GALERIE DU DAUPHIN
30 Place Sainte Catherine, HONFLEUR
PAUL BECKRICH
CODERCH & MALAVIA
MARIO MATERA
MARC PELTZER
TOM PORTA
ANDREA ROGGI
PIERRE-YVES RUSSO
PAUL BECKRICH
Paul Beckrich est un artiste français né en 1955. Il découvre sa vocation lors d’un stage de tournage et d’émaillage à l’âge de 21 ans. Depuis 2006, il se consacre essentiellement à la réalisation de personnages en céramique cuite, avec la technique du raku, et en bronze.
Ses sujets sont inspirés de ses nombreux voyages à travers l’Afrique et l’Asie, auxquels il confère un étonnant mélange de mouvement et de légèreté.
Ses sculptures sont habillées de vêtements folkloriques ou médiévaux dont le rendu des matières est incroyablement naturel de par la qualité de ses patines : colorées, chatoyantes, soyeuses et lumineuses.
La finesse de la ciselure dans son travail rend tout le relief des drapés et des plissés des étoffes de ses personnages.
Paul Beckrich is a French artist born in 1955. At the age of 21, he discovered his vocation during a course in throwing and enamelling.
Since 2006, he has devoted himself mainly to creating figures in fired ceramics, using the raku technique, and in bronze. His subjects are inspired by his many travels across Africa and Asia, to which he lends an astonishing blend of movement and lightness.
His sculptures are dressed in folkloric or medieval garments, the materials of which are rendered in an incredibly natural way by the quality of his patinas: colourful, shimmering, silky and luminous.
The finesse of the chiselling in his work brings out the full relief of the drapery and pleats in the fabrics of his figures.
ÉCOUTE DU DESERT
84 x 39 x 35 cm
Bronze Laqué
Ed. 3/8
PAUL BECKRICH
GARDIEN DES PORTES
90 x 40 x 40 cm
Bronze Patiné
Ed.1/8
PAUL BECKRICH
LE MARCHÉ DE NOUAKCHOTT
90 x 40 x 40 cm
Bronze Patiné
Ed. 2/8
PAUL BECKRICH
CODERCH & MALAVIA
Joan Coderch est né en 1959 à Castellar del Vallés (Espagne). Il obtient son diplôme de la faculté des Beaux-Arts de Barcelone en 1984. Javier Malavia, né en 1970 à Oñati (Espagne), est quant à lui diplômé de la faculté des Beaux-Arts San Carlos de Valence (1993). Les sculpteurs se rencontrent lorsqu’ils travaillent pour le même fabricant de porcelaine. Après avoir découvert leurs objectifs artistiques communs, ils décident de créer leur propre studio en 2015. En associant deux sensibilités artistiques, le duo amplifie ses résultats, chacun se nourrissant de la créativité de l’autre.
Inspirés par Auguste Rodin, Marino Marini et Antoine Bourdelle, ils mêlent techniques traditionnelles et inspirations modernes à travers de remarquables créations empreintes de légèreté. Dans leur Œuvre, la représentation du corps humain devient poésie.
Entre leurs mains, la matière acquiert expressivité et force. Suivant les trois principes platoniques de « Vérité, Bonté et Beauté », leurs œuvres sont coulées en bronze et délicatement soudées avec un désir de durabilité. Leurs sculptures, à la fois réalistes et spectaculaires, capturent la fugacité et le rythme des mouvements de danse.
Joan Coderch was born in Castellar del Vallés (Spain) in 1959. He graduated from Barcelona’s Faculty of Fine Arts in 1984. Javier Malavia, born in 1970 in Oñati (Spain), graduated from the San Carlos School of Fine Arts in Valencia in 1993. The sculptors met while working for the same porcelain manufacturer. After discovering their shared artistic goals, they decided to set up their own studio in 2015. By combining two artistic sensibilities, the duo amplify their results, each feeding off the creativity of the other.
Inspired by Auguste Rodin, Marino Marini and Antoine Bourdelle, they blend traditional techniques and modern inspirations in remarkable creations imbued with lightness. In their work, the representation of the human body becomes poetry.
In their hands, the material acquires expressiveness and strength. Following the three Platonic principles of “Truth, Goodness and Beauty”, their works are cast in bronze and delicately welded with a desire for durability. Their sculptures, both realistic and spectacular, capture the transience and rhythm of dance movements.
FALL WHISPERS
50 x 40 cm
Bronze Patiné
Ed. 5/8
FOREST GUARDIAN
56 x 39 x 37 cm Bronze Patiné EA 3/4
THE FAUN
98 x 33 x 29 cm
Bronze Patiné
Ed. 1/8
MARIO MATERA
Figure influente et mystérieuse de la scène artistique italienne, Mario Matera est né à Andria pendant la révolution italienne de 1968. À 17 ans, il explore diverses disciplines artistiques, passant d’illustrateur à caricaturiste, puis concepteur graphique. Pendant plusieurs années, il s’aventure dans le monde du cinéma, super visant les aspects visuels de publicités, courts et longs-métrages. Au fil de son parcours artistique, sa technique évolue constamment, passant de dessins au crayon denses à des surfaces plus fluides et stratifiées dans ses œuvres actuelles.
Mario Matera est reconnu pour ses œuvres évoquant la méditation et invitant à l’introspection. Sa série « CHAOS » célèbre la complexité et la beauté de l’expérience humaine à travers des portraits peints avec des techniques innovantes et audacieuses.
L’un des aspects les plus fascinants de cette série est la coexistence de détails nets, tels que les yeux, les lèvres et le nez, avec des contours fragmentés qui se chevauchent dans un chaos maîtrisé. Cette technique crée une atmosphère complexe et mystérieuse, invitant le spectateur à explorer les multiples facettes de sa personnalité.
