PARALELAS ONCE by Galería Oscar Román

PARALELAS CONTEMPORÁNEAS

ONCE

DANIEL BRAVO DAVID TROICE ERNESTO ALVA FERNANDO OSORNO FERNANDO SAMA GREGORY EMVY GABRIELA GONZÁLEZ L. JAPANE JAVIER CAPETILLO JOSÉ CACHO LULÚ SÁNCHEZ PUIG MARIO VILLAGÓMEZ OLMO URIBE PAMELA ZUBILLAGA RICARDO ALEMÁN RODRIGO CACHO RUBÉN MORALES LARA RUBÉN SOTO

GALERร A

oscar Romรกn

JULIO VERNE 14, POLANCO CDMX, C.P. 11560 TEL: (55) 5280.0436/5281.0270 2

Paralelas contemporáneas Once Desde hace más de una década la muestra colectiva Paralelas Contemporáneas ha reunido a diversos artistas comprometidos con su trabajo y su propuesta dentro de la escena plástica nacional e internacional. Cada edición se caracteriza por contener no sólo grandes soluciones estéticas, sino que refleja los temas que apasionan, preocupan o motivan al artista como ente social y como individuo. Esta edición XI de Paralelas Contemporáneas continua con la intensión de presentar artistas con gran destreza en el manejo de la técnica provocando un diálogo entre ellos y sus inquietudes como creadores, seres humanos y miembros de una sociedad. Como cada capítulo de esta muestra, se invita a conocer las propuestas de estos grandes talentos y a reflexionar ante cada una de sus obras sobre la luz, el movimiento, la urbe, la masificación, el entorno, el cuerpo humano, la moda, entre tantos otros conceptos que terminan creando un testimonio plástico donde el espectador dará su propia lectura. Al momento de recorrer el trabajo de Daniel Bravo, David Troice, Ernesto Alva, Fernando Osorno, Fernando Sama, Gabriela González L. Gregory Emvy, Japane (Erik Peña), Javier Capetillo, José Cacho, Lulú Sánchez Puig, Mario Villagómez, Olmo Uribe, Pamela Zubillaga, Ricardo Alemán, Rodrigo Cacho, Rubén Soto y Rubén Morales Lara, estamos seguros que el espectador encontrará una generación de artistas con gran calidad y con quienes será inevitable sentir un grado de aproximación e identificación con cada una de sus obras. Como Galería Oscar Román agradecemos la contribución a esta muestra del proyecto ArtCage con quienes se trabajó para crear esta exposición y lograr así una estampa que identifique el quehacer plástico de nuestros artistas en una época de transformaciones y retos como sociedad.

DANIEL BRAVO Ciudad de México, 1983. Es Médico Veterinario Zootecnista y artista plástico de vocación. Realizó sus estudios en la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México). En los laboratorios de dicha institución, utilizaba el dibujo como método de aprendizaje, esquematizando tejidos orgánicos y planos anatómicos, que con el tiempo, se fueron transformando en diálogos visuales. De ésta manera, Daniel combina sus conocimientos científicos aplicados a la plástica mediante el uso de técnicas tradicionales, materiales y recursos experimentales que buscan enriquecer la interacción en sus composiciones para generar movimiento en las propuestas artísticas. Su obra se ha expuesto en galerías y recintos culturales dentro y fuera de México, en países como Estados Unidos, República Checa y Alemania. Actualmente es miembro de la Red de Talentos Mexicanos en el Extranjero.

Acerca de la exposición: He realizado tres piezas de manera diferente a lo habitual, integrando variantes en cuanto a materiales y técnica, que seleccioné por su capacidad de aportar a la composición. Por ejemplo, la pedrería, que se deriva de mi fascinación por las propiedades físicas de la luz y su interacción con diversos mecanismos que el cerebro interpreta como color, entre otros; como las pastas doradas, que tienen la capacidad de virar las tonalidades iridiscentes consiguiendo diversos efectos dependiendo el ángulo, e intensidad de la luz. La combinación de dichos materiales junto con el diseño “flotante” de la composición, busca atraer la atención con los destellos que refractan las piedras, que, emulan una interacción sináptica, propia de la actividad neuronal al recibir un estímulo luminoso del exterior, que en este caso, al provenir de la pintura, pretende formar simbólicamente, un puente entre ésta y el espectador quien al aproximarse a ella, puede observar cómo ciertas texturas se encienden mientras otras se apagan, y de esta manera ampliar las posibilidades de interpretar la obra dependiendo de la cosmovisión de cada individuo que se identifique en ella. Al final, lo tangible y lo que no lo es, se convierte en un destello, una imagen, la señal eléctrica que nos reduce a la fragilidad de un instante, somos luz, manifestaciones paralelas en nuestra realidad, recreaciones del alma en sus infinitas presentaciones y ciclos en los que interactúa y no se vuelven a repetir, o por lo menos, nunca exactamente igual al anterior. El recuerdo de un abrazo, un episodio repentino de alegría o nostalgia y la forma en que le damos propiedades a los elementos preexistentes en nuestro entorno, todo es entendible en los núcleos de la memoria. 4

