MPAA 7/ Correcciones Tipológicas. Trabajo Final Línea de Investigación de Proyectos. DPA. ETSAM by Guillermo Bruzual

#Pre-existence # P e r- s i s t e n c e

Unidad docente juan herreros + unidad docente emilio tu帽贸n

M谩ster de Proyectos Arquitect贸nicos Avanzados/

INDICE/

Pág. /Introducción.

/Un Nuevo Realismo/ So Real.

/Estudio Londres. Caruso St. John.

/Rossi Aplicado. El Helicoide, Caracas.

/Newport Street Gallery. Caruso St. John.

/Madrid Análogo. Puerta del Sol.

/Mezquita de Córdoba.

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/Ensayo sobre Palmira. El Arte detrás de la Destrucción.

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INTRODUCCIÓN/

Adentrándonos un poco en el tema de las correcciones tipológicas, el siguiente trabajo se estructura en una serie de ensayos que hemos realizado durante el curso del MPAA 7; a partir de la visita de estudio a la Ciudad de Londres se ha desarrollado una temática en clases que abarca desde el nuevo realismo, concretamente en base a el análisis de una serie de estudios de arquitectura que han sido seleccionados y que ejercen su práctica desde Inglaterra y de alguna manera han influenciado el movimiento contemporáneo actual. Desde aquí y basándonos en el trabajo imprescindible de algunos teóricos de la arquitectura como Aldo Rossi, hemos estructurado la conformidad de los trabajos que se presentan a continuación.

Un Nuevo Realismo Visita a Londres.

Día 1. Barbican City. El primer contacto visual que se tiene de la ciudad de Londres, como transeúnte que recorre las calles y áreas públicas, permite observar desde este punto de vista la composición compleja y densa de la ciudad, difícil de encontrar en otras ciudades europeas. Al ingresar en la zona del Barbican City es fácil sentir admiración y a la vez sentirse abrumado por los edificios que se erigen, de alguna manera aglomerados y densificados en lo que es el centro financiero de Londres. En una primera aproximación al edificio de OMA, Rothschild, observamos esta densificada acumulación de edificios que a primera vista hace díficil encontrar el proyecto, ubicado en el estrecho callejón medieval de St Swithin’s Lane, es el primer edificio construido de OMA en Londres, donde la intención de un elemento conector visual para las zonas de St. Swithin’s Lane and St. Stephen’s Walbrook se hace evidente. Dentro del recorrido sobresale la visita al Barbican Estate, siendo uno de los edificios del estilo brutalista mas representativos y una muestra de la ciudad utópica ideal, donde se pretendía concentrar todos los usos de la vida cotidiana en un solo lugar. Peter Chamberlin, Geoffry Powell and Christoph Bon buscaban desarrollar un complejo con claras distinciones entre los espacios comunes, públicos y privados; dándole también una mayor jerarquía al peatón sobre los vehículos. A pesar de que a su momento el edificio recibió mala crítica por parte de la ciudad, actualmente se ha convertido en uno de los centros culturales y de valor arquitectónico e histórico de la ciudad de Londres.

Para el uso residencial los apartamentos se han revalorizado y el espacio público central funciona como un gran pulmón verde y de desahogo para los usuarios que atraviesan el Barbican diariamente o para los mismos habitantes del edificio. Resulta ser un edificio posible de generar una tranquilidad y paz díficil de creer, más cuando se esta en el medio del centro de Londres. Dentro de las calles relativamente seguras del distrito financiero de Londres, y teniendo un centro cultural vibrante dentro de sus instalaciones, la decadencia social no es algo que el Complejo Barbican haya tenido que hacer frente, por lo que puede presentarse como un monumento positivo para la ética del brutalismo. Es un pensamiento interesante que este modelo fue una vez el prototipo para el futuro de la arquitectura urbana. Los que votaron por el Centro Barbican como “el más feo edificio de Londres¨ en una encuesta realizada recientemente, obviamente, nunca se han aventurado en el interior del edificio, el interior es simplemente sublime. Pasillos abiertos, escaleras a la vista y balcones con vistas a cada piso, todas las características típicas de la idea brutalista de mostrar la función y funcionando de la misma manera en que un reloj es diseñado para mostrar sus movimientos. Todo está en la tradición brutalista del hormigón, que funciona mucho mejor en el interior donde puede ser animado con luces de colores y protegido de los elementos. A pesar de su aspecto esquelético, la sensación general es de un aire de relajación y comodidad - se trata de un tipo diferente de apertura que el de por ejemplo, el inmenso vacío del Turbine Hall de la Tate Modern. (1)

Posteriormente en el museo de Sir John Soane’s, la primera impresión que nos queda marcada al ingresar al edificio, es la de una variedad de elementos dispuestos por doquier, que podemos enmarcar entre mobiliario, piezas de arte, esculturas, cuya disposición puede darnos la sensación de no tener alguna lógica alguna, pero genera una serie de espacios interesantes en su recorrido, por medio de recovecos, escaleras, amplias e iluminadas salas que permiten sentirse en ese momento, abstraídos por la magia del lugar. Al final del día hemos podido acceder a las instalaciones de la Metropolitan University of London, donde hemos sido recibidos por la Architecture Research Unit de Beigel y Christou, en este recorrido a través de las instalaciones, desde mi punto de vista bastante interesante para observar los métodos experimentales que utiliza la escuela y la filosofía de enseñanza aplicada por sus profesores; donde dentro de lo que pudimos observar se entiende que es una práctica arquitectónica que combina la enseñanza con la elaboración de proyectos, tanto experimentales como reales, para el estudio.