Influential and mysterious figure on the Italian art scene, Mario Matera was born in Andria during the Italian revolution of 1968. At the age of 17, he explored various artistic disciplines, moving from illustrator to caricaturist to graphic designer. For several years, he ventured into the world of cinema, supervising the visual aspects of commercials, short films and feature films. Throughout his artistic career, his technique has constantly evolved, moving from dense pencil drawings to more fluid, layered surfaces in his current works.
Mario Matera is renowned for his works that evoke meditation and invite introspection. His ‘CHAOS’ series celebrates the complexity and beauty of the human experience through portraits painted using innovative and daring techniques.
One of the most fascinating aspects of this series is the coexistence of sharp details, such as eyes, lips and noses, with fragmented outlines that overlap in controlled chaos. This technique creates a complex and mysterious atmosphere, inviting the viewer to explore the multiple facets of her personality.
CHAOS 030
100 x 150 cm
Peinture au couteau
120 x 120 cm
GOLDEN 15
Peinture au couteau
120 x 150 cm
GOLDEN 12
Peinture au couteau
MARC PELTZER
Marc Peltzer est né le 2 décembre 1962 à Saint Germain en Laye. D’origine belge par son grand père paternel, Marc PELTZER a toujours été influencé par les peintres flamands, leur clair-obscur et leur lumière particulière.
Aujourd’hui ses peintures nocturnes représentant des villes et des paysages imaginaires, s’inspirent de cette atmosphère spécifique, quasi magique. Il recherche dans ses œuvres une harmonie entre les constructions humaines et la nature qui les entoure.
Ces villes et villages s’intègrent parfaitement dans les paysages qu’il imagine, en utilisant toujours les même matériaux naturels: la pierre et le bois. Ils en sont le prolongement, comme un rappel que l’homme n’est pas au dessus de la nature qui l’entoure, mais qu’il est, en quelque sorte, le garant de l’équilibre du monde.
Marc Peltzer was born on December 2nd 1962 in Saint Germain en Laye. Of Belgian origin through his paternal grandfather, Marc PELTZER has always been influenced by Flemish painters, their chiaroscuro and their particular light.
Today his nocturnal paintings representing imaginary cities and landscapes are inspired by this specific, almost magical atmosphere. In his works he seeks a harmony between human constructions and the nature that surrounds them.
These towns and villages fit perfectly into the landscapes he imagines, always using the same natural materials: stone and wood. They are an extension of it, as a reminder that man is not above the nature that surrounds him, but that he is, in a way, the guarantor of the balance of the world.
LA JEUNE FILLE AU CHAPEAU ROUGE
Diam. 30 cm
Huile sur toile
LE VIEUX CHÂTEAU
61 x 50 cm
Huile sur toile
PLONGÉE NOCTURNE
Diam. 80 cm
Huile sur toile
TOM PORTA
Né en 1970 à Milan, Tom Porta montre dès l’enfance une grande aptitude pour le dessin et les arts en général. Après une carrière fructueuse dans l’illustration et la photographie, il se consacre pleinement à la peinture depuis 2003.
Ayant vécu en Italie, en Allemagne, en France, au Japon et aux États-Unis, il choisit de fusionner ses expériences de vie dans sa propre peinture. Se basant sur l’histoire du XXe siècle, Tom Porta utilise le passé comme miroir du présent et invite le spectateur à embarquer au sein d’un voyage à travers ses souvenirs.
Défini comme un photojournaliste de la peinture, ses œuvres sont présentées comme des ‘instantanés’ qui rendent hommage à l’imaginaire lié au Japon. Le geste rapide du coup de pinceau combiné à la précision typique des maîtres orientaux représente l’essence du langage de Tom Porta : une signature artistique où tradition et tendances internationales ne font qu’un.
Born in Milan in 1970, Tom Porta showed a great aptitude for drawing and the arts in general from an early age. After a successful career in illustration and photography, he has devoted himself fully to painting since 2003.
Having lived in Italy, Germany, France, Japan and the United States, he has chosen to merge his life experiences into his own painting. Drawing on the history of the twentieth century, Tom Porta uses the past as a mirror for the present, inviting the viewer to embark on a journey through his memories.
Defined as a photojournalist of painting, his latest works are presented as ‘snapshots’ that pay tribute to the imaginary world of Japan.
The rapid gesture of the brushstroke combined with the precision typical of Oriental masters represents the essence of Tom Porta’s language: an artistic signature where tradition and international trends are one and the same.
THE GREEN KIMONO
120 x 120 cm
Acrylique sur toile
GOLDEN GARDEN
190 x 160 cm
Acrylique sur toile
BLUE LEAF
200 x 150 cm
Acrylique sur toile & feuille d’or
ANDREA ROGGI
Andrea Roggi est né le 2 juillet 1962 à Castiglion Fiorentin (Toscane, Italie). Durant son adolescence, il commence à cultiver de nombreux centres d’intérêt, notamment la peinture et la poésie, jusqu’à ce qu’il se concentre progressivement sur la sculpture. L’événement qui marque un véritable tournant artistique dans sa vie est la visite de la basilique Santa Maria Novella à Florence, où il est littéralement envoûté par ‘La Trinité’, une fresque du peintre de la Renaissance et compatriote Masaccio. En 1991, il crée l’atelier d’art ‘La Scultura di Andrea Roggi’. Il commence par travailler le bronze, exploitant la méthode de la fonte à la cire perdue. Souhaitant aller encore plus loin, il effectue des études de chimie et de métallurgie afin de parfaire et de personnaliser sa technique.
Ses « Arbres de Vie » sont inspirés par les cyprès et les oliviers anciens qui entourent son atelier. Les figures humaines s’intègrent aux formes végétales, se fondant en un ensemble homogène empreint de réalisme magique où les divers éléments se mélangent pour créer des œuvres éblouissantes.
