2020
Lart Contemporain
l’art contemporain
El Arte y su vida Arte Contemporáneo
Siglo XIX, XX y XXI
Predominantes del arte Obsesión por el arte
Edición n°1
SIGLO XIX
GENERALIDADES En el siglo XIX fue un periodo de violentos cambios sociales. El artista del siglo XIX aspiraba a inventarlo todo, rechazaba la imitación de cuanto le ha precedido. Ya no se pintaba para evocar un acontecimiento sino para expresar el propio sentimiento estético. El asunto pictórico pierde importancia. A mediados del siglo XIX, el arte conquista lo que pasa a conocerse como autonomía, las distinciones básicas hechas separaciones fundamentales que proponía la Ilustración para la sociedad occidental moderna: separación entre Iglesia y Estado, Iglesia y ciencia, Iglesia y arte, entre diferentes combinaciones de estos términos. El artista ya no necesita prestar sus servicios a la Iglesia y la aristocracia, ya no necesita pintar o esculpir lo que interesa a otros, puede desarrollar el arte que a él le guste, su arte tal y como desee concebirlo. La Ilustración ofreció al artista libertad en las ideas y prácticas del arte.
El Arte del Por la misma época, va ganando fuerza la idea del positivismo y su consecuencia en el arte que proclamaba la utilidad de la belleza…. “El Arte no tiene por qué ser inútil”. Este pensamiento adopta la forma de “Arquitectura utilitaria” y “Arte realista” entre pintores y escultores para los que la realidad que se ve es la que vale. A finales del siglo, los grandes inventos y descubrimientos realizados, permiten la utilización de nuevos materiales como el hierro, el acero y el vidrio creando un estilo peculiar y revolucionario.
siglo XIX En cuanto a la pintura, empieza a permitirse el empleo de nuevas técnicas dentro de la tendencia naturalista-realista y surge el Impresionismo. Sin embargo todavía se mantiene vigente en algunas esferas el ideal de la belleza clásica, pero en este punto ya sometido a múltiples fórmulas aprendidas que dejan como resultado un arte ausente de vida y sensibilidad.
Todas las diferentes expresiones artísticas que se presentan en este período reflejan la cantidad de cambios que se producen a lo largo de éste siglo. Podemos considerar que es en este momento de la historia que se entra decididamente en el Arte Contemporáneo, perdiéndose la homogeneidad de estilo que había caracterizado las etapas anteriores. La nueva sociedad burguesa rompe con los principios del Antiguo Régimen y lleva también estos cambios al arte. Las respuestas de los artistas no serán uniformes y la idea de libertad se asienta definitivamente en éstas creaciones.
Partiendo de una base de estudio clásico, durante todo el siglo XIX comenzarán a sucederse diversos movimientos artísticos, resultado de procesos ideológicos que abarcarán los diferentes campos de las artes, en los que tanto la temática como la composición tradicional serán sustituidas por la imaginación y por nuevas formas de entender la vida.
Romanticismo
Impresionismo
Realismo
Postimpresionismo
Es un arte provocativo, termina fijรกndose como una
convenciรณn mรกs, y por tanto, generadora de oposiciรณn tanto desde una รณptica subversiva como conservadora.
Se divide en dos Primera mitad “La vanguadia” Es un arte difícil de clasificar en un solo estilo, ya que se nota una fuerte personalidad y voluntad diferente en cada artista.
Muchos de estos artistas no se limitan a un solo arte, son a la vez pintores, escultores, fotográfos, etc...
Técnicas más empleadas en esta mitad. -Colores dramáticos. - Automatismo y conexión de imágenes oníricas o de los sueños. - Liberación total, a rmación de lo espontáneo e instintivo. -Debe evitar la in uencia de prejuicios o ideas preconcebidas. - Mezcla de anarquismo e innovación hipermoderna.
Segunda mitad “EL INFORMALISMO” “POP” “MÁS CONTEMPORÁNEO”
Entre 1945 y 1960: EL INFORMALISMO. La destrucción de Europa por la guerra y la inmigración de artistas, coleccionistas, críticos e historiadores terminaron convirtiendo a Nueva York en el nuevo centro mundial del arte.
Entre 1960 y 1975: POP Entre estos estaban: Pop, minimalista y el arte conceptual.
Entre 1975: MÁS CONTEMPORÁNEO En cual están: Hiperrealismo, neoguración, instalaciones, arte postmoderno, deconstrucción, arte bin.
Predominantes del Siglo XX
Figuras predominantes Colores predominantes Técnicas predominantes -Repetición de perfiles. -Utiliza formas geométricas. -La luz no construye el espacio. -Composición armónica entre formas y colores.