Día 2. Al acercarnos a el Newport Street Gallery de Caruso St. John, es evidente el trabajo en fachada que han realizado, un gran muro de ladrillos que busca unificar los cuatro edificios históricos que debían intervenirse para la nueva galería. En su interior, grandes espacios blancos iluminados de manera cenital e interconectados para generar una continuidad espacial tanto en la planta baja como en la primera planta del edificio, para Caruso St. John. el muro como fachada viene siendo el protagonista del espacio, es evidente la falta de uso de la planta libre y de los pilotes. 15

Es precisamente en este paisaje arquitectónico donde la obra de Caruso St. John resulta tan profundamente provocativa, pues su enfoque de la arquitectura rechaza la convención del modelo dom-ino y se centra, en cambio, en un sola estructura fundamental: el muro como fachada. (2) El edificio termina siendo una obra impecablemente ejecutada, es fácil percibir el buen manejo de los materiales y el buen acabado de la construcción. El edificio en si mismo se convierte de cierta manera en parte de la exposición, tomando por sí mismo aunque no sea su intención cierto carácter icónico. Las galerías comerciales que hemos diseñado exigen una cierta neutralidad maquinista, porque el foco de interés allí es la obra y el artista. Hay una crítica total sobre la neutralidad del cubo blanco , que desde luego conocemos. (3) LLegando a la Tate Britain, lo primero que nos salta a la vista es la intervención de Caruso St John con la escalera en espiral en el acceso principal del edificio, ejecutada de manera sublime, lo que hace difícil identificar que es parte del viejo edificio y que ha sido intervenido. Lo provocador de nuestro proyecto es que no se distingue lo original de lo nuevo. Algunas de nuestras nuevas intervenciones simplemente extienden cosas que ya existían, por ejemplo, los zócalos, las paredes y las cornisas de las galerías son completamente nuevos, pero exactamente iguales a los originales. La iluminación de la galería, por otra parte, es una invención, pero no es obviamente actual, es más una suerte de candelabro que una pieza de equipo técnico. 17

Fuimos completamente ecuménicos respecto de la novedad o antigüedad de las cosas, nuestra preocupación era su potencia, si resultaban útiles para lograr una totalidad nueva y llena de carácter. (4) Llegando a la manzana del edificio para el Economist de Alison y Peter Smithson, es provocativo el uso y la conexión que han realizado con el manejo del espacio público que conecta tanto las calles St. James’s, Ryder Street y Bury Street,esto por medio de una plaza una cota mas alta de la calle que agrupa las tres torres del proyecto, determinada como una plataforma, la delicadez con la que han desarrollado los elementos estructurales en fachada y el material empleado para el mismo, piedra arenisca traída de Portland, con impresiones de fósiles marinos, crean un juego de texturas interesantes que le dan carácter a la fachada. Cada una de las torres esta desarrollada en proporcionas diferenciadas a los usos de la mismas, donde por ejemplo podemos observar a simple vista como los cristales en fachada varían en proporciones en cada torre. El croquis dibujado por Peter Smithson del alzado del complejo sobre St. James’s Street es uno de los primeros dibujos del proyecto, cronológicamente hablando. Además de la silueta de los diferentes edificios, Peter marca con especial interés la pendiente de la calle, el contorno del edificio del banco en relación al Boodle’s Club y una serie de líneas horizontales paralelas entre ellos que identificamos como unos peldaños. El autor propone la creación de un plano elevado que sea un sustrato común para los edificios, una plataforma. (5)

El uso de la plataforma para los Smithson deriva de la idea de controlar el espacio y los accidentes del terreno, para permitir así el total control espacial y facilitar el desplazamiento. Termina siendo una intervención que fácilmente podríamos percibirla como un proyecto contemporáneo, muy elegante y estilizada para su época, que perfectamente se ha adaptado a su contexto. En la visita, tal vez un poco predispuesta, al Serpentine Pavillion, este año elaborado por el estudio SelgasCano, sorpresivamente nos encontramos con un diseño que no figura en la lista de cosas por hacer a futuro, pero que de cierta manera ha generado un uso interesante del espacio, sobre todo en el interior del pabellón, donde los diferentes usos que se han instalado, como el de la cafetería; y el juego que genera la estructura con los materiales de la fachada, terminan haciendo una instalación con cierta gracia y potencia funcional más que formal, ya en este punto se podría debatir al respecto. Un espacio continuo como si de una concha de caracol se tratase, generando un completo volúmen orgánico; algunos puntos que juegan en contra podrían ser detalles en el montaje de la instalación, que dan la sensación de mal acabado. Cuando Serpentine nos invitó a diseñar el Pabellón, comenzamos a pensar en lo que la estructura necesitaba proporcionar y qué materiales deberían ser utilizados en un parque de Londres. Estas preguntas mezcladas con nuestros propios intereses arquitectónicos y la certeza de que el diseño necesita conectarse con la naturaleza y sentirse parte del paisaje- nos proporcionaron un concepto basado en la más pura experiencia del visitante. Buscamos una manera de permitir al público experimentar la arquitectura a través de elementos simples: estructura, luz, transparencia, sombras, ligereza, forma, sensibilidad, cambios, sorpresa, color y materiales. Por lo tanto, diseñamos un Pabellón que incorpora todos esos elementos.(6)

Día 3. OXFORD. Dentro de la visita a Oxford destaca el edificio del Queens College Florey de James Stirling; un edificio que a primera vista resulta llamativo tanto por su forma, como si de una nave se tratase ,como por la historia que hay detrás de él. Es uno de los edificios pertenecientes a la llamada Red Trilogy (Trilogía Roja) que recoge tres de los edificios radicales de Stirling. Uno de los puntos llamativos en el diseño resulta ser la ubicación del solar donde se emplaza el edificio, que transcurre al lado de un río, para Stirling en sus primeros bosquejos son evidentes tres características que son elementos significantes en el diseño final, las cuales eran a) el sitio tendría que estar conectado a la ciudad a través de un paseo junto al río el cual sería el acceso principal para los estudiantes; b) el edificio debía tener patios centrales abiertos hacia el norte y con visuales hacia el río y c) la gente debería filtrarse dentro del conjunto desde la caminería del río a través y por debajo de columnatas. (7) Es evidente que esta idea de Stirling de generar el Riverside walk nunca se concreto y menos aún se llevo a cabo, generando que el acceso principal a el edificio quedara marginado a la parte trasera del mismo a través del estacionamiento. Al acceder a el edificio pudimos observar en primera persona algo del funcionamiento del mismo, la primera impresión que puede generarnos es la escala con la que ha desarrollado pasillos, baños y espacios comunes, dentro de los cuáles pudimos tener acceso, y se perciben como espacios bastante pequeños y ambiguos.

