ha sempre cercato di unire “il fare” e “il vedere” teatro. La fruizione degli spettacoli riguarda quelli in programmazione nei teatri cittadini, proposti da attori professionisti, ma anche quelli realizzati dai coetanei nell’ambito delle attività scolastiche, visibili nelle rassegne di teatro delle scuole, un fenomeno tutto italiano. Attorno alla fruizione si è sviluppata la “didattica della visione” per la formazione di un pubblico “critico e consapevole”, basata su incontri condotti da un mediatore esperto, prima e dopo la visione dello spettacolo. Nei primi anni Duemila questa soluzione fu introdotta per garantire un approccio al teatro, in alternativa al laboratorio produttivo per classe o interclasse troppo impegnativo. Conseguenza delle allora disposizioni ministeriali restrittive, ma

foto Tomassini Paolo

“Fare“ e “vedere” una necessità per i giovani di tutte le età

anche per la progressiva diminuzione dell’offerta formativa sostenuta dalle amministrazioni locali.

“Fare” teatro, ossia l’attività teatrale laboratoriale svolta in orario scolastico o extra scolastico, ha visto nel partenariato tra docente ed esperto la formula di collaborazione tendenzialmente più diffusa. Questa pratica fa parte della nostra storia: il teatro non c’è nel nostro curriculum scolastico, come invece succede nei paesi anglofoni. La storia del rapporto scuola-teatro nel nostro paese è molto istruttiva e, per certi aspetti, perversamente affascinante. Ci sta di tutto: una riforma a spizzichi e bocconi del sistema scolastico, una mai ben definita idea di formazione della persona (quale?), di “valorisaperi-strumenti” (quali?) necessari, specie ora con le tante sfide aperte.

Ci sta un teatro considerato, a fasi alterne, strumento didattico connesso all’apprendimento più che linguaggio creativo completo e complesso. Ci stanno forme ancora in auge, come la recita e il saggio d’occasione, l’incredibile exploit dei laboratori teatrali negli anni Novanta e, ancora, il centinaio di rassegne censite nei primi anni del Duemila, fino alla moria registrata negli ultimi tempi.

Le rassegne superstiti, su spinta di Agita (associazione nazionale per la promozione della cultura teatrale nella scuola e nel sociale), nel 2014 si sono raggruppate in un coordinamento nazionale (Ra.Re, Rassegne in Rete) per un comune progetto di collaborazione e di rilancio delle manifestazioni.

La situazione attuale presenta però novità istituzionali: la nuova legge di riforma del sistema nazionale di istruzione e formazione (Legge 107 del 13 luglio 2015, “Buona Scuola”), il bando “Promozione del teatro in classe, anno scolastico 2015-16” (art.12/DM n°435, giugno) e il protocollo MiurMibact per la promozione del teatro e del cinema nella scuola, firmato

dai ministri Giannini e Franceschini (febbraio 2016).

Sono giusto passati venti anni tra il primo Protocollo d’intesa sull’educazione teatrale (1995) e la attuale legge 107/15, che propone indicazioni precise, quali: promozione e diffusione della cultura umanistica, valorizzazione del patrimonio e delle produzioni culturali, musicali, teatrali, coreutiche e cinematografiche, sostegno della creatività connessa alla sfera estetica. Attraverso l’accesso, la formazione di docenti e allievi, la collaborazione tra scuole e soggetti terzi accreditati, questo è, sintetizzando, il potenziamento dell’offerta formativa extrascolastica e integrata.

I cambiamenti di scenario non sono finiti: la Direzione generale per

Lo spazio-tempo del teatro è luogo d’ascolto di sé e dell’altro lo studente ha deciso di chiudere unilateralmente il Protocollo d’intesa 2012-15 (firmato con Miur, Mibact, Agiscuola, Agita, Fita, Uilt, Isicult) e, così facendo, ha interrotto il rapporto con il gruppo di lavoro TeatroèScuola.

Dal nostro osservatorio – che conosce la storia, le pratiche, le potenzialità del teatro scuola – non possiamo che essere un po’ delusi dalla politica dell’“evento”, ancora molto forte in questo paese, che punta ai premi (ad esempio “Leoncino d’oro”), ai concorsi nazionali (come “Scrivere il teatro” e “Ciak! Si studia”), al progetto “Gratis a teatro” (un giorno, in autunno)…

5

Sulla promozione/formazione del teatro nelle scuole sarebbe auspicabile che per ogni fascia d’età diventasse pratica diffusa quella che da tempo definiamo “opzione garantita”. Si tratta di rendere stabile consuetudine durante il percorso scolastico la fruizione di un certo numero di spettacoli e di esperienze teatrali, da fare singolarmente o in gruppo. A chi spetterebbe la sua realizzazione? A una rete di soggetti pubblici e privati, ovvio, che ne condividono le finalità, ne vedono i vantaggi e, quindi, ci investono. Una visione sistemica entrerà finalmente nelle italiche corde o continuerà lo strabismo, ignorando l’esistenza di iniziative artistiche di qualità, di esperienze formative di base già sperimentate e funzionali al teatro, oltre che alla crescita personale?

Tuttavia, per restare in Toscana, mi torna un solare sorriso se penso all’indagine sul teatro educativo curata dalla RTE, la rete di soggetti pubblici e privati, o alla nuova rassegna Strade Maestre del Comune di Altopascio, o ancora alla qualità degli spettacoli visti a Tramandando, evento curato dalla Rete Teatrale Aretina con le scuole di teatro della Provincia. Mi torna la fiducia che una visione sistemica sarà possibile se “le buone pratiche”, attraverso conoscenza e condivisione, informazione e valorizzazione, entreranno in circolo in questo nostro lungo paese.

*tra i protagonisti storici dell’animazione e del teatro professionale per l’infanzia e la gioventù, affianca l’impegno teatrale a quello formativo in ambito scolastico e universitario in Italia e all’estero. È presidente di Agita, associazione nazionale per la promozione della cultura teatrale nella scuola e nel sociale.

TEATRO E NUOVE GENERAZIONI

Infanzia e città: il territorio è in ascolto Pistoia modello ispiratore per l’educazione dei bambini di Rodolfo Sacchettini* Quando sono stato nominato presidente dell’Associazione Teatrale Pistoiese e mi sono trovato a dover confermare e rinnovare direzioni di ricerca, a sottolineare priorità di azione, a ragionare su un’architettura generale, la prima domanda è stata di metodo: da dove si comincia? Si dice giustamente che “chi ben comincia e già a metà dell’opera”, ed è anche per questo che prima di tutto mi sono messo “in ascolto”, poiché è l’ascolto un’azione fortissima, decisiva e per molti aspetti determinante.

Il progetto Infanzia e città nasce così, in modo naturale, cercando di capire un territorio, quello pistoiese, che molto ha investito nei servizi educativi comunali, costruiti su alcune importanti idee chiave, che recuperano e rinnovano le tradizioni più aggiornate della pedagogia attiva. Si parte da una solida convinzione: l’educazione dell’infanzia deve avvenire nel macrocontesto della città e del suo territorio. Negli asili nido, nelle scuole dell’infanzia, nelle aree per bambini si svolgono naturalmente esperienze formative specifiche, ma è l’intera città, come luogo di vita e di cultura, che deve porsi al servizio dei bambini e deve costituire una risorsa per la loro formazione di cui “tutti i cittadini sono responsabili”, come recita la Carta dei servizi educativi.

Infanzia e città, fin dalla sua nascita, ha fatto suo questo principio ispiratore, svolgendosi volutamente in più spazi, in particolare nei luoghi dalla funzione pubblica specifica, con l’intenzione di riscrivere una piccola mappa e di sottolineare nuove e antiche connessioni: Palazzo del Comune, Teatro Manzoni e Teatro Bolognini, Biblioteca San Giorgio, scuola di musica e danza “Mabellini”, parchi e giardini…

Una città capace di venire attraversata e vissuta dalla furia dell’infanzia è una città migliore per tutti. E la città, così come la campagna, dovrebbe essere piena di cose che di per sé attirano l’immaginazione e la laboriosità infantile, senza bisogno di tanti altri surrogati. Si tratta di abitarla e di compiere un esercizio condiviso di “educazione allo sguardo”. Ed è questa la seconda semplice idea guida. Il processo educativo vive sempre nella reciprocità, e mondo adulto e mondo infantile possono e devono trovare canali di comunicazione vivi e fecondi.

Molte proposte incluse nel programma cercano perciò di unire grandi e piccini per un’esperienza condivisa, a partire dalla mostra allestita nel palazzo comunale, che è il punto di partenza, la suggestione iniziale di ogni edizione. Dopo Roberto Innocenti e Franco Matticchio, per la prossima

edizione (settembre e ottobre 2016) è in programma la mostra di Fabian Negrin, grandissimo illustratore di fiabe.

Il terzo “principio” riguarda invece l’apertura alle arti, come opportunità di ricchezza e nutrimento essenziale nei processi educativi e nella crescita del proprio sguardo. Per cui dalle immagini della mostra si passa naturalmente al teatro, che è cuore del progetto, attraversando però anche danza e musica. Dopo alcune importanti operazioni (Fratelli Forman in collaborazione con Il Funaro e le marionette della compagnia Carlo Colla) per la prossima edizione si prevede un “classico” del teatro per bambini come Buchettino della Socìetas Raffaello Sanzio, che da vent’anni mette letteralmente sotto le coperte i propri spettatori, trasformandoli in attenti e impauriti ascoltatori, invitati a infilarsi in una fila di lettini a castello.

Guardare ai bambini è sempre un tornare indietro, all’orgine, e cioè allo stesso tempo riscoprire il presente e immaginarsi il domani. In un celebre e folgorante racconto di Jorge Borges, La ricerca di Averroè, si spiegano molto bene i legami ancestrali e intimi che legano i bambini al teatro. Si racconta del filosofo arabo alle prese con la traduzione della Poetica di Aristotele.

Averroè non conosce il significato delle parole “commedia” e “tragedia”, semplicemente perché nella sua lingua non esistono. In realtà non conosce il teatro, perché non fa parte della tradizione del suo paese. Per caso, guardando fuori dalla finestra, vede dei ragazzini mimare il muezzin, il minareto e i fedeli: giocano, fanno “come se”.

In quei semplici gesti si nasconde un segreto, un mistero, qualcosa di essenziale e puro. È il gioco dei bambini – sembra dirci Borges – che ci indica una strada anitica e sempre nuova per reinventare il teatro. E sono infatti queste storie, e tante altre, che ciclicamente sono andate a nutrire le “avanguardie” teatrali, dando inizio anche all’importante tradizione italiana dell’animazione teatrale e del teatro ragazzi.

Per la quarta edizione di Infanzia e città (sempre realizzata grazie alla Fondazione Cassa di Risparmio di Pistoia e Pescia e di Unicoop Firenze), che avrà molto spazio dedicato alla “fiaba”, si prevede anche il proseguimento dell’importante progetto di Virgilio Sieni che, con i ragazzini delle scuole di danza di Pistoia, i musicisti della scuola “Mabellini” e le loro famiglie, costruirà un triplice percorso a partire da suggestioni figurative dell’arte pistoiese, in un’azione all’interno del Teatro Manzoni, per l’occasione svuotato dalle

poltroncine. E poi ancora è previsto un calendario di letture, laboratori, proiezioni cinematografiche, oltre alla presenza del gruppo pratese Kinkaleri e del più grande interprete napoletano di guarattelle.

In un certo senso proprio da questo tipo di progettualità l’ATP ha cominciato dall’anno scorso a produrre e coprodurre spettacoli per bambini, che potessero in qualche modo interessare ragazzi e adulti. Ne sono nati due: Il giro del mondo in 80 giorni di Teatro Sotterraneo, da un classico dell’avventura, strutturato in forma seriale (quattro puntate, quattro luoghi diversi della città, quattro realtà musicali coinvolte dal vivo, una sorta di “giro musicale di Pistoia in ottanta

minuti”) e I quattro moschettieri in America de I Sacchi di Sabbia, parodia esilarante che unisce le immagini realizzate dal vivo da Guido Bartoli (che illustra anche queste pagine), la carica dissacrante di due straordinari autori radiofonici degli anni Trenta, come Nizza e Morbelli, la comicità e la raffinatezza della compagnia tosconapoletana. E così anche il processo produttivo può essere affrontato come percorso di crescita condivisa, costruzione di rete relazionali, occasione educativa.

*presidente dell’Associazione Teatrale Pistoiese, critico teatrale, autore di saggi, testi, articoli e pubblicazioni sulla drammaturgia e il teatro.

Generazione “young”, ciak si gira! di Duccio Tronci*

Non è facile per gli adulti entrare nella realtà dei teenager. Se si tratta di partecipare ad un laboratorio artistico sperano solo che si tratti di ore di “cazzeggio”. La generazione “young” è complicata: crisi di valori, un virtuale che viene prima del reale, e il difficile rapporto nella triangolazione con insegnanti e genitori.

rubarci il lavoro. Puzzano”, esclama un altro ragazzo appena sedicenne.

Ma il discorso cambia quando nel mezzo entrano i vip. Perché il sogno è incontrare star del calibro di Beyoncé o Will Smith. Le contraddizioni fioccano: i ragazzi di colore sono i loro stessi compagni di banco, quelli con cui scherzano, ridono, escono tutti i giorni.

