COLECCIÓN DE PINTURA CONTEMPORÁNEA INTERNACIONAL FUNDACIÓN BARRIÉ
COLECCIÓN DE PINTURA CONTEMPORÁNEA INTERNACIONAL
PEDRO
El trabajo pictórico de Pedro Barbeito (A Coruña, 1969), a caballo entre el presente y el futuro, lo científico y lo artístico, los satélites y los programas 3D, se ha desarrollado al otro lado del Atlántico, en Estados Unidos, donde se forma, entre otras instituciones, con un MFA en la Universidad de Yale. Actualmente reside en Brooklyn, desde donde ha exhibido su obra en museos y galerías de todo el mundo, como el Rose Art Museum, Exit Art, Mario Diacano Gallery o Basilico Fine Arts. Sus trabajos encierran una compleja metodología donde integra las retículas gráficas, la pintura translúcida aplicada en laboriosas superposiciones de capas, las formas pixeladas y los colores radiantes e intensos como cadenas de electrones en viajes laberínticos. Sus retículas sobre lienzos ovales desafían las leyes de la perspectiva renacentista ya que tratan de mostrarnos todas las facetas de algún paisaje cosmológico, como si supusiera un paso más allá del cubismo picassiano. Barbeito es uno de los primeros artistas (finales de los noventa) en centrarse en la relación entre imagen digital y pintura, en sus particulares construcciones y cómo implican un modo diferente de mirar. Barbeito inventa una nueva representación panóptica, centrípeta, que combina con la imaginería de Velázquez o Goya a la vez que integra aspectos de las herramientas electrónicas y de los nuevos medios.
The pictorial work of Pedro Barbeito (Corunna, 1969) half way between the present and the future, the scientific and the artistic, satellites and 3D programmes, has been developed on the other side of the Atlantic, in the USA, where he studies, among other institutions, with a Masters in Fine Arts at the University of Yale. He currently resides in Brooklyn, from where he has exhibited his work in museums galleries the world over, such as the Rose Art Museum, Exit Art, Mario Diacano Gallery and the Basilico Fine Arts. His works possess a complex methodology in which he includes the graphic reticules, the transparent painting applied in laborious superimpositions of layers, the pixellated forms and the radiant, intense colours like chains of electrons on labyrinthine journeys. His reticules on oval canvases defy the laws of renaissance perspective, given that they try to show us all the facets of some cosmological landscape, as if they supposed a past beyond Picassian Cubism. Barbeito is one of the first artists (late nineties) to centre on the relationship between the digital image and painting in his particular constructions and how they imply a different way of looking. Barbeito invents a new panoptic, centripetal representation which he combines with the imaging of Velázquez or Goya at the same time as integrating aspects of the electronic tools and new media.
TILTED LANDSCAPE II | 2006 ACRÍLICO SOBRE LIENZO EN MADERA ACRYLIC ON CANVAS ON WOOD 170,2 X 270,3 CM COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
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“Descubrí el potencial de este medio cuando salí de la escuela y compré mi propio ordenador. Fue entonces cuando empecé a hacer pleno uso de lAS HERRAMIENTAS DIGITALES en mi proceso, desde la descarga de imágenes, para manipular, hasta traducirlas al lienzo con pintura acrílica, integrándolas con imágenes 2-D y 3-D”
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Desde estos nuevos imaginarios del conocimiento, Barbeito combina imágenes abstractas con los recursos visuales de la NASA, agujeros negros, moléculas, neutrones y estrellas creando una pintura sensitiva de aproximaciones y extrapolaciones, estableciendo una mirada hacia la obra de ciertos artistas de los años sesenta como Mel Bochner, Sol LeWitt o Ross Bleckner. Aunque es internacionalmente conocido por sus lienzos ovales, su trabajo anterior combina elementos de la pintura clásica reinterpretada en términos retículares multifacéticos, reconstruyendo, por ejemplo, una menina con herramientas digitales o recomponiendo reticularmente algún lienzo de Picasso. Pero la pasión de Barbeito por la informática determina su trabajo desde el año 1996, cuando se compra su primer ordenador. Desde entonces las cicatrices y heridas digitales traducen su concepto de pintura en la era 3.0 y representan la crisis del espacio clásico insertando una nueva dimensión; surge entonces el concepto de transpintura, una nueva sintaxis pictórica hibrida con otras disciplinas como la fotografía, el diseño 3D, la química o la arquitectura. Una pintura de autoconciencia multidisciplinar, crepuscular y anticipatoria, que nos transmite la sensación de habernos quedado atrapados entre dos pantallas de un videojuego.