Daniel Bravo, Hailing from the edge, mixta sobre lienzo, 2018, 100 x 80 cm

Daniel Bravo, Apoptosis, mixta sobre lienzo, 2018, 100 x 80 cm

Daniel Bravo, Axis, mixta sobre lienzo, 2018, 120 x 100 cm 5

DAVID TROICE El Paso, Texas, 1990. David Troice es un artista plástico y diseñador mexicano. Nació en El Paso, Texas y a los cinco años de edad se mudó a la Ciudad de México. Toda su vida tuvo una fascinación por el papel y sus posibilidades. Desde los cinco años hacía aviones de papel y un sin fin de figuras de origami. Esto, junto con su amor por la creación lo encaminó a estudiar Diseño Industrial, entrando a la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México en enero del 2010. Al tercer año, su amor por el arte y la música crecieron y decidió mudarse a Boston, Massachusetts a terminar la carrera y empezar sus estudios como artista. Ahí se empapó de varias mentes creativas y se unió al equipo de fundición de metales, momento clave en su vida como artista, ya que fue ahí donde fundió su primera pieza de origami en hierro (una rosa), llevándolo a un sin fin de experimentos los cuales son base de su trabajo de hoy en día. En el año 2015 se graduó obteniendo un Bachelor of Fine Arts.

David Troice La revelación, 2018 Origami vaciado en yeso cerámico de alta tecnología con fondo de hoja de oro de 22 k sobre marco de pino, 1 cuadro de 90 x 90 cm, 1 cuadro de 57 x 57 cm, 2 cuadros de 26 x 26 cm.

ERNESTO ALVA Ciudad de México, 1982. Es un artista plástico que ha desarrollado la mayor parte de su trabajo en las técnicas tradicionales del grabado así como en el dibujo. Su trabajo se ha basado en los espacios que se generan con el trazo de una línea, los efectos visuales y volúmenes que resultan de la repetición de líneas, el tiempo, el fuir de la natural de la materia y su propia intuición. Licenciado en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2002-2007). Se formó como impresor en el taller de gráfca Caracol Púrpura (2001-2003) y el Taller Gráfca Bordes (2005). Ha expuesto individual y colectivamente en México, Guatemala, Argentina, Uruguay, Canadá, España, China y Londres. Es parte del colectivo Ojo x Ojo y es Coordinador y Maestro Impresor en La Trampa Gráfca Contemporánea en el Centro Histórico de la Ciudad de México, en donde produce obra gráfca de artistas contemporáneos además de impartir talleres de grabado abiertos al público. Se ha hecho acreedor a varios reconocimientos como el primer premio en la 2nd New York International Miniature Print Exhibition, Primer premio creadores con trayectoria en la Primera Bienal de Los Volcanes 2015. Primer premio en La Primera Bienal de Estampa Contemporánea Mexicana 2009, La Beca Jóvenes Creadores 2008-2009 y El Premio José Guadalupe Posada 2004. Recientemente obtuvo Mención de Honor en La Primera Bienal Internacional José Guadalupe Posada 2013.

Ernesto Alva FracciĂłn. Y., 2017 DĂptico Placas de PVC grabadas a mano y entintadas 122 x 60 cm, cu.

Ernesto Alva, FracciĂłn - Z, 2015, DĂptico Plcas de PVC grabadas a mano y entintadas 60 x 60 c/u

Ernesto Alva, Fracción-secuencia, 2016 Tríptico Litografía, 67 x 56 cm c/u

FERNANDO OSORNO Ciudad de México, 1978. Es licenciado en Comunicación gráfica en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; fundador de Hazme el milagrito, primera galería especializada de arte LGBT en la Ciudad de México. Su obra artística incluye múltiples trabajos en óleo, acrílico, esmalte, acuarela y papel. Los personajes de su obra son, generalmente, hombres arrobados por el entorno, que disfrutan el viaje, gozando del placer, así, en general y, quizá, buscándose a sí mismos. Como pintor y escultor, ha participado en las exposiciones colectivas: 5 artistas, 5 visiones de paisaje y bodegón (Casa de las Bellas Artes de la Delegación Magdalena Contreras, 1998); De antes al final (Tianguis Cultural del Chopo, 1999); La Ultima y nos vamos, colectiva de diseño (Escuela Nacional de Artes Plásticas, 2000); Bodas de Plata (Museo Universitario del Chopo, 2012); En el Umbral y tan sólo a unos pasos de la dimensión sublime de la belleza, curada por Guillermo Santamarina (Museo Universitario del Chopo, 2014); La revolución de los colores (Galería Casa Morelos de San Luis Potosí, 2014); Desnu2 (Galería Hazme el milagrito, 2014); La Bolsa y la Vida: una exposición homenaje a José Guerrero, en el centenario de su nacimiento (Palacio de los Condes de Gabia, Diputación de Granada,2015).