Uno smartphone e tutto cambia L’errore più grande, però, è farsi scoraggiare dalle apparenze. Sembra incredibile, ma con lo smartphone in mano tutto è più facile: perché non utilizzarlo per affrontare i temi che dividono? È l’idea che è venuta all’associazione I teatri dell’invasione, guidata dal regista e autore Stefano Silvestri, che ha pensato che per coinvolgere i giovani fosse necessario giocare sul loro campo ed utilizzare i loro strumenti. La tecnologia, certo, attraverso riprese video effettuate con i cellulari. Ma soprattutto il linguaggio: “Catturare l’attenzione dei ragazzi è possibile, utilizzando gli oggetti con cui hanno maggiore dimestichezza”, racconta Silvestri. Un laboratorio, due, poi il video finale. Infine lo spettacolo conclusivo. È così che i giovani delle scuole che hanno aderito al progetto Pari o Dispari? hanno avuto la possibilità di mettere alla prova le loro qualità di attori, sceneggiatori, registi, persino acconciatori. La chiave è ironica, e soprattutto grazie a questo i ragazzi ascoltano, divertendosi.

Differenze di genere, bullismo, razzismo, omofobia i tasti toccati dal progetto nelle scuole di Arezzo, Siena, Firenze, Massa Carrara.

Davanti alla telecamera: una marcia in più I risultati nei lavori sono straordinari.

Cinque studenti hanno prestato il loro volto per il primo cortometraggio sulla Neknomination, l’ultima folle moda che spopola fra gli adolescenti impegnati in sfide a colpi di ubriacature. Si chiama La bella e la bestia e racconta la storia di un ragazzo omosessuale che viene messo al centro di una scommessa e diventa vittima di pesanti episodi di bullismo. Il sangue che singhiozza sull’asfalto è invece il titolo di un corto impegnato che parla di violenza tra giovani coppie, in cui gli studenti sono anche autori, costumisti, truccatori ed operatori. Ed hanno persino scritto il rap che caratterizza la seconda parte.

“I neri? Puzzano” Eppure il primo impatto non era stato brillantissimo. “C’è una categoria che proprio non sopportate?”, chiede Stefano in una terza liceo. “Gli ebrei”, risponde secco un ragazzo. “Come?”.

“Sì, gli ebrei. Li brucerei tutti”. Gelo.

Tre secondi e Stefano chiede: “Ma ne conosci?”. “No”. Il pregiudizio è proprio il punto di partenza di questo progetto, una sorta di nemico da sconfiggere.

“Una ragazza che si veste in modo succinto se la va a cercare?”. Fra le prime a rispondere di sì ci sono proprio le ragazze: quando la discriminazione diventa costume e società. “I neri vanno mandati via perché sono qui a 6

Lo spettacolo finale: una risata consapevole Il progetto culmina in ogni città con una mattinata finale alla presenza delle classi delle scuole che hanno partecipato. Si proiettano i video.

Ma soprattutto gli studenti vengono coinvolti nello spettacolo attraverso situazioni come il “momento megafono”, in cui anche i professori devono gridare i loro sentimenti.

Oppure la messa in scena di un’epurazione: dalla sala vengono fatti uscire sistematicamente tutti i “diversi”, partendo dalle esclusioni più classiche della storia, legate al colore della pelle, all’etnia o alla religione, per arrivare a situazioni grottesche che cercano un pretesto perché, alla fine, non resti più nessuno a difendere l’ultimo rimasto. Ma soprattutto il “sondaggio ballato”, vero piatto forte del progetto, in cui i ragazzi, a ritmo di musica, devono rispondere con un “sì” o un “no” alzandosi in piedi a domande sulle discriminazioni. *giornalista e scrittore, collaboratore di LaPresse, Il Fatto Quotidiano e Panorama, scrive per FirenzeToday, opera in progetti per la scuola e il sociale, è tra i responsabili di Pari o dispari?.

TEATRO E NUOVE GENERAZIONI

Cantiere Futuro vivaio di giovani

Progetto per la promozione e il sostegno di gruppi toscani under 35 di Gherardo Vitali Rosati Anche quest’anno, la primavera del teatro è passata dal Magnolfi di Prato. È qui che tre giovani compagnie, da inizio febbraio a fine aprile, hanno trovato un vivaio per sviluppare i loro spettacoli, in scena in Toscana dal prossimo autunno. Tutto è nato nel 2013, quando la Fondazione Toscana Spettacolo e il Teatro Metastasio s’inventarono il progetto Giovani in Scena, volto a promuovere le formazioni toscane under 35. “Si presentarono 71 compagnie – ricorda Patrizia Coletta, direttore di FTS onlus – e in questi anni hanno vinto il bando, tra gli altri, tre gruppi che nel frattempo si sono molto consolidati: inQuanto Teatro, If Prana e Teatro Metropopolare”. Da lì il progetto è cresciuto: oggi si chiama Cantiere Futuro e offre anche un tutoraggio organizzativo, tecnico e artistico a chi si aggiudica il bando. “È un progetto in continua evoluzione – sottolinea Franco D’Ippolito, direttore del Teatro Metastasio di Prato – vorremmo anche offrire un’alternativa all’autogestione delle compagnie, un punto debole quasi per tutti. Se continuiamo a favorire la formazione di nuovi gruppi, visto che gli altri non mollano, il mercato si satura. Potrebbe invece accadere che alcuni di questi artisti entrino in compagnie già esistenti, o comunque diano vita a progetti più ampi”.

Intanto al Magnolfi i gruppi vincitori hanno sviluppato i loro spettacoli, incontrandosi in alcuni momenti di formazione offerti dagli organizzatori.

I primi a salire sul palco, per le loro tre settimane di prova, sono stati Fabio Pagano e Cecilia Ventriglio, alle prese con Lancillotto e Ginevra, il primo progetto della loro neonata compagnia (Pagano/Ventriglio).

Folgorati dalla riscoperta di un romanzo cavalleresco di Chrétien de Troyes, Il cavaliere della carretta, incentrato sulle imprese compiute da Lancillotto per liberare la sua amata, gli artisti scelgono di fondere il Medio Evo con il nostro presente. Ecco allora che sul palco si alternano, senza soluzione di continuità, una carrellata di personaggi fra cui Andrea Cappellano, che alla fine del XII secolo scriveva il suo De amore, e una rockstar che canta La Poupée qui fait non. Seppur ancora non ben strutturato, già durante le prove il lavoro presentava alcune sequenze esilaranti. Fra tutte, il dialogo – drammatico – fra una contessa d’antan e la nostra rockstar, che si affrontano utilizzando esclusivamente parole del gergo di internet e delle telecomunicazioni (“wireless”, “account”, “login”). E, dopo Prato, il progetto continuerà a crescere in vista del debutto autunnale: “Cantiere Futuro ci ha offerto la possibilità di concentrarci e di progredire molto nel nostro lavoro – dice Fabio Pagano – ora stiamo cercando altre occasioni di residenza per poter completare il nostro progetto”.

Molto diverso Interrail di Frequenze Alfa Teatro, il gruppo fondato e diretto dal regista Stefano Filippi. Se di anni lui ne ha oltre cinquanta, dirige però otto

giovanissime attrici e cantanti, quindi la media scende e i requisiti ci sono.

L’esperienza c’è e si vede: alla fine delle prove al Magnolfi – ma a sette mesi dal debutto – lo spettacolo è praticamente pronto. Un intrigante viaggio per l’Europa, prima in senso storico – dall’antica Roma alla Rivoluzione Francese – poi in senso geografico, lungo le rive del Danubio, attingendo al folklore e alle tradizioni locali, per costruire una partitura affascinante e ritmata. Il tutto è interamente cantato e danzato e scandito anche da alcuni tableaux vivants, che riproducono in scena celebri dipinti, da Delacroix a Klimt. Non manca un attento lavoro sui costumi, realizzati dalla Fondazione Cerratelli, con continui cambi d’abito che facilitano la caratterizzazione dei numerosi personaggi. Proprio oggi, quando l’identità europea viene messa costantemente in discussione, il gruppo sembra offrire una strada per iniziare a ritrovarsi.

E l’Europa torna anche nel lavoro della compagnia ZiBa, che fonda le sue radici in una scuola internazionale di teatro fisico in Svizzera (scuola Dimitri di Verscio), dove si sono incontrati gli artisti, e si basa sulla collaborazione di altri ex allievi, il collettivo svedese Troja, per la parte scenografica. Dopo il pluripremiato spettacolo La Tana, un lavoro grottesco che denunciava le difficoltà del nostro tempo, questi ragazzi hanno voluto cercare un nuovo ottimismo. “Eravamo arrivati a un nero totale – dice Laura Belli, tra i fondatori del gruppo – e ci siamo chiesti come ripartire”. Così, hanno iniziato a intervistare amici e passanti, con domande come “in cosa credi?”, “se stessi scappando in mezzo alle macerie che cosa vorresti salvare?”.

Ogni volta registrano, sbobinano, e prendono nota, tappezzando il Magnolfi con poster che accompagnano la loro creazione. Qualcosa, forse, l’hanno trovata: provano un dialogo incentrato sulla fiducia reciproca e sul prendersi cura, probabilmente un buon punto da cui ripartire. Ma il loro What do you believe in? di parole ne ha poche: è un percorso fisico e musicale, che nasce dall’incontro/scontro di due figure (Laura Belli e Lorenzo Torracchi). Li dirige Marco Cupellari, che spiega: “quel che che sarà questo spettacolo, lo sapremo solo quando arriveremo in scena: stiamo cercando e continueremo fino all’ultimo momento”. Seguo questo e gli altri lavori con un gruppo di studenti del Pro.G.E.A.S. – frequentano un laboratorio di critica organizzato da FTS – e gli artisti ne approfittano per le loro interviste. Ognuno porta il suo Credo – “In me stessa”, “Nella bontà delle persone” – e dalle macerie salvano i grandi valori, “l’Amore”, “l’Ottimismo”. E mentre l’intervista continua, fra palco e platea si crea un’intesa palpabile. Forse c’è una nuova generazione che, fra mille ostacoli, sa ritrovarsi unita e fiduciosa.

Chissà. Sarebbe certo una grande vittoria per questo progetto Cantiere Futuro.

LABORATORIO DI SCRITTURA La danza è la mia vita Alen Bottaini da Massa a Londra “La danza è la mia vita. Mi alzo la mattina e ballo. La musica, il movimento, per me sono tutto”.

Alen Bottaini, ballerino di fama internazionale, classe 1973, nasce a Viareggio ma è a Massa nella scuola di Lorna Wilkinson, sua mamma, che inizia a muovere i primi passi di danza.

Durante le ultime feste pasquali lo abbiamo incontrato sul palcoscenico del Guglielmi di Massa, il suo primo teatro, dove ci ha raccontato la sua esperienza e alcune curiosità sul mondo della danza.

Da dove nasce l’amore per questa disciplina?

Molti dicono che sia perché mia mamma e mia sorella sono ballerine.

Hanno una scuola, quindi sono nato in teatro. In realtà da ragazzo ho provato molti sport, provavo e poi finivo, poi a dodici anni mi è venuta questa passione che è diventata la mia vita.

Sono entrato nella sala da ballo di mia madre, ho seguito una lezione e non ne sono più uscito.

Quali sono stati i suoi modelli?

Quando ho iniziato ammiravo Nureyev, infatti ho lottato per arrivare alla sua scuola in Russia dove poi sono riuscito ad entrare. Lui per me è stato il più grande artista del mondo perché era bravo tecnicamente rispetto agli standard del tempo. Un altro modello era Baryshnikov, tanto che mi feci anche firmare una scarpetta. Ho sempre cercato di arrivare ai suoi livelli, specialmente per la sua artisticità, importante al pari della tecnica.

Oggigiorno, purtroppo, si cura così tanto la tecnica da dimenticare che la danza è un’arte, non uno sport.

Com’è essere un uomo in ambiente prettamente femminile?

Questo è un pregiudizio tipicamente legato agli ambienti estranei alla danza, come le scuole, soprattutto in Italia. Infatti nelle accademie di danza ballare è la normalità. Il problema è l’ignoranza. Lo stereotipo principale è il ballerino omosessuale, anche se l’importante non è la vita privata, ma che nel passo a due, sul palco, ci siano un uomo e una donna.

Come differisce la realtà italiana da quella estera?

A Monaco, per esempio, dove ho lavorato nel Teatro Nazionale, ho sempre trovato il tutto esaurito a ogni spettacolo. La mentalità è diversa, più vecchio stile. I genitori portano i figli, anche piccoli, al teatro e il pubblico conosce esattamente il ruolo di ogni ballerino. È proprio un fatto di cultura. In Italia, purtroppo, per avere questa cultura bisognerebbe che i direttori di teatro e del corpo di ballo, portassero gli spettacoli giusti per insegnare alle nuove generazioni 7

che cosa è la danza. Dovrebbero essere gli stessi maestri di danza a insegnare il rispetto e l’interesse per questa disciplina, portando gli allievi agli spettacoli. Invece, qui il ballo è molto commerciale, basta vedere alcuni programmi televisivi, pensati solo per vendere. Per esempio Amici: si manca di rispetto agli insegnanti e si diventa ballerini professionisti in un anno, mentre in realtà il percorso è lungo, per me è durato nove anni. La danza non è finzione, è dal vivo. L’artista entra in scena e vive il momento. La tv è tutto un retroscena, il balletto non è pensato per la tv, per la finzione.

Come è stato il suo percorso?

Io ho iniziato qui a Massa. Dopo un anno e mezzo sono andato in Inghilterra, in una scuola dove facevano tutti i tipi di danza. Mia madre mi mandò perché ai quei tempi non ero ancora sicuro quale stile di danza preferissi. Da lì ho fatto l’audizione per il Royal Ballet e mi hanno preso.

