Mandrágora 0 2 by Gemma Cubells

Julio/Agosto 2013 1,50€

XENOZOIC & ROLL!!

UNA CHARLA CON PELLEJERO EL FENÓMENO CREEPYPASTA

Julio/Agosto 2013 1,50€

ZONA CREEPY: SLENDERMAN

ENTREVISTA A STEPHEN KING PELÍCULA: INSIDIOUS 2

Julio/Agosto 2013 1,50€

ZONA CREEPY: JEFF THE KILLER ENTREVISTA A WES CRAVEN PELÍCULA: EXPEDIENTE WARREN

SUMARIO 2

XENOZOIC & ROLL.

EL FENÓMENO CREEPYPASTA

EL ÚLTIMO MACHO ALFA.

PORTFOLIO

UNA CHARLA CON PELLEJERO.

MEMORIA

TABLA

REVISIÓN: ALIEN

REPORTAJE

Mark Schultz

Xenozoic & Roll A finales de septiembre se inauguraba en el Casal Solleric la muestra dedicada al creador americano Mark Schultz. En ella pueden contemplarse parte de los originales que componen su obra más conocida, Xenozoic Tales.

ambién algunas de sus portadas e ilustraciones para series y personajes tan populares como Conan, Predator o Alien. Sumen a eso un amplio conjunto de bocetos y un catálogo profusamente ilustrado, que

contiene una extensa entrevista con el autor. Como podrán suponer, quienes hemos tenido el honor de participar en este proyecto, nos sentimos especialmente orgullosos de sus resultados. Hace ya casi un mes, cuando ultimábamos algunos detalles de su viaje, tuve ocasión de expresarle mi pesar por lo ocurrido en Nueva Orleans. Su respuesta fue más o menos la siguiente: “Sí, la situación allí es una desgracia. Y es especialmente triste porque la ciencia ya nos había dicho que esto iba a suceder tarde o temprano. Era sólo

cuestión de tiempo, pero muy pocos se lo tomaron en serio, hasta que fue demasiado tarde. Así de arrogante se muestra una sociedad en declive”. Ese tono científico-apocalíptico define bien a un autor que ha labrado su carrera mezclando profecías ecológicas sobre posibles desastres futuros, con acabados deudores de glorias pasadas. Esas preocupaciones le llevaron a escribir un argumento para Superman en el que prácticamente predecía lo que ha ocurrido con Nueva Orleans. En esa historia, el héroe se enfrentaba

REPORTAJE

a la disyuntiva de desviar o no el curso de un tornado que amenazaba unas casas construidas sobre terreno ganado al mar. El alienígena favorito de América se preguntaba si los hombres tenían derecho a jugar con la naturaleza a su antojo y si era moral proteger a semejantes inconscientes. Similares discursos encontramos en algunos de sus argumentos para Alien, otra de las series en las que ha colaborado como argumentista y portadista. Schultz fácilmente podría ser definido como un conservador en lo formal y un radical en lo temático. No es su única contradicción. Su propia carrera parece contada al revés. Desarrollar Xenozoic Tales le llevó diez años. Tiempo que apenas se traduce en un conjunto de algo más de 300 páginas. Piensen que los autores americanos dibujan normalmente más de 200 planchas al año. Es poco incluso para Europa. Si entendemos que los creadores más populares sólo sacan un álbum de 48 páginas al año, en una década tendríamos cerca de 500 páginas.

explicación tiene que ver con todo lo que Xenozoic Tales le exigía. Necesitaba demasiado tiempo para alcanzar los niveles de calidad que deseaba. En la serie entran en juego todos los factores que definen al autor de comics completo. Argumento, dibujo, narrativa, rotulación... Nada escapa a la exigencia de este maniático del control. Evidentemente, es más relajado construir guiones para otros o dibujar portadas o ilustraciones sueltas. Como podrán comprobar quienes acudan al Casal Solleric, el que para el autor resulten más rentables estos trabajos esporádicos, no rebaja un ápice su calidad. Y es que, como ya he señalado, Schultz transita la senda de los grandes clásicos. Para algunos éste es su principal defecto. Su dibujo, de un realismo perfeccionista, no aportaría ninguna

novedad y sería deprimentemente conservador en sus intenciones. Claro que para otros, entre los que me cuento, la tradición en la que se mueve es encomiable. Su dominio de los contrastes de blanco y negro, la vitalidad y movimiento de sus figuras, sus exquisitos acabados... Son todas ellas destrezas difíciles de imitar y perfectamente admirables, si nos sacudimos de la cabeza nuestra habitual obsesión por lo nuevo. Obsesión que, como acertadamente han señalado Heath y Potter, los autores de ARebelarse vende@, consigue que sean los más radicales quienes más colaboren en el mantenimiento de un sistema que desprecian, al favorecer el ciclo interminable de nuevos productos. Personalmente, mi capacidad para rendirme ante las supuestas novedades es cada día más limitada y agradezco la existencia de creadores como Schultz,

Schultz, por tanto, se tomó su tiempo con esta serie. Hay un gran componente de desafío personal, ya que corrió sus riesgos al dejar un trabajo insatisfactorio pero que le permitía vivir. Su aventura incluía recuperar un estilo clásico de muy difícil elaboración y exquisitos acabados, intentando alcanzar las cimas que anteriores autores como Foster o Williamson habían establecido. Pero es que después de esos diez años de trabajo independiente, en los que construye un mundo propio que luego pasará a las consolas de ordenador y a los dibujos animados, deja plantados a sus seguidores y se dedica a vivir de encargos. Encargos como los ya citados guiones para Superman, portadas para series como Aliens o Subhuman y, más recientemente, ilustraciones para libros como Conan el bárbaro. Así que Schultz no se introduce en la industria, se profesionaliza y desarrolla luego una obra independiente, sino justo al revés. Primero establece sus normas y luego las abandona para entregarse a lo que tradicionalmente llamaríamos trabajos alimenticios. Su

