Å’uvres disponibles Exposition collective VAO
- VISIONS ABSTRAITES & OPTIQUES -
Lorsque L’Atlas me raconte les grands traits de l’histoire des VAO, il ne manque pas de me dire la raison qui a poussé ce dernier et ses acolytes à faire de l’abstraction le langage privilégié, voire unique, de leur expression artistique : « L’abstraction est universelle et généreuse. Plus que l’art figuratif. Plus que le graffiti ». C’est ce qu’il a dû se dire en 2002 , avec Tanc, Teurk, Babou, Sunset et Aleteia, quand sous l’appui de Jean Faucheur – auquel il reconnaît un rôle de véritable mentor – le collectif s’installait dans l’atelier de la Forge, à Belleville. Après de nombreuses années sous le signe du tagging illégal dans les rues de Paris, ce moment marque le passage à la toile et au travail d’atelier, et suit une première reconnaissance par le monde de l’art : un an plus tôt, L’Atlas avait participé à l’exposition collective Graff à la Galerie du jour d’Agnès b., aux côtés de Futura 2000 et JonOne (véritables légendes du writing new-yorkais), Os Gemeos, Mambo, mais aussi de pionniers de la scène française comme Psyckoze et O’Clock. Au moment de l’installation à La Forge, le groupe fait aussi le choix précis et partagé de l’abstraction, ainsi l’acronyme VAO – lequel, depuis la fondation du crew en 1995, correspondait à Vandalisme Artistique Organisé – s’enrichit d’un nouveau sens et devient en même temps Visions Artistiques & Oniriques. Tout en revendiquant cette même origine, aujourd’hui l’art des VAO n’a cependant plus rien de proprement vandale : tout semble, au contraire, orienté vers une adhésion lucide et enthousiaste au monde de l’art, dans la volonté de créer des ponts entre deux mondes qui ne seraient incompatibles qu’en apparence. Vittorio Parisi Titulaire d’un doctorat en esthétique à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.
Aleteïa Aleteïa Née en 1979. Vit et travaille en Île de France. Sa signature est une étoile et ses constellations ont pour but de rendre le reste de l’univers visible dans les villes aveuglées par la pollution lumineuse. Elle pratique la géopoétique dans l’ambition de rétablir au travers de la peinture, le rapport Homme-terre depuis longtemps rompu. De la scène graffiti des années fin 90 dans laquelle elle a baignée, elle a gardé l’obsession de l’archétype reconnaissable au premier coup d’œil, le goût de la répétition du tagueur, le besoin d’explorer des territoires, d’avancer à la marge et d’être là où on ne l’attend pas. Convaincue que l’espace public doit être reconquis par l’art et les humains, elle pratique le vandalisme amical et la messagerie institutionnelle en grand format.
ALETEÏA / EX-VOTO-3 - 2020 Acrylic on Wood 80 cm x 60 cm 2.400 € Ex-voto - C’est un travail sur les vœux, la dévotion, les objet apotropaïques. Je reprends ici les codes de la peinture icônique, le travail sur bois, l’or, le bleu, le grenat. Les constellations présentent des formes symboliques de notre époque moderne.
Anton Éloge de la routine Je prends quotidiennement une photo d’un lieu qui parait anodin et plutôt naturel. Ce paysage est composé de strates qui se superposent vers l’horizon et dont se détachent des masses qui créent une sorte de skyline . Au premier plan un champ cultivé, plus loin se d étachant sur l’horizon des groupes d’arbres et le ciel. Les trois bandes subissent des variations aux cours des saisons : les végétaux poussent et sont ou récoltés ou dénudés. Le champs est labouré et travaillé par l’homme. Le ciel passe du bleu le plus pur à un manteau de brume qui engloutit tout le paysage. Les variations de cette vue sont infinies et je décline d’une manière simplifiée des basreliefs qui s’inspirent de ce renouvellement quotidien. Comme un exercice calligraphique, l’objet devient une forme abstraite. Les matières, les ombres, et les formes sont dirigées par le rythme répété de la composition. Le sujet très banal et très accessible met en exergue l’infinie richesse qui nous entoure. La contemplation, pour peu que l’on en prenne le temps, réserve une magie cachée dans sa routine. Anton
ANTON / EDRL - 2020 Painted Sheet Steel and Paper Bonding on Sheet Metal. 33 cm x 100 cm 2.000 €
Graffiti Art Magazine - en ce moment en kiosque / Article sur le crew VAO
Arnaud Liard L’esthétique du chaos... Voilà qui résume assez bien le travail d’Arnaud Liard. Attentif à ce qui l’entoure, l’artiste s’intéresse au hasard de la destruction, à l’aléatoire des architectures meurtries par les bulldozers. Lorsque des murs abattus surgissent les fers à béton, tels des plantes invasives survivant à la démolition. Aux paysages déstructurés que lui évoquent ces trottoirs de goudron maintes fois rapiécés, aux textures des vieux murs ridés qui peuplent nos villes, de tout cela, Arnaud Liard se nourrit pour le retranscrire avec ses mots, avec ses gestes. En écho à l’art des estampes japonaises, les masses de ciment qui structurent ses compositions dessinent alors de nouveaux horizons.
