Catálogo 37MNT by Subcoordinación de Enlace con los Estados

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 3

La Secretaría de Cultura del Gobierno Federal, el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, y el Gobierno del Estado de San Luis Potosí, a través de la Secretaría de Cultura y el Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario presentan la:

37 muestra nacional de teatro del 3 al 12 de noviembre, 2016 San Luis Potosí, México

El teatro nos presenta lo más profundo del ser humano, en una comunicación entre creador, actor y espectador. Año con año, la Muestra Nacional de Teatro reúne lo mejor de la dramaturgia mexicana en una fiesta que incentiva la apertura e intercambio entre los profesionales del teatro y ofrece al gran público que disfruta la riqueza teatral de nuestro país. El teatro mexicano muestra con constancia su enorme capacidad para hacernos reflexionar sobre los más diversos temas humanos, mientras nos transporta hacia otros espacios e indaga en lo más profundo de nuestras conciencias. La participación activa de la comunidad teatral nacional en este encuentro permitirá generar muchos de esos momentos de reflexión, así como fortalecer canales de comunicación entre cada uno de los diversos actores que participan en ella. En esta edición se fortalecerá la estructura creada el año pasado, en coordinación con las entidades federativas y manteniendo un profundo interés hacia la reflexión, vinculación y líneas curatoriales a fin de tener una perspectiva amplia de las diversas formas de pensar y hacer el teatro en nuestro país. Agradezco la labor comprometida de la Dirección Artística de esta muestra conformada por Martha Aguilar, Luz Emilia Aguilar Zinser, Saúl Enríquez, Daniel Serrano y Alberto Villarreal, creadores escénicos y especialistas involucrados con el acontecer teatral y sus diferentes facetas. La Muestra nos da oportunidad de celebrar a los creadores que han hecho del teatro su pasión y su vocación. Este año reconocerá a Sergio Galindo, por sus 45 años de trayectoria en la dramaturgia, la dirección y la promoción de las artes escénicas; y a Bruno Bert, por su labor en la promoción y desa-

rrollo del Teatro de Calle en México, y sus 30 años como crítico teatral. Durante la Muestra se presentarán ocho líneas curatoriales que tocarán la inmensa variedad que tiene hoy el teatro en el mundo como el teatro comunitario, el teatro para públicos específicos, el teatro liminal, el teatro con intención artística y propuesta estética, el teatro con intención de transformación social o política, el teatro de intención formativa, el teatro y la teatralidad y otras experiencias que estarán representadas en 44 trabajos. A esto se suma las obras ganadoras de las Muestras Regionales de Teatro, además del Encuentro de Reflexión e Intercambio, el Congreso Nacional de Teatro y el Encuentro de Programadores y Gestores. Reconocemos y agradecemos la labor de promoción del quehacer teatral del Gobierno del estado de San Luis Potosí, a través de su Secretaría de Cultura, del Centro de las Artes y de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí que vuelve a abrir sus puertas durante diez días para albergar a creadores, programadores, académicos, críticos, gestores y especialistas, que analizarán y debatirán sobre esta disciplina. Estamos seguros que todo el trabajo realizado culminará con alianzas, intercambios y nuevos proyectos que enriquecerán la disciplina teatral y contribuirán al crecimiento del teatro en México y a que la cultura siga siendo un espacio desde donde podemos promover y reforzar la libertad y la imaginación. Sean todos bienvenidos a esta fiesta del Teatro. Rafael Tovar y de Teresa

Secretario de Cultura

Hay quienes afirman que el desarrollo de las sociedades contemporáneas se aquilata por la relación de equilibrio que guardan entre el desarrollo económico y el espiritual de las mismas. Las prácticas artísticas en general, pero de manera muy especial el teatro por su intrínseco sentido comunitario, potencian el crecimiento del espíritu en la sociedad que lo procura. Sabedor de esta necesidad y sus beneficios para la ciudadanía el Gobierno del Estado de San Luis Potosí, se ha sumado por cuarta ocasión, al esfuerzo que se hace desde la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes para llevar a cabo esta celebración anual. Los potosinos contamos con una tradición añeja en el fomento y la práctica teatral, esta tradición ha generado una comunidad que conoce y aprecia el hecho escénico en todas sus manifestaciones. Si, además, sumamos una infraestructura cultura que involucra tanto al personal como a las características de los espacios que serán sede, hablamos de condiciones favorables. Así que, tendremos la oportunidad de fortalecer esta tradición, pero indudablemente de renovarla, ya que durante diez días del 3 al 12 de noviembre podremos atestiguar en más de 15 sedes, 36 montajes, actividades académicas y de reflexión los rumbos e intereses de la escena nacional. Esperamos que esta renovación abra un intercambio entre los diferentes sectores creativos, de producción y de investigación teatral que fomentará la creación de públicos y redes que ayudaran a visualizar la complejidad del quehacer teatral en el país. El 2016 es un año que se distingue por su fortalecimiento al teatro en el estado de San Luis Potosí, ya que desde el mes de mayo se inauguró el Teatro Polivalente del Centro de las Artes Centenario,

sede del Programa Nacional de Teatro Escolar, que después de cinco años de ausencia vuelve a nuestra ciudad. Por otra parte, la Muestra Estatal de Teatro, plataforma de exhibición del teatro que se genera en el estado, y que este año se suma a la iniciativa de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal, con los Proyectos de Alcance Nacional, lo que permitió generar una propuesta más amplia para la reflexión de los creadores potosinos a través del Encuentro de Creadores de San Luis Potosí. La suma de voluntades es indispensable para alcanzar el bien común y por ello quiero agradecer a todas las instituciones participantes y sus directivos, entre ellas, a la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, el H. Ayuntamiento de la Ciudad de San Luis Potosí. De manera muy especial a quienes colaboran en todas las sedes que albergarán las diversas actividades de la 37 Muestra Nacional de Teatro. A nombre del Gobernador Constitucional del Estado, Juan Manuel Carrera López, les doy la más cordial bienvenida a los participantes nacionales, a los visitantes del extranjero y al público en general con el deseo de que hagamos lo posible para que esta fiesta rinda frutos y parabienes del teatro mexicano. Armando Herrera Silva Secretario de Cultura del Gobierno de San Luis Potosí

El teatro es un lugar de encuentros, de comunión, de identidad colectiva que da cuenta de vida de los seres humanos, sus conflictos, sus pasiones, sus estados de ánimo… En el teatro vemos frente a nosotros, el alma del ser humano. Los profesionales de la escena esperan año con año la Muestra Nacional de Teatro, un espacio que propicia la reflexión y el intercambio de ideas para los profesionales de esta disciplina, y que amplía el panorama y la comprensión de las diversas tendencias teatrales. Este año celebramos la XXXVII edición que contará con la asistencia de la comunidad teatral de nuestro país, así como de promotores de algunos países latinoamericanos, España y Estados Unidos, que tienen la intención de promover en sus países de origen a los grupos participantes en este encuentro. En esta ocasión se abordarán temas como el teatro comunitario, el teatro dirigido a públicos específicos y de capacidades diferentes, el de transformación social o política, de propuesta estética y de acción formativa, entre otros. Expreso mi más amplio reconocimiento a la Dirección Artística de esta edición, conformada por Martha Aguilar, Luz Emilia Aguilar Zinser, Saúl Enríquez, Daniel Serrano y Alberto Villarreal, creadores escénicos y especialistas involucrados con el acontecer teatral y sus diferentes facetas.

Este proyecto representa una suma de voluntades entre el Gobierno de San Luis Potosí, que ha participado de manera decidida en esta muestra, y de la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal es posible llevar a cabo proyectos como éste, en una ciudad que cuenta con la infraestructura teatral adecuada y una larga tradición escénica. La Secretaría de Cultura del Gobierno Federal celebra este trabajo transversal con el Gobierno del estado de San Luis Potosí, ya que de esta manera se amplían el cultivo, fomento, estímulo, creación y difusión de las bellas artes, por lo que este encuentro es una gran oportunidad para fortalecer el arte teatral en México. Deseo a todos que este encuentro cumpla con sus expectativas y que los participantes que logren cumplidamente sus objetivos. María Cristina García Cepeda Directora del Instituto Nacional de Bellas Artes

MEDALLA XAVIER VILLAURRUTIA Jueves 3 de noviembre | 20:00 h Teatro de la Paz Entrega de la Medalla Xavier Villaurrutia

Sergio Galindo Por 45 años de destacada trayectoria al interior de la república en la dramaturgia, la dirección y la promoción de las artes escénicas.

Llega a la Ciudad de México a fines de los sesenta, se inscribe en la Facultad de Filosofía de la UNAM y a los tres años se decide por el teatro. En el 1972 pisa por primera vez, como actor, un escenario en el teatro del zócalo, en una obra y montaje de su Maestro y desde entonces entrañable amigo, José Ramón Enríquez: “Ritual de estío”. Años después de experiencias, incluida la dirección, regresa a Sonora donde se ve atrapado por los fantasmas que bajan de la Sierra y de su niñez. Desde entonces, su teatro ha conmovido a carcajadas a un público que en el Noroeste lo acoge como suyo y en Mérida lo adopta de manera entrañable. A sus casi 45 años de haber iniciado su aventura teatral, con sus más de 25 obras escritas ha sido también un activo promotor del teatro en su Estado; en Cajeme como director de Cultura donde resucita el proyecto muerto de Casa de Cultura y donde tiempo después se abre un teatro que ahora lleva su nombre. Como director de Casa de la Cultura de Sonora, funda la Compañía de Teatro de la Institución. Antes, con su grupo, del que formara parte su alumno, entrañable amigo y cómplice, Jesús Ochoa, había participado en las Muestras Regionales de Teatro donde coincide, entre otros, con Oscar Liera, con quien comparte la visión de un teatro del Noreste. Es entonces donde se encuentra el germen de lo que 21 años después, es ahora la Compañía Teatral del Norte, colectivo que, desde entonces, varias Muestras Nacionales entre otros festivales han sido testigos, ha venido creando y consolidando una voz propia que ha enriquecido a nuestro Teatro Mexicano.

Bruno Bert Sergio Galindo es actualmente Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y ha sido distinguido entre otros con el Premio “Carlos Monsiváis” de literatura, durante el XVII Encuentro Hispanoamericano de Escritores de la Universidad de Sonora, 2012, mismo año en el que la Feria Internacional del Libro en Hermosillo le rinde homenaje. Con su Compañía, la teatral del Norte, participa en el reciente XLIV Festival Internacional Cervantino, en el homenaje más grande que en el mundo se ha rendido a la memoria de Don Miguel de Cervantes a 400 años de su muerte, con el montaje de su autoría: “Las bodas de Camacho el rico”, de su trilogía “Alonso del Saguaral”, la que tiene su referencia en El Quijote, de su admirado y genial Manco de Lepanto.

Por su destacada trayectoria en la promoción y desarrollo del Teatro de Calle en México y sus más de 30 años como crítico teatral. Reside en México desde junio de 1982. Ha sido tres veces presidente de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro (AMCT). Socio fundador de la Asociación Mexicana de Investigación Teatral (AMIT), co-fundador y director artístico del Festival Internacional de Teatro de Calle, con sede en Zacatecas, por 8 años. Es profesor de tiempo completo en actuación y puesta en escena de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). Ha sido crítico teatral por más de 30 años en diversos medios locales e Internacionales, tales como Milenio, Tiempo Libre, Universal, Nacional, Primer Acto (España) Teatro Celcit (Argentina), entre otros. Fue responsable del Programa Nacional de Fomento y Profesionalización del Teatro de Calle en México. Miembro fundador de la Escuela del Espectador México, a la que dirigió por más de doce años. Fue coordinador de Intercambios Internacionales de Escuelas Superiores de Teatro. Además, director de teatro, especializado en el área de espacios abiertos, con alrededor de sesenta espectáculos en su haber.

presentación dirección artística 37mnt Martha Aguilar

Luz Emilia Aguilar Zinser

San Luis Potosí

Ciudad de México

Actriz, directora, productora, promotora, docente y terapeuta. Fundadora de la Asociación Teatral “La Carrilla”, A. C. Ha tomado diferentes cursos relacionados con la investigación actoral y la dirección escénica. Directora en 2005 y 2008 del Programa Nacional de Teatro Escolar. De 2005 a 2011 realiza junto con Alejandra Mendoza siete ediciones del Encuentro de Creadoras Potosinas. En 2012 se titula como Licenciada en Educación Artística con Mención Honorífica y forma parte de la Dirección Artística para la 33 Muestra Nacional de Teatro en San Luis Potosí. En 2013 asiste como Directora a la 34 Muestra Nacional de Teatro con Invisible, dispositivo escénico en obra negra para armar una biografía. Toma el Taller “Transversalidad y escena” con Jorge Vargas.

Cursó la carrera de Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Nacional Autónoma de México. Continuó su formación en el Núcleo de Estudios Teatrales, con los maestros Julio Castillo y Héctor Mendoza. Becaria del Centro Mexicano de Escritores generación 1989-90. Coeditora de las planas editoriales y del suplemento Enfoque, del periódico Reforma, de 1993 a 1994 y columnista en el mismo diario de 1997 a 2002.

De 2010 a 2015 se desempeñó como Coordinadora del área de Teatro del Centro de las Artes de San Luis Potosí. En el cual coordinó el Programa Jóvenes a Escena, el Seminario Teatrali- dades y Ciudadanía, el Ciclo de Conversaciones: “Ciudadanos del teatro”. En colaboración con el CITRU el ciclo de Video: “Herencia de los Grandes Creadores del Siglo XX”, entre otros. De 2014 a 2015 cursa el ciclo de conferencias: “Historia del teatro en México” impartido en línea por el CITRU. En mayo de 2015 culminó la Maestría en Terapia Gestalt. Asistió al “Taller para el manejo de la documentación artística y su uso en la investigación”. En julio del mismo año tomó el taller “Ritmos de Gabrielle Roth”, con Mati Vargas Gibson maestra certificada. Co-dirigió con Iliana Anais Materia Vulnerable. Participó en 24 recorridos de la memoria para celebrar los 24 años del Foro Teatral “La Carrilla”. Actualmente, además de impartir clases, se desempeña como asesora académica del área de teatro y forma parte del Seminario Docente del área de Integración del Centro de las Artes de San Luis Potosí.

Ha colaborado en las revistas El Cuento, El ciudadano, Siempre!, Correo Escénico, Escénica, Paso de Gato, Irish Theatre Magazine y Theatre Der Zeit. Ha participado como ponente en congresos nacionales internacionales relacionados con la cultura y el teatro. Ha sido jurado para concursos nacionales e internacionales de dramaturgia y ensayo teatral y también para el otorgamiento de becas relacionadas con la producción escénica. Fue coordinadora de los textos incluidos en el libro Voces de lo efímero, la puesta en escena en el teatro de la Universidad, México, UNAM,1997. Está por publicarse su investigación sobre la historia de los Laboratorios de Teatro Campesino e Indígena y trabaja en un libro de conversaciones con Alejandro Luna.

Saúl Enríquez Quintana Roo

Docente, actor, director y dramaturgo, originario de Veracruz. En 2001 inicia su carrera como actor en CDMX. En 2006, estrena su opera prima Los mochados para el Centro Cultural Helénico. En 2007 emigra a Cancún, Q. Roo y funda la compañía Nunca Merlot Teatro, con el que construye ocho montajes y ha generado un movimiento sin precedentes en su estado. Sus obras han participado en festivales nacionales e internacionales. Constante promotor de profesionalización del teatro en su estado, tres veces invitado a la MNT, así como a Festivales de Dramaturgia, Otras Latitudes, Programa Nacional de Teatro Escolar y varios más.

Sus obras, encuentran eco en directores nacionales, a la fecha casi 50 montajes, entre ellas: Pato shnauzer, Corazón, desazón, Esprín breiquer, Graves pero estables y Poema para tres. Ésta última, en 2013 es dirigida por Anne Toubole, en el teatro La Manufacture des Abbesses, logrando exitosa temporada en París, Francia. Ha escrito más de 30 obras, cuatro de ellas publicadas. Imparte talleres de dramaturgia y dirección, entre ellos 34 MNT, IPBA y CONARTE. Obtiene en tres ocasiones el PECDA. En 2010 es Finalista de la Royal Court Theatre con su obra “Ni los héroes”, En 2011 por FONCA, obtiene una residencia en New York Lark Development Center, la Mención de honor en el Premio Nacional de Dramaturgia, Manuel Herrera 2013. Sus obras han sido representadas en Estados Unidos, Francia y Perú. Con su obra ¿En qué estabas pensando? inicia un proceso de escritura para jóvenes audiencias: Lennon nunca estuvo en Guanatos, Nos veremos en los campos de trigo y La luz que causa una bala son ejemplo de ello. En 2015 es comisionada una obra sobre México contemporáneo para la Royal Court Theatre, escribe El hombre que quiso hablar con el presidente. En 2016, a solicitud de la Secretaría de Cultura y Teatro Nazas, escribe y dirige La luz que causa una bala con jóvenes de Torreón.

Daniel Serrano Sonora

Dramaturgo, guionista, actor y director de teatro. Alumno de Ángel Norzagaray, Vicente Leñero, Hugo Argüelles, Jesús González-Dávila y Jaime Chabaud. Fundador del Festival Universitario de Teatro, de la Universidad Autónoma de Baja California (UABC). Entre sus obras se encuentran El último recurso, La conquista del Gordo, La ruta de las abejas; París detrás de la puerta, finalista del Concurso Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2003; Anela, publicada en la colección editorial Tierra Adentro; El cazador de gringos, obra ganadora del Concurso del libro Sonorense 2005 en el área de dramaturgia, publicada por el

Instituto Sonorense de Cultura; El carbón en la boca de Porcia, publicada en Tramoya 98, revista especializada en teatro de la Universidad Veracruzana, y en la colección editorial Teatro de la Capilla, además de ser la obra ganadora de la Convocatoria de Producción Escénica CECUT-INBA 2010. Entre sus publicaciones se encuentra la trilogía llamada Ciudades imposibles, que contiene las obras París detrás de la puerta, Roma al final de la vía y Berlín en el desierto. La editorial Teatro de la Capilla publicó El carbón en la boca de Porcia y Hacer la tumba. Es ganador de la convocatoria de la Colección Editorial del CECUT, que publicó el libro “Los herederos del imperio” y “El amor del fondo”. Cuenta con un posgrado en Cultura Escrita. Es director general de la compañía de teatro Dramared, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, y director de la Facultad de Artes de la UABC.

Alberto Villarreal Ciudad de México

Autor, director y pensador de teatro. Su trabajo creativo abarca más de 40 puestas en escena -la mayor parte de su autoría- con presencia artística en 14 países, siendo traducido al alemán, chino, inglés, francés y portugués. Es Licenciado en Literatura Dramática y Teatro por la UNAM con medalla Gabino Barreda y ha cursado residencias de especialización como las del Royal Court Theatre de Londres; la Fundación Carolina de Madrid o el Seminario Latin America & Caribbean Directors Workshop Whit Declan Doneland en Buenos Aires. En 2013 ingresó al consejo académico de la Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro de la UNAM. Sus textos están publicados en editoriales como Nick Hern Books de Londres; Cierto Pez de Santiago de Chile; Le Miroir qui fume ó Les cahiers de la Maison Antoine Vitez de París; Ediciones Alarcos de Cuba y El Milagro o Teatro Sin Paredes en México. Ha sido invitado como autor o con la producción de sus obras

a festivales como el Transamerique de Montreal, El Santiago a Mil de Chile, el Iberoamericano de Cádiz, El Internacional de la Habana o el Mirada de Santos Brasil. Ha sido comisionado para escribir para teatros como el Vila Flor en Guimaraes Portugal y sus obras se han montado en teatros como el Arcola Theatre de Londres (Used Blood Yunkyard) y por compañías como la Compañía Nacional de Teatro de Costa Rica (Desaire de elevadores). En su trabajo como ensayista ha escrito para revistas de arte como Letras Libres, La Tempestad y Theater des Zeit (Alemania). Ha impartido cursos de dramaturgia en ciudades como La Habana, Madrid y Sao Paulo. De 2001 a 2011 fue director artístico de la compañía Artillería Producciones y del Teatro La Madriguera. Los principales montajes de sus textos son: El “Lado B” de la materia (2013), Ensayo sobre débiles (2011) y Desierto bajo escenografía lunar (2010). En 2015 formó parte de los artistas invitados al festival de teatro “Heidelberger Stückemarkt” dedicado ese año especialmente a México. Algunos reconocimientos son el Premio Internacional de Ensayo Teatral CITRU-Paso de Gato (2006); el Aurora Theatre Company Third Global Age Project en San Francisco California (2008); el Premio Nacional de Literatura: José Fuentes Mares por su libro “Siete años en ensayos” (2013) y en 2014 la UNAM le concede el Reconocimiento Distinción Universidad Nacional para Jóvenes Académicos en el campo de “Creación Artística y Extensión de la Cultura”; ese mismo año fue seleccionado por la Shanghai Writers Association como autor para realizar una residencia de creación en China y formar parte del congreso internacional de escritores “Simposium of Sino-Foreing Writers exchanges” en HangShou. En 2015 el Royal Court Theatre le comisionó un nuevo texto (“Cactácea”) y en 2016 ha recibido invitaciones de la editorial francesa Actualités Editions de París para traducir y editar su texto El lado B de la materia y de la editorial Theater des Zeit de Alemania para escribir un ensayo en el libro internacional conmemorativo del trabajo de Frank Castorf.

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 15

El día ha llegado Después de intensos meses ha llegado a su fin la selección de puestas en escena y de experiencias para la conformación de la 37 Muestra Nacional de Teatro. Nuestro propósito ha sido, por un lado, darle continuidad al modelo establecido en la pasada emisión, no sin antes hacer un análisis de los resultados obtenidos y proceder a cambios donde lo consideramos necesario. Para ese ejercicio nos apoyamos en el seguimiento crítico autónomo, que consistió en la recopilación de datos, plataformas para la reflexión, apuntes de orden analítico y escucha de una pluralidad de voces de la comunidad. Consideramos que el formato de líneas curatoriales planteado en la pasada muestra funcionó y continuamos con el mismo, con algunas variantes en la definición de las líneas para renovar la mirada y abrir la perspectiva a otras posibilidades. Como eje de reflexión decidimos colocar algunos cuestionamientos que nos parecen fundamentales: ¿para qué se hace el teatro? ¿Cuáles son los objetivos que impulsan a los artistas? ¿Existe en todos los casos una intención clara en la base de los esfuerzos? ¿Qué factores intervienen en la toma de decisiones? Fue así como desarrollamos las líneas curatoriales que ya conocen. En la definición de este esquema estuvimos conscientes de que los motivos de las experiencias y puestas en escena pueden coincidir con dos o más de las definiciones propuestas y que incluso puede haber otros más precisos para describir lo que mueve el trabajo de algunos grupos e individuos. En consecuencia, invitamos a quien estuviera en ese último caso a proponer una línea curatorial alternativa si consideraba que definía mejor su perfil. Nuestra intención ha sido fortalecer la conciencia crítica de

los hacedores del teatro en nuestro país, en el reconocimiento de sus objetivos fundamentales y la valoración de sus alcances. Los integrantes de la dirección artística de este año asistimos a numerosas muestras estatales, revisamos propuestas por invitación directa y analizamos 279 carpetas, con sus respectivas propuestas de ERI y videos. Elegimos aquellos proyectos en los que los cinco miembros de esta dirección, cinco miradas distintas, coincidimos en que eran valiosas aportaciones por la claridad de sus intenciones, solidez, representatividad, originalidad y pertinencia. Para la toma de decisiones fue muy importante la calidad de las propuestas para el ERI, ya que uno de los objetivos preponderantes de esta Muestra es el intercambio generoso de saberes entre los participantes. Para armar la programación privilegiamos obras que en conjunto ofrecieran un mapa lo más incluyente y equilibrado posible de la actividad teatral mexicana, un conjunto que permitiera además desarrollar presentaciones sustanciosas de las líneas curatoriales. El resultado de nuestra búsqueda y reflexión común son las 44 propuestas programadas, que estarán acompañadas por las mesas de diálogo, clínicas, jornadas de encuentro con programadores y el 2º Congreso Nacional de Teatro coordinado por artistas de la comunidad. Estas actividades han sido cuidadosamente diseñadas por el equipo operativo de 37MNT y de la dirección artística. En la pasada Muestra Nacional de Teatro se invitó a especialistas que no participaron del proceso de selección de las obras a introducir en el ERI los contextos y los procesos creativos de los grupos por líneas curatoriales. Este año decidimos que seríamos los miembros de la dirección artística quienes realizaríamos ese trabajo. Nos pareció que como nosotros fuimos responsables de los criterios de selección y revisamos todas las carpetas, podríamos contar con los elementos para presentar las obras en su justo contexto. El programa de los jóvenes becarios iniciado el año

pasado dio resultados positivos. Demostró ser un valioso instrumento para impulsar nuevas voces de teatristas y propiciar el diálogo entre generaciones. Por esa razón, decidimos continuarlo. Así se dará una vez más la oportunidad a 64 jóvenes teatristas de la república, dos por cada entidad federativa, de permanecer con sus gastos de transporte, hospedaje y alimentación cubiertos, y asistir a las diversas actividades y puestas en escena programadas. El análisis de los resultados del 1er Congreso Nacional de Teatro nos motivó a buscar una nueva dinámica para llevarlo a cabo con el fin de darle mayor pertinencia y propiciar la continuidad de las reflexiones. Decidimos retomar tres temas del 1er Congreso que nos parecen muy importantes: identidad legal; derechos y relaciones laborales; obtención de recursos; y distribución, movilidad y modelos de programación. Para dar seguimiento a esos temas invitamos a especialistas, que se han encargado de animar un debate previo a la muestra, a partir de la lectura de las ponencias del 1er Congreso y de las elegidas para el que se llevará a cabo este año. De este modo, el Congreso no es el espacio para una primera aproximación a un tema, sino una plataforma de más largo aliento para verdaderamente debatir, analizar, reflexionar y alcanzar conclusiones. Una de las mayores debilidades de la comunidad teatral es la escasa disposición para emprender reflexiones y agendas conjuntas para la solución de sus problemas, que no son pocos. Hoy, con el anunciado recorte del presupuesto federal para la cultura y el avance de un modelo económico que vulnera muy particularmente los subsidios para las artes, no podemos dejar de reconocer la importancia medular de estimular la lucidez sobre nuestra situación y propiciar acciones en conjunto. Por cuarta vez en la historia de la MNT el estado anfitrión es San Luis Potosí. En 1979, cuando se realizó la segunda Muestra y el grupo ganador del concurso

estatal fue el legendario Zopilote, con su obra Luchas y mitotes en el nuevo mundo, la sede fue San Luis. Veinticuatro años después, en 2005, fue en San Luis donde se llevó a cabo la Muestra número veintiséis. Entonces se lanzó la propuesta de publicar el Diario de la Muestra, tuvo lugar una Muestra Alternativa con grupos locales y de otras entidades y se logró que además de los directores de los grupos invitados, dos personas más de los colectivos pudieran permanecer durante todo el encuentro. En 2012, por tercera ocasión, San Luis Potosí ofreció su infraestructura para la celebración de la gran fiesta del teatro nacional. A cuatro años hay un San Luis distinto, tristemente con signos de violencia similares a los que se registraron en el 2012, y con la urgente necesidad de que sus creadores escénicos asuman una postura crítica y propositiva ante el complejo contexto local, nacional e internacional. Esperamos que la 37MNT signifique para los creadores del estado una motivación para ampliar sus perspectivas, que le brinde instrumentos para una mayor retroalimentación entre los teatreros de la propia entidad, de la región y a nivel nacional. Como sucedió el año pasado en Aguascalientes, este año se abre un espacio específico para el análisis, el debate y el ejercicio de memoria sobre lo que ha sido, es y puede ser el teatro en la entidad sede. Hacemos votos para que este encuentro enriquezca a todos sus participantes y coadyuve a que México tenga un teatro más lúcido, vigoroso, viable y pertinente. Dirección Artística 37MNT

LÍNEAS CURATORIALES (LC)