In seguito, dopo uno stage estivo ho ottenuto una borsa di studio per Leningrado. Dopo sette anni, ho fatto due anni all’Accademia Vaganova e dopo due mi sono diplomato. Siccome ho iniziato tardi, a 12 anni, ho deciso di fare un corso di perfezionamento in Canada, a Toronto. Infine sono andato a Monaco di Baviera.

Al momento insegna?

Sì, attualmente ho una mia accademia a Monaco di Baviera e sono anche docente all’English National Ballet School di Londra. Sono quattro giorni a Londra e tre giorni a Monaco, dove abitano mia moglie e mia figlia; lei dirige la scuola e io faccio avanti e indietro. È un po’ dura, ma fin che posso lo faccio. A me piace insegnare.

A Londra insegno a quelli dell’ultimo anno, che finiscono il percorso e vanno nei teatri. Anche per loro, che vengono da una scuola di eccellenza, oggi è difficile trovare lavoro, perché non è solo un problema di bravura, ma ciò di cui il direttore ha bisogno e preferisce.

Inoltre se non hai già un contratto è difficile che te ne diano uno. Per essere ballerino non ci vuole solo la tecnica, ma anche la testa e la fortuna, come in tutto. Essere al posto giusto nel momento giusto. intervista realizzata dalle studentesse del secondo anno del liceo classico “Pellegrino Rossi” di Massa, che hanno partecipato al laboratorio di scrittura giornalistica e alla realizzazione de La Gazzetta del Teatro Guglielmi, nell’ambito dei progetti scuola di Fondazione Toscana Spettacolo onlus, qui condiviso con il Comune di Massa. in alto, Alen Bottaini e le ragazze del laboratorio di scrittura (foto Studio_47) a sinistra, lo spettacolo Grow! di If Prana prodotto nel 2015

8

foto Fabrizio Ferri

Il coraggio di rimettersi in gioco “La danza è la mia vita”

Dopo sette anni dal suo addio ufficiale Alessandra Ferri torna a danzare di Silvia Poletti

poco conta il raffronto con la fanciulla che è stata – nel sofisticato spot del medesimo cosmetico (girato subito sui social in maniera virale): tra quella ballerina diciannovenne così piena di promesse nelle vesti del ruolo/feticcio di Giulietta, e la danzatrice e donna di oggi, altrettanto piena di nuove sfide non sembra esserci gara. La Alessandra di oggi è riuscita a superare la Ferri di ieri; il mito della “ballerina tragédienne” che è stata per quasi trent’anni, da quando venne nominata, nemmeno ventenne, prima ballerina al Royal Ballet di Londra per poi diventare una stella della danza mondiale. Perché il fatto di essere tornata in scena a sette anni dal suo addio ufficiale non è solo la riconquista (per noi) di un’artista sopraffina capace di regalarci nuove emozioni, ma anche l’esempio vincente di una donna che ha coscienza di sé, di cosa vuole ed è, e ha il coraggio di rimettersi in gioco – come e più di prima. Reimpadronirsi della scena, conquistare nuovi ruoli, sperimentare modi di esprimersi con il corpo di una cinquantenne (il cinquantreesimo compleanno è il 6 maggio). E così facendo – anche contro ogni logica e saccenza – dimostra che volere è potere quando si prende coscienza di chi si è veramente. “Io non faccio la danzatrice.

Sono una danzatrice. Lo sono sempre stata. Da quando avevo tre anni. Ho capito subito che cosa volevo. Volevo danzare. Essere musica in movimento.

Ero così determinata che quando chiesi di andare alla scuola di danza della Scala e mio padre mi disse: ‘ma non è un lavoro; non so nemmeno se ti puoi guadagnare da vivere facendo la ballerina!’, io risposi: ‘non importa, prendo una roulotte e la metto fuori dalla Scala’. A quel punto mio padre ha capito la mia grande passione e mi ha detto ‘va bene, proviamo!’. E per me davvero non è stato un lavoro. Il fatto che con la danza posso vivere, pagare le bollette, fare la spesa, è semplicemente una conseguenza. La danza è la mia vita”.

La scelta di lasciare le scene è arrivata quando Alessandra aveva quarantaquattro anni, in un momento memorabile dal punto di vista artistico.

Era appena stata una magnifica Marguerite Gautier per John Neumeier ad Amburgo e alla Scala; a Tokyo il pubblico esaltava con interminabili

donna anche capace di prendere in mano il suo destino e di fare del dolore e della consapevolezza i motori del suo sentire d’artista, ha creato per – ma soprattutto con – Alessandra un ritratto palpitante, pieno di sfumature che va dalla recitazione quasi teatrale alla distillata purezza della sola danza.

Sensazionale, chiosa la critica tedesca.

Lei, la “Duse della danza”, finalmente a confronto con il mito, con la leggenda.

Quali altre sfide aspettano Alessandra, ora? “Nuovamente il Giappone.

Londra. Amburgo. Spero l’Italia. Ma la più vicina? Tornare all’American Ballet Theatre il 13 giugno per danzare Giulietta: me l’ha chiesto il direttore Kevin McKenzie per celebrare i miei 35 anni con la compagnia. È un fatto del tutto eccezionale. Sono curiosa di vedere come mi sentirò”. La ragazzina di ieri, la donna di oggi. L’artista di sempre. Per nostra fortuna.

Duse – Fantasia coreografica intorno ad Eleonora Duse

foto Holger Badekow

A tre anni ho capito: volevo essere musica in movimento

a serata, al Royal Ballet, ispirato a Virginia Woolf. Un flusso di coscienza e di invenzioni che sfiora la biografia di Virginia e si lascia irretire dalla sua scrittura evocativa. “All’inizio ero sorpresa. Gli ho detto: ‘Ma Wayne io non c’entro niente con quello che fai!’. E lui mi ha risposto: lo so ma ho bisogno di te per evolvermi. E anche io ho capito che avevo bisogno di lui per fare nuove cose. In questa fase della mia avventura la libertà di fare cosa ‘sento’ di fare, anche mettendomi alla prova, è la forza trainante.” È nato così Woolf Works, inondato di ovazioni alla première, acclamato dalla critica, foriero – appunto – dell’Olivier Award (per chi, il prossimo inverno, non vuole andare a Londra, può vedere la diretta live al cinema, con la Ferri alla testa di un cast stellare, l’8 febbraio 2017).

E in contemporanea, ad Amburgo, Alessandra ha ripreso con John Neumeier il discorso creativo avviato con Marguerite Gautier. Questa volta il maestro è andato dritto alla fonte: Eleonora Duse. E nel tratteggiare il ritratto di quest’attrice rivoluzionaria,

acclamazioni la sua Manon; a New York la chiamavano “la leggendaria Ferri”.

Eppure, forse proprio la convenzione anagrafica aveva iniziato ad instillarle dubbi, piccole paure: “Avevo cominciato ad avere paura del giudizio altrui, a paragonarmi a quello che ero stata. E così mi sono detta ‘stop’”. E poi c’erano le due figlie, ancora bambine, da seguire: la bionda e tenera Matilde; la mora e briosa Emma. Alessandra rimpiangeva che Emma non avesse avuto occasione di vederla mai ballare: “mi spiace che non si ricorderà di come ero in scena”. Ma non importava.

Era arrivato il momento di stare di più con loro. Di fare la mamma. “Ma ad un certo momento mi sono detta: che significa fare la madre? Io sono una madre, qualsiasi cosa faccia e in qualunque luogo sia. Sono soprattutto Alessandra, un essere umano che deve danzare e che si sente completa e viva quando danza. E allora sono tornata a lavorare per mettermi in forma. E da lì tutto è tornato a circolare”. Tornare ad essere Alessandra. Magari elaborando attraverso la (nuova) danzatrice anche il dolore profondo della fine di un amore e quello smarrimento che coglie e che ti fa dubitare di te stessa, in un momento della vita che è anche un passaggio importante. “Ma ho sempre pensato che la vita sia fatta di tanti inizi – racconta Alessandra –. E allora ho cominciato un nuovo cammino, attraverso la danza, anche come donna”.

Danzare ciò che si è, ora. Questo il nuovo input. Danzare quello che si è vissuto, la consapevolezza del passato, le emozioni che hanno nuovi colori, forse qualche rimpianto o nostalgia, ma anche nuove speranze. Il primo ruolo che Alessandra cesella, in questo nuovo cammino, è Léa, l’amante agée, con un glorioso passato da “demi-mondaine”, che ama riamata il fatuo Chéri. La pièce è montata da Martha Clarke con raffinatezze decadenti: si sente tutta la tragica levità della scrittura amaramente disincantata di Colette nel tracciare la storia dei due amanti nel chiuso di un’alcova. La prova è abbagliante di sottigliezze interpretative cesellate

Oggi la mia forza è mettermi alla prova come artista e come donna dagli sguardi (quello inconfondibile di Alessandra, che apre mondi interiori in cui ci ritroviamo tutti), dalle movenze languide e abbandonate di chi ha appena assaporato l’amore.

Nell’alchemica fusione interpretativa con il moro e forte Herman Cornejo, star dell’American Ballet Theatre che con lei sta rivelando una inaspettata e affascinante sensibilità d’interprete, la Ferri prende nuovamente pubblico e critica by storm. Prima a New York e Washington. Poi al Ravenna Festival.

E poi a Londra. Londra, la città da cui tutto è partito e dove tutto sembra tornare. Anzi, di più. Da quando Alessandra, darling del pubblico del Royal Ballet, aveva deciso di accogliere l’invito di Mikhail Baryshnikov e diventare prima ballerina all’American Ballet Theatre non aveva più danzato alla Royal Opera House (salvo una tardiva occasione). E invece eccola di nuovo sulle sue scene, acclamata.

L’occasione gliel’ha offerta, lo scorso anno, uno dei coreografi più importanti di linguaggio contemporaneo, Wayne McGregor, autore ben noto per il suo approccio scientifico alle dinamiche del corpo. La vuole per il primo lavoro

foto Holger Badekow

Quando, qualche settimana fa, sono state diffuse le immagini ufficiali del Laurence Olivier Award (il prestigioso premio del teatro britannico) in cui una raggiante Alessandra Ferri mostrava il suo Larry ricevuto per le straordinarie interpretazioni negli spettacoli di danza Chéri e Woolf Works, un critico italiano non è riuscito a trattenere un’esclamazione ammirata: “Con quegli occhi neri e le labbra vermiglie è un misto tra Frida Kahlo e Sofia Loren. Meravigliosa!”. Esattamente la stessa reazione che coglie chi passeggia in questi stessi giorni per Londra e si imbatte in tecnologici pannelli video (l’ultima frontiera della comunicazione) per pubblicizzare un cosmetico antietà: lei è lì, sulle punte, con le inconfondibili, splendide gambe sinuose, elegantissime, appena coperte da calze fumé, che volteggia in un perfetto “attitude”. I capelli scuri raccolti e liberi allo stesso tempo, un top celestino sopra il body nero. E ancora quel volto luminoso e consapevole. Meravigliosa, appunto. E

9

IL TEATRO E LO STRANIERO

Viaggio nel teatro di Gabriele Vacis Il corpo dello straniero che non vediamo in noi di Katia Ippaso

“Straniero: rabbia strozzata in fondo alla gola, angelo nero che turba la trasparenza, traccia opaca, insondabile.

Figura dell’odio e dell’altro, lo straniero non è né la vittima romantica della nostra pigrizia familiare né l’intruso responsabile di tutti i mali della città.

Né la rivelazione attesa né l’avversario immediato da eliminare per pacificare il gruppo. Stranamente, lo straniero ci abita: è la faccia nascosta della nostra identità, lo spazio che rovina la nostra dimora, il tempo in cui sprofondano l’intesa e la simpatia” scrive Julia Kristeva alla fine degli anni Ottanta in quel libro folgorante che si intitola Stranieri a se stessi. Il suo complesso ragionamento storicofilosofico portava a una conclusione limpida, inevitabile: “Riconoscendolo in noi ci risparmiamo di detestarlo in lui”. Sarebbe tutto così semplice.

E invece... Ogni giorno costruiamo nuovi muri, per dividere noi dall’altro, il cittadino legittimo dal barbaro che ci assale, minacciando le nostre misere proprietà e le nostre ancora più fragili identità. Ma come reagiamo di fronte a queste scene quotidiane? I media ce le mostrano a dismisura, stando bene attenti a non farcele “vedere”.

Scorrono, semplicemente. E scivolando nel mucchio di immagini montate a ritmo digestivo, scompaiono dalla nostra vista. Come si fa a trattenere allora il vero significato? Riusciremo mai a fermarle, queste scene? E come possiamo noi fermarci con loro?

Sebbene sembri oggi più slegato dalla società, meno ancorato alle domande fondamentali di questi terremotati decenni, il teatro continua a produrre opere che vanno a sondare i punti critici della questione identitaria, mettendo in relazione mondi che non sono abituati a parlarsi. Ma siamo in pochi a saperlo.

Eppure dentro questi itinerari artistici c’è un patrimonio di conoscenza tale che andrebbe posto all’attenzione anche della politica. Gabriele Vacis, per esempio, in Italia negli ultimi anni non ha fatto altro che occuparsi dello straniero. E vale sicuramente la pena

con quegli stessi adolescenti oggi diventati ragazzi, alcuni persino padri: Amleto a Gerusalemme, Palestinian kids want to see the sea. Il progetto, che allora era stato voluto dall’Eti-Ente Teatrale Italiano in collaborazione con la Cooperazione Italiana (che ne avrebbe fatto un libro che chi scrive ha curato come reporter, Amleto a Gerusalemme, Editoria e Spettacolo, 2009), nonostante abbia passato tante fasi di ristagno, rappresenta un modello di resistenza creativa e una prova reale di dialogo. Allora come ora, Vacis ha voluto lavorare sulla figura di Amleto, colui che in nome di una verità rivelata da uno spettro commette la carneficina. “Più approfondisci la questione e più la questione del massacro compiuto dall’eletto si rafforza, però c’è da dire che in questi anni le cose sono cambiate e questi ragazzi si rappresentano sempre meno come Amleto e sempre più come Laerte. Vogliono andare via da lì.