From out of these new imaginaries of knowledge, Barbeito combines abstract images with the visual resources of NASA, black holes, molecules, neutrons and stars, creating a sensitive painting of approximations and extrapolations, establishing a gaze towards the work of certain artists from the nineteen sixties, such as Mel Bochner, Sol LeWitt and Ross Bleckner. Although he is internationally renowned for his oval canvases, his previous work combines elements of classical painting reinterpreted in reticular terms, for example rebuilding a maid of honour with digital tools or reticularly recomposing a canvas by Picasso. But Barbeito’s passion for computer science has determined his work since 1996, when he bought his first computer. Since then the digital scars and wounds have translated his concept in the 3.0 era and represents the crisis of the classical space by inserting a new dimension; there then emerges the concept of transpainting, a new hybrid pictorial syntax working with other disciplines such as photography, 3D drawing, chemistry or architecture. A painting with a multidisciplinary, crepuscular and anticipatory self-awareness that gives us the feeling of having been trapped between two screens in a videogame.
“I discovered the full potential of this medium when I got out of school and purchased my own computer. That’s when I began to fully use the computer in my process, from downloading images, to manipulating them, to translating them on canvas in acrylic paint and integrating them with 2-D and 3-D printed images on canvas”
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SANDRA
Los paisajes lineales, expandidos y oníricos de Sandra Cinto (Santo André, Brasil, 1968) componen uno de los corpus pictóricos más coherentes y personales de la escena actual brasileña. Con una trayectoria expositiva que abarca todo el continente americano desde Nueva York a Chile, pasando por los más importantes museos como el Toyota Municipal Museum of Art de Japón, el Centro Georges Pompidou o el Centro de Creación Bazouges la Perouse, en Francia. Las intervenciones gráficas sobre papel, pared u objetos tridimensionales, hacen de su pintura una práctica que desborda la linealidad de la escritura creando amables ambientes de naturaleza mística. Y es que los dibujos de Sandra Cinto, delicadas líneas protagonistas de sobrios entornos azules, crean a veces agitados mares como los que se dibujan en los Ukiyo-e de Hokusai, vinculando su dibujo a un estado mental de catarsis, mientras otras veces representan paisajes de lluvias como los que debió ver Turner cuando se ataba al mástil más alto de las fragatas para entender en profundidad la naturaleza de las tormentas. Sus heterotopías foucaultianas transmiten una profunda emoción contenida y optimista, ya que sus títulos así lo reflejan: Días Felices, Noches de Esperanza o La casa del soñador hablan quizá de una generación de artistas brasileños que confían realmente en su país como, finalmente, un verdadero estado de orden y progreso.
The linear, expanded and oneiric landscapes of Sandra Cinto (Santo André, Brazil, 1968) form one of the most coherent and personal pictorial corpuses of the current Brazilian art scene. She has an exhibition career that covers the whole of the American continent from New York City to Chile, including some of the most important museums, such as the Toyota Municipal Museum of Art of Japan, the Georges Pompidou Centre and the Bazouges la Perouse Creation Centre, in France. Her graphic interventions on paper, walls or three dimensional objects make her painting a practice that overflows from the linear nature of writing, creating pleasant atmospheres of a mystical nature. And Sandra Cinto’s drawings, delicate lines leading out sober blue outlines, sometimes create agitated seas, like those that are drawn in the Ukiyo-e by Hokusai, linking her drawing to a mental state of catharsis, while at other times they represent rainy landscapes like those that Turner must have seen when he tied himself to the highest mast of the frigates in order to more deeply understand the nature of storms. Her Foucaultian heterotopias transmit a deep, contained and optimistic emotion, and this is reflected in her titles: Happy Days, Nights of Hope and The House of the Dreamer perhaps speak of a generation of Brazilian artists who truly trust in their country as, finally, a true state of order and progress.