Liard – 2019 Acrilyque sur toile. 73x54 cm 1.900 euros
Benjamin Laading Benjamin Laading né en 1982 en Norvège. Après dix ans de peinture alternative, il est reçu à la Villa Arson, l'école des Beaux-Arts de Nice, d'où il sort diplômé en 2008. Il expose dès 2009 à Paris, Berlin, Bruxelles, Marrakech... Benjamin Laading s’intéresse à la bombe de peinture aérosol en tant qu’outil artistique. Cet outil moderne offre la possibilité de décoller du support vers l’infini... La sensibilité de son souffle matérialise le mouvement du corps dans l’espace, et cette spatialité se traduit par une densité de pigments, allant de la brume à la vague. C’est la distance entre le peintre et son support, la rapidité de son mouvement, qui définissent les « traits » de sa personnalité. Cet outil n’invite pas seulement à peindre avec le corps, il est aussi lié directement à un phénomène d’expression libre et spontané à l’extérieur des cadres et des conventions. Le changement d’espace de l’extérieur dans son état sauvage vers l’intérieur dans le système des galeries, implique naturellement une mutation, une synthétisation : privée de sa liberté, sous quelle forme peut-on regarder cette peinture ?
Benjamin Laading / Sérigraphie VAO par Signée numérotée sur 100 exemplaires 50x70 cm - 2020 120 € Disponible en ligne sur https://www.galerie-atdown.com/fr/artiste/33-vao
Benjamin Laading – Tracé volume sur lignes nettes - 2020 Encre et acrylique sur ensemble de 9 toiles de lin – format final 150x150 cm 3.600 €
> détail
BIBI Jérémy Vatutin connu sous le nom de “Bibi” vit et travaille à Paris. Il est couvreur de métier suite à sa formation chez les compagnons du devoir. Inspiré par l’art optique et cinétique il cherche à donner du volume et du mouvement à des matières ou surfaces planes, inertes et délaissées. pour ses créations il utilise principalement le zinc et le plomb, qu’il récupère sur les toits de Paris. Ces vieux métaux à la patine grise/bleue sont l’empreinte climatique et temporelle de notre ville. associés au techniques de peintures développées dans la rue comme le tag, la rayure, le pochoir, l’acide,.. ils lui permettent de parler de la relation entre l’art et l’artisanat.
BIBI - VAO #3 - 2020 Trilogy Of Ancient Zinc 95 cm x 95 cm 2.200 €
L’ATLAS & BIBI / Iron Heart – 95 x 101 cm - Acrylique et assemblage sur métal. 7.100 euros
Clyde Knowland L’ expression artistique de Clyde Knowland s’articule autour du déplacement, autant physique qu’intellectuel, vers un ailleurs inconnu. Une mouvance parfois déséquilibrante figurant dans ses œuvres et dans lesquelles l’artiste ajoute des extraits, des particules d’images urbaines entraperçus lors de ses pérégrinations. Chez lui, la mobilité est intrinsèquement liée au voyage ; elle demeure une manière de relier travail artistique et expériences personnelles. L’expérience du voyage, le déplacement et l’observation sont au cœur des peintures de l’artiste. Dans ces œuvres exubérantes, les formes s’enchevêtrent et se mêlent à des fragments d’images directement tirées de l’ énergie urbaine, entre abstraction et réalité. Après s’être rendu à Tokyo, Pekin, Shanghaï et New York, villes qui correspondent en tout point à son attention d’alors et en quête d’éléments picturaux singuliers, il découvre un langage formel (panneaux, idéogrammes chinois, etc.) original et différent du modèle occidental. De ces voyages naît le travail artistique de l’artiste. Une œuvre visionnaire et unique qui allie toutes les pratiques techniques afin de représenter la réalité dans sa globalité.
Clyde - 2020 Acrylic on Canvas 80 cm x 80 cm 2.400€
Flavien Demarigny Flavien Demarigny, né en 1969 au Chili, de père français et de mère hongroise, est un artiste chilien qui vit et travaille actuellement à Los Angeles, en Californie. Demarigny travaille également sous le nom de Mambo, bien que ses peintures abstraites soient créées sous son prénom, Flavien. Demarigny utilise l’humanité comme source d’inspiration pour ses œuvres. Il est fasciné par la capacité de l'homme à créer la beauté et le chaos, mais notre incapacité totale à contrôler les deux. Demarigny voit l'humanité comme une machine implacable, poussant sans conteste vers la destruction ultime. Sa seule véritable source d'espoir réside dans le pouvoir régénérateur de la nature pour continuer à produire de la beauté. Demarigny travaille avec un concept simple: le coup de pinceau vertical. De ce point de conception, il modifie la texture, la couleur et le geste du coup de pinceau. Le concept s'inspire de ses années passées en tant qu'assistant de studio pour Sol Lewitt, où il a appris sa technique et son processus innovant. Demarigny explore la notion de mondain à travers ce processus répétitif, mais il y a une beauté indéniable à l'inattendu et la spontanéité du médium qui est souvent imprévisible.
Flavien Demarigny / BETWEEN THE SHEETS - 2017 Acrylic on Canvas 90 cm x 90 cm 5.000 €
Franck Noto Franck Noto, plus connu sous le pseudonyme de Zest, est un artiste français né à Montpellier. Issu d’une famille sensible à la peinture, il découvre l’art du graffiti et des tags en 1995, alors qu’il n’a même pas quinze ans, et se prend très vite au jeu. Désormais peintre abstrait, son style demeure très urbain. Le travail de Zest synthétise ses différences influences. Il est structuré par des éléments clés, récurrents tout au long de son oeuvre, qui sont les couleurs vives et fluorescentes, et le corps des femmes. Les courbes sensuelles de ces dernières contrastent avec le cubisme des formes et des lettres et se perdent dans un labyrinthe pictural, où la suggestion l’emporte sur la représentation. Zest revisite les codes classiques du graffiti, s’affranchissant des conventions et des règles préalablement établies. Il mélange les styles et les techniques, en utilisant aussi bien le pinceau que la bombe en spray, le marqueur et le rouleau. Avec son équipe TDM, il est à l’origine de fresques hautes en couleur présentes dans les principales capitales européennes, mais également à New York et à Nouméa.