Questo anche perché a Gerusalemme si vive sempre di più nel terrore e nell’isolamento reciproco – dichiara Vacis –. Nel 2008 accadeva spesso che si andasse per esempio tutti insieme a cenare a Gerusalemme Ovest, nella parte ebraica della città, mentre oggi ognuno resta dentro i confini delimitati dalla paura dell’altro”. Dei tanti racconti, delle esperienze fatte insieme in zone liminali, nello spettacolo finale (che Vacis firma con Marco Paolini) sono confluite alcune storie private molto forti, che da sole valgono come un trattato di antropologia politica.

Parlano di esodi e fratture, di morti e sacrifici, ma anche di divertimenti e di amori. Al di là e prima di queste storie,

ce ne sono infinite altre, che i ragazzi ci hanno fatto ascoltare sotto il sole di Gerusalemme, avvolte dal bianco di una pietra che ha visto scorrere troppo sangue, oppure in viaggio verso Jenin, il campo profughi dove qualche anno fa era andata in scena una versione di questo Amleto plurale, Following the footsteps of Hamlet. Personalmente, non potrò mai dimenticare il viaggio di ritorno da Jenin a Gerusalemme. Era notte. Sul bus, nei posti davanti a me, c’erano Ivan e Rasha che parlavano di pace e di guerra: entrambi in quel momento del tempo avevano diciassette anni. Ivan (che è armeno

Il teatro produce opere che sondano i punti critici della questione identitaria e fa parte anche del cast dell’ultimo spettacolo) d’improvviso si gira verso di me che sono mezza addormentata e mi chiede: “Ehi Katia, svegliati! Per te cos’è la vita? Dimmi, cos’è? Perché per me la vita è prepararmi alla morte. Io non credo nell’aldilà. Non sono religioso anche se sono cresciuto con i precetti cristiani. Credo nella vita di qui”.

“Conosci gli esistenzialisti?” gli rispondo io a quel punto.

“No, gli esistenzialisti non li conosco.

Ma andrò a vedere di che si tratta”.

Un dialogo fra culture e mondi che abitualmente non si parlano capire come e perché. Dal momento che l’elemento fondamentale, più che negli spettacoli stessi, si trova nei processi paradigmatici che questi lavori mettono in campo.

AMLETO A GERUSALEMME La prima volta che Vacis arrivò all’aeroporto Ben Gurion di Tel Aviv era il 2008 e ne rimase sconvolto: “Fui colpito dal bagliore di una città che sembrava Las Vegas. Nel febbraio del 2008, in Italia giornali e tv parlavano di una cosa sola: sicurezza. Come adesso. Per la sicurezza, diceva la tv, servono città più illuminate. Mentre atterri a Tel Aviv pensi che le città più illuminate non sono quelle più sicure, sono quelle che hanno paura”.

Volava in Terra Santa per lavorare al Palestinian National Theatre con un gruppo di adolescenti palestinesi, nelle zone d’ombra di Gerusalemme Est. Alcuni di loro, che venivano da posti come Hebron, dove vivono ancora oggi “i non cittadini”, “gli assenti” (come li chiamava il poeta Mahmoud Darwish), non avevano mai visto il mare. E così la prima cosa che chiesero fu: “We want to see the sea” (Vogliamo vedere il mare). Una frase che sarebbe scivolata tanti anni dopo nel titolo dello spettacolo di Vacis che ha da poco debuttato allo Stabile di Torino, 10

“Molti filosofi si sono chiesti che siamo nati a fare. E se il nostro essere è per la morte”.

“Vedi, io voglio andare più a fondo possibile”.

“Ti aspetti delle risposte?”.

“Non lo so, forse le risposte non arriveranno. Ma il segreto è nell’andare.

More inside, more deep”.

LA PAROLA PADRE Da noi, è piuttosto insolito che dei ragazzi così giovani di ritorno da uno spettacolo si mettano a parlare degli esistenzialisti e della morte. Ma dipende dal modo in cui sei cresciuto, dalla familiarità con certe realtà, che non sono sempre festose. Ancora adesso circola un altro spettacolo di Gabriele Vacis, realizzato con i pugliesi Cantieri Teatrali Koreja, La Parola Padre; di recente è passato al Piccolo Eliseo di Roma ma ha quattro anni di vita e non accenna a interrompersi: a fine maggio andrà a Timisoara e a settembre inizierà una nuova tournée.

Mentre in Amleto a Gerusalemme, Palestinian kids want to see the sea il cast è quasi tutto maschile (ci recita una sola donna, Anwar, nata a Torino ma da genitori palestinesi), ne La Parola Padre recitano sei donne, tre attrici dell’Est Europa (Irina Andreeva, Aleksandra Ola Gronowska, Simona Spirovska) e tre italiane (Alessandra Crocco, Anna Chiara Ingrosso, Maria Rosaria Ponzetta). Nato da un progetto di scambio di Koreja che ha una lunga consuetudine di attività artistiche realizzate seguendo i confini mobili della mente più che i confini fissi degli stati/nazione, lo spettacolo colpisce per l’energia straripante

Popoli “strappati” Alessandro Gassmann in Siria di Gabriele Rizza

foto Alessandro Colazzo

Se cerchiamo una parola per sostenere il lavoro di Alessandro Gassmann, artista e attore, al cinema e a teatro, la troviamo nell’impegno. Termine se vogliamo un po’ antico (antiquato?), solcato com’è da incrostazioni ideologiche, sempre in bilico fra il fuori moda e il dentro la storia. Ma che Alessandro ha rivestito di moderne e attualissime panoramiche. Senza proclami. Libertà di azione e libertà di convinzione. Non è fuori moda e terribilmente dentro la nostra storia il dramma dei migranti. La retorica cavalca e scavalca a ondate le trame dell’Occidente. Sentirsene parte, noi, e in qualche modo responsabili, può aiutare a capire. Provare a farlo, ciascuno a suo modo, nel suo habitat intellettuale e culturale, è segno di responsabilità. E partecipazione.

Muovendosi nei campi in Giordania e in Libano, Alessandro ha incontrato e intervistato i tanti artisti siriani che oggi lì, profughi, ci vivono: poeti, scrittori, musicisti, drammaturghi, attori, scultori, registi, pittori.

L’occasione è il viaggio intrapreso nel febbraio 2015 al seguito dell’Alto Commissariato delle Nazioni Unite per i Rifugiati (UNHCR) di cui era appena diventato ambasciatore. Il risultato è un documentario, Torn, che a settembre è passato in anteprima alla LXXII Mostra del Cinema di Venezia. Lontano dalle immagini che quotidianamente ci inondano, Torn mostra come l’arte aiuti a mantenere vivo un legame con le proprie radici e la propria identità. Le immagini parlano, con rispettosa adesione. Narrano della forza di volontà di queste persone, comunicano la capacità di resilienza di un intero popolo. Testimonianze di chi ha perso tutto ma che si rifiuta di essere raccontato come vittima. La guerra continua. Sono cinque anni che bombarda il paese. Parlare di tragedia umanitaria è cronaca spicciola di tutti i giorni. Come i barconi, le carrette, i trafficanti, i salvataggi, i morti. Il Mediterraneo mare nostrum. Appunto.

Ma i numeri fanno impressione. Perché lì, sulla carta geografica, l’abbiamo vista e ripassata anche senza esserci stati, fino a poco fa, c’era una nazione.

Un confine. Un popolo. Una civiltà.

Ora la metà dei siriani hanno dovuto abbandonare la propria casa: quasi 8 milioni di persone sfollate all’interno del paese, più della metà rifugiate nei paesi limitrofi. Una massa di “torn”, ovvero di “strappati” alla loro terra. Che continuano a sognare e dove sperano un giorno di poter tornare. “Non sapevo molto della Siria – ci dice Alessandro Gassmann – ma ho pensato che un modo coerente, non sensazionalistico e non addomesticato, per conoscerne la storia fosse incontrare i suoi artisti. So che avremmo parlato la stessa lingua, le loro parole sarebbero state le più giuste e autorevoli e convincenti per spiegare cosa è stata, cosa è e cosa speriamo possa tornare ad essere la Siria.

Avevo già collaborato con Amnesty International. Quando mi è stato proposto di diventare ambasciatore UNHCR ho accettato a condizione di rendermi davvero utile alla causa partendo dal mio lavoro. Da ciò che so fare. L’idea iniziale era di realizzare un

seguire un laboratorio in Polonia per tre settimane. Ed è lì che ho conosciuto Simona e Irina. All’inizio non spiccicavo una parola, poi all’improvviso tutto si è sciolto”. Ma questi padri assenti, malinconici, autoritari, che sanno anche piangere, questi padri di cui si dice sempre troppo poco, sono venuti a vedervi in scena? Chiedo alle attrici.

“Mio padre è venuto a teatro – risponde Maria Teresa – Non è che ci ha capito tanto, ma si è commosso”.

Noto che queste giovani donne sanno declinare gioiosamente la rara opportunità dei loro incontri: “Ci vediamo solo in occasione delle repliche dello spettacolo, poi ciascuna torna nel suo paese, ma ogni volta è una festa.

C’è stato tra di noi un incontro umano bellissimo – conclude Irina –. Anche perché questo spettacolo ci ha fatto da specchio. Quando siamo in scena, ma anche fuori dalla scena, sappiamo provare empatia l’una per l’altra, e l’empatia è tutto quello di cui abbiamo bisogno”.

L’empatia però è una merce rara.

Più facile provare odio, più semplice mettere in gabbia, liquidare, punire, rinchiudere e buttare le chiavi. C’è un altro spettacolo, sempre al femminile, si ispira alle Troiane di Euripide riletto attraverso la teoria di Henri Laborit, filosofo ed etologo francese, lo firma Roberto Tarasco, autore delle scenofonie degli spettacoli di Vacis, in questo caso in veste di autore e regista. In questo lavoro un’unica attrice, la brava Sara Bertelà, che in una scena disseminata di coltelli piantati contro di lei interpreta quattro eroine femminili che reagiscono ciascuna a suo modo alla violenza: Ecuba la forte con l’accettazione, Cassandra la veggente con la lotta, Andromaca che conosce solo la disperazione non riesce che a provare inibizione, mentre Elena, che sa usare la propria capacità di seduzione, sceglie la fuga. Per Tarasco, queste eroine equivalgono ai corpi delle straniere rinchiuse dentro l’inferno dei nostri C.i.e (centri di identificazione ed espulsione), carceri moderne che ci siamo inventati per non vedere quell’“altro” che, con la sua domanda “indecente” di accoglienza, ci disturba.

Lo straniero che ci fa impazzire. Proprio perché ci rifiutiamo di vederlo in noi.

Eppure, “riconoscendolo in noi ci risparmieremmo di detestarlo in lui”.

Ma Julia Kristeva non l’ha ascoltata nessuno.

foto Fabio Lovino

con cui queste interpreti si prendono la luce, declinando in una partitura plurilinguistica le proprie esperienze tutte diseguali di figlie, mentre i pochi elementi di scena – bottiglie di plastica colme e svuotate d’acqua – vengono usati per costruire e rompere i muri della separazione che affiorano dai racconti. Dopo aver visto lo spettacolo, chiedo di incontrare le ragazze, che si presentano, radiose e comunicative, all’appuntamento dato in un caffè bio di Roma, in pieno centro. Voglio sapere delle loro vite. “In Polonia stanno cancellando i diritti umani e riscrivendo la Costituzione. E la cosa incredibile è che tutto questo lo sta facendo un primo ministro donna (ndr.

Beata Szydlo), che ha appena fatto approvare una legge contro l’aborto.

Una donna contro le altre donne”.

Ola, che ha trent’anni, arriva subito al discorso politico, perché per lei il discorso politico non è disgiunto dalla vita. Come non lo è per Irina, sua coetanea, che è bulgara e nel suo paese sta studiando teatro e psicodramma: “I bulgari possono muoversi liberamente in Inghilterra, in Francia, in Italia, e non accettano i rifugiati. Non è terribile?

Questa Europa unita è pura finzione.

Non c’è nessuna vera libertà e nessuna vera tolleranza”. Simona viene dalla Macedonia, parla perfettamente l’italiano. Nello spettacolo dice che i giovani hanno nostalgia di Tito. Il che può sembrare paradossale, ma se vai ad ascoltare meglio il senso profondo delle sue parole, capisci che “questa falsa democrazia ci fa sembrare tutti liberi ma in realtà non è così. Io adesso posso parlare, ma a chi interessa quello che devo dire? Nel mio paese la dittatura è prevalentemente economica”. Mentre in Polonia esiste una censura anche sulle idee artistiche: “I media sono controllati e nessuno può dire liberamente ciò che vuole” dice Ola. Ma cosa fare? Fuggire?

Venire in Italia? “Ogni paese ha le sue cose terribili. E io amo il mio paese.

Non voglio andarmene”. “Restare e combattere: è quello che voglio anche io” dice Simona. “D’altro canto, che cosa offriremmo noi a loro? – chiede Alessandra –. In Italia abbiamo una situazione completamente bloccata.