La presente edición de la Muestra Nacional de Teatro se plantea como una oportunidad de reflexión crítica y de participación propositiva, con el fin de renovar su estructura y procedimientos de acuerdo con demandas y necesidades de los creadores de teatro. Para ello, propone a la comunidad teatral del país variaciones en su desarrollo, con objetivos específicos, para dotarla de un nuevo significado y sentido, por medio de una propuesta incluyente de la diversidad del teatro, que consiga ofrecer una mirada renovada hacia el acontecer teatral nacional. La 37 MNT se articula en torno a las preguntas: ¿Cuáles son los objetivos y las intenciones de los creadores escénicos al hacer teatro? ¿Qué aportación o relación se plantean en sus prácticas con la realidad nacional?, poniendo esta discusión como centro del encuentro y de la aproximación crítica, las líneas de participación se han ajustado a esta mirada:

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 19

LC1: Teatro comunitario LC2: Teatro para públicos específicos LC3: Teatro liminal o que cuestione los límites de las definiciones convencionales del teatro LC4: Teatro de intención artística y propuesta estética LC5: Teatro de intención en transformación social o política LC6: Teatro de intención formativa LC7: Teatro y teatralidad en San Luis Potosí LC8: Experiencias teatrales que generan infraestructura y posibilidades de desarrollo del teatro

ENCUENTRO DE REFLEXIÓN E INTERCAMBIO del viernes 4 al sábado 12 de noviembre 9:00 – 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Considerando que la MNT es un espacio artístico en el que se comparten experiencias y saberes relacionados con la teatralidad, los proyectos seleccionados participan, además del montaje, experiencia o suceso teatral, con la exposición a la comunidad de sus procesos de trabajo. Por ello acompañan su propuesta de participación con un proyecto de intervención en el Encuentro de Reflexión e Intercambio, para ser presentado a la comunidad, a través de una conferencia, mesa redonda, taller pedagógico, clínica y/o conferencia magistral, bajo dos ejes principales:

- Intencionalidad y razón de ser de la propuesta teatral presentada. - Poéticas de sus creadores y sus modelos estéticos: actoralidad, dramaturgia, espacialidad, dirección y concepción del teatro

LC1: TEATRO COMUNITARIO

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 23

El teatro comunitario tiene en México raíces ancestrales. Se ha llamado así al teatro ritual de los antiguos pueblos y al que aún ahora practican algunas comunidades originarias. También se denomina comunitario al teatro de evangelización que sirvió de poderosa arma para la conquista espiritual de los antiguos mexicanos y al que practicaron los jesuitas durante la colonia. Los empeños patrocinados por sucesivos gobiernos posteriores a la revolución de 1910, con grupos de teatro independientes para fomentar hábitos de higiene, promover ideologías, denunciar injusticias o bien ir al rescate de teatralidades locales y poner en marcha procesos de empoderamiento, se han clasificado como teatro comunitario. En este rubro se coloca asimismo el teatro trashumante que se lleva a comunidades marginadas y aún el teatro amateur que tiene lugar en pueblos y barrios. Las prácticas escénicas comunitarias implican formas diversas de relación entre los participantes. Puede ser un teatro formulado por una comunidad para sí misma. Está el teatro que ponen en marcha personas ajenas a un pueblo o barrio y que desarrollan con los habitantes procesos teatrales con distintos fines. El teatro comunitario puede implicar la participación activa de la comunidad o colocarla como receptora pasiva. Puede buscar un producto escénico o privilegiar un proceso de reconocimiento identitario, de memoria, de análisis y visibilización de problemáticas específicas o una forma de acompañar a comunidades en situaciones difíciles. Para la 37 MNT, los miembros de la dirección artística consideramos necesario dar continuidad a esta línea curatorial presente desde la pasada edición, por

su especial importancia ahora que el tejido social en nuestro país se ve severamente vulnerado por desplazamientos forzados, desapariciones de personas, por la invasión de tecnologías, procesos de colonización, despojo y humillación que se han agudizado en los últimos años. En respuesta a la convocatoria de la Muestra se inscribieron once grupos que definieron su trabajo como teatro comunitario. De éstos, siete consideraron que además podían corresponder a otra u otras líneas curatoriales: teatro de intención política y transformación social; teatro liminal; para públicos específicos; y formativo. De las obras inscritas por convocatoria, los miembros de la dirección artística coincidimos en elegir cinco para este rubro que nos parecieron representativas y que abrían campos de análisis pertinentes. Dos de estas propuestas no se inscribieron en la línea de teatro comunitario, pero nos pareció que correspondían significativamente con esta intención y que podían enriquecer el diálogo en este sentido. Las propuestas elegidas, provenientes de cinco distintos estados de la república, arman un conjunto que va desde la escritura dramática comunitaria, el abordaje de un gran clásico que se adapta al imaginario de la comunidad y sirve como base para analizar problemas que le son propios; la intervención con estrategias escénicas de grupos en confinamiento y extrema vulnerabilidad; así como un grupo dedicado a llevar teatro clásico popular a comunidades marginadas. Luz Emilia Aguilar Zinser

Viernes 4 de noviembre | 18:30 h público y participantes | Escalinatas del Teatro de la Paz | Duración: 45 min Guanajuato

LOS QUIJOTES DE POZO BLANCO De: Miguel de Cervantes Dramaturgia: Silvia Káter, Roberto Acorra y Raquel Araujo Dirección: Raquel Araujo Madera

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 25

Reparto:

Sancho, Quijote, moza / Evelyn Loyola Lozada Doncella, moza, arriero / Alondra Loyola Lozada Sancho, arriero, Rucio / Daniel Río Loyola Cide Hamete, Quijote, arriero, Rocinante / Diego Ríos Loyola Sancho, moza / Yareli García Estrada Cide Hamete, arriero, ventero / Cesar de la Vega Estrada Quijote, moza, arriero / María de Lourdes Estrada Téllez Arriero, moza / Evelia Grimaldo Becerra Quijote, arriero, ventero / Juan Gómez Martínez Moza, arriero, Sancho / Margarita Espino Mejía Arriero, campesino / Alexis Iván Suárez Castillo Aldonza, arriero / María Isabel González Mata Moza, arriero / Estefanía Espino Ríos Arriero, moza, doncella / María Dolores Padilla López Moza, arriero / María del Rosario Padilla López Moza, arriero / Mariana de la Vega Zarazúa Moza, arriero / Haydeé de la Vega Coro del Gerontológico Ojo de Agua El Proyecto Ruelas en Pozo Blanco ha sido posible gracias a: Comunidad de Pozo Blanco, Festival Internacional Cervantino, Gobierno del Estado de Guanajuato, Fundación Cervantista A.C., Secretaría de Desarrollo Social y Humano de Guanajuato, DIF Estatal Guanajuato, DIF Municipal San José Iturbide, Universidad de Guanajuato, Dirección General de Culturas Populares, British Council, México en Escena FONCA y La Rendija A.C.

Créditos: Apoyo técnico: Ana Karen Olvera Alvarado, Esperanza Estrada Téllez, Rafael Espino Vega, Ana Navarro Arvizu y María Dolores Lozada Ríos Construcción de luces: Todo el grupo Coordinadora de Los quijotes de Pozo Blanco: Lourdes Estrada Téllez Coordinación Sala de Lectura de Pozo Blanco: Mary González Mata Realización de vestuario: Esperanza Estrada Téllez Ensayador: Diego Ríos Loyola Asistente de dirección, producción y tallerista: Katenka Ángeles Asistente de dirección y tallerista: Roldán Ramírez Construcción de títeres y objetos escénicos: Alejandra Díaz de Cossío Iluminación y taller de iluminación: Lydia Margules Asesoría literaria y musical: Eduardo Contreras Soto Asistente de construcción: Jonathan López Báez Artesanías de carrizo: Martín Hernández Administración de La Rendija: Yamili Monje Difusión de La Rendija: Alejandra Alanís Productor general de La Rendija: Oscar Urrutia Lazo FIC: Mario Reséndiz – Coordinador del Proyecto Ruelas. Jorge Volpi – Director general

Don Quijote y Sancho siguen cabalgando para desfacer entuertos, para socorrer a los desamparados, y a los débiles; han llegado a Pozo Blanco, y ahí se han encontrado a muchos quijotes. Los quijotes de Pozo Blanco son mujeres y hombres, niños y niñas que diariamente enfrentan la faena entre nopales y tunas de muchos colores, esperando el agua de la época de lluvias, compartiendo el deseo de un mundo más equitativo, más justo, con oportunidades para todos. Cabalga Quijote, cabalga Proyecto Ruelas…

desde hace varios años, un punto de encuentro de la comunidad, habiendo funcionado como Sala de Lectura a cargo de Lourdes Estrada.

La propuesta del Proyecto Ruelas hacia Los quijotes de Pozo Blanco, fue una invitación orientada a promover el encuentro de los participantes para reinventar su propia comunidad, a través de la problematización, por medio de un taller de teatro, de las condiciones de convivencia, equidad de género, y la recuperación del espacio comunitario de la Sala de Lectura de Pozo Blanco. Este espacio gestionado por una de las familias del poblado permitió,

“Se trata de compartir, de la amistad, del encuentro de mundos y de aprender mutuamente; para nosotros, teatristas, significa volver aprender el sentido del arte escénico”.

Al convertirse en la sede del Proyecto Ruelas se reactivó, generando una serie de acciones alrededor de los proyectos escénicos como talleres de cultivo orgánico en resistencia a las agro industrias que rodean y explotan a la comunidad.

Contacto: Lourdes Estrada Téllez Mail: tepochcalliu@hotmail.com

Sábado 5 de noviembre | Participación exclusiva dentro del Encuentro de Reflexión e Intercambio Estado de México – CDMX | Grupo de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos

12 CICLOS DE DRAMATURGIA COMUNITARIA MEXICANA Taller y Festival Titular: Elizabeth Sonia Enríquez González

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 27

En su 12º Ciclo con noventa obras escritas, la Dramaturgia Comunitaria Mexicana continúa trabajando en su línea inicial: Historia, historiografías, mitos y leyendas del Oriente del Estado de México y de otras regiones como Chiapas, Oaxaca y Azcapotzalco. A partir de 2008 vuelve su mirada a las historias de los pueblos en extinción: seris, sioux, yoremes, ópatas y comcaac, recreando dramatúrgicamente sus tradiciones en el Taller y procurando la publicación de estos textos, cuyas puestas en escena son realizadas por grupos independientes, universitarios y de la EAT, ante el público de las comunidades mexiquenses, azcapotzalca y otomí en Ixtenco, Tlax. Con el respaldo de las comunidades de SOGEM, CEMEX ITI UNESCO y la Editorial Libros de Godot, se suma el generoso trabajo de artistas y académicos, que participan en el Ciclo de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos, rindiendo homenaje y preservando el espíritu de nuestros pueblos en extinción.

Contacto: Elizabeth Sonia Enríquez González Mail: sonia.e.g@gmail.com

Sábado 5 de noviembre | Participación exclusiva dentro del Encuentro de Reflexión e Intercambio Oaxaca | El Balcón Dispositivo Parasitario en la Central de Abastos de Oaxaca

DESMONTAJE “LAS MUCHACHAS” Paráfrasis de Las criadas de Jean Genet Proceso colectivo Dirección: Saúl López Velarde

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 29

Con: Sonia Díaz Gregorio y Fabiola Noemí Desales Silverio Diseño gráfico: Mónica Arango Ibáñez y Alfonso Cervantes Baltazar

A orillas de la ciudad de Oaxaca, en un ambiente unitario elaborado colectivamente, se hospeda “El Balcón Dispositivo Parasitario”. Ahí, en un escenario entrópico, en un microcosmos donde brotan y crecen relaciones singulares conducidas por una lógica que redibuja lo público y lo privado, lo visible y lo invisible, la palabra y el ruido, “El Balcón” se ha convertido en ese “hueco abierto al exterior” que saca del centro, hacia la Central de Abastos, el arte monopolizado por los acaparadores de la estética y de lo sensible. “El Balcón” se inspira en la dramaturgia y la acción del escritor francés Jean Genet, desplegando acciones desde 2011, devenidas de herramientas teatrales, estilísticas y poéticas emplazadas en el territorio de lo real, que trazan una zona temporalmente autónoma, por medio de dos estrategias: Acciones Transicionales y Teatralidades en Escenarios Sociales, apropiándose de una amplia gama de las artes visuales, performance, danza, video, talleres de formación, radio, televisión, fotografía y música, hasta convertirse en un observatorio desde el cual descubrir cómo se percibe y piensa el mundo desde un lugar preciso. Desmontaje “Las Muchachas” es el nombre que se le ha dado a un proceso de transfiguración de la dramaturgia de Genet, Las Criadas, que actúa para poder modificar el mundo con vistas a un fin, el actuar. Es un proyecto de dirección escénica y montaje no convencional para llevar a cabo una Teatralidad en los Escenarios Sociales de la Central de Abastos de Oaxaca. “Las Muchachas” es una irrupción en el ritmo cotidiano del mercado que, a su vez, ilustra signos y caracteres del mismo. La propuesta es llevar a sus últimas consecuencias la formación actoral y la dirección que se ha hilvanado con las locatarias de la Central de Abastos en el periodo 2012-2016, donde se posibilita articular el detalle auténtico con el falso, suturado por un cuerpo documental, la realización de una verificación de lo acontecido en los escenarios de la Central de Abastos, como propuesta estética-política que nos devela una teatralidad y nos lleva a nuevos escenarios posibles. “Las Muchachas” son emplazadas en la dramaturgia de El Balcón de Genet, que a su vez deviene en dispositivo parasitario, un teatro dentro del teatro, un acting out que nos muestra el desmontaje de la acción actuar, develado no solo por Las Muchachas mismas, sino por el juego teatral que propone al formar parte de un dispositivo en los escenarios sociales de la Central de Abastos.

Contacto: Saúl López Velarde Pazos Mail: saulopazos@gmail.com

Sábado 5 de noviembre | Participación exclusiva dentro del Encuentro de Reflexión e Intercambio CDMX – VERACRUZ | Teatromexicano punto com

EL SECUESTRO DE LUKE SKYWALKER: Taller de experiencias escénicas dirigidas a pacientes psiquiátricos en reclusión Titular: Ricardo Caballero

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 31

El secuestro de Luke Skywalker es resultado del Taller de experiencias escénicas que Teatromexicano punto com realizó con los internos del Centro Varonil de Readaptación Psicosocial (CEVAREPSI) en una colaboración con el taller de arte impartido por Ricardo Caballero. La población del CEVAREPSI se compone por internos inimputables (es decir, que sufren de una condición como esquizofrenia o discapacidad intelectual por la cual no son responsables por sus actos), casos extremos de abusos de drogas y potenciales suicidas. El secuestro de Luke Skywalker más que una obra de teatro, es un espacio lúdico teatral modelado a partir de lo que los internos querían imaginar. ¿Tiene sentido hacer teatro en un lugar como estos? ¿Para quién tiene más sentido, para ellos o para nosotros? ¿Tienen algún sentido para el teatro? ¿Qué es el teatro sino una forma de estar, de compartirnos?

Contacto: Alejandra Serrano Mail: alejandra@teatromexicano .com.mx

Sábado 5 de noviembre | Participación exclusiva en el Encuentro de Reflexión e Intercambio CDMX - Compañía de Teatro Penitenciario de Santa Martha Acatitla

TEATRO PENITENCIARIO Proyecto de Impacto Social del Foro Shakespeare A.C. Dirección General: Itari Marta

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 33

Actores: Brenda Valeria del Angel Lemus, Israel Rodríguez Hernández, Francisco Javier González Cruz, Ismael Corona Hernández, Feliciano Ramírez Mares, Héctor Maldonado Rojas, Carlos Gerardo Gopar, Juan Luis Hernández Domínguez, César David García Martínez, Rafael Martínez Hernández, Oscar Lara Ramírez, Antonio Escalera Rosas, Antonio Hernández López, Rene Hernández López,

Jorge Juárez Arévalo, José Juan Sánchez Castañeda, Felipe Reyes Herrera, Josué de León Arellano, Jesús Almaraz Zepeda (músico), Alfredo Contreras González (utilería y vestuario).

Actualmente las cárceles no cumplen la función de reinserción social que pretende. Dentro de estas instituciones se conforma una micro sociedad que es un reflejo de la de afuera, pero con normas o códigos adecuados a las circunstancias.

logró que la institución penitenciaria abriera el acceso al público en general y una gira intereclusorios por las cárceles de la Ciudad de México.

Ante esta realidad el Foro Shakespeare ha impulsado desde el 2009 una estrategia de recomposición y reinserción social a través de la empleabilidad y profesionalización en teatro creando la primera compañía estable dentro de la Penitenciaría de Santa Martha Acatitla. La Compañía de Teatro Penitenciario (CTP) es un proyecto artístico, pedagógico, laboral y de reconciliación social. La estrategia consiste en formar a actores internos profesionalmente a través de talleres teatrales, pedagógicos y generar puestas en escenas de impacto social abiertas al público interno y externo. Los actores reivindican su propia identidad y adquieren las herramientas necesarias para generar estructuras independientes de creación teatral y una fuente de empleo formal y colectiva. Los integrantes de la CTP se desempeñan como actores, escenógrafos, escritores, técnicos y directores teatrales lo que forma parte de su proceso de reinserción eficaz a la sociedad y una medida para prevenir la reincidencia en el delito. Las puestas en escena son procesos con un impacto bidireccional de reconciliación de cada ser humano en los internos y en los espectadores. Bajo la dirección de Itari Marta se ha dado vida a 3 puestas en escena. El primer montaje fue Cabaret pánico (2010-2014) una adaptación de textos de Alejandro Jodorowski. Consistió en un trabajo de introspección liberando culpas y resentimientos para provocar en los actores reivindicar su ser. Con esta obra de teatro se

Iluminación: Miguel Velázquez Escenografía: Obdulia de la Garza Diseño, fotografía y audiovisuales: Luis Iborra Miralles

La segunda obra es Ricardo III (2011-2016) una adaptación de William Shakespeare, en este montaje se trabajó el poder, el lado obscuro del ser humano, su violencia y responsabilidad sobre asumir esta conducta. En la tercera puesta en escena El mago dioz (2015-2016) una adaptación de Lyman Frank Baum, se reflexiona utilizando elementos del clown sobre la conciencia en la toma de decisiones en la vida y asumir la responsabilidad de construir nuestro camino. Las obras se presentan en el Teatro Juan Pablo de Tavira de la Penitenciaria. El objetivo es romper el prejuicio social excluyente, generar conciencia del entorno y asumir cada quien su propia cárcel mental, de forma que el espectador también se vuelva actor para genera su propio impacto social de transformar su realidad. Con la reincorporación a la sociedad de algunos integrantes de la CTP se genera el proyecto externo que consiste en generar también empleo a través de la cultura y replicar el modelo con jóvenes en conflicto con la ley y en el barrio de Tepito. La compañía externa ha generado dos montajes Las 80 mejores amigas (2014) de Juan Carlos Cuéllar y La mordida (2016) bajo la dirección de Artús Chávez. Contacto: José Carlos Balaguer Paredes Contacto: impactosocial @foroshakespeare.com

ERI Y CLÍNICAS LC 1 sábado 5 de noviembre 9:00 h - 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

SEMBRANDO TEATRO – PROYECTO RUELAS EN POZO BLANCO

Los quijotes de Pozo Blanco

Conversatorio con integrantes de Los Quijotes de Pozo Blanco sobre su experiencia en el Proyecto Ruelas | Cupo: 30 personas Que los chicos compartan sus formas de entrenamiento con varas, y la forma en la que hemos ido construyendo el grupo. Doña Maguito y Don José, adultos mayores, platicarán de sus experiencias en el teatro. Lourdes y Mary podrán compartir la experiencia de gestionar la Sala de Lectura de la comunidad.

Imparten: Lourdes Estrada, Mary González, Diego Ríos, César de la Vega, Juan Gómez (Don José), Margarita Espino (Doña Maguito), Katenka Ángeles y Raquel Araujo. Grupo de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 35

NUEVAS TENDENCIAS DE LA DRAMATURGIA COMUNITARIA MEXICANA

Teatro Mexicano punto com A.C. y Ricardo Caballero

En Ciclos recientes, la Dramaturgia Comunitaria Mexicana en su Taller ha vuelto la mirada a los pueblos indígenas en extinción: Ihiijim, la mujer sin canto (leyenda comcaac de Tanya Gamez); La leyenda ópata de la Luna, de Virginia López; Iktomi o la tela de los sueños (leyenda sioux de Hugo Cortés), entre otros. Es imposible evitar que estos pueblos se extingan porque los despojan o los ignoran, pero sí podemos preservar su espíritu, presente en su oralidad. En el subsecuente Festival anual, las puestas en escena desde una perspectiva actual, interpretan la vida y la muerte de estos pueblos que se extinguen.

Clínica / Conferencia | Cupo: 50 personas

Conferencia | Cupo: 30 personas

Imparten: Sonia Enríquez y Ernesto Fuertes.

Compañía de Teatro Penitenciario

IMPACTO SOCIAL: TEATRO PENITENCIARIO Clínica| Cupo: 25 personas

Compartir metodologías en la formulación de proyectos de impacto social, resaltando la importancia y el valor de las artes escénicas como vía de transformación, conciencia y entendimiento entre los individuos, visibilizar la importancia de la cultura como método de prevención del delito, formación de públicos y de creativos para las artes. Intercambio de conocimientos para la formación de proyectos integrales y replicar dentro del entorno de cada agrupación/artista/colectivo participante dentro de la clínica.

Imparten: Javier Cruz, Valeria Lemus e Ismael Corona

POÉTICAS CONDICIONADAS POR RESTRICCIONES PSÍQUICAS Y ESPACIALES

Se pretende analizar las experiencias realizadas con pacientes psiquiátricos en reclusión y la manera en que ellos interpretan los acercamientos de experiencias artísticas. Durante la clínica se crearán restricciones para los participantes a la vez que deberán cumplir con ejercicios sencillos que trabajamos con los mismos internos. Se presentará una muestra de algunos procesos con los internos como El secuestro de Luke Skywalker (2016) y Percepción incrementada (2010) y Dialogar con el exterior (2016); explicaremos en una especie de desmontaje cómo resuelven los internos los ejercicios a partir de sus restricciones.

Imparten: Ricardo Caballero, Alejandra Serrano, Ana Lucía Ramírez y Patricia Estrada Compañía El Balcón Dispositivo Parasitario en la Central de Abastos de Oaxaca

EL BALCÓN EN LA CENTRAL DE ABASTOS DE OAXACA Clase Magistral | Cupo: 40 personas

El Balcón Dispositivo Parasitario devela una memoria adquirida en la Central de Abastos de Oaxaca, ahondando en una de sus acciones transicionales más entrañables: “Las muchachas paráfrasis de Las criadas de Jean Genet / teatralidad efímera”, proceso de formación actoral que se instala como una zona intersubjetiva, permitiendo subvertir el tiempo laboral de dos jóvenes locatarias vendedoras de trastes, trazando reconfiguraciones en lo sensible lo perceptible y lo pensable sin ningún cálculo determinado.

Imparten: Saúl López Velarde, Sonia Díaz Gregorio y Fabiola Desales Silverio

LC2: TEATRO PARA PÚBLICOS ESPECÍFICOS

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 37

No es casualidad que la línea curatorial: Teatro para públicos específicos se fortalezca en el concepto de “minorías” y “grupos vulnerables”. Llama la atención que el 90% de las propuestas para esta línea, se enfocaban en obras elaboradas para jóvenes y niños. Tal parece que los artistas que se lanzan a la aventura de construir ficciones para los primeros 20 años, reconocen en ellos una urgencia política y social, los artistas buscan acercarlos a nuevos contenidos, comunicar desde nuevas plataformas y formatos o, dicho de otro modo, abordan temas vedados con tratamientos adecuados.

sus protagonistas son mujeres; es decir, sin proponérnoslo resultan un sensor de algunos temas urgentes de la agenda social.

En esta línea curatorial, la Dirección Artística buscó conformar un diverso abanico de intenciones específicas: experiencias para bebés, niños y jóvenes. Tenemos como comunidad una excelente oportunidad para reflexionar sobre las fronteras del teatro que se menciona o, ¿existen estas fronteras? ¿Cuáles son los aspectos que definen la especialización para este tipo de teatro?

El teatro para públicos específicos se convierte en algunos casos en un instrumento para la participación activa en la transformación de nuestra realidad social.

Caminando junto a ellas, dos experiencias: un seminario que reflexiona y construye para artistas que buscan generar espectáculos de calidad para jóvenes audiencias; y un minucioso estudio sobre las metodologías teatrales en México para personas con discapacidad. Seremos testigos de ocho extraordinarios proyectos, todos facturados con belleza y con una mirada política y social que esperan conectar con su espectador. Cinco de las obras convergen de algún modo en los temas de la pérdida y la ausencia, y en cinco de ellos,

Ocho miradas: cinco montajes, una ópera y dos experiencias. Esfuerzos que buscan el diálogo frontal con su público, aquel al que han decidido volcar sus energías y edificar. Artistas que construyen desde circunstancias muy particulares y formaciones diversas, pero con una intención común, aportar positivamente en la sociedad, construir y en algunos casos ayudar a visibilizar un sector olvidado en las políticas públicas.

Saúl Enríquez

Sábado 5 de noviembre | 16:30 h público y participantes | Teatro Carlos Amador | Duración: 50 min Puebla | Sincronía Teatral

ADN DIENTE DE LEÓN Dramaturgia: Rafael Pérez de la Cruz Dirección: Francisco Vidal

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 39

Reparto: Chuy / Nicolás Chumacero Chuy, amigo, Príncipe Vaca / Salvador Carmona Chuy, amigo, tío / Jesús Rojas Hermana, amigo, mamá / Karla Ibarra Marthita, amigo, Sara / María Fernanda López y Samantha Espinosa Créditos: Música: Roberto Mendoza Iluminación: Francisco Vidal Diseño Gráfico: Fernando Ochoa y Francisco Vidal Producción ejecutiva: Rafael Pérez de la Cruz Asistente de producción: Karla Ibarra

Sincronía Teatral se ha caracterizado por dirigir sus piezas al público adolescente, y en este montaje devela a un niño, quien, como los dientes de león, quisiera que el viento lo llevar lejos, en cualquier dirección, a un lugar mejor. Un proyecto contextualizado por la marginación, la violencia y relaciones familiares atrofiadas; la crudeza de la historia es abordada sin juzgar hechos, sin víctimas, una obra que propone adentrarse en tópicos pertinentes de una sociedad irrumpida. Con este proyecto, Sincronía Teatral participó en la Muestra Estatal de Teatro de Puebla 2014, siendo la única obra elegida para representar al estado de Puebla dentro del Festival Internacional de Teatro Héctor Azar. Contacto: Rafael Pérez de la Cruz Mail: rafaelperezdelacruz@ hotmail.com

Domingo 6 de noviembre | 16:30 h público y participantes | Teatro Carlos Amador | Duración: 45 min CDMX | La Colmena y en chinga producciones

APOIDEA, BREVE ÓPERA HEXAGONAL Compositor: José Miguel Delgado Libreto: José Miguel Delgado y Germán A. Panarisi Dirección: Jesusa Rodríguez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 41

Con: Mezzo-soprano: Catalina Pereda Narrador: Leonardo Ortizgris Abejorros y zánganos: Alejandro Camacho M. y Carlos Brown Ensamble: Vincent Touzet, flauta Pablo Ramírez, clarinete Haroldo de León, violín Natalia Pérez Turner, cello César Castellanos, guitarra Charly Daniels, percusiones José Miguel Delgado, director musical (conductor del ensamble)

Apoidea es una ópera para toda la familia sobre temas dulces de la vida real, la palabra hace referencia al nombre de la familia de insectos himenópteros a los que pertenecen las abejas y sirve como título de esta ópera para toda la familia que narra la historia de una abeja reina que canta en su castillo de miel. La ópera está escrita para una mezzosoprano, un narrador, dos actores y un sexteto de cámara, cuyas melodías son interpretadas en vivo (flauta, clarinete, violín, cello, guitarra y percusiones:vibráfono, maracas, bongós, claves y güiro), logrando un primer afortunado acercamiento al mundo operístico. Dirigida por el compositor José Miguel Delgado y la cantante Catalina Pereda, La Colmena surge a partir de la producción de la ópera Apoidea, rama infantil de En Chinga Producciones, una compañía independiente dedicada a la creación, producción y difusión de la ópera de cámara en México. La compañía cuenta con un catálogo de cinco óperas de cámara -dos de ellas para público infantil- cuya estética minimalista realza el valor de la imaginación y la colaboración cercana entre artistas y públicos. Ejemplo de ello son sus “óperas portátiles”, aptas para presentarse en foros abiertos y cerrados y llegar a diversos públicos.

