Memoria CAF 2011 by edward venero

Colegio San Francisco de Borja

Museo Machupicchu Casa - Concha

Capilla del Colegio Educandas

Hotel Cusco

Convento de San Francisco

Auditorio DIRCETUR

PATROCINADORES:

ORGANIZADORES:

AUSPICIADORES:

COLABORADORES:

CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011 5

En su segunda edición, Cusco Always in Fashion 2011 exploró la relación de la moda peruana con su entorno cultural. 16 diseñadores se reunieron en Cusco, entre el 23 y el 26 de noviembre, para trazar la geografía actual del diseño de moda en el Perú. En sus 4 días de desfiles, talleres, conversatorios y acciones artísticas, el evento creció y se expandió, llevando consigo la pasión por el diseño y la valoración de las fuentes peruanas. La creatividad, la identidad, el diseño, la tradición andina, el arte, el comercio, la producción fueron los núcleos que centraron y organizaron este mapa vivo, matriz de las interacciones de sus participantes. El homenaje al Año Sacro Andino fue una constante. Cusco disfrutó de este encuentro de moda innovador y plural y el auge del diseño de moda en el Perú se redefinió a partir de estos nuevos aportes.

CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011 Y LOS ALTOS OBJETIVOS REGIONALES Cientos de años después, el Cusco de hoy vuelve a sentirse como el gran centro de irradiación cultural que su sino histórico le ha conferido; y esta vez lo hace a través de la producción artística y la moda, mediante el CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011, en cuya gestación y desarrollo el Gobierno Regional y sus diferentes estamentos han sido actores decisivos, en comunión con los gremios empresariales privados. 6

Desde la perspectiva pública, este evento anual de moda trasciende los límites del campo estético, en el cual usualmente se enmarca; y se configura en un gran instrumento para el fortalecimiento e innovación del destino turístico, para la autoestima e inclusión de nuestra sociedad y para la creación de valor y riqueza, que son los grandes objetivos del Estado Regional en sus diferentes niveles. CUSCO, CENTRO ANCESTRAL DE ARTE Y CULTURA Los centros de desarrollo cultural como Cusco son epicentros planetarios donde se gestan formas propias de mirar y entender el mundo, que conservan una poderosa tradición y reciben y catalizan influencias de otras culturas; algunas de ellas por imposición (como la conquista) y otras por medio de generaciones de convivencia e interrelación.

El espacio cultural primigenio; aquel que se creó bajo los ordenes rituales de una cosmogonía ancestral y como reflejo de arquetipos supremos, recibe en su devenir los aportes de las más diversas culturas, toma estas influencias las integra y produce manifestaciones propias muy singulares. Expresión de este proceso es “el arte Cusqueño” que ha recibido muchos aportes en tecnologías y estilos de pueblos prehispánicos conquistados, dando lugar a una Cerámica Inca epigonal, hecha por alfareros traídos desde las confines del Tawantinsuyo. La escuela Cusqueña de pintura gestada siglos después, es otro claro ejemplo de un espacio Cultural que hace suyas otras estructuras de pensamiento y las expresa en nuevas técnicas y materiales; y al hacerlo, genera su propio y singular estilo, que mantiene velada pero viva su iconografía y simbología solar milenaria, como una silenciosa pero tenaz resistencia y persistencia ideológica. En el Siglo 20 el espacio Cultural Cusqueño se expresa fundamentalmente a través de la fotografía, una nueva visión estética y testimonial que surge cuando Figueroa Aznar, Martin Chambi, Eulogio Nishiyama y otros talentosos artistas nos hablan desde su lente, con una mirada introspectiva, que nos hace vernos como actores y objeto de nuestra identidad.

EL CUSCO CONTEMPORÁNEO, PRODUCTOR DE TENDENCIAS A partir de la creación del primer CUSCO ALWAYS IN FASHION, Este espacio cultural, hoy vitrina natural de todo el país al mundo, ha escogido entre otros manifestarse por medio de la moda,

integrando a los más amplios espacios sociales, gubernamentales y gremiales en su diseño y desarrollo, motivados por el anhelo de: Inspirar, Incluir e Innovar. El espacio cultural Cusqueño, acepta una vez más el reto de utilizar un nuevo medio para producir y catalizar los cambios internos de un proceso de globalización, con la adopción de lenguajes contemporáneos y una mirada singular; local y a la vez universal, que se expresa en las telas, colores, formas y acentos de la moda. Este es el CUSCO ALWAYS IN FASHION, pasarela de la expresión del Cusco de hoy… INCLUSIÓN Y DESARROLLO EN CUSCO A PARTIR DE LA MODA La mirada pública cusqueña, además del natural interés que tiene en fortalecer e innovar su Destino Turístico, busca a través del CUSCO ALWAYS IN FASHION, otra dimensión de objetivos sociales, asociados a la autoestima, la generación de riqueza espiritual y material y la inclusión en su sentido más amplio. Al ser parte activa de este evento desde su primera aparición, el colectivo público encabezado por el Gobierno Regional ha encontrado en el CUSCO ALWAYS IN FASHION un gran instrumento para Incrementar su oferta exportable y construir eslabonamientos económicos que hagan de las comunidades y los artesanos locales sus principales proveedores de talento en manufacturas y accesorios que formen parte de las nuevas tendencias de la moda. El gran impulso de nuestro país de los últimos años ha logrado que hoy en día seamos un gran centro manufacturero de ropa y accesorios de las mejores marcas del planeta. Sin embrago, el objetivo regional apunta a fines más altos como la promoción de diseñadores locales de gran talento que dicten tendencias y la construcción de “marcas propias” que expresando nuestra tradición y singularidad alcancen posicionamiento mundial. Ese salto cualitativo multidimensional, se afirmará cada día más con la puesta en escena de cada nuevo CUSCO ALWAYS IN FASHION, con el decidido impulso de la oficialidad cusqueña en sus diferentes estamentos, Inspirando, Incluyendo e Innovando.

Jorge Acurio Tito Victor Hugo Perez Zevallos Presidente Regional Director Regional De Comercio Gobierno Regional - Cusco Exterior Y Turismo - Cusco

PORQUE UNA SEMANA DE LA MODA EN LOS ANDES DEL CUSCO?

Por tres razones pragmáticas relacionadas al desarrollo regional: 1. Porque la moda requiere de gran creatividad que es un valor agregado inherente al peruano desde tiempos milenarios. 2. Porque el mundo de la moda es una industria gigantesca que genera grandes y complejas cadenas especializadas de labor, particularmente entre las mujeres. 3. Porque tiene un enorme potencial en la creación de puestos de trabajo en cada uno de sus componentes: Diseño conceptual, diseño textil, producción textil, confección, acabados especializados, mercadeo, distribución y venta.

La moda es una de las tres grandes industrias creativas que nuestros gremios privados desean impulsar en el Cusco; las otras dos son el cine y la fotografía. La moda es una industria creativa que utiliza el diseño como un instrumento y una plataforma que nos puede permitir un impulso para subirnos al carro del progreso, para lidiar con el cambio y la aplanadora de la globalización. Nos regocijamos en la gloria de nuestros antepasados y en su sabiduría al aplicar el diseño en todas sus formas para florecer como una de las grandes civilizaciones universales. Sin embargo más allá del jubileo debemos responder al reto generacional de continuar con su legado. Con los pies firmemente plantados en nuestra tierra y en nuestra herencia de cultura inmaterial, los cusqueños de este siglo también podemos usar el diseño como una herramienta para crear moda contemporánea que sea: Usable y Sustentable y Deseable, para el mundo entero. El diseño puede ser estéticamente bello. Lograr belleza en cada etapa del proceso es un logro importante, sin embargo el diseño más allá de la mirada del esteta debe encontrar soluciones a los problemas y necesidades de la gente. Entonces el diseño es mucho mas que objetos codiciados, ropa sofisticada, arquitectura asombrosa, o artilugios tecnológicos que han hecho nuestra vida mas fácil, que han cambiado la forma como

nos comunicamos o como nos relacionamos. El diseño es sobre todo acerca de la vida. Y si esto es cierto entonces el diseño también debe ser ético, procurando siempre que las fuentes en las cuales se nutre y apoya sean social y ambientalmente sustentables. En este eje de pensamiento, nuestro colectivo publico-privado, no desea apenas montar un show mediático anual. Lo que deseamos es: Inspirar, Incluir e Innovar y que mejor para ello que el diseño. Nuestra meta anhelada es lograr un cambio en nuestra sociedad y el diseño es una generosa herramienta pues puede hacer que los jóvenes de nuestra tierra asimilen el diseño como un sentimiento, un estado mental, una actitud, algo que se encuentra en lo más profundo de nuestras mentes y nuestros corazones. Luego de un viaje familiar en auto de mas de 7,000 km., a través de los insondables desfiladeros andinos, los blanquísimos salares y los abrasantes desiertos de Atacama hasta los verdes valles del norte argentino, me preguntaba como es que los Incas pudieron lograr cohesividad social en un territorio tan vasto y tan sobrecogedor, sin ruedas, sin escritura. La respuesta vino caminando por la preciosa plaza de Salta (La Linda) en Argentina. A boca de jarro me tope con un enorme tocapu inca que marcaba la entrada al Museo de Arqueología de Alta Montana. Allí se encuentran las momias de tres niños cusqueños. Estas son las momias mejor preservadas del mundo y que fueron

encontradas en las heladas cumbres del Llullaillaco a 7,000 metros de altura. Esos niños fueron sacrificados a la montaña en un ritual, que en nuestra visión contemporánea nos parece inquietante, por decir lo menos. Estos niños y este ritual estaban acompañados de las más preciosas y finas muestras de diseño de su tiempo. Cada objeto textil, cada joya en oro, en plata o Spondylus, cada ornamento de plumas, cada pequeña sandalia eran solo el componente material que nuestros ojos profanos pueden ver. El poderosísimo mensaje espiritual, aquel que constituía la goma, el cemento, la cohesión de ese mundo mágico, de ese enorme espacio pan-andino no se puede escuchar en una cinta magnética o digital, no se puede leer en una estela de piedra o en un pergamino y sin embargo se siente en ese recinto museográfico tan fuerte que estas ayudas sensoriales no son necesarias. Esta pequeña anécdota busca expresar que el diseño puede ser sublime si es el reflejo semiótico genuino de un sistema de pensamiento complejo y sofisticado. Hoy en día el diseño puede ser también la herramienta que permita a este país aun lleno de contradicciones, encontrar una hebra identitaria adicional para tejer una sociedad mas justa, mas digna, mas orgullosa de sus raíces y del reconocimiento de sus muchas vertientes culturales, que no son una debilidad sino su mayor riqueza y aquella que nos permitirá otra vez, ocupar un lugar en el mundo.

Boris Gómez Luna Presidente del Cómite Organizador CAF 2011

FLG

13 Introducción 15 Programa del Evento 18 Desfiles 20 52 72 92

Desfile del Colegio Real / Perú Moda Desfile del Claustro Desfile de la Capilla Desfile del Gran Hotel

100 Exposiciones 102 104

Cusco + Arte +Fiesta Centro Cultural España - Lima Museo Machupicchu - Casa Concha

ÍNDICE

132 Conversatorios y Talleres 140 Diseñadores 142 143 144 145 146 147 148 149 150 151 152 153 154 155 156 157

Alejandra Posada Amaro Casanova Ana María Guiulfo Diego Colán Edward Venero Gerardo Privat Grethel Gonzáles Harumi Momota Jessica Butrich Meche Correa Mozhdeh Matin Noe Bernacelli Pia Ojeda Sumy Kujon Titi Guiulfo Varignia García

158 Bitácora 170 Créditos

La Moda es Cultura. Es una afirmación constante en los estudios que analizan e interpretan la dinámica actual de las manifestaciones culturales. Como cultura, se relaciona con las tradiciones, las costumbres y la idiosincrasia de la gente; con los demás modos, medios y canales de las actividades e interacciones sociales; con la producción cultural material y espiritual de un grupo, de una comunidad, de una nación.

La Moda es Identidad: identifica, refiere, construye sentidos y perfiles. Crea expresiones prototípicas a la vez que ofrece a cada persona la posibilidad de expresarse y presentarse como interlocutor. Integra al individuo a un conjunto humano, caracterizado en tanto que actitud. La Moda es Comercio: la moda vende y se vende. Tiene un alto valor de consumo, estimula la producción en todos sus niveles y formas, crea mercado y desarrolla entre los consumidores intereses y hábitos. La moda es Arte. Fomenta la creatividad, hace interactuar recursos, rediseña el cuerpo, la presencia, el entorno inmediato, la interacción humana. Desarrolla estéticas y busca siempre la manera de atraer, sorprender, gustar.

IDENTIDAD, ARTE, COMERCIO, CULTURA: LAS MEMORIAS DE CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011 Entre el 23 y el 26 de noviembre del 2011, se realizó en Cusco la segunda edición de Cusco Always in Fashion, evento de grandes proporciones que llevó ante las miradas de un nutrido y variado público 16 colecciones de moda peruana con un alto grado de representatividad profesional. 16 colecciones de 16 diseñadores: Alejandra Posada, Amaro Casanova, Ana María Guiulfo, Diego Colán, Edward Venero, Gerardo Privat, Gretell Gonzales, Harumi Momota, Jessica Butrich, Meche Correa, Mozhdeh Matin, Noé Bernacelli, Pía Ojeda, Sumy Kujón, Titi Guiulfo, Varignia García. El evento se realizó gracias a un amplio proceso de organización en el cual confluyeron los esfuerzos de varios agentes del desarrollo de Cusco: la Cámara de Comercio, la Cámara Regional de Turismo, la Asociación de las Agencias de Turismo, el Gobierno Regional, la Municipalidad de Cusco; hay que remarcar en este conjunto de fuerzas y acciones la participación de PromPerú. Cada colección se presentó como una lectura única de la expresión de sí, a través de referentes culturales. Cada una exploró a su manera la relación del diseño peruano de moda con su entorno cultural y con la identidad peruana. Cada una redefinió la relación entre lo global y lo local. Cada una recreó los vínculos entre la tradición y la vanguardia. Cada una valoró las materias primas peruanas y su patrimonio textil. El espacio matriz, Cusco, festejó el evento en múltiples formas: los 4 edificios destinados a los desfiles desarrollaron personalidades únicas, por fuera y por dentro; la intervención gráfica trazó mapas y rutas con banderolas y afiches instalados en los paraderos; la exposición de arte y el performance en el corazón de la ciudad integraron la fotografía, la instalación y el arte acción al conjunto estético del evento. Los talleres y los conversatorios completaron el concepto del intercambio e integración, haciendo funcionar las redes de la formación, información y comunicación. En medio de las actividades, el eje de la identidad de este gran evento siempre ha estado a la vista: el homenaje a las fuentes andinas del diseño peruano. Este encuentro intenso y creativo, innovador y plural de diseñadores, creadores, empresarios, periodistas, fotógrafos y comu-

nicadores ha puesto de manifiesto, a la luz de la expresión de la identidad y del desarrollo de los recursos propios: la importancia del trabajo conjunto de los diseñadores, artesanos y empresarios; el rol de los organismos estatales y privados en la planificación y realización de proyectos de valoración de las materias primas nacionales, del patrimonio de técnicas y herramientas y de la formación en gestión y autogestión de los productores locales ; la necesaria articulación del diseño con la industria y el comercio; el valor cultural y artístico del diseño de moda. Este libro es el relato del evento, la memoria de lo acontecido, de la vitalidad y relevancia de sus actividades. Se ha optado por el testimonio de la fotografía, interesada por igual en capturar las imágenes de los desfiles, de la ciudad, de las sesiones fotográficas, del día a día. Los textos completan la información, responden a las eventuales preguntas, abren caminos para conocer más sobre la organización de las actividades, la participación de la gente, las personalidades de los diseñadores, las ideas y los debates entre los diseñadores, organizadores, especialistas y público. Su lectura llevará paso a paso desde la presentación del Programa de los 4 días del evento, a través de sus diversas actividades: primero los 4 desfiles en los espacios no convencionales que funcionaron como escenarios – mundo para la presentación de las colecciones; sigue la exposición lanzada como preámbulo del evento en Lima y en Cusco, que recoge las sesiones fotográficas previas al evento; luego está la crónica de los conversatorios y los talleres; y la memoria continua con los retratos de los diseñadores para finalizar con la bitácora del evento, el día a día que mezcla las actividades oficiales con el recorrer de la ciudad, con el trabajo, la presencia humana, la energía del evento.