Franck Noto / F60UT - Aérosol et acrylique sur toile 130x97 cm 2020 6.300 euros
Franck Noto / 120 - Aérosol et acrylique sur toile 2020 120x120 cm 7.300 euros
Jean Faucheur Il est considéré comme une figure importante de l’art urbain grâce à son talent de pionnier, son goût de la rupture et son sens aigu du partage. Armé d’une solide éducation classique, il a rapidement acquis l’intuition fertile que les murs des musées doivent être démolis et leur donner un ciel pour un toit. Depuis 1983, il couvre des panneaux d’affichage dans ses propres peintures pour en améliorer la fonction et présenter ses œuvres au public, à leur grande surprise. C’est ainsi que JF a donné à la rue, « la Rue », près de 120 œuvres d’art de 3x4 mètres. Au cours de la même année, il fonde également « Les Freres Ripoulin » avec d’autres artistes avec lesquels il partage sa technique. Puis une invitation à exposer ses œuvres dans les rues de New York vient de la Tony Shafrazy Gallery, célèbre maison d’œuvres de Keith Haring, Futura 2000 et Basquiat. Au cours des 15 années suivantes, cet innovateur se consacre à la sculpture, à la peinture et à la photographie. Ce n’est qu’en 2002 , après sa rencontre avec l’artiste Thom Thom, que JF renoue avec la scène du street art. Le moment fort a été sa cofondation de « Le M.U.R. », la première association du genre.
Jean Faucheur / LA CHUTTE #6 - 2020 Collage et acrylique sur toile 73 cm x 54 cm 900 €
Jérôme G Demuth Il arrive à Paris en 2000, rencontre Antonio Gallego, Jean Faucheur, et s'installe à «La Forge». Sur les conseils de Mambo, il redécouvre chez le reprographe Otrad Services une technique Bauhaus d'impression photographique sur tireuse de plan d'architecte. Ainsi, il colle en 2002 les toutes premières photographies grand format dans les rues de Paris. Il travaille avec le 9eme concept lors des événements le Labyrinthe et Sang Neuf. Membre du collectif Akrylonumerik sur les performances du festival Kosmopolite de Bagnolet, au 104 et à Herne (All.) Artiste n°6 du Mur Oberkampf / Paris En 2017 il organise un "ready-take"; en hommage à Marcel Duchamp. Un jeu de piste dans Paris avec l'objectif de trouver et de voler une roue de bicyclette V2.0 qu'il produit depuis. En 2020, il devient un des artistes du 9éme concept suite à sa performance Scratch Paper organisée à Fluctuart pour les 30 ans du collectif. Membre du mouvement Play Art, n'affichant aucune posture esthétique, il est connu pour ses performances «Inside Riots» et «Swing the city».
G - PHOTOROLLS_V - 2020 Impression photos sur adhésifs marouflés sur mandrins enchâssés dans un cadre de sérigraphie 92 cm x 122 cm 6.400 €
G – Fire paper Horizon 1 Paris 2020 – 30x42 cm Papier sur panneau bois. 250 €
G – Sérigraphie « -100% » Encre fluo mat / noir brillante sur papier Fedrigoni glossy 21x15 cm signée numérotée sur 20 exemplaires 60 euros Disponible en ligne sur https://www.galerie-atdown.com/fr/artiste/33-vao
Jonone Artiste, graffeur et peintre, John Andrew Perello, plus connu sous le nom de JonOne, est né à New York en 1963. Il commence à taguer dans les rues de Harlem à 17 ans, ornant murs et trains de métros de ses lettrages et de son blaze d'alors : « Jon156 » (le numéro de sa rue, qu?il va ensuite abandonner au profit de « JonOne »). « Le métro c'est un musée qui traverse la ville », dit-il, reconnaissant l'influence qu'a eu la découverte des graffs fusant sur les rails et marquant la ville d?une trainée colorée. C'est sa rencontre avec A-One (alias Anthony Clark), ami de Jean-Michel Basquiat, au tournant des années 1980, qui va pour toujours définir son statut d'artiste : « A-One était le lien entre la rue et le monde de l'art. Il voyageait en Europe et revenait avec beaucoup d'argent, simplement grâce à son art. J'écoutais ses récits de voyage et mes yeux brillaient d'envie. À cette époque à New York, j?étais comme beaucoup aujourd'hui : je traînais devant mon immeuble. En ces temps, moi non plus je ne sortais pas de mon quartier. Grâce à A-One, j'ai commencé à visiter des expositions, à nourrir ma vision de ce qui se passait dans ce monde. J'ai commencé à prendre mon travail au sérieux, à ne pas le considérer comme du vandalisme mais simplement comme de l'art. »
JONONE X L'ATLAS / NAMES 18 - 2017 Acrylic on Canvas 220 cm x 110 cm 27.000 €
Katre Katre s’intéresse depuis ses jeunes années à la bande dessinée, à la photographie et au dessin. Au début des année 1990, il découvre le graffiti et se passionne pour cette pratique lui permettant de s’exprimer en extérieur et d’exploiter toutes sortes de surfaces. Entre 1998 et 2005, il s’implique dans le milieu associatif avec l’association « Steus » et ses activités oscillent entre la réalisation de fresques et l’animation d’ateliers graffiti. Intrigué par les terrains vagues et les espaces à l’abandon, il consacre sa maîtrise d’art plastique en 2003 à la piscine Molitor à Paris. En 2005, il poursuit ses recherches en signant le livre « Hors du temps » (ed Colorszoo) regroupant une cinquantaine d’artistes urbains évoluant dans des lieux désaffectés. Sa passion l’amène à arpenter les routes à la recherche de ces friches industrielles tout en continuant à peindre les murs parisiens. En 2012 il sort un deuxième livre : « Hors du temps 2 » (ed P yramyd) qui s’annonce comme une nouvelle référence dans le milieu du street art français.