La forma de herradura de la planta permite generar visuales de todos los dormitorios hacia el patio central y hacia el río, el edificio de cinco plantas alberga unas 58 habitaciones simples y unas 20 habitaciones con doble altura que poseen mezzaninas y galerías. Desde un punto de vista funcional hubiese sido interesante poder acceder a alguna de las habitaciones, que en algunas publicaciones se critican por tener columnas mal ubicadas o por el mobiliario extraño. En mi opinión creo que el edificio de Stirling, viéndolo desde un punto de vista del usuario presenta buenas y malas características, realmente termina siendo un edificio poco agradable a el espectador pero que genera cierto juego de espacios interesantes, como lo son el patio central que se encuentra en el medio de la planta, con un podio, o las grandes vistas que deben poseer cada una de las habitaciones. La etapa constructiva del edificio también genero problemas en su momento, teniendo acabados que a primera vista pueden verse deteriorados y han tenido que ser intervenidos en varias ocasiones, problemas acústicos también están presentes entre las paredes de las habitaciones. Un dato interesante que resalta Alan Berman en su libro y que muchas veces los arquitectos no tomamos en cuenta es la opinión de los habitantes que ocupan el edificio ya después de construido, explica que los problemas no terminaron cuando el edificio fue ocupado. Los estudiantes se quejan acerca del alto costo de la calefacción por el suelo, del ruido entre algunas habitaciones bastante agudo hasta que fue mejorado posteriormente con algunas ventanas secundarias. El techo de yeso comenzó a resquebrajase y tuvo que ser tumbado y reinstalado en 1973. No existen registros acerca de porque haya sucedido esto. La deformación y el resquebrajamiento causada por la pobre mano de obra en un área alrededor del podium y la rampa han sido pobremente tapadas. (8) 22

El edificio de Stirling hasta la actualidad controversia, punto que atractivo sobre todo en

desde su proyección inicial siempre estuvo lleno de de alguna manera lo hace el mundo de la arquitectura.

Día 4. ESTUDIOS. En la visita a el Aviario del Zoo de Londres de Cedric Price, además de sorprender la ligereza estructural con la que parece sostenerse el aviario, termina siendo un espectáculo el emplazamiento y el contexto con el que juega la estructura, donde para Price lo esencial no era esta en si misma sino su función, en este caso poder observar las aves como si la misma estructura pudiera permanecer invisible y dejar nuestro foco de atención en las aves. Finalmente concluimos con la visita a los estudios de arquitectura de Tony Fretton, Sergison Bates y David Chipperfield, en el caso de David Chipperfield probablemente el estudio más grande y conocido de los tres, es en el cual hemos podido observar de una manera más directa alguno de sus proyectos, al menos en su etapa final de presentación y maquetería, y lo que nos ha dado alguna idea de como trabaja el estudio, con la modalidad de diseñar por medio de modelos físicos que continuamente deben ser reelaborados a medida que se avanza y se hacen cambios en el diseño. Para la visita de Sergison Bates resulto bastante interesante el emplazamiento de su estudio, ubicándose en un típico antiguo barrio londinense con bastantes historias que contar. Dentro de su estudio hemos tenido una conversación directa con el arquitecto, donde nos ha contando anécdotas y descrito alguno de sus proyectos, en cuanto al funcionamiento del estudio no pudimos observar los verdaderos talleres de elaboración. 23

Es evidente la influencia que tienen Sergison Bates de David Chipperfield, de hecho gracias a David es que terminan desarrollando proyectos juntos. Concluyendo podemos remarcar la aproximación en ideas y proyectos que tienen estos tres estudios, muy enfocados en el correcto uso de los materiales como forma de expresión de sus proyectos, en casi todos los casos el uso del ladrillo como elemento constructivo y del muro como expresión formal y estructural.

So Real. Habiendo visitado estos estudios de arquitectura y algunas de sus obras en la ciudad de Londres, se hace necesario poner un poco en contexto los conceptos y tendencias con las que estas firmas han estado elaborando su trabajo estos últimos años. Es aquí donde empezaremos a escuchar nuevos conceptos, y en este caso en concreto el término de Super-normal, traído al tablero de juego de mano del diseñador industrial Jasper Morrison; y del cual se ha visto su notable influencia en los arquitectos antes mencionados. Es en el trabajo de éstos que podemos notar una búsqueda por recuperar los lenguajes y significados de la arquitectura tradicional inglesa, a través de la purificación formal y tectónica de los edificios. Es así que nos presentan un impresionante abánico de posibilidades proyectuales, que no buscan romper con el tejido de la ciudad; sino de alguna manera pasar desapercibidos y recuperar el valor histórico de ésta.

La simplicidad de las formas es esencial, como si un depuramiento de los estilos tradicionales fuera parte determinante para generar esta arquitectura; para estos arquitectos regresar a lo tradicional, en cuanto al manejo de materiales, conceptos, fundamentos estructurales es fundamental.

Por ejemplo el uso del muro como fachada y soporte del edificio es una parte tangible de el trabajo de Caruso St. John; donde las reinterpretacionas estilistas que hacen de las fachadas tradicionales es evidente. En Muchos casos los proyectos que desarrollan buscan reinsertar o regenerar preexistencias de la ciudad; o simplemente adaptarse de la mejor manera posible, hacer una arquitectura que se mimetize con el entorno existente y realze los valores históricos de la arquitectura británica. Es por ello que en nuestra visita a Londres hemos realizado una búsqueda por identificar estas tipologías de lo normal vs lo super-normal; y es en este pequeño trabajo que presento una serie de fotografías que demuestran un poco los conceptos anteriormente tratados.

CITAS. 1. Tomado de The Barbican: In Defence of London’s Ugliest Building. Tom Armstrong. 2. Pier Vittorio Aureli, El Espesor de la Fachada, Apuntes sobre la obra de Caruso St. John, pág, 22,23.

3. Adam Caruso, Forma y Resistencia, una Conversación con Caruso St. John. pág 14. El Croquis. 4. Tomado de Entrevista a Caruso St. John Architects, Revista Plot 23. 5. La influencia de los temas perceptivos y de recorrido del temenos griego en el complejo The Economist de Alison y Peter Smithson, David Jiménez. 6. Entrevista al estudio SelgasCano sobre el Serpentine Pavillion, tomado de Plataforma Arquitectura. 7. Jim Stirling and the Red Trilogy . three radical buildings by Alan Berman. 8. Jim Stirling and the Red Trilogy . three radical buildings by Alan Berman.