Contacto: José Miguel Delgado Azorín Mail: jomidelgado@gmail.com

Sábado 12 de noviembre | 16:00 h público y participantes | Teatro Polivalente del CEART | Duración: 60 min CDMX | Proyecto Perla

COSAS PEQUEÑAS Y EXTRAORDINARIAS Texto y dirección: Daniela Arroio y Micaela Gramajo

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 43

Con: Daniela Arroio, Mario Eduardo D ́León, Micaela Gramajo y Sergio Solis. Diseño de espacio e iluminación y dirección técnica: Mario Eduardo D’León Música original y diseño sonoro: Jacobo Lieberman Artista visual, vestuario, utilería y museo: Ana Bellido Asistente de dirección: Ana María Benítez Asistente de producción: Tania Rodríguez Asesoría actoral: Bernardo Gamboa Difusión: Corina Rojas Caudillo (Pop Comunicación) Fotografía: Héctor Ortega Producción ejecutiva: Proyecto Perla - Daniela Arroio, Micaela Gramajo y Mario Eduardo D’León Coproducción Teatro INBA (Programa de Teatro Para Niños y Jóvenes de la Coordinación Nacional de Teatro)

Bajo la premisa de que los niños no son una inversión, ni un público al que hay que preparar para ir al teatro una vez que crezcan, sino que son un público ahora y tienen las mismas necesidades y derechos que el público adulto, Proyecto Perla trae a escena este pequeño pero extraordinario montaje sobre el exilio, una pérdida de lo que somos, de nuestra identidad, una fractura; y la desaparición forzada, un delito de lesa humanidad, que ausenta a las personas de entre los vivos así como de entre los muertos. Proyecto Perla trabaja para jóvenes audiencias poniendo sobre la mesa temas como la adopción, la explotación infantil, la muerte, la identidad, el exilio, y las desapariciones forzadas, temas complejos pero pertinentes y oportunos en nuestra sociedad que buscan el diálogo, a través del universo estético y dramatúrgico que acompaña cada proyecto.

Contacto: Daniela Arroio Mail: proyectoperla.proyectoperla@gmail.com

Domingo 6 de noviembre 11:00 y 12:30 h público | 16:00 y 17:00 h participantes | Foro Teatral La Carrilla Jalisco | A la Deriva Teatro Para bebes de 0 a 3 años

¿DÓNDE ESTÁ ISABELA? Autoría y dirección: Susana Romo

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 45

Jugadores:

Maetzin Vázquez, Scarlet Garduño, Oz Jiménez y Sheila Bañales (suplente)

Créditos:

Diseño de iluminación y escenografía: Carolina Jiménez Realización de escenografía y pintura de utilería: Centro Diseño de vestuario: Mireya Contreras Realización de vestuario: Mireya Contreras Música original: Noé Castro / Luis Alfonso Novelo Diseño de percusión corporal: Héctor Aguilar Farías Imagen: Guillermo Castellanos (Memo Plastilina)

Comunicación gráfica: Moisés Romero Asesoría en producción y logística: Laura López Diseño de móviles de viento: Diana Echaury Asistente general: Julieta Hernández Asesores generales: José Agüero y Adrián Hernández Arredondo Asesor en dirección: Fausto Ramírez Asistente de dirección y producción: Gerardo Hernández Idea original: Susana Romo Producción general: A la Deriva Teatro *Proyecto realizado con el apoyo de la Secretaría de Cultura de Jalisco

¿Dónde está Isabela? es una propuesta escénica incluyente e integradora para la primera infancia en México, realizada para niños y niñas de 0 a 3 años que busca ser una experiencia de convivencia integral y socialización en diversos niveles, un tejido de encuentros que vuelven significativa la experiencia entre los bebés y sus acompañantes, bebés y jugadores, bebés con el espacio y el hecho escénico y quizás la más importante bebés con otros bebés, con la intención de disponer todo para vivir en comunidad una experiencia significativa, lúdica y placentera. “Si entiendo el teatro como un lugar creado por la gente para comunicar a otra gente sentimientos, pensamientos, experiencias y donde vamos a sentirnos parte de una comunidad; entonces, es ridículo querer excluir a alguien. ¿Por qué no habrían de necesitar un lugar así los niños de dos años?” (Barbara Kölling, codirectora artística de Helios en Hamm, Alemania) Contacto: Fausto Ramíez Teléfono: 01 (33) 38 54 55 16

Lunes 7 de noviembre | 17:00 h participantes, 19:00 h público | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA | Duración: 60 min CDMX | Teatro INBA y Los Guggenheim

LO QUE QUEDA DE NOSOTROS De: Alejandro Ricaño y Sara Pinet Dirección: Alejandro Ricaño

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 47

Reparto:

Nata / Sara Pinet Toto / Raúl Villegas Músicos en escena: David Ortiz y Ricardo Estrada

Créditos:

Escenografía: Ricardo Ricaño Iluminación: Matías Gorlero Diseño de vestuario: Fernanda García Música original: David Ortíz y Ricardo Estrada Producción ejecutiva: Raúl Morquecho S. Diseño de imagen: Alejandro Magallanes Asistente de dirección: Álvaro Zúñiga Asistente de iluminación: Félix Arroyo Asistente de producción: Cecile Zepol Asistente de vestuario: Perla Luna Realización de escenografía: Alberto Orozco Constructor de riel: Juan Solares Una producción de Teatro INBA (Programa de Teatro para Niños y Jóvenes de la Coordinación Nacional de Teatro)

Lo que queda de nosotros es la primera pieza para públicos jóvenes que explora la compañía Los Guggenheim, y que se vuelve imprescindible dentro de la dramaturgia contemporánea, estrecha y vincula los sentidos de todo espectador, con tonos agridulces tanto en líneas como en notas musicales interpretadas en vivo. Ganadora del Premio Obra de Teatro para Niños 2014 por el INBA y el Gobierno de Torreón, la obra plantea una paleta de colores cuyas emociones matizan la muerte y el abandono, ausencias para cualquiera. “El mejor teatro para niños en México lleva ya más de dos décadas preguntándose qué temas sí se pueden tocar a los niños. Y la respuesta ha sido: todos. Saltamos de un teatro que trataba como subnormales a los infantes a un teatro inteligente y confrontador, que genera muchas preguntas para llevar a casa, a veces terrorista con los padres, doloroso y divertido, agridulce, fuerte y tierno, que pone a todos (grandes y chicos) a hacer de tejedores de la trama porque no lo da todo digerido, como en películas de Disney, que sacude el alma y te hace morir de risa, pero con una que es pensante”. (Milenio, por Jaime Chabaud) Contacto: Alejandro Ricaño Mail: alejandroricano@ hotmail.com

Sábado 5 de noviembre | 13:00 h público y 18:00 h participantes | Unidad Deportiva Lic. José López Portillo | Duración: 55 min Jalisco | El Tlakuache teatro de títeres y Colectivo transeúnte

PAJARITA, UN NUDO DE MARIPOSA Dramaturgia: Marie-Eve Huot Traducción: Humberto Pérez Mortera Dirección: Daniela Casillas

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 49

Reparto:

Amelie / Scarlet Garduño Papá / Ihonatan Ruiz el Tlaku-h

Créditos:

Producción general: El Tlakuache teatro de títeres Producción ejecutiva: Paola Uribe En colaboración con el Colectivo Transeúnte Asistente de dirección: Renato Polo Diseño y realización de objetos: Iker Vicente y Humberto Galicia Vestuario: Andrés David Música original: Abigail Vázquez Diseño del espacio escénico e iluminación: Daniela Casillas Construcción del espacio escénico: Francisco Durán Diseño de imagen: Tony Hernández Fotografías: Danae Kótsiras * Ganadora del programa “Jalisco a escena 2015” de la Secretaría de Cultura de Jalisco en la categoría de teatro para niños y adolescentes.

Pajarita, un nudo de mariposa es una obra de teatro dirigida a público joven, con la que El Tlakuache teatro de títeres, grupo originario de Guadalajara Jalisco con quince años de trabajo ininterrumpido, continua su búsqueda e investigación en lo que a teatro para jóvenes audiencias se refiere, específicamente entre 11 y 15 años, una peculiaridad en los montajes en la ciudad de Guadalajara, experimentando con el lenguaje de los títeres y los resultados que se pueden lograr al fusionarlo con otras expresiones escénicas. El montaje fue premiado con el apoyo Jalisco a Escena para su producción, un programa que selecciona tres proyectos escénicos al año, uno de los cuales está dirigido específicamente a jóvenes audiencias. El Tlakuache teatro de títeres en complicidad con el Colectivo Transeúnte, invitó a Daniela Casillas a realizar la puesta en escena, una joven directora que se ha desempeñado de manera continua y profesional al teatro para jóvenes. Como parte del elenco está el director del grupo El Tlakuache, Ihonatan Ruiz, becario del programa Creadores escénicos 2016 por parte del FONCA , logrando así como parte de los objetivos del proyecto, la conjunción entre la experiencia y las nuevas poéticas, una forma en la que el grupo considera importante para evolucionar las propuestas el teatro en la ciudad de Guadalajara.

Contacto: Alejandro Ihonatan Ruiz Rivera Mail: eltlakuache@gmail.com

Jueves 10 de noviembre | Participación exclusiva en el Encuentro de Reflexión e Intercambio HIDALGO | Neurodrama A.C.

SEMINARIO Y ENCUENTRO NACIONAL DE ESPECTÁCULOS PARA ADOLESCENTES. POÉTICAS JÓVENES Titulares: Enrique Olmos de Ita y Liliana Carpio

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 51

El Seminario y Encuentro Nacional de Espectáculos para Adolescentes. Poéticas jóvenes son programas académicos realizados a través de dos convocatorias nacionales destinados a directores, actores, bailarines, intérpretes y productores de grupos profesionales en México que buscan profesionalizar y actualizar su poética de trabajo en relación con el teatro, la danza, el performance y/o artes circenses dirigido a jóvenes de 12 a 29 años. Estos programas educativos son ejecutados ininterrumpidamente desde el 2013 en Pachuca, con el apoyo del Gobierno del Estado de Hidalgo, a través del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo y la compañía de teatro Neurodrama AC. El Seminario busca completar un breve, pero sustancioso plan pedagógico en el cual se revise la propuesta escénica, la gestión, proyección y captación de público según el perfil de la zona de trabajo y/o residencia del grupo; el Encuentro, por su parte, tiene como objetivo mostrar e incluir una revisión y análisis puntual de diversas puestas elegidas a nivel nacional en las cuales se muestren los distintos trabajos escénicos dirigidos a jóvenes que se realizan a lo largo del país. Ambos programas comparten el objetivo de incrementar la calidad de los espectáculos escénicos dirigidos a los jóvenes a nivel nacional; impulsar el profesionalismo de directores y productores escénicos del país, a través de la formación académica coordinada por especialistas; actualizar la poética de trabajo de los creadores artísticos en el ámbito de las artes escénicas, con excepción de la música, y consolidar el debate escénico y académico sobre los espectáculos dirigidos a público joven.

Contacto: Liliana Pérez Carpio Mail: lilianacarpio@ neurodrama.com

Jueves 10 de noviembre | Participación exclusiva en el Encuentro de Reflexión e Intercambio VERACRUZ

DEL ESCENARIO TEATRAL A LA ESCENA SOCIAL: TEATRO, DISCAPACIDAD E INCLUSIÓN SOCIAL Titular: Hitandehui Margarita Pérez Delgado

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 53

“El derecho a la cultura está relegado para el 15% de toda la población mundial que vive con alguna discapacidad; sin embargo, en años recientes compañías y colectivos de artes escénicas han combatido esta discriminación. De las investigaciones que se han realizado sobre el tema, el trabajo de Hitandehui Pérez Delgado, Del escenario teatral al escenario social: teatro, discapacidad e inclusión social, Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas, es una reflexión pionera.” (Luis Manuel Amador, entrevista Tierra Adentro) Hitandehui reflexiona sobre los cruces entre teatro, inclusión social y discapacidad, partiendo de las exclusiones que la población con discapacidad continúa viviendo en diversas esferas sociales, así como valorando al arte como bien común, su papel en la democratización de los bienes simbólicos y el pleno ejercicio de los derechos económicos, sociales y culturales estipulados en diversos tratados internacionales. Se abarca más allá de los enfoques terapéuticos a los que típicamente se relega el arte desde la discapacidad. Conscientes de la transición paulatina en las maneras de comprender y acercarse al tema de discapacidad, es relevante que en materia de acceso a la cultura también se visibilicen aquellas experiencias que desde la discapacidad interrogan a la “normalidad” en el teatro; comprendiendo además la importancia de construir debates en torno a la discapacidad con una perspectiva latinoamericana, creándolos desde diversas experiencias como el “Centro Argentino de Teatro Ciego” y la compañía de teatro de sordos “Seña y verbo” en México, donde las personas con discapacidad crean en escena a partir de sus generosidades, ofreciendo propuestas estéticas en escena a partir de ellas, aportando desde la escena a un cambio en las representaciones sociales de la discapacidad.

ERI Y CLÍNICAS LC 2 jueves 10 de noviembre 9:00 h -11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Compañía El Tlakuache Teatro de Títeres en colaboración con Colectivo Transeúnte

CONCEPCIÓN DE PUESTAS EN ESCENA PARA PÚBLICO JOVEN CON ENFOQUE EN LA RELACIÓN EJECUTANTE – OBJETO

Clínica | Cupo: 25 personas Clínica teórica-práctica en la que se planteará la conceptualización de un espectáculo dirigido para público joven con enfoque especial en teatro de títeres y objetos. El objetivo es preguntarnos las razones por las que elegimos trabajar con espectadores de determinado rango de edad o por el contrario definir a qué rango de edad está dirigido mi proyecto. Abordaremos preguntas que nos guíen hacia las bases que pueden cimentar una determinada puesta en escena para públicos jóvenes, nos preguntaremos: ¿Cuáles son los parámetros para elegir un público específico por edades? ¿Cómo es que esos rangos de edad determinan el camino de un proyecto escénico? ¿Cuáles son mis estrategias para establecer un diálogo auténtico y horizontal con los jóvenes espectadores? Y, finalmente, ¿cómo se construye la relación con el ejecutante y el objeto en dicha poética? Imparten: Daniela Casillas y Scarlet Garduño. Cosas pequeñas y extraordinarias. Proyecto Perla

PUESTA EN ESCENA Y ACTUACIÓN EN EL TEATRO PARA NIÑOS

Taller | Cupo: 30 personas Taller en el que exploraremos diversas aproximaciones a la actuación y diseño de puesta en escena en el teatro para niños contemporáneo. Imparten: Micaela Gramajo y Daniela Arroio.

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 55

¿Dónde está Isabela? Compañía A la Deriva Teatro

RETOS Y PERSPECTIVAS DEL TEATRO PARA LOS PRIMeROS AÑOS EN MÉXICO.

(Experiencia del proceso de creación de ¿Dónde está Isabela?)

Clínica | Cupo: 35 personas A partir de una experiencia particular como fue el proceso de creación de “¿Dónde está Isabela? Teatro para bebés”, se hablará de los retos, dificultades y oportunidades que se presentan en un contexto tan complejo como el que vive nuestro país cuando se busca generar un espacio de encuentro extraordinario, lúdico y significativo entre bebés, acompañantes y jugadores, que incluya además como eje creativo una visión horizontal e incluyente del hecho escénico. Compartiremos, además, referentes de puestas en escena en diversas partes del mundo dedicadas a los niños en sus primeros años. Imparten: Susana Romo y Oz Jiménez. Apoidea, breve ópera hexagonal. La colmena / En chinga producciones

PROCESOS DE CREACIÓN DE ÓPERAS PORTÁTILES

Taller | Cupo: 30 personas En este taller recrearemos en un espacio de dos horas el proceso de producción de una ópera de cámara; desde la escritura del libreto, la composición de la partitura, el diálogo entre compositor y libretista, la colaboración del compositor con los intérpretes, los ensayos musicales y escénicos y la representación final de ésta. La idea con este ejercicio es ahondar en la naturaleza de la ópera como una rama del teatro en donde la música está en constante diálogo con las palabras y la escena. Requisito para los participantes: traer una breve historia / anécdota / conflicto / situación de menos de media cuartilla en formato de monólogo, diálogo, u otro, que pueda contarse en un par de minutos, a fin de que contemos con material para realizar el ejercicio. Imparten: José Miguel Delgado (compositor y productor) y Catalina Pereda (cantante, libretista y productora).

Lo que queda de nosotros. Los Guggenheim

TALLER DE MÚSICA PARA TEATRO

Taller | Cupo: 30 participantes Contenido: De la letra al sonido. El primer contacto con el libreto y la conceptualización musical. Lucha de gigantes. O cómo componer colaborativamente sin morir en el intento. Nuestro querido dictador. O ajustes entre lo que el músico imagina y lo que el director le pide. La vida se toca sin ensayos, pero las obras no. O de cómo es vital llevar una bitácora de trabajo. Yo no soy yo, sino nosotros. La música de teatro está al servicio del teatro, y no al revés. Manos en la musa. Ejemplificación del trabajo musical a partir de un texto trabajado in situ con los asistentes al taller. Imparten: David Manuel Ortiz Barradas y Ricardo Raúl Estrada. ADN Diente de León. Compañía Sincronía Teatral

CÓMO INTERPRETAR LOS TEXTOS CONTEMPORÁNEOS A TRAVÉS DE LA ACTORALIDAD

Clínica | Cupo: 25 personas El trabajo con el actor en escena: ¿cómo interpretar los textos contemporáneos a través de la actoralidad? En esta clínica abordaremos la interpretación del texto dramático, a través de un trabajo práctico con el actor que consistirá en: 1.- Generación y clarificación de imágenes para la escena. 2.- La relación del cuerpo en el espacio y cómo este se modifica a partir de las imágenes generadas en el actor para articular una mejor lectura del texto en escena. 3.- Expansión de la imagen escénica hacia la sonoridad, creación de atmósferas, tonalidades y matices que darán como resultado una mejor interpretación actoral. Texto: EBUR de Rafael P. De la Cruz Imparten: Francisco Vidal y Karla Ibarra

Seminario y Encuentro Nacional de Espectáculos para adolescentes, poéticas jóvenes. Compañía Neurodrama A.C.

¿TEATRO PARA JÓVENES PARA QUÉ?

Clínica de trabajo | Cupo: 40 participantes Constará de tres momentos principales: una exposición informativa del Encuentro Poéticas Jóvenes; enlace en vivo, vía internet, con algunos participantes destacados en la experiencia anual que ocurre en Pachuca; y, finalmente, una dinámica de escritura sobre la adolescencia como crisol para la reflexión sobre el teatro para jóvenes. Imparten: Enrique Olmos de Ita y Liliana Carpio. Del escenario teatral a la escena social: Teatro, discapacidad e inclusión social

TEATRO Y DISCAPACIDAD EN MÉXICO

Conferencia | Cupo: 40 personas Se compartirá el panorama general de la relación teatrodiscapacidad en México, así como las principales líneas sobre las que versa dicha conjugación: poéticas sordas, teatro a oscuras, teatro sensorial y otras. Se abunda en el continuo inclusión / exclusión partiendo de las experiencias de los actores y actrices de Seña y Verbo Teatro de Sordos y la puesta en escena La casa de los deseos. La parte medular de esta investigación es el desarrollo de la analogía entre escena teatral y escena social. Disertando sobre cómo se cuestionan y replantean los imaginarios lastimeros hacia la población con discapacidad desde el escenario teatral. Imparte: Hitandehui Margarita Pérez Delgado

LC3: TEATRO LIMINAL O QUE CUESTIONE LOS LÍMITES DE LAS DEFINICIONES CONVENCIONALES DEL TEATRO

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 59

La línea curatorial “Teatro liminal o que cuestione las definiciones convencionales del teatro” se propone dentro de la MNT como el territorio de observación de aquellos fenómenos que, definiéndose a sí mismos y reclamando su lugar como definitivamente teatrales, requieren de la discusión sobre su naturaleza, su visionaria propuesta o su controversial falta de clasificación; además de exponerse – en ese único privilegio de la Muestra– a la confrontación con la comunidad teatral nacional y del público de San Luís; requieren enfrentarse a la valoración de su pertinencia, su urgencia o sentido de equilibrio entre argumentación y práctica. Las dos obras seleccionadas fueron consideradas por la Dirección Artística como propuestas sólidas, no sólo en su ejecución, sino en los largos procesos de trabajo que desarrollaron sus creadores, comprometidos con miradas escénicas construidas a base de riesgos teatrales. Es un teatro que no cae en la espectacularidad seductora de la provocación vana, por el contrario, se posiciona ante su potencial espectador con procesos y temas que le exigen el mismo compromiso que sus creadores. La Dirección Artística asume la necesidad y lo cree una responsabilidad también, que la Muestra Nacional de Teatro dedique un espacio especialmente a estas construcciones de exploración teatral, que actualmente tienen presencia en todo el país, y que en casos consolidados como los aquí seleccionados, presentan preguntas pertinentes para la comunidad, convertidas en particulares posibilidades de experiencia para el público que los presencia. Los proyectos seleccionados, además de su calidad y complejidad de proceso, han sido incluidos por las preguntas que se plantean. En ningún momento se utilizaron parámetros de “novedad” o “ruptura” ya que estos valores no son sustanciales a la mirada de esta Línea curatorial, por considerarse valores de la vanguardia del siglo XX o de las exigencias del mercado teatral. Por ello la pertinencia, precisión o belleza de la pregunta o el cuestionamiento del límite escogido, se convirtió en el parámetro de decisión. La

arquitectura del silencio. Homenaje escénico a Andrei Tarkovski constituye una pieza sobre la intimidad y lo sutil de la memoria. Su proximidad entre actores y espectadores retoma la subjetividad y la vida interior que distinguió la poética del director ruso y la vuelve una experiencia humana directa, apelando a las estructuras oníricas, de la nostalgia o del recuerdo, tan denostadas en el mundo de la efectividad imperativa del mercado, incluso para el “éxito” teatral. Por otro lado, Fábula Rasa es una obra construida con creadores de Baja California y Yucatán. De esta polaridad nacional surge un teatro sobre la diferencia como punto de encuentro. El discurso político es llevado a un proceso de montaje que puede considerarse clásico y ejemplar en sus decisiones teatrales. Finalmente, la dirección artística invitó a la dirección de Artes Escénicas del Museo Universitario del Chopo como “Experiencia relevante”, por considerar que bajo su dirección se ha logrado generar un espacio propicio para el teatro de experiencias liminales, proponiendo y gestionando residencias, intercambios, coproducciones y proyectos que han tenido incidencia en su comunidad barrial y vecinal, así como en la conversación internacional. Doble frente que pocas veces se logra con éxito y capacidad de permeabilidad e influencia, como lo ha logrado el Museo del Chopo. Estas dos obras y la experiencia convocada, presentan el potencial de cuestionamiento de nuestro teatro y, al mismo tiempo, afirman su valor como montajes de consolidación y factura de alto rigor, antagónicos a la crítica común a estas teatralidades que las juzgan teatros de improvisación y de autoconsumo. La pregunta es en sí un acto fundacional del teatro, que requiere ponerse en crisis a sí mismo una y otra vez, asumiendo con madurez las consecuencias de su propia puesta en relatividad. Alberto Villarreal

Martes 8 de noviembre|Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA 19:00 h participantes y 20:30 h público Miércoles 9 de noviembre | 18:30 h participantes y 20:00 h público | Duración: 50 min YUCATÁN – BAJA CALIFORNIA | Fábula Rasa

FÁBULA RASA De Noé Morales a partir de textos de Luis Ramírez, Marysol Ochoa y Erick Silva Dirección: Luis Ramírez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 61

Con:

Marysol Ochoa, Zaab’di Hernández Can y Erick Silva. Créditos:

Dirección artística y diseño multimedia: Luis Ramírez Dirección escénica: Erick Silva Asistente de dirección y producción/ técnico de iluminación: María José Pool Castellanos

Desde el inicio el espectador es inserto en una estructura que en apariencia le otorga el poder de elegir y modificar el desarrollo escénico de lo que acontece, sensación de ilusión que perdura hasta el final de la pieza. La metáfora sobre la que descansa esta idea se inspira en las máquinas saca peluches ubicadas en las plazas comerciales, las cuales están programadas para que las posibilidades de sacar un premio sean ínfimas, un espejismo semejante a nuestra estructura socio-política mexicana donde la posibilidad de ascender en la escala social es prácticamente un simulacro. Se utilizan varios elementos inspirados en la fábula: utiliza animales antropomorfizados y objetos animados como medio de distanciamiento para generar críticas de un entorno inmediato. Lo que se pretende al utilizar a Tijuana es convertirla en un animal humanizado para hablar de problemáticas específicas de Yucatán, ya que la distancia geográfica y cultural de dicha ciudad permite lograr el efecto de distanciamiento deseado. El proyecto fue asesorado por investigadores como Luis Alfonso Ramírez y Gustavo Abud Pavía. La investigación socio antropológica fue fundamental para entender, dar complejidad y argumentación al discurso de Fábula rasa. Contacto: María José Pool Castellanos Mail: majo.pool@gmail.com

LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO Homenaje escénico a Andrei Tarkovsky Autoría y dirección: Agustín Meza

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 63

Arquitectos escénicos:

Beatriz Juan Gil, Diana Lara Santoyo, Genny Galeano, H. Alejandro Obregón, Lola Barajas y Rodrigo Vargas Díaz y Raúl Eduardo Ángeles Flores Créditos:

Idea, concepto y dirección: Agustín Meza Promotor: Rodrigo Vargas Díaz

Producción 2015 de la Compañía de Teatro El Ghetto. La arquitectura del silencio / Homenaje escénico a Andrei Tarkovsky es un dispositivo escénico contemporáneo, radical y liminal, que explora el silencio (como metáfora artística), a través del lenguaje de la Tersura. La puesta es un estudio escénico sobre lo invisible, es un poema escénico que sucede en algunos laberintos de la memoria y de lo ausente. El proyecto inició su proceso de investigación y creación escénica a mediados de 2014, justo en la era de escenificación de La habitación y El Tiempo de Botho Strauss. El proyecto original planteaba realizar una versión teatral de la película “Stalker” de Andrei Tarkovsky, en la ciudad de Querétaro. A principios de 2015, la Compañía de Teatro El Ghetto replanteó el proyecto Stalker, como un proyecto escénico en homenaje a Tarkovsky, que tenía como premisa principal explorar el silencio desde la arquitectura del arte. Durante el segundo semestre de 2015, el proyecto obtuvo el apoyo de Fundación BBVA Bancomer; el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Querétaro PECDA 2015; y el respaldo de FONDEADORA. En noviembre de 2015, tras dieciocho meses de proceso de investigación y creación escénica, la Compañía de Teatro El Ghetto estrena la producción en el circuito del Festival lberoamericano Teatro para el fin del Mundo, realizado durante noviembre y diciembre de ese año, en Tampico, Tamaulipas; Montevideo, Uruguay; y Buenos Aires, Argentina. Ofreciendo un consistente trabajo teatral, inspirado y dedicado en el universo del cineasta ruso Andrei Tarkovsky (1932-1986). Contacto: Agustìn Meza Mail: companiadeteatroelguetto@ gmail.com

Viernes 11 de noviembre | Participación exclusiva dentro del Encuentro de Reflexión e Intercambio CDMX | UNAM

MUSEO UNIVERSITARIO del chopo Residencias artísticas Director: José Luis Paredes Subdirector: Claudia Manzanilla Briseño, Artes Escénicas: Mariana Gándara

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 65

Para artistas y espectadores el Museo Universitario del Chopo ha significado durante décadas un espacio de descubrimiento y exploración. Su historia lo distingue como el epicentro de los movimientos culturales que dieron presencia a aquellos que no sólo permanecían marginados del mercado del arte sino del ámbito social mexicano. Este ánimo incluyente ha provocado un diálogo creativo que sigue transformando el panorama artístico de nuestro país y su contexto. Los asistentes al museo reflejan la pluralidad de la institución: perfiles diversos convergen al interior de sus muros de cristal favoreciendo el intercambio entre geografías, clases sociales, escolaridades, géneros y edades. El propósito de la Coordinación de Artes Vivas del Museo Universitario del Chopo es facilitar a la comunidad universitaria y al público en general el acceso a las artes vivas contemporáneas para promover su entendimiento y disfrute. El área ha logrado importantes resultados no sólo cualitativos sino cuantitativos por medio de una curaduría que desafía las formas tradicionales de lo escénico al tiempo que facilita al espectador las herramientas necesarias para decodificar lo que vive. De esta manera el museo se posiciona como el espacio universitario idóneo para experimentar propuestas que marcan tendencia, produciendo encuentros excepcionales que resultan significativos y memorables.