Andrea Roggi was born on 2 July 1962 in Castiglion Fiorentin (Tuscany, Italy). During his adolescence, he began to cultivate a number of interests, including painting and poetry, until he gradually concentrated on sculpture. The event that marked a real artistic turning point in his life was a visit to the Basilica of Santa Maria Novella in Florence, where he was literally entranced by ‘The Trinity’, a fresco by the Renaissance painter and fellow Italian Masaccio. In 1991, he set up the art studio ‘La Scultura di Andrea Roggi’. He began by working in bronze, using the lost-wax casting method. Wishing to go even further, he studied chemistry and metallurgy to perfect and personalise his technique.
His “Trees of Life” are inspired by the ancient cypress and olive trees that surround the artist’s studio. The human figures are integrated into the plant forms, blending into a homogeneous whole imbued with magical realism, where the various elements blend together to create dazzling works.
RADICI DI UN AMORE PROFONDO
57 x 44 x 61 cm
Bronze
Pièce Unique
CAREZZE DI LUCE
70 x 57 x 47 cm
IN OGNI TUO SGUARDO
71 x 55 x 37 cm
PIERRE-YVES RUSSO
Pierre-Yves Russo est né en 1967 dans le Val d’Oise, terre d’inspiration de grands peintres français. Diplômé de Philosophie et d’Esthétique à la Sorbonne Paris IV, il approfondit ses connaissances sur les techniques des Maîtres Anciens à l’Institut Français de Restauration des Œuvres d’Art (IFROA).
Le peintre nous amène à redécouvrir la beauté initiale. Artiste hors du temps, ses tableaux sont de véritables détonateurs d’émotions. Ses huiles sur bois nous font voyager, stimulent notre imaginaire et réveillent nos souvenirs les plus enfouis. Ses compositions sont un équilibre entre rigueur géométrique et fragilité, entre réflexion et hasard.
Alchimiste plus que magicien, Pierre-Yves Russo applique de très fines couches de peinture avant d’ajouter de l’ambre finement dilué à ses œuvres, afin de reproduire l’effet d’une lumière naturelle.
Pierre-Yves Russo was born in 1967 in the Val d’Oise, the land of inspiration for the great French painters. A graduate in Philosophy and Aesthetics from the Sorbonne in Paris IV, he furthered his knowledge of the techniques of the Old Masters at the French Institute for the Restoration of Works of Art (IFROA).
The painter leads us to rediscover initial beauty. A timeless artist, his paintings are veritable triggers of emotion. His oils on wood take us on a journey, stimulating our imagination and awakening our deepest memories. His compositions strike a balance between geometric rigour and fragility, between reflection and chance.
An alchemist rather than a magician, PierreYves Russo applies very thin layers of paint before adding finely diluted amber to his works, to reproduce the effect of natural light.
LE LYS DES CHAMPS
60 x 50 cm (avec cadre)
Huile sur bois
LES GRANDS PAVOTS
70 x 60 cm (avec cadre)
Huile sur bois
LA FENÊTRE
80 x 70 cm (avec cadre)
Huile sur bois
GALERIE SAINTE-CATHERINE
34 Quai Sainte Catherine, HONFLEUR
AL FRENO
CRAIG ALAN
FIN DAC
MARIE-PAULE DEVILLE-CHABROLLE
GULLY
JOSEPHA
FRANÇOISE NIELLY
HONG-YI ZHUANG
AL FRENO
Al Freno, né en 1978 à Cambrai, est très tôt fasciné par le dessin, trouvant ses premières sources d’inspiration auprès des maîtres surréalistes tels que Salvador Dalí et Pablo Picasso. Initialement engagé dans des études d’architecture, il est irrésistiblement attiré par les jeux d’ombres et de lumières qui éveillent en lui une sensibilité artistique unique. Il se tourne alors vers les Beaux-Arts, laissant éclore son talent dans une explosion de couleurs et de lumière.
L’art minimaliste d’Al Freno est une véritable invitation à la rêverie. Ses œuvres, empreintes de couleurs vibrantes, influencées par ses nombreux voyages, capturent une tranquillité qui contraste avec le tumulte du monde moderne. Dans sa série « Here Comes the Sun », l’artiste nous fait voyager de la côte Est à la côte Ouest américaine, évoquant à travers ses scènes des plages bordées de palmiers ou de cactus, le tout baigné dans une ambiance subtilement rétro des années 50, où chaque scène est un clin d’œil musical aux classiques de cette époque.
À travers ses créations, Al Freno nous incite à croire en nos rêves. Avec ses œuvres d’inspiration architecturale, l’artiste nous fait prendre conscience que la beauté nous entoure, y compris dans les reflets du quotidien.
Al Freno, born in 1978 in Cambrai (France), was fascinated by drawing from an early age, finding his first sources of inspiration in surrealist masters such as Salvador Dalí and Pablo Picasso. Initially engaged in architectural studies, he was irresistibly drawn to the play of light and shadow, which awakened in him a unique artistic sensibility. He then turned to the Beaux-Arts, letting his talent blossom in an explosion of color and light.
Al Freno’s minimalist art is a veritable invitation to reverie. His vibrantly colored artworks, influenced by his extensive travels, capture a tranquility that contrasts with the hustle and bustle of the modern world. In his “Here Comes the Sun” series, the artist takes us on a journey from the East to the West Coast, evoking scenes of palm- and cactus-fringed beaches, all bathed in a subtly retro ‘50s ambience, where each scene is a musical nod to the classics of that era.
Through his creations, Al Freno encourages us to believe in our dreams. With his architecturally inspired works, the artist makes us aware that beauty surrounds us, even in the reflections of everyday life.