Fernando Osorno De la serie el color toca a mi puerta, 2017 Escultura en papel, medidas variables.

FERNANDO SAMA Ciudad de México, 1987. Mientras completaba sus estudios en publicidad (UC) empezó a experimentar fotografía, video y animación digital, tomando como fuente de inspiración la programación de la mente, misma que lo llevo a conectar con su intuición y con la Naturaleza, convirtiendo la parte totémica en pieza clave de su trabajo. En los últimos años a montado diferentes exposiciones entre las que destacan What goes around… en Terreno Baldio, Transmutación en Galería Quimera, Paralelas contemporáneas X en Galería Oscar Roman, Festival internacional de grafica y fotografía en Museo Soumya, Subasta My Heror en The New York Public Library, Exposición Encuentro Oaxaca en galería siglo 17 entre otros . En 2017 finaliza su opera prima un largometraje titulado El viaje de Keta.

Fernando Sama y De la Cruz, Hierofante, 2017, 80 x 80 cm FotografĂa intervenida con arte objeto wixarika.

Fernando Sama, Sueño lucido, 2017, 40 x 40 cm Fotografía con intervención digital impresa en espejo.

Fernando Sama, Platano macho, 2017, 40 x 40 cm Fotografía con intervención digital impresa en espejo.

Fernando Sama, Silencio, 2017, 40 x 40 cm Fotografía con intervención digital impresa en espejo.

Fernando Sama, Tejedora, 2017, 40 x 40 cm Fotografía con intervención digital impresa en espejo.

GREGORY EMVY Nizhny Novgorod, Rusia, 1986. Las obras de Gregory son principalmente inspiradas por los seres humanos. Él tiene un gran interés por las conductas y expresiones de las personas que se encuentran en un estado de dificultad y tener que cargar con las desgracias. En sus obras se esfuerza por disfrazar el mundo interior de las personas que están abrumadas por su rutina diaria. Naturalmente la gente encuentra más fácil demostrar sus emociones positivas en lugar de revelar lo negativo. En el momento en el que Gregory se encuentra creando sus obras, utiliza el alboroto de colores para transmitir el drama de las situaciones de la gente de una forma más sincera y abierta. Gregory representa una nueva ola en el arte ruso y se aleja de los temas polítcos en sus obras, se considera como uno de los artistas de la nueva escuela y una reciente generación vanguardista en Rusia que está en alta demanda. El entrega verdaderas emociones y alma rusa en colores llamativos y profundos que intentan traer detrás más atención en la herencia de Rusia con valor y variedad. Su excepcional técnica de tonos oscuros con contrastes claros realza el carácter de sus pinturas. La inspiración para su estilo viene del primitivismo y la escuela parisina de los años 20s. Sus obras se asimilan a las de Mashkov, Konchalovsky y Falk.

Gregory Emvy, No title 1, Mixta, 120 x 120 cm

Gregory Emvy, Liquid Gold, Mixta, 120 x 120 cm

GABRIELA GONZÁLEZ L. Ciudad de México, 1981. Egresada de la ENPEG “La Esmeralda” (2004-2008). Becaria del FOCAEM 2017-2018, 2014 y 2013. Becaria del FONCA Jóvenes creadores (2010-2011). Obtuvo Mención Honorífica en la 1ª Bienal de los Volcanes Cuernavaca (2015), 8va Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2011) y Concurso de Artes Plásticas y Gráficas “Dr. Alfonso Pérez Romo” (2013). Su trabajo se ha seleccionado para la XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell 2017, Soporte Papel Premio Bernardo Elosúa Farias 2015, la 4ta. Bienal Nacional de Artes Gráficas “Shinzaburo Takeda”, V y VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán y 9a Bienal Puebla de los Ángeles. Ha participado en más de 50 exposiciones colectivas y 8 individuales en Museos, Galerías, Escuelas y Ferias de Arte en países como España, E.U.A, Cuba, Inglaterra, Madrid y Berlín; así como en diferentes estados de la Repùblica Mexicana. Fue asistente impresor en “Intaglio”; del Museo Estación Indianilla y Taller de Litografía Blackstone. Colecciones destacadas del que forma parte: Museo Zuckerman, Florida, EUA. Museo Histórico de El Peñol (Antioquia Colombia), Museo de Sonora.