Contacto: Mariana Gándara Mail: escénicas.chopo@ gmail.com

ERI Y CLÍNICAS LC 3 viernes 11 de noviembre 9:00 h - 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

La arquitectura del silencio. Compañía Teatral El Guetto A.C.

TODOS ESTAMOS ESPERANDO QUE POR FIN APAREZCA ESO QUE NO PODEMOS VER

Clínica | Cupo: 40 personas Es un instrumento pedagógico que tiene como objetivo elaborar un breve y significativo proceso creativo, que logre construir un dispositivo escénico de carácter transgresor, que revele todo aquello que le duele a México; según la visión de artistas, talleristas y público en general, a partir de poéticas contemporáneas vinculadas con el lenguaje del silencio. Imparten: Agustín Meza, Genny Galeano y H. Alejandro Obregón. Fábula Rasa

MAPAS VISUALES E INTERACTIVIDAD PARA LA ESCENA

Taller | Cupo: 30 personas Diseño y planificación de espacios usando superficies de proyección alternas y móviles, herramientas de trazo en vivo, sensores de temperatura, movimiento, tacto y presión mediante programación sencilla. A través de la creación de grupos de trabajo con proyectos específicos, se atacará el resultado final deseado con las herramientas disponibles. Imparten: Erick Silva Jiménez y Luis Ramírez Ramírez.

Museo Universitario del Chopo / Artes Vivas

EL PATRIMONIO DE LO EFÍMERO SE EJERCE EN LO ENTRAÑABLE

Clínica | Cupo: 30 personas El propósito de la Coordinación de Artes Vivas del Museo Universitario del Chopo es facilitar a la comunidad universitaria y al público en general el acceso a las artes vivas contemporáneas para promover su entendimiento y disfrute. El área ha logrado importantes resultados, no sólo cualitativos, sino cuantitativos, por medio de una curaduría que desafía las formas tradicionales de lo escénico al tiempo que facilita al espectador las herramientas necesarias para decodificar lo que vive. La clínica busca utilizar este ejemplo para en conjunto analizar distintas maneras en que una programación puede provocar encuentros excepcionales que resulten significativos y memorables. Imparte: Mariana Gándara Salazar

LC4: TEATRO DE INTENCIÓN ARTÍSTICA Y PROPUESTA ESTÉTICA

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 69

Esta línea presenta trece obras de consolidación en los diversos discursos teatrales existentes en México. En ella convergen desde compañías independientes con proyectos de atinada sencillez y contundencia como el caso de Dante Gaspar, un hombre en aguas peligrosas o Hikari, una poderosa máquina de velocidad; hasta las recientes producciones de los grandes centros de creación, que aunada a su complejidad discursiva, suman su experiencia y tradición en nuestro teatro y en las Muestra Nacionales. Es el caso de Antígona de Teatro UNAM, Las Muertas de la Universidad Veracruzana o El diccionario de la Compañía Nacional de Teatro. Por otro lado, en esta selección, puede observarse un mapa de la creciente complejidad en México de las estrategias de producción, que van desde las coproducciones internacionales como sucede en Cuando todos pensaban que habíamos desparecido, hasta esfuerzos de integración de recursos nacionales y de las compañías como es el caso de Un día ya no estaremos aquí, creo y Chimpancé, una máquina biológica. La diversidad de esta línea permite observar una síntesis del hacer nacional; una revisión del estado del teatro actual, a través de creadores contemporáneos ya consolidados. Es así que aparecen dramaturgias referenciales como Cachorro de león, todo sobre mi padre de Conchi León o La belleza de David Olguín;

y aparecen poéticas de dirección de igual fuerza referencial y discursiva como Mario Espinosa con Una luna para los malnacidos, Martín Zapata con Dos almas en vilo o Raquel Araujo con El divino Narciso. Esta línea curatorial fue a la que se inscribieron más propuestas, por ello, la dirección artística decidió que fuera la más nutrida, considerando que, en la observación de las obras contenidas, se refleja el alto contraste de las condiciones de producción del país, pero al mismo tiempo, la riqueza y complejidad de discurso que se encuentra prácticamente en cualquier punto de la república teatral. La afluencia en esta línea indica que la mayoría de las obras de teatro y experiencias que se postularon a la Muestra Nacional siguen sosteniendo la convicción del teatro como acto estético con valores artísticos, y por ello, susceptibles de ser mirados como acto ético, como reinvención de la otredad de lo real que implica la ficción; como la orquestación particular de sus creadores del organismo del convivio; como unicidades de la relación entre acción y contemplación, opuestos complementarios y activos del teatro. Alberto Villarreal

Jueves 3 de noviembre | Teatro de la Paz | 20:30 h | Duración 110 min CDMX | Teatro UNAM

ANTÍGONA Autoría y dirección: David Gaitán

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 71

Reparto: Antígona / Marianella Villa Creonte /Adrián Ladrón Sabiduría / Haydeé Boetto* Hemón / Alan Uribe Villarruel Ismene /Ana Zavala Guardia / Guillermo Nava Amante / Mishell Ordóñez Créditos: Productor ejecutivo: Mishell Ordóñez Asistente de dirección: Andrea Celeste Padilla Gutiérrez Escenografía: Auda Caraza ** y Atenea Chávez Asistente de escenografía:

Mariana Dehesa Christlieb Constructor de escenografía: Antonio Pérez y Constructores Escénicos Realizador de cuerpos y piedras de yeso: Mariana Dehesa Christlieb Pintura escénica: Asunción Ramírez “Chon” Diseño de iluminación: Matías Gorlero Asistente de iluminación: Félix Arroyo Diseño de vestuario: Ricardo Loyola Diseño sonoro: Xiconténcatl Reyes Asistente de diseño sonoro: Dulce Mariel Gutiérrez Asesoría en pantomima: Enrique Estrada *Creadores Escénicos con Trayectoria/FONCA **Sistema Nacional de Creadores de Arte/FONCA

Familia y sociedad, dos grandes temas que se vuelcan a la reflexión a partir de la tragedia griega de Antígona, un texto de Sófocles montado por primera vez en 442 a.C. que es adaptado por el dramaturgo y director mexicano David Gaitán, para contextualizar la situación de violencia y poder que se vive en nuestra sociedad. Apoyado con textos de Bertold Bretch, Jean Anouilh y Georgie Steiner, Antígona se revela como un texto moderno adaptado al español contemporáneo, en el que se narra cómo la protagonista de la historia desobedece las leyes a raíz de la muerte de su hermano, y donde se cuestionan los alcances de la democracia. Presentado por Teatro UNAM, esta obra fue puesta en escena en 2015, un año después de la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, fenómeno social que desató un estímulo a la meditación sobre la construcción de la realidad y sus dimensiones éticas, así como el desacato de la ley frente a un contexto determinado. David Gaitán ha escrito y montado más de 15 obras de teatro que se ha representado más de 300 veces, entre las que destacan Simulacro de Idilio, Escurrimiento y anticoagulantes y Beisbol. Contacto: Mishell Ordóñez Angeles Mail: ordonez.mishell79@ gmail.com

Jueves 10 de noviembre | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA | 18:30 h público y participantes Dur: 75 mins Yucatán | Saas Tun

CACHORRO de león casi todo sobre mi padre Autoría, dirección y actuación: Conchi León

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 73

Créditos:

Colaboración artística: Juliana Faesler Iluminación: Esaú Corona Productor ejecutivo: Oswaldo Ferrer

Cachorro de León es un monólogo que escribí desde la mirada de una niña de cuatro años que no entiende porqué en su casa las cosas siempre acaban en lugares opuestos: “La limonada en el piso, la televisión a la calle, los santos y las veladoras en cualquier lugar; incluso en nuestra cabeza o en la de mamá. Aunque hay que decir que a nosotras nunca nos golpeó, él siempre iba por mamá, pero de alguna manera, cada vez que asentaba su puño sobre ella, éste hacía un eco muy fuerte dentro de nosotras”. Ésta es una historia cien por ciento biográfica, aunque para contarla recurrí a ciertas evocaciones entre “Pedro Páramo” y “El gran pez”porque aún cuando está muy dicho: la realidad siempre supera la ficción, y es solo en esos recursos de ficción donde ésta historia pudo construir un final feliz…o algo parecido. Vivo en un estado que ocupa el primer lugar nacional en intoxicación por alcohol y tercer lugar en violencia intrafamiliar. No es fácil ser parte de la estadística. No fue fácil durante todos estos años, hasta que el tercer infarto de mi padre y su petición de despedirse de mi, me hizo recordar aquel poema de Nezahualcóyotl : “Que tu corazón se enderece, aquí nadie vivirá para siempre”. Conchi León

Contacto: Conchi León Mail: laleonconchi@gmail.com

Sábado 12 de noviembre | Unidad Deportiva Lic. José López Portillo | 17:30 h participantes 19:00 h público | Duración: 60 min Nuevo León – Veracruz – CDMX | TRES Colectivo Escénico, La Resistencia, El Gato Tuerto, David Colorado –Estudio Teatral-

CHIMPANCÉ: Una máquina biológica De: David Colorado Dirección: Patricia Estrada y David Colorado

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 75

Con:

Morena González, Iván Ontiveros1, Karina Eguía2, Víctor Hernández, Patricia Estrada, David Colorado, Hiram Kat y Mayra Vargas3 1. Becario del Programa Jóvenes Creadores FONCA 2. Becaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico N.L. 3. Becario del Programa de Creadores Escénicos del FONCA 2015

Créditos:

Asistente de dirección: Mayra Vargas Asistencia técnica: Maribel Amezcua Entrenamiento y coreografía: Iván Ontiveros Arte, iluminación y sonido: Hiram Kat Escenografía: Iván Ontiveros Montaje Set: La Resistencia

Con el talento y conocimiento de artistas de Veracruz, Ciudad de México y Nuevo León, se realiza el montaje de Chimpancé, una máquina biológica¸ un texto de David Colorado que fue parte de dos selecciones oficiales: El Festival de la Joven Dramaturgia (Querétaro-2015) y Residencias Artísticas (Portugal-2015). La obra presenta a dos ladrones que irrumpen en una fiesta de artistas, pero uno de los delincuentes es atacado por los invitados. El dramaturgo, David Colorado, sociólogo y biólogo se interesó por observar y analizar cómo la violencia opera desde la racionalidad y cómo se amalgama con la inteligencia en una dinámica que va más allá de los instintos del ser humano. Además de éste, la única especie que comete actos violentos premeditados calculados, es la del chimpancé, de ahí el origen de la obra. De acuerdo con Patricia Estrada, codirectora del proyecto, en tiempos en los que en el teatro existe una tendencia hacia los unipersonales y formatos sencillos, la puesta en escena se ajusta a un esquema mucho más desafiante, con un equipo grande y con teatristas que tienen perspectivas distintas de abordar la escena, lo que los ha enfrentado a distintos retos y también ha contribuido al enriquecimiento de la propuesta en la que se potencia la palabra y la actuación, la que describe como moderna, ágil y oscilando entre el sentido del humor negro y lo trágico.

Contacto: Patricia Estrada Mail: patriciaestradar@ gmail.com

CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO Creación colectiva Dirección: Damián Cervantes

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 77

Actores:

De México: Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, José Rafael Flores y Luis Alberti. De España: Maite Urrutia e Irene Caja. Músico: Alejandro González

Créditos:

Dirección y diseño de espacio: Damián Cervantes Producción ejecutiva: Vania Sauer Producción de IBERESCENA y Vaca 35 Teatro en Grupo

Una creación colectiva de gastronomía escénica, con base en la comida, sobre la celebración del día de muertos y el cruce de dos tierras. Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido se trata de una colaboración entre Vaca 35 Teatro en Grupo (México) y Teatro de CERCA (España), apoyado por IBERESCENA. Fruto de esta entente artística transoceánica, ha surgido un diálogo entre dos maneras de enfrentarse a la muerte y una dramaturgia para reflexionar sobre la vida. El proyecto evoca aromas de infancia, voces queridas, palabras que quedaron grabadas y música que transportan al espectador a un pasado que, a fuerza de añorarlo, tal vez solo existió en la imaginación. La dramaturgia del proyecto reflexiona sobre la violencia, racismo, aculturación, inmigración y muchas de las lacras que afectan a la sociedad. En México se celebra a los muertos, se les piensa, se les invoca y cocina lo que más les gustaba, para que un día al año regresen y se sienten a la mesa, convivan con sus familiares y se digan hasta luego. Este proyecto, de cruce cultural entre México y España tiene por objetivo, el viaje personal, social y gastronómico de la muerte, que ha construido el bagaje personal del mexicano fundando su identidad e invitándolo a celebrar el presente.

Contacto: Vania Sauer Mail: vaca35produccion @gmail.com

Viernes 11 de noviembre | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA | 19:00 h público y participantes Duración: 70 min Baja California | Colectivo de Teatro en Espiral

DANTE GASPAR, UN HOMBRE EN AGUAS PELIGROSAS De: Gregorio Carrillo Dirección: Michelle Guerra

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 79

Reparto: Dante Gaspar / Goyo Carrillo Créditos: Diseño de iluminación: Lupillo Arreola Sonorización y musicalización: Miguel Ángel Cuevas

Derivado del apoyo recibido por el Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico, en la categoría Creadores con Trayectoria, nace la obra Dante Gaspar, un hombre en aguas peligrosas, presentada por el Colectivo Teatro en Espiral. Michelle Guerra, directora de la puesta en escena, ha montado más de 15 obras, entre ellas ConTemplar, dirigida a niños de 0 a 3 años y pertenece a la Red Nacional de Mujeres de teatro. Dirige el Colectivo Teatro en Espiral fundado en 2005, grupo emblemático del teatro para niños de Baja California, con el propósito de generar proyectos de calidad, donde se desarrolle primordialmente el trabajo actoral y grupal, enfocándose en desarrollar teatro para niños, talleres, y montajes escénicos comprometidos con la investigación y exploración constante de formas y temas para dialogar.

Contacto: Michelle Guerra Adame Mail: miguerra@hotmail.com

Viernes 4 de noviembre | Teatro Polivalente del CEART | 17:00 h público | 20:30 h participantes | Duración: 90 min Compañía Nacional de Teatro

EL DICCIONARIO De: Manuel Calzada Pérez Dirección: Enrique Singer2

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 81

Reparto:

María / Luisa Huertas Fernando / Óscar Narváez Doctor / Roberto Soto Fernando joven, Encargado de la depuración / Israel Islas1 *Todos los actores de la CNTeatro son becarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

Créditos:

Diseño de escenografía: Auda Caraza2 y Atenea Chávez Viramontes Diseño de iluminación: Víctor Zapatero Diseño de vestuario: Estela Fagoaga2 Música original: Antonio Fernández2 Diseño de maquillaje y peinados: Maricela Estrada Producción ejecutiva: Shelley Producciones S.A. de C.V. 1. Actor invitado 2. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

María Moliner siempre trabajó con la premisa de la necesidad de la palabra correspondiendo a la acción y la acción teniendo consonancia con la palabra, trabajo que llevó hasta sus últimas consecuencias y es representado en El Diccionario, montaje dirigido por Enrique Singer, quien pretende recordar que en pleno siglo XXI, el significado de palabras como justicia, verdad, poder y política se han corrompido. En este montaje se revive y homenajea a la figura de María Moliner, bibliotecaria, filóloga, lexicógrafa que construyó el Diccionario de Uso del Español. Protagonizada por Luisa Huertas, la puesta en escena es un trabajo en pro de la voz y la palabra, un recuento donde se reproduce la tozudez, inteligencia y el amor por las palabras. Además, se recupera la paradoja que Moliner vivió al caer enferma de aterosclerosis, que padeció hacia el final de su vida, lo que le provocó la pérdida de la memoria, una paradoja o ironía teatral de una mujer entusiasta por el mundo de la palabra. Más allá de las cualidades de María Moliner, lo más importante de su trascendencia es el vacío en el tiempo actual, algo opuesto a su honestidad intelectual. Moliner es un eslabón que podría ayudar a que los seres humanos se entiendan mejor unos a otros; que las palabras vuelvan a tener un significado sin utilizarlas para el beneficio propio.

Contacto: Mireille Bartilotti Mail: mireillebartilotti@ gmail.com

EL DIVINO NARCISO De: Sor Juana Inés de la Cruz Dirección: Raquel Araujo*

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 83

Reparto: Religión, Eco / Nara Pech Celo, Naturaleza Humana / Liliana HeSant Occidente, Gentilidad, Narciso / Nicté Valdés América, Sinagoga, La Gracia / Gina Martínez Huestes, Amor Propio / Sasil Sánchez Huestes, Soberbia / Fati Medina Músicos: Jesús Esparza “Capi” y Oscar Arano, jarana Yara Vargas, quijada de burro Cristopher Canché, clavecín Iván Machuca, cello Víctor Celis, guitarra Manuel Estrella, movimiento sonoro Víctor Celis, Erik Baqueiro y Manuel Estrella, música original Créditos: Diseño de espacio escénico: Oscar Urrutia Lazo Video: Omar Said Charruf Foto: Pepe Molina y Andrea Córdoba Diseño de vestuario: Raquel Araujo y Elena Martínez Bólio

Diseño gráfico: Nat Rivera y Erik Soto Taller de verso: Margarita González Taller de canto: Cristina Woodward Danzas de la corte: Leonor Medina Taller de son jarocho: Yara Vargas Asesoría literaria y musical: Eduardo Contreras Soto Asesoría de movimiento: Diana Bayardo Asesores de la Maestría en Dirección de Escena de la ESAY: Luis de Tavira, Humberto Chávez Mayol, Arturo Nava y Ana Ceballos Asistentes de dirección y apoyo de producción: Liliana HeSant y Valeria Florián Coordinación de producción: Alejandra Alanís Asistentes de producción: Ana Merodio y Cecilia Moo Realización de vestuario: Víctor Franco, Mildre Ojeda, Martín Vidales y Elena Martínez Bólio Realización de escenografía y utilería: Oscar Urrutia, Pepperino Oligor, Erik Soto, Raúl Gutiérrez, Martín Vidales, Dionisio Martínez y Diana María Colaboración artística de Raquel Araujo y Oscar Urrutia – Teatro de la Rendija *Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

El Divino Narciso emana de la maestría en Dirección Escénica de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, cursada por Raquel Araujo. Un auto sacramental de grandes retos en tiempo y recursos, en la que colaboraron más de 40 personas entre creativos, realizadores y músicos. Con asesorías de especialistas de la Décima Musa como Sara Poot, Eduardo Contreras Soto y Margarita González, esta obra conserva gran fidelidad de las palabras y manejo del verso culterano. Presenta la Loa y el Auto Sacramental de Sor Juana Inés de la Cruz, en la que al inicio la Loa, como una revisión crítica de la conquista. América y Occidente bailan y cantan al Dios de las Semillas, el señor Huitzilopochtli, y la Religión y el Celo le declaran la guerra por su paganía. Para evangelizarlos, la Religión pide representar el Auto de El Divino Narciso. En el Auto, al Naturaleza Humana, quien representa al ser humano, en una selva, que es mundo, busca la rendición en la persona de Narciso, pero Eco, ángel réprobo, los tienta y seduce. La inteligencia y el ingenio de Sor Juana se revelan en el arte de la métrica, ritmo y palabra, simetría de espejos en que las ideas atienden una complejidad poética de la que emerge, resplandeciente, la vigencia de sus textos. La catástrofe se cierne sobre nuestro país empapado de sangre ¿qué mayor diluvio, babel e impiedad podremos seguir resistiendo?

Contacto: Raquel Araujo Mail: araujoraq@gmail.com

Domingo 6 de noviembre | Teatro Polivalente del CEART | 20:30 h público y participantes | Duración: 80 min Veracruz | Área 51

HIKARI. UNA PODEROSA MÁQUINA DE VELOCIDAD Dramaturgia: Ana Lucía Ramírez Dirección: Ricardo Rodríguez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 85

Reparto:

Nicolás Parker Montes / Karina Meneses

Créditos:

Producción ejecutiva: Rosa Eglantina González Sánchez Asistente de dirección: Dinorah Medina Diseño de iluminación: Sergio López Vigueras Diseño sonoro: Esteban Ricardez Diseño de vestuario: Ma. Fernanda Macías

Con texto original de Ana Lucía Ramírez, bajo la dirección de Ricardo Rodríguez, Hikari, una poderosa máquina de velocidad, da vida a Nicolás, un personaje que vive en el universo de lo incompleto, en una búsqueda perpetua. Es la historia de un hombre inconcluso y reconstruido con los años, quien piensa que el ser humano necesita demostrar quién es para ganarse su lugar en este mundo. El detonante de la historia lo genera un incidente particular: el toparse accidentalmente con su doctor y secuestrarlo. Quiere resolver su pasado y ahora sabe con quién debe hacerlo. Nicolás debe remozar su concepción del mundo. El montaje apuesta por promover una sociedad incluyente que pueda tejerse desde la diversidad. Y en pro de ese sueño, es que el teatro debe visibilizar aquello que no se quiere ver, no se quiere hablar e incluso apenas se está legislando. Es vital reflexionar el tema de la identidad y de cómo ésta nos conforma. Este montaje desea exigirle a Nicolás y al espectador que al salir de la sala obren con la voluntad de construir el propio carácter. Ya que en nuestro empeño por comprender; está la fuerza para purificar y enriquecer nuestro propio carácter y nuestra sociedad.

Contacto: Rosa Eglantina González Sánchez Mail: eglantina18@hotmail.com

Miércoles 9 de noviembre | Teatro de la Paz | 20:30 h público y participantes | Duración: 95 min CDMX | El Milagro

La belleza Autoría y dirección: David Olguín*

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 87

Reparto:

Theodore W. Lent / Laura Almela** Julia Pastrana y Marie Bartel / Mauricio Pimentel El otro (Charles Darwin, Flroita Wonder, General Tom Thumb, Hans y Prof. J. Sokolov) / Emmanuel Varela

Créditos:

Escenografía e iluminación: Gabriel Pascal Diseño de vestuario: Rodrigo Muñoz Diseño sonoro: Rodrigo Espinosa Coreografía: Rafael Rosales Asistente de dirección: Emmanuel Varela Asistentes de escenografía e iluminación: Alejandra Escobedo y Brenda Vaca Asistente de producción y apoyo técnico: Brittany Espinosa Zárate

A partir de una historia real, La belleza utiliza la fuerza de la ficción para retratar el misterioso y apasionante mundo de Julia Pastrana, mujer sinaloense nacida en el siglo XIX, quien padeció el síndrome de hipertricosis lanuguinosa, condición que la hizo portadora de rasgos simiescos en el rostro y abundante pelambre a lo largo de todo su cuerpo y su relación con Theodor W. Lent, un empresario circense del sur de Estados Unidos, su propietario y representante. David Olguín propone una metáfora que cuestiona aspectos de la idiosincrasia mexicana del presente, rescata la esencia y naturaleza de la identidad, así como la complejidad de las vidas en juego de los

Realización de vestuario: Carmen Martínez y Héctor Ávila Rivero Telones: Alberto Orozco Zapatos: Lola la Grande Pelucas: Maricela Estrada Máscaras: Maricela Estrada y Neftalí Zamora Ortíz Tocados: Paola Palacios Construcción de escenografía: Celso Martínez Flores y José Antonio López Hernández Producción: El Milagro y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Programa México en Escena. * Miembro del SNCA **Becario creador con trayectoria 2015 - 2017

personajes, su relación entrañable, perversa y apasionada, planteando preguntas perturbadoras: ¿qué nos engancha amorosamente a otra persona?, ¿cómo afloran los otros que llevamos dentro? El montaje plantea el concepto de la belleza desde la perspectiva occidental. Muestra cómo la fija una mirada externa que impone atributos, parámetros. Habla sobre su existencia intrínseca, su determinación a partir de un factor exterior, si radica en el objeto o sujeto en sí o en la mirada de la persona que observa el mundo y sus semejantes; amar desde la perspectiva del otro.

Contacto: David Olguín Mail: davidolguin63@gmail.com

Sábado 12 de noviembre | Teatro de la Paz | 20:00 h público y participantes | Duración: 150 con intermedio Veracruz | Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana

LAS MUERTAS De: Jorge Ibargüengoitia Dirección: Martín Acosta*

Reparto: Periodista / Gustavo Schaar Prom Eufemia Aldaco, Aurora Bautista, Mujer que vive en la casa de enfrente / Gema Muñoz Serafina / Juana María Garza Agente del Ministerio Público, Evelia, Luz María, La Tota / Karina Meneses Simón Corona / Marco Rojas Mecánico, Beto, Campeón de judo / Enrique Vásquez Marta, Altagracia, Chuy / Brisei Pérez Guerrero Arcángela / Alba Domínguez La Calavera / Miriam Cházaro Primer amante de Simón Corona, Feliza, Socorro / Karla Camarillo Segunda amante de Simón Corona, Rosa / Esther Castro Capitán Bedoya / Félix Lozano Eulalia / Luisa Garza Herminia N / Luz María Ordiales Nachito, El valiente Nicolás, Mecanógrafo en el Ministerio Público, Un agente viajero / José Palacios Licenciado Canales, Teófilo / Héctor Moraz Licenciado Sanabria, El propietario de un molino de nixtamal, Ticho / Raúl Santamaría El Escalera, Un empleado de la compañía de luz y fuerza, Libertino / Raúl Pozos

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 89

Conchita, María del Carmen Régulez / Marisol Osegueda Créditos: Asistente de dirección: Freddy Palomec Segundo asistente de dirección: Carlos Ortega Diseño de vestuario: Rodrigo Muñoz Espacio escénico: Martín Acosta Diseño de iluminación: Yoruba Romero Asistente de iluminación: David Ike Diseño sonoro: René Baruch Asistente de diseño sonoro: Alí Antonio Luna Landa Coreografías: Clara Elena Cortés Díaz y José Honorio Castro Salazar Entrenamiento de acordeón: Alejandro Camacho Diseño gráfico: Yannaí Delgado Martínez Realización de vestuario: Gabriela Ayala y Gloria Jiménez Apoyo en vestuario: Juana María Garza Realización de escenografía: Florentino Santiago y David Ike Promoción: Laura Andrade Apoyo logístico: José Luis González Producción ejecutiva: David Ike * Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte

“Tal como Truman Capote con A sangre fría, Jorge Ibargüengoitia vio en el caso de Las poquianchis la posibilidad de convertir un suceso policíaco en el retrato descarnado de una comunidad, sólo que él prefirió cambiar los nombres de las personas y de los lugares para acudir a la geografía imaginaria de su Plan de Abajo, lugar en donde se desbocan las miserias de la condición humana.

Las muertas no pretende, pues, contar la historia de unas criminales conocidas como Las poquianchis, sino animar la pista sonora de una sociedad que a pesar del auge modernizador del medio siglo, ya mostraba los gérmenes de un estado fallido. De allí venimos: de ese ambiguo compromiso ciudadano en el que aceptamos con sumisión las reglas que no vamos a cumplir. ¿Quién nos ha educado así?

Las muertas se estructura a partir de los testimonios ministeriales de quienes participaron directa o indirectamente en los hechos de sangre, poniendo en evidencia la doble moral y la idea de justicia que determinaban en aquel entonces los actos sociales. Lamentablemente, nada hay de anacrónico en este relato que habla de corrupción, lenocinio, ignorancia y ambición, como también de amor, odio y locura. Imposible imaginar que han transcurrido 50 años desde el estupor causado por la noticia de unas hermanas que habrían cometido múltiples asesinatos en el estado de Guanajuato, destapando una red de intereses que terminaría con ellas en prisión.

Nadie responda; la reflexión vendrá después. Por lo pronto, esperamos que disfruten sin remordimientos esta tragicomedia que, al ritmo del mambo y el danzón, afirma que nunca fuimos tan inocentes. Como dato adicional diremos que, tan guanajuatense como Ibargüengoitia, aunque de “Más abajo”, Acosta ha decidido recuperar para su versión teatral los lugares originales de la historia, intentando hacer más vívido el reconocimiento de aquella realidad que, como el destino, ya nos volvió a alcanzar”. Luis Mario Moncada

¿Qué representan hoy Las poquianchis? ¿Dónde está la frescura de este relato que desnudó los horrores de una época que creíamos muerta? Martín Acosta sugiere que en la posibilidad coral. Esta versión teatral de Las muertas subraya la multiplicidad de voces que dan forma al acontecimiento, dotándolo de minucias escalofriantes.