SEALED WITH A KISS
90 x 120 cm
Peinture à l’huile
SON OF A PREACHER MAN
114 x 162 cm
Peinture à l’huile
BIG
GIRLS DON’T CRY
200 x 132 cm
Peinture à l’huile
CRAIG ALAN
Craig Alan est né en 1971 à San Bernardino en Californie. Élevé dans la région d’Atlanta, il manifeste très jeune sa créativité en utilisant des crayons de couleur pour dessiner sur les murs de ses parents. Au lycée, sa passion pour l’athlétisme prend de l’ampleur, il obtient une bourse de football qui lui permet d’intégrer l’Université de Mobile en Alabama. Pour financer ses études, Craig Alan se rend régulièrement à la Nouvelle-Orléans le weekend, où il réalise des portraits au fusain et à l’aquarelle pour des passants. Cette expérience affine son talent pour la reproduction.
Craig Alan est reconnu pour ses œuvres inspirées du pop art, combinant des détails minutieux avec des compositions grandioses. Ses créations oscillent entre l’expressionnisme abstrait et le réalisme graphique saisissant, chacune reflétant une vision unique et personnelle. Sa série emblématique « POPULUS » rend hommage à des figures culturelles iconiques, en utilisant des centaines de petites silhouettes complexes qui, une fois assemblées, révèlent des visages, des bâtiments et des abstractions emblématiques. Cette technique de juxtaposition explore la nature collective de l’identité culturelle et évoque l’idée que ce sont les petits détails qui, ensemble, forment un grand tout.
Craig Alan was born in 1971 in San Bernardino, California. Raised in the Atlanta area, he showed his creativity at an early age, using colored pencils to draw on his parents’ walls. In high school, his passion for athletics grew, and he won a soccer scholarship to the University of Mobile in Alabama. To finance his studies, Craig Alan regularly travels to New Orleans on weekends, where he creates charcoal and watercolor portraits for passers-by. This experience honed his talent for reproduction.
Craig Alan is renowned for his pop artinspired works, combining meticulous detail with grandiose compositions. His creations oscillate between abstract expressionism and striking graphic realism, each reflecting a unique and personal vision. His iconic “POPULUS” series pays homage to iconic cultural figures, using hundreds of small, intricate silhouettes that, when assembled, reveal iconic faces, buildings and abstractions. This technique of juxtaposition explores the collective nature of cultural identity, and evokes the idea that it’s the small details that, together, form a great whole.
MASS CULTURE PROSPECTOR
101,5 x 101,5 cm
Technique mixte sur bois & résine époxy
CRAIG ALAN
FANBASE FAIR
122 x 122 cm
Technique mixte sur bois & résine époxy
SOURCE CODE
152,5 x 112 cm
Technique mixte sur bois & résine époxy
FIN DAC
Originaire de Cork en Irlande, Fin Dac (ou Finbarr Dac) a vécu toute sa vie à Londres. Parallèlement à son expérience en tant que directeur artistique au sein d’une galerie de SoHo, il participe au développement de l’art urbain. Ses influences vont des romans graphiques sombres aux œuvres de Francis Bacon et Aubrey Beardsley. Actif depuis 2008, cet artiste autodidacte et anti-conformiste peint sur les murs du monde entier.
Son travail n’a aucun message politique : il se concentre uniquement sur la beauté et l’esthétique. Soucieux du détail, il se distingue des autres artistes urbains. À travers ses ‘Geishas’, Fin Dac explore des thèmes liés à l’émancipation et à l’autonomisation des femmes, tout en révélant leur sensualité et leur sensibilité. L’artiste affirme que les femmes sont à la fois puissantes et vulnérables, esthétiques et intellectuelles, physiquement capables et dotées de profondes réserves émotionnelles.
Les créations de Fin Dac sont majoritairement réalisées au pochoir, associé à une technique de peinture unique laissant des éclaboussures au niveau du regard. Ce ‘masque’ coloré, est devenu une véritable signature artistique.
Originally from Cork in Ireland, Fin Dac (or Finbarr Dac) has lived in London all his life. Alongside his experience as art director of a SoHo gallery, he has been involved in the development of urban art. His influences range from dark graphic novels to the works of Francis Bacon and Aubrey Beardsley. Active since 2008, this self-taught, anti-conformist artist paints on walls all over the world.
His work has no political message: it focuses solely on beauty and aesthetics. His attention to detail sets him apart from other urban artists. Through his ‘Geishas’, Fin Dac explores themes linked to the emancipation and empowerment of women, while revealing their sensuality and sensitivity. The artist asserts that women are both powerful and vulnerable, aesthetic and intellectual, physically capable and endowed with deep emotional reserves.
Most of Fin Dac’s work is created using stencils, combined with a unique painting technique that leaves splashes at eye level. This colourful ‘mask’ has become a veritable artistic signature.
EMPIRE I
120 x 160 cm
Acrylique & Peinture aérosol sur bois
120 x 160 cm
Acrylique & Peinture aérosol sur bois
RIMIKKUSI I
RIMIKKUSI II
120 x 160 cm
Acrylique & Peinture aérosol sur bois
MARIE-PAULE DEVILLE-CHABROLLE
Marie-Paule Deville-Chabrolle est une artiste peintre et sculpteur française née au Maroc en 1952. Sa démarche est une aventure personnelle. Chaque rencontre, chaque pays traversé, chaque image entrevue, chaque émotion éprouvée participe à sa création. Sculptures et sanguines forment un tout, une démarche globale. Elle étudie deux années à la faculté des Arts Plastiques de Phnom Penh au Cambodge, puis intègre pendant deux ans l’école des Beaux-Arts de Pau.
Les ocres et les ors du Maroc, l’évidente beauté des sculptures Khmers où se profile un monde d’équilibre et de silence, tout a laissé son empreinte. C’est à travers la densité de la mémoire qu’il faut encore rechercher ce désir si fort d’un temps retenu plus que suspendu. Aujourd’hui elle explore des paysages nouveaux peuplés de personnages issus d’une légende qui lui serait toute personnelle.