REPORTAJE

las del director favorito de Schultz, Howard Hawks. Un apunte final para los acabados. En su recuperación de técnicas clásicas, el autor se ha ido centrando cada vez más en el pincel. De las posibilidades de la herramienta son buena prueba muchas de sus ilustraciones, donde sobresale especialmente el uso del pincel seco, aplicado primero a fondos, luego a texturas y finalmente a todo tipo de bordes y superficies, consiguiendo en ocasiones resultados tan sutiles que recuerdan a la ductilidad del lápiz. Además, este procedimiento suele ir emparejado con el gusto de Schultz por los motivos rítmicos, por los despliegues decorativos, haciendo de muchas de sus imágenes un auténtico festín visual.

dispuestos a reinventar aquellos campos de formas que agradan a una mayoría. O eso creo. Más aún cuando esas formas no vienen solas sino acompañando unas aventuras que también pensábamos perdidas. Selvas misteriosas, duros cazadores, dinosaurios, bellas mujeres, civilizaciones olvidadas, tribus enigmáticas... Muchos componentes marcadamente románticos, que, sin embargo, el autor consigue renovar y, en más de un caso, mejorar en su actualización. Como ya he sugerido, en la base de todo su relato está la preocupación ecológica. En Xenozoic Tales se nos cuenta la historia de un mundo como el nuestro, tras un desastre que ha hecho retroceder la civilización millones de años. Eso permite una fascinante mezcla de escenarios y personajes, con cadillacs huyendo de triceratops enloquecidos. También una recurrente discusión sobre las bondades de la ciencia y el descubrimiento, frente a las desgracias que puede provocar una curiosidad mal entendida.

Ese necesario equilibrio es uno de los leit-motiv de la serie, pero no su único punto de interés. Sumen a ello unos personajes fascinantes y un nutrido y cuidado elenco de secundarios, un delicado equilibrio entre secuencias de acción e intrigas políticas, entre la reflexión y el movimiento, y empezarán a entender porqué la lectura de Xenozoic Tales ha fascinado a miles de lectores. Mención especial para sus protagonistas, Jack y Hannah, dos líderes de sus respectivas tribus y que, más allá de sus marcadas características personales, funcionan como arquetipos de dos maneras de entender el mundo. Jack es el ecologista radical, preocupado siempre por las consecuencias de nuestra relación con el entorno. Y Hannah expresa la curiosidad extrema por lo que nos rodea, la eterna voluntad humana de saber más, explicar y dominar los sucesos que nos condicionan. Lógicamente, cuando se juntan saltan las chispas, en una brillante vuelta a la guerra de sexos que encontramos en cintas como

La exposición es también una oportunidad única de asomarse a la fase de bocetos del autor. En ellos sorprende especialmente el grado de detalle, cómo los dibujos se afirman desde los primeros acercamientos y cómo las relaciones entre negros y blancos y la composición se definen poco a poco. Por supuesto, también hemos querido que el escaso trabajo con el color esté presente, aunque el propio Schultz se define en ese terreno como un aprendiz. Juzguen ustedes mismos. Mientras aprovechó su visita para recorrer el Torrent de Pareis. Una de sus razones personales para acudir a la isla,

REPORTAJE

era reencontrarse con los escenarios donde se habían filmado algunas de las películas de otro de sus favoritos: *Ray Harryhausen, maestro de monstruos animados y otras magias fílmicas. Se sitúa en el corazón de Mark justo detrás de King Kong, que para él es la mejor película de todos los tiempos. Schultz tuvo ocasión de conocer a Harryhausen y contaba con regocijo una sonada anécdota. Estaban entrevistando al maestro en uno de los hoteles más se-

lectos de Paris, en una sala donde todo el mundo hablaba en voz baja y se comportaba de manera refinada. Preguntado el cineasta por lo que se necesitaba para triunfar en Hollywood, respondió, a voz en grito: “¡Lo más importante es... lamer muchos culos!”. Tras sobrevivir a la dura travesía del Torrente, con el inefable Pau de guía, Mark se divertía imaginando un improbable encuentro con el cineasta. Imitando su imposible y profunda voz, decía: “¿Así que estu-

* El 7 de Mayo de 2013 Ray Harryhausen, el mito de los efectos especiales, murió en Londres a los 92 años

viste allí, eh? ¿Lo hiciste, no muchacho? Eres un tipo duro. Bueno, yo también, pero a mi me llevaba mi equipo sobre sus hombros”. Mark confiaba también en volver a encontrarse con Caroline Munro, heroína de películas de Simbad, fuente de inspiración de una de sus ilustraciones. Tuvo ocasión de conocerla en una convención y la definía como una dama encantadora. Ahora quería decirle: “Yo también estuve allí”.

REPORTAJE

EL ÚLTIMO

GRAN

Dibujo juvenil

MACHO ALFA Russ Heath es un octogenario dibujante americano conocido por su participación en la serie Sargento Rock y por sus historietas de horror para Warren.