Los temas y conceptos de mi obra responden a la necesidad de expresar el “aquí y el ahora” y cómo repercuten ciertos sucesos relevantes en el tratamiento y confección de cada pieza. La vestimenta, la escritura, la memoria, la infancia y el juego son temas recurrentes que voy transmutando en un sin fin de “experimentos visuales”. Mi quehacer artístico se concentra en el uso de las técnicas tradicionales como la litografía, el dibujo, la pintura y la escultura, entretejiendo una con otra, creando simbiosis entre sí, buscando nuevos tratamientos y múltiples posibilidades de los materiales, colores y texturas. Desde la muerte de mi padre (1956-2012) la escritura ha sido mi obsesión. El punto de partida es la apropiación de sus manuscritos generando una interpretación gráfico-visual de la palabra escrita. En el proyecto más reciente mi interés por la infancia y el juego como metáfora del cotidiano se da con el nacimiento de mi hija. Surge nuevamente la incorporación de la escritura para expandir el campo visual tanto del tema como de los materiales que utilizo. Desde esta trinchera pienso que el arte funciona como un contenedor de inconformidades y al mismo tiempo, como un medio de conocimiento y comunicación. Es menester crear nuevas realidades para soportar el cotidiano y volverlo un dibujo, un escrito, una pintura, un poema.

Gabriela González L., Sobremesa, 2014 Fotolitografía sobre papel de algodón ed. 1-5, 30 x 40 cm

Gabriela González L., No, 2013 Técnica mixta sobre escritos de 1980, 112 x 74 cm

Gabriela González L. ¿Y ellos, 2015 Técnica Mixta sobre cuadernillos de 1968, 120 x 120 cm

Gabriela González L., Las líneas de la mano, 2015 Sobres, acuarelas y lápices de color, 120 x 120 cm

ERIK PEÑA JAPANE Ciudad de México, 1985. Artista autodidacta, inicia en el grafiti a los 17 años bajo el seudónimo de JAPANE, experiencia que le permitió descubrir y ejercitar diversas formas y técnicas. Ha seleccionado el dibujo como su principal medio de expresión. En su obra identificamos la presencia metafísica, el estudio anatómico, propuestas que van de lo figurativo a lo abstracto y el predominio de la monocromía. Japane trabaja de manera simultánea diversas series como Dualidad Humana, donde los cuerpos se entrelazan, evocando formas dancísticas y convulsas. Son composiciones resueltas en un limpio achurado destacando la precisión y dominio de la línea. En la serie Cosmogonía Onírica, encontramos el sentido místico y existencial del ser, representaciones simbólicas donde los pensamientos o sueños se manifiestan en formas de hojas dentro de un abigarrado follaje o como estructuras mandálicas que muestran su indagatoria en torno a la temática del hombre y su entorno. En su producción se percibe una fuerte tendencia a la intervención y reciclado de materiales, como en la serie Nuevos Significados donde se apropia de hojas impresas de revistas o periódicos y recrea atmósferas o personajes otorgándoles nuevas acepciones. Actualmente trabaja en la serie Geometrías Urbanas, piezas resueltas en collage y dibujo donde acertadamente evoca el dibujo arquitectónico, hologramas y realidades paralelas. Es en el año 2015 cuando Japane, alentado y apoyado por Art Cage, exhibe su producción participando en las muestras: Arte a Domicilio, Artistas en Tránsito, Transitio y en la galería Oscar Roman, Paralelas Contemporáneas 10, la subasta Galería Oscar Román 2016, a beneficio de Aid for Aids y Responsable en Mente, la colectiva Lotería II en la Galería Oscar Román y en Entre Líneas del Proyecto El Palomar del minotauro.

Japane, De la serie cosmogonía oniríca (4), 2017, Collage, tinta sobre papel, 100 x 70 cm

Japane, De la serie cosmogonía oniríca (2), 2017, Collage, tinta sobre papel, 100 x 70 cm

Japane, De la serie cosmogonĂa onirĂca (1), 2017, Collage, tinta sobre papel, 100 x 70 cm

Japane, De la serie cosmogonĂa onirĂca (3), 2017, Collage, tinta sobre papel, 100 x 70 cm