RIM

PROGRAMA 2011

TALLERES 20, 21 y 22 /11/2011 GESTIร N DE LA CALIDAD EN ACABADOS DE CONFECCIONES Dirigido por Lidia Alfaro Auditorio DIRCETUR

20, 21 y 22 /11/2011 MODELAJE, DESARROLLO CORPORAL Y PASARELA Dirigido por Andrea Racchi Auditorio Cรกmara de Comercio de Cusco

23/11/2011

24/11/2011

11:00 a.m.

DESFILE DEL COLEGIO REAL / PERÚ MODA COLEGIO SAN FRANCISCO DE BORJA

CONVERSATORIO LA VISIÓN SACRO ANDINA EN LA CREACIÓN DE LA MODA PERUANA

Diseñadores: Varignia García, Pia Ojeda, Diego Colán, Alejandra Posada, Mozhdeh Matin, Grethel Gonzáles, Harumi MomotaÁº

Conferencia “Fundamentos y concordancias del Año Sacro Andino”: Ricardo Ruiz Caro. Mesa redonda: Diseñadores participantes del CAF. Moderadora: Mihaela Radulescu.

7:30 p.m.

3:00 p.m.

INAUGURACIÓN MUESTRA FOTOGRÁFICA CUSCO + ARTE + FIESTA MUSEO MACHUPICCHU CASA CONCHA

CONVERSATORIO MODA, MARCA Y MERCADO Carmen García y Ángela Reyes, acompañados de los representantes de las empresas cusqueñas más exitosas en el sector.

8:00 p.m. DESFILE DEL CLAUSTRO CONVENTO DE SAN FRANCISCO

RIM

Diseñadores: Jessica Butrich, Titi Guiulfo, Noe Bernacelli y Meche Correa.

25/11/2011

26/11/2011

11:00 a.m.

8:00 p.m.

CONVERSATORIO MODA, REFERENTES E IDENTIDAD / ESTRATEGIAS PARA UN DISEÑO PERUANO

DESFILE DEL GRAN HOTEL HOTEL CUSCO

Carlos Milla, Mihaela Radulescu y Edward Venero.

3:00 p.m. CONVERSATORIO LAS 1001 ALICIAS, UNA INTRODUCCIÓN A LA MODA VINTAGE Carmen García, Mihaela Radulescu y Edward Venero, docentes de Diseño Gráfico de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

8:00 p.m. DESFILE DE LA CAPILLA CAPILLA DEL COLEGIO EDUCANDAS Diseñadores: Gerardo Privat, Ana Maria Guiulfo, Sumy Kujon y Amaro Casanova.

Diseñador: Edward Venero.

RIM

DESFILES 19

Dia 1 / 23 11 2012 Desfile del Colegio Real Perú Moda

EL DESFILE DEL COLEGIO REAL / PERÚ MODA 23 de noviembre / 11:00 A. M. Colegio Real San Francisco de Borja

Diseñadores: Varignia García, Pia Ojeda Diego Colán, Alejandra Posada, Mozhdeh Matin, Grethel Gonzáles, Harumi Momota. Los diseñadores que presentan sus colecciones en este desfile las han realizado a través de un trabajo de investigación y creación con las comunidades de la región de Cusco. Han estudiado las fibras, los materiales, las técnicas y el modo de trabajo de los artesanos y los han integrado en sus proyectos de diseño, los cuales fueron realizados con las mismas comunidades. Las colecciones que resultaron de este encuentro de saberes y creatividad integran la herencia andina con la joven dinámica social urbana, con arte y responsabilidad social.

EVC

EL DESFILE DEL COLEGIO REAL PERÚ MODA

El desfile del Colegio Real San Francisco de Borja fue una explosiva fiesta de la diversidad en la cual estaba inmerso un público muy variado y colorido, donde los trajes tradicionales, modernos y postmodernos integraban un collage en permanente movimiento, con autoridades, diseñadores, fotógrafos, periodistas e invitados distribuidos en torno al patio y sobre todo con la presencia impresionante de los alumnos del colegio, vibrantes de emoción en su primera participación en un desfile de moda. Y lo más importante: se trataba de una verdadera participación, en la apertura del evento, donde el izamiento de la bandera, la presencia de los niños, el edificio del colegio aportaban esa frescura de los primeros descubrimientos y el calor de la energía compartida. El entusiasmo no terminó con el desfile y la fiesta se prolongó en las afueras del colegio, en el despliegue de fotografías y colección de autógrafos, con los diseñadores, las modelos y los modelos, el equipo de organización y producción, todos rodeados de colegiales que descubrían su vocación: ser diseñadores de moda. El Desfile del Colegio Real fue el primer desfile del evento, un inicio que impresionó a todos por la calidad de las colecciones, su importancia para la identidad del evento y lo espectacular de su desarrollo. Fue el día 23 de noviembre, desde las 11:00 a.m. en el Colegio Real San Francisco de Boja, el colegio más antiguo de las Américas, creado por el Rey Felipe II para la enseñanza de la nobleza Inca. La pasarela que recorría el patio dio a conocer las colecciones de los diseñadores Grethel Gonzales, Pia Ojeda, Diego Colán, Alejandra Posada, Mozhdeh Matin, Varignia García, Harumi Momota, en este orden . No sólo se trató de un despliegue de imaginación, creatividad y técnica, sino que fue la presentación de los resultados del trabajo ejemplar de los 7 jóvenes diseñadores, apoyados por PromPerú, que investigaron materiales y técnicas de la región de Cusco, trabajando en las comunidades y haciendo equipos con los artesanos, de los

cuales aprendieron el uso de técnicas, materiales y motivos de la tradición andina del tejido y con los cuales intercambiaron visiones y estrategias de diseño. Las colecciones resultantes valoraron las tradiciones y las proyectaron hacia el horizonte actual de tendencias en el diseño de modas. Cada colección dejó en claro su individualidad, por la manera en que trató los materiales y las técnicas, ofreciendo al público una diversidad de propuestas. Las prendas de Grethel Gonzáles realzaban las formas femeninas con un sutil toque de encanto. El dibujo detallista proponía la integración de la iconografía andina en las estructura de la prenda, articulando lo fluido con lo rítmico. El resultado fue una sugerente mezcla de inocencia y erotismo, en una lectura de la adolescencia no exenta de cierto sentido del humor. La admiración de la diseñadora por el arte y la arquitectura se manifestaba en la composición de las prendas, cuya alusión a las construcciones verticales de columnas o pilares era recurrente. Para el diseño de esta colección investigó técnicas nuevas y antiguas de confección y tejido, valorando la alpaca, por sus valores funcionales, origen y delicadeza. La colección de Pía Ojeda se construyó en torno al perfil de la mujer actual que confía en ella misma. Es un concepto que se vio claramente en la composición integrada de trazos diversos, en el disfrute de la complejidad de los recursos, orgánicamente armados. El resultado fue impactante, un gran dominio del tejido y una personalidad que sabe conjugar lo tradicional con lo ultramoderno, donde lo híbrido se vuelve estilo y lo artesanal es valorado hasta convertirse en un aporte sustancial a la vanguardia internacional. El hilo de alpaca y la piel acentúan la onda “tribal” mientras que el conjunto visto desde varios ángulos sorprende por la versatilidad de su discurso. Diego Colán puso en marcha una verdadera poética

de los códigos. Su colección para hombres valoró altamente el goce como producto de la imaginación y no cabe duda que su intención fue provocar una respuesta emocional en el público, la misma que lo llevaría a crear historias, integrando los personajes de Diego en una misteriosa mitología, inquietante e inherente, dada la mezcla de lo cotidiano con extrañas versiones de las dos funciones básicas de las prendas, cubrir y adornar. Su pasión por los mundos imaginarios los trajo al alcance del público, estimulándolo a seguir con la fantasía, en busca de los sentidos apenas entrevistos. Hubo mucho en su colección de mitos y ritos, de la presencia inseparable de lo sagrado y lo profano, de una percepción de los secretos en lo del día a día. La alpaca y el cuero de llama se integraron perfectamente en este territorio creativo hecho de fronteras y provocaciones. La colección de Alejandra Posada llenó la pasarela de figuras femeninas encantadoras y divertidas, cándidas y atrevidas al mismo tiempo. La geometría rítmica de las prendas resultó enérgica y estimulante, exigiendo a las modelos movimientos decididos y poses estatuarias. La gran variedad de las regularidades entre las que sobresalían las dualidades, las intersecciones, las integraciones rítmicas conectaron las prendas con el arte, con la iconografía, con los fundamentos antropológicos de las representaciones de los elementos fundamentales del cosmos y de la vida. Toda la colección se caracterizaba por un equilibrio vital que supo aprovechar los colores intensos de los Andes y sus tejidos para tender puentes entre lo cotidiano y las grandes narrativas de la existencia. Un toque de ironía y una pincelada de rebeldía dieron a la colección de Mozhdeh Matin la dinámica necesaria para sus enigmáticas figuras femeninas. Perfectamente equilibradas, con un perfil seductor impresionante, las prendas de Mozhdeh concentraron en la composición sólo los

elementos necesarios, proponiendo un lenguaje corporal lúdico, capaz de crear su propio contexto. La tradición de los tejidos peruanos fue llevada a un diseño de campos hechos de estrellas, el motivo clave de su inspiración. Las franjas y las estrellas se articularon en estas composiciones que diluyen y hasta eliminan las diferencias entre lo icónico y lo geométrico, poniendo en su lugar, en estas prendas tejidas a mano por artesanos de Sicuani y Cusco en fibra 100% Alpaca, la unidad esencial de las formas, la vibración de luz con la cual todo comienza. En la colección de Varignia García hubo decisión, vehemencia y deseo: una fantasía estilística, con una evidente capacidad de innovación. Utilizó técnicas y materiales ancestrales: hilado artesanal de alpaca y vicuña y fibra de alpaca teñida con tintes naturales. Cada prenda abrió las puertas de un mundo, siempre distinto y siempre atractivo. La dualidad del envolver / desenvolver, el uso de las transparencias, el desplazamiento de los puntos o zonas de peso fueron las constantes más relevantes de sus prendas, inspiradas en los fundamentos conceptuales y gráficos del año sacro andino. Con un control absoluto de la situación, las prendas de la colección de Harumi Momota son un homenaje a la elegancia femenina. Sus complementos se integran perfectamente, no como accesorios sino como los imprescindibles elementos dinámicos de cada estructura. Hubo en esta colección un aura de glamour exclusivo, cuyas fuentes podrían ser encontradas en su carácter estructurado y detallado, así como en la gran contribución de las fibras, puntos y texturas de inspiración tradicional, cuya presencia tuvo el don de activar referencias culturales, impresiones, sensaciones. El público vio prendas que destilaban fuerza pero a la vez dulzura e intimidad, prendas para personajes soñados.

FLG

FLG FLG

GRETHEL GONZÁLES

FLG

26 FLG

VIR

FLG FLG

PIA OJEDA

VIR

FLG

EVC

VIR

32 KS

VIR FLG

DIEGO COLÁN

RIM

VIR

34 VIR

RIM

VIR

KS VIR

ALEJANDRA POSADA

VIR

EVC

VIR

FLG VIR

MOZHDEH MATIN

VIR

42 VIR

VIR

FLG

VIR

44 VIR

KS VIR

VARIGNIA GARCÍA

FLG

46 KS

FLG

VIR

KS KS

HARUMI MOMOTA

FLG

VIR

50 VIR

VIR

RIM

EL DESFILE DEL CLAUSTRO 24 de noviembre / 7:30 P. M. Claustro del Convento de San Francisco

Dia 2 / 24 11 2012 Desfile del Claustro

Diseñadores: Jessica Butrich, Titi Guiulfo, Noe Bernacelli, Meche Correa. Las colecciones combinan la representación de los signos culturales de la identidad peruana con una enfática caracterización semántica. Cada diseñador crea un universo de sentidos, en que prevalecen por turno los valores utópicos y los valores lúdicos. La fiesta, el juego y el símbolo son los referentes constitutivos de estas colecciones, cuyo poder imaginativo y simpatía invitan a seguir sus relatos e ingresar en su mundo en el cual arte, moda e identidad fusionan sus formas y conceptos.

RIM

FLG

EL DESFILE DEL CLAUSTRO En una discreta redefinición de la utilidad y naturaleza de un espacio sagrado, abriéndose a la dinámica de la cultura actual y a la celebración del imaginario del ser humano, el Convento de San Francisco recibió en su claustro al segundo desfile de Cusco Always in Fashion.