Dando guerra

unque con los años ha llegado a ser famoso por sus historietas bélicas, Heath comenzó su carrera fascinado por el western. Su padre había trabajado como cowboy

y llevaba a Russ Jr. a los seriales de los sábados, comentando con él las licencias que Hollywood se tomaba con el vestuario y unas costumbres que había conocido de primera mano. Así aprendió el joven Heath a preocuparse por el realismo, una constante que mantendría en toda su obra. Cuando a finales de los cuarenta empieza a trabajar para Stan Lee en Marvel (que entonces se llamaba Atlas) dibujará muchos westerns. Pero, tras desatarse el conflicto en Corea, las editoriales propician un boom del género bélico, animados por el éxito que había tenido el nuevo

enfoque de la EC, más realista. Heath se apunta al carro y pronto está facturando historietas de guerra para las dos grandes, Marvel y DC. Aunque de joven quiso alistarse como voluntario para luchar en la IIGM, no llegó a tiempo y la guerra concluyó antes de que pudiera terminar su entrenamiento. Corea ya lo pilló casado y con hijos y gracias a un amable médico consiguió quedarse en casa trabajando. Para DC dibuja innumerables historietas de Haunted Tank, una serie inédita en España. Nunca le gustó, le parecía

repetitiva y sosa, cuatro tíos en un tanque minúsculo enfrentándose una y otra vez a los nazis. Algo mejor eran los guiones que Kanigher le escribió para Sargento Rock, donde su dibujo alcanzó el apogeo a mediados de los setenta. El mismo Heath llegó a escribir dos excelentes episodios: “Death stop” y “El primer Tigre de la Easy”. Su gusto por el detalle hizo que el recientemente fallecido Joe Kubert, su editor en la serie, afirmara que ningún dibujante debería documentarse mirando el trabajo de otros artistas… excepto en el caso de Heath, que era absolutamente de fiar. Otra de sus historietas más conocidas es “Give and Take”, para la revista antibelicista Blazing Combat que sólo duró cuatro números. Casi una década después, a mediados de los setenta, dibujó su versión más sucia de la guerra para una publicación de Atlas Seabord, pero se la perdieron antes de que llegara a imprimirse y el autor apenas conserva unas fotocopias. Como él dice: “Quería contarles a los chavales que la guerra se parece más a Salvar al soldado Ryan que a Sgt. Rock”. Esquivó los superhéroes mientras pudo aunque en los noventa dibujó una novela gráfica de Batman. Los royalties eran demasiado jugosos como para rechazarlos. Pero siempre ha despreciado a con entusiasmo a los tipos con esquijama.

Duro como una roca

En gran medida Heath y su arte representan un estereotipo de los setenta del que no hemos conseguido librarnos. Me refiero al machote digno de toda confianza, un modelo masculino que

Bettie Page

Portada de Russ Heath

REPORTAJE

ya se separa algo de los paternales roles anteriores (tipo John Wayne, para entendernos) pero todavía no se acerca al que le sucedería, ese pavo real que surge en los sesenta. Hablo de la estirpe de Lee Marvin, Steve McQueen, Clint Eastwood o Burt Reynolds. Más o menos cool o de baratillo, represen-

tan a un hombre que no se avergüenza de su sexualidad ni de sus deseos y que empieza a expresarlos con toda la claridad que las nuevas libertades le permitían. Lógicamente, uno de los abanderados de esa nueva actitud es Hefner y su Playboy. Luego el discurso feminista nos aclararía que las conejitas eran unas obreras explotadas por el gran patrono blanco y que aquellos galanes eran poco menos que proxenetas o chulos poco camuflados. Y la etapa de los grandes machos llegaría a su fin. Aunque a algunos como a Eastwood todavía se les perdona la vida, no dejan de ser excepciones en un panorama que prima otros modelos más escurridizos. En realidad en torno al imperio que se montó Hefner había no pocos elementos que favorecían cambios reales. Heath siempre lo ha defendido y eso que pensaba que debía ser un tipo raro. Hasta que empezó a asistir a sus fiestas. En todo caso ese mundo que se trans-

REPORTAJE

El autor en 2010

forma y desaparece, ese último brillo desinhibido de los setenta está muy presente en el trabajo del dibujante. En la fortaleza que emana de sus protagonistas, en su eterna seguridad, en la firmeza casi pétrea con que los sitúa. Sus héroes son más que reales, expresan un ideal casi inalcanzable, demuestran una autoconfianza contagiosa. “Process of elimination” es paradigmático en este sentido. Está protagonizado por un auténtico chulazo de los setenta, con sus impecables pantalones de pata de elefante, que liquida a su her-

mosa mujer y a sus encantadores niños para escaparse con una seductora secretaria. Aunque el inesperado final tiende a “justificar” sus actos, amparándolos bajo una perversa forma de compasión, la clave psicológica que activa el relato es más universal. Es la eterna lucha entre la vida matrimonial, estable y estabulada, frente al cazador indiscriminado, la fidelidad frente a la aventura. Y ya sabemos por qué van a tomar partido los héroes de Heath. Sin dudarlo. Cuando con más de cincuenta años se

pone a dibujar Lone Ranger para los periódicos, Heath exhibe todo lo que sabe y nos ofrece su visión del mundo. Realiza una tira de aventuras clásica pero actualizada, con una gama de detalles que luego desaparecían en una descuidada reproducción. Pero a él no le importaba, fue su última oportunidad para volver al género del que se había enamorado siendo un crío, el western. Introduce personajes históricos, de Mark Twain al general Custer, y nos apabulla con su limpieza técnica, con sus claroscuros y su eficaz narrativa.

ENTREVISTA

Respecto a las conclusiones que se puedan deducir de ella, subrayaría una: la relación entre tema y estilo. Aunque un observador exterior podría pensar que el dibujo de Pellejero evoluciona desde dentro, por una lógica de desarrollo interno de las formas, su argumento es el contrario, son las historias que debe contar las que le llevan a estilos diversos. Tal y como él lo plantea, no hay capricho estético alguno, tan sólo una pregunta:

UNA CHARLA CON PELLEJERO ¿cual es la forma más adecuada al asunto tratado? Estas son sus palabras. Hablemos del salto a Cimoc. Llevaba años colaborando para el mercado italiano, pero empezaron cada vez más a declinar los encargos. Esto, unido a mi deseo frustrado de ver trabajos míos publicados aquí, me llevó a realizar algunas historietas por cuenta propia y presentarlas a las editoriales de Barcelona. Primero me dirigí a Toutain Editor, allí mi trabajo no gustó demasiado, así que me acerqué a Norma, con Historias de una Barcelona. Joan Navarro se mostró interesado en publicarlo en la revista Cimoc. Como aún seguía trabajando de encargo para Italia no tenía tiempo para encargarme de mis propios guiones, así que me aconsejaron que me buscase un guionista. Fue el pro-

pio Navarro quien me presentó a Jorge Zentner. Además de la evolución gráfica, aparecen ya unos aspectos narrativos en los que va a insistir a lo largo de toda su carrera: tiempos muertos, ciertos alejamientos, viñetas estiradas... ¿En qué medida estaban en el guión o son cosa suya? Este es un tema complicado. Yo aporto mucho a los guiones y por eso no me gusta particularmente que se premie una obra sólo por el mejor guión o sólo por el mejor dibujo, ya que está todo muy interrelacionado. En nuestro caso en particular, hay muchísimas imágenes a las que yo he aportado mi propia visión. En el caso de los tiempos muertos, a veces aparecían en el guión de Jorge y otras los alargaba yo, no por capricho

ENTREVISTA

sino porque creía que era necesario para el buen desarrollo de la historia. A mí me gusta hablar de ese “guión invisible” que hay en toda historieta y que viene dado por las aportaciones propias del dibujante, sean de tipo narrativo, compositivo, visual... Estrategias gráficas al fin y al cabo que hacen que la historia que estás leyendo funcione o no como tal. Luego está el propio “look visual” de cada historia. Tabú, por ejemplo, no sería Tabú sin ese característico ambiente visual o en todo caso vendría a ser otro Tabú muy diferente. Lo mismo podemos decir de Malka, de Lumpen, etc. Son herramientas del dibujante, que afectan al propio guión. Parece evitar una representación demasiado directa de las escenas de acción. Mi deseo es no caer en la vulgaridad. Algo a lo que el comic es propenso en general, sobre todo en las escenas de acción o de sexo. Me interesa mucho más ese desafío que hay en decir lo mismo pero del modo menos habitual, que escenificarlo tal cual sin ningún tipo de reflexión. No es por mojigatería, sino porque creo que el resultado final puede ser mucho más sugerente. Los primeros episodios parecen más pensados para el B/N. Sí, sobre todo los 4 primeros. Aún no tenía esperanzas de que les pudiesen interesar en color. Fueron las portadas, especialmente la primera que salió en Cairo, correspondiente a Juegos de Azar, las que les hicieron pensar que se podía publicar Lumpen en color. Fue premiada en el Salón de Barcelona y en-

tonces se decidió continuar en color, lo que lo hacía aún más exportable. De hecho el primer álbum había funcionado mal, ya que apenas había mercado para el B/N. Luego se ofreció a Casterman y a otras editoriales. Coloreé directamente a partir del segundo álbum y cuando, años después, Casterman decidió publicar los primeros episodios en A Suivre, también di color a estos. Lumpen tiene una paleta muy característica, llena de tonos pastel, poco habituales en los tebeos: azul cielo, verdes, amarillo nápoles, violetas... Tiene que ver con la luz, con la búsqueda de una posible realidad. En Malka o Âromm el color es más expresivo, más acorde con lo que estamos narrando. En Dieter el color por lo general intenta acompañar sin excesiva brusquedad el devenir de Lumpen por los paisajes exóticos por

los que deambula. Es como yo lo veía entonces. Sé que los cómics usan normalmente tonos más impactantes, pero yo quería algo que encajara más con la suavidad del “tempo” de esas historias. Hablando de color, ¿con que álbum de Dieter se quedaría? Dejando El precio de Caronte aparte. Enemigos comunes aún me sigue gustando mucho. También algunas paginas de Caribe, pero son dos tipos de iluminación muy diferentes. De las historias cortas me quedo con el color de Los pecados de Cupido, quizás la que tiene un color más acertado a nivel narrativo. En ocasiones Vd. resuelve las conversaciones paseándose por el paisaje y olvidándose de los personajes, como en Caribe o en Enemigos comunes. A veces Jorge me indicaba diferentes planos para las secuencias en las que

ENTREVISTA

había una conversación. Los dos creíamos que de ese modo no se aburría al lector, lo veíamos como un acierto. Pero con el tiempo, y especialmente desde que he trabajado con Denis Lapière, he visto que a veces es necesario dar al lector esta sensación de pesadez que a veces puede llegar a generar una conversación. Con Lapière he hecho planos muy aburridos de dibujar, pero necesarios para el relato. En Dieter Lumpen, tanto Jorge como yo pensábamos que teníamos que “mover la cámara” (expresión propia suya) constantemente para no resultar pesados. Es cierto que es muy importante no aburrir visualmente al lector pero a veces hay que dibujar cosas muy aburridas, como cuatro tipos en una habitación, charlando, plano medio, primer plano, plano medio, etc., etc., porque esto es lo que en realidad necesita esa secuencia para dar efectividad al conjunto de la narración. ¿Cuándo se cansan de Lumpen? Es una suma de factores. Ya llevábamos varios álbumes publicados del mismo, las ideas escaseaban, el personaje se había estancado a nivel de ventas, así que

tampoco daba para mucho más. Tuvo una etapa muy enriquecedora al principio, con ideas nuevas y con el ímpetu inicial que nos generaba el propio personaje pero ya en El precio de Caronte se aprecia una especie de agotamiento de la fórmula. En ese álbum intentábamos abrirnos hacia otros caminos, más cerrados, con otra intencionalidad, bastante alejados del genero digamos de “aventuras exóticas” y tal. El cambio se nota en esas secuencias del álbum tan contrastadas y ese cierto desapego hacia el mismo personaje. El final era un final dudoso... ¿Despertará Dieter? ¿Será todo un sueño dentro de un sueño? ¿Habrá un próximo álbum del personaje?... Nuestros intereses empezaban a ir por otro lado. Hablemos de la importancia del paisaje en Dieter Lumpen y Malka. Es total. El paisaje es un elemento más para contar, como lo es una silla o los mismos personajes. El paisaje nos envuelve. Yo no lo utilizo porque queda bonito ponerlo, sino porque tiene lógicamente un peso muy importante sobre el carácter de los personajes y los