JAVIER CAPETILLO Cancún, Quintana Roo, 1992. Javier empezó su carrera de artista plástico en la Ciudad de México aproximadamente en el 2014, su trabajo a lo largo de los años se enfocado en plasmar energía con figuras humanas, surreales y abstractas. La narrativa de estas energías se ha protagonizado por el balance, las dualidades, opuestos, secretos del ser y recientemente experiencias personales del artista. Gran parte de su plástica es realizada en dibujo usando el estilógrafo con la técnica de achurado, otras técnicas que el artista usa son: tinta, acrílico, hoja de oro, grafito, lápiz de color, monotipo, sepia, sanguina, acuarela. Integrar técnicas es una parte clave del trabajo de Javier, sus series más recientes lleva un dialogo entre técnicas que resultan en una fluidez muy natural, la combinación de técnicas junto con la exploración de material y medios habla fuertemente de la ideología de sencillez y complejidad de las obras del artista. Todo artista produce, expone y crece, Javier ha participado en subastas dentro del museo Jumex, museo Soumaya, Museo de Arte Moderno y galería Oscar Roman. Ha expuesto en colectivos en museo Tamayo, galería Traeger, Pinto, galería Quimera, galería Palomar del Minotauro, museo del Tequila, galería Pedro Gerson, galería Oscar Roman. Las exposiciones individuales: la primera fue en Contraste4 en Guadalajara donde expuso su primera serie abstracta llamada “Divagaciones Geométricas”, en galería Quimera expuso una instalación de dibujo funcional que habla de las WebCam Models, a principios del 2018 Javier ya tiene dos exposiciones individuales programadas una en Mooi Collective y otra en galería Traeger &amp; Pinto. El artista también ha colaborado con el MUNAL con laexposición de Felipe Santiago Gutiérrez. Colaboro con el artista Liu Bolin en su serie Target Series Mexico y fue ganador del concurso de PlayBoy Condoms Mexico/Aid for Aids en el 2015. En Enero del 2018 Javier presenta un pieza de su colección más reciente “Ciudad del Mar” en el MoMA de Nueva York de forma digital.

Javier Capetillo, BMS -001, 2017, 155 x 55, Gráfito

Javier Capetillo, MCD -0 , 2017, 80.5 x 42.5 Monotipo, achurado con estilรณgrafo, lรกpiz blanco sobre papel

JOSÉ CACHO Ciudad de México, 1959,

Un día, siendo un niño, sin una razón conciente empecé a dibujar y a pintar, desde entonces no he parado de hacerlo; encontré en la figura y el color el camino para convertir las formas externas cotidianas en una expresión personal. La experimentación contínua a través de la mezcla de imágenes, texturas y materiales es mi pasión. Estoy en la búsqueda de la luz. Formación autodidacta con una amplio trabajo de experimentación en diversos temas, materiales y técnicas. Exposiciones y Subastas: Galería la Casita, México D.F. Individual Galería Samuel Menache, México D.F.. Individual Galería Samuel Menache, México D.F. Colectiva I Bienal de Arte Contemporáneo, Florencia, Italia. Colectiva Cámara de Diputados, México D.F. Colectiva Representación del Arte Mexicano, Sofía, Bulgaria. Colectiva Vitrina Internacional del Arte Contemporáneo, Florencia, Italia. Ganador del “Premio Especial del Jurado” Galería Casa de Bolsa Inverlat, México D.F. Individual Muestra de Arte Mexicano. Barcelona, España. Colectiva Galería Casa de Bolsa Inverlat, México D.F. Individual Monserrat Gallery, Nueva York, N.Y. Individual Club Asturiano de Mexico, México, D.F. Individual Subasta Colectiva, México D.F. Studio Lofft, México D.F., Exposición a Duo Subasta Galería Oscar Román

José Cacho, Las Dos Caras de la Luna (cara dos), 2018 44 x 58 Mixta sobre Madera

José Cacho, Las Dos Caras de la Luna (cara uno), 2018 44x58 Mixta sobre Madera

José Cacho, Las Cuatro Estaciones, 2018, 44 x 59 Mixta bajo Acrilico sobre Madera

José Cacho, El Quinto Dia, 2018 57 x 81 Mixta bajo Acrilico

José Cacho, La Quinta Noche, 2018 57 x 81 Mixta bajo Acrilico

José Cacho, Las Damas de la Luna, 2018 51 x 81 Mixta sobre Acrilico

José Cacho, Las Hijas de la Luz, 2018, 60 x 96 Mixta bajo Acrilico

LULÚ SÁNCHEZ PUIG Ciudad de México, 1970. Mexicana de nacimiento, Lulú estudió las carreras de Historia del Arte y Comunicación de manera simultánea en la Universidad Iberoamericana. Formada en Fotografía por más de 6 años con importantes maestros como Joe MacNally, Joel Grimmes, Saúl Serrano, Omar Gamez y Vida Yovanovich, desde 2013 se dedica por completo a una búsqueda interna utilizando la cámara como elemento principal para ello. A través de sus imágenes busca expresar un mundo onírico-mágico. Renunciando a la fotografía directa y documental que busca la denuncia como medio para despertar el inconsciente colectivo, ella opta por la búsqueda y construcción de mundos mágicos para inspirar al observador a crear realidades diferentes y, paradójicamente, más congruentes con nuestro ser humano. Sus antecedentes, como historiadora del arte y creativo en varios ámbitos, se dejan a ver en sus obras, la búsqueda expresiva que refleja es tan intensa como la misma artista. Ha expuesto su trabajo en importantes espacios en la ciudad de México como El Palacio de Bellas Artes, la Galería Óscar Román, la Galería Saúl Serrano, dentro de la Affordable Art Fair 2014, en el Centro Deportivo y Cultural Israelita y extranjero en la LoosenArt Gallery en Cagliari, Italia, el Världskulturmuseét Museo de Gotemburgo, Suecia y dentro de la Love Art Fair 2015 en Toronto, Canadá. En 2015 fue seleccionada en la Bienal de fotografía en Novi Sad, Serbia.