E se vogliamo parlare di questioni artistiche, c’è molta ipocrisia. Non ci vietano di dire che siamo per i diritti umani e civili, ma in realtà la mentalità è conservatrice, e dobbiamo lottare per il lavoro”. Per Anna Chiara, La Parola Padre è il primo spettacolo della sua vita. Prima faceva l’operaia.

“Mi sono licenziata, ho incontrato la realtà di Koreja e mi hanno offerto di

reportage, nel senso giornalistico della parola. Poi strada facendo, vedendo chi avevo di fronte, le persone, le storie, i racconti, i luoghi, ho pensato a un documentario, un filtro e un filo, uno sguardo che in qualche modo fosse anche film, non una fiction certo ma qualcosa ad essa, in ultima analisi, riconducibile”. Torn, allora, si iscrive in quel filone di cinema narrativo, dettato dai fatti e germogliato dalle circostanze, che trova in Italia esponenti di spicco: da Michelangelo Frammartino a Pietro Marcello a Elisabetta Sgarbi, fino a Gianfranco Rosi che dopo il Leone di Venezia 2013 con Sacro Gra si porta a casa anche L’orso della Berlinale 2016 per Fuocoammare. L’arte e la cultura.

Il percorso di Alessandro Gassmann, la luce, i volti di Torn, in qualche modo ci rassicurano. Perché ci dice una cosa: che la loro forza la spunterà alla fine sulla barbarie. E non saranno i muri, che quando non si sa come fare sono la cosa più facile da fare, a fermare la storia. Che è fatta di cammini, esodi, fughe, grandi manovre di popoli e genti. Per lui che si definisce “mezzo francese, un quarto italiano ebreo, un quarto tedesco”, un imprescindibile mezzo di conoscenza. “Questo viaggio in Giordania e in Libano, mi ha fatto riflettere su quanto la nostra parte del mondo sia fortunata. E al tempo stesso mi ha fatto anche sentire più utile, cosa che nel nostro lavoro accade di rado.

Al massimo imitiamo la realtà o ce ne inventiamo una che non esiste. Qui invece, per la prima volta, ho avuto a che fare con materia vera, che non poteva essere contraffatta, o riletta.

Le cose che ho visto non scivolano via. Nel campo di Zaatari in Giordania ottantacinquemila persone vivono nei container”.

Alessandro Gassmann continua il suo lavoro. Sa che non può cambiare il mondo ma forse aiutare a vederlo da una prospettiva più giusta. Questo è Torn. Un angolo di visuale. Una panoramica. Un taglio. “A ognuno il suo mestiere. Il mio è quello di fare sorridere, sognare, emozionare. E di raccontare storie, in un momento in cui raccontare la realtà ha una sua valenza molto importante”. La volontà di non arrendersi domina il lavoro di Gassmann e quello degli artisti che incontra. I due mondi incontrano.

Immagini forti, eloquenti, il dolore della diaspora e il bisogno di speranza.

Quello che rimbalza dal contrasto tra il bianco omologante dei container e la creatività che esplode al loro interno. Un po’ lo stesso che accade in Razzabastarda, la sua opera prima?

“C’è una forte attinenza fra quel film e questo documentario. Come lì, anche qui racconto fiori che nascono nelle macerie. Gli artisti con cui ho parlato non hanno mai smesso di lavorare, sono attivi, reattivi, non si piangono addosso.

Stanno creando un nucleo culturale che nutre una generazione di bambini che forse la Siria non l’ha neanche mai vista o comunque non se la ricorda più. È il tentativo di un popolo di non morire, di mantenere in vita la propria cultura, la propria tradizione”. Un film da vedere.

Ma che come spesso accade in questi casi il circuito distributivo, se non respinge, ignora.

in alto, La Parola Padre nella pagina accanto, Amleto a Gerusalemme con Marco Paolini 11

IL TEATRO E LE PERIFERIE

Il bello della periferia teatrale Riflessioni di e con Claudio Ascoli e Nicola Zavagli di Stefano De Martin* Uno spettacolo che si ripete ogni sera secondo riti sempre uguali, sempre identici a se stessi, non può più avere il nostro consenso. Abbiamo bisogno che lo spettacolo a cui assistiamo sia unico e che ci dia l’impressione di essere imprevisto e irripetibile come qualsiasi atto della vita, come qualsiasi avvenimento prodotto dalle circostanze.

Con questo teatro, insomma, ci ricolleghiamo alla vita invece di separarcene. (Antonin Artaud, Il teatro e il suo doppio)

Artaud ci aiuta a riconoscere e descrivere l’unico “teatro possibile”, quello della ricerca e della sperimentazione, anche quello “fuori di sé” delle strade, delle scuole, nelle piazze; quello che indaga gli interstizi delle nostre contraddizioni urbane, che vive in spazi marginali, lontano da ogni centro. Ci invita a smontare la dialettica “teatro/ periferie” dal punto di vista artistico (della contaminazione dei linguaggi performativi), geografico, culturale, in un sistema dove testa, gambe e pancia sono occupati dai grandi teatri di tradizione e dagli stabili; e dove residua al “piccolo cuore” produrre energia rinnovabile. Abbiamo assistito negli ultimi quarant’anni alla diffusione e legittimazione istituzionale di esperienze coraggiose, radicali, che sono riuscite ad accostare faticosamente nuovo pubblico alla ristretta cerchia degli addetti ai lavori pur ostacolate da un sistema frammentato, autoreferenziale, povero e scialacquone insieme, che fa acqua da più parti.

I “teatri delle periferie” sono sovente caratterizzati da forti identità artistiche e da ambiziosa ricerca culturale, da sottolineature politiche del proprio operare; da un pensiero disteso sul medio periodo (non è la stagione classica il punto di approdo); da una stanzialità responsabile con percorsi formativi, produzione di eventi intrecciati a ritualità metropolitane; da un rapporto a volte conflittuale con le strategie pubbliche locali, non solo in campo culturale (pensiamo alle risorse provenienti dal settore sanitario, sociale, della formazione).

Ambiti dunque che rimandano a “residenzialità artistiche” impegnate a produrre identità in/per un territorio.

Gettare uno sguardo sulle “periferie teatrali” del nostro sistema può aiutare a leggere in filigrana cosa sta al centro dei nostri territori e quali contenuti vengono altrimenti veicolati come “vincenti”, quali rapporti intercorrono tra potere politico e arte.

Nell’area fiorentina si è consolidato un articolato e ricco panorama di tali esperienze. Tra le storie più significative quella di Krypton al Teatro Studio di Scandicci (conclusasi a fine 2015 dopo 25 anni), quella di Chille de la Balanza a San Salvi, dei Teatri d’Imbarco al Teatro delle Spiagge nel quartiere delle Piagge, di Isole Comprese al Teatro 334 nel quartiere di Brozzi, dell’Associazione Teatro della Limonaia a Sesto Fiorentino, del Teatro delle Donne al Teatro Manzoni di Calenzano, dell’Archetipo al Teatro comunale dell’Antella.

Abbiamo incontrato due esperienze tra loro assai distanti: Nicola Zavagli, regista e direttore artistico, insieme a Beatrice Visibelli, del Teatro delle Spiagge e Claudio Ascoli, direttore artistico, insieme a Sissi Abbondanza, del Teatro di San Salvi.

Salvi come Auschwitz”, scrisse il noto antropologo Pietro Clemente, avviando un appassionato dibattito cittadino che, oltre al mondo della cultura, sta investendo l’urbanistica e l’economia locale, vista l’estensione dell’area (oggetto ora di un intervento di progettazione partecipata). A breve l’apertura del teatro accanto ai padiglioni occupati da Chille de la Balanza.

LE PIAGGE. Un teatro sopra un supermercato Nel 2002 nasce la compagnia Teatri d’Imbarco con una attenzione particolare rivolta all’approfondimento storico di grandi eventi del Novecento (per un Teatro della Memoria) e alla conseguente riflessione civile che da certi fatti ne consegue. Nel 2009 si insedia nel quartiere delle Piagge, lungo la via Pistoiese e sopra un grande supermercato, in uno spazio con 100 posti e ambienti per altre attività come la formazione teatrale e musicale, la danza, gli incontri pubblici. Da allora vengono progettate e realizzate campagne di sensibilizzazione su tematiche quali l’usura, il razzismo, la legalità che coinvolgono le realtà del quartiere (ma non solo). Viene proposta regolarmente una stagione di teatro ragazzi. Le produzioni della compagnia hanno una circuitazione nazionale, a volte debuttano in altri spazi cittadini.

Il recente La leggenda del pallavolista volante ha superato ad aprile 2016 le 100 repliche. La compagnia è nell’elenco delle residenze individuali della Regione Toscana con un contributo per il 2015 di trentottomila euro.

SAN SALVI. Un teatro dentro un manicomio Una storia sui generis è sicuramente rappresentata da Chille de la Balanza (antichi venditori di frutta e verdura che nel Seicento andavano nelle strade del centro antico raccogliendo storie e aneddoti che poi ri-narravano nelle osterie), compagnia di ricerca nata a Napoli nel 1973 e residente dal 1998, dopo una breve incursione a Pontassieve, in un padiglione dell’ex ospedale psichiatrico di San Salvi, su indicazione del suo ultimo direttore, Carmelo Pellicanò, che volle collegare l’uscita dei “matti” con l’ingresso della città nell’area.

Nacquero subito allora, quale esigenza di salvaguardia di quei luoghi e di quelle testimonianze di sofferenza, le passeggiate a San Salvi (esempio di “passeggiata patrimoniale”) che hanno coinvolto quarantaduemila spettatori nelle cinquecentocinquanta repliche che continuano a caratterizzare la loro programmazione artistica. Come conseguenza di questa attenzione nel 2010 nasce l’associazione per la Memoria viva di San Salvi “Carmelo Pellicanò”. Si tratta di “tutelare San

Periferia e creatività Ascoli La parola “periferia” ha un’accezione positiva in quanto si collega a un senso di “possibile libertà”; a un lavoro che vuole indagare percorsi inesplorati. Secondo noi la ricerca artistica deve darsi questa massima libertà e apertura. “Io non cerco, trovo”, diceva Picasso. La periferia “gode” di una disattenzione che permette una libertà creativa.

Firenze ha prodotto esperienze importanti proprio a partire da posizionamenti periferici sia dal punto di vista territoriale che artistico. San Salvi, che noi abbiamo scelto a fronte

12

di altre possibilità, ha una identità forte con cui ti devi confrontare e che non puoi buttare via ma da cui non ti devi far schiacciare. Puntare sul “teatro/ terapia”, ad esempio, sarebbe stato naturale e legittimo, ma abbiamo intrapreso altre strade che ancora, a distanza di diciotto anni, non sappiamo dove ci porteranno. La molteplicità delle proposte, delle curiosità sembrano andare apparentemente in direzioni contrastanti ma da “cosa nasce cosa”.

Il processo creativo si costruisce a partire da necessità interiori ma in percorsi “sotterranei” di ascolto, di letture politiche e sociali della nostra realtà; con continui cambi di marcia.

La “centralità della persona” per noi è il dogma su cui proviamo a misurarci.

Ci lasciamo comunque sempre molto innamorare dalle cose.

Zavagli L’idea è di fare un teatro “aperto alla città”, senza pensare a programmazioni localistiche, di quartiere. A Firenze non esistono “periferie”, esistono zone con delle criticità, delle difficoltà. Dovremmo allargare la visione della città e pensarla una, unica; dobbiamo cercare di nutrire i vissuti dei nostri cittadini, innaffiare la ricchezza di esperienze e di luoghi che ci sono anche alle Piagge.

La nostra compagnia cerca di indagare il quartiere, cerchiamo di raccontare le Piagge, anche la cosiddetta “periferia”, osservatorio privilegiato delle contraddizioni del nostro tempo, raccontare dunque le difficoltà ma anche le cose nuove che sorgono. È una ricchezza poter operare in una zona come questa.

Noi facciamo spettacoli che possono essere presentati in qualsiasi teatro nazionale, la logica è che la storia che racconti deve arrivare al cuore e all’intelligenza di tutti gli spettatori, non facciamo spettacoli ad hoc per un pubblico.

Potevamo insediarci in qualsiasi zona della città; non trattiamo la cosiddetta periferia come luogo dove andare a insegnare, a civilizzare, per contenerne l’emarginazione.

Non abbiamo mai avuto risorse per campagne promozionali a tappeto per far conoscere a tutti i centotrentamila abitanti del Quartiere 5 che esistiamo.

Noi abbiamo le risorse giusto per tenere aperto un avamposto dove

difendere la qualità, dove promuovere progetti virtuosi. Abbiamo lavorato tantissimo con la scuola Gandhi, con le scuole del territorio, abbiamo fatto progetti con le tante realtà del luogo.

C’è un osservatorio di una ricchezza assoluta; dobbiamo conoscere la realtà locale altrimenti ce la facciamo raccontare solo dai giornali che hanno l’obiettivo di sottolineare innanzitutto le problematiche. Io cammino nel quartiere, sto al bar della Conad sotto il nostro teatro, ascolto i pettegolezzi della strada; la strada va percorsa, va vissuta anche una via come via Pistoiese. Ci sono certo condomini tristemente noti come le Navi, ma accanto alle Navi ci sono realtà molto belle e vivaci come il Centro sociale di don Santoro.

COME ESSERE ARTISTI RESIDENTI Ascoli Non avvertiamo più un “momento generale dialogante”, come nel passato, ma cogliamo micro-individualità, micro-situazioni dialoganti che ci portano i propri vissuti, i propri progetti. Vengono a porci problemi, proposte, richieste.