hechos que a veces acontecen. Por citar un ejemplo: en el inicio de El precio de Caronte, comentamos con Jorge las dos primeras páginas. Queríamos indicar el paso del tiempo sólo con las nubes y la luz del día que iba menguando. Aquí el paisaje es primordial en la narración. En El silencio de Malka el paisaje impregna todo el álbum, desde el propio suelo de La Pampa, su horizonte y sus cielos, sin ellos, dudo que se pudiera transmitir al lector la sensación de lejanía que existe en toda esa historia. Los tonos azules y rojos en Malka parecen tener una clara intención simbólica. Sí, es cierto, incluso los amarillos, relacionados un poco también con la enfermedad. El rojo es evidente que lleva toda una carga dramática y los azules y verdes están más ligados a escenas apacibles y de cierta espiritualidad. Es una teoría del color quizás un poco simplista, pero en Malka era imprescindible utilizarlos así, con la intención de definir momentos en concreto. Malka es un compendio de toda una trayectoria, de muchos modos de ver las cosas.

DEL FOLLETÍN AL CULEBRÓN

Carne Viva. Toda nueva obra de Pellejero es siempre una

con el pariente que padece la misma minusvalía que él.

buena noticia.

Pero así como esa secuencia funciona por su sencillez e

Aquí recrea la vida de un desgraciado pintor en el bo-

intensidad, el desarrollo general fracasa por aparatoso y

hemio París de finales del XIX. La narración se inicia

prolijo. Una mayor simplicidad en la exposición de los

durante los últimos días de la Comuna, en uno de los

hechos habría mejorado mucho el resultado final.

escenarios más literarios de la ciudad de la luz, el cemen-

Simplicidad como la que sí consigue Pellejero con su

terio de Pere Lachaise. Luego sigue las peripecias del hijo

dibujo, sin duda la gran baza de este trabajo y la razón

deforme de un carnicero, dotado con una extraordinaria

por la que deberían comprárselo. Se le nota en su salsa en

habilidad para el dibujo. Su carrera como pintor despega

el periodo histórico que retrata y las citas visuales a los

cuando conoce a la bella Mathilde, pero luego todo se

ilustradores fin de siglo se suceden, imponiendo desde el

complica. Por un lado él sufre por un amor no correspon-

principio su personalidad gráfica. En este caso, la técni-

dido y por el otro el motor de la historia es una sórdida

ca elegida, esos grises que aplica con la línea y sobre los

intriga familiar, que no será desvelada hasta el final.

que luego pinta, rebajan su luminosidad, aportando una

El guión falla a causa de su tortuosa estructura folletines-

sensación de pesadez general, un clima un poco opresivo.

ca. Supongo que desean rendir un homenaje a las clásicas

Contiene mucho su gama cromática y prácticamente sólo

novelas por entregas, actualizadas. Pero eso no justifica

juega con dos o tres variantes, sobre todo en diálogos de

Hacía ya tiempo que no sabíamos nada de Rubén Pelle-

todas las vueltas, idas y venidas, deambular de persona-

amarillos-marrones, pero también en suaves entonacio-

jero, un gran dibujante caracterizado por la elegancia de

jes y citas misteriosas dedicadas a algo no especialmente

nes grises y algunas estridencias de color muy medidas.

su trazo y la armonía y sensibilidad de su color. Tras mu-

dramático. Creo que el personaje central está muy bien

Como siempre, es un verdadero placer contemplar la

chos años colaborando con Norma, sus últimos trabajos

construido y su relación con esa musa inalcanzable re-

modulación de su línea, todo nervio y sensualidad. Es un

habían sido traducidos por Glénat y ahora es Astiberri

sulta verosímil y enternecedor. Incluso me parece con-

trabajo de dibujo grandísimo, magistral, con una retícula

quien edita estos dos volúmenes que han titulado En

movedora esa brevísima escena final en que se encuentra

de viñetas muy contenida y eficaz.

ENTREVISTA

Dejé salir al pintor frustrado que llevaba dentro. Había visto cosas de Matotti y gente así y me apetecía hacer algo en esa línea. Si ves los bocetos, notarás que estaba explorando diferentes grosores y otras técnicas de color. La pista me la dio la propia historia. Está muy ligada a la tierra, al barro. La técnica del grabado y de las ilustraciones en xilografía, con esos contornos tan gruesos, me dieron las pistas para poder captar esa sensación digamos “terrosa” que tiene gran parte de la historia. El gouache sobre un trazo más grueso en negro me daba unos valores interesantes, trazaba la línea más gruesa y luego la cubría en parte con el color. Haciendo pruebas descubrí lo de las ceras, que me daban buenos resultados sobre todo para las tierras y las maderas. Me interesaba darle plasticidad al suelo de La Pampa. Había escenas en el guión en las que no había nada para dibujar, me faltaban elementos. Terre-

no y Malka. Malka en el campo, etc. No había nada. Jorge describía la pampa como una línea. Un arbolito aquí, una valla allá, nada más. Yo pensaba ¿Qué le pongo ahí?... No podía hacerlo como en Lumpen. ¿Por qué el abandono del color en Tabú? Inicialmente Joan Navarro se interesó por el proyecto y llegamos a hacer incluso unas pruebas en color para él, pero Casterman deseaba editar una colección de álbumes en B/N y nos propuso que participáramos. Teníamos ya el guión muy digerido y yo particularmente deseaba descansar un poco del uso del color, después de mi experiencia con Lumpen y Malka, y preferí hacerlo en B/N. En las pruebas previas que realicé vi muchas posibilidades gráficas de cambio y de fuerza visual, que no había visto en las pruebas de color anteriores para Navarro. Al res-