Lulú Sánchez Puig, So you tell if i am sad, 2017 Giclée sobre papel fineart 100% algodón y carboncillo, 65 x 65 cm

Lulú Sánchez Puig, Aún en la tormenta siempre puedo encontrarme con tus ojos, 2017 Giclée sobre papel fineart 100% algodón y carboncillo, 73 x 93 cm

Lulú Sánchez Puig, El hombre de la mano en el pecho, 2017 Giclée sobre papel fineart 100% algodón y carboncillo, 69 x 97 cm

MARIO VILLAGÓMEZ Ciudad de México, 1989. Mario Villagómez nace en 1989, con una formación artística experimental empieza a exponer de manera colectiva e individual en galerías de arte, centros culturales y museos en la Ciudad de México desde el 2013 hasta la fecha. Toma una residencia artística en DACIA Gallery en Nueva York en 2014 que culminó con una exposición en la misma sede de las obras creadas a lo largo del curso, su mas reciente asesoría en 2017 con el maestro Rodrigo Pimentel es un punto de inflexión en su formación artística. Ha presentado su trabajo en diversas galerías, museos y ferias desde 2013, entre las que destacan DACIA Gallery, Yuri López Kullins Galería, Rullán Galería, Expo Bancomer Santa Fe, Aguafuerte Galería, Fundation Art Fair, 47th American School, Museo Franz Mayer, Galería Espacio lugar, Galería Oscar Román, entre otras.

Mario Villagómez, Autorretrato, 2018 50 x 60 cm, óleo sobre tela.

Mario Villagómez, Naturaleza muerta, 2018, 50 x 60 cm, óleo sobre tela.

Mario Villagómez, Existencia de un ser infinito, 2018, 80 x 100 cm, acrílico y óleo sobre tela

OLMO URIBE Cuernavaca, Morelos, México, 1982. Es licenciado en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda”. Inmediatamente después de egresar se desempeñó como Coordinador del Taller de Fotografía y maestro del programa de Nuevos Medios por un periodo de dos años. Debido a su interés y estudios formales de matemáticas y programación en la UNAM, en el periodo de su coordinación realizó diferentes actividades académicas en colaboración con Micho Durdevich del Instituto de Matemáticas de la UNAM. En este mismo periodo, fue invitado al proyecto académico de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM titulado: “La Producción de Obra Plástica Digital como Investigación”. Olmo Uribe dejó las actividades académicas para enfocarse en su producción en 2011. A partir de 2011, a la par de su producción individual, Olmo Uribe ha desarrollado proyectos colaborativos de producción de obra plástica en diversos soportes que van desde el dibujo, la cerámica, la pintura y los medios digitales. Entre ellos destacan: “El túnel del Templo y los Animales”, dueto de performance visual-sonoro con Ernesto Romero Mariscal Guasp, “El Bardo”, experimento de pintura colectiva con Miguel Corral y Emilio Gómez Ruiz; “Gigarunt”, video instalaciones en colaboración con Tsubasa Kato. Con más de diez años de experiencia en la producción de cerámica de alta temperatura, Olmo Uribe funda en 2014, el taller de producción de arte independiente llamado: “Mono Rojo”, en donde un grupo móvil de aproximadamente siete artistas jóvenes realizan proyectos creativos. Artista activo por más de 15 años, Olmo Uribe hereda la tradición pictórica de Ernesto Seco, su padre, y de sus maestros Gustavo Aceves, Arturo Lazcano y Vlady. Así, apoyado en la gran diversidad de medios actuales, Olmo Uribe genera su estilo personal y crea un panorama extenso de obra transdisciplinaria. Olmo vive y trabaja actualmente en la Ciudad de México y desde 2016 desarrolla su carrera en París. 38

Olmo Uribe, Sin tĂtulo, (2) De la serie canciones para una pintura, 2018, cianotipia sobre papel de lino, 65 x 46 cm

Olmo Uribe, Sin tĂtulo, De la serie canciones para una pintura, 2018, cianotipia sobre papel de lino, 65 x 46 cm

Olmo Uribe, Sin tĂtulo, De la serie canciones para una pintura, 2018, cianotipia sobre papel de lino, 30 x 45 cm