Katre / graphiK 11 - 40x60cm -2020Impression, acrylique et aérosols sur plaque d'aluminium brossé (+ caisse us en bois / noir) 2000 euros
Katre / GraphiK 13 60x40cm - 2020 Impression, acrylique et aérosols sur plaque d'aluminium brossé (+ caisse us en bois / noir) 2000 euros
Katre / GraphiK 09 60x40cm - 2020 Impression, acrylique et aérosols sur plaque d'aluminium brossé (+ caisse us en bois / noir) 2000 euros
Katre / GraphiK 05 - 60x90cm – 2020 impression, acrylique et aérosols sur plaque d'aluminium brossé (+ caisse us en bois / noir) 3700 euros
Katre / Epinal Lignes - 50x70cm – 2020 impression, acrylique et aérosols sur plaque d'aluminium brossé (+ caisse us en bois ) 3500 euros
L’Atlas L’artiste français Jules Dedet Granel, dit L’Atlas, né en 1978, trouve par ses recherches autour de l’écriture le point de départ de son travail plastique et pictural. Il a étudié la calligraphie dans plusieurs pays et cultures et crée ainsi ses propres typographies originales. Il est particulièrement attiré par l’idée de créer un langage pictural universel, qui soit un juste équilibre entre la forme et la lettre, entre l’acte et l’intention. Jeu de variations infinies, affleurant et s’éloignant de l’art optique et des différents mouvements de l’art abstrait et géométrique. Dans les années 1990, il agit radicalement dans l’espace public, se faisant connaître dans le champ du graffiti. Depuis les années 2000 il développe un travail d’atelier et expose ses œuvres dans des galeries d’art urbain contemporain.
L’ATLAS / Let Me Alone – 100 x 100 cm - Acrylique et aérosol sur toile. Vendue encadrée en caisse américaine noire. 7.200 euros
L’ATLAS / Just after the week-end – 120 x 120 cm - Acrylique et aérosol sur toile. Vendue encadrée en caisse américaine noire. 9.500 euros
Lek
Artiste issu de la scène graffiti parisienne, Lek développe un style nourri par ses années d’études d’architecture dont le lettrage, l’abstraction et le futurisme signent son travail. Influencé par le style Bauhaus, Lek réinvente, casse les codes classiques et fait naitre des œuvres d’une forme de chaos. Le travail de l’artiste, dont la déconstruction serait le guide, voit naitre des formes inédites comme autant de directions ou de structures à la fois rigides et éphémères. Toujours à la recherche de lieux d’envergure, Lek s’exprime en prenant en compte les contraintes de l’espace pour créer une dynamique nouvelle et inattendue qui dialogue avec l’environnement.
LEK - SANS TITRE - 2020 Acrylic on Canvas 60 cm x 50 cm VENDUE
Luke Newton Avez-vous déjà porté attention aux petites choses de la vie quotidienne? Elles sont merveilleuses si vous prenez le temps de les apprécier… » Luke Newton, le jeune artiste britannique diplômé de l’école Saint Martins, partage ses vues sur la société contemporaine à travers ses œuvres inspirées par les petites choses de la vie quotidienne. Transformant les iPod en armes défensives, cachant des images emblématiques dans les codes QR et alignant des autocollants rouges symboliques sur la toile, Luke Newton accumule les choses les plus banales de sa vie quotidienne et l’interprète de manière subversive. Ses œuvres sont le reflet d’une société dans laquelle il croit que tout le monde essaie de renouveler et de créer dans les limites de la routine.. L’interprétation de Luke Newton est dure et toujours avec l’humour britannique. Ses œuvres sont capables de stimuler l’imagination du public en les amenant dans une dimension de dérision et de gravité.
Luke Newton / COMPOSITION 3 - 2020 Pencils 104 cm x 104 cm 4.500 €
Lenz Artiste toulousain, né en 1978 Art enjoué ou art de jouer… Les bricks graffiti de Lenz nous replongent dans notre enfance. Les blocs colorés se connectent les uns aux autres avec une musicalité rayonnante et dansante qui s’assimile facilement à la culture street. On apprécie la netteté de cet objet en tant que tel, avec ses angles droits et ses formes caractéristiques. Selon la distance et l’angle de vue, il offre de nouvelles perspectives, comme des courbes. Il nous invite dans un monde familier et tendance, aux lignes géométriques induites par le matériau de départ, la brique de construction LEGO ®, l’un des jouets les plus connus au monde Les œuvres de Lenz se caractérisent par un intérêt pour les objets ordinaires, l’ironie, ainsi que par la confiance en la puissance des images. Elles prennent appui sur la culture populaire contemporaine en citant un jouet propre à la société de consommation, ultra-stéréotypé avec ses petits personnages figés dans la forme et la couleur jaune de leur visage.