Un pubblico variegato che vuole fare, esprimersi, che interpreta così il proprio protagonismo sociale. Avvertono questo come luogo di libertà. Le istituzioni ci vedono come luogo “non istituzionale”, borderline; ma pure le persone maturano la stessa sensazione e quando scoprono che abbiamo un rapporto con le istituzioni scattano meccanismi di pregiudizio antiistituzionale come se non ci si potesse fidare fino in fondo nemmeno del nostro lavoro (e dobbiamo rimotivare la nostra credibilità).

Questo pone il problema di cosa dev’essere una residenza teatrale che non significa centrare la nostra identità sul solo teatro, come vuole una vulgata istituzionale corrente. “Non essere solo un teatro” dà un senso di maggiore libertà e agibilità culturale. Il pubblico di San Salvi è completamente diverso rispetto ad altre realtà fiorentine, è come se venisse “in una casa”. Avverte un dinamismo che difficilmente si riscontra altrove, dove il teatro non viene percepito come appartenenza.

Un esempio è stata, dopo il tornado che ha devastato il giardino e alcuni edifici di San Salvi, la felice mobilitazione attuata dal teatro per la raccolta di soldi e di lavoro volontario per ripristinare le strutture. La logica di una residenza teatrale non dovrebbe avere come punto di riferimento solo il teatro, ma contemplarlo insieme ad altro.

Zavagli Il nostro progetto di residenza intende proseguire sulla linea praticata in questi anni: un teatro radicato nella sua città, nel luogo dove opera, che si nutre del territorio per veicolare anche altrove la propria ricerca.

Credo che una residenza debba fare formazione, lavorare con le persone in maniera onesta per veicolare la passione di fare e vedere teatro. Non riesco a pensare a un progetto se non in termini di pura arte, non posso farmi mangiare dall’imprenditore o dall’operatore culturale. Partiamo da quello che sappiamo fare: rimanere artisti fino nel profondo. Non siamo esercenti. L’arte ha bisogno di soldi certo, ed è una preoccupazione. Io incontro artisti che parlano però solo di soldi, di progetti per come trovare dieci mila euro. È una malattia diffusa, ci siamo un po’ tutti ammalati.

Le indagini sulla “memoria della città”, sulla “famiglia”, sul “tema dello sport” continuano a vivere. È più semplice pensare alle trilogie, a linee guida.

Mi piacerebbe capire di più la questione della “formazione dei cittadini”. Capire il luogo degli insegnanti, le loro frustrazioni, le

difficoltà, il rapporto con l’adolescenza e con i genitori degli adolescenti. La scuola è coperta da una mega retorica politica, vorrei indagare i meccanismi della formazione dell’essere umano, con disincanto ma con un amore infinito nei confronti dei soggetti che abitano la scuola. È un mio dato biografico che vorrei indagare anche dal punto di vista artistico.

COSA CERCA IL PUBBLICO Ascoli Avvertiamo una progressiva difficoltà nel tenere desto il legame tra persone e spazio condiviso. La quantità di pubblico aumenta, ma decresce la partecipazione assidua e attenta delle persone che tendono a “consumare” anche uno spazio come questo. Anni addietro il percorso da spettatore a spettATTORE infine ad attore (il lavoro di formazione) era più facile e lineare; oggi stiamo soffrendo del “male oscuro” dell’autoreferenzialità delle cose. È come se fosse venuto meno, improvvisamente, un alfabeto comune. La dimensione virtuale nei nostri rapporti, il format televisivo importato anche in teatro, stanno agendo negativamente. Le proposte più accattivanti risultano quelle dove mettiamo in campo dispositivi esperenziali coinvolgenti, dove lo spettatore viene investito anche fisicamente dal teatro; in spazi articolati; come se dovessimo operare una sorta di training sullo spettatore.

L’evento, dunque, la particolarità, l’irripetibile, una reinvenzione che trasmetta piacere fisico allo spettatore.

Altre periferie

Vive, moderne, centri del futuro di Tommaso Chimenti

Zavagli Registriamo una rotazione del pubblico a seconda delle proposte ma anche una fidelizzazione di un pubblico, non necessariamente ristretto al quartiere, che frequenta spazi come la Pergola o Rifredi. Il lavoro che facciamo è di coltivare ogni singolo spettatore. È un teatro da 100 posti e non possiamo snobbare nessuno. È talmente ravvicinato il pubblico alla scena che percepisci quando ‘entra’ nello spettacolo. Il pubblico è essenziale per l’artista e questo rapporto viene esaltato proprio dalla intimità del piccolo spazio. Il nostro è un tipico teatro off che offre spettacoli più piccoli, essenziali, dove tutto viene giocato sulla potenza narrativa della storia e la forza interpretativa degli attori. A noi interessa scandagliare ed offrire il nostro mondo poetico; da quattordici anni abbiamo cercato di lavorare sulla memoria della città, convinti che con questo materiale puoi parlare a ogni tipo di pubblico nazionale. I nostri spettacoli funzionano a Roma o Milano.

Qualsiasi artista, che si definisca tale, fa così, guarda Eduardo.

Quasi duecento i teatri toscani, una piccola folla, un piccolo esercito di parole e gesti, ricerca e classici, storie e racconti che “invadono” molto pacificamente il nostro territorio da Carrara fino a Grosseto per lungo, da Pisa ad Arezzo per largo in questo triangolo chiamato Toscana. Ma il teatro sono anche i progetti che riescono a inglobare e a interessare la comunità intorno, le persone che ne restano coinvolte, le idee che da lì escono e trasformano un pezzetto di società con dubbi, riflessioni, prese di coscienza, nuove consapevolezze.

Abbiamo scelto alcuni centri che negli anni, con le loro attività, hanno sorpreso positivamente e favorevolmente, creando un terreno comune, un humus, un habitat, dimostrando che un luogo può produrre esponenzialmente energie.

Pontedera, con l’esperienza di Roberto Bacci e soci, nel tempo non è più soltanto sinonimo della Piaggio; Prato, dopo Ronconi e Castri, non è più soltanto un polo laniero di telai.

Il teatro cambia le geometrie e le geografie, muta le prospettive, migliora le periferie. Quelle periferie che, come diceva Renzo Piano e mutuato poi da Giancarlo Cauteruccio, “saranno il centro del futuro”, perché vive, attive, contemporanee, mai scontate.

Partendo dalla provincia di Firenze abbiamo individuato nel Teatro Manzoni di Calenzano (teatrodelledonne.com) un centro di impulso per la nuova drammaturgia, al femminile, prima con la spinta di Dacia Maraini poi di Stefano Massini. Una delle poche scuole che indirizzano gli allievi alla scrittura scenica.

A Brozzi, sulla linea di confine del territorio a ovest di Firenze, troviamo il Teatro 334, una realtà di teatro sociale, teatro-comunità gestito dalla compagnia Isole Comprese Teatro (fondata da Alessandro Fantechi e Elena Turchi). Un luogo di aggregazione giovanile e di prevenzione al disagio con laboratori, spettacoli, formazione e produzioni sostenute anche dalle associazioni del territorio.

Quindi ci spostiamo ai Macelli di Certaldo. La città di Boccaccio, conosciuta anche fuori dai confini nazionali per il festival Mercantia, ospita questo luogo-capannone (imacelli.it), finanziato da illuminate aziende, imprese e privati cittadini. Nel tempo ha assunto una sua importanza per le proposte tra narrazione, musica, danza, sperimentazione, ma anche workshop, grazie alla possibilità di offrire ospitalità, residenze e produzioni.

Spostandoci nella provincia di Prato, a Montemurlo troviamo La Gualchiera, spazio culturale polifunzionale, ex fabbrica del tessile, oggi crocevia di laboratori teatrali, spettacoli,

Riflessioni a distanza di due militanti impegnati a raccontare il nostro presente con onestà, radicalità, pazienza. Le categorie di Periferia, Residenza artistica, Pubblico risuonano assai diversamente nel breve tragitto tra San Salvi e le Piagge. Il rito del teatro sa affascinarci perché parla lingue differenti e perché reclama comunque, per essere davvero necessario, “un’adesione intima, profonda”. *sociologo, direttore di Scandicci Cultura (2009-2016), dal 2010 dirigente dei servizi alla persona del Comune di Scandicci. sotto, il Teatro delle Spiagge nella pagina accanto, l’ex cinema teatro di San Salvi. Costruito nel periodo fascista, chiuso negli anni Sessanta e riaperto negli anni Settanta, oggi è stato vincolato dalle Belle Arti perché torni alla sua funzione originaria. Una sfida, un impegno per Claudio Ascoli.

13

conferenze, incontri, mostre. Nel 2008 ha istituito il premio teatrale per giovani realtà, Young Station (gualchiera.it).

Dopo Firenze e Prato ci spostiamo sul versante tirrenico, nella provincia di Lucca, a Vorno, dove troviamo la Tenuta dello Scompiglio (delloscompiglio.org). In un luogo magico immerso nel verde Lo Scompiglio miscela competenze, professionalità e linguaggi per creare un impasto di performance, quest’anno definite “Assemblaggi Provvisori”. Uno spazio dal sapore berlinese o francese, votato all’incrocio fra dinamiche e arti differenti, dove settimanalmente arrivano compagnie e artisti internazionali, un luogo ideale per la creazione originale.

Più incentrato sulla danza contemporanea è lo Spam del coreografo piemontese Roberto Castello (spamweb.it) aperto a Porcari da una decina d’anni. Residenza della compagnia Aldes è anche centro di aggregazione e rete territoriale per le realtà culturali di Lucca, Porcari, Viareggio, Massarosa, Pietrasanta. Tra le residenze del 2015 figurano quelle di Quotidiana.com, Teatro Dell’Elce, If Prana e Giacomo Verde.

Poi si apre il mare: Pisa e Livorno.

La prima, più fervida, sforna da anni compagnie e realtà teatrali ideali: i Sacchi di Sabbia al Teatro Sant’Andrea e, nella provincia, la già citata Pontedera, ma anche la vicina Cascina e il Teatro di Buti di Dario Marconcini.

A Bientina raccontiamo del Teatro delle Sfide (guasconeteatro.it), nome perfetto per la scommessa vinta da Andrea Kaemmerle, allievo di Carlo Monni, che ha in gestione anche il Teatro Verdi di Casciana Terme, doppio impegno, doppia bravura. Da dieci anni riesce a portare nella provincia spettacoli e artisti che fanno divertire e creano affiatamento con il territorio.

Nella città di Piero Ciampi e Bobo Rondelli, di Modigliani e Mascagni, troviamo il Nuovo Teatro delle Commedie (nuovoteatrodellecommedie. it) e Il Grattacielo (livornoteatro.it) che s’innalza per integrare l’offerta del territorio. Teatro, formazione, produzioni e quest’anno anche Virgilio Sieni che qui ha condotto il suo laboratorio-seminario I Cantieri del Gesto.

Piccole realtà crescono, sperando che la morsa della riforma dei Teatri Nazionali non li consideri rami secchi da epurare.

Tenuta Dello Scompiglio, Vorno, Capannori (Lucca), SPE - Spazio Performatico ed Espositivo. nella foto in alto, Trittico della giovinezza angelica, 2016 di Luigi Presicce.

Performance per uno spettatore alla volta, accompagnato (foto Dario Lasagni, courtesy l’artista e Associazione Culturale Dello Scompiglio).

MAESTRI DEL TEATRO: MIMMO CUTICCHIO

Il Cunto e i pupi fra passato e presente di Valentina Venturini

“E ora, signuri mei, ddocu a lassu, e n’autra vota va cuntu”...

Lo spettacolo è finito, le luci si accendono, ma gli occhi di molti restano nel mondo di meraviglia che l’attore narratore ha saputo creare nelle loro menti.

Ogni sera Mimmo Cuticchio racconta una storia, servendosi dei suoi pupi, di una spada di legno e di una camicia bianca; e ogni sera la fantasia dello spettatore si accende per ricreare i mondi della memoria, assecondando gli accenti del narratore, le sue parole spezzate in briciole di fuoco, le apparizioni sapientemente suscitate.

Le storie variano di spettacolo in spettacolo, quello che non cambia è la linea sulla quale vive l’arte di Cuticchio, la sua traccia materiale fatta di pupi, di spade di legno o d’argento, del battito del piede, dei silenzi e dell’impennarsi della voce. Sono gli strumenti tradizionali dei contastorie del Cunto e dei pupari, quelli che segnano le premure, gli appoggi e le sortite fra le quali viaggia Cuticchio: non come passeggero da un’arte all’altra, ma come nomade verso una terra nuova, quasi un paese, in cui vive e si concentra il suo teatro.

Mimmo Cuticchio nasce da una famiglia di pupari di Palermo: il padre fu grande maestro di quest’arte; il nonno, che Mimmo definisce “più teatrinaro che oprante”, gestiva un teatrino di pupi; la madre ideava scene e costumi, ma sopratutto dipingeva, con tocco straordinario, cartelli, cartelloni, fondali e sipari; i fratelli, sette con lui, aiutavano nell’arte dei pupi apprendendone le tecniche. Cuticchio muove i primi passi nel solco di questa tradizione per accorgersi, presto, che se di quella tradizione avesse coltivato solo i rami, senza scendere alle radici accogliendone tutte le implicazioni e ricercandone i segreti, la tradizione sarebbe vissuta in lui come un albero senza frutti: ne avrebbe ricavato successo, forse, ma sarebbe stato un successo lasciato a se stesso.

Spinto dalla necessità di conservare ma insieme di far propria la tradizione di famiglia, Cuticchio crea un suo linguaggio scenico recuperando le ragioni e i modi secondo cui quel patrimonio di regole, vivo in suo padre, era stato creato.