NOCHES DE ESPERANZA | 2008 ROTULADOR PERMANENTE Y PINTURA ACRÍLICA SOBRE MDF PERMANENT MARKER AND ACRYLIC PAINT ON MDF 275 X 370 CM COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
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“Es a través de los sueños, a través de la capacidad de soñar que podemos encarar nuestras angustias y buscar una vida más feliz”
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Sandra Cinto inicia su trayectoria en la década de los noventa. En 1994 realiza su primera individual en Casa Triângulo, en São Paulo. A partir de ahí desarrolla una carrera multidisciplinar, aunque destaque por la calidad y virtuosismo de sus dibujos pictóricos y su obra se nutra de lo performático, la fotografía o la escultura, también alude a sus preocupaciones sociales que refleja con trabajos más combativos contra la desigualdad y la pobreza, criticando sutilmente ciertas decisiones económicas y políticas. Sin perder nunca esa vocación metafórica, sus piezas tridimensionales parecen haber sido traídas desde el otro lado del espejo de Alicia, donde las camas, el lugar donde suceden los sueños, se estrechan y se cuelgan de los techos, las sillas se estiran convirtiéndose en dobles y las columnas crecen como árboles brancusianos de sólidas formas sinuosas, pintadas de un delicado y cálido azul turquesa. La libertad y las obsesiones de Sandra Cinto pasan por estadios donde lo sublime y lo surrealista aluden a los cielos de Magritte o a las composiciones de Giorgio de Chirico, incidiendo en sus mínimos esenciales: la luz en medio de la noche, el cielo estrellado, la terapia mediante la imagen, la catarsis del trabajo o la memoria contenida en trazos de tiempo.
Sandra Cinto begins her career in the nineties. In 1994 she holds her first solo exhibition in the Casa Triângulo, in São Paulo. From then on she carries out a multidisciplinary career, although most remarkable for the quality and virtuoso nature of here pictorial drawings, and her work takes inspiration from performance, photography and sculpture. It also alludes to her social concerns, reflected in more openly combative works against inequality and poverty, subtly criticising certain economic and political decisions. Without ever losing that metaphorical vocation, her three dimensional pieces seem to have been taken out of Alice’s other side of the looking glass, in which beds, the place where dreams take place, are shrink and hang from the ceilings, chairs are stretched and become the double and columns grow like Brancusian trees of sinuous solid shapes, painted in a delicate, warm turquoise blue. Freedom and Sandra Cinto’s obsessions go through stages in which the sublime and the surreal allude to Magritte’s skies or to the compositions of Giorgio de Chirico, taking place in their essential minimals: light in the middle of the night, the starry sky, therapy faced with the image, the catharsis of work or memory contained in the traces of time.
“It is through dreams, through the capacity of dreaming that we can face our anguish and search for a happier life”
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ÁNGELA
Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) se ha convertido en un nombre de obligada referencia en el arte contemporáneo, no solo por haber sido la primera artista española finalista en los prestigiosos Premios Turner, en 2010, sino también por su trabajo conceptual, a medio camino entre lo esencialmente pictórico y lo escultórico, expandiendo el objeto artístico fuera de los límites del marco. Graduada por el prestigioso Slade School of Fine Arts y con un BA con honores en la Goldsmiths University of London, aunque también es licenciada en Filosofía por la Universidad de Santiago de Compostela, Ángela de la Cruz desafía la concepción greenbergiana de la especificidad del medio pictórico alejándose del plano vertical. Su pintura/ escultura transita por actitudes deconstructivas de ambigüedad, transgresión, humor subversivo, sensualidad y una potente belleza abstracta. Su pintura, trágica, incómoda, continúa gestándose en su estudio de Londres, ubicado en un edificio destinado a artistas en Portobello Road, donde hoy, y tras haber sufrido una desafortunada enfermedad, dirige a un equipo de asistentes que desarman muebles y telas para crear piezas desbordantes, restos a modo de memoria.