Estudio Londres CARUSO ST. JOHN/

En Colaboraci贸n con Roberto Cardini/

Caruso St John se funda en 1990, por Adam Caruso y Peter St John. Luego de trabajar juntos en ARU los dos arquitectos se asocian y dan origen a este estudio de arquitectura londinense. Caruso St John tiene dos oficinas, una situada en Londres, mas precisamente en el East End. Este es un barrio que fue fundado en el siglo XVII por los hugonotes (protestantes franceses) y empezó siendo un barrio marginal, que se fue llenando de comercios textíles propiedad de estos hugonotes. A mitad del siglo XIX el barrio empezó a ser poblado por la comunidad judía; hasta que su mejor posición social les permitió desplazarse a mejores barrios. Entonces fue cuando la comunidad bengalí empezó a asentarse en la zona, siendo en la actualidad la mayoría de sus habitantes bengalíes.

La segunda oficina o estudio esta ubicada en Zurich, Suiza. Esta emplazada en un barrio moderno en una zona de oficinas. Sobre sus dos estudios, y la diferencia que hay entre las dos ciudades de emplazamiento, se puede destacar: Tanto Londres como Zúrich son ciudades de una belleza no clásica, están llenas de potencial espacial. Ambas ciudades cuentan con infraestructuras y proyectos modernistas que han interrumpido su coherencia urbana del siglo XIX, pero todavía funcionan como las ciudades europeas, que son seguras y se pueden vivir a pie. Londres, sin embargo, es más liberal en su arquitectura; si bien gran parte de la capacidad de Peter y Adam para leer la ciudad proviene de vivir, trabajar y estudiar en Londres, especialmente en el East End, hoy parece que la ciudad está luchando por desarrollarse de una manera que verdaderamente considere sus necesidades, digamos, en términos del campo de lo público de la ciudad y sus viviendas. Su aparente ambición de asemejarse a Dubai y Bakú es desconcertante. Zúrich ha sido igualmente afectada por la globalización, pero los suizos procuran organizar esas fuerzas para atender también a las cuestiones locales y que la ciudad se desarrolle de manera significativa. Esta es una estrategia mucho más clara y equilibrada para lo que la ciudad debe proporcionar, y el sistema de concursos se las arregla para ofrecer muy buenos proyectos con los que cubrir las partes necesarias. También hay otras cosas que conectan a ambos lugares, por ejemplo, Suiza y Gran Bretaña todavía son sitios donde el arquitecto puede involucrarse mucho en la producción de edificios y ambos países cuentan con una razonable disponibilidad de hábiles contratistas para la construcción. 35

Previo al análisis de sus obras, es preciso situarse en el contexto acádemico, socio-cultural y arquitectónico de Adam y Peter, piezas fundamentales del estudio que lleva sus respectivos nombres. Solo con observar rápidamente sus obras, podemos percibir en los dos arquitectos una fuerte influencia historicista, así como una constante inquietud formalista. Ambos estudiaron a fines de la década de 1970, y la gran apertura de lo que la arquitectura podía ser en esos tiempos posmodernos fue en sí inspiradora y les abrió a cosas nuevas: Rossi y Venturi, la historia y el dibujo, que se tornarían piezas claves en la arquitectura de Caruso St John. Adam por ejemplo, antes de comenzar la carrera de arquitectura se formo en la historia del arte, influencia importante para comprender su arquitectura. Los dos, sin embargo, terminaron trabajando para Florian Beigel, en ARU, un arquitecto cuyas posiciones éticas y formales eran verdaderamente opuestas al empiricismo típico británico.

“Al principio nos interesaba todo aquello, probablemente nos convertimos en una especie de expertos mundiales en la obra de los Smithson. Pero un día se nos acabó la paciencia con ellos. Uno necesita seguir avanzando, no puedes hacer carrera basándote en unos arquitectos que al final tampoco construyeron tanto. Quizás puedas basar tu carrera en alguien como Miguel Ángel, pero no en los Smithson.”

Centro de Arte Contemporáneo de Nottingham. Reino Unido. El proyecto se encuentra ubicado en el centro de Nottingham en la zona llamada Lace Market, de la cual podemos observar cierto parelelismo con el Cast Iron District de Nueva York. En el diseño se plantea ofrecer un abánico de interiores que presentarán la diversidad y támbien la especifidad de los espacios que nos encontramos en una fábrica o en un almacén, pero desarrollados en un nuevo edificio. La conformación de las salas pondrán a prueba el montaje y la producción de arte contemporáneo, para ofrecer nuevos medios de interacción entre el artista y el espectador.

En este proyecto el tema del muro como fachada tiene mayor alcance y lo relacionan directamente con un tema de ornamento y tectonicidad. Caruso St. John buscan hacer el solar lo mas accesible posible, el resultado es un edificio inclasificable, donde su relevancia termina recayendo en cada uno de los muros que lo componen. Sin embargo dada a la complejidad formal resultante se busco desarrollar un motivo unificador para el exterior realizado en prefabricados de hormigón. La decoración en fachada contrarresta o complementa los ordenes monumentales mediante la presencia palpable de un tema detallado. El resultado del proyecto es un diseño sorpresivamente variado. Los arquitectos buscan evitar el típico espacio contenedor desarrollado en la mayoría de proyectos para arte contemporáneo. El volumen en su exterior tránsmite tranquilidad, pero sin embargo en el interior del mismo se crea una atmósfera compleja y matizada.

En estas dos obras, los arquitectos generaron espacios similares. Con un programa casi idéntico, en las galerías de Newport street y el museo de Nottingham los arquitectos diseñan espacios interiores muy parecidos. Pero a pesar de esto, posteriormente desarrollaban algo diferente. observando la galería de Walsall, podemos notar que la intención es otra. Ellos nos demuestran una leve flexibilidad a la hora de generar programa y proponer espacialidad. Los tres edificios fueron concebidos para exponer arte, pero sin embargo los espacios de exposicíon de la nueva galería de arte de walsall parecen a simple vista levemente muy diferentes. En Newport Street y Nottingam, claramente notamos una fuerte influencia minimalista con la totalidad de sus paredes blancas y sus espacios simples. Un telón de fondo para exponer arte con tendencia mundial y en todas sus formas obsecuente y sumiso. Un fondo blanco para ocultar el edificio y mostrar “mejor” el arte, sirviendo las paredes de pantalla para su proyección. Sin embargo, Caruso St John previamente habrían diseñado una galería que escapa a estos conceptos. En la Nueva galería de arte de Walsall, nos proponían algo diferente.