Elle est distinguée par l’Accademia Internationale « Greci Marino » en Italie. En l’an 2000 elle est choisie pour créer La Marianne de l’An 2000 sous les traits de Laetitia Casta. En 2005, Marie-Paule Deville-Chabrolle collabore avec la marque DAUM, transformant ses œuvres de bronze en sculptures de cristal.
Marie-Paule Deville-Chabrolle is a French painter and sculptor born in Morocco in 1952. Her approach is a personal adventure. Each encounter, each country crossed, each image seen, each emotion experienced contributes to her creation. Sculptures and sanguines form a whole, a global approach.
She studied for two years at the Faculty of Plastic Arts in Phnom Penh, Cambodia, and then spent two years at the School of Fine Arts in Pau. The ochres and golds of Morocco, the obvious beauty of Khmer sculptures where a world of balance and silence emerges, everything has left its mark.
It is through the density of memory that one must still seek out this strong desire for a time that is retained rather than suspended. Today she explores new landscapes populated by characters from a legend that is entirely her own. She has been distinguished by the Accademia Internationale “Greci Marino” in Italy. In 2000 she was chosen to create the Marianne de l’An 2000 under the features of Laetitia Casta. In 2005, Marie-Paule Deville-Chabrolle collaborates with the brand DAUM, transforming her bronze works into crystal sculptures.
I USED TO FLOAT
25 x 45 x 28 cm Bronze Ed. 2/8
AMOUREUSE DES NUAGES
51 x 36 x 32 cm
Bronze
Ed. 2/8
PORTEUSE DE LUMIÈRE
77 x 26 x 20 cm Bronze Ed. 1/8
GULLY
Gully est un artiste et graffeur français né en 1977 dans le Val d’Oise. À partir de 1992, il pratique intensivement l’art du graffiti avant de devenir, au milieu des années 2000, un véritable artiste d’atelier.
Il change de pseudonyme afin de conserver son anonymat. L’art de Gully mêle tous les courants artistiques, de l’hyperréalisme, au Pop art en passant par le surréalisme ou le cubisme afin de créer une œuvre picturale narrative traversant l’histoire de l’Art.
Gully, symbolise l’insouciance et la malice juvénile qui sommeille en lui. Convaincu qu’il ne faut jamais déconnecter l’adulte de l’enfant, le peintre place la figure enfantine au centre de son œuvre.
Dans ses toiles, les personnages ne se contentent pas de regarder les tableaux des grands-maîtres reproduits à la perfection, ils interagissent et jouent avec dans un contexte précis. Gully souhaite raconter à travers des yeux innocents, sa passion pour l’Art.
Gully is a French graffiti artist born in 1977 in the Val d’Oise. From 1992 onwards, he practiced graffiti intensively, before becoming a full-fledged studio artist in the mid-2000s.
He changed his pseudonym to preserve his anonymity. Gully’s art blends all artistic currents, from hyperrealism and Pop art to surrealism and cubism, to create a narrative pictorial work that spans the history of art.
Gully symbolizes the carefree, youthful mischief that lies dormant within him. Convinced that the adult should never be disconnected from the child, the painter places the childlike figure at the center of his work.
In his canvases, the figures no longer simply gaze at the perfectly reproduced paintings of the grandmasters but interact and play with them in a specific context. Gully wants to tell the story of his passion for art through innocent eyes.
GULLY PRESENT MAGRITTE 11
100 x 87 cm
Techniques mixtes sur papier
JEAN MICHEL, VINCENT, SALVADOR & THE PEOPLE MEET DALI, HARTUNG, KANDINSKY, RICHTER AND MATHIEU 1
80 x 120 cm
Techniques mixtes sur toile
100 x 150 cm
Techniques mixtes sur toile
JEAN MICHEL AND ANDY MEET
BASQUIAT AND WARHOL 2
JOSEPHA
Josepha est née dans le Sud-Ouest de la France. De l’origine italienne de sa mère, elle a hérité son prénom et sans doute sa créativité. Elle fut d’abord styliste de mode et ses collections de cuirs et chapeaux lui valurent un succès international dont bien d’autres se seraient satisfaits. Mais Josepha brûle d’envie de se confronter à d’autres matières.
Sa rencontre avec l’homme qui partage aujourd’hui sa vie, sculpteur lui-même et professeur d’arts plastiques, sera décisive. En 1992, elle décide de se consacrer corps et âme à la sculpture.
Son style vivant et poétique s’affirme d’emblée à travers la terre, la pierre et le bronze. Puis avec le polyester, il prend une dimension onirique, caractérisée par des formes féminines réduites à l’essentiel, mises en valeur par une luxuriance d’effets colorés.
Josepha vit actuellement dans la campagne drômoise et ses œuvres sont exposées dans de nombreuses galeries du monde entier.
Josepha was born in south-west France. From her mother’s Italian origins, she inherited her first name and, no doubt, her creativity. Her first job was as a fashion designer, and her collections of leathers and hats brought her international success that many others would have been happy with. But Josepha had a burning desire to experiment with other materials.
Her meeting with the man who now shares her life, himself a sculptor and art teacher, was to prove decisive. In 1992, she decided to devote herself body and soul to sculpture.
Her lively, poetic style immediately asserted itself in clay, stone and bronze. Then, with polyester, it took on a dreamlike dimension, characterised by female forms reduced to the essential, enhanced by a luxuriance of colour effects.
Josepha currently lives in the Drôme countryside, and her work is exhibited in numerous galleries around the world.
PETITE FLEUR
56 X 22 x 15 cm
Résine Peinte & Feuille d’Or
25 x 12 x 10 cm
PETITE NELL
87 x 30 x 30 cm
LOULOU
FRANÇOISE NIELLY
Née à Marseille, Françoise Nielly a passé son enfance dans le sud de la France avant de venir s’installer à Paris. Après une première carrière d’illustratrice et de photographe dans la publicité, elle prend le virage de la peinture pour réinventer le travail de portraitiste.
