#7 Woody Allen
HOMENAJE A LOS CREADORES DE UN MUNDO FANTÀSTICO
CIEN AÑOS DE CINE
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WOODY ALLEN
CIEN Aﾃ前S DE CINE
#7 Woody Allen
#7 WOODY ALLEN Canto de amor a una ciudad
HOMENAJE A LOS CREADORES DE UN MUNDO FANTÀSTICO Heywood Allen Stewart Konigsberg; Nueva York, 1935) Director, actor y guionista cinematográfico estadounidense. Aunque llegó a ingresar en la universidad, no tardaría en abandonarla. Desde muy joven se dedicó a vender chistes a famosos columnistas y cómicos profesionales (Ed Sullivan, Sid Caesar, Jack Paar o Pat Boone). Más tarde escribió sketchs para clubes nocturnos, revistas de Broadway y programas de televisión, desarrollando una comicidad cercana a la de los clásicos Chaplin, Keaton, Lloyd, hermanos Marx y Jerry Lewis. Su primera aparición personal en televisión, en el Tonight Show, le permitió ser descubierto por el productor Charles Feldman, quien le encargó el guión de ¿Qué tal, Pussycat?, una comedia de Clive Donner rodada en 1965 en la que también actuó.
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Fotograma de Annie Hall, donde podemos ver al personaje Alvy Singer protagonizado por el mismo director.
Fotograma de la película Toma el dinero, otra pelicula el qual Woody Allen interpreta al personaje principal de la trama
Colaboraba, mientras tanto, en revistas como Playboy, The New Yorker y Evergreen.
EL CINE DE WOODY ALLEN EN EL TIEMPO
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En 1969 se le presentó la oportunidad de rodar Toma el dinero y corre, su primer filme como director, estructurado aún como una sucesión de gags. A ésta le siguieron películas como Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972), El dormilón(1973), o La última noche de Boris Grushenko (1975), trabajos que pusieron de manifiesto sus especiales dotes para la sátira. Uno de los méritos de Allen es haber conseguido actualizar
la comedia estadounidense, caída en desuso. Su personal estilo y su soltura en la narración propiciarían pronto los grandes éxitos. En 1972 coprotagonizó, junto a la actriz Diane Keaton, el largometraje Sueños de un seductor, de Herbert Ross. La interpretación de Woody Allen en esta comedia es uno de los hitos de su carrera. A continuación, Allen y Keaton iniciaron una relación sentimental que se vio reflejada en su participación en diversos filmes.
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Woody Allen es un director muy prolífico. En esta fotografia le podemnos ver en su faceta organizativa en un plató
Al hablar de la carrera de Woody Allen, siempre se ha sostenido que ha tomado virajes bruscos en sus planteamientos a lo largo de los años. Sin embargo, nunca se han diferenciado una serie de etapas concretas en su trayectoria, delimitadas por unas películas determinadas que han supuesto giros importantes en su producción. La idea que aquí nos proponemos es bucear en su filmografía para tratar de encontrar esas etapas y delimitarlas de la manera más concreta posible. Esto será difícil, ya que en el cineasta no ha existido una voluntad consciente de diferenciar esas etapas. Sin embargo, debido a los particulares avatares de su vida privada y profesional, su cine se ha ido configurando de una manera determinada, particular.Ya puestos en ello, buscaremos caracterizar con mucha exactitud esas etapas. Para ello, nos asomaremos a todas y cada una de las películas que ha afrontado como director y guionista.
UN CINE MUY PARTICULAR A ellas sumaremos Sueños de un seductor que, aunque dirigida por Herbert Ross, está basada en una pieza teatral de Allen y tiene el inconfundible carácter de su cine. No se tendrán en cuenta otras películas en que su labor se limitó a la actuación (como La Tapadera o Cachitos Picantes). Así mismo, queda fuera del análisis la primera película dirigida por Allen, What’s up, tiger Lily? (conocida en España como Woody Allen: El número uno). Se trata más que de una película de un experimento en el que Allen dirigió el doblaje que se realizó a una cinta asiática de acción y que permitió que se cambiara su argumento por otro más cómico. Nosotros preferimos fijar el inicio de su carrera en Toma el dinero y corre, en la que aparece por vez primera el habitual personaje alleniano que marcará su carrera no solo como actor sino como director y guionista. Así que nos sumergiremos en una carrera cinematográfica que escribe una huella única en la posmodernidad cinematográfica. Nos fijaremos detenidamente en el cine que le influye con más fuerza en cada obra y veremos la relevancia que esto tiene en el devenir de su carrera. La carrera profesional de Allen Stewart Koninsberg comienza cuando en su juventud escribe chistes para distintos periódicos.