Países donde surge el movimiento -Cubismo: Francia. -Surrealismo: Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. -Futurismo: Italia. -Fauvismo: Francia. -Primitivismo: México y Rusia.
-Azules -Rojo/ rosado -Ocre/Amarillo -Verdes -Café
-Lo abstracto. -Implemento de pinturas coloridas. -Alteración de las formas. -Colores reales de las cosas (conocido como super-realismo).
Tipo de obras predominantes -Pintura en lienzo: Autorretrato. -Esculturas Futuristas. -Iconografía sobre el Arte Pop. -Arte Corporal.
ARTISTAS MÁS IMPORTANTES
H E N R I
dros de los maestros clásicos. Estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, iniciando su propia experimentación. Recibió influencias de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Fauvismo Hasta 1904, período conocido como oscuro, realizó bodegones y paisajes de gran solidez estructural y planos de color, como puede apreciarse en Platos y fruta (1901) y Bosque Su formación es lenta de Boulogne (1902). y la alternó con viaEn 1904 Henri Matisse jes a Londres e Italia. pintó Lujo, calma y voEn 1892 abandonó su luptuosidad, en el que carrera de abogado y sigue el neoimpresioentró en la Escuela de nismo, pero ya se anunBellas Artes de París. cia el fauvismo, que Su primer estilo consis- estallará en el verano de tía en un convencional 1905 en Colliure donde pintó cuadros que todanaturalismo. Realizó muchas copias de cua- vía seguian de cerca los Henri Matisse nació el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau-Cambrésis, norte de Francia, en el seno de una familia de clase media. Henri Matisse comenzó a pintar en 1889, después de que su madre le entregara materiales para el dibujo y la pintura durante un período de convalecencia tras sufrir un ataque de apendicitis. Descubrió entonces su vocación y decidió convertirse en artista decepcionando profundamente a su padre.
Henri Matisse
El genio del colo métodos puntillistas, como Mujer con sombrilla, para alcanzar una libertad y espontaneidad absolutas en otras obras, como Vista de Colliure.
or
LA DANZA L
ienzo enorme encargado a Matisse por un millonario ruso. El artista simplifica las formas y satura los colores, que son tan intensos que llaman la atención. Es uno de los rasgos característicos del pintor: el uso libre del color, además de ese vigor expresivo. No olvidemos que Matisse fue una de las cabezas visibles del Fauvismo. Matisse pinta uno de sus temas fetiche: el regreso a la mítica Edad de Oro, donde los seres humanos éramos felices bailando y cantando sin preocupaciones. Se puede ver su fascinación de por el arte primitivo, y consigue a la perfección su objetivo de transmitir el dinamismo de la danza.
Año:1909 Autor: Henri Matisse Técnica:Óleo sobre lienzo Estilo: Fauvismo Tamaño:260 cm × 389 cm
LA ALEGRÍA DE VIVIR La obra que se presenta aquí, pintada en 1906 por Matisse es un buen ejemplo de los principios del fauvismo y se ha tomado como un ícono de esta vanguardia. En este cuadro está representado el mito de Arcadia, el país imaginario que estaba habitado por pastores que no se dedicaban a otras cosas más que cantar, danzar, hacer música y estarse todo el día tirados en la yerba. Matisse nos presenta una escena en la cual podemos ver a varios personajes arquetípicos que están realizando diversas tareas que les son propias como tocar instrumentos, danzar, enamorarse y otros en fin, sin hacer nada. Las figuras están todas desnudas y posan con desenfado sobre un prado rodeado de árboles frondosos con un fondo de paisaje marino. El dibujo, lineal y sintético presenta sensuales arabescos. Los colores, como corresponde al fauvismo, son intensos y expresivos. Matisse combinó varias tonalidades de amarillos y ocres que contrastan con el rosado de los cuerpos. Los árboles muestran el contraste de los verdes y rojos, colores complementarios. A pesar de que el colorido no representa objetivamente los elementos plasmados en esta obra, el conjunto está armónicamente concebido en una unidad cuya característica más sobresaliente es la expresividad intensa de las figuras y los colores.
LA HABITACIÓN ROJA Se representa un comedor donde una mujer está poniendo la mesa, al fondo, a la izquierda, una ventana muestra «unos árbol blancos, un seto, florecillas y una casita a lo lejos». Matisse, siguiendo la tendencia subjetivista de los «fauves», hace un uso subjetivo del color, el pelo de la mujer es naranja y el rojo domina en la composición (de este modo el colorido domina los planos compositivos). Ni la mesa ni la mujer presentan cualquier tipo de modelado, las formas son planas y completamente bidimensionales. El dibujo remarcado con líneas negras y los colores planos recuerdan características de la pintura románica. La línea recta de la mesa transmite serenidad mientras que las formas curvas de la decoración en roleos transmiten sensualidad.2 La pincelada cargada y uniforme se impregna de colores son puros y primarios, reservando los secundarios para los detalles de hecho, siguiendo el gusto detallista de Matisse. Algunos analistas lo han catalogado como bodegón.