Ángela de la Cruz (Corunna, 1965) has become an obligatory reference in the contemporary art field not only because she was the first Spanish artist to be a finalist in the prestigious Turner Prize, in 2010, but also due to her conceptual work, which is half way between what is essentially pictorial and the sculptural, as she expands the artistic object outside of the limits of the frame. She has a degree from the prestigious Slade School of Fine Arts and an Honours Degree from Goldsmiths College, University of London, although she also has a degree in Philosophy from the University of Santiago de Compostela. She challenges the Greenbergian conception of the specificity of the pictorial medium by moving out of the vertical level. Her painting/ sculpture goes through deconstructive attitudes of ambiguity, transgression, subversive humour, sensuality and a powerful abstract beauty. Her tragic and disturbing painting is still gestating in her studio in London, located in a building dedicated to artists in Portobello Road, where today, after having been through an unfortunate illness, she directs a team of assistants who take items of furniture and canvases apart in order to create overflowing works, remanants in the manner of memory.
LOOSE FIT | 2002 ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 100 X 100 X 50 CM COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ
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“En mis primeras piezas utilizaba los materiales para darle una apariencia más escatológica y brutal, ya que pensaba mucho en lo sucio. Mis últimos trabajos se han fetichizado, son perfectos, como brillantes, queriendo dar la impresión de que están húmedos, recién hechos, imagino que de alguna manera tienen un lado muy sexual. Mi obra siempre ha tenido un componente sexual, pero también corporal. Siempre he percibido el bastidor como una extensión de mi cuerpo, mi experiencia con la pintura es totalmente física”
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En 1996 Ángela de la Cruz rompió su primer cuadro Homeless en respuesta a una fractura emocional. Desde entonces sus pinturas comenzaron a sufrir accidentes y a ocupar espacios inesperados en las galerías; arrinconadas en una pared o tiradas por el suelo, iba ganando terreno su desprecio al gestualismo pictórico mientras se centraba en las posibilidades del objet-trouvé y de la junk-sculpture. Como en esta pieza la monocromía, la acumulación, el abigarramiento, la destrucción y la violencia de sus obras provocan el paradójico y extraño sentimiento de haber conseguido la calma, la catarsis, después de la tormenta. Y es que el trabajo de Ángela de la Cruz, sin abandonar el legado cromático de la tradición pictórica española, parte de artistas como Donald Judd, Barnett Newman o Lucio Fontana pero resolviendo, de un modo muy personal, el conflicto Painting/Sculpture que a finales de los sesenta enunciaron los Art & Language: incorporando en la misma pieza su propia destrucción, convirtiendo el proceso en desastre y la pintura en tragedia.
In 1996 Ángela de la Cruz broke her first painting, Homeless, in response to an emotional breakdown. Since then her works started to undergo accidents and to occupy unexpected spaces in galleries; whether set back on a wall in the corner or thrown onto the floor, her scorn for pictorial gesturalism was gaining ground while she was focusing on the possibilities of the objet trouvé and of junksculpture. Like in this monochromatic piece, the accumulation, the variegation, the destruction and the violence of her works provoke the paradoxical and strange feeling of having achieved the calm and the catharsis after the storm. Ángela de la Cruz’s work, albeit without ever abandoning the chromatic legacy of the Spanish pictorial tradition, starts out from artists like Donald Judd, Barnett Newman and Lucio Fontana, yet takes a very personal route towards resolving the painting/sculpture conflict that was announced in the late sixties by Art & Language: through incorporating its own destruction into the work itself, turning the process into a disaster and the painting into a tragedy.
“In my first works I used materials in order to create a more scatological and brutal appearance, as I often thought about the dirty aspect. My latest works have become fetishised, they are perfect, like diamonds, wishing to give the impression that they are humid, recently made, I imagine that in some way they have a very sexual component. My works have always had a very sexual, but also corporal component. I have always seen the canvas frame as an extension of my body, my experience with painting is totally physical”
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