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BIOGRAFIA (Heywood Allen Stewart Konigsberg; Nueva York, 1935) Director, actor y guionista cinematográfico estadounidense. Aunque llegó a ingresar en la universidad, no tardaría en abandonarla. Desde muy joven se dedicó a vender chistes a famosos columnistas y cómicos profesionales (Ed Sullivan, Sid Caesar, Jack Paar o Pat Boone). Más tarde escribió sketchs para clubes nocturnos, revistas de Broadway y programas de televisión, desarrollando una comicidad cercana a la de los clásicos Chaplin, Keaton, Lloyd, hermanos Marx y Jerry Lewis.
SU PRIMERA APARICIÓN PERSONAL EN TELEVISIÓN En el Tonight Show, le permitió ser descubierto por el productor Charles Feldman, quien le encargó el guión de ¿Qué tal, Pussycat?, una comedia de Clive Donner rodada en 1965 en la que también actuó. Colaboraba, mientras tanto, en revistas como Playboy, The New Yorker y Evergreen. A esa época se remonta su afición al jazz; empezó tocando el saxo y luego se pasó al clarinete. En 1969 se le presentó la oportunidad de rodar Toma el dinero y corre, su primer filme como director, estructurado aún como una sucesión de gags. A ésta le siguieron películas como Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972), El dormilón(1973), o La última noche de Boris Grushenko (1975), trabajos que pusieron de manifiesto sus especiales dotes para la sátira. Uno de los méritos de Allen es haber conseguido actualizar la comedia estadounidense, caída en
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desuso. Su personal estilo y su soltura en la narración propiciarían pronto los grandes éxitos. En 1972 coprotagonizó, junto a la actriz Diane Keaton, el largometraje Sueños de un seductor, de Herbert Ross. La interpretación de Woody Allen en esta comedia es uno de los hitos de su carrera. A continuación, Allen y Keaton iniciaron una relación sentimental que se vio reflejada en su participación en diversos filmes, entre ellos el más galardonado de los dirigidos por Allen, Annie Hall, que obtuvo el Oscar al mejor director, al mejor guión original (Marshall Brickman y el propio Allen), a la mejor actriz (Diane Keaton) y a la mejor película. Después de rodar en 1978 el film bergmaniano Interiores, en 1979 volvió a la comedia con su obra Manhattan, una de las más destacadas de su carrera. Crónica romántica y divertida del ambiente seudointelectual neoyorquino, Allen protagonizaba la película junto con Diane Keaton, Michael Murphy y Mariel Hemingway. Según el propio autor, la fotografía (en blanco y negro) no hace suficiente justicia a la belleza de Hemingway: “Eres la respuesta de Dios a Job”, dice Woody a Mariel en una de las escenas. Historia de enredo y crónica sentimental entre dos parejas que intercambian amores, Woody Allen da vida en Manhattanal guionista de televisión Isaac Davis, enamorado de la adolescente Tracy. Esta relación con una menor escandalizó al público estadounidense y la película fue califi-
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cada R, sólo tolerada para mayores. El objetivo de Allen no era crear escándalo, sino rendir homenaje a su ciudad y a su músico, George Gershwin. Manhattan logró el favor de la crítica y obtuvo dos nominaciones al Óscar, mejor guión y mejor actriz secundaria (Mariel Hemingway).