F R I D A
P
intora mexicana.
Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida. A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. En 1929 contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera; tres años después sufrió un aborto que afectó en lo más hondo su deli-
cada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora.
Fridah Kahlo
EL VENADO HERIDO Artista: Frida Kahlo Tamaño: 30 cm x 22 cm Período: Arte naíf Fecha de creación: 1946 Material: Pintura al aceite Géneros: Retrato, Autorretrato
F
y sangrando, el rida expresa su venado mira al decepción luego espectador desde una operación de un bosque. Aunque el cielo de su columna vertebral en Nue- es tormentoso y va York en 1946, oscuro, en la disla cual ella había tancia hay una esperado con op- luminosa espetimismo que la ranza de escape, curaría de sus do- pero el venado lores de espalda. nunca lo alcanDe nuevo en Mé- zará. El significaxico, no obstante, do de la palabra continúo sufrien- “Carma”, que apado dolor físico y rece en la parte una profunda de- inferior izquierpresión. En esta da del cuadro es pintura, Frida se “destino”. En esta pintó con el cuer- pintura, así como po de un venadito en muchos de los y su propia cabeza autorretratos de coronada con cor- Frida, se presenta namenta. Atrave- como incapaz de sado por flechas cambiar su pro-
pio destino. Frida usó su propia mascota, un venado llamado “Granizo” como modelo para este cuadro. El venado en esta pintura esta rodeado de árboles y atrapado, transmitiendo un sentimiento de miedo y desesperación, sin posibilidad de escapar la situación.
F
rida Kahlo pinta el momento mismo de su nacimiento. La madre está dando a luz con una sábana tapándole la cabeza, como se cubre la cabeza de una muerta. La recién nacida sale al mundo con el rostro adulto de Frida. Todo pasa sobre una cama, en una habitación sencilla, con un solo testigo: esa pintura de la Virgen de las Angustias llorando. Y no sólo se impregna ella misma de sangre en cuadros que representan alguno de sus abortos, sus crisis emocionales con Diego Rivera, los postoperatorios de las múltiples y traumáticas intervenciones que padeció en la columna vertebral, las piernas y los pies...
MI NACIMIENTO
Esairreverencia que Bartra apunta adopta tintes humorísticos en cuadros como Unos cuantos piquetitos, inspirado por la noticia del asesinato de una mujer a manos de su novio quien, borracho, apuñaló a su víctima veinte veces. Al comparecer ante el juez, en su defensa arguyó que sólo le había dado «unos cuantos piquetitos».
Artista: Frida Kahlo Período: Arte naíf Fecha de creación: 1932
C
on 37 años, Frida Kahlo llevaba media vida arrastrando un terrible sufrimiento físico a causa del accidente de autobús sufrido en 1925. Su columna vertebral había quedado fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, clavículas y pelvis. Su pierna derecha se fracturó en once partes. Fue además atravesada por un pasamanos por la cadera izquierda atravesando su cuerpo hasta salir por la vagina. Kahlo comentaba que esa fue la brutal forma en la que había perdido su virginidad. Desde entonces fueron continuas las operaciones (al menos 32 a lo largo de su vida),
LA COLUMNA ROTA
Autorretrato de mujer sufriendo. México, 1944 Primitivismo Surrealismo Autorretrato Mujer Museo: Museo Dolores Olmedo, México D.F. (México) Técnica: Óleo (30 x 39 cm.)
las hospitalizaciones y el dolor extremo. Tuvo que ponerse todo tipo de corsés y artilugios para poder andar y llevar una vida normal. Pero lo único que ayudó a curar su dolor fue el arte. Este autorretrato explica muy claramente lo que sucedía con su cuerpo. Frida llora porque tiene rota su columna jónica (lo femenino) y sólo un doloroso corsé de metal la mantiene moderadamente firme. Tiene clavos por todo su cuerpo, simbolizando el dolor al que quizás su rostro se ha acostumbrado. Frida aguanta con resignación y estoicismo, sacando belleza donde no la puede haber, como sacar agua de ese desierto que tiene detrás.
P A B L O
Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras,
el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido. Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue
Pablo Picasso esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.
EL PICADOR AMARILLO Este óleo elaborado en tonos cálidos, probablemente fuese copiado de alguna revista taurina de las que eran comunes en la época. Actualmente, la obra pertenece a un coleccionista privado afincado en París (Francia).1
Año 1890 Autor Pablo Picasso Técnica Óleo sobre madera Tamaño 24 cm × 19 cm Localización Colección privada, París, Bandera de Francia.