PD. Este montaje forma parte del nuevo repertorio de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana, particularmente de su programa dedicado a microhistoria y memoria colectiva. Contacto: Luis Mario Moncada Mail: callejondurango@ hotmail.com

Viernes 4 de noviembre | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA | 16:30 h público y participantes Duración: 90 min Veracruz

SONETO PARA DOS ALMAS EN VILO Dramaturgia y dirección: Martín Zapata*

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 91

Reparto:

Hombre / Manuel Domínguez Mujer / Diana Sedano

Créditos:

Diseño de iluminación: Eduardo Mier Diseño sonoro: Joaquín López Chas* Diseño de producción: Francisco Constantino Fotografías: Katka Kincelova y Sebastián Kunold Producción: Área de Artes de la Universidad Veracruzana Asistente de producción: Dalia Balp Asistente de dirección: María Graue * Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA

Soneto para dos almas en vilo abre las puertas del teatro para invocar la vida y sus misterios. Convierte la escena en un crucero donde convergen el tiempo, la historia, la ficción y la realidad en una inquietante armonía, y es en esta coincidencia espacio-temporal que la anécdota y sus personajes se construyen y deconstruyen en cada diálogo. Si el teatro en su dimensión literaria y escénica convoca miradas, pensamientos, cuerpos, almas; hablamos entonces de una práctica cultural de encuentro y desencuentro donde el otro me devuelve, a manera de espejo, una imagen de mí y del mundo. Algunas veces esta imagen nos ancla al presente, y en otras nos lleva a recorrer la historia de un pasado. Soneto para dos almas en vilo nos lleva a vivir el teatro como un medium para re-encontrarnos con el tiempo y sus habitantes, y en el escenario, poner en crisis el presente, el pasado y el futuro, estas recurrentes formas gramaticales que como humanidad hemos inventado para conjugarnos. Soneto para dos almas en vilo es también, una poética invitación para transitar por la muchas veces perturbadora línea que divide la vida y la muerte, el alma y el cuerpo, la vida y el teatro. Tania Hernández

Martín Zapata Mail: martinzapataquiroz@ yahoo.com.mx

Jueves 10 de noviembre | 21:00 h público y participantes | Teatro Polivalente del CEART Duración: 80 min Tamaulipas – CDMX | Compañía de Teatro del Espacio Cultural Metropolitano y Ocho Metros Cúbicos

UN DÍA YA NO ESTAREMOS AQUÍ, CREO De: Edgar Chías Dirección: David Jiménez Sánchez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 93

Reparto:

Coral Turrubiates, Enrique Torres, Lucirene Gómez, Orlando Villanueva, Sergio Aguirre y Víctor Zavala Créditos: Diseño de vestuario y espacio escénico: Víctor Zavala y Raúl Castillo Diseño de iluminación: Raúl Castillo Asistente de dirección: Isaac Martínez Asistente general: Diego Herrera Montaje de canciones: Oliver Llanos Participación especial: Coro Viento Nuevo Asesoría coreográfica: Judith Camacho Diseño gráfico: Angélica Gallegos Realización de vestuario: Blanca Arvizu Trabajos de herrería: Roberto del Ángel y Fortino Ruíz Trabajos de carpintería: Alejandro Díaz Producción: INBA EN / Tamaulipas

Con el compromiso de impulsar las manifestaciones artísticas de los tamaulipecos a través de la infraestructura cultural de la entidad Un día ya no estaremos aquí, creo, ubicada en un futuro cercano e incierto, verdadero y falso, creíble y fantástico, invita a la introspección del ser humano para buscar nuevas formas de vida que consoliden la convivencia, el respeto y la igualdad en el mundo. La puesta en escena propone una ficción que mira hacia el futuro, confrontando al espectador cien años después de este tiempo, lanzando cuestionamientos acerca de los aprendizajes que habrá tenido el ser humano, incluso, si se habrá superado el desequilibrio social y ambiental que persiste actualmente. ¿Existirá algún proyecto capaz de brindar una oportunidad de ajustar el papel del hombre en el planeta? Qué o quiénes son los responsables de la degradación; si se trata de revanchismo de la madre naturaleza o de intereses personales, forman parte de la retórica que Corala, Lucera, Sergei, Orlando, Enrique y Víctor, personajes de la historia emplean desde el inicio para crear un sentido de análisis en el público. Ubicada en un tiempo de consecuencias prevenibles y predecibles, la narración de la pieza pone en práctica la dispersión de las relaciones comunicativas mediante un modelo enunciativo que delata la quiebra del pensamiento como un esfuerzo por focalizar y dirigir la razón a voluntad: la vuelta al caos y al balbuceo. Contacto: Raúl Rodrigo Castillo Ramírez Mail: kstillo78@ hotmail.com

Lunes 7 de noviembre | Teatro de la Paz | 20:30 h público y participantes | Duración: 140 min CDMX | Teatro UNAM y Chibal

UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS De: Eugene O´Neill Dirección: Mario Espinosa

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 95

Reparto:

Hogan / Patricio Castillo Tyrone / David Hevia Josie / Alaciel Molas Harder / José Juan Sánchez Músico / Roberto Collado

Créditos:

Traducción y adaptación: Humberto Pérez Mortera Escenografía: Gloria Carrasco Iluminación: Ángel Ancona Vestuario: Jerildy Bosch Asesoría corporal: Lorena Glinz Asistente de dirección: José Juan Sánchez Asistente de producción: Tanya Gómez Andrade Asistente de iluminación: Jesús Gilés Construcción escenográfica: Macedonio Cervantes Realización de vestuario: Israel Ayala, Aldo Vázquez y Paco Piña Utilería: Rubén Bouret “Buki” Productor: Julián Robles

Ganadora del premio de la Asociación de Críticos Teatrales a Mejor Obra del Año Institucional, Una luna para los malnacidos tuvo una primera temporada en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, participó en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá y obtuvo el Efiteatro con el cual realizó una segunda temporada en el Foro Lucerna de la Ciudad de México. Se trata de la última obra del dramaturgo estadounidense Eugene O’Neill. El Premio Nobel de Literatura sitúa la acción en una granja de Pensilvania, en torno a tres personajes: un granjero irlandés borracho, oportunista y manipulador; su hija, Josie, y el propietario de la granja, Jim Tyrone, dado también a la bebida y de quien sospechan que tratará de echar al granjero y a su hija del lugar. Esta historia de amor, pasión destructiva, frustraciones y esperanzas, la convierten por su admirable trazado de los personajes y la riqueza de su diálogo en una obra mayor de elusiva poesía y formidable poder de sugestión.

Contacto: Julián Robles Mail: julianrobles@ hotmail.com

ERI Y CLÍNICAS LC 4 lunes 7 de noviembre martes 8 de noviembre 9:00 -11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

lunes 7 de noviembre Hikari, una poderosa máquina de velocidad – Área 51

LO QUE HEMOS HECHO Y LO QUE HAREMOS NOS CONSTRUIRÁ Conferencia | Cupo: 25 personas

En general, abordaremos sobre la concepción, proceso y resultado de la obra Hikari. Iniciaremos por compartir cómo se concibió el texto y desde dónde se partió para llegar a esa temática. Posteriormente, hablaremos de los elementos con los que ya contábamos (como una infraestructura propia y el apoyo de México en Escena). Finalmente, abordaremos cómo es que se dio el acercamiento con Ricardo Rodríguez, de la compañía Los Bocanegra para darle el cargo de la dirección escénica y profundizar ampliamente sobre la metodología de trabajo. Así como compartir, las similitudes y diferencias que existen entre ambas compañías. Imparten: Ricardo Rodríguez, Karina Meneses y Ana Lucía Ramírez Vaca 35 Teatro en Grupo Clínica

Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido Conferencia | Cupo: 30 personas

Reflexión en torno a los procesos creativos de Vaca 35 Teatro en Grupo, y su noción de trabajo colectivo y en colectivo, así como la dramaturgia de actor, la creación del espacio y diseño escénico con base a su interacción de realidad y los espacios de cruce social en las creaciones teatrales. La repercusión en la gestión internacional. Imparte: Damián Cervantes El Divino Narciso – Teatro de la Rendija

JUEGO ÁUREO

Plática sobre el proceso creativo de “El Divino Narciso” | Cupo: 25 personas 1a parte: Hacer teatro en Mérida, a cuarenta grados de temperatura, las dificultades que enfrentamos para con-

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 97

servar nuestros espacios y de la formación de actores, directores, productores, técnicos, gestores y directores en Yucatán. 2a parte: Compartiremos el proceso de montaje de El Divino Narciso de Sor Juana Inés de la Cruz. Imparten: Nara Pech, Liliana Hesant y Raquel Araujo Antígona – Teatro UNAM

ANTÍGONA, RELATORIA

Clase magistral | Cupo: 60 personas Se propone una dinámica en dos partes: 1. Relatoría de David Gaitán y miembros del elenco a propósito de la complejidad de abordar en la escena temas políticos en momentos sociales convulsos, cómo se modificó la postura escénica conforme la realidad social se transformaba, reflexión sobre aciertos, errores y nuevas interrogantes a partir del camino andado por la obra. 2. Intercambio de experiencia y sesión de preguntas con los asistentes. Imparten: David Gaitán y actores de la compañía Soneto para dos almas en vilo – Martín Zapata

PROCESOS CREATIVOS DE ESCRITURA DRAMÁTICA, EN RELACIÓN CON SU PUESTA EN ESCENA Clase magistral | Cupo: 40 personas Se expondrán algunas experiencias de procesos creativos, donde se relacionan la escritura de textos dramáticos y su puesta en escena, realizada por el propio dramaturgo. Imparte: Martín Zapata Las Muertas – Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana

SUSTENTABILIDAD Y FORMAS DE PRODUCCIÓN DE UNA COMPAÑÍA ESTABLE Conferencia | Cupo: 40 personas Imparte: Yoruba Romero

martes 8 de noviembre Cachorro de León, casi todo sobre mi padre – Compañía Sa as ́ Tun

CONSTRUCCIÓN DE UNIVERSOS ESTÉTICOS

Clase magistral | Cupo: 25 personas A partir de la observación de fotografías y videos de distintos creadores del teatro mexicano, el participante explorará sus propios universos creativos. Se realizarán intercambios de preguntas y respuestas para ejercer un análisis crítico de los procesos creativos en el arte. Imparten: Conchi León / Oswaldo Ferrer Un día ya no estaremos aquí, creo – Compañía de Teatro del Espacio Cultural Metropolitano y Ocho Metros Cúbicos

468.3 KM O DE CÓMO INTEGRAR DISEÑOS WHATSAPEANDO

Taller | Cupo: 26 personas El presente taller tiene la finalidad de exponer a los participantes un método de diseño escenográfico y de vestuario que emule el proceso que se realizó en la puesta en escena “Un día ya no estaremos aquí, creo”. Se pretende proponer a los participantes un texto y que trabajen en parejas, uno el diseño espacial, el otro la propuesta de vestuario. Imparten: Raúl Castillo y Víctor Zavala Chimpancé: Una máquina biológica – Tres Colectivo Escénico, La Resistencia, El Gato Tuerto

CHIMPANCÉ: UN PROCESO EVOLUTIVO

Clínica | Cupo: 40 personas La clínica abordará el proceso de creación artística, como un fenómeno evolutivo. Tanto en la escritura, como en la puesta en escena. Elenco y equipo creativo ofrecerán su punto de vista de este montaje. Imparten: David Colorado y Patricia Estrada

Dante Gaspar, un hombre en aguas peligrosas – Colectivo Teatro en Espiral

PROCESO CREATIVO COLECTIVO

Conferencia | Cupo: 40 personas En base a la experiencia del proceso creativo de Dante Gaspar, un hombre en aguas peligrosas, expondremos las características particulares que tomamos en cuenta para dicha puesta en escena: - Trabajar un montaje como colectivo desde su concepción. - Los riesgos y las ventajas de trabajar con un equipo creativo fuerte. - El trabajo en equipo y la profesionalización del teatro en provincia. - Las distintas líneas de trabajo de quienes componemos el colectivo (Directora, actor, dramaturgo, iluminador, músico). Imparten: Michel Guerra Adame y Gregorio Carrillo Vázquez Una luna para los malnacidos – Teatro UNAM y Compañía CHIBAL

EL TEATRO REDUCIDO A SU ESENCIA

Clase magistral | Cupo 60 personas El teatro reducido a su esencia: los creadores en función del texto y el actor. Mario Espinosa, David Hevia, Ángel Ancona y Gloria Carrasco hablarán del teatro sin artificios, no de búsqueda sino de hallazgos; el valor de montar una obra institucional y llevarla al teatro comercial con los mínimos elementos: piedras, hojas, algunas luces y una armónica resignificando el teatro de riesgo; tener algo que decir y decirlo de la manera correcta. Imparte: Mario Espinosa

LC5: TEATRO DE INTENCIÓN EN TRANSFORMACIÓN SOCIAL O POLÍTICA

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 101

Si atendemos a la raíz etimológica del término política, todo el teatro es inevitablemente político, como bien dice Patrice Pavis en su Diccionario de la performance y del teatro contemporáneo, pero no todo teatro tiene la consciente intención de cuestionar al poder y transformar a la sociedad. El teatro motivado por el afán de un cambio social ha adoptado distintas estrategias, que se han nombrado de variadas maneras: teatro épico, didáctico, agit-prop, de guerrilla, campesino, de resistencia entre otras posibilidades. El teatro político en México cuenta en el siglo 20 con una larga historia que va desde el teatro de carpa, el Teatro de Ahora, Rodolfo Usigli y en los 60 y destaca el trabajo de grupos militantes como Zumbón, Zopilote y Cleta. En los noventa entró en crisis la fe en las potencias del teatro para cambiar el mundo. Hoy, en el contexto de extrema descomposición del Estado mexicano resurge el empeño por hacer del teatro un instrumento para visibilizar procesos de sometimiento, exclusión y violencias diversas, un teatro para rescatar memoria y provocar reflexiones sobre problemas sociales. En la programación de la 37 MNT hemos reunido para compartir una misma mesa de reflexión, cuatro propuestas inscritas por convocatoria bajo el rubro de teatro político o con fines de transformación social, que comparten cuestionamiento sobre la efectividad de las formas tradicionales y que buscan, en mayor o menor medida, cuestionar los límites de lo que hemos definido como teatro. El conjunto incluye Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató, de Teatro Bárbaro, propuesta generada en

Chihuahua, el extremo norte del país, donde un grupo comprometido con detonar procesos críticos sobre la violencia, la deshumanización y la impunidad, y sostener un solidario sentido de comunidad, explora dentro de un espacio teatral cerrado una libérrima apropiación de un texto clásico. Asimismo, hemos incluido a la Comuna, con Revolución o futuro: Réplica(s) 68, experiencia proveniente de la Ciudad de México, que tiene la finalidad de poner en conflicto los modos de producción del teatro mexicano y los problemas de género, en un espacio de tránsito. De Yucatán participa Murmurante Teatro con Las constelaciones del deseo, acontecimiento performativo donde artistas visuales, escritores y performers interactúan con los espectadores en un recorrido por diversas estaciones donde se producen imágenes en tiempo real, que se transmiten vía streaming. A lo anterior se suma un proyecto originado en Xalapa, que invita a discernir desde espacios densamente cargados, sobre la recurrencia de la brutal e impune represión contra los que se atreven a cuestionar ciertos círculos y símbolos del poder. Ahora que vivimos la peor crisis de credibilidad de las instituciones políticas en México desde la Revolución y que la violencia se ha vuelto un cotidiano espectáculo, este conjunto nos aproxima a un elocuente mosaico de indagaciones contemporáneas de teatro político, que tienen el común denominador de interrogarse ¿Cuál es el poder del teatro hoy? ¿Dónde reside ese poder y cuál es su alcance? ¿Qué del teatro tiene vigencia? Luz Emilia Aguilar Zinser

Jueves 10 y viernes 11 | Casa Lanzagorta | De 18:00 a 23:00 h participantes y público | Duración 50 min Veracruz | Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana Teatro Línea de SombrA

EL PURO LUGAR Intervención escénica de ORTEUV y Teatro Línea de Sombra Concepto: Jorge A. Vargas Cortez, Alejandro Flores Valencia y Luis Mario Moncada Dirección: Jorge Vargas

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 103

Reparto: Actores de la ORTEUV: Marisol Osegueda, Enrique Vázquez, Gustavo Schaar, Benjamín Castro, Karla Camarillo, Luisa Garza, Karina Meneses, Miriam Cházaro, Esther Castro, Brisei Guerrero y Félix Lozano. Créditos: Dirección de escena: Jorge A. Vargas Cortez . Textos: Alejandro Flores Valencia, Jorge A. Vargas Cortez y Luis Mario Moncada. Laboratorio de creación: Actores de la ORTEUV. Director artístico de la ORTEUV: Luis Mario Moncada. Escenografía e iluminación: Jesús Hernández2. Staff técnico: Daniel Hernández Murrieta y Jesús Landa Castro. Fotografía: Samuel Padilla.

Medios audiovisuales: Marina España. Diseño sonoro: Joaquín López Chas2. Músico, intérprete: Ignacio Córdoba. Producción: Yoruba Romero. Productor asociado: David Ike. Promoción y RP: Laura Andrade. Diseño e identidad gráfica: Martha Vázquez. Actores de la ORTEUV (1): Marisol Osegueda, Enrique Vásquez, Gustavo Schaar, Benjamín Castro, Karla Camarillo, Luisa Garza, Karina Meneses, Miriam Cházaro, Esther Castro, Félix Lozano, Brisei Guerrero y Geraldine Guerrero3. 1. Actriz invitada 2. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. 3. Colaboradora invitada

¿Es irrepresentable la violencia? ¿Cómo imaginar el futuro cuando parece que hemos perdido el presente? ¿No es acaso el presente TODO lo que podemos perder? ¿Qué emerge en un evento que exige ser actualizado? ¿Cuál es la mayor densidad que soporta un espacio mínimo? Hemos consignado tres hechos para pensar colectivamente nuestro tiempo. La matanza en 1924 de 10 obreros de una fábrica hoy en ruinas. La golpiza en 1981 a 12 actores veracruzanos en Ciudad de México. El ultraje cometido contra 8 estudiantes de la UV en junio de 2015. Todos, impunes. ¿Esta es una pieza artística? ¿Un gesto político? ¿Solo un acontecimiento? O una coartada artística para que se manifiesten los cuerpos y reclamen su propio espacio. No es un espacio de respuestas, es un sitio de preguntas. No un Lugar Puro, sino un Puro Lugar. La ORTEUV y TLS abordan estos tres hechos como un acontecimiento escénico que busca discurrir sobre la violencia, la imposibilidad de su representación y lo que se oculta detrás de ella. Bienvenido.

La obra El Puro Lugar se llevará a cabo de 18:00 h a 23:00 h, con intervenciones cada 45 min. con un límite de 50 personas en cada una, en caso de exceder el número, cada visitante nuevo esperará a que salga otro para ingresar. No hay límite de pertenencia.

Contacto: Luis Mario Moncada Mail: callejondurango@ gmail.com

Jueves 10, viernes 11 y sábado 12 | Plaza Centenario del CEART | 14:00 h sólo para creadores y participantes

Dur: 30 min por espectador (total: 180 min) CDMX | La Comedia Humana

LA COMUNA: Revolución o futuro. Réplica(s) 68. Anexo: Géneros teatrales y otros acosos. De: La Comedia Humana Dirección: Rubén Ortiz

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 105

Performers, creativos y realizadores: Erika Alcántar, Sara Alcántar, Braulio Amadís, Pavel Cantillo, Vladimir Garza, Elisa Maldonado, Mariana Morado, Rubén Ortiz, Luis Daniel Pérez, Ángel Rubio y Armando Ventura. Producción de Teatro UNAM.

En un espacio de tránsito, se instalará la Clínica Revolucionaria para exhibición y puesta en conflicto de los modos de producción del teatro mexicano y los problemas de género que en él ocurren cotidianamente.

Contacto: Rubén Ortiz Mail: colectivolacomediahumana@gmail.com

Domingo 6 ,18:30 h público | Lunes 7, 18:30 h participantes Auditorio Rafael Nieto | Duración: 120 min Yucatán | Murmurante Teatro

LAS CONSTELACIONES DEL DESEO Creación Colectiva del Laboratorio Escénico Transdisciplinario de Murmurante Teatro Dirección: Ariadna Medina y Juan de Dios Rath

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 107

Participan:

Moderación de conversatorios: Ariadna Medina y Juan de Dios Rath Actor y performance: Roberto Franco Asistente de producción y logística: María José Pool Registro audiovisual: Víctor Rejón Edición y registro de entrevistas: Andy Manrique Artista visual y performer 1: Ricardo Espadas Artista visual y performer 2: Charlie Ramírez (San Luis Potosí ) Escritor de la pieza “Escribamos esta historia” y crónica poética del conversatorio: José Juan Campos Loredo ( San Luis Potosí )

Créditos:

Nos acompañan en el conversatorio: Andrés Costilla Castro Director de Amigos Potosinos en lucha contra el Sida A.C., Wendy Cuevas Villela, Presidenta de Mujeres Tejiendo lazos en sororidad A.C., Paul Ibarra Collazo Presidente de la Red de Diversificadores Sociales A.C. así como sus colaboradores Adamari Herrera Herrera y Misael Espinosa, Olympia Palomo Moreno Presidenta del Colectivo por la Diversidad Sexual y Equidad de Género A.C., entre otros.

Producción ejecutiva: Ariadna Medina Diseño de espacio escénico e iluminación: Jesús Hernández Asesoría conceptual: Jorge Vargas Asesoría psicosocial: Gaspar Baquedano y Paulino Dizb Idea original de “Identidades Murmurantes”, artista visual y performer: Guillermo S. Quintana Escritor de la pieza “Escribamos esta historia” y crónica poética del conversatorio: Roberto Azcorra y Carlos Martín Briceño Investigadores: Paulino Dzib, Yeni Cruz, Carmen Castillo, Celmy Noh Poot, Juan Canto, Gaspar Bohórquez, Pablo Alemán, Raúl Lugo, Frida Chan, Muñeca Aguilar, Bárbara Fox, Abigail Trillo y Miguel Sabido Colectivos Involucrados: Murmurante Producciones A.C./ YUCATRANS AC / REPAVIH AC / INDIGNACIÓN AC / CONVIVES IAP / ALTER-INT A.C. / PROGRAMA INTEGRAL DE ATENCIÓN AL SUICIDIORAMA INTEGRAL DE ATENCIÓN AL SUICIDIO

Murmurante Teatro se ha caracterizado por ser un colectivo que genera diálogo sobre temas sociales. En esta ocasión presenta Las constelaciones del deseo, un acontecimiento performático en torno a la identidad psicosexual y la posibilidad del sujeto de autoconstruirse.

La investigación y el montaje de la obra se prepararon durante un año y medio, resultado de un amplio estudio de la transdisciplina, en el que se combinan diferentes ciencias en torno de un mismo fenómeno para producir nuevos métodos y nuevas formas de emplear el lenguaje.

Esta puesta en escena surgió a partir del laboratorio “Relatos del sexo sentido, transgresiones y transidentidades”, en donde a través de la indagación transdisciplinaria se conversó sobre la construcción social de la identidad psicosexual. En el proyecto participan antropólogos, psicólogos, criminólogos, sexólogos y artistas de diferentes disciplinas.

Murmurante Teatro es una asociación civil que ha sido reconocida con el Premio Ayuntamiento de Mérida a la Cultura Ciudadana 2014, en la categoría de empresas culturales, y como Beneficiario del Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales FONCA (2011-2012 y 2014-2015).

Contacto: Ariadna Karina Medina Ceceña Mail: ariadnamurmurante@ gmail.com

Martes 8 | 16:30 h participantes y 19:00 h público | Teatro Polivalente del CEART | Duración: 100 min Chihuahua | Teatro Bárbaro

YO TENÍA UN RICARDO HASTA QUE UN RICARDO LO MATÓ Variaciones escénicas sobre Chihuahua – Shakespeare – Teatro Bárbaro Creación Colectiva | Dirección: Fausto Ramírez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 109

Reparto:

Yaundé Santana, Rogelio Quintana, Tania del Castillo, Fátima Íseck, Rosa Peña, Miguel Serna, Iván Mena y Jessica Verdugo

Créditos:

Director de Teatro Bárbaro: Luis Bizarro* Escenografía: Héctor “Magnum” García Iluminación: Luis Navarrete Maquillaje y peinados: Liz Agueda Castillo Vestuario: Monserrat Mejía Musicalización: Lupino Caballero Fotografía: Raúl Ramírez “Kigra” Video: Carlos Felipe Hernández (La Soga al Cuello film) *Programa de Apoyo a Grupos Profesionales de las Artes Escénicas “México en Escena” – FONCA

Teatro Bárbaro aborda temas de gran contenido social; su propuesta es la de correr riesgos, donde el teatro sea un instrumento de la conciencia con el que se proteste y se proponga, se estruje, se incomode y se conmueva. Su condición norteña habita en sus montajes. En Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató se suman los acontecimientos violentos que han marcado al territorio chihuahuense y al resto del país, así como las experiencias propias de los integrantes del proyecto. La figura de Ricardo III es imprescindible para simbolizar la ruina moral de la lucha por el poder y una guerra sangrienta, violenta y despiadada que ha fracturado a todo un pueblo y que lo mantiene profundamente herido y dolido. Se presenta una variación escénica sobre Chihuahua, Ricardo III de Shakespeare y Teatro Bárbaro, en el marco del fenómeno violento visto desde distintos ángulos y miradas, para hacer un ejercicio de memoria y un teatro sin intermediarios.

Contacto: Luis Bizarro Mail: barbaro.contacto@ gmail.com

ERI YCLÍNICAS LC5 miércoles 9 de noviembre 9:00 h - 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

La comuna – Colectivo La Comedia Humana

CLÍNICAS REVOLUCIONARIAS PARA UN IMAGINARIO FUTURO Clínica – taller | Cupo: 30 personas

A partir del siguiente temario se explicará, se pondrá en crisis y se crearán trabajos hipotéticos sobre la propuesta de las Clínica(s) revolucionarias de La Comuna. a) El trabajo en colectivo de La comuna: Seminario, Creación, Gestión. b) Afectos y cuidado: trabajo de campo y trabajo de exposición. c) Hacer comunidad: hacer al lado de la gente Imparten: Braulio Amadís y Luis Dani Pérez. Las constelaciones del deseo – Murmurate Teatro Producciones

REGISTRO DOCUMENTAL DE EXPERIENCIAS TRANSDISCIPLINARIAS DE INVESTIGACIÒN ESCÈNICA. PERCEPCIONES EN EL CONTEXTO LOCAL DE MÉRIDA ACERCA DEL TRABAJO DE MURMURANTE TEATRO

Proyección del cortometraje documental “Murmurante en el umbral de lo escénico” y diálogo participativo | Cupo: 60 personas Los procesos transdisciplinarios de investigación escénica que ha planteado Murmurante Teatro desde hace 8 años han permitido al grupo consolidar una práctica teatral con enfoque social. Estas prácticas necesariamente han requerido la participación de comunidades locales involucradas en problemáticas sociales específicas. La percepción por parte de actores sociales del ámbito local acerca del trabajo de Murmurante Teatro es lo que se expone en este ejercicio de reflexión en torno a las posibilidades de las prácticas artísticas de incidir en su contexto local de realización. Imparten: Ariadna Medina y Juan de Dios Rath.

El puro lugar – Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana y Teatro Línea de Sombra.

TALLER DE CREACIÓN Y PRODUCCIÓN DEL CAPÍTULO SAN LUIS DE “EL PURO LUGAR” Taller | Cupo: 40 personas. Imparte: Alejandro Flores

Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató – Teatro Bárbaro

GESTIÓN, POÉTICAS Y CONTEXTO

Conferencia | Cupo: 60 min A partir de la línea curatorial de participación se propone abordar: 1. Modelos de gestión: Gestión de espacios culturales independientes. Propuesta de guía de gestión para organizar un proyecto cultural independiente basado en el camino recorrido por Teatro Bárbaro. 2. Poéticas creativas y modelos estéticos: Proceso creativo de Yo tenía un Ricardo hasta que un Ricardo lo mató. Congruencia de la Dirección en la dramaturgia con los textos de Shakespeare, la situación crítica de violencia en Chihuahua y el discurso de Teatro Bárbaro hacia lo que no queremos como compañía. Relación con públicos y contexto: Participación activa del espectador y la creación de una experiencia “repetible”. Imparten: Luis Bizarro, Nantha Yaundé Santana, Rogelio Quintana y Fausto Ramírez.