Elle reproduit le visage humain à coups de boutoir, de couteau balafré sur le visage.
Les éclats de vie qui surgissent de ses tableaux naissent d’un corps-à-corps avec la toile. La couleur est lancée comme un projectile. Son énergie donne à chaque touche l’intensité d’une vibration sonore.
Les tâches de peinture sont des touches musicales, dissonantes et bruyantes comme la vie. Mais dans l’espace du tableau, elles s’harmonisent en un unique timbre qui, à chacun des visages, donne son âme.
Remarquée par son incroyable dextérité à manier le couteau et la peinture à l’huile, Françoise Nielly oppose, impose à la vue, ses portraits dont chacun, sous un angle différent, mais chaque fois répété, expose le violent visage de la vie.
Born in Marseille, Françoise Nielly spent her childhood in the south of France before moving to Paris.
After an initial career as an illustrator and photographer in advertising, she turned to painting to reinvent portraiture.
She reproduces the human face with a razor-sharp, slashed knife. The bursts of life that emerge from her paintings are born of hand-to-hand combat with the canvas.
Colour is hurled like a projectile. Its energy gives each stroke the intensity of a sonic vibration.
The splashes of paint are musical touches, as dissonant and noisy as life itself. But in the space of the painting, they harmonise into a single timbre that gives each face its soul
Noted for her incredible dexterity in handling knives and oil paint, Françoise Nielly’s portraits, each from a different angle, but repeated over and over again, expose the violent face of life.
SECRET
100 x 100 cm
Peinture au couteau
120 x 120 cm
Peinture au couteau
NORMA
BELLES DU SEIGNEUR
146 x 97 cm
Peinture au couteau
HONG-YI ZHUANG
Né en 1962 dans la province du Sichuan, Hong-Yi Zhuang est l’un des artistes les plus influents de Chine. C’est la combinaison de ses origines et de l’influence européenne (où il réside depuis de nombreuses années) qui marque son Œuvre.
Embrassant son présent sans perdre son passé, il tente de définir un sens de soi qui existe entre les deux et met en scène cette lutte personnelle visuellement, vacillant entre des phases de planification contrôlée, de geste émotionnel et de montage minutieux qui aboutissent à des œuvres de beauté, de surprise et de curiosité.
À travers une technique chinoise ancestrale, ses fleurs en papier de riz combinent plusieurs couches de peinture à l’huile et d’acr ylique, créant ainsi de grands andains de pétales sur toiles.
Ses créations aux dégradés de couleurs hypnotiques, révèlent un travail sculptural minutieux de courbures et torsions, plongeant le spectateur dans un jeu de perspective suivant la position du regard. Ses œuvres sophistiquées sont un symbole universel de prospérité et d’optimisme.
Born in 1962 in Sichuan province, Hong-Yi Zhuang is one of China’s most influential artists. It is the combination of his origins and European influence (where he has lived for many years) that marks his Work.
Embracing his present without losing his past, he attempts to define a sense of self that exists between the two, and stages this personal struggle visually, vacillating between phases of controlled planning, emotional gesture and meticulous editing that result in works of beauty, surprise and curiosity.
Using an ancient Chinese technique, his rice paper flowers combine several layers of oil and acrylic paint, creating large swathes of petals on canvas.
His creations, with their hypnotic gradations of color, reveal a meticulous sculptural work of curves and twists, immersing the viewer in a play of perspective depending on the position of the gaze. His sophisticated artworks are a universal symbol of prosperity and optimism.
100 x 100 cm
Peinture Acrylique & Papier de Riz Marouflé sur toile
100 x 140 cm
Peinture Acrylique & Papier de Riz Marouflé sur toile
ZHY-17-VI-031
110 x 80 cm
Peinture Acrylique & Papier de Riz Marouflé sur toile
GALERIE NORMANDY
29 Rue du Dauphin, HONFLEUR
PASQUALE DI FAZIO
ANTOINE DUFILHO
JULIEN DURIX
RENÉE LE BLOAS-JULIENNE STALLMAN
LUCAS THORIK
PASQUALE DI FAZIO
Pasquale Di Fazio est né en 1960 à Lavello (Italie). Artiste autodidacte, il se consacre pleinement à la peinture depuis 1985. Ses œuvres dévoilent une atmosphère poétique où le travail de la lumière est empreint d’émotion.
L’artist e transpose dans ses toiles son amour de la nature tout en évoquant l’atmosphère unique de la Toscane, joyau de la Renaissance italienne. Avec une dimension presque spatiale, les peintures de Pasquale Di Fazio fascinent par l’harmonie des couleurs qui se fondent ensemble subtilement reflétant toute sa force expressive.
L’artiste joue avec les vibrations de notes chromatiques afin de construire des espaces de liberté habités par des puissances spirituelles. Ses envolées lyriques, où la légèreté est reine, sont rehaussées par des figures géométriques et quelques coups de pinceaux énergiques. Souhaitant provoquer des émotions, le peintre nous entraîne dans un univers imaginaire regorgeant de surprises …
Pasquale Di Fazio was born in 1960 in Lavello (Italy). Self-taught artist, he has devoted himself entirely to painting since 1985. His artworks reveal a poetic atmosphere in which the use of light is imbued with emotion.
In his canvases, the artist conveys his love of nature while evoking the unique atmosphere of Tuscany, jewel of the Italian Renaissance. With an almost spatial dimension, Pasquale Di Fazio’s paintings fascinate with the harmony of colours that subtly blend together to reflect all his expressive power.
The artist plays with the vibrations of chromatic notes to create spaces of freedom inhabited by spiritual powers. His lyrical flights, where lightness is king, are enhanced by geometric figures and a few energetic brushstrokes.