A pesar de no cambiar rotundamente el concepto, y considerando que se trata de otro tipo de arte, en la nueva galería de Walsall podemos observar por parte de los autores algunas inquietudes a la hora de proponer espacios para la exposición mucho más intensos que en las otras dos galerías. La utilización de madera e inclusive hormigón en las salas, reconduce el concepto y la intención del arte. Esta es una primera crítica que le podemos hacer al estudio. A pesar de estar enfocados en la fachada, la materialidad exterior y la tectónica del edificio, estos arquitectos muchas veces no proponen nada en sus espacios interiores y mucho menos en su “revolución” programática. En Walsall y Nottingham, al menos los autores trabajan las fachadas exteriores y la totalidad del edificio con propuestas materiales interesantes, con guiños técnicos y formales de calidad y muy bien intencionados. Sin embargo, en la galería de Newport street, vuelven a reivindicar el historicismo que los caracteriza, “rehabilitando” los edificios existentes, cuestión fundamental que debemos analizar a posterior y poner en tela de juicio, bajo un análisis más profundo. Sin duda el edificio de Walsall posee una espacialidad mucho mas compleja que las dos galerías antes mencionadas. Nos preocupa de sobremanera, que Caruso St John, bajo la influencia de grandes arquitectos propongan gestos formales y estéticos, y mantengan una postura sumisa e ingenua de la espacialidad y la propuesta programática.

Existe al menos una obra de Caruso St john en la que podemos mostrar su interes por la nueva espacialidad, su preocupación por los nuevos tipos de habitabilidad, y su leve interes social, más alla de que se trate de un caso sin tanta transcendencia como los demas expuestos. En la Brick House, Adam y Peter exponen todo su repertorio e interesante postura de los muros como fachada, la reinvidicación del ladrillo y su fuerte presencia tectónica, su arquitectura “adintelada”, pero a la vez lo hacen con mucha habilidad arquitectónica. Lo hacen en un solar muy complejo, entre medianeras y con un díficil acceso. En el centro de Londres, esta obra de Caruso logra con sus propios conceptos, a nuestro parecer un tanto conservadores, proponernos espacialidades de gran calidad, sensitivas, intencionadas, logra trabajar lo prográmatico, proniendo uno tipo de habitabilidad, se involucra en el recorrido del progama, de la casa, y nos propone espacialidad generada por distintas materialidades, como el hormigón, distintos tipos de ladrillos, maderas negras. Espacios al aire libre, semicubiertos, espacios intermedios, de usos múltiples. Creemos que esta obra es de mucho valor en la carpeta de Caruso St John y demuestra porque su arquitectura es muy valorada. Sin embargo, nos sorprende que estos arquitectos, con la influencia que tienen y hoy en día en la posición que ocupan, no nos propongan cambiar la arquitectura, influir fuertemente en el programa, radicalizar sus interesantes conceptos y hacer una arquitectura que cambie la forma de observar la realidad. Arquitectura intencionada, que revolucione conceptos, y no formas. 49

BIBLIOGRAFĂA 1-Revista EL CROQUIS, Caruso St John 1993 - 2013, Croquis editorial, Madrid, 2013. 2- Revista PLOT, Nro 23, Buenos Aires, Argentina, 2012. 3-Nuevos caminos de la arquitectura inglesa, Roiston Landau, Editorial Blume, Barcelona 1968. 4-www.metalocus.es. 5-http://www.revistaplot.com.

Rossi Aplicado El Helicoide. Caracas, Venezuela.

Permanencias.

Monumento sin destino.

Dentro del conjunto de edificios que nos ha dejado la arquitectura moderna en Venezuela, sobretodo en los años 50 y 60, destaca un edificio singular, el Helicoide; construido sobre una colina de la cual adopta su formología por medio de una perfecta simbiosis con la topografía del terreno; puesto que cada uno de los espacios propuestos en el proyecto se adaptan a ella y nada es concebido por imposición; representando un llamativo experimento de la modernidad. El proyecto es llevado a cabo en su momento por tres jóvenes promesas, arquitectos herederos del movimiento moderno, y de las ideas de Le Courbusier, Jorge Romero Gutiérrez, Pedro Neuberger y Dirk Bornhorst. Es Jorge Romero Gutiérrez, quien selecciona la ubicación del edificio sobre la roca Tarpeya, siendo el punto adecuado para proyectar una edificación de tal magnitud, flanqueado por una vía rápida y siguiendo las tendencias urbanísticas de la época, de agrupar una serie de programas variados en un solo proyecto arquitectónico. La localización del proyecto va a resultar en uno de los puntos más estratégicos y mejor conectados de la ciudad, situándose en la frontera del centro y el sur de la capital. La edificación consiste en un manto helicoidal de doble espiral, cuyas rampas entrelazadas envuelven el volumen con una muy suave pendiente que va generando diferentes espacios en su recorrido para cada uno de los programas. Dirk Bornhorst, en su momento hizo referencia a lo siguiente “Queríamos que fuera un centro comercial conocido en el mundo, que los turistas vinieran a Venezuela y lo visitaran como una atracción más”. El mismo Nelson Rockefeller quiso comprar el complejo y en una visita de Neruda a Venezuela afirmó “que es ésta una de las creaciones más exquisitas brotadas de la mente de un arquitecto”. En plena efervescencia artística de Salvador Dalí llego a ofrecer sus servicios para contribuir

en la decoración de este proyecto vanguardista. El Proyecto del Helicoide va a formar parte de un plan especial de Modernización llevado a cabo por el régimen de ese entonces, emprendido en 1956 por el presidente Marcos Pérez Jiménez. El programa incluía un centro comercial y de exposición industrial, un hotel de cinco estrellas, un estudio de televisión, un parque, un club de propietarios y en el séptimo nivel un palacio de espectáculos; en su momento también se planteo un helipuerto en la cubierta que funcionara como eje conector entre el aeropuerto de Maiquetía y la ciudad de Caracas. Este proyecto representaría todo un avance para la arquitectura latinoamericana; uno de sus puntos más llamativos lo destaca el acceso de los automóviles mediante rampas; teniendo en cuenta que fue una época de gran expansión para el uso del coche en Venezuela. En la cúspide del proyecto se encuentra un domo o cúpula geodésica, siendo una de las tres primeras construidas en aluminio inventadas por el ingeniero Buckminster Fuller, cuyo programa incluiría salas de exposiciones y la realización de actos culturales. El proyecto resulta imponente por la sublime estética de la estructura, donde su espacio curvo y envolvente y el orden geométrico de sus barras nos proporcionan un estimulante juego a los sentidos. Pero es en este momento que la inestabilidad política y económica de un país pueden entrar en coalición y cambiar radicalmente el destino de un edificio que se veía dirigido a el éxito. Cuando cae la dictadura de Marco Pérez Jiménez en 1958, los accionistas del proyecto abandonan el país, quedando éste sin financiación. En 1961 finalizan los trabajos con hormigón armado y se paralizan las obras; es en este mismo año que el proyecto es expuesto en el MoMA de Nueva York en la exposición “Roads”, consiguiendo una buena proyección en el debate arquitectónico internacional.