pecto debo decir que estoy mucho más satisfecho con la edición en castellano de Tabú que con la francesa. El álbum ha gustado más aquí que en Francia. El formato de Glénat, con su tapa dura, fue mucho mejor que el de Casterman, más pequeño y en rústica. No varía prácticamente la estructura de página hasta Âromm, que resulta bastante chocante por eso. ¿A qué obedece ese cambio? Lo veíamos así. Como algo muy visual, mucho más que Malka. Malka es muy visual, pero en Âromm, nuestra intención era intentar ser espectaculares. Barajamos pocas viñetas por página, formatos grandes e intercalar viñetas con un concepto más actual. La influencia del cómic americano e incluso del manga está presente, si bien de un modo muy tímido. Intentamos a nuestra manera añadir elementos visuales más novedosos con respecto a ante-

ENTREVISTA

que me apetece y esto es suficiente para que acepte dibujar esa historia. No soy un dibujante obsesionado por un tema en concreto. Si hubiera seguido con un personaje fijo, mi obra estaría más definida y catalogada, pero también es cierto que el componente que me estimula la creatividad estaría metido en un cajón. Después de tantos años colaborando con Zentner, ¿cómo fue la experiencia con Lapière?

riores trabajos, pero siempre con una funcionalidad narrativa. Cada historia tiene sus propias recetas. Tabú, por ejemplo, hablando en términos cinematográficos, estaría más cercana al cine independiente y Âromm a un film de gran presupuesto.

Como el cómic no es sólo dibujar figuras, utilizo mi astucia. Tienes el enfoque, el color, el plano, el corte de plano, la ambientación. Yo he tenido que recurrir a estos otros elementos.

¿Le supone un esfuerzo dibujar?

Después de Lumpen, sorprende la variedad de géneros que aborda.

Por supuesto. Si dibujase lo primero que surgiera de mi cabeza, lo tendría más fácil, pero no sería lo mismo, me acercaría más al trabajo a destajo. El esfuerzo está más en la reflexión durante el trabajo que en el dominio del propio dibujo o trazo. Además, no me considero un buen dibujante de tipo realista. Mi anatomía es la justita para desenvolverme. Funciono mejor en rostros de personajes que en figuras. En planos generales se me da bastante bien la figura. Y los decorados y paisajes me gusta hacerlos.

Parece que sea un todoterreno ¿verdad? Esa pregunta inquieta porque a veces puede cuestionar si uno tiene o no personalidad. Yo sólo deseo llevar a buen puerto una serie de historias que me puedan interesar. A mí de un guión me atraen los personajes y la historia en sí. Jorge me ha ofrecido guiones que a veces no me han interesado en absoluto. Otros dibujantes los han hecho más tarde y mejor que yo y no pasa nada. A veces ciertos elementos visuales me pueden proporcionar un reto gráfico

Muy positiva. Personalmente Denis es encantador, muy abierto. Profesionalmente ha sido una etapa más, un cambio en muchos aspectos, de mejora, de tranquilidad y asentamiento en el mercado francés. Ha sido un poco como volver a empezar, pero con la diferencia de que él conoce muy bien el mercado francés. Su modo de narrar es mucho más clásico, algo a lo que el lector francés está más acostumbrado. No investiga tanto en la forma de narrar la historia como lo podía hacer Jorge, pero sí que sabe desarrollarla y finalizarla de un modo coherente y con emoción. Describe muy bien las relaciones entre los personajes, sus sentimientos, sabe cómo llevarlos a buen puerto a lo largo de toda la historia. Quizás no es tan creativo ni personal como Jorge, no investiga tanto. Jorge intenta en cada

guión aportar su toque, su idea particular. Denis utiliza conmigo su vertiente más íntima y sutil. Él tiene en el mercado francés varias series digamos populares, pero de vez en cuando colabora con otros dibujantes, desarrollando proyectos concretos. El dibujo en este álbum transmite una gran convicción. ¿Supone un resumen de todo lo aprendido en trabajos anteriores?

Siempre arrastras lo aprendido en otros trabajos. De todos modos, muchos de mis planteamientos anteriores a la hora de enfrentarme con un álbum, no me servían con Denis. El aspecto visual pasa a un segundo o tercer plano y sus diálogos y textos hacen que todo mi esfuerzo se centre básicamente en los personajes y sus actitudes. Por ejemplo, Denis utiliza mucho secuencias largas de conversaciones en lugares cerrados y esto me obliga a crear un ambiente

fijo durante varias viñetas. Cuando miras el álbum, el trabajo no parece tan dispar como en otros que he realizado. No hay esas rupturas de secuencias tan marcadas, como en Malka. El devenir de los acontecimientos es mucho más tranquilo. Esa lentitud de Denis es admirable, te va metiendo poco a poco dentro de los personajes. Los humaniza, permite que los hagas tuyos y te emociones con ellos.