LENZ / LINE - 2020 Assembly Of Lego On Wooden Board 90 cm x 90 cm 2.300 €
Le Module de Zeer Mehdi Cibille Né en 1976 en banlieue parisienne, à Sartrouville, il vit et travaille actuellement à Aixen-Provence Mehdi Cibille explore depuis le début des année 2000 l’élasticité visuelle et graphique d’une forme, quatre sphères reliées les unes aux autres par de petites rotules. Cet objet réticulaire tracé en noir, d’un trait épais qui délimite et contient, est le Module de Zeer, pour Zone expérimentale d’expression relative. Multipliant, étirant, isolant, condensant, déformant à l’envi cette forme, la mettant à l’épreuve de multiples espaces, supports et échelles, Mehdi Cibille interroge tout autant la permanence plastique que la perpétuelle évolution d’un logo devenu logos, à la fois raison d’être et élément d’un discours visuel. Ici, une seule lettre tient lieu d’alphabet. Elle permet à Mehdi Cibille de créer un univers plastique et métaphysique, de mettre en jeu, comme acteur et spectateur, l’autonomisation de la forme artistique. Dans une exploration qui vise à créer un univers homogène, à partir d’autoréférences formelles qui se nourrissent d’elles-mêmes jusqu’à devenir des entités autonomes, Mehdi Cibille devient « artisan » du Module de Zeer.
Le Module de Zeer / HEY !! Y'A ENCORE DES COULURES - 2020 Acrylique sur toile ronde 100 cm x 100 cm 4.500 €
Momies Momies arrive sur la scène du Graffiti montpelliérain en 1993. Son travail sur murs est alors très inspiré du Graffiti classique New Yorkais. De nombreux voyages interails vers l'Europe de l'Est et les Etats Unis vont alors multiplier ses influences. De ces voyages, il reviendra en affirmant son style notamment dans les "Modules", travail très personnel de tracés industriels tout en rondeurs et couleurs, aussi très adapté aux contraintes de rapidité des actions interails. Il investit alors des zones industrielles désaffectées, leur insufflant une seconde vie en les habillant de ses fameux "Modules" dynamiques et colorés. De nouveaux voyages, vers les Iles et notamment la Nouvelle Calédonie vont encore enrichir son travail. En atelier, sur toile, Momies propose un travail de la lettre, unique et immédiatement identifiable. Les couleurs, dynamiques et éclatantes, dégoulinent avec force et sont néanmoins emplies de minutieux détails. Ses Modules, quant à eux, se présentent élégamment, éclatent, explosent et s’'entremêlent dans un fascinant mélange de couleurs et de textures. Toutes ces formes typographiques que Momies imagine et malaxe avec vigueur donne à son travail ce style fluide et dynamique qui nous séduit.
Momies / Sans titre 2 - 2019 Acrylic on Canvas 90 cm x 90 cm 1.600 €
Nasty NASTY est une référence incontournable du graffiti parisien. Il commence en 1988 et se distingue rapidement en peignant des fresques en couleur sur les métros. Après avoir rejoint le collectif AEC (Artiste en Cavale) en 1990, c'est en 1992 qu'il expose pour la première fois à Paris et entame ainsi le réel développement de son art. Son nom apparaît dans les tunnels du métro, sur les quais de Seine et le long des voies ferrées. Parallèlement, il a participé à de nombreux projets publicitaires (1664, Mercedes, Bnp Paribas, Burn, Bic, Nestlé…) ou encore dans l'univers des “artoys": Kidrobot et Toy2R à Hong-Kong. Dans ses expositions, Nasty met en scène les fameuses plaques en émail du métro parisien dont il s'empare depuis une quinzaine d'années. Il utilise aussi les plans du métro et perpétue ainsi l'esprit originel du graffiti. Ses plaques remportent un véritable succès lors des ventes aux enchères consacrées à l'art urbain (Artcurial, Drouot…) Enfin, Arte lui a consacré un documentaire en 2009.
L’ATLAS & NASTY / Bad Boy In Motion 75 x 100 cm - Acrylique et aérosol sur toile. Vendue encadrée en caisse américaine noire. VENDUE
L’ATLAS & NASTY / Never follow The Map – 80 x 120 cm - Acrylique et aérosol sur toile. Vendue encadrée en caisse américaine noire. 7.200 euros
Nasty – Instagraf 3 – 150 x 150 cm Ensemble de 9 toiles de 50x50 cm chacune. 6.800 euros
Nasty / Défense de fumer Aérosol et acrylique sur plaque émaillée de métro parisien. 45 x 25 cm 2.000 euros
Parole Né en 1982, vit et travaille à Bruxelles, Belgique. Peintre, performeur et sculpteur, autodidacte issu du graffiti, PAROLE est un artiste qui refuse l’assignation des pratiques, des étiquettes, l’enfermement dans la posture d’expert ou de spécialiste. Il s’attache à la distorsion des signes, la phonétique et les mots, son travail est multiple, au carrefour des cultures, de savoir-faire et d’outils différents, au service d’une œuvre qui gravite toujours autour de l’écriture. PAROLE jaillit de manière spontanée du vide de la feuille, produit imprévisible de ses émotions et de l’entrechoquement des lettres qui machinent de la nouveauté. Ce travail peut se déchiffrer comme une musique visuelle avec ses rythmes propres, ses symétries et ses silences. Les écritures spontanées qu’il développe ne peuvent être dissociées de ses flâneries urbaines et de ses divagations graphiques. Grâce à des enjeux toujours plus importants, il élève son graffiti au niveau de l’imagination et de la poésie, à michemin entre la calligraphie et le logogramme.