EL PERSONAJE DE WOODY ALLEN Arquetipo del ciudadano medio estadounidense, es un hombre judío de marcado aire tímido y neurótico, obsesionado por el sexo y el psicoanálisis, y con dificultad para relacionarse con las mujeres: un nuevo tipo cómico que ya había adquirido entidad en Annie Hall. Si Chaplin o Marx utilizan disfraces específicos que permiten diferenciar el personaje y la persona, en el caso de Allen ambos forman, aparentemente, un
solo individuo. Woody lleva, fuera y dentro del escenario, los mismos pantalones de pana holgados y el mismo suéter gastado, las mismas gafas de montura negra y los mismos zapatos cómodos. Su personaje, un inadaptado obstinadamente juicioso que persevera a pesar de miedos y neurosis, es una divertida creación a partir de una base personal exagerada.
Fotografia del director Allen en un estudio de Brian Hamill cuando era joven. Siempre con sus gafas de pasta y su mirada peculiar.
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Fotograma de Annie Hall, donde podemos ver al personaje Alvy Singer protagonizado por el mismo director.
Fotograma de la película Toma el dinero, otra pelicula el qual Woody Allen interpreta al personaje principal de la trama
Años después entrará en el mundo de los comediantes stand-up, interpretando sus propios monólogos de humor en locales nocturnos neoyorkinos.
ETAPA CÓMICA O PRECLÁSICA
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Su éxito en esta labor le llevará a colaborar como humorista en diversos programas de televisión. Sus primeras experiencias cinematográficas le llegarán con la interpretación de un papel secundario en la parodia de la saga de James Bond Casino Royale (junto a Peter Sellers) y en la ya mencionada What’s up, tiger? En un principio Allen no tiene pensado dirigir su primer
guión original de largometraje. Sin embargo, ante la imposibilidad de encontrar un director adecuado para el proyecto, Allen decide finalmente ponerse también tras las cámaras. La película Toma el dinero y corre (1969), en la que interpreta a Virgill, un ladrón sin suerte ni en el amor ni en los golpes que realiza. La cinta, planteada de forma muy original como un falso documental sobre la vida del ladrón tiene su principal atractivo en la elaboración de los gags, a partir de los cuales gravita toda la
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construcción de la película (especialmente antológicos resultan el del violonchelo o el de la pistola de jabón). Y es que ya en la primera película estamos ante el rasgo principal que va a caracterizar a su cine de esta época preclásica Y esto es que todo se articula alrededor del humor.
HUMOR VERVAL
La historia se construye porque Allen saque a relucir sus dotes de cómico y para que los chistes funcionen. Y lo cierto es que lo hacen. Para certificar lo dicho nos acercamos a su siguiente obra, Bananas (1971), realizada poco tiempo después (es de sobra conocido que Allen realiza una película al año, aunque hay excepciones). En este caso el trasfondo son las revoluciones que se están llevando a cabo por diversos grupos armados en algunas zonas de América del Sur. En una de estas guerrillas acaba Fielding, el personaje de Allen, por tratar de conquistar a una mujer. A pesar de lo que pueda parecer por el argumento, en la película no hay intención alguna de comentario o sátira política.
Solo entendiendo la preeminencia de la risa en esta etapa de su carrera puede entenderse Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y no se atrevió a preguntar (1972). En este caso estamos ante una película formada por varios gags independientes argumentalmente, y que solo tienen en común la temática sexual y el humor absurdo e irreverente (destacan el del médico enamorado de una oveja y aquel en el que Allen interpreta a un espermatozoide). Desprovisto de toda complejidad en su puesta en escena, Allen elude casi cualquier referencia intertextual. (Por su obra posterior sabremos que el director se está forjando una importante cultura cinematográfica, pero en una comedia alocada como esta no se puede ni intuir).
Allen conjuga humor verbal y gags visuales en una película en la cual los chistes vuelven a ser lo importante. Va tomando forma su inagotable personaje de perdedor y vuelve a aparecer una historia de amor en la peripecia del protagonista. Aunque, al igual que en Toma el dinero y corre, esa trama romántica carece de toda complejidad y no es más que un complemento al humor.
Con El dormilón (1973) aparecen las primeras críticas positivas por parte de analistas cinematográficos más serios. La comedia en este caso se construye aprovechando un universo similar al descrito por la novela de Orwell 1984. En este mundo futurista, Allen crea por primera vez una historia de amor más seria y lograda. Aunque lo que predomina por supuesto son los chistes. Y es que ver al neoyorkino como un robot futurista es sin duda lo más recordado, más allá de un lenguaje que empieza a estar mejor articulado.