57 18 13 13 13

1 Total - OAAW nº 108 - 1

Portadas

Planchas

Sargento Rock

Portadas

Planchas

Haunted Tank

TABLA

1961 G. I. C

Total nº 87 nº 88 nº 90 nº 91

13 13

1962 G. I. C

Total 67 4 nº 93 13 1 OAAW nº 94 15 - nº 95 13 1 nº 96 13 1 nº 97 13 1

Total nº 118 nº 125

26 1 13 1 13 -

1963 G. I. C

Total 17 3 Total nº 98 17 1 OAAW nº 126 nº 99 - 1 Showcase nº 45 nº 103 - 1

- 2 - 1 - 1

1964 Total - 1 G. I. C nº 104 - 1

1965 G. I. C

Total 30 3 nº 113 - 1 nº 114 15 1 nº 115 15 1

1966 G. I. C

Total 27 4 nº 117 15 - OAAW nº 118 - 1 nº 119 - 1 nº 120 - 1 nº 121 12 1

Total nº 172

18 18 -

1967 Total 58 4 G. I. C nº 123 15 1 OAAW nº 124 11 1 nº 125 18 1 nº 126 14 1

Total nº 175 nº 178 nº 180 nº 181 nº 182 nº 183 nº 185 nº 187

110 2 17 14 14 13 1 13 1 13 13 13 -

1968 G. I. C

Total nº 197

12 12 -

1969 Total 40,5 - G. I. C nº 137 12,5 - OAAW nº 138 14 - nº 139 14 -

Total nº 208 nº 209 nº 210 nº 211 nº 212 nº 213

80 13 13 13 14 13 14

1961-69 Total

Total

259 5

Total 40 4 nº 128 - 1 OAAW nº 129 14 1 nº 130 14 1 nº 131 12 1

336,5 24

Portadas

Planchas

Sargento Rock

Portadas

Planchas

Haunted Tank

TABLA

1970 Total 69,5 - G. I. C nº 141 14 - OAAW nº 142 13,5 - nº 143 14 - nº 144 14 - nº 145 14 -

Total 113 nº 214 14 nº 215 14 nº 218 14 nº 219 15 nº 221 14 nº 223 14 nº 225 14 nº 226 14 -

1971 Total 84 - G. I. C nº 146 14 - OAAW nº 147 14 - nº 148 14 - nº 149 14 - nº 150 14 - nº 151 14 - 1972 OAAW

Total 118 nº 227 14 nº 230 14 nº 231 14 nº 232 14 nº 234 12 nº 235 12 nº 236 12 nº 237 12 nº 239 14 -

1973 OAAW 1974 Total - 1 G. I. C nº 172 - 1 OAAW

Total 138 nº 253 14 nº 254 14 nº 255 14 nº 256 14 nº 257 14 nº 258 14 nº 259 14 nº 260 14 nº 262 14 nº 263 12 Total 61 nº 264 12 nº 268 12 nº 271 12 nº 273 12 nº 275 13 -

1975 OAAW

Total 37 nº 277 12 nº 279 13 nº 281 12 -

1970-75 Total 1961-75 Total

Total Total

153,5 490 25

Total 155 nº 241 14 nº 243 14 nº 244 14 nº 245 14 nº 246 15 nº 247 14 nº 248 14 nº 249 14 nº 250 14 nº 251 14 nº 252 14 -

622 881 5

La cosa de la pared

EL FENÓMENO La contribución de Internet al género de Terror.

l terror a lo desconocido es uno de los muchos recursos con los que cuenta el ser humano para sobrevivir. Desde los primeros días de la conciencia humana, el terror ha

acompañado a la inquieta imaginación del hombre, quien transformaba a los elementos y a sus depredadores naturales en dioses o extrañas criaturas, exagerando sus características más intimidantes y las proporciones de su inminente peligro. Cuando éramos pequeños nuestra mente funcionaba de la misma mane-

ra, por la noche la habitación se hacía más grande, los armarios abiertos se transformaban en portales para los seres más retorcidos que la imaginación de un niño es capaz de crear, los sonidos tras la ventana igual podían resultar en una amenaza latente, lo mismo los montones de ropa sucia dejados descuidadamente por la habitación.

REPORTAJE Fan disfrazado de Jeff el asesino

supuesta foto real de Jeff

fotomontaje hecho por un fan o ¿foto real?

Al parecer cada persona está obligada a repetir cada paso de la evolución del terror a medida que se hace mayor, ya que cuando se cree haber superado sus miedos siempre surge algo nuevo para retar nuestros límites. Primero eran las historias contadas por nuestros padres, el cuento siempre iba del hombre del saco, por ejemplo, o de otra variedad infinita de seres que vigilaban atentamente a que metiéramos la pata siendo desobedientes para aterrorizarnos, en el menor de los casos, torturarnos o arrastrándonos con ellos, llevándonos lejos de la protección del hogar quizás para comernos, todo en dependencia del grado de la falta cometida. Después vinieron las historias con los amigos en habitaciones a oscuras con la luz trémula de una linterna apuntando desde abajo del rostro, la voz cavernosa para darle una impresión mas fuerte al relato. Los cuentos alrededor de la fogata en algún campamento, historias que cada vez que se transmitían de manera oral eran flexibles para ser ‘mejoradas’ por el que las contaba.

Superar el miedo con aplomo (real o fingido) era como haber aprobado la prueba hacia el mundo adulto. Seguimos con los cuentos o novelas de terror impresas, la novela gráfica, los cómics y cuando las imágenes estáticas dejaron de ser suficientes buscábamos colarnos a escondidas en el salón en medio de la noche para ver alguna película de terror, aunque aquello equivaliera a pasar la noche en vela con una fuerte paranoia. Esta relación bipolar entre el terror y el género humano, en la que aparente tratamos por todos los medios de evitarlo pero que realmente no podemos dejar de llevar de la mano allá donde vayamos: Películas, atracciones de feria, videojuegos, novelas, paseos turísticos e incluso la habitación oscura de un hotel en el extranjero. Nos encontraríamos ante un suceso escalofriantemente desconcertante que nos llevaría, una vez más, a la terrible conclusión de que no existen límites ni fronteras para el horror. Un horror que se adapta camaleónicamente a los tiempos y se vale de todos sus eventos

para manifestarse ante nosotros.” El párrafo anterior es parte de una de estas Creepypastas y puede explicar por sí mismo el cómo y el por qué el siguiente paso coherente era la colonización del terror en internet.