PAMELA ZUBILLAGA Guerrero, 1984. El trabajo inicial de Zubillaga pretende describir metafóricamente los estados emocionales que el cuerpo manifiesta. Su obra tiene que ver con el duelo que se establece en los vínculos afectivos de su entorno; dentro de este conflicto, utiliza la representación del cuerpo como el límite entre el mundo interior y el exterior. En los últimos años, se han enfocado en la estructura del cuerpo humano, no en representar su idealización, sino en la búsqueda de la belleza en torno a la materia transgredida: la carne. En sus piezas, dicha representación es abordada para hablar del abandono del cuerpo: de su fragilidad, su descomposición, su deformación y de la frivolidad con la que tratamos este elemento que nos pertenece. Actualmente la investigación de sus proyectos está centrada en el trastorno físico y emocional del cuerpo. Le interesa la reflexión sobre las consecuencia de un mundo donde la artificialidad, la indiferencia humana y la transgresión al organismo van aumentando día a día.

Vestido de noche 1911 Óleo y hoja de oro/ madera 50 x 50 cm 2015

Vestido de calle 1903, Óleo y hoja de oro/ madera 50 x 50 cm 2015

Abrigo, Óleo y hoja de oro/madera 50 x 50 cm, 2015

Pamela Zubillaga, Sn título, De la seria lujosa prisión, 2018, Acuarela y encaje-papel, 240 x 160 cm.

RICARDO ALEMÁN Ciudad de México, 1987 Nacido en el ’87, menor de 7 hermanos, hijo de padre actor y madre productora, el arte en general de una u otra forma siempre ha corrido por sus venas. Durante un tiempo en NYC trabajó para compañías Off Broadway, encargado del arte gráfico, fotografía y promoción visual de la obras. Y desarrolló todo el concepto visual de una película estadounidense titulada FALLING OFF HORSES. Trabajo durante 4 años en la productora de arte Opioptico como curador y artista visual creando obra fotográfica exclusiva y arte a la medida para hoteles como Secrets The Vine, varios residenciales, restaurantes y bares de la ciudad, incluyendo diseños de fachadas y arte para importantes corporativos en CDMX y MIAMI, Trabajó de la mano con reconocidos despachos de arquitectos como Niz + Chauvet Colonnier Asociados y Grupo Fasca en proyectos de instalaciones de arte e interiorismo. Debutando con su obra fotográfica titulada CATARSIS expuesta en Galería Oscar Roman en la pasada edición de SUBASTA AIDS FOR AID en 2016, seguido de su muestra de fotografía surrealista titulada DIMENSIONES PARALELAS en la colectiva PARALELAS X 2016 y la muestra de Aniversario de la galería titulada LA LOTERÍA II , con su pieza de desnudo fotográfico EL NEGRITO , con la cual participó también en la más reciente Exposición en Galería Siglo XVII y en la subasta del Hotel Quinta Real que se celebró en el estado de Oaxaca a finales del mes de Octubre del 2017.

MEGALOMANÍA, 2018 Fotografía intervenida /Surrealismo digital Papel métalico e impresión en cristal 4mm 64 x 38 cm

SINESTESIA, 2018 Fotografía intervenida /Surrealismo digital Papel métalico e impresión en cristal 4mm 40 X 50 CM

ALUCINAJE, 2018 Fotografía intervenida /Surrealismo digital Papel métalico e impresión en cristal 4mm 64 X 49 CM

DUALIDAD, 2018 Fotografía intervenida /Surrealismo digital Papel métalico e impresión en cristal 4mm 46 X 61 CM

PLACEBO, 2018 Fotografía intervenida /Surrealismo digital Papel métalico e impresión en cristal 4mm 50 x 50 CM

RODRIGO CACHO Metepec, 1993. Fue después de haber estado sentado por una cantidad anormal de tiempo que vi como un lugar se transformaba cuando la luz, la nube o la persona adecuada pasaban frente a mi, tapando el lugar pero completándolo al mismo tiempo. Empiezo por encontrar formas interesantes que parecen incompletas y espero a que se completen para fotografiarlas. Este mismo proceso lo reproduzco artificialmente en mis pinturas utilizando collages o transferencias de imágenes. Quiero saber ¿Qué Hacemos?... ¿Qué Hicimos? Y como la interpretación de estas preguntas resultan en las consecuencias con las que vivimos. Rodrigo Cacho ha tenido diversas exposiciones y subastas tanto en México como en el extranjero, en galerías, museos e instituciones culturales en las que destacan: Subasta 2017 en Galería Oscar Román (Ciudad de México, México 2017), Encuentro Oaxaca (Oaxaca, México 2017), Bienal de Puebla (Puebla, México 2017), Contenido (Ciudad de México, México 2017), MM (Ciudad de México, México 2017), Aids for Aids - Galería Oscar Román (Ciudad de México, México 2016), Morton’s (Ciudad de México, México 2015), SeeMe (Nueva York, EUA 2012), SPC (Ciudad de México, México 2011). Educación: Diseño de Transporte, ELISAVA (Barcelona, España 2015) Diseño Industrial, UIA (Ciudad de México, México 2012-2016) Diseño Gráfico (Ciudad de México, México 2012) Diseño Automotriz, Rigoletti (Ciudad de México, México 2011)

“Meteoro” , 2017 Fotografía intervenida con técnica mixta sobre madera, 110x80cm.