En la noche del desfile, su tradicional aspecto brilló con las luces doradas de la pasarela, que recorría la amplia galería del Convento, entre arcos y columnas. Una espectacular iluminación, con connotaciones mágicas, creó las condiciones para el despliegue de los lenguajes de la afectividad que caracterizaron las colecciones de los cuatro importantes diseñadores de moda que se dieron a conocer ante el público instalado en la galería, promoviendo la identificación, la subjetividad sensitiva y la intensidad de emociones entre los espectadores. El ambiente de leyenda que se generó, gracias al edificio y a las luces, cambiaba de referencias y personalidad, en función de la estética de cada colección, apoyada por la música del desfile. El lenguaje visual de las colecciones, el carácter ritual de su manifestación y la capacidad de transmitir una visión y un estilo de vida fueron los componentes fundamentales para las vivencias de la noche. La primera colección que se dio a conocer fue la de Jessica Butrich. Una singular calidad y un extraordinario gusto se mostraron desde el ingreso de las modelos por la pasarela. Una

creatividad exquisita, que llevó el culto de la mujer a través de la moda a una síntesis perfecta entre los signos de glamour de los años 20, 40 y 50 y la pasión actual por la belleza, la juventud y el placer del diseño de su propia personalidad. Con fuerza cinematográfica, los elegantísimos años 50 se integraron a los ritmos actuales de la vida. La colección incluyó vestidos que moldeaban y realzaban la figura femenina, con glamour y elegancia. Las faldas vaporosas, las telas fluidas, los encajes, los lazos en la cintura, las faldas de diseño campana contribuyeron al look romántico. Se lucieron los accesorios, especialmente los zapatos y los tocados, complementos antiguos reinterpretados en el espíritu de un romanticismo clásico, recuperado por el estilo vintage. Las tenidas en blanco y negro, un aporte innegable a la elegancia de la colección, se vieron divertidas y a la vez prácticas, con un toque de extravagancia. Como si “El Gran Gatsby” saldría de las pantallas para ingresar a la pasarela, para compartir con el público su exclusividad y calidad, su valor histórico y refinado acabado. Lujo y juventud, con la dulce aroma del pasado y la recreación nostálgica de los ideales de belleza femenina, fue la clave del universo creado en forma sutil por Jessica Butrich. Siguió en la pasarela la colección de Titi Guiulfo, espectaculares construcciones de tejido, con una fluida arquitectura de las superposiciones. Las modelos representaron a ñustas estilizadas y sus tenidas, en las que resaltaba el valor del “hecho a

mano”, llevaban incorporadas diversas técnicas de tejidos, hechos en crochet, palitos, horquilleta de Huancavelica y Hualhuas en Huancayo. Los materiales eran de baby alpaca y mezclas de baby con seda; un efecto impresionante hicieron, por su caída, las mezclas de alpaca de los hilos fantasía como el flamé y el bouclé, y el tejido de algodón pima mercerizado que envolvía y fluía como seda. La valoración de las tradiciones peruanas no se limitó a las fibras; fueron incorporados elementos peruanos estilizados para la línea y la estructura de las tenidas. La mezcla de recursos, los elementos integrados compositivamente y la dinámica de esta compleja estructura a través de la caminata de las modelos incrementaron la conexión emocional iniciada por los referentes peruanos. La índole escultural de cada tenida no se resolvió sólo por la superposición de prendas y accesorios; la diseñadora integró la piel al aire en muchas de sus composiciones. La tercera colección fue aquélla de Noé Bernacelli, una colección variada, que lució el trabajo de costura y bordado, cuya inspiración evocaba el límite entre el mundo de la realidad y el mundo de la imaginación. Los signos de lo mágico y lo fantástico invitaron al público a participar en los relatos que se venían esbozando, mientras que las plumas, los bordados y los encajes lo ubicaron en un territorio de ensueño, con sus personajes femeninos finos y misteriosos, llenos de encanto, con toques glam. El diseño minimalista alternaba con el diseño barroco, en una versatilidad enriquecida por el uso de las técnicas de costura tradicionales. Las propuestas de la colección destacaron por una visión estructural que resaltaba la línea escultural de los hombros y cuellos, a la vez que centraba el punto de expansión de las líneas en la cintura. Un corte de precisión completaba la arquitectura de las tenidas y la integración de lo hecho a mano, con un perfecto acabado. La colección, a la vez que planteaba los parámetros de una narrativa imaginativa, proponía un estilo de vida, que abre las puertas al placer de soñar y exteriorizar el mundo personal de la fantasía. La última colección que participó en el Desfile del Claustro fue la colección de Meche Correa. La sintaxis de sus tenidas impresionó al público tanto por sus construcciones complejas, con volúmenes escultóricos, como por las referencias enfáticas a la historia y la cultura del Perú. Los efectos perceptivos inmediatos se desarrollaron en torno a las sensaciones de equilibrio y fuerza, que se completaron en lo inmediato con el discurso de la peruanidad. El pasado más antiguo o más reciente del Perú fue evocado por la colección de Meche Correa en el registro de lo grandioso mientras que el valor de los trajes tradicionales de diversas regiones del Perú resplandecía en prendas y accesorios, tocados y sombreros, específicamente. Los motivos florales integraron tanto telas como tejidos con el paisaje natural, siguiendo las tradiciones populares. Sus creaciones textiles, que interpretaron con sensibilidad y pasión las tradiciones de las culturas peruanas, resaltaron el uso de las materias primas peruanas, así como el uso de las técnicas tradicionales para los tejidos. El Desfile concluyó con una colección - homenaje al patrimonio peruano del arte e ingenio de la vestimenta, que quedó en la memoria de los asistentes por su capacidad de impacto y valor de símbolo.

RIM

JESSICA BUTRICH

RIM

58 RIM

RIM

TITI GUIULFO

RIM

NOE BERNACELLI

RIM

66 RIM

RIM

MECHE CORREA

RIM

70 RIM

RIM

EL DESFILE DE LA CAPILLA 25 de noviembre / 8:00 P. M. Capilla del Colegio de Educandas

Diseñadores: Gerardo Privat, Ana Maria Guiulfo, Sumy Kujon, Amaro Casanova.

Dia 3 / 25 11 2012 Desfile de la Capilla

Líneas festivas, que celebran la juventud y la expresión corporal en un horizonte simbólico donde el dibujo y del tejido de los Andes intervienen en nuevas estructuras desenvueltas y poéticas, destinadas a crear personajes y a exaltar personalidades. Los diseños de estas colecciones teatralizan el movimiento, llaman la atención y logran comunicar un estilo y una actitud.

EVC

VIR

RIM

EL DESFILE DE LA CAPILLA

La cultura de la moda propone mundos ideales, construidos a partir de los deseos de las personas. En el proceso de materialización y adquisición de los objetos que la moda propone, lo aparente se vuelve real y cumple su función transformadora, con implicaciones psicológicas, culturales y económicas.

La influencia de la moda centra actualmente su atención en la identidad personal, reconstruida en medio del espectáculo de los medios como una ficción con igual poder que las que definen la cultura de medios, con todas las posibilidades de satisfacer a uno mismo y a los demás. En el camino, florece la estética, no como valor agregado sino como valor incorporado y toma ímpetu y fuerza la búsqueda de recursos y estrategias para satisfacer la mirada. Para la moda, esta búsqueda no se limita al presente, sino más bien indaga en el pasado, en sus momentos de mayor transcendencia en la expresión vestimentaria de la persona. Está capacidad de la moda, de investigar, recrear y generar nuevos espectáculos de la mirada en los cuales la estética y el placer de representarse son aspectos imprescindibles, hizo del Desfile en la Capilla una manifestación postmoderna por excelencia, diversa en sus opciones pero convergente y coherente en la propuesta de “ser en el mundo” según la voluntad de sentirse bien y verse perfecto. Su locación, en la Capilla del Colegio de Educandas, fue significativa: los rasgos

implícitos de aprendizaje existentes en el espacio receptor, la construcción antigua con sus cuadros evocando las enseñanzas tradicionales del misterio de la vida, fueron el marco ideal para el ingreso de los nuevos tiempos, con sus pantallas electrónicas y sus propuestas hedonistas, generadoras de nuevas visiones y nuevas actitudes. La primera colección que desfiló en la pasarela fue la colección de Gerardo Privat: dramática y teatral, mostró a través de sus tenidas un fuerte impulso hacia el individualismo. La extrema importancia de la imagen apeló a la provocación, el exceso y la excentricidad y, en consecuencia, la colección sorprendió e impactó. Cada propuesta enfatizó la diferencia y la originalidad, jugando con las conveniencias. El resultado fue un look singular, significativo por la estética y el espectáculo implícito, lúdico y festivo. El enfoque vanguardista se centró en la fuerza y la elegancia sensual de la mujer de ahora, en su glamour en rojo y negro, los dos colores emblemáticos de la energía expansiva de la vida, combinados con el brillo dorado de los accesorios. La presencia del escote y las transparencias aportaron al juego de develar / revelar el cuerpo mientras que la combinación de materiales y texturas apostó sobre la dicotomía diversidad / unidad. La colección reivindicó como origen la imaginación y el deseo de la mujer de ser y sentirse poderosa, capaz de crear en torno a su propia persona un mundo de lujo y fantasía. La segunda colección que recorrió la pasarela fue la colección de Ana Maria Guiulfo. La diseñadora manejó varios argumentos emocionales que lograron asignar a cada tenida el valor de una identidad. Monja, santa, discreta, joven, atrevida, tímida, segura, diferente pero siempre creyente, la mujer de Ana María Guiulfo creó su universo

de apariencias / identidades para expresarse a sí misma, fomentando sus derechos de gobernar su personalidad. Hubo en cada tenida un “ Taking care of myself” implícito, que trascendió el traje y la estética para insertarse en la sensibilidad y en la capacidad de percepción de cada uno de los presentes. Definitivamente, en la colección destacaron los referentes a la historia de la cultura y del arte y un fuerte componente artístico plástico. La cromática y el planteamiento estructural resultaron siendo una excelente interpretación material de la semántica de la personalidad de a mujer, como construcción y expresión. Prevaleció la libertad del cuerpo, que- unida a la comodidad del porte y del movimiento- hizo valer la integración y la armonía consigo misma como características fundadoras de la colección. Con la colección de Sumi Kujon, el desfile irrumpió en la realidad cotidiana, embelleciéndola y mejorando su carácter de interacción social. El principio de la comunicación resultó ser su principio ordenador. En la visión del diseño de Sumi Kujon, la moda, como categoría de la existencia individual y colectiva, enseña conectarse: su colección recuperó las estructuras de la vestimenta de lo cotidiano volviéndolas más atractivas, más seguras, más expresivas. Propuso la apariencia física de la mujer como fuente para la capacidad de conectar con los demás, lo que incluye sentirse atractivo para sentirse bien consigo misma. Cada tenida puso de manifiesto la búsqueda o experimentación de nuevas y variadas sensaciones, apoyadas en el uso del tejido, de la seda, de las telas pesadas. Los conjuntos, en su mayoría de prêtà-porter, exhibieron al mismo tiempo una arquitectura fluida y natural del envolvimiento, protegiendo al cuerpo y definiendo claramente sus contornos en el espacio, sin quitarle la libertad y la espontaneidad de movimiento. La naturalidad se definió con un concepto fundamental en el diseño de esta colección, cuyas funciones se dieron en el mismo nivel que la socialización a través de la comunicación. El desfile concluyó con la presentación de la colección de Amaro Casanova, una apología del “Individual style”, con una contundente propuesta de construir el estilo propio, capaz de expresar lo que uno es, distinguiéndose de los demás y haciendo del lujo una forma de vida. Cada tenida presentó suficientes diferencias como para ser el centro de un universo personal. Elaborada con un evidente sentido arquitectónico, cada tenida generó en su alrededor una forma especifica de instalarse en el espacio y de interactuar con él. Incluso en posición estática, las prendas incluían la sensación de movimiento, del permanente devenir, dando la sensación de incorporar el tiempo en sus estructuras. La variación en los efectos dinámicos se debió tanto al diseño estructural como a la diversidad de materiales, alpaca abatanada, organza y tul. El diseñador optó por una estructuración en base a dualidades, en homenaje al año sacro-andino. Llevó el principio de la dualidad a varios niveles, entre ellos el uso de materiales completamente diferentes como peso y textura para una misma tenida, el tul y la fibra de alpaca, por ejemplo; o la articulación generadora de tensiones e integraciones entre los volúmenes orgánicos y las estructuras geométricas. La monocromía cromática enfatizó la importancia compositiva de las prendas y su personalidad.

RIM

GERARDO PRIVAT

RIM

ANA MARIA GUIULFO

RIM

SUMY KUJON

RIM

AMARO CASANOVA

RIM

VIR

RIM

EL DESFILE DEL GRAN HOTEL 26 de noviembre / 8:00 p.m. Hotel Cusco

Diseñador: Edward Venero. Las tradiciones de Cusco encuentran en Edward Venero una imaginación cinematográfica decidida a llevar las estructuras profundas de la cosmovisión andina a una expresión ultramoderna, con proyecciones futuristas. Para el diseñador cusqueño, el futuro significa valorar a grandes dimensiones el contacto con lo natural así como la visión y el talento andino para entrelazar lo artístico con lo utilitario. Cada pieza de la colección exhibe el valor único de su historia, de las fuentes de sus fibras, materiales y técnicas, y de sus referentes al imaginario simbólico andino.

Dia 4 / 23 11 2012 Desfile del Gran Hotel

VIR

RIM

EL DESFILE DEL GRAN HOTEL Edward Venero abordó con su colección 2011 el fenómeno cultural de la moda, un fenómeno que produce no sólo indumentaria y accesorios, sino también estilos de vida; que actualiza los signos y símbolos de la memoria colectiva con nuevas formas y nuevos contenidos; que vincula la creatividad con la identidad y la identidad con la historia.

Su desfile en el Hotel Cusco enfatizó este enfoque. En este hotel con ambiente cinematográfico, que evocaba relatos de viajes y destinos de otros tiempos, la colección de moda masculina de Edward Venero se hizo parte de las vivencias del público, quien, desde su ingreso al hotel, adoptó la personalidad del viajero, para encontrarse con los personajes de la colección. Con personajes, no sólo con prendas; con un universo de relatos no sólo con un escenario funcional para la exhibición de la colección. Circulando o sentado en el laberinto de pasillos y estancias del primer piso del hotel, recibiendo la copa de vino de manos de los mozos que parecían recorrer no sólo el espacio sino también el tiempo, el público experimentó una forma renovada y glamorosa de abordar lo cotidiano, basada en la identidad festiva y simbólica de la colección. Este encuentro esperado ocurrió en medio de una apropiación lúdica del discurso propio de un hotel y sus habitantes, lo que dio al público otro rango de importancia y replanteó su relación con los modelos que transitaban por toda la planta baja, puntos móviles de atracción de las miradas. Los espectadores legitimados y hegemónicos por su reubicación en tanto que actantes, instalaron nuevas miradas y formas de interacción, simbólicas y festivas, asimilando e integrándose en el universo de sentidos que se expandía por el hotel. La moda es una realidad psicosocial y cultural que emerge de un conjunto de modalidades de expresión. A través de la indumentaria, el calzado, los accesorios, el peinado, el maquillaje, se definen identidades, roles, maneras de interactuar, discursos y mensajes; se construyen entornos personales y se desarrollan estilos de entretenimiento. La colec-

ción de Edward Venero se generó a partir de la elaboración estratégica y previsora del universo de la fiesta elegante y encantadora, llevada a lo cotidiano, a través de los diferentes momentos y situaciones del día / noche. El resultado fue la representación de 24 horas de glamour juvenil traducido en 40 salidas, conjuntos integrados por las varias modalidades de expresión de la moda, tendientes a crear personajes, presencias e historias. En este sentido, Edward Venero mostró ser no sólo un creador de moda inspirado y acertado en su propuesta textil, de indumentaria y accesorios sino también el diseñador de un universo en el cual la imaginación irrumpe para renovar los modos de sentir y darse a conocer, un universo cuyos contenidos y formas se expanden a partir del núcleo de la identidad. En la práctica, asumió la cultura peruana como un texto a interpretar y re - diseñó sus signos de identidad para proponerlos para el uso personalizado e vivencial de quienes desearían expresarse a través de ellos. Crear imágenes de la identidad peruana ha sido desde el inicio una motivación fundamental para los proyectos de diseño de Edward Venero, quien además del diseño de colecciones de moda masculina, de indumentaria y accesorios, actividad que inicia en 2006, ha realizado proyectos de diseño gráfico, de artes visuales y de gestión del diseño y de la comunicación visual, a la vez que se ha desempeñado como docente, editor, investigador y gestor de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, Especialidad de Diseño Gráfico. En esta oportunidad, Edward Venero demostró tener plena conciencia del poder de la moda de representar el sentir actual del ser en el mundo al enfocarlo hacia el ser peruano, hoy, en el inicio del Tercer Milenio, en un mundo que abre progresiva-