LC6: TEATRO DE INTENCIÃ&#x201C;N FORMATIVA

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 113

Presentar en la Muestra Nacional de Teatro una línea curatorial denominada Teatro de intención formativa reconoce la importancia de la formación en la evolución de nuestro quehacer. No se puede ignorar esa etapa de transformación que la gran mayoría de los teatristas de esta nación vivieron, en el que se dieron la oportunidad de pensar el arte; dejar a un lado la intuición, para acotar el propio proceso. Si bien se dice que la formación nunca termina, es importante redefinir esta etapa. Porque la formación no siempre está en la academia, sino en las definiciones y sobre todo las redefiniciones de las estéticas propias y ajenas. La formación en ese sentido se dará en cuanto se reconozca como tal, ya sea dentro de la academia como fuera de la misma. En ese sentido, el trabajo del creador-formador se hace complejo, porque al mismo tiempo que piensa en el espectáculo, debe enfocarse en los procesos formativos de sus actores, escenógrafo, iluminador, y demás; y de sí mismo. Y es este proceso el que construye un panorama en el teatro nacional. Es por eso que la Dirección Artística de la 37 Muestra Nacional de Teatro considera importante esta línea curatorial, en la que se seleccionaron tres proyectos: Mare Nostrum, procedente de la Ciudad de México y Colombia; El ojo del diablo, propuesta del estado de Aguascalientes y La Cátedra Ingmar Berg-

man en Cine y Teatro, de la Universidad Nacional Autónoma de México. En los dos primeros proyectos la intención formativa es clara, desde el planteamiento de elementos de búsqueda que se transforman en una interesante experiencia escénica, hasta la concreción del trabajo a partir de los resultados de la investigación. Estos dos proyectos aportan un material importante para la discusión en materia de formación. Serán pues, importantes para la reflexión, para la elaboración de conclusiones y el retorno a la reflexión; y así entrever asignaturas pendientes. La Cátedra Ingmar Bergman fue invitada directamente por la Dirección Artística puesto que su aportación puede definir una discusión sobre la importancia del teatro en nuestro entorno. Como lo afirma su objetivo, La Cátedra Bergman nos ayudará a discutir sobre el papel del teatro en la cultura, y tal vez acercarnos a la respuesta de la eterna interrogante: ¿Para qué hacer teatro? Discutir sobre la necesidad de la formación teatral en nuestro país puede parecer una perogrullada. Pero lo interesante es discutir las rutas que se tienen para la misma. Daniel Serrano

EL OJO DEL DIABLO De: Antonio Zúñiga Dirección: Sixto Castro Santillán

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 115

Reparto:

Baal / Eduardo Gómez Ekart / Jorge Palos Johana / Liliana Esparza Sophie / Esperanza Parras Johanita, Mujer violada / Asunción de León Presentadora, puta, hermana mayor / Berenice Domínguez Baal / Nancy Trujillo

Créditos:

Diseño de escenografía: Mauricio Arias Diseño de iluminación: Carlos Guemer Diseño de vestuario: Eduardo Ortiz Diseño de máscaras y utilería: Daniel Viveros Diseño de producción: Noemí Ortiz Coordinación general: Guadalupe Zaragoza Gestión: Universidad de las Artes

La obra fue montada como un examen profesional de la tercera generación de la Licenciatura de Teatro de la Universidad de las Artes de Aguascalientes, con una dramaturgia de Antonio Zúñiga basada en Baal de Bertolt Brecht, bajo la dirección de Sixto Castro. Baal es representado como un anti-héroe que rechaza las convenciones sociales y se siente atraído por lo extravagante, lo distinto, siempre al margen de las normas de su tiempo y con la idea de construir una sociedad distinta. Busca el placer, el alcohol, el sexo, y siempre sus relaciones terminan mal pues destruye a los que están a su alrededor. En esta versión Baal tiene muchas opciones pero no elige ninguna, como nosotros. Un vestigio para reinventar la historia a través de la alteración del orden social, que propone una serie de cuestionamientos acerca de las diversas circunstancias. Contacto: Nancy Trujillo Valadez Mail: nancytruv@ outlook.com

Martes 8 | 20:30 h público y participantes | Centro Cultural Universitario Bicentenario | Duración: 60 min MÉXICO – COLOMBIA | Teatro en Código

MARE NOSTRUM De: Laura Uribe, con fragmentos de la obra Y los peces salieron a combatir contra los hombres de Angélica Liddell Dirección: Laura Uribe*

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 117

Con:

Marisol Álvarez, Tata Castañeda, Esteban Madrigal y Manuela Paniagua

Créditos:

Escenografía e iluminación: Tenzing Ortega Vestuario: Ricardo Loyola Diseño multimedia: Héctor Cruz Ejecución en vivo multimedia: Héctor Cruz Diseño sonoro: Anna Cristina Portillo Diseño musical en vivo: Tata Castañeda Concepción espacial: Laura Uribe Dramaturgistas: Manuela Paniagua Asistente de dirección: Anna Cristina Portillo Asesoría en dramaturgia: Noé Morales Colaboración artística: María Sandoval y Noé Morales *Becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA 2016 - 2017

Un proyecto de investigación y laboratorio escénico que se sumerge en el fenómeno de la migración forzada en Colombia y Medio Oriente, con herramientas de teatro documental, poesía política, multimedia, instalación y video-performance. A través de imágenes provocadoras, se pone en la mesa la tragedia de una embarcación de africanos que naufragó en 2008 intentando llegar a costas españolas; el resultado, 13 muertos y 48 sobrevivientes. Además, se incluyen testimonios de la violencia sufrida en Colombia, los resultados de la migración forzada y el dolor por la desaparición de los seres queridos, en un ambiente que va desde la crudeza hasta el humor, a través de propuestas visuales llamativas. En escena, un ensamble musical afro-colombiano que se suma a las imágenes literarias que nos brinda Angélica Liddell, en las que se denuncia el salvajismo

de las consecuencias del capitalismo en un contexto de soledad y abandono. Teatro en Código es una compañía de arte escénico contemporáneo que tiene el objetivo de consolidar un punto de encuentro para la re-significación escénica, con base en nuevos códigos de acción que se vinculen con diferentes disciplinas artísticas como la danza, la música, la pintura, la arquitectura y la multimedia. Revista Proceso por Estela Leñero Franco

Contacto: Laura Uribe Mail: lauraencodigo@ me.com

Domingo 6 de noviembre | Participación exclusiva dentro del Encuentro de Reflexión e Intercambio CDMX –UNAM

CÁTEDRA INGMAR BERGMAN en Cine y Teatro UNAM

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 119

Equipo:

Producción y enlace: Martha A. Báez Jarquín Webmaster: Javier Chihigaren Enlace técnico y gestión: Marcela Duana Difusión: Mariana Gutiérrez Noriega Planeación académica: Gabriel Rodríguez Álvarez Asistente de producción: Ángel Velázquez

La Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro UNAM es una iniciativa de la Universidad Nacional Autónoma de México, creada en 2010 a través de la Coordinación de Difusión Cultural con el fin de contar con un espacio de reflexión y formación académica que fortalezca y amplíe la cultura cinematográfica y teatral entre los universitarios y la sociedad en general. Es la importancia del legado de este creador en los ámbitos del cine y el teatro y la profundidad de su pensamiento lo que determinó que la UNAM articulara en su memoria este espacio de investigación permanente. La Cátedra promueve ocasiones especiales de investigación, debate y estudio con el fin de crear conciencia, educar y enriquecer a la comunidad académica y la sociedad en general con respecto al papel del teatro y la cultura cinematográfica en la vida contemporánea, a través del diálogo con artistas e intelectuales que son sobresalientes en su conocimiento en ambas disciplinas. Participan activamente las entidades de la Coordinación de Difusión Cultural: Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), Centro Universitario de Teatro (CUT), Dirección de Teatro y Dirección General de Actividades Cinematográficas. Con el objetivo de promover un espacio de profundización del conocimiento, debate y reflexión para sensibilizar, capacitar y enriquecer a los universitarios y a la sociedad sobre el papel del teatro y el cine en la cultura, a través del diálogo con artistas e intelectuales sobresalientes por su conocimiento en estas disciplinas; Mantener un espacio de reflexión y formación académica permanente que fortalezca y amplíe la cultura cinematográfica y teatral entre los universitarios y la sociedad en general; para generar conocimiento sobre el quehacer teatral y cinematográfico a partir de la reflexión conjunta de creadores, académicos, estudiantes y público general, y consolidarse como un referente para estas disciplinas. Contacto: Martha A. Báez Jarquín Mail: produccionbergman@ gmail.com www.catedrabergman. unam.mx

ERI Y CLÍNICAS LC6 domingo 6 de noviembre 9:00 h - 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Mare Nostrum – Teatro en Código

PROCESO CREATIVO DE MARE NOSTRUM

Clínica | Cupo: 40 personas Esta clínica se plantea como un observatorio en donde se realizará una disección al montaje MARE NOSTRUM, compartiendo el proceso para crear la pieza en 4 ejes: 1. ACOPIO / EXCAVACIÓN

-La relación con el contexto social-político en vinculación con los sujetos. (Macropolítica-micropolítica) -Se compartirá el acopio de mi investigación sobre el desplazamiento forzado en Colombia. 2. LABORATORIO / EXPLORATORIO

-Creación de dramaturgia a partir de material autobiográfico. -Creación a partir de la prosaica del artista. -La Resiliencia en vinculación con la poética artística -La Poética y la prosaica 3. ESTRUCTURACIÓN

-Desarrollo de dispositivos poéticos. 4. POSTULADO Partimos de que la teatralidad no es exclusivamente una teatralidad de la representación sino mutar a ser una teatralidad de los cuerpos, afectados por la rabia, la indignación, el deseo de dignidad y la ilusión de una sociedad igualitaria. Imparten: Laura Uribe y Tatiana Castañeda El ojo del diablo – Compañía Etéreo Escénica (egresados de la Universidad de las Artes)

EL ACTOR Y SU CORPORALIDAD

Taller | Cupo: 40 personas El taller se centra en adquirir una consciencia del cuerpo a través del entrenamiento, la liberación de las articulaciones, las contraposiciones vectoriales y la resistencia para reconocer su condición física y descubrir las posibilidades de movimiento en el espacio para su aplicación escénica. OBJETIVOS: Adquirir control energético del cuerpo. Adquirir consciencia en la aplicación de la fuerza (dosifi-

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 121

cación/ explosividad) Generar resistencia física. Descubrir las posibilidades móviles que ofrece el cuerpo sobre el espacio Imparten: María Guadalupe Zaragoza y Eduardo Gómez. Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro

PANORAMAS DE LA CÁTEDRA INGMAR BERGMAN EN CINE Y TEATRO – UNAM

Charla | Cupo: 40 persona Se dará una charla sobre la historia, las actividades y el funcionamiento de los eventos organizados por la Cátedra Bergman. Imparten: Marcela Duana Plata y Mariana Gutiérrez Noriega

LC7: TEATRO Y TEATRALIDAD EN SAN LUIS POTOSÍ

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 123

El diverso mapa que compone el teatro y la teatralidad en San Luis Potosí nos ubicó este año sobre once propuestas escénicas que van desde el cabaret, el teatro para jóvenes, la investigación escénica documental y el apunte interdisciplinario. Para dar vida a la línea curatorial del estado sede se seleccionaron tres propuestas. La primera de ellas proveniente del interior del estado: Teatro Garage cuyo director viene desarrollando una importante labor como docente y director del grupo de teatro en el Colegio de Bachilleres en Tanquian de Escobedo. La perseverancia ha permitido que el grupo rebase los límites de la instancia que los congrega para salir a presentarse en los ejidos pertenecientes al municipio y en algunas ocasiones por su cercanía al vecino estado de Veracruz. La ampliación de las líneas curatoriales en la presente muestra, favorecieron que podamos contar con la presencia de este grupo de jóvenes que viven sus tradiciones y sentido comunitario en varios niveles lo que da como resultado un atractivo trabajo escénico que denota ante todo autenticidad. La segunda propuesta escénica es la de un grupo de reciente formación conformado por un actor/director y una actriz/performer/dramaturga, que cuentan con cuatro montajes en su corta vida. Los cuales

nos muestran recurrentes intenciones que tienen que ver sobre todo con el espacio y el espectador, sobre las relaciones íntimas y cercanas con “el otro” como motivo para buscar un “no espacio” un “no lugar” como potencializadores de relaciones distintas, con una dramaturgia propia con tintes de emergencia. La tercera propuesta es la obra del director del Centro de investigación escénica CIE que cuenta con ya varias distinciones desde la dirección escénica y desde su espacio con una propuesta de investigación y formación en ámbitos de la dramaturgia, la dirección y la actoralidad. En esta ocasión convoca a actores de distinta formación para un espacio común. Un teatro de texto con atisbos de biodrama, que pone en juego el discurso corporal, una propuesta cuyo mecanismo de producción obedece a la gestión e interrelación institucional. Estas tres propuestas dan cuenta en primer lugar de que se ha desplazado la mirada para observar el fenómeno del teatro más allá del ámbito que podemos nombrar “profesional”, que hay una seria propuesta de jóvenes que provienen de formaciones distintas a la tradicional y que existe una importante y amplia generación de actores que requieren ser implicados en proyectos que desborden lo conocido. Martha Aguilar

Lunes 7 | 18:30 h Público y participante | Teatro Polivalente del CEART | Duración: 70 min San Luis Potosí | CEARTSLP – IPBA – CIE

San Luis Potosí CEARTSLP – IPBA – CIE LA TIERRA QUE NUNCA PISAMOS De: Edgar Chías Dirección: Marco Vieyra

LA TIERRA QUE NUNCA PISAMOS De: Edgar Chías Dirección: Marco Vieyra

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 125

Reparto: Fer / Darío Álvarez Francisca / Daniela Saldierna Vicente / Francisco Morán Juan / Rafael Becerra Agustina / Sayuri Navarro

Créditos:

Dirección: Marco Vieyra Asistentes de dirección: Sebastián Guerrero y Sayuri Navarro Producción: Iraís Verástegui Asistente de producción: Sebastián Guerrero Fotografía: Antonio Arroyo Diseño de cartel: Sergio Grande Una obra realizada con el apoyo del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, el Instituto Potosino de Bellas Artes y el Centro de Investigación Escénica.

En México nos hace falta una parte. ¿Qué poseemos?, ¿qué hemos perdido?, ¿qué nos gustaría recuperar?, son algunas de las preguntas que se hacen los protagonistas de esta historia: La tierra que nunca pisamos, una co-producción escénica del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, el Instituto Potosino de Bellas Artes y el Centro de Investigación Escénica. Entre la inconformidad y la esperanza se nos presentan cinco cocineros mexicanos que viven en Arizona, y que fastidiados de enfrentar malos tratos y discriminación por su nacionalidad, deciden exigir la recuperación del territorio mexicano ocupado por Estados Unidos. Ellos nos muestran sus pérdidas, tanto territoriales como de identidad, pues se han convertido en cuerpos y mentes colonizados por ideales de belleza, de felicidad, de productividad y de diversión permanente. Una pieza escénica que se sirve del biodrama para explorar distintas formas de actoralidad para apropiarse de personajes que nos cuentan la historia de un pasado que nos fue robado y de un futuro incierto. Una reflexión sobre las pérdidas y sobre la esperanza de recobrar los faltantes. Contacto: Araceli Alvarado Mail: prensaydifusion. ceart@gmail.com

Sábado 5 | 20:00 h público y participantes | Teatro de la Paz | Duración: 55 min San Luis Potosí | Teatro Garage

SANTOROM, EL DÍA EN QUE VIENEN A CONVIVIR Autoría y dirección: Hilario Sánchez Jonguitud

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 127

Reparto:

Violinista, narrador / Sebastián Alonso Carmen / Guadalupe Huizar Chano / Yobany Zavala Oficial / Leonardo Escobedo Soldado M9 / Jesús Acosta Soldado H13 / Alejandro Cedillo Soldado 3, Guardaespaldas / Martín Sánchez Soldado 4 / Melito Zúñiga Soldado 5 / Cristóbal Ochoa El hermano / Rodolfo González La hermana / Abdi Cruz Don Armando (el comerciante y el candidato) / Bari Daniel Martínez Señora 1 / María Fernanda Zúñiga

En la Huasteca Potosina cada 2 de noviembre se celebra la fiesta del Xantolo, fecha en que los difuntos vienen a visitar a sus parientes, y que es considerada la máxima festividad en la parte oriental de San Luis Potosí. Xantolo es un término en náhuatl que nace en referencia a la frase latina Festium Onimium Sanctorum, que significa “Fiesta de todos los santos”, la cual tiene más de tres mil años de tradición y es considerada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Esta celebración se lleva a cabo en las diversas comunidades de origen náhuatl y tenek, en las que a través del ritual, la danza, la música y la gastronomía se

Señora 2 / Abigail Monroy Señora 3 / Azucena Santos Maestro rural, juez / Emilio Hernández Invitados a la boda / María José Meraz, Erick Centlal, Luis Reyes y Arely del Ángel

Créditos:

Asistencia de dirección: Francisco Pratts Diseños escenografía e iluminación: Antonio Trejo Ambientación sonora: Ángel Olvera Vestuarios: Creación colectiva Máscaras: Pailom y Juan Manuel Pérez Utilería: Hilario Sánchez Jonguitud Musicalización: Sebastián Alonso

permite la unión entre los vivos y los que ya no están aquí, otorgando un sentido de identidad y existencia a sus habitantes. El Xantolo y todo el misticismo que lo envuelve es retomado por el escritor local Hilario Sánchez, para crear el texto Santorum, el día en que vienen a convivir. Una historia en medio de la festividad del Día de Muertos, vista desde una mirada actual. La escenificación es acompañada de música en vivo, danza y máscaras hechas a mano por los artesanos del municipio de Tanquián de Escobedo.

Contacto: Hilario Sánchez Jonguitud Mail: layote@yahoo.com

SHIFT Y SUPRIMIR De: Sayuri Navarro Dirección: Darío Álvarez

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 129

Reparto: Él / Darío Álvarez Ella / Sayuri Navarro

Créditos:

Dirección e interpretación: Monos Teatro Texto: Sayuri Navarro Asistente técnico: María Díaz Chiwo Diseño sonoro: Julio Aguilera del Toro Vestuario: Verónica Esparza y Perla Piña Edición de vídeo: Diana Navarro Fotografía: Jacko Lostaunau y Wanda Álvarez

Shift y suprimir es una obra producida dentro del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico PECDA SLP 2014, seleccionada en el Festival de Joven Dramaturgia 2015 y participante en la Muestra Estatal de Teatro (MET) 2016. Nos cuenta las etapas de la relación en pareja contemporánea: el enamoramiento y el deseo, luego el desgaste y la monotonía. Una relación que se convierte en un campo de concentración donde se acaba por reproducir las presiones sociales de las que creían escapar. La pregunta es esencial: ¿por qué a veces estamos en un montón de sitios, por un montón de tiempo, y ni siquiera queremos estar ahí? Shift y suprimir evidencia la violencia ciega en las relaciones enfermizas, sus justificaciones, sus miedos, sus silencios y frustraciones. El espectador hará suya la vivencia y podrá reflexionar acerca de eso que llamamos amor: “Sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser”. RAE

Contacto: Sayuri Navarro Mail: sayurinavarro3@ gmail.com

Viernes 4 de noviembre | Participaciรณn exclusiva dentro del Encuentro de Reflexiรณn e Intercambio

ENCUENTRO DE CREADORES

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 131

La necesidad de contar con espacios de reflexión sobre las condiciones laborales de las artes escénicas en el estado San Luis Potosí moviliza a creadores de SLP para que a través de la Muestra Estatal de Teatro para dar lugar al Encuentro de Creadores San Luis Potosí. Este Encuentro se propone como espacio de reflexión colectiva, donde los distintos agentes implicados en la creación escénica podrán encontrarse e idear ejes de trabajo que puedan contribuir a la mejora de las problemáticas que enfrentan. Organizadores e invitados Dinamizadores / organizadores: Aristeo Mora, Irma Hermoso Luna, Verónica Rimada, Martha Aguilar y Lucía Andrade Invitados externos / relatores / curadores: Gabriela Escatel, David Gutiérrez, Luz Emilia Aguilar Zinser y Alberto Villarreal Anfitriones: Escuela Estatal de Teatro, La Carrilla, Centro de Investigación Escénica Conversatorios: Iliana A. García, Sayuri Navarro Invitados: Creadores, promotores, productoras, instituciones, participantes de la Muestra Estatal de Teatro de San Luis Potosí 2016, entre otros.

Información: http://encuentroslp.org/

ERI Y CLÍNICAS LC7 viernes 4 de noviembre 9:00 - 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Teatro Garage

SANTOROM, EL DÍA QUE VIENEN A CONVIVIR

Conferencia | Cupo: 40 personas Exposición de experiencia compartida en el proceso de creación y desarrollo del proyecto Santorom, cuando vienen a convivir, desde la perspectiva de la creación comunitaria y participativa en las comunidades indígenas del municipio de Tanquián Escobedo, en la zona Huasteca del estado de San Luis Potosí. Con enfoque específico participativo como contacto de investigación o exploración de la comunidad hacia la temática de la obra y el de creación tanto dramatúrgica como escénica en la revelación de las problemáticas de las comunidades de la Huasteca. Concretando la realización del montaje en una movilidad que le permita la presentación de la obra en cualquier escenario sin que pierda sus escencia. Imparten: Francisco Javier Pratts González, Antonio Trejo, Hilario Sánchez Jonguitud. La tierra que nunca pisamos – CEARTSLP, IPBA y CIE

BIODRAMA COMO MECANISMO DE CREACIÓN

Taller | Cupo: 30 personas El taller consiste en poner en juego la realidad al servicio de la escena, para crear universos paralelos realidad – ficción y, al mismo tiempo, dimensionar la actuación a una calidad de interpretación que venga de una manera más orgánica y real para llegar a algo más cercano con el espectador. Eliminar la teatralidad en la representación y conectar con emociones reales. Imparte: Marco Vieyra Shift y suprimir – Monos Teatro

DISPOSITIVOS EMERGENTES A PARTIR DEL ESPECTADOR

Taller | Cupo: 25 personas Explorar y reflexionar sobre dispositivos que propician el encuentro con el otro. Adaptación de dispositivos a espacios fuera del teatro. Imparte: Sayuri Navarro.

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 133

ENCUENTRO DE CREADORES SAN LUIS POTOSÍ 2016

Mesas de trabajo | Cupo: 50 personas Como continuación del trabajo desarrollado durante el Encuentro de Creadores de San Luis Potosí 2016 proponemos la realización de tres mesas de trabajo dedicadas a seguir reflexionando y diseñando vías estratégicas de acción que puedan contribuir a la resolución de las problemáticas detectadas como urgentes dentro de las actividades que nos ocuparon del 5 al 9 de octubre en el Encuentro: Formación teatral, vinculación y profesionalización de la gestión. Imparten creadores del Encuentro.

LC8: EXPERIENCIAS TEATRALES QUE GENEREN INFRAESTRUCTURA y posibilidades de desarrollo del teatro

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 135

El hecho teatral se rodea y requiere de otro tipo de manifestaciones y experiencias que no son propiamente la puesta en escena. Es así como la Dirección Artística considera en sus líneas curatoriales aquellas experiencias que colaboran con el desarrollo del teatro en nuestro país. Para esta 37a edición, las experiencias teatrales seleccionadas fueron: Escenia -UDG, procedente de Jalisco; DramaFest y Paso de Gato, ambas procedentes de la Ciudad de México; y Escuela Binacional de Espectadores THT, de Baja California. Escenia - UDG es una plataforma digital que busca coadyuvar en la profesionalización de las artes escénicas en el estado de Jalisco. A partir del registro de las compañías teatrales y dancísticas con el objetivo primigenio de obtener un espacio para sus presentaciones, Escenia genera una base de datos que ayudará con el análisis del impacto de dichas manifestaciones, y facilitará la toma de decisiones, los procesos de gestión y de producción de las puestas en escena. Alojada por la Universidad de Guadalajara, Escenia pretende, desde el análisis de lo cuantitativo, convertir a las artes esténicas de Jalisco en un sector económico formal, organizado, con la finalidad de generar estrategias que atraigan a más público y concluyan en proyectos más exitosos. Paso de Gato se ha convertido en una experiencia teatral integral. Nació como una revista para la reflexión de nuestra actividad. Y si bien cada número está fechado, la revista Paso de Gato resulta un documento sin fecha de caducidad, que podrá ser consultado en cualquier momento para concordar, o para discordar. Paso de Gato también es una editorial especializada en dramaturgia y textos teóricos sobre teatro. Entre sus colecciones editoriales cuenta con una serie técnica, una serie de dramaturgia con sus cuadernos de dramaturgia internacional, dramaturgia para joven público, dramaturgia mexicana y cuadernos de ensayo teatral; Serie Historia; y El gato en zapatilla. Desde agosto de 2016, también es una librería física. Sin duda, Paso de Gato es una referencia en hispanoamérica.