Woody Allen es un director muy prolífico. En esta fotografia le podemnos ver en su faceta organizativa en un plató
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Fotograma de la película Match Pont protagonizada por Scarlett Johansson, su máa actual musa de seus películas.
CARÁCTER POSTMODERNO EN SUS OBRAS
Aunque realizada un año antes que El dormilón, es importante que mencionemos ahora la primera película en la que Allen introduce el cine ajeno en su obra, dándole un carácter profundamente posmoderno. Nos referimos a Sueños de un seductor (1972) que, aunque está dirigida por Herbert Ross, entronca perfectamente con el cine que hace Allen en la época e incluso introduce ciertos componentes temáticos que desarrollará en obras posteriores. En la película, Allan Felix (el personaje de Allen) es aconsejado en temas amorosos por nada menos que Humphrey Bogart(ataviado como Rick Blaine, su personaje en Casablanca). La cinta despega a partir de las referencias a la mítica película de Michael Curtiz, que se hacen más patentes hacia la parte final. Contemplando la película se observa que probablemente es lo más posmoderno que ha hecho Allen (y curiosamente no lo dirigió). En 1975, dos años después de El dormilón (es
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significativo que pasara un año en blanco), Allen realiza Love and Death (traducida estrafalariamente en España comoLa última noche de Boris Grushenko). Es curioso que esta película sea desconocida para muchos ya que marca claramente una bisagra entre esta época y la que vendrá a continuación. Y es que, a pesar de que los chistes siguen siendo lo primordial (impagables los intentos de Boris de ser un buen soldado), Allen se destapa como un cómico con inquietudes tanto cinematográficas como filosóficas. El director rueda y monta las batallas a la manera de Serguei Eisenstein y deja por primera vez que Ingmar Bergman se cuele en su cine, dando presencia física a la muerte de manera similar a como lo hizo el sueco en El Séptimo sello. Por otra parte, sorprende el carácter claramente existencialista de las conversaciones que mantienen entre chiste y chiste Boris y Sonia (interpretada por Diane Keaton, su musa por aquella época).
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De esta forma acaba la etapa puramente cómica del cine de Woody Allen. La importancia frontal de los gags, la construcción del personaje perdedor y miedoso y la historia de amor difícilmente correspondida son los pilares fundamentales sobre los que el neoyorkino ha construido estas películas. En ellas, es reconocible la impronta de los Hermanos Marx y de Buster Keaton. Sin embargo, Allen aún no ha encontrado ese cine que lo caracterizará, por el que se le imita y por el que la mayoría lo recuerdan. En Love and Death se intuye la posibilidad de que Woody Allen, además de ser un excelente cómico, sea un cineasta importante. Es curioso que, tras esta película, vuelva a tomarse un año de descanso antes de realizar Annie Hall (1977). Galardonada con el Oscar a mejor película y considerada una de las obras maestras de la historia del cine en Estados Unidos, con esta película Allen entra, y de que manera, en su segunda etapa. En esta película están ya todas
las cualidades que tendrá el cine de Allen más recordado universalmente. Su personaje débil y perdedor de la etapa cómica está ahora también descrito como un intelectual, aunque algo contradictorio (en el fondo, el protagonista, Alvy Singer, está más interesado en el sexo y en ver deporte por televisión). A partir de este personaje, todos los que interprete Allen se corresponderán hasta cierto punto con lo que él hace en su propia vida, confundiéndose persona y personaje.