Wishing to provoke emotions, the painter takes us into an imaginary world full of surprises …
TRA MITI E MAGIE
80 x 80 cm
Techniques mixtes sur toile PASQUALE DI FAZIO
LABIRINTO DI ILLUSION
90 x 90 cm
Techniques mixtes sur toile PASQUALE DI FAZIO
EMOZIONI SCOMPOSTE
60 x 120 cm
Techniques mixtes sur toile
ANTOINE DUFILHO
Entre les noms Dufilho et Bugatti, il existe un lien presque palpable, qui s’est tissé par la passion de plusieurs hommes … Antoine Dufilho est un sculpteur français. Enfant, il s’initie aux arts plastiques auprès de son grand-oncle Jacques, comédien, artiste et collectionneur de Bugatti. Diplômé de l’École d’Architecture et de Paysage de Lille, il développe une nouvelle approche de la sculpture.
Autodidacte, il expérimente différentes techniques de moulage et de soudure pour bâtir, progressivement, son esthétique artistique. L’artiste s’affranchit du figuratif et s’intéresse à l’abstrait privilégiant ainsi les formes, l’esthétique et la créativité.
À l’image des sportifs, Antoine Dufilho est toujours en quête de nouveaux défis à relever. Articulant son art autour de la notion de vitesse, il offre une vision cinétique d’un objet statique. Son travail consiste à créer une alternance de symétrie et d’asymétrie décomposant des formes en strates successives. Cette représentation séquencée, additionnée aux déplacements des spectateurs, génère une impressionnante illusion d’optique.
Between the names Dufilho and Bugatti, there is an almost palpable link, woven by the passion of several men … Antoine Dufilho is a French sculptor. As a child, he was introduced to the visual arts by his great-uncle Jacques, an actor, artist and Bugatti collector. After graduating from the Lille School of Architecture and Landscape Design, he developed a new approach to sculpture.
Self-taught, he experimented with different moulding and welding techniques to gradually build up his artistic aesthetic. The artist freed himself from the figurative and turned his attention to the abstract, favouring shapes, aesthetics and creativity.
Like a sportsman, Antoine Dufilho is always looking for new challenges. Articulating his art around the notion of speed, he offers a kinetic vision of a static object. His work consists of creating an alternation of symmetry and asymmetry, breaking down forms into successive layers. This sequenced representation, combined with the movements of the spectators, creates an impressive optical illusion.
75 x 35 cm Acier Inoxydable & Aluminium
FORD GT 40 GULF BLUE
ASTON MARTIN DBS JAUNE
80 x 36 cm
Acier Inoxydable & Aluminium Poli Ed. 4/8
FERRARI GTO ST ROUGE BANDES TRICOLORES
80 x 36 cm
Acier Inoxydable & Aluminium Poli Ed. 4/8
JULIEN DURIX
Julien Durix, artiste peintre né à Vichy en 1991, s’est entièrement consacré à la peinture depuis 2012 après deux ans d’études d’art. Il explore plusieurs styles sans s’enfermer dans un genre unique, peignant selon ses inspirations. Ses premières années en tant qu’artiste ont été largement inspirées par la mouvance Pop art, où des icônes intemporelles de la culture populaire naviguent à travers le temps pour créer des œuvres pleines de rêve, d’humour et de nostalgie.
Il crée ensuite une série qu’il nomme » La vie en roses » ; un tournant artistique majeur, où il utilise des roses comme support, explorant de nouvelles techniques pour évoquer douceur, romantisme et passion. Chaque œuvre est composée de 1000 roses de soie peintes et résinées à la main. La toile avec son support unique en 3D devient alors interactive et nous permet différentes lectures selon l’angle d’observation.
Pour terminer, sa toute nouvelle création, une série qui lui tient tout particulièrement à cœur : la série « Visages du monde » représente une véritable célébration de la diversité et de la beauté de l’humanité. Elle nous invite à apprendre de nouvelles cultures et à célébrer notre différence.
Julien Durix, a painter born in Vichy in 1991, has devoted himself entirely to painting since 2012 after two years of art studies. He explores several styles without locking himself into a single genre, painting according to his inspirations. His early years as an artist were largely inspired by the Pop art movement, where timeless icons of popular culture sail through time to create works full of dream, humor and nostalgia.
He then created a series he called “La vie en roses”, a major artistic turning point, in which he used roses as a support, exploring new techniques to evoke sweetness, romance and passion. Each work is composed of 1,000 handpainted and resined silk roses. The canvas, with its unique 3D support, becomes interactive, allowing different readings depending on the angle of observation.
Finally, her latest creation, a series that is particularly close to her heart: the “Faces of the World” series is a true celebration of the diversity and beauty of humanity. It invites us to learn about new cultures and celebrate our differences.
THE
120 x 150 cm
ART OF FORTUNE
Acrylique sur toile
150 x 120 cm
Acrylique sur toile
TAFARI (VISAGE DU MONDE)
HYACINTH (LA VIE EN ROSES)
120 x 160 cm
Roses en soie peintes sur toile
JULIEN
RENÉE LE BLOAS-JULIENNE
Née en 1955, Renée Le Bloas-Julienne est une artiste française renommée pour ses œuvres qui oscillent entre la figuration et l’abstraction. À 19 ans, elle part à la conquête du monde et découvre la Polynésie Française. Son esprit libre l’amène à voyager sans cesse pour observer et étudier le monde marin. Aux côtés de son mari, Jérôme Julienne, un cinéaste et producteur renommé, elle collabore avec différentes revues dédiées à la mer et réalise des photoreportages pour des magazines tels que ‘Terre Sauvage’ ou ‘Grand Reportage’. La nature est la principale source d’inspiration de Renée Le Bloas-Julienne. L’artiste a développé un style unique explorant les thèmes de la mémoire, de la nature et de l’émotion humaine à travers des compositions jouant avec la couleur, la lumière et la matière. Depuis près de cinq ans, l’artiste réalise ses emblématiques ‘Bubbles’ tridimensionnelles. Cette série au design pétillant et aux spectres colorés reflète sa vision toujours ensoleillée et optimiste de la vie ainsi que son indéfectible amour de la nature. Ces tableaux-sculptures abstraits représentent tant la rosée qui éveille nos matins, que des gouttes de pluie nourrissant la terre, des perles suintant des plantes et des arbres, ou encore celles qui font vibrer les océans et flottent dans le cosmos...