Lavorando accanto al padre-maestro Giacomo, il figlio-allievo impara, oltre che il rispetto per le regole, la legge

della lotta nella vita e nel mondo difficile di far spettacolo. Non soltanto il senso della tradizione, di una tradizione da amare e rispettare, da possedere e dominare, quanto la necessità di confrontarsi con il proprio passato per non esser confuso nel proprio presente. E allora Cuticchio figlio decide di oltrepassare la tradizione paterna col farne propria un’altra: e va ad imparare il Cunto da Peppino Celano, cuntista, puparo, costruttore di pupi e “cantalanotte”, antico mestiere praticato a Palermo fino alla seconda metà del Novecento appannaggio dei pochi che, con il loro gridare sussurrato, erano capaci di svegliare, alle prime luci dell’aurora, solo chi doveva alzarsi cullando, invece, chi poteva prolungare il sonno.

Così Cuticchio si costruisce una sua tradizione usando insieme Opera dei pupi e Cunto, e crea un nuovo genere teatrale, con l’accortezza di non confondere forme tanto diverse, di non gettarle alla rinfusa, ma di accostarle, farle risuonare l’una nel corpo dell’altra, spingendole in un territorio in cui una è arricchimento dell’altra.

Da qui ha inizio la “vita nell’arte” di Cuticchio: nella tradizione, o meglio nelle tradizioni (Pupi e Cunto) e nella loro reinvenzione. Attraverso questo scarto, Cuticchio si crea un’identità forte, capace di imporsi sulle altre realtà del cosiddetto “teatro di figura” e direttamente sull’universo teatrale.

Un’identità teatrale complessa che ha anche i pupi ma che nasce e ritorna sul corpo dell’attore, e vive nell’incanto della sua voce.

Cominciato col segno della croce, al quale l’uditorio “divotamente” si scopriva, il Cunto (l’antica narrazione siciliana a puntate delle gesta cavalleresche) durava un paio d’ore.

Protagonista ed eroe, maestro guida e “padre” spirituale, il cuntista: “testa, braccia, gambe, tutto deve prender parte al racconto; la mimica essendo parte essenziale del lavoro del narratore – annotava diligentemente il Pitrè nel 1884 –. Sopra una specie di predella, che fa da bigoncia, o pergamo, o tribuna, o palcoscenico... sulla quale si possa muovere, il contastorie coi movimenti degli occhi, della bocca, delle braccia, de’ piedi, conduce i suoi personaggi, li presenta, li fa parlare come ragion vuole; ne ripete per punto e per virgola i discorsi, ne declama le aringhe; fa schierare in battaglia i

soldati, li fa venire a zuffa agitando violentemente le mani e pestando coi piedi come se si trattasse di zuffa vera e reale. In tanta concitazione, egli dà un passo addietro, un altro in avanti, levando in alto, quanto più alto può, i pugni chiusi e slungando e piegando convulsamente le braccia.

Il bollore cresce: gli occhi dell’oratore si spalancano, le nari si dilatano per la frequenza del respiro, che sempre più concitata fa la parola. I piedi alternativamente battono il suolo, che pel vuoto che c’è sotto rintrona; alternansi i movimenti di va e vieni delle braccia, e, tra mozze parole e tronchi accenti, muore chi ha da morire, ed il racconto, monotono sempre, ritorna calmo come se nessuno fosse morto, come se duecento, quattrocento uditori non fossero stati sospesi, palpitanti, crudelmente incerti dell’esito della pugna, pendendo dalle labbra dell’infocato narratore”.

Più di cento anni ci separano da questo scritto, ma se si ha la ventura di assistere al cunto di Mimmo Cuticchio il tempo sembra essersi fermato. La pedana (che nel chiuso dei teatri è, ovviamente, il palcoscenico), la spada, l’alternanza di racconto e personalizzazione della storia, di prosa e poesia, l’andare ora lento ora sincopato della voce, la cantilena ritmata che spezza le parole, gli occhi chiusi quando il racconto raggiunge l’acme (che spesso coincide con la narrazione della battaglia) e la declamazione è concitatissima, la calma che scende quando, sul finire del racconto, il ritmo ritorna normale e gli occhi si aprono e cercano un contatto col pubblico.

Ad essere cambiate sono le modalità di fruizione del Cunto, oggi non più appuntamento fisso dedicato in primis ad un pubblico di habitués, ma evento costruito e fruito come accadimento straordinario, spettacolo proposto a un pubblico eterogeneo. E con esse, conseguentemente, è mutata anche la composizione degli intrecci e l’abitudine di diluire il racconto in un ciclo di puntate. E la storia viene raccontata, tutta, nello spazio di una rappresentazione. Ancora oggi però, come alle soglie dell’Ottocento, quello che caratterizza l’arte del cuntista non è tanto la conoscenza della materia cavalleresca. La maestria sta nello strutturare il racconto secondo una strategia capace di regolare 14

gli strumenti della recitazione sulle attese del pubblico, e, di conseguenza, accordare gli eventi narrati con lo svolgersi della performance narrativa.

Oggi in Cuticchio il Cunto è, oltre che arte del racconto dei paladini, una tecnica che il maestro usa per narrare anche storie e fatti di attualità. E il cuntista, oggi come ieri, è la divinità che crea e governa tutti gli eroi, le voci, i prodigi. Che spesso prendono corpo, alla vista del pubblico, nel legno dei pupi che il narratore usa come compagni di scena e di viaggio.

Tramite il suo Cunto universale, Cuticchio torna a far intravedere al pubblico, questo sì spesso diventato di legno, sogni, sentimenti e angosce come un attore circondato dai suoi indispensabili consiglieri.

Cuticchio ragiona come un regista e la sua arte è una visione prospettica che può essere concepita solo dalla mente di un grande apparatore. Quel suo decostruire la macchina scenica e farsi pupo fra i pupi è il frutto di una visione cinestetica trasparente propria di un regista al lavoro in piedi fra i suoi attori: si serve dei pupi e del cunto non più per velare la loro realtà artificiale, ma per rivelarla.

Quello di Cuticchio è un teatro che va oltre il “come se” perché il suo intento non è la carne, né il legno ma la necessità di destare una “volontaria sospensione dell’incredulità”. Di questo è fatto il suo teatro: dipende da un atto volontario dello spettatore di credere in quello che vede per il tempo che dura il prodigioso intervallo. Nei pupi fatti di cunti e nel puparo-cuntista che rompe l’illusione del pupo uscendo fuori dal teatrino come Polifemo tra i compagni di Ulisse. La magia è tutta là, in quell’atto volontario di fede compiuto in simbiosi con i suoi spettatori.

IL TEATRO

Versilia, Lucchesia, Garfagnana Viaggio fra i “piccoli” teatri nella provincia di Lucca di Andrea Porcheddu

Si può raccontare un territorio attraverso il suo teatro? Credo di sì. È un accesso non convenzionale, un approccio che può portare lontano dalle solite rotte: i teatri possono essere un valido baedeker per capire la storia, la gente, la realtà. Il teatro, intanto, è un luogo, un edificio. Mi piace pensare che quel bel dipinto che è La città ideale del Laurana (o chi per lui) preveda, là sulla destra, un teatro con i suoi bei portici per il pubblico.

Questi spazi, da sempre centrali nel contesto urbano italiano, sono architetture uniche, spesso realizzate da artigiani o mastri d’ascia di grande qualità. Ogni città ha il suo teatro nella piazza principale: fanno parte della storia della città italiana. Con le facciate imponenti e le arcate accoglienti, con i lampadari enormi e le pareti affrescate; oppure piccoli, quasi nascosti, che si svelano nella loro meraviglia solo una volta entrati, passate quelle porte che schiudono a un mondo. I teatri raccontano lo sviluppo architettonico e umano, svelano tracce di civiltà passate, di tecniche costruttive capaci di coniugare raffinata manifattura e innovazione tecnologica. I teatri sono anche il “salotto” della città: creati da Accademici, dalla buona borghesia, oppure da “appassionati” disposti a tutto pur di avere il proprio luogo consacrato alle arti. Sono specchio della società: ne riflettono bellezze e storture, vitalità e tensioni, prospettive e memorie. I teatri sono l’anima delle città.

Allora, si può provare a scoprire un paese non solo andando per musei o ristoranti, ma anche – ne sono certo – per teatri. A me è capitato, girovagando per la Versilia, la Lucchesia e la Garfagnana. Vale la pena arrampicarsi nell’entroterra, sfilare accanto alle Apuane, per raggiungere quei borghi di raro fascino. È una zona appartata, che si svela gradualmente, solo a chi vuole: fuori dai giri turistici della costa, lontana dagli splendori cittadini di Lucca.

Un itinerario, da fare certo lentamente, con calma, può partire dopo aver

fatto che sia stato voluto fermamente dai montercarlesi, dapprima costituiti nella Accademia degli Assicurati (nel 1702), mutata in Accademia dei Rassicurati nel 1795, quando l’edificio fu ristrutturato e prese l’attuale nome. È bello, però, che nel 1968 – quando il teatro, nell’incuria politica del dopoguerra, rischiò di chiudere –, i cittadini si opposero e ne chiesero anzi, a gran voce, il restauro che portò alla riapertura cinque anni dopo. Sulle tavole del piccolo palcoscenico sono passati tantissimi artisti tra prosa e lirica: un’infinita varietà di emozioni che ancora oggi lasciano senza fiato.

E la stagione è all’altezza di tanta storia: tra gli appuntamenti Alessandro Benvenuti, Le intellettuali di Molière con la regia di Monica Conti, e Aniello Arena, l’attore (ex) detenuto di Volterra diretto da Armando Punzo, danno nuovo slancio ai Rassicurati.

Per arrivare a Bagni di Lucca ci vuole un’oretta in auto. Qua, dice la Storia, vennero Cesare, Pompeo e Crasso dopo essersi spartiti il mondo: non si sa se è vero, ma certo negli stabilimenti termali si sono riposati in tanti. Wikipedia cita Metternich, Rossini, Puccini, Byron, Carducci, Montale e, soprattutto, il grande Montaigne, che fu a Bagni di Lucca nel 1581 ed è diventato nume tutelare del luogo. Non male come santo protettore: all’autore dei famosi Saggi è intitolata anche una fondazione molto attiva. È naturale che in un simile turbinio di eccellenze e in tanto illustre passato, non potesse mancare il teatro.

Nel 1790 sono ancora una volta degli Accademici (l’Accademia dei Provvidi,

cinema e palco per l’avanspettacolo, chiuso durante il conflitto, e finalmente riaperto nel 2003. La stagione teatrale, tra classici e contemporanei, si è aperta con Marco Paolini e si chiude con un vivacissimo gruppo, Teatridilina, dall’acuta cifra comico-grottesca.

Poi si tratta di prendere la macchina, spingersi verso l’interno, costeggiare Torre del Lago, tempio del festival pucciniano, e arrivare fino ad Altopascio, per trovare il teatro dedicato proprio al compositore. Il Teatro Puccini di Altopascio racconta un’altra storia: se a Camaiore furono

gli Accademici a dar vita al teatro, qui è stato un visionario commerciante, Andrea Orsucci, a volerlo con tutte le sue forze. Appassionato di musica e cinema, Orsucci proiettava i primi film muti dell’epoca e li accompagnava personalmente al pianoforte. Il cinema teatro è rimasto nella proprietà della famiglia di Orsucci fino agli anni Sessanta, quando divenne esclusivamente sala cinematografica, salvo poi chiudere nel 1984. Acquisito dal Comune diventa una sala moderna, funzionale, dove si alternano cinema blockbuster, teatro di intrattenimento e cineforum. Ma, si sa, la storia ama nascondersi: e al Puccini ancora si avverte, qua e là, lo spirito battagliero e poetico del fondatore.

A poco più di dieci minuti d’auto da Altopascio, passando per Collodi, c’è il suggestivo borgo di Montecarlo. Vale la pena fermarsi. Non solo per la bellezza del luogo, ma perché c’è il Teatro dei Rassicurati. È una meraviglia.

Minuscolo, in tutto sono 200 posti, ma perfetto con il suo duplice ordine di palchi, con i suoi colori rosa, celeste e rosso, con un’armonia unica che risale ai primi anni del Settecento. La cosa intrigante nella storia di questo teatro, oltre all’aspetto finissimo, è il

questa volta) a volere la costruzione dello spazio destinato a prosa e musica.

Con quella sua bella facciata, immersa nel verde nel centro della città, il piccolo Teatro Accademico vanta 300 posti. Sapore d’antan, quasi un’eco di mitteleuropa, con quel clima da bagni termali che fa tanto elegante “fin de siècle”.

Ma il nostro viaggio non è finito.

Si tratta di salire ancora un po’, di spingerci ancora più verso l’interno, di fronteggiare il bellissimo Ponte del Diavolo, carico di leggende misteriose, o di scrutare il profilo delle Apuane con il cosiddetto “uomo morto”. Arrivati a Barga all’ora dell’aperitivo ci si può fermare all’antico caffè Capretz e, se si ha fortuna, si trova spazio nella terrazza da cui ammirare il piccolo e meraviglioso paese e le montagne, laggiù, imponenti e indifferenti.

Nell’aprile del 1668 l’Accademia degli Indifferenti (che presto mutò nome in Accademia dei Differenti) diede vita alla costruzione del teatro, completato nel 1689, successivamente distrutto e ricostruito con l’attuale struttura all’italiana: tre ordini di palchi e platea per un totale di 280 posti. E sono belle le decorazioni del Fontanesi,

pranzato con una bistecca all’osteria dello Spietato di Camaiore. Chi ce la fa, può incamminarsi fino al corso Vittorio e scoprire il Teatro dell’Olivo. Una piccola meraviglia che risale a metà Seicento, quando un gruppo di colti cittadini si costituì nell’Accademia dei Deboli e trasformò un lanificio in teatro.