HISTÓRIAS DE AMOR DRAMÁTICAS Desde esta película, las historias de amor se rebelan más profundas y dramáticas. Los problemas de pareja, de la insatisfacción sexual a la incomprensión familiar, pasan a primer plano y con esto la referencia al cine moderno europeo se hace más plausible, además de por la estructura temporal, lejos de la linealidad. El humor sigue presente, aunque más agridulce, y ahora deja de basarse en gags visuales para limitarse a las mil y una répli-
cas de Allen, muchas de ellas recordadísimas. La importancia de la mujer en el cine posmoderno también está presente en la película, con la creación del personaje de Diane Keaton, uno de los más fuertes referentes femeninos de toda la Historia del Cine. Tras el mayor éxito de su carrera (aún lo sigue siendo) Allen bucea más profundamente en sus principales referentes cinematográficos y encuentra a Ingmar Bergman. Primera de una serie de tres películas, Interiores (1978) recuerda al maestro sueco, desde la fotografía a la interpretación, pasando por supuesto por la temática, de corte dramático y existencial. Allen renuncia a aparecer y el público renuncia a ir al cine, siendo tachada además de fraudulenta por los críticos. Tras el chasco llega Manhattan (1979), curiosamente su película mejor considerada
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ETAPA MANIERISTA
por los cinéfilos. Allen no quería que se estrenara, ya que creía que la posteriorRecuerdos (que ya había rodado cuando se estrenó esta) era su respuesta más lógica a lo sucedido con Interiores. Sin embargo, la película por suerte se estrenó y fue un éxito. Fotografiada en blanco y negro por un maestro de la iluminación en el cine clásico como Gordon Willis, la película recuerda en muchos aspectos a Annie Hall y forma junto a ella el núcleo duro del Allen clásico. El carácter semiautobiográfico, la referencia al melodrama de enredos clásico de Hollywood, el tono agridulce, la presencia de Nueva York como un personaje más o el gusto particular en la selección musical hacen de este uno de los grandes clásicos de Allen, en el que se constata también un exquisito
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CARÁCTER AUTOBIOGRÁFICO Esta respuesta tan obvia como tajante potencia el carácter autobiográfico de la etapa clásica de Allen. La referencia formal y temática es en este caso el cineasta italiano Federico Fellini y su 8 y ½, al que la película recuerda muchísimo (Allen queria llamarla 8 a secas, ya que le faltaba un poco para alcanzar a Fellini). Una vez más un cineasta de los 70 toma algo del cine moderno europeo, lo asume y lo reutiliza en su estilo. gusto en la composición de los planos. Con la posterior Recuerdos (1980) se exorcizan los demonios cinematográficos de Allen. La peícula cuenta la historia de un director que hacía comedias y se pasa al drama al no encontrar sentido a la vida, siendo rechazado entonces por crítica y público.
Una vez zanjada la polémica, Allen rebaja el tono con La comedia sexual de una noche de verano (1982). Con influjos de Shakespeare (hasta en el título) y de Bergman (en lo cinematográfico), la película es una sencilla comedia, aunque con más contenido.La posterior Zelig (1983) es una verdadera rareza en la carrera de Woody Allen. Trabajada como un falso documental ambientando 50 años antes, la película tiene más intencionalidad de lo que pueda parecer a simple vista. Aunque queda
Diane Keaton
Julia Roberts
Tras trabajar con él, las mujeres de Woody Allen se han convertido en iconos del mundo del cine y de la moda. La obsesión de Allen por las mujeres llega hasta tal punto que, incluso, algunas de sus películas llevan el nombre de una mujer como “Annie Hall“, “Alice“, “Hannah y sus Hermanas” o “Melinda y Melinda“. Vamos a recordar a continuación a algunas de ellas. Por ejemplo, Samantha Morton trabajó con Allen en “Acordes y Desacuerdos” y consiguió gracias a él impulsar su carrera ya que consiguió ser nominada a un Oscar y a un Globo de Oro como Mejor Actriz Secundaria. También Melanie Griffith ha conseguido trabajar con este director de cine, concretamente en “Celebrity” y Christina Ricci, tras haber realizado ya varias películas, en “Todo lo Demás” con la que Woody Allen consigue cumplir el sueño de dirigirla en uno de sus films.