mente ventanas de comunicación e interacción. Su colección exhibió, en un verdadero espectáculo de sensaciones y sentidos, el vínculo con la memoria colectiva de la identidad peruana, considerando como núcleo semántico la ciudad de Cusco, punto de partida para explorar los territorios conceptuales y formales del pluralismo y del diálogo intercultural. La colección integró y expuso las huellas del pasado inca, junto con los signos de la tradición del arte colonial, identificado en su esencia de sincretismo cultural, y de la producción artesanal de fibras y tejidos, que articula en un único mapa las diferentes culturas tradicionales del Perú. Esta dinámica de lo local, que recorre tiempos y espacios, recogiendo los valores representativos del Perú en cuanto a diseño, fibras, técnicas y estructuras se refiere, fusionó armónicamente con las tendencias universales hacia lo natural y lo integrado, hacia la libertad del cuerpo y el juego creativo con las formas y los materiales, barriendo las fronteras propuestas por categorías y usanzas. La colección se construyó en torno a una interacción fundamental, la interacción entre los conceptos de legitimación y libertad. La representación de la identidad no se limitó a un propósito discursivo, como por ejemplo la exaltación de las tradiciones peruanas, aunque las valoró de manera enfática y profunda. Su horizonte resultó ser más bien una fiesta de las significaciones, en manos de alguien quien escogió representarse libremente a través de la selección y combinación personal de signos, en función de sus propias necesidades y motivaciones. El ser humano se valora así mismo a través del refuerzo de sus vínculos con la comunidad, una comunidad que se define según el mismo la asume, por libre decisión, y de cuyos signos se apropia para crear nuevos objetos correspondientes a nuevas realidades. Los signos pueden ser precolombinos, coloniales, artesanales o postmodernos, pero la creación que culminó con la colección los ha hecho coexistir e interactuar, hasta una completa integración. La colección ha puesto de manifiesto un procedimiento que va más allá de la hibridación compositiva, pues actúa a través de la intertextualidad, la ironía, la recontextualización y la interculturalidad. Son conceptos que están a la base primero de la creación textil, para luego definirse como los fundamentos de las 40 salidas de la colección. Su manifestación a través de la línea y la composición de las prendas de cada indumentaria es producto de una investigación que recorre varios niveles, conceptual, técnico, artístico y comercial, pero al mismo tiempo es producto de un juego creativo con una evidente vocación de integración y síntesis. La colección dominó el proceso de la des – estructuración y re – estructuración de las representaciones de la identidad y de los valores peruanos andinos del diseño textil y de indumentaria. Los efectos, además de la legitimación de la moda peruana como expresión de un perfil cultural, se remitieron al carácter simbólico del vestir: estuvimos ante una conjunción de recursos expresivos, pero también ante el espectáculo de la diversidad y de la creatividad abierta al diálogo y al intercambio simbólico de valores. El pluralismo de los valores culturales quedó resaltado, al igual que el sentido de proyecto de comunicación que el diseño de moda de Edward Venero está desarrollando. Con la colección VNRO 2011, presentada con carácter exclusivo en el Desfile del Hotel Cusco, finalizó el evento de moda peruana Cusco Always In Fashion 2011.

RIM

EDWARD VENERO

RIM

98 RIM

RIM

FLG

100

EXPOSICIÓNES 101

CUSCO + ARTE + FIESTA 3 - 13 de noviembre Centro Cultural España - Lima El 3 de noviembre se inauguró en las galerías del Centro Cultural de España la muestra fotográfica Cusco + Arte + Fiesta, cuyas obras dan testimonio de los estudios fotográficos realizados para el evento Cusco Always in Fashion 2011. Tres de sus salas recogieron los afiches representativos de los 16 diseñadores participantes, las instalaciones fotográficas que exploraban la presencia del diseño de moda en la ciudad de Cusco y el registro minucioso de las sesiones fotográficas en Cusco y alrededores. La inauguración contó con la presencia de los organizadores del evento, del director del CC de España, Juan Sánchez, del Director de Turismo del Cusco, Victor H. Pérez, de los diseñadores y de un gran número de periodistas de variados medios, radio, televisión, prensa escritas, prensa web. La difusión de la muestra y del evento fue masiva e inmediata; además, se prologó por días gracias a su fuerte impacto en la blogosfera. Este preludio del evento en Cusco creó muchas expectativas e interés de participar.

102

MEA MODA

103

VIR

CUSCO + ARTE + FIESTA 23 - 30 de noviembre Museo Machupicchu - Casa Concha - Cusco La moda no tendría sentido sin las personas que la admiran y la siguen. El 23 de noviembre, a las 7.30 pm, se realizó la inauguración del evento Cusco Always in Fashion 2011 en el Museo de la Casa Concha, dirigido por José Altamirano, que reunió a muchísima gente, invitados de honor, público interesado y participantes en el evento. Los espacios históricos, convertidos en espacios mágicos por las luces y los símbolos precolombinos del patio facilitaron el nuevo encuentro de la exposición Cusco + Arte + Fiesta con su público cusqueño. En su nueva ubicación, la muestra desarrolló nuevos contenidos y estableció nuevas redes de valores y referencias. La antigua morada de Tito Cusi Yupanqui, actualmente Museo de la Universidad San Antonio Abad del Cusco en convenio con la Universidad de Yale, donde se muestran las piezas que Hiram Bingham llevó a Estados Unidos hace 100 años, recibió la muestra fotográfica e hizo de ella parte de la historia y cultura de la ciudad.

FLG

104

FLG

105

FLG

CREDITOS DE LA MUESTRA

Presidente del Comité Organizador: Boris Gómez Director general: Amaro Casanova Director de arte: Edward Venero Diseñadores: Noe Bernacelli, Jessica Butrich, Amaro Casanova, Diego Colán, Meche Correa, Varigna García, Grethel Gonzáles, Ana María Guiulfo, Titi Guiulfo, Sumy Kujon, Mozhdeh Matin, Harumi Momota, Pia Ojeda, Alejandra Posada, Gerardo Privat y Edward Venero Fotógrafo: Rafo Iparraguirre Asistente de Fotografía: Juan Luís Rodríguez Registro Fotográfico: Paola Ladrón de Guevara MB

Post/producción: Carlos Mideros Video: Oswaldo Anchante Edición de video: Milagro Farfán Modelos: Teresa Bracamonte, Michael Day, Laura Zamora Maquillaje y peinado: Alejandro Alvarez de Rivero Asistente de maquillaje: Paola Ladrón de Guevara Productora de Campo: Martha Plaza Asistentes de Producción: Cesar Tocas, Manuel Flores

Agradecimientos: Abel Venero, Asociación Cultural Contradanza Virgen del Rosario-Convento de Santo Domingo, Chicheria Grimanesa, Balcón del InkaTejedoras Chinchero MB

106

LAS PUERTAS ABIERTAS: CUSCO ALWAYS IN FASHION Entre el 23 y el 26 de noviembre del 2011, un particular universo de sentidos se instaló en Cusco. Fue una fiesta de la moda y del arte, que valoró y celebró la ciudad en que nació en 2009 y donde se realizó ahora su segunda edición. Es Cusco Always in Fashion, que exploró y tradujo su particular identidad de evento de la vanguardia de la moda peruana en un diálogo de signos y culturas. En el proceso, surgió un mapa inédito de encuentros, desfiles, sesiones fotográficas, registros, performances e intervenciones gráficas urbanas. La ciudad y su gente, los de siempre y los que vienen de todo el mundo para conocerla, vivierón su vibrante e intensa dinámica, fueron parte de ella, disfrutaron de su espíritu artístico, simbólico, lúdico y festivo. Pero la inauguración del evento en Cusco no fue el punto de partida de este universo en expansión. Su creación comenzó mucho antes: con el interés por la relación de la moda peruana con su entorno cultural; con los 16 diseñadores que participaron en este proyecto de identidad, moda, arte y desarrollo; con el homenaje a las fuentes andinas del diseño peruano y las referencias al Año Sacro Andino; con el esfuerzo innovador y plural de personas e instituciones estatales y privadas, que consideraron que la moda peruana es un producto bandera al que hay que promover, estimulando a los creadores, convocando a los interesados a participar, desde la industria, el comercio, la gestión o el consumo.

FLG

La muestra abrió las puertas ante este recorrido conceptual y operativo, en un encuentro con la producción fotográfica previa al evento: registros de momentos y actividades, fotografías de piezas significativas de las colecciones que se iban a presentar, fotografías del encuentro con la ciudad. Las imágenes fotográficas fluyeron en un despliegue de colores, formas, personajes y escenarios, recreando en la galería esta fiesta de la imaginación y la creatividad, a la vez que evocaron a la ciudad y a su gente, de hoy y de siempre. Los cielos y las palabras se entremezclan, los diseños de las colecciones tomaron la forma viva y escultural de modelos, los colores vivos de calles, casas, techos, danzantes, telas y trajes se explayaron en nuestras miradas en un torbellino de energía y ritmo, invitándonos a ser parte de la fiesta, que abrió sus puertas. Mihaela Radulescu Curadora de la Muestra

107

108

ANA M. GUIULFO Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

109

TITI GUIULFO Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

110

DIEGO COLÁN Modelo: Michael Day Fotógrafo: Rafo Iparraguirre

111

MOZHDEH MATIN Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

112

PIA OJEDA Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

113

EDWARD VENERO Modelo: Michael Day Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

114

NOE BERNACELLI Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

115

ALEJANDRA POSADA Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

116

JESSICA BUTRICH Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

117

GERARDO PRIVAT Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

118

SUMY KUJÓN Modelo: Laura Zamora Fotógrafo: Rafo Iparraguirre

119

AMARO CASANOVA Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

120

MECHE CORREA Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

121

VARIGNIA GARCÍA Modelo: Laura Zamora Fotógrafo: Rafo Iparraguirre

122

GRETHEL GONZÁLES Modelo: Teresa Bracamonte Fotógrafo: Rafo Iparraguirre

123

HARUMI MOMOTA Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre

124

CIELO CUSQUEﾃ前

Registro de la sesiﾃｳn fotogrﾃ｡fica realizada en San Cristobal

125

FIESTA CUSQUEÑA Registro de la sesión fotográfica realizada en la ciudad del Cusco y Valle Sagrado

126

MERCADO DE SAN PEDRO Modelo: Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Vestido: Noe Bernacelli

127

CONVENTO DE SANTO DOMINGO Modelos: Teresa Bracamonte, Michael Day, Laura Zamora Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Saco y Cartera: Meche Correa / Saco: Edward Venero, pantalones y zapatos: Diego Col谩n / Vestido: Ana Maria Guiulfo, zapatos: Amaro Casanova

128

CALLE RESBALOSA Modelos: Laura Zamora, Michael Day Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Vestido y abrigo: Ana Maria Guiulfo / Polo: Alejandra Posada

MARAS Modelo: Michael Day Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Polo: Edward Venero, pantalones: Diego Col谩n

129

MARAS Modelos: Teresa Bracamonte, Laura Zamora Fotógrafo: Rafo Iparraguirre Abrigo: Amaro Casanova / Enterizo: Pia Ojeda,

BALCÓN DEL CIELO Modelo: Michael Day Fotógrafo: Rafo Iparraguirre Polo: Edward Venero, pantalones: Diego Colán

130

CHINCHEROS Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Capa y pantalones: Titi Guiulfo, zapatos: Amaro Casanova

131

CHICHERIA GRIMANESA Modelo: Teresa Bracamonte Fot贸grafo: Rafo Iparraguirre Vestido y tocado: Gerardo Privat

132

CONVERSATORIOS Y TALLERES 133

CONVERSATORIOS Y TALLERES

134

creación y desarrollo de proyectos de producción, gestión y difusión de los productos peruanos de la moda, específicamente de los productos de la región de Cusco. Se definió así un marco funcional para la organización de procesos productivos y la implementación de estrategias de desarrollo.

Cusco Always in Fashion 2011 desarrolló un mapa complejo de interacciones entre sus actividades y la comunidad, tomando en cuenta los intereses del público, los medios y los alcances de la comunicación, la dinámica del crecimiento en el rubro cultural y económico del diseño de modas. Los desfiles y las actividades artísticas, la exposición en la Casa Concha y la performance en el Atrio de la Catedral, se complementaron con la información en la vía pública, los grandes carteles de los paraderos, las banderolas en avenidas y edificios, las proyecciones en vídeo en los espacios de los desfiles; se complementaron también con las actividades comunicativas, a través de conversatorios, y formativas, a través de talleres.

LOS TALLERES

Los conversatorios y los talleres facilitaron el procesamiento de la información que el evento puso a disposición de empresarios, autoridades, especialistas en mercado, diseño y moda, periodistas, estudiantes y público interesado. La realización de los conversatorios dio la oportunidad para profundizar en los temas de actualidad de la cultura de la moda, indagar en el carácter interdisciplinario del diseño de modas, abordar la problemática del mercado de manera exhaustiva, relacionándola con la identidad, la tradición, la valoración de los recursos locales, la promoción de las marcas locales y de la Marca Perú. Los talleres introdujeron a los participantes al ejercicio de la gestión de la calidad en los diferentes niveles industriales y promocionales que desarrolla la industria de la moda.

El Taller “Modelaje, desarrollo corporal y pasarela”, cuyos contenidos y prácticas son esenciales para las actividades de promoción de las marcas de moda, estuvo a cargo de Andrea Racchi, reconocida modelo profesional y directora de desfiles, quien desempeñó además la función de coordinadora del Backstage para los desfiles de Cusco Always in Fashion 2011. El taller tuvo mucha acogida, y contó con participantes de variadas edades, incluyendo niñas.

Entre la teoría y la práctica, los conocimientos y el ensayo, se generó una base sustantiva para la

Los talleres, realizados en el local de DIRCETUR, crearon un espacio de ensayo y promoción de las prácticas profesionales de la promoción de moda. Su acogida y éxito demostraron el interés del público para esta industria que emerge con gran fuerza en el Perú. El Taller “Gestión de la calidad en acabados de confecciones“, que estuvo a cargo de Lidia Alfaro, especialista en alta costura, se realizó durante los días 20 y 21 de noviembre (de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 p.m. a 6:00 p.m.) y el día 22 de noviembre (de 10:00 a.m. a 1:00 p.m.). Los participantes, profesionales de la costura, perfeccionaron sus conocimientos e intercambiaron prácticas y opiniones.