En agosto de 1890, tuvo lugar en Málaga, una serie de festejos en los que se lidiaron varios toros en la plaza de toros de La Malagueta. El picador amarillo se fecha justamente en esta temporada taurina, y es el primer óleo realizado por Picasso, el cual se enmarca dentro de uno de los temas principales tratados en su trayectoria, la tauromaquia. Otras obras del autor pertenecientes a la misma temática son: El zurdo (Barcelona 1899) que es su primer grabado; Cabeza de picador con nariz rota (Barcelona 1903), una de sus primeras esculturas; o Estudios de picador y otros bocetos (Barcelona 1899-1900).
Este cuadro muestra la imagen lánguida de un mendigo tocando la guitarra, en el que predominan los característicos tonos azules del llamado Período azul de Picasso. Mediante el uso de estas tonalidades frías (incluso en el color de la piel), acentúa la tristeza del anciano. A pesar de esto, mantiene la guitarra de un color marrón, como muestra de esperanza para el mendigo, ya que se trata de su único medio de subsistencia.Además se trata de un elemento de contraste en el cuadro ya que las líneas curvas de la guitarra se diferencian mucho del cuerpo delgado y anguloso del viejo. Son estas características alargadas las que recuerdan al manierismo, en concreto al estilo de El Greco.
El VIEJO GUITARRISTA CIEGO
Autor Pablo Picasso Técnica Óleo sobre lienzo Estilo Mamá Carla Tamaño 121cm x 92 cm Localización Instituto de Arte de Chicago Fecha 1903
SIGLO XXI ARTE MOVIMIENTOS ESTILOS CONTROVERSIA INSPIRACION
ANTECEDENTES EL SIGLO XXI ES CONOCIDO POR SER UNA REVOLCUION DEL ARTE CONTEMPORANEO, TODO ESTILO DE ARTE HA LLEGADO PARA SER TRANFORMADO Y ADAPTADO A LS NUEVAS GENERACIONES Y NUEVOS EL ARTE HOY EN DIA SE
CARACTERIZA POR SER UN REMIX DE LO QUE ALGUNA VEZ FUE UNA OBRA ORIGINAL, UN La joven de la perla, johannes vermeer.1667 MOVIMIENTO PASA A OTRO SER COMPLETAMENTE DISTINTO, LOS RASGOS QUE CARACTERIZAN AL AUTOR O AL MOVIMIENTO MISMO PASAN A MODIFICARSE SEGUN LA IDEA DE EL NUEVO ARTISTA, QUIEN HACE EL REMIX, DANDOLE ASI UN NUEVO SIGNIFICADO, O UNA NUEVA IMAGEN A INTERPRETAR.
En la actualidad son mas apreciadas distintas formas del arte como lo son: El baile, el canto, la escultura, el arte no convencional.
como el street art o la performance
Tienen un toque de individualidad pero siguen siendo representativos de la cultura actual
La ilustracion y el arte digital son quienes caracterizan esta epoca, donde la tecnologi predomina y donde las herramientas para lograr increibles obras de arte estan mas que disponibles para todo el publico, esto es una ventaja para quienes quieren mostrar sus ideas al publico y demostrar de lo que son capaces, existe variedad de sofware de diseĂąo donde la tecnica esta al alcance de nnuestra mano, solamente es dejar volar nuestra imaginacion, gracias a la tecnologia tambien se nos es mas sencillo compartir nuestro arte, y sea desde plataformas digitales como redes sociales o en exposiciones virtuales inartidas por escuelas y museos que dan la oportunidad a nuevos artistas.
EL MUNDO DE LA MUSICA Y LA PERFORMANCE SON QUIENES DOMINAN LA INDUSTRIA DEL ARTE, QUIENES IMPONEN TENDENCIAS Y DICTAN LO QUE ES NUEVO Y
THE FAN DOM CONCEPTOS COMO LA ROPA Y EL ESSTILO SON MUCHO MAS TOMADOS EN CUENTA AHORA QUE HACE ALGUNAS DECADAS, EL MUNDO DEL ARTE TOMA MUCHO EN CUENTA PIEZAS ESENCIALLES PEN LA VESTIMENTA DE ARTISTAS Y MARCAS FAMOSAS PARA CREAR CONTROVERSIA, ESTILOS E IMPONER UNA MANERA DE VIDA.
REMIX
PIECE BY PIET MONDRIAN
THE KISS, GUSTAV KLIMT 1907
REMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIX REMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIXREMIX REMIXREMIXREMIXREMIXRE-
ART IN FILMS