Scarlett Johansson
Penelope Cruz
inspiración de Allen en sus primeras películas. Lo mismo ocurrió con Diane Keaton y conMia Farrow que también formaron parte de la vida privada del director. De esta forma, muchos consideran que los films de Allen están inspirados en las relaciones sentimentales que él mantuvo con algunas de sus actrices favoritas. Siempre busca la innonvación y, para ello, no duda en buscar caras nuevas y descubrir nuevas actrices. Entre las mujeres que han caído en las redes cinematográficas de Allen están: Radha Mitchell(”Melinda, Melinda“), Uma Thurman, Samantha Morton (”Acordes y Desacuerdos“), Elizabeth Shue (”Desmontando a Harry“), Dianne West(”Septiembre” y “Hannah y sus Hermanas“), Mira Sorbino (”Afrodita“),Melanie Griffith (”Celebrity“), Julia Roberts (”Todos Dicen I Love You“),Amanda Peet, Scarlett Johansson (”Match Point“), Penélope Cruz…
La vida y el cine se han cruzado varias ocasiones en la historia de este peculiar director. Algunas de sus grandes musas se conviriteron en sus grandes esposas.Louisse Lasser fue su segunda mujer y también fue la fuente de
COLABORADORES 283
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FILMOGRAFIA Midnight in Paris 2011 Conocerás al hombre de tus sueños 2010 Si la cosa funciona 2009 Vicky Cristina Barcelona 2008 Cassandra´s dream 2007 Scoop 2006 Match point 2005 Melinda y Melinda 2004 Todo lo demás 2003 Un final made in Hollywood 2002 La maldición del escorpión de jade 2001 Granujas de medio pelo 2000 Acordes y desacuerdos 1999 Celebrity 1995 Desmontando a Harry 1997 Todos dicen I Love You 1996 Poderosa Afrodita 1995 Balas sobre Broadway 1994 Misterioso asesinato en Manhattan 1993 Sombras y niebla 1992 Maridos y mujeres 1992 Alice 1990 Delitos y faltas 1989 Historias de Nueva York 1989 Otra mujer 1988 Días de radio 1987 Septiembre 1987 Hannah y sus hermanas 1986 La rosa púrpura de El Cairo 1985 Zelig 1983 Recuerdos 1980 Manhattan 1979 Interiores 1978 Annie Hall 1977 La última noche de Boris Grushenko 1975 Bananas 1971 ¿Qué tal, Pussycat? 1965
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Otra mujer (1988) cerrará la trilogía bergmaniana, y en este caso obteniendo además una entusiasta recepción por parte de la crítica, que reconoce por fin que Allen puede trasladar su universo al drama puro y duro. Aunque aquí llega a contar con el mítico director de fotografía del propio Bergman (Sven Nykvist), el drama por vez primera es puramente alleniano, convirtiéndose la obra en el reverso triste de esta etapa clásica, que está a punto de cerrarse. Y que efectivamente se cerrará con Delitos y faltas (1989). Allen consigue aquí mezclar tanto la comedia como el drama de su etapa clásica con mucho acierto. A sus obsesiones habituales se unen el crimen y la culpa, con influjos de Dostoievsky que serán retomados muchos años después en Match Point. Es probablemente la única película de Allen sobre la que no hay voces disonantes: todo el mundo está de acuerdo en que es magistral. Así por tanto se cierra la época clásica de Allen, que como corresponde siempre a lo clásico, será la mas recordada
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encuadrada en esta etapa que hemos denominado clásica de su carrera, la obra es tan particular que no cuadra bien en ninguna de los periodos.
UNA NUEVA ETAPA
De nuevo con Gordon Willis encargándose de la fotografía en blanco y negro, Allen vuelve a su cine más puro con Broadway Danny Rose (1984) , historia que lo devuelve a la senda de su normalidad, en la que cada vez va a sentirse menos cómodo. Esto lo demuestra La rosa púrpura del Cairo (1985), en la que empieza a conjugar los elementos melodramáticos con los mágicos de forma que nunca se había visto en su carrera.