Parole / Marcher pieds nus sur la terre- 2020 Acrylic on Linen Canvas 100 cm x 100 cm 2.800 €
Polar Plus tôt, dans les années 2000 à 2010, il rythmait encore sa vie par les sorties graffiti et les études. Au rythme vif et à l’allure séduisante, la peinture de Polar s’inscrit dans un univers qui lui est propre. Il réussit à finement marier son sens de l’observation et son instinct artistique, nous offrant alors son interprétation du monde qui nous entoure. Après des débuts dans l’art urbain, c’est naturellement et progressivement que son trait évolue vers l’abstraction, s’attelant à une expression plus subtile, à la recherche de moyens simples, presque épurés de transmettre les différentes émotions qu’il désire susciter. Les couleurs ne l’ont pour autant jamais quitté, et son œil aujourd’hui aiguisé sait savamment en associer les nuances, afin de faire voyager quiconque s’aventure à poser son regard sur l’une de ses œuvres. L’aventure et le voyage donc, termes adaptés à la peinture mais aussi à la vie de Polar, qui a lui- même parcouru une partie du globe, récoltant saveurs, couleurs et ressentis, dont il témoigne au moyen de son pinceau. Au-delà de l’association de couleurs, c’est d’association tout court dont on peut parler : loin de s’en tenir à l’aspect esthétique, Polar est en constante recherche d’équilibre au sein de son oeuvre.
Polar / Twilight - Acrylique et feuille d’or sur toile 92 x 73 cm 3.000 €
Popay Juan-Pablo “POPAY” de Ayguavives vit et travaille à Paris. Renouvelant les canons -américains- du graffiti Hip-Hop sous diverses influences (Bande-dessinée, Figuration Libre ou Art Moderne…), Popay, tagger virtuose, maître es-calligraphie, est un des premiers artistes européens à avoir renouvelé le genre en agrémentant ses fresques de personnages picaresques, de paysages prolifiques et de ‘Freestyles’ fiévreux, abstractions lyriques et organiques d’une grande force et d’une réelle variété chromatique. C’est alors déjà un ‘ writer ’ et coloriste hors-pair dans ce mouvement émergent en marge du marché de l’art, qui ne se fait pas encore appeler ‘Street Art’. En termes de médium, Popay diversifie très tôt son activité plastique, au tournant du virage numérique, ne se cantonnant pas à la rue, ne se contentant pas des outils traditionnels, aérosol et marqueur. Il produit une multitude d’œuvres sur toile, mais aussi d’illustrations, dans des domaines très variés: fanzines, flyers, affiches, pochettes de disque, publicités, bandes-dessinées. Il s’initie également à l’infographie, au compositing et aux effets-spéciaux cinématographiques.
POPAY / CLOUD ATTACK - 2020 Acrylic on Canvas 100 cm x 100 cm 4.100 €
Psyckoze Psyckoze débute dans le monde du graffiti fin 1984, à l'âge de 15 ans. À cette époque, cette culture ne représente qu'une quinzaine de personnes en France. Il commence par taguer 'Acro. Il adopte ensuite le pseudonyme Psychose en 1987, en résonance aux attentats perpétrés à Paris par Action Directe, qui deviendra définitivement Psyckoze par la suite. Pendant quinze ans, Psyckoze va poursuivre sa quête identitaire afin de se faire reconnaître dans le microcosme du graffiti en renouvelant son style. Des palissades du Louvre à la Bastille en passant par les quais de Seine, il réalise des graffs dans les endroits les plus étonnants, cherchant surtout à surprendre. Il fait des graffs en couleur dans les tunnels du métro. C'est dans ce contexte qu'il rencontre Colt, qui sera un élément déterminant dans l'évolution de son style. Psyckoze développe aujourd'hui en parallèle son travail en atelier et dans la rue qui sont pour lui indissociables. Le Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée de Marseille a acquis plusieurs de ses œuvres.
Psyckoze / CHRONOS - 2020 Spray on Canvas 100 cm x 80 cm 5.000 €
Rafael Sliks Rafael Sliks s'est fait connaître par la pratique du pixacao avant de se mettre au graffiti. Difficile d'oublier le nom de celui qui a recouvert les murs de Sao Paulo de tags et dont la signature est aujourd'hui la matière première de ses toiles. Disposées librement et bientôt confondues, les écritures de son nom donnent naissance à des compositions agitées, parfois chaotiques. Les lettres de « Silks » forment un entrelacs indémêlable. La répétition crée l'unité, et les nœuds de peinture à la bombe donnent l'impression de former des paysages abstraits. Ses peintures sont le fruit d'un procédé calligraphique qui semble infini, mais qui se renouvelle sans cesse. Et, à force d'amoncellements de lettres, la toile et le mur disparaissent. Rafael Sliks transforme les surfaces planes en des espaces profonds où le regard se perd. En défiant ainsi le motif et la matière, ses fresques nous poussent à questionner le pouvoir des murs. La revendication sociale se devine, parce que c'est elle qui, toujours, motive la création…
Rafael SLIKS / SILENCE PRINT - 2020 Sérigraphie signée 79 cm x 61 cm 600 € Disponible en ligne sur https://www.galerie-atdown.com/fr/artiste/32-rafael-sliks
Rafael SLIKS - SPECTRUM BLUE - 2020 Oil on Canvas 120 cm x 120 cm 5.300 €
Rafael SLIKS - ROUGE ÂMAGO - 2020 Oil on Canvas 150 cm x 120 cm 5.900 €
L’ATLAS & Rafael SLIKS / The Firework Flow – 120 x 100 cm - Acrylique et aérosol sur toile. Vendue encadrée en caisse américaine noire. 8.400 euros
Remi Rough Né en 197 1 et basée à Londres, Remi Rough est l'un des principaux artistes "post-graffiti" du RoyaumeUni. Remi Rough a commencé comme graffeur "old school", en peingnant des lettres sur les murs publics et les trains dans le sud de Londres en 1984. Aujourd´hui, l'artiste est passé des murs à la toile et expose régulièrement en galerie. Remi Rough a eu une évolution artistique impressionnate au cours des trente dernières années. L'artiste a brillamment réussi à harmoniser la peinture à l'extérieur et en atelier sans perdre son style. Remi Rough travaille toujours dans la rue et utilise non seulement des bombes de peinture, mais aussi des pinceaux pour créer des pièces sur papier, bois et toile.