Es en 1965 que se reinician los trabajos, previéndose culminarlos dos años después. Es a partir de este momento que el Helicoide va a entrar en un juego del destino, donde factores económicos, políticos y sociales van a conformar una parte importante del presente y futuro del edificio. El Helicoide ha logrado transformar el paisaje de la ciudad, y es su estructura la que ha perdurado en el tiempo y se ha convertido en un punto de referencia para el ciudadano y para la historia de la arquitectura en Venezuela. Un edificio que nunca se culmino en su totalidad y nunca pudo cumplir la función para la que estaba predestinado, pero que aun así se ha convertido en un monumento de gran relevancia para Caracas, que ha generado controversia y debate durante los años. Es aquí donde la presencia de este gran elefante blanco, que desde una perspectiva rossiana se ha convertido en un monumento de la ciudad, y que desde ciertos aspectos ha transformado el desarrollo urbano y arquitectónico de la capital. Rossi nos señala que los elementos primarios pueden funcionar como componentes catalíticos, que aceleran o retrasan la evolución o crecimiento de la ciudad. Es aquí donde el Helicoide parece haber quedado suspendido en el tiempo a esperas de alcanzar su máximo potencial. A diferencia de monumentos arquitectónicos “momificados” como señala Rossi, el Helicoide resulta estar en una condición de aparente ausencia de programa; a esperas de una reinterpretación funcional. Es así que este monumento inacabado de la ciudad, cuyo programa inicial nunca se plasmo, ha cambiado su uso constantemente a través de los años. Son Variados los proyectos de reconversión que se han planteado para el Helicoide, pero ninguno ha podido ser concretado. 59

Desde propuestas gubernamentales que pretendían culminar el proyecto original, hasta nuevas propuestas para la Biblioteca Nacional, el Archivo General de la Nación, la Imprenta Nacional, el Museo Nacional de Historia, Museo de Ciencias, y algunas que buscaban repotenciar su uso comercial, a través de la implementación de salas de cine, teatros y un centro comercial. En 1979 el gobierno de turno permite albergar transitoriamente a unos 300 damnificados por las lluvias dentro de la estructura, que posteriormente produciría la invasión del mismo. Para 1982 la estructura contaba con unos 12000 habitantes aproximadamente; convirtiéndose en una zona de alto riesgo y peligrosidad. Ese mismo año se propone un proyecto para el Museo Nacional de Historia y Antropología junto con un complejo cultural, el cual si llego a iniciarse, produciendo el desalojo de la estructura y la instalación de la cúpula metálica que hoy corona a el edificio, pero que no fue culminado en su totalidad. Para la actualidad, se han venido instalando sin planificación previa una serie de organismos del estado, él más importante de los cuales es la Dirección de los Servicios de Inteligencia y Prevención. Por este motivo, durante el alzamiento militar del 27 de noviembre de 1992 hubo fuego aéreo contra la estructura y respuesta antiaérea desde ella. Desde el año 2003 la Universidad Bolivariana de Venezuela ha venido habilitando espacios para su funcionamiento docente y administrativo.

Newport street gallery CARUSO ST. JOHN/

Barrio de Vauxhall.

Londres, Inglaterra.

Plano de Ubicación. Esta Galería Privada en el Barrio de Vauxhall, aborda la reconversión de un extraordinario conjunto de edificios históricos protegidos, antiguamente destinados a talleres de carpintería teatral y producción de escenografías. 65

Contexto Inmediato.

La galería ocupa todo el largo de la calle y se compone de tres de los edificios protegidos, flanqueados en los extremos por edificios de nueva planta. Las Plantas de los cinco edificios son diáfanas y están interconectadas para permitir un conjunto de galerías utilizables en variadas combinaciones expositivas, ya sea para pequeñas o grandes exposiciones. 69

Nuevos VolĂşmenes.

Concepto

El Nivel de los suelos de los edificios protegidos se ha alterado de forma radical creándose nuevos niveles que mantienen una relación de lógica con los huecos existentes. Esto genera, a nivel de planta baja, una secuencia de espacios con altillos, y en el nivel superior, una serie de salas con diferentes cubiertas. A lo largo del edificio hay varios puntos de conexión vertical: escaleras singulares que facilitan un uso flexible de los niveles. Cada una de las escaleras ha sido concebida como un interior escenográfico que modela un conducto vertical de mampostería de ladrillo blanco. A fin de preservar la continuidad superficial del conducto de ladrillo, y con el objetivo de evitar la interrupción que supondría la aplicación de un pasamanos ligero- la pared exterior de la escalera lleva un pasamos de hormigón prefabricado, de color blanco y enrasado en la fábrica. La Inusual proporción de las Fachadas de los edificios existentes, con agrupaciones de huecos en la parte interior y planos ciegos en la superior, se repite en la fachada del edificio nuevo que sirve de acceso , situado en uno de los extremos del conjunto. La apacible variación de las formas de las salas de la Galería se refleja en los relajados lazos familiares de las cinco fachadas, antiguas y nuevas, que componen el alzado a la calle. Las Fachadas nuevas se construyen con un ladrillo de color similar al de la fábricas existentes, con objeto de enfatizar su conexión a modo de agrupamiento.

AXO Fachadas.

Fachada Oeste.

Fachada Este.

Caruso St John, entienden que los artistas prefieren exponer sus obras en espacios similares a almacenes, por lo que esto conlleva a una oportunidad ideal de relacionar el diseño de las salas expositivas con el pasado industrial del solar, donde existe una relación social y cultural relevante. Puede resultar irónico que el espacio para el arte contemporáneo se entienda o pueda entenderse como una fábrica, ya sea por la disposición de enormes y despejadas salas, que realmente podrían albergar cualquier tipo de uso. En este proyecto los arquitectos cuestionaron todas las convenciones de los espacios para el arte contemporáneo al diseñar un variado abánico de espacios cuya presencia se confía a los cerramientos. Los muros terminan siendo protagonistas de las formas que sostienen, en el diseño de los espacios, los arquitectos buscan imponer unos límites y sugerir unos pasajes, sin aleccionar a sus visitantes sobre como circular el espacio.