LOS CONVERSATORIOS Los conversatorios se desarrollaron en las mañanas y las tardes del 24 y del 25 de noviembre, en el Auditorio del DIRCETUR. Los temas de las sesiones fueron: La visión sacro andina en la creación de la moda peruana; Moda, marca y mercado; Moda, referentes e identidad, estrategias para el diseño peruano; Estrategias creativas para la interacción entre lo global y lo local. El enfoque valórico fue central y los participantes, a través de exposiciones, conversaciones y debates, condujeron al público

en un recorrido que hizo interactuar permanentemente la cultura, la creación, la producción y el mercado. Una constante que se impuso fue la expresión de la identidad, como proyecto cultural, social, económico y comunicativo. LA VISIÓN SACRO ANDINA EN LA CREACIÓN DE LA MODA PERUANA La conferencia inaugural, “Fundamentos y concordancias del Año Sacro Andino”, estuvo a cargo de Ricardo Ruíz Caro. Sus aportes fueron esenciales no sólo para establecer el enfoque de los conversatorios, sino también porque se trata del planteamiento conceptual que estuvo en la base del diseño de Cusco Always in Fashion 2011. La conferencia de Ricardo Ruíz Caro dio inicio a la sesión que desarrolló el primer tema de los conversatorios, el tema de “La visión sacro andina en la creación de la moda peruana”, enfocado a continuación desde la perspectiva de los diseñadores que participaron en el proyecto de articulación del diseño de moda con la tradición y la práctica actual de seis comunidades de artesanos textiles de la región de Cusco. Los resultados de las estadías de estos diseñadores en las comunidades andinas se vieron en el desfile del Colegio Real. El contacto humano, cultural y profesional con los creadores de la región, la valoración de las materias primas, particularmente de las fibras de camélidos, el estudio de los motivos y de las técnicas de la tradición andina para textiles e indumentaria, la interacción del diseño creativo con la expresión de la identidad peruana, la identidad misma del diseñador peruano, fueron algunos de los aspectos tratados por los dos representantes del colectivo del Colegio Real, Mozhdeh Matin y Diego Colán, quienes, además, dieron testimonio de sus experiencias y proyectos personales de creación de moda, en el contexto de Cusco Always in Fashion 2011. MODA, MARCA Y MERCADO El segundo tema desarrollado fue “Moda, marca y mercado”. Intervinieron Carmen García, coordinadora de la Especialidad de Diseño Gráfico de la Pontificia Universidad Católica del Perú y Ángela Reyes, especialista del Departamento de la Industria de la Vestimenta del PromPerú, para abordar la problemática de la marca para el diseño, el mercado y el desarrollo económico del país. Carmen García profundizó en los aspectos referentes a la identidad e imagen de marca, como parte de la política de desarrollo y calidad de una empresa. Planteó pautas para su creación gráfica y para el diseño del plan de información y comunicación mediante el cual la marca llega al usuario y a la comunidad. Los ejemplos que ilustraron la orientación estratégica y operativa fueron del diseño y la comunicación de las marcas de moda que generan actualmente las tendencias de mercado. Ángela Reyes desarrolló un amplio panorama que ubicó el funcionamiento de la marca en el mercado actual, para luego destacar la importancia de una creación estratégica de marca y diseño para que las empresas inicien, desarrollen y mejoren sus actividades de exportación, con productos competitivos y con modalidades de comunicación que aprovechen y amplíen las oportunidades internacionales. Hizo énfasis en la importancia actual y para el futuro de la industria, comercialización y promoción del diseño peruano de moda y de sus productos, explicando a los asistentes las políticas del PromPerú para este rubro. MODA, REFERENTES E IDENTIDAD, ESTRATEGIAS PARA EL DISEÑO PERUANO El tercer tema “Moda, referentes e identidad, estrategias para el diseño peruano” fue desarrollado por Carlos Milla Vidal, Gerente de Milla Turismo, Cusco; Mihaela Radulescu,

135

directora de la Unidad de Investigación de la Facultad de Arte PUCP y Edward Venero, diseñador y docente de la Especialidad de Diseño Gráfico PUCP. Los tres expositores relacionaron el diseño de moda con los referentes culturales de la comunidad a la cual representa, nacional e internacionalmente, y con la problemática de la identidad, vinculada al desarrollo socio económico del país.

136

Carlos Milla Vidal enfocó su presentación en un importante antecedente que sitúa al movimiento de moda Cusqueña, en un lugar protagónico, desde 1947. Se trata de la investigación de la Dra. Delia Vidal de Milla, aplicada a la creación de textiles e indumentaria, quien, desde su tesis doctoral sobre tejidos andinos, puso las bases para una propuesta sustentada en la incorporación de la estética de las culturas precolombinas, así como de la estética actual de los artesanos andinos, en el diseño de moda contemporáneo. La relevancia del proyecto gozo de un temprano reconocimiento, en las pasarelas de Lima y en el certamen de Miss Mundo en 1967. La peruana Madelaine Hartog Bell, coronada como Miss Mundo, había sido descubierta en Paris, cuando llevaba un poncho de la llamada “Línea Cusqueña”. Mihaela Radulescu se refirió a la importancia de los referentes en la estrategia creativa y comunicativa de una marca, desde la creación de los productos hasta la difusión, publicidad y comunicación de la identidad de la marca y de sus valores. Se explicaron los criterios y las estrategias para la investigación referencial, la cual cobra una gran importancia si se piensa en el diálogo con el usuario y en los valores que se promueven. La memoria colectiva, la identificación con la cultura de la comunidad, la puesta en común de los identificadores culturales a través de los medios de comunicación, los medios sociales y los espacios de encuentro fueron aspectos tratados con ejemplos de campañas de promoción de diferentes marcas de moda. Edward Venero se centró en la cultura peruana, en la diversidad de sus tradiciones y expresiones y en el rol que desempeña la manifestación explícita de la identidad en un diseño que no sólo pretende llegar a la gente sino también pretende participar en las representaciones de la identidad que se generan en toda sociedad con una intensa actividad de información. Ejemplificó el tratamiento de las identidad en el diseño de moda con su propia trayec-

toria y sus colecciones que, desde 2008, valorizaron la historia del Perú y a sus héroes, así como los signos emblemáticos de su cultura actual, llevando adelante la reivindicación de los valores nacionales, de sus orígenes y modos presentes de manifestación. ESTRATEGIAS CREATIVAS PARA LA INTERACCIÓN ENTRE LO LOCAL Y LO GLOBAL El cuarto tema “Estrategias creativas para la interacción entre lo local y lo global” exploró varias estrategias creativas capaces de asegurar la interacción entre lo global y lo local y cumplir con los objetivos establecidos por el diseño estratégico de la marca y de sus campañas, para el reconocimiento e impacto de la marca de moda en la memoria individual y colectiva, para la competitividad con las demás marcas y para la inserción exitosa en el mercado previsto, tanto el nacional como el internacional. El tema fue desarrollado por Carmen García, Mihaela Radulescu y Edward Venero, docentes de la Especialidad de Diseño Gráfico de la Pontificia Universidad Católica del Perú, especialistas en estrategias creativas aplicadas para optimizar la comunicación de las marcas. Al final del conversatorio, se presentó el libro “Las 1001 Alicias”, en la autoría de Mihaela Radulescu y publicado por la Facultad de Arte PUCP, en el cual se realiza un análisis semiótico del fenómeno de la intertextualidad, con aplicaciones creativas de ilustración gráfica. Los expositores trataron la problemática, cada uno desde un ángulo específico. Carmen García desarrolló el enfoque estratégico del lenguaje visual para la expresión de la identidad de marca, tomando en cuenta los parámetros empresariales y la situación de mercado, con énfasis en el perfil del consumidor. Mihaela Radulescu analizó, en el marco de las interacciones entre lo local y lo global, los fenómenos creativos de la apropiación, del reciclaje y de la intertextualidad, identificando fuentes, procesos y consecuencias; asimismo, presentó el fenómeno del vintage en el diseño de moda y sus profundas implicaciones en la dinámica de la cultura por un lado, y en la práctica del consumo, por el otro. Edward Venero enfocó la reacción del consumidor, sus procesos cognitivos y afectivos, en contacto con las estructuras híbridas que incluyen los signos de lo local y lo global, destacando en tanto que conclusiones, las pautas que pueden orientar al diseñador que se propone emplear los recursos y la dinámica de la cultura híbrida. Los conversatorios aportaron información y crearon un marco abierto y funcional de preguntas y respuestas, y de debates. Se perfiló un mapa de los temas que requieren de investigación y planteamiento estratégico, al trabajar una marca de moda, en cualquiera de sus niveles de manifestación y acción. Se definieron puntos de partida para nuevas exploraciones y se completó el panorama de la práctica del diseño, de la confección y de la promoción de una marca de moda, panorama trazado por las demás actividades del evento - talleres, desfiles, difusión y publicidad - con el quehacer reflexivo de la investigación y el planeamiento estratégico, quehacer inherente para un auténtico proyecto de marca de moda, programado para su inserción en el mercado.

137

Abril Gomez Gilt LA MODELO CUSQUEÑA MÁS JOVEN

Registro fotográfico

RIM

REGISTRO FOTOGRÁFICO DEL TALLER: MODELAJE, DESARROLLO CORPORAL Y PASARELA

CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011 Y EL AÑO SACRO ANDINO Idea Original: Gremios empresariales y turísticos de Cusco (CCC, CARTUC, AATC) Desarrollo Conceptual: Ricardo Ruiz Caro Villagarcia

138

Es poco usual que un evento de modas se desarrollo en base a un eje temático distinto a las tendencias formales dominantes; y más inusitado aun, que el tema se enfoque a temas existenciales y profundamente incrustados en la espiritualidad y la fe popular, como aconteció en el CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011, que hizo del concepto místico del Año Sacro Andino su eje de inspiración. Este reto singular fue asumido con gran talento y creatividad por todos los diseñadores presentes en el evento, logrando que sus prendas reflejaran este concepto y sus múltiples concordancias conceptuales, lo que permitió trascender el campo estético formal de la moda y demostrar al mundo que ese centro de sabiduría que se gestó desde el antiguo Perú, sigue proyectando su legado al mundo con total actualidad.

En esta visión ritual del mundo, todas las tradiciones han concordado en concebir a “la existencia” como un sistema de 03 mundos: el Hanaqpacha, Kaypacha y Ukhupacha del antiguo peruano equivale exactamente a lo que simboliza el estandarte papal de tres coronas, es decir el trinomio cristiano de espíritu, cuerpo y alma. De estos tres mundos, solo uno el Hanaqpacha (espiritual) es imperecedero y no se afecta por las contingencias del mundo y de la vida, mientras que los otros dos constituyen los dos “extremos” en los que se despliega la “creación” y por tanto solo nos acompañan en esta vida; ellos se configuran en la dualidad primordial: el Prakriti y Purusha hindú, el Yin y el Yang chino, el cuerpo y alma católico, lo sutil y grosero metafísico, el azufre y la sal de los alquímicos y la escuadra y el compas de los masones. LA DUALIDAD: LA SACRALIDAD DE REUNIR EL CIELO Y LA TIERRA A pesar de lo que muchos piensan, la dualidad primordial nace en lo físico (corpóreo) y lo espiritual (síquico/alma); y a partir de ahí se despliegan múltiples equivalencias. A lo corpóreo le equivale lo femenino, la forma cuadrada los números pares, la virgen, la tierra y el color negro (yin); a lo espiritual o síquico, le equivalen lo masculino, la forma circular, los números impares (empezando en el 3, pues el 1 es el andrógeno primordial), el Espíritu Santo, el cielo (atmósfera) y el color blanco (yang).

CONCEPCIÓN RITUAL DEL MUNDO EN EL HOMBRE ANTIGUO

Desde lo cosmogónico, estos polos o principios mayores se simbolizan en la luna y el sol (o en el cielo y la tierra en otras tradiciones). En la esfera de la luna se producen los seres y constituye el soporte material de todo lo existente; mientras que el sol, con su sola presencia ordena y moldea toda la creación. Ese simbolismo aparece en el génesis: “y del caos Dios dijo hágase la luz y creo el mundo”.

A diferencia del sentido utilitarista del mundo moderno, las grandes tradiciones de la antigüedad (incluida nuestra cosmovisión andina milenaria) han concebido la vida con un propósito mayor, que reconoce una divinidad creadora y una necesidad de corresponder a este acto de creación a través de una vida ritual que le suministra una concepción del mundo y de su papel en él. El hombre ritual comprende que existen principios superiores que determinan todo lo existente (lo macro y lo micro) y de ahí la correspondencia que conecta lo cósmico y humano.

Por ello el sol, es en realidad la afirmación mayor de la función suprema (Dios manifestado) y no es una simple casualidad que Jesús (para el lado norte del planeta) sea el exacto equivalente del “sol” de los Incas (en el sur). Ambos tienen su fiesta en relación al solsticio de invierno en su hemisferio1 (pascua de navidad e intirraymi); el sol es la luz y el conocimiento supremo y Jesús es el verbo encarnado; Jesús tiene 12 apóstoles o enviados y el sol se simboliza

El año Sacro Andino, motivo central del CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011, a pesar de la complejidad de su discurso, nace realmente de una idea y una constatación muy simple que se resume en los puntos siguientes:

enviando 12 rayos; Jesús y el sol habitan ambos en el cielo. En muchas representaciones Jesús posee una corona solar. Juntar el cielo con la tierra (el sol y la luna) es la aspiración universal del hombre espiritual, y la base conceptual de múltiples rituales y creencias. Cuando juntamos la primera dualidad mediante el primer número par e impar (2+3) obtenemos el número 5 que representa todo lo creado (la reunión de los polos). Por eso todos los grandes centros de cultura universal fueron regiones de 05 territorios, uno central u ombligo (que solemos olvidar) que se encarna en una ciudad sagrada y cuatro desplegados. A semejanza del Tawantinsuyo, se constituyeron los grandes reinos de la antigua China, Irlanda y Egipto. El propio universo se asume formado simbólicamente de 05 elementos, de los cuales el Éter (akasha) se constituye en el centro u ombligo irradiador de los demás; mientras que cada ser se concibe formado de 05 sentidos, de los cuales el oído hace de centro (por ello Dios crea las cosas con solo nombrarlas). EL AÑO SACRO COMO REUNIÓN DEL CIELO Y LA TIERRA Al igual que en el espacio y la materia, en la dimensión temporal se revelan formas de reunión del cielo y la tierra (los 02 polos de la dualidad); y tienen que ver con la convergencia de los rituales de origen solar y lunar. La fiesta que exalta la condición humana (corpórea) de Jesús, como su propio nombre lo indica es el Corpus Christi; y como es lógico está relacionada a un calendario lunar, bajo una cronología ritual que integra la semana santa y los carnavales. El hecho de que su fecha sea movible cada año, guarda perfecta coherencia con la condición contingente (mortal) de la materialidad, que siempre está sujeta al cambio y al devenir. Por su parte la fiesta que exalta la condición divina de Jesús es la pascua de navidad, en tiempo del “adviento”, que se inicia a fines de noviembre para los católicos (y seria a fines de Mayo para los andinos del sur) y tiene su fecha cúspide (en ambos hemisferios) 03 días después del solsticio de invierno. Esta fiesta (de Jesús y del sol que son en realidad un mismo concepto espiritual) y todo su calendario ritual tiene fechas fijas cada año; y ello es una confirmación de la inmutabilidad de lo espiritual. Entonces juntar el cielo y la tierra desde la dimensión temporal, es una condición excepcional de sacralidad, que solo es posible cuando convergen en un mismo tiempo las 02 fiestas que encarnan los 02 extremos de la dualidad (cuerpo y espíritu): El Corpus Christi y el Intirraymi se han juntado en el 2011, reuniendo a los 02 polos de la dualidad y manteniéndolos unidos hasta su separación en las fiestas del 2012. Como hemos podido observar todos los que tuvimos el privilegio de asistir a las diversas actividades del CUSCO ALWAYS IN FASHION 2011, la reunión simbólica de estos dos polos en sus múltiples expresiones y equivalencias conceptuales e iconográficas, han sido el derrotero formal de cada prenda y accesorio que las calles, plazas y palacios cusqueños han podido disfrutar durante una semana de frenética actividad, que quedará registrada como un referente singular en el mundo de la moda; y en la que diseñadores, modelos, vecinos y visitantes se juntaron en una misma emoción compartida. La “fiesta solar” desde tiempos inmemoriales, se celebra 03 días después del solsticio de invierno (24 de junio al sur y 25 de diciembre al norte), pues conmemora la victoria anual del sol sobre las tinieblas (la pascua cristiana de navidad tiene relación simbólica e histórica con la antigua festividad del sol invicto y del sol de la justicia)

139

RIM

140

141

DISEÑADORES

Cuando se le pregunta, Alejandra Posada evoca divertida sus inicios en el diseño de moda. Le gusta recordar que fue de manera fortuita. Todo empezó, dice, hace unos 7 años, como un proyecto divertido y sobretodo inocente porque jamás se había imaginado como diseñadora de modas. El proyecto consistía en hacer camisetas pintadas a mano y eventualmente en serigrafía, sobre situaciones cómicas de lo cotidiano en una Lima caótica y desbordante, en forma de viñetas tipo comic.