Remi Rough /
Remi Rough /
ECCENTRICITY 2 - 2020 Ink on Handmade
ECCENTRICITY 3 - 2020 Ink on Handmade
Paper 42 cm x 30 cm
Paper 42 cm x 30 cm
1.600 €
1.600 €
Renzo Vandal à l'origine, Renzo est un pur produit du graffiti parisien qui ne cesse de le façonner. Après avoir fait ses gammes à l'Ecole Estienne, il continue à explorer la typographie sous toutes ses formes. La lettre devient rapidement l'élément structurant autour duquel son travail s'articule. Ses recherches s'orientent alors vers une écriture capable de faire dialoguer les formes typographiques et l'esprit du graffiti qui ne pose pas de limites quand à la distorsion des lettres. Il s'inscrit dans le mouvement de la calligraffiti auquel il fusionne l'art optique afin de crypter son écriture et venir flirter avec l'abstraction. A la manière d'un graveur lapidaire, il découpe ses lettres à partir de leurs ossatures. Des variations d'ombres et de lumières suggèrent la structure de la lettre. L'oeil est sollicité, à lui de décrypter le message.
Renzo / 2020 We are one aerosol sur toile 120x90 cm 1.800 euros
Salim Zoo J’ai rencontré Salim en 2003 à la Forge de Belleville dans le XXe arrondissement de Paris. Il avait alors 9 ou 10 ans et le chantier de la rue Ramponeau était un de ses lieux de passage. L’immeuble où il habite, avec sa famille, surplombe ce chantier ; de la fenêtre de sa chambre il peut observer un large périmètre et descendre dés que quelque chose se passe aux alentours. Petit à petit, il s’est infiltré dans mon atelier, prétextant avoir besoin d’une bombe de peinture pour repeindre son vélo ou d’une clé pour resserrer ses freins. Très vite, Salim est devenu un ami ; il venait nous retrouver dans l’usine où nous peignions à cette époque avec Tanc, Yaze, Sunset et Babou. Il observait nos techniques et faisait des remarques, puis il s’est mis à récupérer et à peindre les toiles qui traînaient, parfois seulement commencées puis abandonnées. C’est ainsi que tous nos petits tableaux, principalement les miens et ceux de Tanc, furent, au fil des ans, recyclés. Peut-être sur mon exemple, un mot revient inlassablement sur ses toiles : « Zoo », référence à l’appellation populaire du quartier (« Belleville Zoo », en référence au morceau « Brooklyn Zoo » du groupe Wu Tang Clan). Parfois, Salim ramassait dans la rue un morceau de bois ou de plexyglas et le rapportait à l’atelier pour le peindre. Il me demandait toujours à quelle heure j’arriverais le lendemain à l’atelier, il me guettait par la fenêtre, descendait quand j’arrivais, et peignait jusqu’à mon départ. J’ai écrit ces lignes au passé mais, aujourd’hui encore, rien n’a changé. L'Atlas
Salim Zoo x TANC - Aérosol sur toile 73x54 cm 4.000 €
Simek SIMEK aka Christos Tzaferos. Artiste visuel et graphiste basé à Athènes, en Grèce. Son travail comprend des peintures murales publiques et intérieures, des peintures sur toiles, papiers, bois, design d’intérieur, sculptures, métaux et installations. Il combine presque toujours son travail avec l’architecture de l’espace et des matériaux. Il aime utiliser le noir et blanc et la couleur naturelle de la surface ou du matériau avec lequel il travaille, mais il aime aussi utiliser les couleurs. Il allie géométrie, art abstrait, architecture, graphisme, création de compositions géométriques, motifs et motifs. En tant que graphiste, il est principalement impliqué dans la conception de logos, de vêtements et de pochettes pour albums et livres de musique. Né en 1985 en Grèce. Il expérimente le graffiti et le street art depuis le début de l’année 2000. Il a étudié le graphisme à Athènes. Il a commencé à peindre et à photographier en 2009 tout en travaillant comme graphiste indépendant, artiste visuel. Son travail a été montré dans de nombreuses expositions- participations partout dans le monde.
Simek / UNTILTED #4 - 2020 Acrylic on Wood 70 cm x 70 cm 2.000 €
Tanc Né en 1979 à Paris. Tanc vit et travaille à Paris. Tanc a déjà exposé à travers le monde. Ce qui le caractérise, c’est l’unicité de son style, une caractéristique qu’on comprend plus quand on apprend que Tanc a grandi avec le graffiti. Il considère que l’art de la rue est éphémère et que l’action est plus importante que le résultat. Pour lui «artiste est un mode de vie», l’investissement doit être total et l’intégrité absolue. Au début des années 2000, il se concentre sur un travail d’atelier et se démarque tout de suite des graffeurs traditionnels par son travail basé sur le trait. Une recherche sur la synthèse. D’abord de son nom, puis de celle des tags en général, puis des personnes, de la musique, et pour finir de son sujet préféré : la vie. Essentiellement basé sur le trait, son travail ne cherche pas à être parfait mais plutôt spontané. C’est l’état dans lequel il est qui va définir sa densité et sa rigueur. Son rythme cardiaque actionne son bras à la manière d’un métronome, il ne doit pas essayer de contrôler ce flux mais juste de comprendre la composition qu’il fait apparaître en équilibre entre son conscient et son inconscient. Il compose sa musique et ses toiles d’une manière spontanée.
