Die Br端cke,
{ Edvar Munch. La Madonna 1894/1895
Wassily Kandisnsky, yellow Red, and Blue
EXPRESIONISMO Georges Rouault. Cristo en la cruz
CONCEPTOS TEÓRICOS DEL EXPRESIONISMO
Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. El Expresionismo, un movimiento dominante en el arte alemán desde 1905 hasta 1930
Surgido como reacción al impresionismo. los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión»
Rendir culto a las distorsiones y exageraciones de forma y color que expresan de manera compulsiva las emociones del artista. El expresionismo pretende conmover, para lo cual se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos utiliza la figura y el trazo violento.
En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos
Es este desprecio por la realidad como tal lo que lleva generalmente a imágenes caricaturescas, deformadas, de gestos forzados y escenarios que parecen asfixiar a las figuras.
Se dice que el inventor de la palabra "expresionismo" Julien-Auguste Hervé, un pintor francés . expuso con este nombre sus cuadros en el Salón de los Independientes en 1901. Pero este término no se impuso en Francia. Fue en la Secesión berlinesa de 1911, en donde se expusieron, junto a los cuadros habituales de los impresionistas, obras de una nueva tendencia que agrupaba a Braque, Derain, Dufy, Picasso, Vlaminck...
El grupo Die Brücke se disuelve en 1913, pero el grupo fundado por Kandinsky y Franz Marc en 1911 con el nombre de Der Blaue Reiter ya impregnaba la ciudad de Munich con sus abstracciones por aquellos tiempos.
Autorretrato (1910), de Marianne von Werefkin, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich
La nota que distingue a este grupo esta vez es "la conciencia del divorcio entre arte y sociedad, la voluntad de mantenerse extraños al mundo. " Por lo tanto, desde esta extrañeza separadora se derrama lo que Kandinsky llama lo “espiritual de la naturaleza”, que tiene como misión purificar el alma eliminando los residuos de la realidad y tender así hacia la abstracción, hacia la purificación de las formas.
Las generaciones expresionistas de mayor edad se refugiaron en el paisajismo, mientras las más jóvenes, de fuertes convicciones realistas, se confrontaron con las condiciones de la vida de su época.
Madre arrodillada con niño (1907), de Paula Modersohn-Becker, Alte Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlín.
El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski)
También se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).
Portinari.
Katharsis (Detalle) José Clemente Orozco, 1934–1935
Cafe. Café - 1925 - Oleo sobre tela - 130 X 195 cm. Museo Nacional de Bellas Artes de Rio
David Alfaro Siqueiros, mural Del porfirismo a la revolución (fragmento). México, Museo Nacional de Historia, Castillo de Chapultepec.
El molino encantado (1913), de Franz Marc, Art Institute of Chicago, Chicago
Desnudo recostado (1919), de Amedeo Modigliani, Museum of Modern Art, Nueva York
Retrato de Jean Cocteau, 1917.
Desnudo doloroso,
El sal贸n, 1921.
Otto Dix. The num, 1914.
Tropas avanzando con m谩scaras de gas, 1924.
Prisioneros de guerra, 1947.
Max Beckmann
Autorretrato con copa de champag単e, 1919
Hundimiento del Titanic, 1912.
La noche, 1919
Embarcadero de hierro, 1922.
Egon Schiele
AgonĂa, 1912
Autorretrato, 1912.
Dos mujeres, 1915
Edvard Munch
"El grito", el popular cuadro del pintor noruego Edvard Munch, acaparará hoy todas las miradas en una venta de arte impresionista y moderno que se celebrará en la sede de la casa de subastas Sotheby's en Nueva York. Los expertos de Sotheby's valoran la obra en unos 80 millones de dólares aunque hay expectación ante la posibilidad de que haya sorpresas y rompa el récord que ostenta hasta ahora "Desnudo, hojas verdes y busto", un Picasso vendido en 106,5 millones de dólares http://www.cronica.com.mx/notas/2012/657718.html
Edvard Munch
"Sun (Sol)", 贸leo sobre lienzo, 455 x 780 cm., 1911-16
By 1892, Munch formulated his characteristic, and original, Synthetist aesthetic, as seen in Melancholy, in which color is the symbol-laden element. In 1892, Adelsteen Normann, on behalf of the Union of Berlin Artists, invited Munch to exhibit at its November exhibition, the society's first one-man exhibition. However, his paintings evoked bitter controversy (dubbed "The Munch Affair") and after one week the exhibition closed. Munch was pleased with the "great commotion", and wrote in a letter: "Never have I had such an amusing time—it's incredible that something as innocent as painting should have created such a stir."
In one of Rouault’s crucifixion scenes, painted around 1920, the dark is one again a fundamental feature. The Crucifixion could almost be taking place at night. The sky is dark, the land is dark and the outline of the Cross is black. This serves to focus the eye of the viewer on the unearthly light of Christ’s body and the face of those by the Cross. The one shown here however, has streaks of light in the sky and all the figures are illuminated. The sky also has red in it. This could indicate sunset. A sunset might indicate the life of Christ going down into the darkness of death, but with the red holding out hope of the ‘delights’ to come (Red sky at night, Shepherd’s delight). Or, on the other hand, if this is sunrise, this is a prefiguring of the dawn of Easter morning, without forgetting the death of Christ as a judgement on the world (Red sky in the morning, Shepherd’s warning). Although the sky is streaked with light the figures are in fact lit from the front, from behind the viewer. It is from that light that the faces of the three figures beside the cross and the figure of Christ on it are lit up. In contrast to the 1920 painting described above, this greater light expresses a serene hope and joy. The figures on either side of the Cross are absorbed in Christ’s suffering in their own way. To the right, John raises his neck and face ardently in the direction of Jesus. Beside him, Mary the mother of Jesus, in her traditional blue, bends her head in sorrow. To the left, another figure, perhaps Mary Magdalene, kneels in devout prayer. The intention of these three figures helps to draw the onlooker into the picture and to make their own response. The head of Jesus, slightly on one side, with the eyes half closed, looks down gently and questioningly at the onlooker. This is not just a painting for public art, to be viewed from afar. It is the artist’s deeply felt personal response to the Crucifixion which in turn seems to require a personal response from the viewer. Rouallt said this of his Art: Art, the art I aspire to, will be the most profound, the most complete, the most moving expression of what man feels when he finds himself face to face with himself and with humanity. Art should be a disinherited, passionate confession, the translation of the inner life, as it used to be in the old days in the hands of our admirable anonymous Frenchman who sculpted the figures on the cathedrals.
http://www.profesorenlinea.cl/artes/expresionismo.htm
http://elhurgador.blogspot.mx/2012/07/manos-la-obra-xvii.html
http://www.artepinturaygenios.com/search/label/Expresionismo
http://mx.fotolog.com/arte_en_general/57334994/