ALEJANDRA POSADA

Años después, piensa que el proceso creativo está vinculado directamente con la personalidad del creador, a veces de manera evidente y otras de forma más sutil, como si el proceso creativo fuese parte de la construcción personal; un aspecto se alimenta del otro y viceversa. Como diseñadora, piensa que hay que encontrar una relación saludable entre la tendencia a seguir y el interés por ciertos temas o estéticas, sobre todo para alguien que dedica un 80% de su tiempo para el desarrollo de una marca con expectativas de venta, para poder existir y seguir haciendo las cosas que le gusta, cosas que me no necesariamente están dentro del campo de la moda, como viajar, por ejemplo. Entre los diseñadores que le interesan, le gusta mencionar a Aitor Throup, diseñador con un proceso creativo muy personal, cuyo diseño tiene siempre fundamentos. Proyectándose, se ve a si misma en un continuo proceso de aprendizaje. Profesionalmente, le gustaría encontrar un equilibrio saludable y ético con los proveedores, los insumos y el espacio en que se trabaja. Afirma: “Está en todos hacer de este mundo un lugar mejor y el diseño puede ser una herramienta clave para ello, no es utópico. La estética también puede tener conciencia”.

142

VIR

Se refiere a su experiencia en Cusco Always in Fashion 2011 con el adjetivo de “increíble“, por la oportunidad de viajar dentro del país y trabajar con comunidades aprendiendo primero que nada a relacionarse con sus creadores, entender sus formas y ritmos, tan diferentes a las formas y ritmos de la ciudad; comprender cómo el entorno natural y sus tradiciones influyen en su relación con el trabajo. Fue una gran experiencia y un reto porque fue la primera vez que trabajó con telar, cuyo proceso “aprendió haciendo”. La colección que presentó en CAF 2011 puso en valor la técnica que desarrollan en Cuyuni, que es la comunidad con la tuvo mayores vínculos durante el proyecto. La idea era utilizar los puntos y el material de la zona para diseñar telas con las que desarrollar las prendas. Se impusieron los colores intensos, con evidentes referencias a los colores de los Andes y una composición basada en la armonía entre contrastes. El resultado consistió en piezas con carácter que pueden interactuar con complementos básicos de telas universales y de uso cotidiano como el denim o el algodón, para dar forma y consistencia a una propuesta contemporánea y con sustento comercial.

Siempre tuvo el deseo de diseñar, razón por la cual estudió arquitectura, porque no había una oferta académica atractiva en diseño de moda o textil. En consecuencia, su diseño se centró primeramente en la creación de espacios, no sólo físicos, sino también espacios de sentido, con valores y personalidad. Recuerda gratamente el diseño para la restauración del Puericultorio Pérez Aranibar, para el cual desarrolló on loft para coleccionistas de arte. En paralelo, comenzó a diseñar vestidos.

AMARO CASANOVA

Por cierto tiempo el diseño exploró por igual espacio y objeto y fue esta conjunción la que creó las condiciones para darse a conocer como diseñador de colecciones. Fue a fines del año 99, cuando terminó la ejecución de un proyecto de diseño de espacio para una tienda en el Jockey Plaza, cuando la dueña de este negocio lo invitó a brindar asesoría de imagen a sus clientas. Al darse cuenta de que sus productos no eran lo suficientemente atractivos, Amaro le propuso desarrollar una nueva colección; lo hizo y su colección tuvo muy buena aceptación. Su formación y su personalidad lo hacen encontrar inspiración en absolutamente todo, desde objetos hasta situaciones. Pero, lo que más le importa es la persona, el usuario, el cliente. Considera que es muy importante crear el vínculo con él. No le es difícil, por ser una persona bastante social y extrovertida, con gran facilidad para obtener la información necesaria de parte del consumidor y poder responder efectivamente a sus necesidades. Esto hace que la creación sea un camino compartido, entre el diseñador y el que va a llevar la prenda: “Siempre he tenido la idea de que un proyecto se inicia de menos a más; eso hace que el consumidor se sienta comprometido en el crecimiento al ser parte de él”, dice.

143

Define sus proyectos personales como lineales, sobrios y arquitectónicos; son proyectos que valoran la relación entre su formación de arquitecto y su propuesta de vestuario, especialmente en la estructura de las prendas. Entre sus referentes están Vionnet y Halston, por el desarrollo de molderia, Alber Elvaz, por el manejo de marca, y Christian Lacroix, por el trabajo de alta costura.

Como diseñador presentó una colección inspirada en el año sacro-andino, lo que se tradujo en un trabajo de contrastes como representación de la dualidad. Los materiales empleados fueron alpaca abatanada, organza y tul. Desarrolló el tema de contraste en varios niveles, desde los materiales (tul vs alpaca), formas (volúmenes orgánicos vs estructuras geométricas) y composición (todas las prendas hacen énfasis en el centro del cuerpo como representación del equilibrio que debe existir entre las partes). Además, los outfits presentados fueron monocromos para insistir en la composición dual de las prendas.

VIR

Su relación con Cusco Always in Fashion 2011 ha sido compleja e intensa. En sus palabras: “Extenuante, porque además de desarrollar una colección estuve encargado de la dirección y producción general del proyecto, razón por la cual mi vínculo con el CAF es muy estrecho y personal; además de ser parte de este proyecto desde sus inicios en el año 2009; gratificante, al ver crecer este proyecto y contribuir con el desarrollo de jóvenes diseñadores y espacios de difusión y comercialización del diseño. No puedo dejar de mencionar que CAF significa una parte importante en mi desarrollo profesional pero mucho mas aún en mi desarrollo personal.”

Ana María Guiulfo se ve a sí misma como diseñadora de un estilo de vida, pero, al mismo tiempo, es una artista completa, con éxitos nacionales e internacionales. Sus colecciones están presentes en pasarelas y tiendas, en el Perú, Francia, Estados Unidos, Uruguay y resaltan el carácter artístico de su visión de la moda: contienen piezas únicas pintadas a mano. Es diseñadora de moda pero también diseña y pinta sillas, vajillas, telas. Le gusta el arte, la música, el diseño; vive la cultura y le apasiona viajar.

ANA MARIA GUIULFO

Sus inicios están relacionados con la pintura y el diseño, en el colegio y la casa. En su familia, la pasión y el ejercicio del diseño así como y la confección de indumentaria, por parte de su tía y su mamá, estimularon su interés creciente y le facilitaron un espacio para experimentar diseñando su propia ropa. Ya mayor, estudió Administración de Empresas, en la Universidad de Lima y luego estuvo trabajando unos años con su papá, en su empresa. Fue lo que le proporcionó los medios para viajar una o dos veces al año a Europa donde la pasión por el diseño de moda se intensificó y la hizo tomar la decisión de dedicarse al diseño de moda y al arte. Comenzó por el diseño y la realización de sacos de tweed de alpaca que exportaba a Suiza y Brasil. Siguió la confección y venta de uniformes para hoteles, bancos y empresas de seguro. Entre tanto, seguía explorando y aprendiendo: cursos de moda, tendencias, colores, moldes, patronaje, en Lima y en Europa. El reconocimiento de su diseño y estilo comenzó en 2004, cuando lanzó su primera colección prêt- a-porter inspirada en la mirada oriental sobre la mujer y realizó su primer desfile, con Jack Abugattas, con el cual abrió la tienda Rojo Tomate. En 2007 abrió su primera tienda en los Estados Unidos, en Miami, donde vivió por unos años. Fue cuando creó la marca ANA G. A partir de este año, estará constantemente presente en la dinámica de la moda nacional e internacional. Fue invitada y participó en eventos de gran relevancia como Perú Moda, Flash Mode y el Rastrillo en Lima; Cusco Always in Fashion; Miami Fashion Week; Paris Pret a Porter; Puerto Rico High Fashion Week; Funkshion Miami Fashion Week; Moda Manhattan NYC; StyleMax, Chicago; Pasarela Punta del Este.

144

RIM

Su diseño valora la cromática, el componente artístico de la pintura y un planteamiento estructural centrado en la comodidad y la libertad del cuerpo. En sus propias palabras, es el estilo adecuado para una mujer independiente, inteligente y sofisticada, que ama el arte, aprecia la vida, se divierte consigo misma y no necesita aparentar sino ser. Hay muchos vínculos entre el diseño de moda de Ana Maria Guiulfo y el entorno: el entorno inmediato de los materiales, su color y textura; el entorno cultural y su actual gusto por el Street art o sus tendencias vintage; el entorno diario de la naturaleza, la gente y las ocurrencias diarias. Son vínculos que enfatizan las sensaciones de armonía, integración y libertad. Sus proyectos conciernen su marca, su desarrollo empresarial y su desarrollo como artista del diseño de moda. Le interesa perfeccionar su creación textil y el conjunto de la tenida, prendas y accesorios para comenzar, llegando finalmente a la propuesta de todo un espacio vivencial, en que el estilo incluya cuadros, menaje, fundas para cojines, sillas y otros objetos utilitarios.

Su pasión por el diseño nació de la pasión por los superhéroes, la recreación de armaduras y los comics. Todo un mundo para la imaginación que provocaba intervenir, ser parte de él. Comenzó diseñando una colección de armaduras para Megaman, el dibujo animado que veía en esa época, cuando tenía unos 10 años. Con el paso del tiempo, su interés se orientó hacia el arte plástico, ampliando el territorio de la creación, para finalmente centrarse en una expresión en la que el arte se une al comercio y la creatividad se amolda a los perfiles humanos: el diseño de modas. Motivado y con la experiencia acumulada, comenzó a estudiarlo.

DIEGO COLÁN

Su inspiración se relaciona mucho con sus ideas, reflexiones y “divagaciones”, como él las llama, acerca de la religión y la identidad del género humano. No hay distancia entre su personalidad y sus diseños, los vínculos son muy fuertes y se nutren de una fuente común, la fantasía de representar a las deidades en las que le gustaría creer, hasta al punto de basar sus movimientos cotidianos en los movimientos que se imagina que funcionarían para sus representaciones. La importancia del mundo interior es tan grande que trata en la medida de lo posible evitar ver los trabajos de otros diseñadores, para no restarle personalidad a su fantasía. Quiere evitar los parámetros, y si busca inspiración en trabajos de otros, lo hace rastreando fuentes ajenas al rubro del diseño de modas, taxidermistas, cetreros, rituales de culturas antiguas. O artistas plásticos, lo que le ayuda a llegar a la raíz de la idea, dejando de un lado la necesidad de que lo creado sea textil o funcional, incluso comercial. Por estas particularidades, ve su trabajo como experimental, no tan inmerso en el sistema actual al cual considera bastante comercial y funcional; es parte de su proyecto lograr que sus prendas escapen a los parámetros de su naturaleza de ropa para ir tras una expresión nueva.

145

Considera que profesionalmente está progresando, en su horizonte de expectativas está la posibilidad de alcanzar la delgada frontera entre” lo vanguardista de una estética y lo comercial de una estética”. Por el momento, cuenta, aun sigue “lidiando con las fronteras”. De todo modo, como proyecto inmediato, se propone llevar su marca de calzado a otro nivel, camino a lo “masivo”, y empezar a producir artículos, accesorios y prendas en cuero altamente funcionales para el estereotipo nacional, considerando sus pro y contras, con materiales específicamente nacionales.

VIR

Recuerda su experiencia en Cusco Always in Fashion 2011 como enriquecedora. Le impresionó gratamente la atención mediática otorgada al evento, a sus actividades y a sus diseñadores, al igual que la gran oportunidad de que tantas personas trabajaron materiales típicos regionales, llevándolos eventualmente hasta la experimentación absoluta. Disfrutó de la satisfacción de la realización del proyecto de su colección, fue reconfortante el proceso y el trabajo con un equipo tan grande, tan distinto pero funcional a la vez. Creó la colección como la expansión de un núcleo mitológico, integrado a una percepción mística de la ciudad de Cusco, explorando el uso creativo de la diversidad de puntos que se podían alcanzar con la alpaca y el cuero de llama, interesante por su dureza y versatilidad.

Edward Venero estudió diseño gráfico en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde actualmente es docente. Confiesa que, previo a estos estudios, no tuvo conocimientos o deseos de diseñar, todo comenzó en aquellas primeras clases de dibujo y talleres de diseño que nunca olvidará porque fue donde comprendió qué lo hace feliz y qué es lo que debe hacer en la vida. Recuerda vivamente el monograma y el logotipo personal que creó en el curso de Diseño Grafico 2, que sigue usando. Ingresó al mundo de la moda diseñando sus propias prendas y creando imágenes para impresiones en camisetas.

EDWARD VENERO

Su interés por el diseño de moda se desarrolló en torno a su necesidad de expresarse, como identidad, en la cual convergen su origen cusqueño, su formación artística y su profunda implicación con el tema de la identidad peruana, a través de las diferentes manifestaciones de la cultura actual. Las primeras obras que ilustraron su enfoque de la identidad son del 2006; como integrante del colectivo Absolutamente Gráfico participó entre 2006 y 2010 en proyectos y exposiciones de arte y diseño en Lima, Cusco, Arequipa ( Perú ), Buenos Aires, Córdoba, Mar del Plata (Argentina), y de indumentaria en Cusco. El eje temático era la interacción entre lo local y lo global en la cultura peruana. En esta época se define también el estilo pop urbano, lúdico e intertextual de sus construcciones visuales. En este mismo contexto, se compromete con el diseño como medio para comunicar y formar conciencias e identidades, para lo cual considera de suma importancia el rescate del arte popular y de las tradiciones peruanas.

146

RIM

El diseño de la identidad fue punto de partida para el diseño textil y de indumentaria. Es así como ingresaron las imágenes de los héroes nacionales reconocidos y estudiados en los libros de historia en camisetas, recurso ideal para lograr la presencia de la historia en la vida cotidiana de la gente. El paso siguiente fue abrir puertas al mundo lleno de mitos e historias del Perú. Ejemplos significativos son las colecciones de moda masculina presentadas en el Flashmode 2009, donde fue el ganador de la revista Somos; y en la primera edición de Cusco Always in Fashion, evento para el cual su colección, presentada en el Hotel Monasterio, valoró la tradición de la imaginería cusqueña, al niño Manuelito y al niño sabio, a los ángeles del arte cusqueño y otros motivos del sincretismo colonial, así como motivos del arte popular y del arte urbano peruano. Fueron colecciones que exaltaron lo peruano, con dimensión ética y uso de materiales naturales oriundos del Perú, algodón y alpaca, y con referentes de las culturas Nazca, Paracas y Chancay. En 2011, presentó una nueva colección de moda masculina en la segunda edición de Cusco Always en Fashion, evento que considera esencial para su desarrollo en el mundo de la moda. Lo valora como uno de sus proyectos más exitosos, en el cual participó como diseñador y director de arte, lo cual le ha permitido retomar contacto directo con sus orígenes, revalorando la ciudad y su entorno. La colección que presentó se inspiró en el año sacro andino; utilizó el tejido en representación de la tradición textil cusqueña y diversos símbolos de la cosmovisión andina. Es importante resaltar que la colección fue trabajada en su totalidad con materiales peruanos: vicuña, alpaca y algodón. Se siente completamente satisfecho con esta experiencia, que le ha abierto muchas puertas y oportunidades.

Este exitoso diseñador trujillano estudió Diseño de Vestuario en Los Ángeles, California, una formación a la cual le debe el enfoque vanguardista, el dramatismo y la teatralidad, registros desde los cuales aborda la creación de cada una de sus colecciones. La protagonista de sus proyectos de diseño es una mujer especial, que el mismo caracteriza como poderosa, sin miedo e inteligente, una mujer que se atreve a afirmar su sensualidad, con elegancia y glamour, una mujer que ingresa en el mundo de la moda para expresar su esencia y diferencia. El diseñador se refiere a ella como a la mujer Privat, una personalidad única que merece vestirse con piezas únicas, que la hagan brillar.