Born in 1955, Renée Le Bloas-Julienne is a French artist renowned for her artworks that oscillate between figuration and abstraction. At the age of 19, she set out to conquer the world, discovering French Polynesia. Her free spirit led her to travel constantly to observe and study the marine world. Alongside her husband, Jérôme Julienne, a renowned filmmaker and producer, she collaborates with various magazines dedicated to the sea and produces photo essays for magazines such as ‘Terre Sauvage’ and ‘Grand Reportage’. Nature is Renée Le Bloas-Julienne’s main source of inspiration. The artist has developed a unique style exploring the themes of memory, nature and human emotion through compositions that play with color, light and matter. For almost five years, the artist has been producing her iconic three-dimensional ‘Bubbles’. This series, with its sparkling design and colorful spectra, reflects her ever sunny, optimistic vision of life and her unfailing love of nature. These abstract paintings-sculptures represent everything from the dew that awakens our mornings, to raindrops nourishing the earth, to pearls oozing from plants and trees to those that make the oceans vibrate and float in the cosmos...
SPICY COCKTAIL
90 x 90 cm
Résine (Série Ice Cube)
RENÉE LE BLOAS-JULIENNE
INDIAN SUMMER
Diam. 110 cm
Résine (Série Bubbles)
RENÉE LE BLOAS-JULIENNE
RAINBOW PARTY
Diam. 130 cm
Résine (Série Bubbles)
RENÉE LE BLOAS-JULIENNE
STALLMAN
Depuis 2012, Stephen Stum & Jason Hallman – connus sous le pseudonyme ‘STALLMAN’ –allient leur talent et leur vision individuels afin de créer conjointement d’impressionnantes sculptures murales.
À travers leurs emblématiques « CANVAS ON EDGE » le duo peint, découpe et sculpte la toile pour lui donner une forme tridimensionnelle. Inspiré par les grands théoriciens de la couleur, le duo apporte une dimension ludique à ses créations.
Défiant le phénomène optique, les couleurs semblent évoluer en fonction de l’intensité de la lumière ainsi que des déplacements du spectateur… Leurs œuvres, tout en mouvement, font souvent écho aux ondulations de l’eau, aux couchers de soleil ou à des compositions florales. Chaque sculpture, aux multiples facettes, dégage un sentiment de calme hypnotique tout en laissant libre cours à notre interprétation.
Since 2012, Stephen Stum & Jason Hallman – known under the pseudonym ‘STALLMAN’ –have been combining their individual talents and visions to jointly create impressive wall sculptures.
Through their iconic ‘CANVAS ON EDGE’, the duo paint, cut and sculpt canvas into threedimensional form. Inspired by the great colour theorists, the duo add a playful dimension to their creations.
Defying optical phenomena, the colours seem to evolve according to the intensity of the light and the movements of the viewer…
Their works, all in movement, often echo the ripples of water, sunsets or floral compositions. Each multi-faceted sculpture exudes a sense of hypnotic calm, while leaving the viewer free to interpret.
WINDOW TO THE SOUL
Diam. 124,5 cm
Toile peinte, découpée et sculptée
COPPER
CREEK I & II - DIPTYCH
61 x 183 cm x 2
Toile peinte, découpée et sculptée
HOT PANTS
106,7 x 183 cm
Toile peinte, découpée et sculptée
LUCAS THORIK
Lucas Thorik est un artiste abstrait néerlandais né en 1973. Avec ses deux parents artistes, il grandit dans les ateliers, entouré de toile et de peintures à l’huile. Jeune adulte, il recherche alors des expériences authentiques, vivant et travaillant parmi les contre-cultures. De surfeur semi-professionnel, il devient DJ, designer puis collectionneur/revendeur de design vintage.
Artiste autodidacte, Lucas Thorik réalise d’immenses compositions colorées qui font le lien entre les mondes de l’Art, du design, de la psychologie et de la musique. En adoptant une approche holistique et brute, ses œuvres explorent une abstraction pure et personnelle.
Afin d’apporter de la texture et de l’épaisseur, il applique du plâtre blanc sur ses toiles. Telle une symphonie de couleurs, il pulvérise des roses chauds, des jaunes acides et des oranges vifs sur des toiles de fond gris ou bleuté, évoquant les fréquences sonores de la techno-musique…
Lucas Thorik is a Dutch abstract artist born in 1973. With both his parents artists, he grew up in studios, surrounded by canvases and oil paints. As a young adult, he sought out authentic experiences, living and working among counter-cultures. From semi-professional surfer to DJ, designer and collector/retailer of vintage design.
A self-taught artist, Lucas Thorik creates huge, colourful compositions that bridge the worlds of art, design, psychology and music. Adopting a raw, holistic approach, his works explore pure, personal abstraction.
To add texture and thickness, he applies white plaster to his canvases. Like a symphony of colours, he sprays hot pinks, acid yellows and bright oranges onto grey or bluish backdrops, evoking the sound frequencies of technomusic…
SANS TITRE - SET 1
120 x 100 cm Techniques mixtes sur lin
SANS TITRE - SET 2
120 x 120 cm Techniques mixtes sur lin
SANS TITRE - SET 1
160 x 100 cm
Techniques mixtes sur lin
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