SUS TEMAS CLÁSICOS En la época de la depresión, Cecilia olvida sus penas yendo al cine y enamorándose de los héroes de las películas. En una sesión, el protagonista se escapa de su película (llamada como la obra de Allen), cayendo en el mundo real de Cecilia, produciéndose una historia de amor surrealista y profundamente imaginativa. Aún introduciendo elementos de la que será su posterior etapa manierista, la amargura del desamor vuelve a ser el tema principal y clasifica al film dentro de la etapa clásica. Allen ha llegado a admitir que esta es la película por la que le gustaría ser recordado. Tras las alabanzas, Allen se embarca en Hannah y sus hermanas (1986), que también pasará a formar parte de lo más laureado de su carrera. Hace hincapié en sus temas clásicos (sexo, religión, desamor, Nueva York, jazz, arte…) pero en este caso construyendo una trama coral. Los resultados demuestran su capacidad para generar obras maestras en esta etapa. Al año siguiente hará dos películas, una bergmaniana y otra felliniana. Relajado por sus últimos éxitos, vuelve a fascinarse con sus cineastas preferidos. Por tanto,Septiembre (1987) se sitúa en la estela de Interiores (y obtiene una similar recepción) mientras que Días de radio (1987) de Amarcord en la que Allen relata recuerdos de su infancia relacionados con la radio. Rodada con excelente dirección artística y vestuario, la película es muy interesante ya que sirve para localizar el origen real del
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PERSONAJES Personajes interpretados por el mismo director dentro de sus propias películas de la más antigua a la más reciente.
En persona, Woody Allen es igual a todos los personajes de sus películas: nervioso, paranoico y muy divertido. Tal vez por eso sus críticos más “fieles” no se cansan de reprocharle que se repita una y otra vez en la pantalla. Annie hall, conocida en castellano como Dos extraños amantes (Hispanoamérica), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Óscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Bananas, conocida en castellano o español también como La locura está de moda (en Venezuela), de 1971, es el tercer filme que dirigió Woody
Allen, y que además escribió y protagonizó. La película se desarrolla a modo de sátira política siguiendo una historia que hace bastante alusión a la Revolución Cubana (o alguna que otra sucedida en América Latina). Scoop, es una película del género comedia escrita y dirigida por Woody Allen, estrenada en 2006, filmada en Londres y protagonizada por Scarlett Johansson, por el propio Woody Allen y por Hugh Jackman.
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Fotograma de la película Vicky Cristina Barcelona, donde los protagonistas los formaban Penélope Cruz, Scarlett Johansson y Pedro Almodóvar.
creencias generales sobre su persona y su personaje y lo lleva a la parodia en este caso introduciendo en esta historia el mito freudiano del Edipo. Por otra parte, lo que antes fueron excepciones ahora será sistemático. La magia, lo irreal, lo fantástico va a ser clave en sus tramas, cada vez más desestructuradas, alocadas y aceleradas.
e imitada. Sin embargo, la investigación sobre sí mismo y su propio cine, así como la experimentación formal (que ya había probado en Zelig y La rosa púrpura del Cairo) pasarán a tomar ahora el papel principal. Francis Ford Coppola y Martin Scorsese son siempre considerados como dos de los principales cineastas posmodernos, al contrario que ocurre con Woody Allen. Los tres grandes cronistas de la ciudad de los rascacielos se unieron en 1989 creando cada uno un mediometraje para la obra conjunta Historias de Nueva York (1989). Será justo
en esta obra que comparte con dos compañeros de generación con la que Allen de el salto a su etapa manierista. En su fragmento, Edipo reprimido, la represora madre del protagonista desaparece en una sesión de magia (un elemento constante en su obra a partir de ahora). Cuando reaparezca, será en el cielo de la ciudad y aprovechará para dejar a su hijo en ridículo ante todo el mundo. La razón por la que está película supone un paso más en la carrera de Allen es por el hecho de que empieza a jugar en varios sentidos. Por un lado ya es consciente de las
La siguiente película sirve para consolidar esta nueva etapa. En Alice (1990) hay magia, locura y una estructura de guión novedosa en la carrera de Allen, con un final totalmente súbito que se repetirá en la película posterior Sombras y Niebla. Allen sale de su cine para introducir una trama extraña e impactante, que lo introduce de lleno en la posmodernidad cinematográfica desfasada que serán los años 90.
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Annie Hall conocida en castellano como Dos extraños amantes (Hispanoamérica), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Óscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Con un guion que ha sido imitado, parodiado y homenajeado.
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