DramaFest es una experiencia bienal que se enfoca en la dramaturgia contemporánea, a través de la promoción de puestas en escena, lecturas dramatizadas y talleres y que desde su primera edición en 2004 busca la conexión del público mexicano con una dramaturgia que explora nuevas teatralidades y que desde otros horizontes plantea discursos estéticos diversos. Ejemplo también es de una gestión exitosa, al lograr que una veintena de instituciones y empresas se unan para que esta experiencia teatral exista. DramaFest es sin duda uno de los más exitosos e importantes festivales de dramaturgia contemporánea en nuestro país. El proyecto Tijuana Hace Teatro (THT) nace en 2007 a partir de una necesidad de encontrar nuevas vías para el acercamiento con el público de la ciudad, sumando programas y actividades más allá de la creación teatral. Ahora es una compañía que integra proyectos, a través de estrategias de difusión, formación y divulgación del teatro. Entre estos proyectos se enumera el Festival THT que permite concentrar los rumbos escénicos de la localidad, así como el Festival Muestra Interprepas THT, un encuentro de creación teatral escolar que se complementa con actividades de formación escénica. En esta ocasión es interés de la Dirección Artística de la 37 MNT invitar a esta compañía con el proyecto de la Escuela de Espectadores THT, un programa de apreciación y guía con el público, que en 2014 comenzó una etapa binacional en la frontera entre México y Estados Unidos. A este proyecto se han sumado las principales instituciones de cultura de la región como el Centro Cultural Tijuana, la Universidad Autónoma de Baja California, La Jolla Playhouse, San Diego Repertory Theatre, Old Globe, Moxie Theatre y Diversionary Theatre. Como podemos observar, estas cuatro experiencias teatrales complementan la reflexión y el diálogo que se busca detonar en la MNT entre las instancias que de una u otra forma se dedican al arte teatral. Daniel Serrano

Sábado 12 de noviembre | Participación exclusiva en el Encuentro de Reflexión de Reflexión e Intercambio Jalisco | Universidad de Guadalajara

ESCENIA – UDG Títular: Ángel Igor Lozada Rivera Melo

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 137

La Universidad de Guadalajara, a través de la Secretaría de Vinculación y Difusión Cultural del Centro Cultural de Arte, Arquitectura y Diseño ha creado el Centro de Innovación, Inteligencia y Desarrollo para las Artes (CIID) con el objetivo de convertir al sector cultural en un sector económico formal. Sector teatro y además El CIID se ha propuesto generar distintas herramientas que faciliten la profesionalización de los creadores y permitan contar con información veraz, útil y oportuna para la toma de decisiones. El objetivo de ESCENIA es favorecer el diseño de estrategias para el desarrollo de las artes escénicas y servir a los creadores para impulsar su profesionalización. Es para las compañías artísticas una herramienta que les permitirá organizar y realizar un análisis de sus proyectos escénicos en desarrollo o en circulación. Facilita la creación y descarga de los dossiers de cada puesta en escena que se registre, generando un documento con los lineamientos esenciales para ser presentado ante cualquier instancia o institución; es decir, crea portafolios virtuales. Esta información es necesaria para acceder a los apoyos y solicitar espacios para llevar a cabo presentaciones o temporadas en los recintos culturales de la Universidad de Guadalajara, aunque la intención es que el sistema sea aprovechado por otras organizaciones e instancias de gestión cultural. ESCENIA también permite construir una amplia base de datos de los proyectos escénicos, compañías y promotores activos en la actualidad, lo cual contribuirá al intercambio y conocimiento de las creaciones escénicas del momento, así como la circulación de las mismas.

www.artesescenicas.udg.mx

Contacto: Ángel Igor Lozada Rivera Melo Mail: igor.lozada@r edudg.udg.mx

Sábado 12 de noviembre | Presentación exclusiva en el Encuentro de Reflexión de Reflexión e Intercambio Baja California| Tijuana Hace Teatro

ESCUELA BINACIONAL DE ESPECTADORES THT De: Ramón Verdugo y Jesús Quintero

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 139

Escuela Binacional de Espectadores THT es uno de los programas que realiza Tijuana Hace Teatro desde 2010 para acercar el teatro a la población tijuanense y se une a otros proyectos como el Festival THT y la Muestra Interprepas. Su objetivo es generar un encuentro entre creadores y espectadores para ver al quehacer escénico como una experiencia al alcance de todos; para ello se “beca” a 20 personas para ver teatro y comentarlo una vez al mes durante un año. En dichas reuniones -que cabe señalar están abiertas al público general-, las apreciaciones y opiniones son lo más importante y se van enriqueciendo con herramientas que se les proporcionan para apreciar y comprender un poco más el fenómeno teatral, propiciando un espacio para la reflexión y el análisis. Además, se contemplan pláticas con creativos y otras sesiones de inducción, donde se guía respecto a este quehacer buscando promover la creación de un público sensible al hecho teatral en todas sus dimensiones, para que sea multiplicador de su propia experiencia. Cada año el proyecto busca la participación de personas con diferentes perfiles sociales y para ello se hace una convocatoria pública en diversos medios de comunicación donde se les solicita a los aspirantes enviar por correo electrónico una carta donde expongan los motivos por los cuales desean integrarse y comprometerse con el proyecto. Después de esto se genera una selección preliminar con base en la solidez que cada aspirante proyecta en sus motivos y se realizan entrevistas a los pre seleccionados para finalmente dar tomar una decisión. Así pues, los 20 participantes de diferentes edades y perfiles sociales son seleccionados y beneficiados con una beca de los teatros para que vean los espectáculos, y en una sesión mensual con el equipo THT com-

parten sus puntos de vista, experiencias e ideas. Cada generación asiste a un total de entre 50 y 60 montajes escénicos desde febrero a diciembre provenientes de compañías locales, nacionales e internacionales. Cabe señalar que desde sus inicios, este proyecto se realiza gracias al apoyo y la colaboración de las instituciones y espacios que se unen para llevar a cabo el proyecto, tales como el Centro Cultural Tijuana, Universidad Autónoma de Baja California, Instituto de Cultura de Baja California, Instituto Municipal de Arte y Cultura, Teatro Las Tablas y Café Dionisio; y a partir de 2014, después de la participación de THT en la Conferencia Anual de Theatre Communications Groups en San Diego, se integraron cinco teatros de esa ciudad al proyecto, dando paso a una etapa binacional. Diversionary Theatre, La Jolla Playhouse, Moxie Theatre, San Diego REP, The Old Globe, son ahora parte de esta colaboración internacional que también ha fortalecido los lazos entre las compañías de San Diego y Tijuana, generando un ciclo más frecuente de visitas al teatro entre ambas ciudades. Es así como se ha comenzado a cruzar la frontera desde el punto de vista teatral, no sólo con la participación de cada una de las generaciones que ha pasado año con año en el proyecto, sino también con la generosidad de los artistas de ambas ciudades, así como el apoyo de quienes abrieron las puertas para la relación binacional (Theatre Communications Group y Enciso Consulting) y los teatros que fortalecen estos lazos y permiten que se desarrolle el programa.

Contacto: Ramón Verdugo López Mail: ramon@tijuanahaceteatro.org

Sábado 12 de noviembre | Presentación exclusiva en el Encuentro de Reflexión de Reflexión e Intercambio México - Teatro de Babel

FESTIVAL INTERNACIONAL DE DRAMATURGIA CONTEMPORÁNEA DRAMAFEST Dirección y producción general: Aurora Cano

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Teatro de Babel es una compañía creada en 2004 por Aurora Cano dedicada a la producción de una gran diversidad de actividades relacionadas con las artes escénicas y enfocada en particular en la producción de puestas en escena en las que colaboran artistas mexicanos con invitados de otros países. Teatro de Babel lleva a cabo gran diversidad de proyectos en distintos formatos, siendo el más conocido el festival DramaFest. Se trata de un proyecto bienal que desde entonces ha tenido colaboraciones con distintos países y estados: Reino Unido-Estado de México (2004); Alemania-Puebla (2006); Estados Unidos-Jalisco (2008); Argentina-Chile-España-DF (2008-2010), edición especial Bicentenario –con actividades en 2008, 2009 y 2010–; Finlandia-Guerrero (2012) y Australia-Morelos (2014). La premisa básica consiste en generar un diálogo cruzado, un intercambio de procesos creativos entre diversas latitudes, que tiende puentes de comunicación y conocer a comunidades teatrales de otros países y estados de la república, centrado en el desarrollo de la nueva dramaturgia mexicana y mundial.

Contacto: Aurora Cano Mail: chicharronconqueso@ yahoo.com

Sรกbado 12 de noviembre | Presentaciรณn exclusiva en el Encuentro de Reflexiรณn de Reflexiรณn e Intercambio CDMX

PASO DE GATO EDICIONES Y PRODUCCIONES XV: Paso de Gato

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Paso de Gato nace en 2001 como una revista mexicana de teatro, pero hoy es un proyecto cultural mucho más amplio, que cuenta con múltiples publicaciones y eventos enfocados en el teatro y el cine que se hace en México y en otras partes del mundo para hacer llegar a los creadores y espectadores información actualizada de lo que sucede en las artes escénicas y cinematográficas, pero también estimular y difundir la reflexión y la creación, así como promover discusiones apasionadas, informadas y maduras; de tal modo que en las páginas de nuestras publicaciones el lector podrá encontrar ensayos, artículos, comentarios, reseñas, obras de teatro completas, memorias, críticas, reportajes, imágenes y polémica. Desde entonces la publicación asume el compromiso de convertirse en una revista con una línea temática de análisis en muy diversos aspectos de las artes escénicas en Iberoamérica en su sección principal, constituida por el Dossier, y de difusión de la dramaturgia en la región en la sección Estreno de Papel. Paso de Gato Ediciones y Producciones Escénicas integra: Paso de Gato: Revista Mexicana de Teatro CINE TOMA: Revista Mexicana de Cinematografía Colección de Artes Escénicas Cuadernos de Teatro Ciudad Ocio Librería Contacto: Jaime Chabaud Mail: contacto@pasodegato.com www.pasodegato.com

CLÍNICAS LC8 sábado 12 de noviembre 11:00 h ERI 11:00 – 13:00 h Clínicas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Escenia UDG – Universidad de Guadalajara, Secretaría de Vinculación y Difusión Cultural, Cultura UDG

ESCENIA

Taller | Cupo: 40 personas ESCENIA es una herramienta tecnológica para ordenar el proceso creativo de las Artes Escénicas, con el objetivo principal de convertir al sector cultural en un sector económico formal, fomentando la profesionalización de las compañías de teatro y danza, generando información veraz, útil y oportuna para la toma de decisiones, además de difundir la producción escénica de manera local y nacional; procurando la participación de universitarios, gestores culturales y artistas, vigilando el contenido y las tendencias nacientes en las puestas en escena nacionales a objeto de procurar intercambio y análisis productivo dentro del gremio. Imparten: Ángel Igor Lozada Rivera Melo, Claudia Priscila Fernández Ortiz y Denisse Flores Somarriba. DramaFest – Teatro de Babel

DRAMAFEST Y DRAMAFEST EN MOVIMIENTO

Mesa redonda y clínica | Cupo: 40 personas A lo largo de la clínica se hablará de: a) Las distintas modalidades búsqueda de recursos y financiamiento de la compañía. b) La gestión institucion al de los mismos. c) Los mecanismos administrativos que utiliza. d) Las bases y operación de su proyecto de movilidad. e)La rendición de cuentas y presentación de resultadosde sus proyectos. Imparte: Alberto Robinson.

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Paso de Gato Ediciones y Producciones Escénicas

XV AÑOS DE LA EDITORIAL PASO DE GATO

Conferencia | Cupo: 40 personas Un proyecto que nació como una revista especializada en artes escénicas ha derivado en uno de los proyectos editoriales independientes más importantes del país cosechando diversos reconocimientos a nivel nacional e internacional. ¿Cómo se ha transformado esta editorial con el paso del tiempo? ¿Qué dificultades enfrenta un proyecto de estas características? De la voz de su director y fundador, Jaime Chabaud, se ampliará el panorama sobre cómo ha sobrevivido esta editorial durante 15 años. Imparte: Jaime Chabaud Escuela Binacional de Espectadores THT – Tijuana Hace Teatro

ESPECTADORES THT CRUZANDO FRONTERAS

Conferencia | Cupo: 40 personas La conferencia busca profundizar las características y dinámica que hacen posible la Escuela Binacional de Espectadores THT, programa que “beca” a 20 personas para ver teatro y comentarlo una vez al mes durante un año. En este periodo asisten a aproximadamente 50 espectáculos de teatro y danza en Tijuana y San Diego, provenientes de compañías locales, nacionales e internacionales. El vínculo con instituciones y teatros en ambas ciudades, el acercamiento a nuevos públicos, la dinámica de las sesiones y algunos resultados, son temas a tratar durante la misma. Imparten: Ramón Verdugo y Jesús Quintero

2° CONGRESO NACIONAL DE TEATRO

Del jueves 3 al sábado 12 de noviembre Sesiones cerradas y abiertas Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Como parte de los objetivos particulares de esta edición, destaca el desarrollo del Segundo Congreso Nacional de Teatro, el cual propone exponer problemáticas en políticas de gestión comunes a la realidad nacional, con el objetivo de alcanzar acuerdos gremiales y realizar propuestas concretas y aplicables de mejora en la situación de la comunidad teatral, bajo tres ejes temáticos: 1. IDENTIDAD LEGAL, DERECHOS Y RELACIONES LABORALES

Eje destinado a reflexionar sobre el marco legal de los profesionistas del teatro, legislación de foros y compañías independientes, derechos y marcos legales para las relaciones laborales. 2. OBTENCIÓN DE RECURSOS

Eje destinado a reflexionar sobre los modelos actualmente aplicados y nuevas propuestas para el financiamiento y gestión de compañías y proyectos. Su objetivo es proponer estrategias, programas y acciones que correspondan a las necesidades del teatro. 3. DISTRIBUCIÓN, MOVILIDAD Y MODELOS DE PROGRAMACIÓN

Eje destinado a la reflexión sobre la promoción y creación de redes y circuitos, modelos de ciclos, festivales, encuentros, programación de espacios específicos y todo aquello que amplíe las posibilidades de exhibición.

ESTRUCTURA

1. Publicación de resultados del 1er Congreso Nacional de Teatro (18 de agosto). Con el fin de dar continuidad a las reflexiones iniciadas en 2015, mismo que puede consultarse en www.muestranacionaldeteatro.com.mx 2. A través de una convocatoria nacional, los coordinadores del 2° Congreso seleccionaron ponencias y ponentes a participar. 3. Foros de conversación Estos foros virtuales ofrecieron una plataforma en línea, abierta a todo aquel interesado en la aportación, construcción, crítica y propuesta de los ejes temáticos. Dichas conversaciones se desarrollaron del 5 al 20 de octubre. 4. Durante la 37 MNT Cada eje, realizará sesiones de trabajo cerradas con el fin de sintetizar resultados de la convocatoria y los foros digitales. Posteriormente, se llevará a cabo una mesa de trabajo vía streaming en el cual expondrán el resultado de las primeras sesiones del 2° Congreso. 5. Publicación de resultados Los documentos generados en el Congreso serán publicados en la página de la MNT www.muestranacionaldeteatro.com.mx

en el mes de diciembre.

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Jueves 3 y viernes 4 de noviembre

Reuniones cerradas entre coordinadores de cada eje y ponentes. Domingo 6 | 13:30 – 14:30 h

Martes 8 | 13:30 – 14:30 h

IDENTIDAD LEGAL, DERECHOS Y RELACIONES LABORALES

DISTRIBUCIÓN, MOVILIDAD Y MODELOS DE PROGRAMACIÓN

- Yucatán

Coordinador: Teófilo Guerrero

Coordinadora: Gabriela Escatel

Ponente: Silvia Judith Káter Zimmerman Artistas y seguridad social rumbo al cooperativismo en la RED ALTERNA

Ponente: Raquel Araujo Conocerme por conocerte. La programación de La Rendija Sede 50.51 y del Festival de Teatro de la Rendija como un diálogo constante con los públicos

- Michoacán

Ponente: Said Antonio Soberanes Benítez Subcontratación como identidad legal del artista en el reglamento interno de la Secretaría de Cultura Federal Lunes 7 | 13:30 – 14:30 h

OBTENCIÓN DE RECURSOS Coordinadora: Andrea Salmerón - Hidalgo

Ponente: Enrique Olmos de Ita Propuesta para la creación de un Estímulo Fiscal para las Salas y Foros Independientes dedicados a las Artes Escénicas en México - CDMX

Ponente: Martín López Brie Estéticas de la precariedad y economía de los afectos

- Hidalgo

Ponente: Enrique Olmos de Ita Hacia un Circuito Nacional de Teatro en 2017 Sábado 12 | 13:30 – 14:30 h

CONCLUSIONES DEL 2° CONGRESO NACIONAL DE TEATRO

Transmisiones Vía Streaming Sigue las transmisiones de la 37 Muestra Nacional de Teatro por teatralia.tv y por la página: www.muestranacionaldeteatro.com.mx

COORDINADORES 2° Congreso Nacional de Teatro

Gabriela Escatel Creadora y gestora escénica, su trabajo en teatro ha sido principalmente como actriz, gestora y productora. Egresada de la Licenciatura en Relaciones Internacionales por el ITESO y del Postgrado en Cooperación y Gestión Cultural Internacional por la Universidad de Barcelona. Estudió el Bachillerato en Arte y Humanidades con especialidad en Teatro en el Centro de Educación Artística José Clemente Orozco (CEDART) INBA; el diplomado en Dirección Escénica y Producción “Práctica de Vuelo” en el Centro de las Artes de San Luis Potosí por la Coordinación Nacional de Teatro INBA; y el de Historia y Teoría del Arte Contemporáneo en la Escuela Superior de Arquitectura ESARQ. Desde 2004 ha tomado cursos y talleres con maestros de talla nacional e internacional, entre los que destacan en creación: Cuqui Jerez, Martín Acosta, Richard Viqueira, Héctor Bourges, Rubén Ortíz, Shaday Larios, Beto Ruíz, Gerardo Trejoluna, Gabriela Cuevas, Eleno Guzmán, Dulcinea Langfelder, Omar Argentino, Elidé Soberanis, Rodolfo Obregón, Clarissa Malheiros, Perla Szumacher, Olga Gutiérrez y Alberto Lomnitz; y a nivel gestión Herman Bashiron Mendolicchio, Lluís Bonet y Fernando Payán. Del 2005 al 2012 formó parte del colectivo independiente “Inverso teatro”, donde se desarrolló como productora y gestora del mismo. Dentro de su trabajo como actriz destacan los montajes: “Timboctou” una coproducción de la Universidad de Guadalajara y la Universidad de las Artes de California (CALARTS) en Los Ángeles, California, dirigida por Martín Acosta, “Adiós querido Cuco” dirigida por Susana Romo; “De bestias, criaturas y perras” bajo la dirección de Fausto Ramírez; “El diablito de Ben-

jamín” dirigida por Manuel Parra y “El Matadero” dirigida por Marco Vieyra. Ha dirigido los montajes “El pulgar levantado en señal de triunfo” en co-creación y co-dirección con el artista plástico Humberto Moro, y “Hamlet, la historia jamás escuchada”, una versión del clásico de Shakespeare para sordos. Ha sido beneficiaria en dos ocasiones del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Jalisco, en 2008 en la categoría de Jóvenes Creadores y en el 2012 en la categoría de Desarrollo Artístico Individual. Así como becaria en dos ocasiones del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA – CONACULTA, en la modalidad de apoyo grupal. Actualmente es Coordinadora de Teatro de la Secretaría de Cultura de Jalisco desde donde diseña e implementa programas de desarrollo y promoción escénica: programación y curaduría de ciclos específicos; estímulos a la producción independiente; implementación de programas de vinculación nacional y regional; y organización de festivales entre los que destaca la Muestra Estatal de Teatro, su vinculación a nivel internacional y el Encuentro de Creadores como un espacio para la discusión de las artes escénicas en el Estado.

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Teófilo Humberto Guerrero Manzo Guadalajara, Jalisco 1969 Egresado de la Facultad de Derecho de la Universidad de Guadalajara, y de la Escuela de Artes plásticas de la misma Universidad. Participó en la Red Mexicana de Derecho Ambiental, y en el programa de Derecho Ambiental de E- law. En el ámbito cultural se ha desempeñado como miembro de la Comisión de Planeación del Programa de Estímulos a la Creación y el Desarrollo Artísticos del Estado de Jalisco, en el período 2005-2008, y participó en el equipo de diseño curricular de la Licenciatura en Artes de la SCJ en 2007-2010. Dramaturgo, actor y eventualmente director de escena. Ha publicado dramaturgia, crítica teatral y ensayo. Participante en el diseño curricular del Plan de estudios de la línea disciplinar en teatro, de la Licenciatura en Artes de la Secretaría de Cultura de Jalisco de la que es docente.

Andrea Salmerón Se graduó con Mención Honorífica como Licenciada en actuación de la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA en 1998. Tomó cursos y diplomados de perfeccionamiento actoral con Ludwik Margules, Diplomado para actores con Luis de Tavira, taller de guión cinematográfico de Enrique Rentería en el IMCINE, el taller de dramaturgia de Falk Richter y el diplomado de Narrativas Transmedia en la IBERO. Trabajó como actriz en teatro y televisión hasta 2004. Ha sido Primer asistente de dirección de cine y publicidad entre 2004 y 2011 y a partir de 2011 es también directora audiovisual. Ha escrito y dirigido cápsulas y comerciales para PEMEX, BANOBRAS, SETEC, SEMARNAT, entre otros. Escribió y dirigió Cuando los Trenes... obra finalista del 2o. Concurso Nacional de Nueva Dramaturgia “Teatro Nuevo”; en 2013 dirigió Borderline, una adaptación propia y de Mónica Bejarano a la novela de Marie-Sissi Labreche en el Teatro La Capilla. Actualmente produce y dirige Caborca, de Paulina Barros Reyes Retana, producción realizada con EFITeatro que, tras dos temporadas en 2016, prepara una gira con Coinversión del FONCA. De 2004 a 2006 fue Coordinadora de Producción Ejecutiva de la Coordinación Nacional de Teatro del INBA, y ha producido eventos y Festivales internacionales como la Junta Intergubernamental de Iberescena en México, D.F., el viaje de la delegación mexicana al WSD Seul2009, el Encuentro Internacional de Escena Contemporánea TRANSVERSALES en sus ediciones 2009, 2010, 2011 y 2015 y el Festival Iberoamericano de Teatro Infantil y Juvenil para la OEI-SEP- CONACULTA-INBA 2014. Entre las obras que ha producido destacan La hija de Rappaccini, de Octavio Paz, dirigida por Antonio Castro para el FIC; Otra vuelta de tuerca de Henry James, dirigida por Mauricio Jiménez; Resonancias de Héctor Mendoza, Oleanna de David Mamet y Traición de Harold Pinter, ambas bajo la dirección de Enrique Singer y el Festival Otras latitudes 2013 para la Coordinación Nacional de Teatro del INBA.

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SEGUIMIENTO CRÍTICO Seminarios en línea

Del 3-12 de noviembre Por 17 Instituto de Estudios Críticos

Imparten: Fernanda del Monte, Davide Carnevali, Patricio Villarreal A partir de la invitación por parte de la 37MNT parar generar una propuesta activa y teórica sobre la Muestra Nacional de Teatro (MNT) del año en curso, 17 Instituto de Estudios Críticos desde su área de Extensión académica y Estudios críticos del teatro, propone las siguientes actividades y creación de documentos que tendrán como eje rector generar por un lado, una línea de análisis objetivo y puntual sobre lo que significa la Muestra Nacional de Teatro, su factual inserción y expansión en el área en la que se desarrolla anualmente y por otro, el aporte real para la vinculación y profesionalización de los creadores escénicos de todo el país. Durante los últimos años, la MNT se ha dado a la tarea de generar materiales que analicen distintas vertientes de la MNT con el fin de entender con amplitud el fenómeno y planear a futuro para posicionarlo como un espacio de intercambio, de generación y producción, de exposición de las diferentes teatralidades que surgen y cambian constantemente en el país, así como ser un espacio de convivencia y preparación para nuevas generaciones. Cada año, la MNT se da a la tarea de fortalecer desde una vertiente específica este evento. Así, en los pasados años, se han realizado textos de diversos autores que han hablado de la MNT en su historia, sus fuerzas y debilidades, su pertinencia, entre otros temas (2014), como una investigación estadística tanto cuantitativa, como cualitativamente (2015), con lo que ya se han generado documentos que sirven de preámbulo

al seguimiento crítico que se propone realizar este año para generar actividades, foros, textos, contenidos teóricos, ensayos que conformen un pensamiento en torno a la historia, la documentación, y la planeación a futuro del evento en tres líneas principales: en cuanto a su teatralidad y estética, como espacio de vinculación social que recae en la profesionalización y creación de redes de los creadores asistentes, en relación con el ámbito local y el estado de la República en el que se presenta junto con el público e instituciones locales, así como su vinculación política, sobre todo con respecto a los modos de producción y sus posibilidades de co-gestión como parte de una política cultural específica. Objetivos específicos 1. Crear espacios, tanto en presencia como en línea, para la discusión de la MNT donde se reúnan profesionales del teatro con miras a crear una discusión escritural, ensayística plural, que profundice en la complejidad de la realidad teatral y su relación con la esfera social y política del país. 2. Generar un libro virtual que dé cuenta de la discusión llevada a cabo en los foros, creando un análisis de los mismos, y aportando una visión crítica especializada en las tres esferas propuestas: estética, social y política de la MNT. 3. Dar continuidad al trabajo de las anteriores Muestras Nacionales de Teatro mediante un seguimiento crítico de la misma, y la construcción de nuevos análisis que puedan dar puntos de vista renovados sobre este evento fundamental en la vida del teatro nacional. Inscripciones en alguno de los tres foros que abren las líneas argumentales y posibles. Se puede participar desde México y otros países:

Seminario 1. Estéticas teatrales en la Muestra Nacional de Teatro

de pensamiento crítico, de análisis de los propios modelos de producción y creación con miras a la profesionalización de las artes escénicas del país?

¿Qué teatralidad se presenta con mayor frecuencia y qué relación tiene ésta con las preocupaciones o temas específicos que se despliegan en las puestas en escena y trabajos teatrales presentes en la MNT?

El seminario plantea la discusión sobre la institución con respecto a las redes gremiales de creadores de todo el país. Abrir el debate a quien no participa, a quien no está presente, a quien elige trabajar en el margen. A los sectores académicos que no están presentes en la producción escénica. Generar pensamiento crítico en torno a la eficacia de los espacios creados por la Muestra Nacional de Teatro y su posibilidad de generar mejor y mayor producción teatral y formación de públicos.

¿Qué relación existe entre estética y modos de producción? ¿Qué relación tiene hoy la dramaturgia mexicana con la creación de estéticas escénicas? ¿Cuál es la relación entre palabra, cuerpo, presencia y el tipo de actuación? El teatro y su diversidad como mapa de las preocupaciones estéticas y poéticas, su relación con elpúblico no especializado, y con respecto al trabajo de otros creadores teatrales, tanto nacionales como extranjeros. Similitudes, tensiones, divergencias. Dramaturgias locales y periféricas, puestas en escena oficiales y sus temáticas específicas con el objetivo de crear un mapa que dé cuenta de la complejidad de la llamada escena nacional en sus diversas temáticas, preocupaciones, exposiciones y formas estéticas, además de ahondar en el problema de la no representatividad. Seminario 2. La MNT como espacio de vinculación y creación de redes sociales y creativas. ¿Qué representa la Muestra Nacional de Teatro como espacio de relación entre creadores escénicos en interacción con nuevas formas de producción tecnológicas y digitales? ¿Qué relación se da a partir de la creación de redes creativas desde la MNT? ¿Cómo generar discusión que ayude a la generación

Seminario 3. La Muestra Nacional de Teatro como parte de una política cultural local y Federal. ¿Cuáles serían los objetivos hoy de la MNT como política cultural? ¿Cómo puede la MNT solucionar los problemas de falta de diversidad, representatividad y centralismo de los modos de producción y los territorios de donde surgen dichas producciones? ¿Cómo puede la MNT ser puente entre la escena nacional y el posicionamiento de los artistas teatrales en la escena ínter mexicana tanto al interior como al exterior? ¿Cuál es el espacio cultural real que construye para sí y para los creadores escénicos un evento de este género? Pensar en conjunto, proponer críticamente, participar activamente en el pensamiento sobre La MNT, con mecanismos de opinión especializada. Un espacio para pensar lo institucional. Practicar el pensamiento analítico y argumental de lo institucional como condición de posibilidad. Generar una crítica

de aquello que la institución hace posible o impide. Dirigido a: A todos los creadores escénicos, directores y directoras, dramaturgos y dramaturgas, escenógrafos, productores y productoras, jóvenes creadores, investigadores, gestores culturales, estudiantes y todas las personas interesadas en hacer un seguimiento crítico de la Muestra Nacional de Teatro. Modalidad: En línea. Las sesiones no transcurren en tiempo real ni en un horario fijo, pero se calcula que la carga aproximada de trabajo es de 40 horas. Duración: 10 días, del 3 de noviembre al 12 de noviembre de 2016. Inscripción: 1. Llenar y enviar la solicitud de inscripción disponible en http://17edu.org/seguimiento-critico-a-la-muestra-nacional-de-teatro-2016 El instituto confirmará la recepción, y enviará la información necesaria. 2. Estos seminarios no tienen costo. 3. En el campo de Motivos indicar el seminario en el que desean participar, de los tres que se mencionan en el programa: Estéticas teatrales; Vinculación y redes sociales; Política cultural.

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5° ENCUENTRO DE PROGRAMADORES Y GESTORES

Sábado 5, miércoles 9, jueves 10 y viernes 11 de noviembre Centro de la Artes San Luis Potosí Centenario 13:00 h-14:30 h

Por quinto año consecutivo, diversos programadores y gestores culturales del ámbito nacional e internacional, de destacados festivales, ferias, circuitos e instituciones culturales, se darán cita para explorar la escena teatral mexicana. El Encuentro ha fortalecido, posicionado y visibilizado alrededor del mundo, el quehacer teatral mexicano, con participación de compañías y proyectos nacionales. Este año se contará con presencia de programadores y gestores provenientes de Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Cuba, España, Estados Unidos, Panamá, Uruguay, y desde luego, México. El Encuentro es una plataforma especializada de artes escénicas que estimula sinergias entre programas y proyectos, redes de colaboración, complicidades artísticas, movilidad de compañías, obras y especialistas además de generar intercambios y experiencias, que den a conocer, promuevan y potencien las artes escénicas mexicanas, tanto en nuestro país, como en otras regiones. Contacto: programadores@muestranacionaldeteatro.com.mx

ÁGORA

Del jueves 3 al sábado 12 de noviembre De 15:00 a 03:00 h Túum | Venustiano Carranza #940

Espacio abierto al libre debate y la reflexión durante la Muestra. Su programación es espontánea y da continuidad a las actividades que se realizan en la Muestra. Pueden participar: Creadores de San Luis Potosí Participantes de la 37MNT Creadores provenientes de otras entidades El proceso de programación es a través del correo agora@muestranacionaldeteatro.com.mx

Venta de libros especializados en Artes Escénicas Del viernes 3 al sábado 12 de noviembre Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Expositores: 1. Paso de Gato. Fondos: Paso de Gato. 2. Teatro sin Paredes. Fondos: Teatro sin paredes. 3. Escenología. Fondos: Escenología. 4. Libros de Godot: Libros de Godot, Atuel, Colihue, Biblos, Ichicult, Instituto Cultural de Aguascalientes, FAD, CUEC, INBA, Siglo XXI, Paidotribo? Akal, CITRU, entre otros. 5. Ediciones El Milagro. Fondos: El Milagro. 6. Textos de la Capilla. Fondos: Textos de la Capilla.