“Yo no fui pero voy”, 2017 Fotografía intervenida con técnica mixta sobre lienzo, 120x70cm.

Rodrigo Cacho, Estamos a dieta, pásame el Aire, 2018, Tríptico, 58.5 x 43.5 cm cu, (130 cm) Fotografía intervenida con técnica mixta sobre madera

Rodrigo Cacho, Deja te traigo un Tylenol, 2018, 100 x 90cm Fotografía intervenida con técnica mixta debajo de acrílico

Rodrigo Cacho, Ay mi ciática, 2018, 100 x 90cm Fotografía intervenida con técnica mixta debajo de acrílico

RUBÉN MORALES LARA Ciudad de México, 1979 Artista plástico. Egresado de la licenciatura en Artes Visuales, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (1999-2004). Como artista su obra se ha presentado de forma individual y colectiva, en diversas galerías y museos de México y el extranjero. Ha expuesto en diversas instituciones, galerías y museos, como en MUCA Roma (2002), el Museo Universitario del Chopo (2005), en el Mexican Cultural Institute, San Antonio, Texas (2007), la Sala de Arte Público Siqueiros (Ciudad de México, 2008), La Trampa Gráfica Contemporánea (Ciudad de México, 2013), La Petite Mort Gallery (Ottawa, Canadá, 2014), el Polyforum Cultural Siqueiros (Ciudad de México, 2015), el MUMART (La Plata, Argentina, 2015). Su obra a sido seleccionada en el XXIV Encuentro Nacional de Arte Joven, México (2004), en la VI y VII Bienal de Yucatán (2014 y 2016), en la Primera Bienal de los Volcanes (Cuernavaca, Morelos, 2015) y en la II Bienal Internacional de Grabado y Estampa José Guadalupe Posada (Aguascalientes, México, 2015). Ganó el primer lugar en la 7ª. Bienal Miradas, Tijuana, México, 2016. Mención de Honor en el XI de Arte Gráfica Jesús Nuñez, La Coruña, España, 2016. Participó en la revista Nomastique, Selección 2012-2013, Edición impresa, así como en el #34 de su edición digital.

Rubén Morales Lara, Forma y vacío, PH 5, 2017 Esmalte acrílico y tinta sobre acrílico, 80 x 50 cm

Rubén Morales Lara, Forma y vacío, 2017 Esmalte acrílico sobre acrílico, 20 X 20 cm

Rubén Morales Lara, Forma inestable, 2016, Esmalte acrílico sobre acrílico, 40 X 60 cm

Rubén Morales Lara, Forma y vacío, 2017, Esmalte acrílico sobre acrílico, 31 X 55 cm

RUBÉN SOTO Cuernavaca Morelos, 1987.

Mi identidad artística trata de la tinta como poder, de darle sentido y vida a las formas a través de los trazos. Mis constantes obsesiones son la geometría y los patrones, las formas animales y la arquitectura; trabajando de la mano con las técnicas de achurado, tramado y puntillismo. Mezclándolos con colores que para mí son vehículos para llegar a una realidad más brillante de emociones. Mis obras son el lugar geométrico y no geométrico donde a partir de un punto se crean dimensiones. Rubén Soto Rubén Soto a desempeñado diversas actividades relacionadas al sector cultural y artístico. A trabajado en Instituciones como en la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado de Morelos en el área de Museografía e Infraestructura. Ha tenido diversas exposiciones colectivas, entre las más destacadas son en instituciones como en MuCiC, Museo de la Ciudad de Cuernavaca. Sus principales obras y murales que ha realizado por encargo forman parte de colecciones privadas. 54

Rubén Soto, Taj Mahal, 2017 Achurado, tramado y alto contraste sobre ilustración 48 x 73 cm

Rubén Soto, Restauración del Campanario de la Asunción, 2017 Achurado, tramado, puntillismo y alto contraste sobre fabriano, 88 x 64 cm

Rubén Soto, Notre Dame, 2017 Achurado, tramado y alto contraste sobre ilustración 103 x 64 cm

RubĂŠn Soto, Catedral de Santa Eulalia, 2017, achurado, tramado y alto contraste sobre ilustraciĂłn, 70 x 46 cm