AXO.

En sus proyectos de galerías podemos encontrar el desarrollo de un exterior compacto pero en cuyo interior termina siendo un juego de recorridos engañosos, como lo podemos evidenciar en su proyecto de vivienda en Lincolnshire, donde las áreas internas son radicalmente distintas en único volumen compacto. Es así que para Caruso St. John la recuperación de el concepto de muro como eje principal de el desarrollo de sus proyectos es su manera de abordar en un mundo globalizado y tecnológico, los problemas de la arquitectura contemporánea.

La Obra de Caruso St. John/ El Muro como Fachada.

En la arquitectura de Caruso St. John es evidente su rechazo a el modelo Dom-ino propuesto por Le Courbusier , cuya lógica espacial de su reinvención sigue perdurando aún en nuestros días. Este modelo buscaba la reducción de la forma de la arquitectura a estructura, que termina siendo el aspecto crucial de su desarrollo. En él se suprimen el muro y la fachada y dejan de formar parte del protagonismo del espacio. Es aquí donde encontramos interesante la obra arquitectónica propuesta por Caruso St. John ; donde rechazan contundentemente y podemos verlo en la mayoría de sus obras el uso del modelo Dom-ino. 82

Fachada Frontal.

Para ellos la esencia de la arquitectura viene centrada en una sola estructura fundamental, que vendría siendo el uso del muro como fachada. Es aquí donde el propio cerramiento se convierte en el protagonista del espacio; como es bastante visible en la mayoría de sus diseños para galerías. Es importante aclarar que la presencia del muro en los proyectos de Caruso St. John trasciende su rol funcional como elemento de cierre. De una manera bastante singular ellos confían a estos elementos (muros y ornamentos) y no tanto a la planta, el testimonio último de la arquitectura. En una conversación con Adam Caruso, resalta que en su modelo de enseñanza buscan que el estudiante no proyecte a base de plantas, iniciando su proceso creativo de una manera más tridimensional por así decirlo, de hecho para Caruso St. John el dibujo de elevados o fachadas va a ser más relevante. 83

El muro no va a existir como una superficie desnuda, es importante para desarrollar todo su potencial como una figura arquitectónica activa e independiente, que el cerramiento se convierta en ornamento, de ahí el concepto de muro como fachada. Para Caruso St. John cada proyecto representa una oportunidad única de desarrollar algo distinto, no se dejan llevar por la idea de tener un sello reconocible en sus proyectos; pero si es evidente el tema de muro como fachada siempre intrínseco en su práctica. Otro aspecto que podemos evidenciar fácilmente es sus proyectos, como en la Newport Street Gallery o en el Centro Contemporáneo de Arte de Nottingham es la ausencia de pilares. De hecho desarrollan unos espacios museísticos más próximos a un espacio doméstico que a una galería de arte. En Wasall buscan impugnar la tendencia de proyectar salas para exposiciones de enormes dimensiones , al incorporar en sus diseños salas de diferentes escalas, que nos pueden recordar la variedad de espacios que encontramos en edificios antiguos, como el abánico de posibilidades espaciales que encontramos en Nottingham.

Posibilidades Futuras.

Cambio de Uso. Crecimiento Vertical.

Espacio PĂşblico.

Intervenciones Futuras.

Es posible que el Newport Street Gallery actúe como un catalizador para potencializar el uso urbano y público de donde se encuentra emplazado. Siendo un barrio residencial esta propuesta podría generar cambios en los programas de los edificios adyacentes. Si aplicamos las ideas propuestas para la intervención de la galería, es posible seguir un lenguaje similar que unifique los diferentes edificios que componen la Newport Street; la vía férrea que separa la galería con el otro sector de la ciudad podría ser clave para desarrollos futuros de carácter comercial y público. Teniendo una serie de bóvedas que podrían ser modificadas con un programa diferente. Repotenciando el valor del sector es posible que nuevos proyectos se interesen en reconvertir la zona en un nuevo centro de cultura en Londres, que a futuro podría generar cambios en el carácter residencial del lugar.

Madrid Anรกlogo Puerta del Sol/

Traza vehicular.

El planteamiento del ejercicio establecía que por medio de instrumentos gráficos se debía representar una situación urbana de interés en la ciudad de Madrid; que podría suponer un caso generado desde la macro escala geográfica, urbana o hasta adentrarse en un barrio o sector de la ciudad. Este análisis del Madrid Análogo se centra en el problema generado a raíz de las diferentes intervenciones de la Puerta del Sol, que lo han convertido en uno de los puntos más congestionados y controversiales de Madrid, y el cual ha ido evolucionando hasta su configuración urbana actual. La Puerta del Sol ha sido durante muchos años una plaza atravesada por el tráfico privado. Con el aumento del parque móvil automovilístico desde los años 50, se emprendieron en ella reformas para aumentar el protagonismo del coche y acotar el espacio de los peatones. Así la plaza se convirtió prácticamente en una gran avenida de dos sentidos: la de Alcalá-Arenal y la de MayorSan Jerónimo. A esto se le unían las calles que desembocaban en ella, todas con tráfico de coches: Preciados, Montera, El Carmen. En los años 60, los madrileños llenaban cada navidad las calles del centro de la ciudad para hacer sus compras. Esto llevó al Ayuntamiento a tomar la decisión de peatonalizar Preciados y El Carmen, algo que en su momento fue muy discutido, pues los comerciantes se quejaban de que esta medida arruinaría sus negocios. Actualmente Preciados es la calle más comercial de España. Las peatonalizaciones fueron parciales al comienzo, durante la época de compras, para terminar siendo permanentes años después. 97