Era l’epoca d’oro della Commedia dell’Arte e l’inizio di quello che sarebbe diventato il teatro d’Opera, “inventato” a Firenze dalla Camerata dei Bardi pochi decenni prima. Due ordini di palchi e una galleria, la minuscola platea fanno del Teatro dell’Olivo uno spazio di grande suggestione che, come tanti altri spazi simili, ha vissuto la tipica parabola del Novecento: attivo fino agli anni Quaranta anche come 15

scenografo tra i più attivi del Settecento italiano. Ma qua siamo in pieno regno di Giovanni Pascoli: di casa tra Barga e Castelvecchio, il poeta svelò il suo interventismo per la campagna di Libia (allora come oggi, si trattava di andar

a far la guerra libica) proprio al Teatro dei Differenti. Come da tradizione, l’offerta di spettacoli del teatro di Barga alterna prosa e concerti. E uscendo da uno spettacolo, chi avesse forza e voglia, può arrampicarsi sulla ripida scalinata davanti il teatro e arrivare fino al duomo, per godersi la vista mozzafiato che Barga regala.

Dopo Montaigne e Pascoli, a Castelnuovo di Garfagnana ci si imbatte in un’altra autorità: Ludovico Ariosto. C’è una rocca, a lui dedicata, che lo ospitò dal 1522 al 1525, quando il poeta fu governatore di Castelnuovo per conto degli Este di Ferrara, che estendevano qui il loro dominio. Il bel teatro comunale, però, è stato intitolato nel dopoguerra a Vittorio Alfieri: spazio più “giovane” degli altri della zona (è infatti databile al 1860), il Teatro Alfieri evoca nella struttura e nella capienza il più prestigioso Teatro del Giglio di Lucca.

Il viaggio attraverso i paesi di quest’angolo di Toscana mi ha fatto attraversare i secoli: ha raccontato la storia di persone – uomini e donne – che hanno voluto, vissuto, conosciuto il teatro. Ha raccontato di artisti famosi e di altri meno noti o addirittura sconosciuti – quei guitti, quegli scavalcamontagne che recitarono su questi palcoscenici. Ha svelato sogni, tesori, misteri e ha mostrato quanto e come i teatri siano parte della (nostra) vita. E dunque non ci resta che andare in cerca di qualche piatto di polenta della Garfagnana, di quel tipo speciale che fanno solo qua.

segue dalla prima

Il teatro educa la convivenza il fenomeno di giovani artisti che vanno a cercar fortuna all’estero.

Ognuno può trarre le proprie conclusioni. Ho raccontato la storia di Djihad senza la pretesa di fare la morale a nessuno. Ma è evidente che la legge sul teatro, così com’è, non funziona e non prepara il futuro. Al massimo conserva, con sempre meno cura e mezzi, un pezzo del passato.

Certo il problema è assai più generale, in un paese che ha smesso di guardare all’avvenire e alle nuove generazioni.

Siamo la nazione con il più basso indice di laureati d’Europa, il secondo per disoccupazione giovanile, dopo la Grecia. Segno che non riusciamo a trovare lavoro neppure ai pochi laureati che abbiamo. Colpa di un sistema

Scuola, portatrice sana di teatro e cinema

produttivo invecchiato e imbolsito che non vuole correggersi e di una politica che continua a tagliare investimenti sulla ricerca, l’istruzione, la formazione, l’innovazione. La più colta generazione italiana di tutti i tempi, per scolarità e consumi culturali, dati e non pregiudizi alla mano, è anche la più maltrattata dal dopoguerra. A questa situazione la classe dirigente, che è naturalmente fra le più vecchie del continente, reagisce con rimozione e a volte, incredibilmente, rovesciando proprio sulle vittime accuse ingiuste – ricordate il “choosy” della ministra Fornero?

– mentre dovrebbe capire la gravità della questione e agire di conseguenza.

Nonostante questa mancanza di visione, i giovani italiani riescono a ottenere risultati a volte straordinari in tutti i settori, compreso il nostro teatro.

Ma un Saidi italo marocchino, invece che nato a Schaerbeek, quando mai troverebbe qualcuno disposto a credere e a investire nel suo talento?

Curzio Maltese

L’amministrazione regionale da anni investe risorse nell’ambito dello spettacolo, anche sotto il profilo didattico; infatti, è noto quanto l’impiego della recitazione costituisca uno strumento privilegiato della pedagogia. Grazie alla messa in scena di uno spettacolo si possono costruire momenti fondamentali di aggregazione e di condivisione di linguaggi individuali e collettivi, anche in presenza di studenti con bisogni educativi particolari. L’influenza sui ragazzi, sia che vivano questa esperienza da semplici spettatori, sia ancor più che vengano coinvolti come attori, scenografi, costumisti, fonici, è un aspetto da non sottovalutare nell’esperienza formativa, anche sotto il profilo della promozione, dell’integrazione ed inclusione di alunni disabili e stranieri.

A tal proposito mi preme ricordare i progetti educativi zonali (PEZ), strumenti integrati volti al contrasto della dispersione e del disagio scolastico, che possono essere utilizzati per la costruzione di attività laboratoriali che adoperano metodologie espressive.

Ricordo inoltre che la scelta di implementare i programmi scolastici con attività inerenti lo spettacolo è stata incoraggiata dal decreto della “Buona scuola”, dove espressamente si prevede la promozione e la diffusione della cultura umanistica e la valorizzazione del patrimonio e della produzione culturale, musicale, teatrale, coreutica, cinematografica e il sostegno della creatività connessa alla sfera estetica, a cui segue uno specifico protocollo di attuazione di tali attività tra il Miur ed il Mibact.

Come assessore regionale all’Istruzione e formazione sono consapevole di quanto fervido e innovativo sia il tessuto artistico presente in Toscana, fatto di associazioni e compagnie

ADDIO A UMBERTO ECO

Nella pagina satirica, nel grande romanzo, nel saggio di costume (mitico quello su Mike Buongiorno), o nei giochi enigmistici risplendeva sempre la scintilla del grande intellettuale europeo. Il suo sguardo di semiologo attento a tutti i fenomeni sociali, laico, non accademico e non gerarchico, moderno, colto e popolare insieme, ci mancherà molto.

Come (forse) sarebbe piaciuto a lui, sullo stille di pagine irresistibili come Povero Pinocchio, lo salutiamo con un tautogramma.

Eccellente Eco enciclopedico erudito elzevirista esilarante enigmista eterodosso.

editore Fondazione Toscana Spettacolo onlus

vice direttore vicario Maria Iannuzzi

via Santa Reparata 10a 50129 Firenze tel. 055 219851 rivista@toscanaspettacolo.it redazione@toscanaspettacolo.it www.toscanaspettacolo.it

progetto grafico e impaginazione Gian Luca Vignozzi I rapporti con gli autori degli articoli e dei contributi pubblicati su Il teatro e il mondo sono regolati con licenza Creative Commons - Attribuzione 3.0 - Italia La rivista è in vendita in alcune librerie selezionate. L’elenco è su www.toscanaspettacolo.it La rivista è scaricabile in formato elettronico dal sito www.toscanaspettacolo.it (versione web su piattaforma open source)

stampa Arti Grafiche Nencini srl, via Campania 6 53036 Poggibonsi (SI) hanno collaborato a questo numero Guido Bartoli, Mario Bianchi, Tommaso Chimenti, Stefano De Martin, Cristina Grieco, Katia Ippaso, Frida Nacinovich, Loredana Perissinotto, Silvia Poletti, Andrea Porcheddu, Gabriele Rizza, Rodolfo Sacchettini, Sergio Staino, Duccio Tronci, Valentina Venturini, Vincino, Gherardo Vitali Rosati

A maggio, dal 19 al 21, la città di Siena ospita due importanti eventi per il teatro nazionale: il forum delle Buone Pratiche del Teatro, nell’ambito de “Lo spettacolo dal vivo oltre il decreto”, sul tema “Lo spettacolo in Toscana: che cosa cambia” e la fase finale del progetto di teatro emergente In-Box. Nella mattina di giovedì 19 maggio, a Palazzo Patrizi, si radunano operatori, artisti, tecnici, politici e amministratori per discutere sui cambiamenti intervenuti a livello nazionale e regionale dopo il decreto Mibact del 1 luglio 2014. Coordinati da Mimma Gallina e Oliviero Ponte di Pino gli interventi indagano i primi

(b.m.)

direttore Curzio Maltese

segreteria di redazione Rebecca Polidori

Siena crocevia del teatro con Le Buone Pratiche e In-Box

Esordisti educando emuli emiliani, eppoi esaminando – esatto esegeta – eclettici epifenomeni ed epocali epifanie.

Estesamente elaborando eponimo, erbacea escrescenza, esauristi edizioni ed – eureka! – enumerasti esponenziali encomi.

Ex-aequo esplorasti endecasillabi ellenici, e-book elettronici, epigrafia e ermeneutica, esoterismo ed estetica ellenistica, Epicuro ed ET, Eliot ed Enzasampò.

Espressamente escludesti ecclesiastiche esequie ed encomiastici eventi.

Erediteranno esempio?

teatrali, che creano e sperimentano forme artistiche sempre più moderne e d’avanguardia, anche attraverso l’uso di strumenti tecnologici, tecniche visive, olfattive e tattili che riescono a stupire e a coinvolgere i nostri ragazzi, che sappiamo aver bisogno e necessità di stimoli continuamente nuovi per essere invogliati e incoraggiati alla partecipazione. E sono altrettanto consapevole di quanto invece le istituzioni siano meno pronte a recepire in tempo reale nuove proposte e idee. Ma sono fiduciosa che grazie alla positiva evoluzione che sta avvenendo all’interno del sistema scolastico, del personale docente che con costanza e dedizione propone nuove idee, collaborazioni ed attività sperimentali nel programma scolastico, si possa riuscire a riallineare questo disequilibrio, riuscendo così a cogliere e a reagire alle proposte che emergono in campo artistico e culturale, rispondendo così ai fabbisogni educativi che stanno evolvendo.

La sfida che si pone in questo momento è duplice: implementare in modo costante – ma mirato – le attività culturali e quelle connesse al mondo dello spettacolo tra gli strumenti di integrazione di ragazzi con disabilità, disagiati e stranieri o comunque finalizzarle al contrasto della dispersione scolastica; contemporaneamente offrire a tutti gli studenti la possibilità di utilizzare forme d’arte, non solo volte alla valorizzare delle inclinazioni e vocazioni personali, ma anche di semplice fruizione di spettacolo e di accesso alla cultura, indipendentemente dalle condizioni sociali ed economiche, affinché i ragazzi possano entrare in contatto con tutte le discipline espressive, in quanto forniscono, al pari di altri insegnamenti, elementi utili e importanti nella crescita e nell’educazione dei nostri ragazzi, contribuendo in particolare a far germogliare la sensibilità culturale ed artistica.

Cristina Grieco *assessore all’Istruzione e formazione della Regione Toscana

cambiamenti registrati dopo la svolta del decreto.

Per seguire gli sviluppi della discussione e gli approfondimenti delle altre aree territoriali: http://www. ateatro.it/webzine/2016/04/04/18429/ Dal pomeriggio del 19, e fino a sabato 21, hanno luogo le fasi finali del premio nazionale In-Box dal vivo per la sezione blu riservata al teatro di prosa. Una no stop di spettacolo dal vivo al Teatro dei Rozzi per i sei progetti, selezionati da rappresentanti della rete (quarantatre partner) che sostiene l’iniziativa di Straligut Teatro, alla presenza di operatori culturali e addetti ai lavori, critici e giornalisti, giurie ufficiali e giurie popolari, per aggiudicarsi le 65 repliche in palio. Un’anteprima dedicata al teatro ragazzi (sezione verde) si svolge nei giorni 12 e 13 per assegnare le 15 recite in palio. Tutte le informazioni su straligut.it

Biblioteca teatrale

Beatrice Magnolfi presidente Alessandro Manganelli vicepresidente Marina Babboni Alessia Innocenti consiglieri

La torinese Genesi Editrice manda in libreria il nuovo libro di Renzo Ricchi, Nella pena del tempo, che raccoglie cinque testi teatrali: L’invasione, La parola all’assassino, Villa Faust, La salvezza e il potere, Il testimone.

Come scrive Teresa Megale nella prefazione: “È il tempo la nota dominante di queste cinque opere, un tempo declinato come metro della vita, misura di tutte le emozioni e di tutte le narrazioni… Se le età dell’uomo sono il baricentro dell’attuale esercizio drammaturgico di Ricchi, il pensiero ricorrente che contrappone le gioie lontane della sbiadita giovinezza ai dolori dell’ingrata vecchiaia, è la tematica della solitudine dell’uomo contemporaneo ad attraversare le scene approntate dall’autore cronologicamente durante il primo scorcio del nuovo millennio… ”.

direttore Patrizia Coletta collegio dei sindaci revisori Nicola Amoruso presidente Franco Boccalini Lorenzo Vestri ISSN 2385-1074

9 772385 107001

Il Teatro e il Mondo questa pubblicazione è realizzata dall’ufficio comunicazione/pubblicità responsabile Daniele Stortoni 16

Un viaggio struggente, per storie e canzoni, sulle migrazioni umane. Un piccolo e intensissimo libro più potente di mille chiacchiere.