GERARDO PRIVAT

Desde los inicios de su carrera, ha venido generando su propio estilo, cuyos referentes se encuentran en la moda de los años 50, 60 y 80, un estilo que se caracteriza por la exploración y el uso de variados signos de poder que la mujer asume al vestirse, a los cuales suma la expresión de la identidad peruana, sobre todo a través de sus fibras y materiales. El resultado es un diseño que remite al concepto de fiesta y seduce por la presencia del escote, la combinación de texturas, brocados de seda, terciopelo, lino, por el uso del color negro y dorado, de telas brillantes o iridiscentes, encajes translúcidos, aplicaciones de tonos metálicos. Los vestidos, blusas, faldas o pantalones se complementan con zapatos y botines con diferentes texturas, ornamentos y originales combinaciones de materiales, como el cuero y el encaje; accesorios y joyas, pendientes, collares, gargantillas repujadas, anillos y brazaletes de oro y plata. El efecto se genera a partir de la tenida completa. El diseñador promueve en este sentido el concepto de “fabulosidad” que se desarrolla a partir de sus componentes intrínsecos de elegancia y sensualidad, para llegar a manifestar un glamour expansivo, que emerge de la imaginación y el deseo, para asentar su lujo y poder en el entorno inmediato.

147

Abrió su taller en 2005 y su primer desfile fue en la Noche Vogue del Perú Moda del 2006. En 2008 fue reconocido como el Diseñador del Año por el Diario El Comercio. Ha participado en numerosos desfiles, festivales, eventos: Perú Moda, Cusco Always in Fashion, entre otros.

VIR

Al mismo tiempo, el diseñador ha construido su empresa, Privat Group Latin América, que promueve la marca Gerardo Privat, posicionándose en la Alta Costura y Prêt-à-Porter en el Perú y el extranjero. Su creatividad está multiplicando sus líneas de diseño y sus productos, llevando adelante su concepción de construir mundos de glamour, con carácter de espectáculo.

Creció en medio de una familia de artistas, el bisabuelo, la abuela, la mamá. Desde que tuvo uso de razón, ha deseado dibujar, crear y relativamente rápido logró realizar su sueño. Diseñó su vestido de 15 años y éste fue el inicio, su primer diseño de moda. Su mamá la apoyó mucho, siempre creyó en su vocación, siempre supo que tenía talento para diseño y su intuición demostró ser acertada. Su intuición, su fe y su insistencia, fueron esenciales.

GRETHEL GONZALES

Encuentra su inspiración en cualquier cosa que le gusta, en todo lo que para su percepción resulta bello y novedoso. Definitivamente, y de una manera muy tangible, su admiración por el arte y la arquitectura tienen mucho que ver. Y, por supuesto, su admiración por los grandes del diseño de la moda, Stephane Rolland, al que considera el mejor; John Galliano, Jean Paul Gaultier, Balmain , Balenciaga entre otros. Y, una vez más, la admiración por su mamá. Para Grethel Gonzales el ejercicio del diseño implica investigar técnicas nuevas y antiguas de confección y tejido, porque desea que sus prendas sean ricas en forma y esencia. Se proyecta, con imaginación, creatividad y técnica, hacia una línea elegante, femenina, moderna, detallista, única y definitivamente Innovadora. Está contenta con sus aciertos. Uno de ellos fue su participación en Cusco Always in Fashion 2011, una experiencia que considera fructífera, emocionante, bonita. Y que significó un gran aprendizaje. Fue la oportunidad de presentar una colección elegante, innovadora, de índole arquitectónica. Una colección, que - en palabras de la diseñadora - resultó alucinante. Además, una colección que valoró la alpaca, por su calidad intrínseca y por ser un material natural, de la región. La delicadeza de la alpaca fusionó con la estética del Barroco Cuzqueño, en un debido homenaje a la ciudad.

148

FLG

Grethel Gonzales está contenta con los comentarios de la gente que vio y admiró su colección y del reconocimiento tanto para ella, como persona y como diseñadora, como por la cusqueña que tiene el potencial para desenvolverse en el mundo de la moda. Aun así, sabe que tiene mucho que aprender y a la vez, que tiene mucho que dar. Sueña con marcar tendencia, que su familia esté orgullosa de ella, con poder dejar un legado a los que la siguen y por supuesto generar trabajo en el país. Entonces seguirá creando, aprendiendo, investigando y seguirá trabajando con su familia para dar el siguiente paso.....una colección para mostrarla fuera del Perú.

Esta diseñadora, descendiente de japoneses y nacida en Huancayo, se enamoró del diseño y de las confecciones cuando conoció Puno, a los 12 años. El ambiente familiar ayudó: su madre tenía una boutique y realizaba desfiles de modas y cuando tenía 12 años su padre trabajó con unos empresarios japoneses interesados en la alpaca, y por lo general en la mano de obra y la materia prima de los Andes peruanos. Al cumplir 16 años estudió diseño de modas. Estudió además administración en IPAE, porque siempre pensó que diseñar moda y administrar una empresa eran vertientes de una carrera que enfocaba la moda como fenómeno cultural, social y económico. Trabajó en Riplay y fue asesora de empresas, donde se hizo cargo de los departamentos de desarrollo de producto. Actualmente, es diseñadora y socia de H&M Fashion Design y tiene su propia empresa y marca, a través de las cuales pretende que la alpaca sea reconocida a nivel mundial, además de abrir más boutiques y participar en ferias internacionales.

HARUMI MOMOTA

Años después, su pasión e interés por Puno siguen iguales; es diseñadora del Cluster Artesanal de Puno, diseña prendas y carteras que se realizan en Puno y se siente parte del equipo de artesanos puneños. Puno la hizo comprender las ventajas de las fibras de alpaca para una prenda bien hecha, competitiva en el mercado interno y externo. Su primera colección fue elaborada con unos 25 artesanos de pueblos de Puno y Juliaca. Su relación con los artesanos es de producción, formación e intercambio. Harumi les enseñó una variedad de puntos que antes no empleaban, pero el trabajo fue siempre de grupo, con artes e ideas que surgían del diálogo y del intercambio. La relación con el mercado recupera esta dinámica de integración porque el interés de compra incluye a menudo la responsabilidad social y el proyecto de valorar el trabajo artesanal y las tradiciones locales. Por ejemplo, los chales teñidos con diferentes plantas, o el uso de la lana de alpaca.

149

Sus colecciones incluyen t-shirts, sueters, capas, ponchos, chullos y vestidos. Tiene un gusto especial por los vestidos, con un diseño sofisticado y una cromática variada, en función del estilo de la colección y la temporada: para el Pret a Porter, por ejemplo, y su colección vanguardista y sobria al mismo tiempo, utilizó marrones, grises neutros, azules aceros; pero para una colección de primavera verano, considera el uso de fucsia, lila y mezclas de verde con naranja. Un parámetro importante es el país destinatario y el consumidor final, con su cultura y expectativas.

VIR

Su marca, Harumi Momota, que hoy en día la identifica ante el mercado internacional como a una diseñadora peruana que hace prendas de tejido a mano con hilo, se dio a conocer a partir del 2005, cuando la ONG Entorno le encargó el diseño de prendas de alpaca que hoy se venden en Europa, EE.UU, Japón. Además del éxito de la marca, los resultados beneficiaron en alto grado a los artesanos, más de 25 talleres, más de 2000 personas. Su marca se ubica en el territorio de la innovación, con recursos no convencionales en la fabricación, el uso de materiales y la mezcla de texturas. Incluye productos hechos a mano, realizados por artesanos y promueve la calidad, con finos acabados y glamour, a la vez que integra tradiciones ancestrales con las tendencias actuales de la moda.

Jessica Butrich es una diseñadora de mucho éxito, conocida por una sofisticada creatividad estética, que sabe valorar las búsquedas de la cultura e historia de la moda para enfatizar lo femenino, para lo cual recorre y rescata los signos de glamour de las décadas pasadas, con efectos retro pop en sus propias colecciones. Estudió diseño de moda en el Centro de Altos Estudios de la Moda (CEAM) de Lima y diseñó su primera colección en 2004. Participó en muchos desfiles, festivales y eventos de moda, comenzando con el Flashmode, entre 2004 y 2008; en Cusco Always In Fashion, 2009 y 2011; en el Perú Moda 2009.

JESSICA BUTRICH

A la diseñadora le apasiona el estilo vintage, especialmente el que remite a los años 20, 40 y 50 y siempre está en busca de aquellas cosas antiguas que la motiven. Constantemente visita tiendas de anticuarios y de decoración, en Lima o en sus viajes al extranjero. Tiene un gusto especial por las carteras antiguas, y por lo general por los accesorios antiguos, los lazos, los encajes, los tacos, el dorado y el negro; son presencias constantes en su estilo que podría caracterizarse como neo romántico. La inspiración es heterogénea en fuentes y afectiva en el enfoque y tratamiento. Es algo que tiene mucho que ver con la experiencia personal, con la asociación emocional de los accesorios de las tenidas y de los objetos por lo general con la memoria de lo vivido. No hay fronteras entre su creación y el uso personal de la moda. Hablando de su propio clóset, Jessica Butrich destaca la presencia enfática del color negro y hueso, así como de flores, lazos, corazones, leopardos, encajes, rayas, perlas, muchos zapatos, 95% de taco, vestidos, faldas, blusas y cinturones; de pantys de todos los colores, texturas y estampados; de sombreros, carteras, guantes, lentes y muchos otros accesorios. Su cultura de la moda incluye el uso que le dan personalidades del mundo artístico como Diane Kruger, Chloe Sevigny, Zooey Deschanel, Maggie Gyllenhaal, Gwen Stefani y Lady Gaga. Le encanta la fotografía de Tim Walker, le gusta el swing y el rockabilly, Elvis Presley y Frank Sinatra.

150

RIM

Las marcas de su creación son Sirana y Butrich. Sirana es una marca de ropa y accesorios creada entre dos socias, que empezó con diseños y una costurera y llegó a ser un trabajo de un equipo relativamente grande. Las prendas de la marca son vestidos de cocktail y de fiesta pero también faldas, blusas, chompas, sacos, polos, todo lo que la mujer necesita. Sirana se llama también la tienda, donde se vende la línea de ropa Sirana y los zapatos de la marca Butrich, sumamente creativos, por línea y color, con evidente preferencia por colores como rosado, verde, celeste, rojo, lila, blanco, con tacos altos. La propuesta de la marca Butrich es muy particular, no son zapatos por temporadas, sino colecciones pequeñas, con fundamentos estéticos. Su visión, con un toque cinematográfico, abarca el conjunto de prendas, zapatos, tocados: la idea es crear un look que además sugiera un universo de vivencias, un estilo de vida, con ritmos musicales y espacios decorados, que estimulen los vínculos personales de cada persona con su memoria afectiva.

Su interés se dirigió siempre hacia el rescate de la memoria del Perú. Sus creaciones textiles, sus prendas y accesorios, que interpretan con sensibilidad y pasión las tradiciones de las culturas peruanas, se venden en el Perú, en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Ha participado en renombrados eventos y pasarelas como Perú Moda (desde 1997), FlashMode, Expotextil y Cusco Always in Fashion en el Perú, la Bienal Iberoamericana de Arte y Diseño en Madrid , Pret a Porter Paris 2009, World Forum on Culture and Cultural Industries 2009 Monza - Italia, entre otros. En su proceso de creación una importancia sustantiva la tiene el uso de las materias primas peruanas, como el algodón pima, utilizado por las culturas preincaicas en tejidos que hasta ahora mantienen sus propiedades; asimismo el uso de las técnicas tradicionales, como el crochet. Otro elemento distintivo es el accesorio hecho a mano, en cuerno u hueso.

MECHE CORREA

Su pasión por el diseño de moda fue temprana y comenzó con la admiración por lo bello y lo bonito. Los primeros intentos fueron con la máquina de costura de su mamá; después de verla coser desde niña, se dio el valor de comprarse tela, desarmar una blusa y una falda para que le sirvan de patrón y de coserse un conjunto. Como no existía una escuela para el diseño de moda, al terminar el colegio Micaela Bastidas de Breña, estudió por 4 años la carrera de Decoración de Interiores. Su primer trabajo fue remodelar una tienda en Huancayo; tuvo una gran importancia para la carrera que recién comenzaba, porque fue el primer contacto con el mundo andino. La impresión que la joven diseñadora recibió de la feria de domingo de Huancayo fue inmensa y como ella misma lo dice, por toda la vida. Fue el punto de partida para una constante investigación sobre la producción textil y artesanal del Perú, una investigación que siempre la llevará a descubrir algo nuevo, con el mismo asombro de aquella primera revelación.

151

Sus proyectos enfocan llevar el sello peruano al mundo de la moda, valorando las tradiciones peruanas de la vestimenta, ampliar su oferta, incluir la seda, seguir explorando la iconografía peruana.

RIM

Gracias a la tienda que tuvo con su esposo, donde se vendía artesanía, su curiosidad dio un nuevo paso, hacia la producción de zapatos con sus propios diseños. Todo funcionó muy bien, por lo cual abrió una tienda en el Centro Comercial Camino Real, donde vendía zapatos, correas y carteras de cuero, además de joyería. El enfoque ya se había dado y la diseñadora de moda había nacido. No obstante, los problemas personales aplazaron por unos años la realización e incluso la alejaron del Perú. Hasta el regreso de Estados Unidos, como representante de la marca OPI. De vuelta a Perú, regresó también el interés por el diseño de moda. Sus primeros productos se vendieron en las tiendas Dédalo e Índigo, luego en la boutique que abrió en San Isidro. Recuerda esta época asociada a la creación del bolso en base a la manta andina conocida como lliclla al cual llamó LoveBag , que luego fue copiado masivamente; fue la reivindicación de la artesanía y su ingreso en el mundo de la moda y para muchos de sus compradores, un ícono del Perú.

A Mozhdeh Matin siempre le gustó la ropa, hacer sus propias cosas, usando telas distintas, sacándolas del contexto. Fue desde el comienzo una aventura y un aprendizaje. Se trataba de expresarse creando su propio lenguaje. Entre los recuerdos de sus primeros diseños hay alguna falda de tela hindú, un pantalón campana...

MOZDEH MATIN

Ingresó oficialmente al mundo de la moda en el 2008, cuando participó en el concurso Jóvenes Creadores al Mundo, organizado por PromPerú. Fue una gran entrada, pues ganó el primer premio por la colección más armoniosa. A partir de este momento, recibió el apoyo de distintas autoridades y pudo iniciar su carrera en la Moda. Participó en los siguientes eventos de Perú Moda mostrando sus colecciones. Se ve a ella misma como una diseñadora joven que se especializa en el tejido, decidida a seguir adelante aprendiendo y creciendo. “Mi personalidad es mi expresión y mi expresión se convierte en mi pasión y carrera”, dice Mozhdeh . Su inspiración es constante y viene de muchas fuentes, prácticamente de todo. Pero un lugar especial lo ocupa la tradición de los tejidos antiguos del Perú, que la apasionan y a los cuales colecciona en la forma que sea posible, una prenda, una chuspa, un chullo, una manta o una fotografía de un libro. Por ahora, es su principal fuente de inspiración. Aunque no tiene un diseñador favorito en el mundo de la moda, hay varios que le gustan, como Miuccia Prada, Christopher Kane, Martin Margiela o Rei Kawakubo.