A mediados de los años 80, la Puerta del Sol sufrió su última gran reforma hasta la actual. Aunque no se peatonalizó ninguna calle, el espacio peatonal en la plaza creció considerablemente. Finalmente, la construcción de la nueva estación de cercanías en Sol, y la ocupación de la superficie que ocasionó, fue el momento perfecto para cerrar el tráfico de las calles de Montera y Arenal y reformarlas. De este modo, ya era obvio que cuando la plaza quedase libre de las obras del tren se restringiría el paso de los coches. Tomando los antecedentes de la plaza en consideración, es por medio del siguiente gráfico que se plantea un hipotético futuro para la reconversión y evolución de la Puerta del Sol; en este sentido el espacio público y peatonal toma control absoluto del area de la plaza, produciendo en consecuencia una serie de espacios dirigidos para el desarrollo de diferentes programas de interés cultural y al peatón que se apodera del lugar. ¿És posible de alguna manera terminar con el paso vehicular en la Puerta del Sol?, y por ende disfrutar de un espacio completamente peatonal, pues de ser así, en el gráfico se plantea el desarrollo de la infraestructura de todos los servicios de movilidad y comunicación, entendiéndolos como vías para automóviles, autobús y metro. Las vías vehiculares pasarían a otro estrato, el subterráneo, permitiendo de esta manera liberar el espacio que pertenece a la plaza. Así podríamos plantear diferentes situaciones para el futuro de Sol, donde el resultado de este rápido ejercicio nos permite visualizar diferentes opciones que podrían generarse en un futuro no tan lejano para la plaza, replanteando el uso y provocando cambios en la ciudad.

Configuraci贸n Previa de Puerta del Sol. 100

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Madrid Anรกlogo. Puerta del Sol.

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Mezquita de c贸rdoba

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Mezquita de Córdoba. El Planteamiento del ejercicio proponía un interesante experimento proyectual; donde poniéndonos un poco en el contexto de las intervenciones que ha sufrido la Mezquita de Córdoba durante la historia; y el cambio de uso al que se ha expuesto, de una iglesia musulmana transformada y aún hoy en día en lo que es una Catedral Católica. Esto nos crea la inquietud de como podrían haberse generado otras soluciones formales en las ampliaciones o cambios de la mezquita. Es así que por medio de una planta y un dibujo en cualquiera de sus posibilidades, debíamos de proponer una intervención en la mezquita para proyectar una iglesia cristiana pero con la condición de solo utilizar elementos constructivos y estéticos de la arquitectura de la mezquita. Se ha propuesto así una planta en forma de cruz latina, que se genera a partir de uno de los ejes principales de la antigua mezquita, la planta estaría conformada por una nave central de mayor altura y sus respectivas naves laterales, en el resto del espacio y utilizando el sistema de doble arco se han generado una serie de espacios, que estarían destinados a patios, capillas y altares para la iglesia. La Direccionalidad de la Planta responde a la ubicación del altar lo más próximo al este.

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Ensayo sobre palmira El Arte detr谩s de la Destrucci贸n.

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El arte detrás de la destrucción. Palmira, ciudad situada en el desierto de Siria, precisamente en la actual provincia de Homs, representa uno de los puntos arqueológicos más importantes de la región, consolidada como Patrimonio Mundial por la UNESCO, y en la que recientemente se ha centrado el foco de atención internacional, debido a la ocupación de la zona arqueológica por parte del Estado Islámico (ISIS). La historia de Palmira esta escrita entre sus ruinas; antiguos templos, columnas y arcos que literalmente llevan en sus relieves la historia de la región; inscripciones que fueron escritas en griego y arameo palmireño, característica que añade cierta relevancia a sus ruinas ya que es un fenómeno bilingüe que solo se ha producido en esta región. Estas inscripciones representan una herencia histórica de la importancia que poseía la ciudad como punto fronterizo, donde durante siglos los mercaderes controlaron el comercio que transcurría entre el mediterráneo y Mesopotamia. Una muestra de la relevancia cultural de las ruinas data de una inscripción del 130 d.c; donde se honra al ciudadano Male Agrippa por la construcción de un templo dedicado a Baal Shamin (Dios Semita del Cielo), para conmemorar una visita previa del emperador romano Adriano. Palmira prosperó como un oasis en el desierto que servía de escala para las caravanas que transcurrían la ruta de la seda; pero es a finales del siglo III que alcanza su hegemonía bajo el reinado de Zenobia y logran relevarse brevemente contra Roma. Es en el 273 d.c que el reinado de Zenobia va a fracasar y a ser reconquistado por el ejército romano que ejecuta la destrucción de la Ciudad. Las características geográficas de la región fueron claves para la conservación de las ruinas, al tratarse de un clima desértico, lo

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que ha llevado a que en la actualidad y durante el siglo XX se haya convertido en uno de los puntos turísticos y arqueológicos más importantes de Siria. El grupo islámico ISIS recientemente se ha apoderado de la ciudad, por lo cuál el temor por la conservación del patrimonio se ha puesto de manifiesto por diversos grupos internacionales, en un principio ISIS prometio dejar intactas la ruinas de los Templos, arcos y columnas que conforman las ruinas; pero es en su guerra generalizada contra la herencia cultural de Irak y Siria, que han ejecutado la destrucción de ruinas importantes de la ciudad. El Templo de Baalshamin, una de las ruinas que mejor se conservaba en la ciudad arqueológica, fue completamente destruido por el grupo extremista islámico en el 2015. Baalshamin fue un templo dedicado a la deidad Cananea Baalshamin, y cuya construcción data para finales del siglo II a.c. , aunque posteriormente fue reconstruido en el 131 d.c, y es en el 115 d.c que es tomado por el cristianismo y convertido en una iglesia. La destrucción generalizada que ha empezado ISIS contra templos, arte y patrimonio de Siria e Irak no tiene precedentes, por lo que nos genera un llamado de atención a la divulgación y preservación documentada de éstos hechos históricos y del patrimonio que han destruido. ISIS ha provocado una campaña propagandística que incluye videos donde los militares hacen destrozos en el museo de Mosul, Irak, y dinámitan centenarios altares cristianos y musulmanes. Se han apoderado de grandes extensiones de Siria e Irak, lo que dificulta el acceso e impide los medios para proteger y evitar que sus militantes saqueen y destruyan los sitios bajo su control. Los extremistas islámicos afirman que la destrucción del patrimonio tiene fines religiosos, pero se ha convertido en un simple argumento para justificar lo injustificable; acciones que están acabando con una región conocida como la cuna de la civilización; y por la cual deberíamos tomar nuestras propias acciones.

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Bibliografía. -Las ruinas de Palmira : seguido de la Ley natural / Conde de Volney ; [traducción de Armando Ruiz Gómez], Madrid : Edaf, D.L. 1979. -Égypte, Nubie, Palestine et Syrie : dessins photographies / Maxime du Camp, Paris : Gide et J. Baudry, 1852

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MPAA 7