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ACTIVIDADES ESPECIALES PREMIO INTERNACIONAL DE ENSAYO TEATRAL Viernes 3 de noviembre 13:00 h Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Presentado por: La Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través del Centro de Investigación, Documentación e Información Teatral “Rodolfo Usigli” y la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con ARTEZ: Revista de las Artes Escénicas de España y Paso de Gato: Revista Mexicana de Teatro.

Ganador

Sigifredo Esquivel Marín (Pinos, Zacatecas, 1973)

Por su ensayo De cuerpo presente, en los umbrales de la finitud (29 tesis sobre teatro, política e inmanencia).

menciones honorificas

Elvira Dimitrova Popova

México Por su ensayo: Nuevas escrituras para la escena en México: el contexto de la narrativizacion del drama contemporáneo

Natalia Andrea Buyatti y Fabricio Raúl Cipolla

Argentina Por su ensayo: La singulardad en la construcción teatral

Ensayista, instructor de Hata Yoga, profesor-investigador en la Unidad Académica Psicología y Docencia Superior, Universidad Autónoma de Zacatecas. Autor de Pensar desde el cuerpo. Tres filósofos poetas: Spinoza, Nietzsche y Pessoa, Tijuana, CONACULTA-CECUT, 2006; Imágenes de la imaginación, México, FML-Tierra Adentro, 2006; Ensayar, crear, viajar. Sobre la tentativa como forma de arte, Ediciones de Medianoche, 2008; y Escrituras profanas de textos sagrados, Zacatecas, Ediciones Passim, 2013. Y Creación, crítica y subjetividad (Educar para resistir en el sistema- mundo global), Oviedo, Ediciones I.M.D, 2015. Ha participado en más de veinte libros colectivos y antologías en Iberoamérica. Miembro fundador de la Academia de Teoría y Filosofía de la Educación (ATYFE). Y miembro de la primera generación de becarios la Fundación para las Letras Mexicanas. Premio Regional de Ensayo 2004 (Región Centro-Occidente); Premio Nacional de Ensayo Abigael Bohórquez 2005; Premio de Ensayo Universitario (Biblioteca del 175 aniversario de la UAZ, 2008). Premio Nacional de Ensayo Político José Revueltas 2015.

EXPOSICIÓN MEMORIA COLECTIVA Viernes 4 de noviembre 14:00 h Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

Inauguración Retrospectiva sobre el teatro en San Luis Potosí

Este ejercicio pretende volver la mirada sobre aquellos que han sido parte fundamental del quehacer teatral en San Luis Potosí. Faltan aún muchos protagonistas. Este es un primer acercamiento a una necesidad latente: construir un mapa que visibilice la labor teatral en la ciudad y el estado. Legar para los que vienen los referentes que les permitan reconocer el contexto de su propio territorio. Recordar para reconocer, reconocer a otros para reconocernos a nosotros mismos. Reconstruir sin juicios la vida teatral que nos pertenece y a la que pertenecemos más allá de los gustos, las intenciones, las coincidencias o las distancias. Reconstruir desde la colectividad nuestra memoria permite que ejercitemos como gremio una de tantas batallas; la lucha contra el olvido. Agradecemos la colaboración de Fernando Betancourt, Antonio Trejo, Amparo Alvarado, Ricardo Moreno, Alejandra Mendoza, Francisco Morán, La Carrilla, El gato de Schrödinger y Lucía Andrade, por su generoso apoyo.

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ENRIQUE BALLESTÉ: DRAMATURGO Por: Jesús Coronado

La Dirección Artística considera importante reconocer en el contexto de la 37 MNT, la figura de Enrique Ballesté, quien hizo una aportación fundamental al teatro potosino y nacional.

Enrique era un artista completo: poeta, cantante, compositor, actor, director de escena, dramaturgo. En este momento nos atañe su condición de autor, actividad que desarrolló desde una temprana edad y a la que en su juventud se refería en los siguientes términos: “Tengo afición a escribir para un género pálido, pequeñito, escuálido, un género que si no se cuida volverá tísico y tras tres o cuatro esputos, perdón, expectoraciones de sangre, será enterrado con las reconfortaciones de rigor. Un género que en sus buenos tiempos se llamaba teatro”. Precozmente fue un lector ávido y voraz, sus referentes dramáticos se encuentran, según confiesa, en textos como Calígula de Camus, Critobal Colón de Ghelderode, Guillermo Tell tiene ojos tristes de Sartre, El enemigo del pueblo de Ibsen, Las mujeres también perdieron la guerra de Curzio Malaparte y El gesticulador de Usigli. Desde el arranque de su carrera literaria afirmó que el teatro lo enfrenta de manera lírica, sin obedecer rutas marcadas por ancestros ideológicos o formales; que su teatro, si es algo, es poesía, y que como ella responde no tanto a un oficio como a un arranque intempestivo de amor, de furia, de impotencia, de rabia y desesperación. Contextualizando, Enrique Ballesté Gálvez nació en octubre de 1946 en la Ciudad de México; es hijo de un republicano español exiliado en un país al que siempre despreció; afortunadamente, su madre mexicana – Margot – supo nulificar el desdén paterno por este suelo para enamorarlo de la tierra en que nació. Su hermano Mariano, compositor de numerosas piezas para las obras de Héctor Azar allá por 1960, le inoculó el amor por la música y el teatro. Quiso ser futbolista profesional, fue efímeramente alumno de química y, encontrándose envuelto en un torbellino que presagiaba el 68, ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM; si uno ve con detenimiento documental El grito de Leobardo López lo recono-

cerá entre las tomas cantando en la explanada de la universidad. Un poco antes había escrito su primera obra teatral, que se ha perdido, Alguna parte, algún tiempo (1967); no así su siguiente texto: Mínimo quiere saber de 1968, que se estrenó en las asambleas del Comité de Huelga como parte de las actividades del movimiento estudiantil. Desde ese momento Enrique quedó marcado por la experiencia y no habrá paso atrás en su convicción artística y política: el teatro debe ser un instrumento de transformación social. Un año más tarde logra un éxito con Vida y obra de Dalomismo, ganadora del premio Celestino Gorostiza del Festival de Primavera del INBA, máximo galardón escénico de la época de manera dividida, el jurado le concede el triunfo, algo que será sintomático de su carrera artística: la división de criterios que confronta a los que lo enuncian. En 1972 fue llamado para realizar la música de El canto del fantoche lustiano de Peter Weiss, bajo la dirección del venezolano Carlos Giménez, y todo cambió. El elenco, conformado por actores de la UNAM tras la expulsión del país del director, a quien se le aplicó el artículo 33 de nuestra Constitución, delibera si debe continuar con la presentación de la obra o acatar las decisiones de la autoridad. La asamblea decide tomar el Foro Isabelino y continuar con la temporada; hay división al interior, pero los actores que abandonan el proyecto son sustituidos por otros que vienen de la escuela del INBA. A partir de este suceso nace el CELTA – Centro Libre de Experimentación Teatral y Artística -, y con él la radicalización de los principios: creación colectiva, desaparición de la figura tute lar del director o dramaturgo como principio de creación, el oficio del actor no tiene que pasar por una formación rigurosa, sino que es suficiente la voluntad de participar, se decreta la salida de los espacios convencionales de representación para abordar la calle y los espacios públicos, destruir la taquilla y vivir del apoyo del pueblo.

Brigadas recorren el país llevando la nueva noticia. CELTA se conforma entonces como una organización nacional; en 1974 realiza su Primer Encuentro Nacional en la Ciudad de México y en 1975 un Segundo Encuentro en San Luis Potosí. En esta vorágine Enrique conforma un grupo emblemático: Zumbón y crea, con la complicidad de sus camaradas, obras como Mexicanos al grito de guerra, Tropicopera (a partir del Misterio bufo de Mayakovsky), La Junta Nacional de Ratones, Gringo el dragón, La familia chumada, Traición (adaptación de textos de Ricardo Flores Magón), El papá de las Conchitas, Tamazul o ¿por qué el sapo no puede correr? (a partir de Popol Vuh), La Carpa Nacional, Cuentos chinos, etcétera. Aunque todas ellas son firmadas como creación colectiva, la pluma de Enrique está detrás de todas; no puede negar “la cruz de su parroquia”, la de ser dramaturgo: los recuerdos de Benito Gómez o El paraíso de los pobres, basada en un texto de Friedrich Dürrenmatt de 1973, o su montaje – verdadera concreción del concepto de “puesta en escena” – del Crucificado de Carlos Solórzano en 1974 lo llevan a un conflicto donde se confronta la acción individual del dramaturgo y la colectiva del director. Serán testimonio de su figura como dramaturgo Los Flores Guerra, llevada a escena en el Teatro Legaria en 1985 con producción de la UNAM, o que Puente alto reciba el Premio Bellas Artes Mexicali de Dramaturgia 1989. El escritor ha aceptado en su oficio la cualidad del individuo. La conciencia y los compromisos sociales no sueltan; en lugar de hacer una exitosa carrera en solitario se mantiene neciamente sosteniendo a su grupo; es cuando vienen ¡Ay me duele!, Buitres y chacales (a partir de Antígona de Sófocles), Tres héroes, Las frutas, Clavito conciencia; escribe y compone para su grupo; reparte su beca del Sistema Nacional de Creadores entre todos los miembros de Zumbón, y se

niega a hacer trabajos en solitario, salvo excepciones, como la escribir Un 4 para Alejandro Bichir.

montaba en la vecindad de mina en la colonia de la Ciudad de México.

En tales condiciones la experiencia colectiva no puede sostenerse por más tiempo. El desgaste grupal, la dependencia afectiva y creativa cobran factura: en 1996, con el estreno y posterior reposición en 1997 de la puesta en escena de Eurídice, canción medio triste, escenificada en una vecindad de la calle de Mina en la colonia Guerrero, que era sede del grupo, se cierra paulatinamente un ciclo importante para el teatro popular mexicano. Paradójicamente, Respira discreto fue el último estertor escénico del grupo Zumbón, un año más tarde.

En sus obras dramáticas, desde hacía algunos años habían empezado a suprimirse las acotaciones, a menudo los personajes carecían e nombre y sus enunciaciones se volvían telegráficas, logrando una síntesis que potencializa la palabra como creadora de realidad; es un teatro que sin duda requiere para su interpretación de actores, en el sentido lato del oficio: personas capaces de construir otro universo aquí y ahora, de darle sentido a la palabra y encarnarla con fe, para que a partir de ahí pueda encontrarse con el de enfrente.

CAE UN TELÓN, TIEMPO NUEVO, UNA NUEVA ESTRUCTURA

Cantina La Conquista es una muestra de ello; oscilando entre un referencial costumbrismo, tan caro a los autores de la generación del 68, está cimentada con una escritura hiperrealista que se vuelve poética y encarna una síntesis épica de las pugnas de poder entre machos. La obra es también un ajuste de cuentas por parte del autor con su padre, con su grupo teatral y con la esencia de ser mexicano.

Las transformaciones en los hombres, la mayoría de las veces, no son de golpe sino paulatinas decantaciones de la experiencia de vida y la práctica de un oficio. El teatro de Ballesté – él, tan aristotélico y cartesiano – siempre estuvo profundamente influido por el absurdo, de ahí su gusto por los énfasis fársicos y sus tratamientos esquemáticos que con la carga lírica de sus textos se vuelven experiencias emotivas y concientizadoras para el espectador. En 1995 escribe Pescar águilas, paráfrasis de El pupilo que quiere ser tutor de Peter Handke; su escritura se convierte en haikus para que los actores los resuenen en su mente. Su escritura empieza a ser para que otro director la lleve a escena, que sus palabras sean interpretadas por otro, que las revierta con el espectador como cómplice y participante. El texto que en esta edición se publica de Eurídice es la versión final del autor tras su puesta en escena, un texto que empezó a engendrar desde 1983 y que en el momento de su escenificación en 1996 necesitó de escenas nuevas, puentes y canciones que el dramaturgo escribió sobre la marcha mientras la obra se

La escritura deviene en estructuras y diálogos, imágenes y situaciones que se conciben y perfeccionan durante largo tiempo, rumiándose antes de que se materialicen en el escenario, sino en la mente.

EL DRAMATURGO SUEÑA. EL DIRECTOR HACE

En esta nueva situación va desarrollando técnicas, apuntaladas con un invaluable bagaje, y escribe con mayor énfasis para otros; es en esta circunstancia que surge Siberia, para ser montada en Tampico, Tamaulipas, donde realiza una estancia, y Benito Seas, para un grupo del altiplano potosino. Compone la música para ambas obras y para Las aves de Aristófanes, que monta Teatro Perro en la Ciudad de México. Lo que me pidió la más espinosa de los viveros se queda guardada en el cajón, así como Años después. Sin que él lo busque, su carrera se decanta hacia la actuación; está en ese preciso momento de la vida para los histriones en que, siendo “hombres mayores”, aún dominan la escena y aportan un buque inigualable. Realiza memorables trabajos: dos cortometrajes para Alejandro Ramírez (2005 – 2006); El ausente, de Víctor Hugo Rascón Banda, en montaje con el grupo Contigo América (2003 – 2004); Angelina (1997), Cantina La Conquista (2005 – 2010), La muerte de Büchner (2010) y Papá está en la Atlántida (2010 – 2012), con El Rinoceronte Enamorado; en este ínter produjo varios discos; Las prohibidas de la W (1999); Años 20 (2001) y Canciones Ballesté (2009). Ni por asomo estamos hablando de una trayectoria situada en el pasado, en este año de 2015, en la Ciudad de México y en Tijuana, se está escenificando su obra Vida y obra de Dalomismo; la revista Tramoya, en su número 124, publica dos de sus textos y Ediciones El Milagro ofrece, en su nueva colección La Otra Centena, esta muestra del trabajo de Enrique para compartirla una vez más en esa intimidad que se fragua entre lector y escritor: así, pues, leídos estos textos, cierre los ojos e imagínese esos mundos. Salud y vida.

POSTDATA

Enrique sabía que se estaba preparando la edición de este libro con nuestros hermanos de El Milagro; desgraciadamente no alcanzó a verlo impreso, ya que el 19 de septiembre de 2015, después de ver con gusto cómo el Cruz Azul le ganaba 2 a 1 a los Pumas, exhaló su último suspiro…Como última voluntad había pedido que su cuerpo fuera cremado y sus cenizas esparcidas por los lugares donde había vivido; algunas de ellas le tocaron a San Luis Potosí, reposan entre las raíces del gran mezquite que es guardián de nuestro teatro; al poco tiempo de yacer ahí, sus hojas reverdecieron y algunos juran que cuando el aire sopla la copa del árbol canta; nosotros de vez en vez lo regamos con una copa de mezcal a su salud. Texto orginalmente publicado por La Centena.

ENCUENTRO DE BECARIOS A través de 32 convocatorias, en cada uno de los estados de la entidad federativa, se ha becado a 2 jóvenes hacedores de teatro por estado, para reunirse en esta edición de la MNT. Con el firme objetivo conjunto, entre la Dirección General de Divulgación Cultural de la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas y las Secretarías e Institutos de Cultura de los estados de la república, se pretende generar información, vínculos, intercambios y capacitación que permitan ampliar la visibilización y el desarrollo del teatro en cada entidad además de fomentar la relación con el otro. A lo largo de diez días, se ha estructurado un cronograma de actividades proporcionado antes y durante el desarrollo de la 37 MNT.

Coordinador: David Jiménez Sánchez Asistencia: Zazil Torres becarios@muestranacionaldeteatro.com.mx

GANADORES DE LAS MUESTRAS REGIONALES DE TEATRO 2016 El reconocimiento del gobierno federal al arte y la cultura como prioridades nacionales dio pie, en diciembre de 2015, al decreto de creación de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la República. Este hecho histórico detonó, con mayor fuerza, la reflexión en torno al replanteamiento del papel del Estado en la vida cultural de nuestro país. A partir de ello, se ha comenzado a redefinir la vocación y alcance de distintos programas, se ha fortalecido la agenda común con las instancias culturales de las entidades federativas y se han puesto en marcha nuevas acciones transversales en todos los ámbitos del arte y la cultura. En ese sentido, la Secretaría de Cultura Federal junto con los 32 estados constituidos en cinco Fondos Regionales para la Cultura y las Artes, ha trabajado en una serie de acciones para el desarrollo y fortalecimiento del quehacer teatral. Resultado de ello es que, durante este año y a lo largo de todo el país, se llevaron a cabo Muestras Estatales de Teatro con los propósitos de fomentar la creación artística local, conformada por toda una diversidad de temáticas, estilos y tendencias, así como de ser la plataforma que articula el acceso a las Muestras Regionales de Teatro y en la Muestra Nacional de Teatro (MNT). De este modo, a lo largo de la edición 37 de la MNT que en estos días nos reúne en la ciudad de San Luis Potosí, presenciaremos los montajes de Baja Cali-

fornia, Coahuila, Querétaro, Tlaxcala y Yucatán, puestas en escena doblemente ganadoras, ya que representan tanto a sus estados como, respectivamente, a las regiones culturales Noroeste, Noreste, Centro Occidente, Centro y Sur. Este mosaico de obras, que transitaron de lo municipal a lo estatal y, posteriormente, de lo regional a lo nacional, implica el reconocimiento de la existencia de una diversidad escénica que dialoga entre sí, se entremezcla y comparte, se enriquece y se construye a sí misma en una espiral de intercambio de experiencias, donde el objetivo es estimular la formación de un círculo virtuoso en el que creadores y público sean los principales beneficiados y, a su vez, los propios generadores de su desarrollo. Disfrutemos de los montajes ganadores de las Muestras Regionales de Teatro 2016 y, entre todos, continuemos forjando la identidad teatral de nuestra nación. Antonio Crestani Director General de Vinculación Cultural Secretaría de Cultura del Gobierno de la República

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 165

21:30 h | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA

Inauguración

Ganadores de las Muestras Regionales de Teatro 2016

21:30 h | Centro de Difusión Raúl Gamboa del IPBA REGIÓN Noroeste – Baja California – Teatro en el Incendio

STANDARD: dispositivo para ser una persona normal

Autoría y dirección: Gilberto Corrales

Con: Mike Zazueka, Danaé Shinohara, Gonzalo García González y Alan Fuentes Un set de televisión, montado sobre un charco de sangre; se construye en vivo el programa de la normalidad para hacer personas felices, hasta que la verdad se vuelve insostenible. Dur: 90 min

Contacto: Gonzalo García González Mail: teatroenelincendio@hotmail.com

18:00 h | Caja Negra del CUART de la UASLP Región Centro Occidente – Querétaro – Corral de Comedias

FUENTEOVEJUNA. Breve tratado sobre las ovejas domésticas De: Lope de Vega Dramaturgia y adaptación: Anna María Ricart Dirección: Ricard Soler i Mallol

Reparto: Comendador / León López Laurencia / Fátima Saavedra Esteban / Fernando Rabell Pascuala, Regidor sin nombre / Verónica Carranco Mengo / Víctor Sasia Flores y Ortuño / Giovanni Gómez Frondoso / Barukh Pulido

17:30 h | Foro Teatral La Carrilla REGión Sur – Yucatán – Síndrome Belacqua

CURRÍCULUM VÍTAE. Instrucciones para armar De: María José Pasos Dirección: Nara Pech

Con: Ulises Vargas ¿Qué significa ser adulto en contextos de precariedad? Recorrido de un individuo por distintos cuadros de su proyecto de vida: el amor, el trabajo, el tiempo libre, el pasado, y demás. El testimonio, el documento y la ficción se mezclan para construir un espacio donde resuenen las inquietudes de quienes pertenecemos a la actual generación de jóvenes adultos. Dur: 90 min

Es la historia de los habitantes de un famoso pueblo que, cansados de las atrocidades de un comendador corrupto y violador, deciden unirse para combatir y finalmente matar a su opresor. Mientras sucede la acción, los actores comentan y opinan sobre este hecho, basado en una situación real (Crónica de Rades S.XVI) en la que Lope se inspiró. Duración: 60 min Contacto: Fernando Rabell Mandujano Mail: Fernando.rabell@corraldecomedias.mx

Contacto: Nara Aleida Hidalgo Pech Mail: sindromebelacqua@gmail.com

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 167

17:30 h | Auditorio Rafael Nieto Ganadores de las Muestras Regionales de Teatro 2016 REGIÓN Centro - Tlaxcala – Imprudentes Teatro

SENSACIONAL DE MARICONES

17:30 h | Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa del IPBA Ganadores de las Muestras Regionales de Teatro 2016 REGIÓN Noreste – Coahuila – Grupo ACTA

Dramaturgia: Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio Dirección: Jesús Rojas

CAYENDO CON VICTORIANO

Reparto: Jaimito / Juan Munchi Doña Mariana Bribiesca / Samantha Moreno Don Juan Eleudoro / Amaury Calderón

Reparto: Edith O´shaughnessy / Mónica Almanza Nelson O´shaughnessy / Jesús Cervantes Victoriano Huerta / Juan Antonio Villarreal Salvador Díaz Mirón / Gustavo García Un asistente / Óscar Troyo

Jaimito es un pequeño mundo encerrado en un lugar prejuicioso que lo encasilla por ser “el joto del pueblo”. Él es un chico común y corriente, bueno, más corriente que común, que sueña con encontrar el amor en la gran ciudad. Harto de todo lo que le rodea, decide ir en busca de lo que siempre ha soñado, por fin ser Jaime y dejar de ser Jaimito. Duración: 75 min

Contacto: Ermhy Alejandro Méndez Pérez Mail: urmy_11@hotmail.com

De: Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio Dirección: Gustavo García Torres

Esta es una comedia que relata antiguos contubernios. No es una apología de nadie. Es un retrato del poder, de complicidades y previsiones económicas a futuro. Trata sobre guardaditos, chayotes y transferencias por “servicios de comunicación”; sobre el intervencionismo norteamericano, la desacreditación de los grupos “revoltosos, revolucionarios o como se llamen esos delincuentes que buscan atentar contra el país”, y sobre la militarización como respuesta a los problemas sociales. Duración: 90 min Contacto: Gustavo García Torres Mail: tavano@hotmail.com

Gobierno del Estado de San Luis Potosí Juan Manuel Carreras López Gobernador Constitucional del Estado de San Luis Potosí SECRETARÍA DE CULTURA DEL ESTADO DE SAN LUIS POTOSÍ Armando Herrera Silva Secretario de Cultura Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario Laura Elena González Sánchez Directora General Secretaría de Cultura del Gobierno Federal Rafael Tovar y de Teresa Secretario Instituto Nacional de Bellas Artes María Cristina García Cepeda Directora General Sergio Ramírez Cárdenas Subdirector General Juan Meliá Coordinador Nacional de Teatro César Tapia Subcoordinador de Enlace con los Estados Roberto Perea Director de Difusión y Relaciones Públicas

37MNT Juan Meliá | Laura Elena González Coordinación General César Tapia Coordinación General Operativa Alma Rosa Castillo Coordinación Logística Eloísa Sáenz Coordinación Administrativa Angélica Moyfa García | Araceli Alvarado Coordinación de Difusión Mario Eduardo D´León Coordinación Técnica y de Producción Luz Emilia Aguilar Zinser, Martha Aguilar, Saúl Enríquez, Daniel Serrano, Alberto Villarreal Dirección Artística de la 37 MNT Raúl Omar Hernández Coordinación de página web y plataformas electrónicas Martha María González Diseño editorial e Identidad Gráfica Raúl Hernández | Sergio Grande Diseñadores Karina López Asistente del Subcoordinador de Enlace con los Estados Montserrat Morales Asistente de Coordinación General Karina de la Cruz Coordinación de Transportación Cecilia Padrón Coordinación del Centro de las Artes de SLP Michel Picasso | Ana Julia Muñoz Mendoza Enlace Administrativo Tania Rodríguez | Patricia Bear Coordinación de Producción Isadora Oseguera-Pizaña Coordinación de Cargas Sergio Rey | Amalia Tovar Coordinación de Alimentación David Jiménez | Zazil Torres Coordinación de Becarios

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 169

Monserrat Mejía | Alfredo Sánchez Coordinación Encuentro de Reflexión e Intercambio – ERI Irais Verástegui Coordinación de producción del Encuentro de Reflexión e Intercambio - ERI Bethsabé Guzmán | Lucero Chávez Coordinación 5º Encuentro de Programadores y Gestores Irma Santibáñez Asistencia de coordinación 5º Encuentro de Programadores y Gestores Natjeli Babinet Coordinadora 2º Congreso Nacional de Teatro Identidad Legal, derechos y relaciones laborales Coordinadores: Teófilo Guerrero, Verónica López Obtención de recursos Coordinadora: Andrea Salmerón Distribución, movilidad y modelos de programación Coordinadora: Gabriela Escatel Carmen Zavaleta Relatoría 2º Congreso Nacional de Teatro. 17, Estudios Críticos, Fernanda del Monte, Davide Carnevali, Patricio Villarreal Seguimiento crítico de la 37 MNT Jaime Soriano | Teatralia TV Streaming Raúl Hernández | Pedro (Perico) González Redes sociales Raúl Ramírez “Kigra”, Enrique Gorostieta, José Jorge Carreón, Antonio Arroyo Fotografía escénica. Juan Pablo Meneses Curador exposición Memoria Colectiva Karina López Vera Coordinación Ágora Isadora Oseguera – Pizaña Coordinación de cargas Cecilia Padrón Coordinación de voluntarios Angélica Moyfa García Coordinación Editorial

Mario Rocha, Martín Loredo, Claudia Alvarado, Mónica Pérez, Sergio Alfonso Montalvo, Anahí Hernández, Mónica Pérez, Alan Harold del Portal, Jesús Carranco, Francisco Javier Reyna, Héctor Galicia, Osvaldo Martínez Saldaña, Daniel Castillo, Rafael Velázquez, Erika Jonguitud, Mónica Velázquez, Paulina Nieto Personal Operativo CEARTSLP Durango: José Ángel Soto Favela, Ana Laura Herrera Ortega, Felipe Haley Lomas Estrada, Miguel Torres Soto, Alejandro Muñoz Silva. Aguascalientes: Mariana Rosales Coordinadores de espacios Equipo técnico: San Luis Potosí: Sergio Galarza Salazar, Valente Ibarra, Jorge Ernesto Rivera Jaramillo, José Luis Chávez Juárez, Jair Gómez Rodríguez, Gustavo Chávez, Gilberto Galarza, Antonio Chávez, Sandra Silva Martínez, Erik Arvizu Castro, Raúl Pedro Torres, Jorge Nesme Martínez, Eduardo Solis Veyna, Ignacio Piña Lagunas, Jorge Silva Zarzosa, Rafael Sánchez Álvarez, Boris Abel Vázquez, Erick Díaz De León Torres, Daniel López, Francisco Moreno, Francisco Guzmán, Raúl Vázquez, Ricardo Hernández, David Grimaldy, Pedro Luis Esquivel, Oscar Sánchez. León, Guanajuato: Alejandro González “Chuchín”, Lupe Rico, Sandro “el abuelo” Neri, Felipe Hernández, Juan Carlos Ney. Guadalajara, Jalisco: Venjamín Rubio, Christian Rubio “Grillo”, Fernando Puga Candelario, Guillermo Nava. Ciudad de México: Fernando González, Felipe Núñez Leal, Alberto Núñez Leal, Rafael Flores, Felipe Lara, Alberto Núñez Guadarrama, Arturo Trejo, Daniel Trejo, Damián Sánchez, Alejandro Carrasco, Luis Arturo Morales, José Luis Bautista Rivera, Alejandro Ostos Hernández.

Agradecimientos especiales Unidad de Protección Civil del Gobierno del Estado, Cruz Roja de SLP, Roberto Villarreal, Gloria Chapa, Víctor Mendoza, Jorge Emiliano, Giovanni Cinco, Astrid Juárez, Patricia Tapia, Nuria Guzmán, Angélica Rogel, Claudio Aguilar, Mónica Jiménez, Alicia Martínez, Saúl Ramírez, Marco Tulio, Ana Valenciana, Gabriel Enciso, Adria Lozano, Gabriel González Godínez, Patricia Martínez, Diana Hernández, Oscar Bautista, Alejandro Gómez, Carlos María Flores, Katia Nilo, Roberto Landeros, Cecilia Gallegos, Aldo Quiroz, Patricia Juárez, Enrique Zavala López, Sandra Muñoz, Héctor Romero Lecanda, Rodrigo Escalante, Luis Velázquez.

MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 171