152

Su experiencia en Cusco Always in Fashion 2011 le resultó refrescante; apreció la iniciativa de PromPerú y el apoyo otorgado al diseño de jóvenes peruanos de diferentes ciudades, los mismos con los cuales compartió la pasarela donde presentó una colección creada sobre los fundamentos de recuperación, revalorización y reinterpretación de tejidos ancestrales. La colección se inspiró en la iconografía Chaska (estrella en quechua) que Mozhdeh escogió de un manto antiguo peruano, para interpretarlo en su propio lenguaje en prendas de vestir. Además, las prendas de la colección fueron tejidas a mano por artesanos de Sicuani y Cusco en fibra 100% Alpaca.

VIR

Enfoca el futuro con satisfacción y ganas de hacer muchas cosas. Sueña con abrir una tienda, trabajar con artesanos de las diversas regiones del Perú, ser parte de este movimiento que está generando moda independiente en el país, aportar a su historia.

Se considera a si mismo perfeccionista y paciente, dos características que tienen fuertes repercusiones en su diseño. Al crear sus colecciones presta atención a todos los detalles, todo debe relacionarse, en idea y forma. Integra el trabajo a mano, costura y bordado, con el trabajo a máquina, en un conjunto coherente, con estilo y personalidad. Su inspiración viene de su gusto por las construcciones imaginarias, con fuerte implicancia emocional. La fábula, el misterio, los cuentos de seres encantados, las historias de ensueños y fantasías dejan sus huellas en el concepto y la imagen de sus colecciones. La búsqueda y la elección de los materiales contribuyen en gran medida a dar forma y materialidad al diseño; es así como emergen en las colecciones los encajes, los brocados, las plumas, los cristales, entre otros.

NOE BERNACELLI

Este joven diseñador nacido en Trujillo estudió diseño de moda en Milán y sus diseñadores favoritos son Valentino, Lanvin y Ricardo Tisci de Givenchy. El interés por el arte, la pintura, el dibujo lo acompañó siempre en sus lecturas, sus viajes y sus creaciones. Le gusta el estilo de los años 40 y 50, por el valor que daban al cuerpo humano; por la misma razón le gusta el arte renacentista, sobre todo la pintura de Botticelli. Hizo empresa en Lima, en un contexto exigente, las damas de sociedad del cuerpo diplomático; comenzó con los vestidos de su colección italiana, luego creó la colección para su primer desfile. Valora su formación italiana por la cultura expresada en arte y arquitectura pero también por el gusto diario por la estética y el buen vivir; la valora también por el concepto del “buen hacer”, lo hecho a mano, la perfección del acabado. En consecuencia, su marca propone no una etiqueta sino un estilo de vida, que incluye el valor del vestir. Un estilo de vida, en palabras del propio diseñador, para una mujer elegante, femenina, sutilmente sensual y con glamour, que sabe apreciar la novedad y la fantasía; un estilo capaz de dar forma y consistencia a un universo expresivo que incluye las transparencias, los brillos dorados y plateados, la semántica de los íconos y colores que evocan los elementos primordiales de la vida, las sugerencias narrativas de las perlas, los encajes, los bordados, las plumas. Un estilo de vida también para el hombre que opta por verse elegante, clásico, distinguido, de buen gusto, en variadas ocasiones.

153

RIM

Su diseño de alta costura se vincula creativamente con el arte y el trabajo artesanal. Considera que “hecho a mano” es un valor que merece ser rescatado, por sus implicaciones humanas, profesionales y estéticas. Sus proyectos están relacionados con su visión del diseño y de la moda, así como con las líneas de negocio de su empresa, entre las cuales está la línea de Tejido en Punto, trabajada con fibras peruanas, algodón pima, baby alpaca y huanaco; y con la ampliación de la red de tiendas en el extranjero.

Pía Ojeda empezó vistiendo a las Barbies. Lo confiesa y ríe… Y el deseo de diseñar surgió por la necesidad, desde muy temprano: buscaba ropa para vestirse que no encontraba algo de su gusto, por lo cual ¡decidió hacerla!

PIA OJEDA

Entró al mundo de la moda haciendo sus prácticas hace 4 años en una fábrica de tejido, pero el momento mas significativo para dar inicio a su carrera fue ganar el concurso del FLASHMODE en 2010. Desde entonces, siempre trata de hacer algo impactante, novedoso, con concepto; un proyecto de creación que valga para sus colecciones pero también como proyecto de vida. La inspiración la encuentra en todo lo que la rodea, desde una canción hasta un sentimiento o un objeto. Su estilo de diseño y su personalidad son inseparables y tiene conciencia de ello: crear, afirma la diseñadora, es dar forma física a la manera en que se procesan los sentimientos, con sus altos y bajos, con todo su alboroto. El estilo lo capta todo y lo refleja. Busca esta misma esencia vivencial. En otros diseñadores: “¡Admiro a todos los diseñadores que son felices con lo que hacen!” dice Pía. Piensa en Cusco Always in Fashion 2011 como en una experiencia enriquecedora y diferente, sobre todo por la idea de integrar la artesanía con el diseño y de hacer un evento inclusivo; y como una muy buena ventana de exposición. Participó con una propuesta que describe como “tribal” pero en la cual se daba una convergencia de culturas, de aquí y del mundo. Su colección valoró el hilo de alpaca y la piel. Piensa que profesionalmente uno nunca está satisfecho, porque siempre necesita saber más y hacer más. Por lo cual para el futuro, ve nuevas colecciones, nuevos proyectos, y sobre todo el logro de una marca grande, que difunda su personalidad, estilo y concepto de diseño.

VIR

154

Los recuerdos de Sumi Kujon van a la par con la pasión por la moda, fue algo que la cautivó desde pequeña y que siempre la acompañó en la vida. El interés condujo a la creación y ya adolescente creaba sus propias prendas.

SUMY KUJON

Su carrera profesional se inicia en 1993 con el diseño de vestuarios para Danza Moderna. Sumi era bailarina de danza moderna y estaba en contacto con diferentes escuelas y grupos de danza; fue la fusión y la realización de dos pasiones, un encuentro de artes, el arte de la danza y el arte aplicado del diseño. Se ve a sí misma como una artista cuyas propuestas se conectan directamente con su mundo interior, por lo tanto su personalidad está implícita en los diseños. Busca inspiración en la vida misma, en lo cotidiano a veces, otras en lo surreal. Considera que todo creador debe mantener un universo propio que ha de enriquecerse constantemente; mientras eso ocurra siempre encontrará motivos de inspiración. Y algo más. Ser diseñadora es para Sumi Kujon poner la moda al servicio del ser humano, sin dejar de lado los valores lúdicos y artísticos. Es también soñar cada día, nunca dejar de soñar, seguir siempre con los planes, los que están en proceso y los que están en el papel o en la mente: “me interesa transmitir a otras generaciones” afirma. Entre los proyectos más recientes está seguir presentando sus colecciones en Latinoamérica, como lo ha estado haciendo, y abrir nuevos mercados. Su propuesta de diseño de moda es, en su visión, una propuesta cosmopolita que se define en el marco de lo atemporal, que opta por lo versátil e incorpora códigos asiáticos y peruanos. Sus diseñadores favoritos son Issey Miyake, Yamamoto, Balenciaga.

155

RIM

Apreció bastante el evento y su experiencia en Cusco Always in Fashion 2011, comenzando por el gran acierto de descentralizar la Moda en el país y la difusión de las colecciones y de los diseñadores ante la comunidad cuzqueña y en la prensa. Participó con una colección inspirada en el Kung Fu y sus movimientos, a los que llevó al tejido, a la seda, a las telas pesadas. La colección se llamó Tiempo y fue, en las palabras de la diseñadora, una apuesta por el Valor del movimiento suspendido y por ello resultó tan importante usar materiales en diferentes pesos: Baby Alpaca, sedas, bamboo, lanas, etc.

Titi Guiulfo comenzó haciendo estampados silk screen para fines publicitarios y, luego de crear para marcas surf, descubrió el placer de “hacer locuras gráficas” jugando con las combinaciones de color. Ingresó al mundo de la moda con creaciones de ropa de algodón estampada, lo que la llevó a interesarse en los tejidos planos y a manejar líneas de ropa teen en una época que en Perú estaban prohibidas las importaciones. Resultó siendo una estupenda escuela que precipitó el paso a la ropa a medida, a vestidos de gala, de novia etc.

TITI GUIULFO

En el contexto profesional, admira a Karl Lagerfeld, se asombra por la presencia siempre renovada de Chanel, le encanta Missoni para lo tejido y los logros de PRADA. Pero encontró su inspiración en un viaje a Cusco y fue cuando decidió aplicar motivos peruanos a sus creaciones. Actualmente, se define a sí misma como alguien que marcó vanguardia usando elementos peruanos, con una personalidad en que prevalece su amor por el Perú y sus mil tradiciones, trajes y accesorios de todas las regiones. Observando su trayectoria, resaltan los profundos vínculos con el arte de los artesanos, a los cuales considera grandes maestros y con los cuales se propone compartir experiencias, visiones, recursos: “He pasado de diseñar a investigar a capacitar en comunidades textiles”, indica. Desearía además que más diseñadores trabajen con los artesanos de las comunidades textiles. Calificó de extraordinaria la experiencia en Cusco Always in Fashion 2011, por la acogida del público asistente, por los desfiles. Entre los mejores recuerdos está la vista de la pasarela con las modelos que representaban a las ñustas estilizadas. Está contenta porque las modelos que llevaron su colección la lucieron muy bien, se las veía estupendas, dice, y se notaba que la colección les gustaba: una colección que se tejió en diversas técnicas de tejido, preponderantemente en un telar de cuatro pedales, porque se había propuesto demostrar la versatilidad que pueden tener las telas tejidas en este arte que no debe perderse. El telar se hizo en Apurimac y Ancash y los tejidos hechos en crochet, palitos, horquilleta de Huancavelica y Hualhuas en Huancayo.

156

RIM

Los materiales empleados para la colección fueron la baby alpaca y las mezclas de baby con seda. Le gustan, por su caída, las mezclas de alpaca de los hilos fantasía como el flamé y el bouclé. Utilizó también algodón pima mercerizado cuyo resultado tejido considera parecido a una seda. Los materiales fueron muy importantes, así como el valor de “hecho a mano” de la colección, contando con la presencia de fibras peruanas para dar forma a elementos peruanos típicos estilizados. Siguiendo con el estudio de los hilos naturales, está llevando adelante un proyecto de hilatura a mano de la alpaca en Puno, para crear una oferta de hilado natural.

A Varignia García todo lo relacionado con la moda le gusta, desde cuando era una colegial. Es fácil comprender entonces que el primer diseño que llevó a la práctica fue el vestido para la fiesta de promoción. Su vocación se había afirmado y fue el punto de partida para realizar estudios de diseño de moda, hace unos 7 años. Desde entonces, su diseño ha explorado las expresiones de la identidad y los referentes de la naturaleza; la inspiración la relaciona con el entorno y con su propia personalidad, muy atenta a los detalles: “Me encanta plasmar como me gusta vestirme en las prendas que voy a realizar”.

VARIGNIA GARCÍA

Se ve a sí misma en el contexto del diseño de moda como una persona perseverante y proactiva, que encara su trayectoria de manera positiva. Se exige cada día el complimiento de sus metas y se propone lograr vender sus productos a más clientes y a la vez hacer que su marca sea conocida tanto en el mercado nacional como internacional. Como proyecto inmediato, planea continuar diseñando e innovando técnicas, materiales, fibras, para lograr cada vez algo distinto y atractivo. Sus diseñadores favoritos son Marc Jacobs, Dior, Nina Ricci, Alexander Mc Queen, Valentino; para este último tiene una especial admiración, por haber sido uno de los más grandes diseñadores en el mundo de la moda. Considera su experiencia en el Cusco Always in Fashion 2011 grata y enriquecedora. El evento contribuyó a valorar su trabajo y recibió muy buenos comentarios de las entidades y de la prensa por su colección inspirada en la el año sacro andino, pero que, al mismo tiempo, rescataba materiales de la cultura peruana, realzando su identidad. Utilizó técnicas y materiales ancestrales: hilado artesanal en fibra de alpaca y vicuña; fibra de alpaca teñida con tintes naturales, obtenidos de la diversidad de plantas de la región Cusco. La colección se generó a partir de esta esencia: el uso de materiales y técnicas ancestrales, la valoración de las fibras de alpaca y vicuña, la creación y la presentación en pasarela de las tenidas que incorporaron todos estos elementos.

157

RIM

158

BITﾃ，ORA 159

FLG

EVC

RIM

EVC

RIM

FLG

DÍA 1

160

EVC

VIR

EVC

FLG

161

RIM

EVC

RIM

FLG

DÍA 2

162

FLG

RIM

163

RIM

FLG

EVC

FLG

DÍA 3

164

RIM

165

RIM

FLG

RIM

VIR

DÍA 4

166

167

PIEZAS GRﾃ：ICAS

PRENSA

168

LA COMUNICACIÓN DE MEDIOS El evento Cusco Always in Fashion fue ampliamente comentado en la prensa nacional escrita, radial y audiovisual . Publicaciones como El Comercio, Somos, La República, Ojo, Correo, Caretas, Cosas y Cosas Moda, Caras, Hola, Galería, Asia Sur, Cusco Inside realizaron reportajes y entrevistas, al igual que los programas televisivos Oh Diosas, Amor, amor, amor, Magaly tv, 13 horas, Hora 9, Metrópolis, GlobalNoticias, entre otros. Una difusión significativa por su interés y dedicación fue asumida por los blogs especializados en la cultura de la moda, La intendencia, The Androgyny, Fashionjolik, Esto me gusta – Radio jean, Mea Moda, para nombrar a los más asiduos. Los medios promovieron los valores y los logros que se han obtenido con las colecciones y las actividades del evento, contribuyendo de esta manera a una mejor comprensión del fenómeno cultural, social y económico de la moda en el Perú.

169

CREDITOS DEL EVENTO

170

Comité organizador CAF 2011: Boris Gómez, Roger Valencia, Marcia Cuba, Ricardo Ruiz Caro, Fernando Ruiz Caro, Carlos Milla, Ana María Enciso, Víctor Hugo Pérez, Daniel Maraví, Enrique Velarde, Amaro Casanova. Presidente del Comité Organizador CAF 2011: Boris Gómez Director general: Amaro Casanova Director de arte: Edward Venero Producción ejecutiva: Martha Plaza Equipo de producción: Lucia Perez, Andrea Racchi, Antonio Polo, Daniela Gutiérrez, Cesar Tocas, Antonio Flores, Joshmel Tocas, Carla Aliaga, Gabriela Arriola, Marcela Velarde, Daniela Paz Dirección Modelos: Andrea Racchi Asesora: Mihaela Radulescu Relaciones Públicas y Prensa: MVV Asociados (Milagros Mejía) Diseño Gráfico: Guillermo Fajardo, Jieying Li, Edward Venero Música: Ignacio Merino Equipo audiovisual e iluminación: NAKAMURA Producciones Montaje de estructuras: Willie Wardhy Visuales: Eduardo Astete (MALAKI) Registro en video: Oswaldo Anchante Registro Fotográfico: Rafo Iparraguirre

CREDITOS DE LA PUBLICACIÓN Editora General: Mihaela Radulescu Editor Gráfico: Edward Venero Elaboración y Redacción de textos: Mihaela Radulescu Fotografía: Rafo Iparraguirre (RIM), Victor Idrogo (VIR), Fabiola Ladrón de Guevara (FLG), Kike Sánchez para Jamones (KS), Miguel Bazán (MB), Edward Venero (EVC) Rainer Fahrion (RF)

171

172