Tanc / Wall - Aérosol sur papier déchiré marouflé sur toile. 162x130 cm 12.500 euros
Triptyque 2020 – TANC Aérosol sur papier déchiré marouflé sur toile, Encadrée en caisse américaine noire. 3 x (57 x 57) cm 5000 euros
Teurk Teurk (VAD / VAO / 1984) est un artiste d'art contemporain, plasticien français née en 1976. Il vit et travaille dans le Grand Paris. Issu de la génération de graffeurs des années 90, l'âge d'or du hip-hop, ses graffitis, instinctifs et rapides, s'inspirent souvent des matières naturelles, tels que les pierres, les fluides, l'organique ou encore l'écorce de végétaux. Qualifiant encore ses premières armes comme celles d'un vandale, il agit radicalement dans l'espace public et se fait connaître en allant bomber dans des lieux en conflit (Bosnie, Liban, Palestine...) Aujourd'hui Teurk observe la société actuelle, soumise à une surveillance continue et dévorée par une volonté de contrôle absolu. Fidèle en cela à l'esprit du graffiti, il ne dissocie pas sa pratique artistique de sa vie elle-même et organise des îlots de résistance artistique propices à une pratique polymorphe de l’art. Son atelier se trouve en Zone d'Autonomie Temporaire, au cœur d'un terrain de jeu, d'aventures et de créations qui semble avoir miraculeusement échappé au contrôle et à l'ordonnancement cartographique de Paris.
Bibi x Teurk / « Béton hurlant » parpaing béton. 50x20x20 cm 1.600 €
Teurk / Grinder Engraving and Painting on Varnished Steel 93 cm x 75 cm 3.500 â‚Ź
Valérie Newland Vao est mon surnom, donné par une amie brésilienne. Avant de les connaître. Vao est le nom d'une tribu lointaine, des îles où je suis née en Nouvelle Calédonie. Le fil continu. A Paris, art et amitié à ma sortie des Beaux Arts de la Ville Paris XIIIe, se désigne avec le Crew VAO. Nous partageons le goût de la peinture, l'effervescence du groupe, des journées, des nuits à peindre. Mon life style est d'être artiste, eux aussi. L'histoire de l'art le retiendra. Aujourd'hui, je cultive ma dichotomie plastique par la peinture et la sculpture. Je porte mon attention sur l'archéologie de la peinture, la structure ( le châssis ) et la toile ( le fil ). La poésie des couleurs et la lumière se joignent à ces répétitions, planes ou en volumes. Et quand la ligne, le corps et la matière ne font qu'un. C'est à cet instant du ressentir que s'élabore une topologie plastique.
Valérie Newland / STRUCTURE Bleue - 2020 acrylic threads and paint on canvas 50 cm x 50 cm 1.500 €
Valérie Newland / STRUCTURE Bleue - 2020 Threads on Glass Plate and Wood 100 cm x 100 cm 2.500 €
Ygrek Laissant sa trace sur les murs de Genève depuis la fin des années 90, YGREK n’a jamais cessé d’être actif, sous différents noms et en variant les styles. Il commence par beaucoup de sketches et quelques tags, puis des flops, des chromes, et finalement des gros block letters. Puis, vers 2010, arrive une période plus calme où il peint principalement en terrain. Ainsi, après avoir testé la quasi totalité des plaisirs du graffiti conventionnel, il cherche maintenant à créer sa propre approche, qui lui permettra de vraiment se démarquer. C’est en parallèle de son Master en design qu’il fait radicalement évoluer sa pratique. Au revoir les murs et les sprays, bonjour les grillages et le scotch. Il utilise à présent ces grilles comme des surfaces de pixels qu’il customise à sa guise avec de larges bandes de scotch. Ainsi, il fait apparaître sur les clôtures une nouvelle forme de "typograffiti", se caractérisant par des lettres constituées de bandes de scotch à 45°. Non seulement cette nouvelle technique le rend bien plus visible, mais les risques sont aussi largement diminués, voir nuls. En effet, il ne cause pas de réel dommage. Et qui pourra lui reprocher que les grillages étaient plus beaux avant ses interventions spontanées?
YGREK : AVANCE / RECULE (2020) Technique: Peinture aérosol (noir + blanc phosphorescent) sur skateboard Dimensions: 81 x 21cm Prix: 800 €
Wxyz Wxyz est né à Paris en 1980. Sa mère décide, quelques années après sa naissance, de reprendre les études pour devenir professeur d’Arts plastiques. Il doit donc son éveil artistique à cette entreprise courageuse de reconversion et à l’ observation des inscriptions murales de son quartier, Belleville. Sa curiosité se portera davantage sur l’envahissement de pseudonymes cryptés des années 80 que sur les pochoirs pourtant très présents aux alentours de son bâtiment, aujourd’hui le 3 rue de Tourtille. Il s'amuse aujourd’hui à transformer les lettres et recherche de nouvelles façons de dessiner les quatre dernières lettres avec, comme il aime dire aux enfants, "toutes les couleurs de l'alphabet". Dans ces œuvres, la lettre n'est plus au service d’ un pseudonyme, elle sert de prétexte à l’exploration de couleurs et de formes, de squelette à l‘abstraction.
Wxyz / SIGNATURE 8 - 2020 Acrylic on Wood 42 cm x 63 cm 2.000 €
GALERIE AT DOWN 20 rue du plan de l'olivier 34000 Montpellier FRANCE Ouvert de 13h Ă 19h du mardi au samedi 04.67.542.632 ou 06.27.32.81.01 philippe@galerie-atdown.com www.facebook.com/galerieatdown www.galerie-atdown.com