Pesadillas —Papi, tuve una pesadilla. Tú parpadeas y te apoyas sobre los codos. El reloj brilla rojo en la oscuridad; son las 3:23 a.m. —¿Quieres subirte en la cama y contarme? —No papi. La rareza de la situación te despierta más plenamente. Apenas puedes distinguir la pálida figura de tu hija en la lúgubre habitación. —¿Por qué no, cariño? —Porque en mi sueño, cuando te cuento, la cosa vestida con la piel de mami despertaba. Por un momento, te sientes paralizado; no puedes desviar los ojos de tu hija. Las sábanas tras de ti comienzan a estremecerse.

REPORTAJE

Fan disfrazado de “sin ojos Jack”

una buena CreepyPasta es que para crear la ilusión de realidad la mayoría son contadas en primera persona, o en segunda como advertencia de lo que te sucederá si llevas a cabo ciertas cosas. Para ganar credibilidad incorpora elementos de la vida cotidiana con un toque perturbador, acariciando el fino límite que hay entre la realidad y lo sobrenatural.

El relato anterior es uno de las muchísimos relatos cortos (y algunos no tanto) que circulan por internet, conocidos como CreepyPastas. Pero, ¿Qué es exactamente una CreepyPasta? Quizás el término no nos permita por si mismo relacionarlo con algún concepto en concreto, para dejarlo claro el fenómeno CreepyPasta es el último paso en la evolución digital del género de terror. Creepy: horripilante Pasta: Termino derivado de COPY + PASTE, acción de copiar y pegar, literalmente, un relato de un blog o página de internet a otra. Historias perturbadoras copiadas y compartidas millones de veces en la red, muchas de ellas combinan el texto con imágenes, sonidos, música o vídeos que incrementan el impacto de las mismas ya que buscan trastornar a quien las lee o escucha. Se les puede encontrar en blogs, páginas de internet, redes sociales, vídeos de YouTube y galerías de imágenes. Situadas entre los cuentos clásicos de terror y las leyendas urbanas, las CreepyPastas seguramente vieron la luz desde los primeros días de Internet, pero no fue hasta que los usuarios de 4Chan, una popular página americana creada en el 2003, acuñaran el término que estas historias empezaron a difundirse de manera viral. Entre las principales características de

Otra de las características es que, como casi todo lo que circula por internet, no tienen un origen claro conocido, cualquier persona puede compartirla o escribirla y luego dejarla a la deriva, mientras el fenómeno que pasaba con las historias originales de terror se repite, cada nuevo usuario tiene la posibilidad de agregarle su toque personal a la historia añadiendo o quitando cosas según le parece mejor, por lo que a veces es difícil saber cuál es la versión original y en casi todas las ocasiones el autor se omite totalmente.

Pesadillas En Estados Unidos cada vez que te internan en un hospital colocan en tu muñeca, una pulsera blanca con tu nombre para poder identificarte. Sin embargo, existen otras pulseras de colores diferentes que simbolizan otras cosas, por ejemplo las pulseras negras son colocadas en las muñecas de las personas que acaban de fallecer. Soy cirujano, trabajaba en el turno de la noche, acababa de terminar una opera-

ción e iba en camino hacia el sótano. Al entrar me di cuenta de que había otra persona en él. Me puse a hablar casualmente con la chica sobre tonterías, mientras el elevador descendía. Cuando la puerta del elevador se abrió, vi que otra mujer estaba a punto de entrar, entonces de manera precipitada cerré la puerta y presioné rápidamente el botón hasta el piso más alto. Sorprendida, la chica me regaño por mi descortesía al no permitir subir a la otra mujer al elevador. - Esa es la mujer que acabo de operar. Murió durante la operación. ¿No vio la banda negra que estaba utilizando? - Le dije La chica sonrió levantando su brazo, - ¿Una banda como esta? ” Ya que se trata de darle un aura de realidad a la CreepyPasta se busca cierta lógica para las historias, no tienen que ser totalmente aterradoras, lo importante es usar un tipo de terror psicológico causado por las cosas que regularmente pasamos por alto, el espejo frente a las escaleras, una habitación de hotel sin número a la que nos aconsejan no acercarnos o un misterioso correo electrónico sin remitente.

Algunas de las más famosas son: “Go To Sleep” El perturbador fotomontaje de un rostro supuestamente perteneciente a Jeff el Asesino.

supuesta fotografía original de “sin ojos Jack”

REPORTAJE Imagen del juego Slender

“Slenderman” Un hombre delgado, alto, sin rostro, con brazos largos y tentáculos saliendo de su espalda, vestido siempre de impecable traje negro y corbata.

episodio perdido de Bob Esponja donde este personaje enloquece y se quita la vida de manera atroz provocando pensamientos suicidas en quienes lo llegan a mirar.

“Smile Dog” Imagen de un Husky Siberiano con una gran sonrisa humana que “provoca” el suicidio.

“Suicide Girl” Retrato digital, supuestamente de origen japonés pero encontrado en un foro coreano. La historia cuenta que es el ultimo retrato de la chica antes de suicidarse y que la imagen puede cambiar de expresión e incluso cosas horribles te pueden pasar si la miras por demasiado tiempo.

Otro tipo de relatos son los que incorporan recursos del mismo internet, videojuegos, e incluso series de televisión. Este tipo de CreepyPasta por lo general va enfocado a los jóvenes y trae el terror a las nuevas tecnologías como lo son los vídeos publicados en internet, toda clase de videojuegos y leyendas creadas alrededor de alguna imagen encontrada por casualidad. Algunos ejemplos de este tipo de CreepyPasta son: “Drowned Ben” Cartucho supuestamente maldito del videojuego Legend of Zelda, Majora’s Mask, el cual te lleva a una versión bizarra del juego con mensajes y eventos perturbadores. “Calamardo suicida” Similar al anterior, es un supuesto

Cabe mencionar que el autor de ‘Suicide Girl’, usuario Lunatique-SF de la reconocida página Deviantart, reclamo la autoría de la imagen la cual en realidad se titula ‘Melancholic Princess’ y forma parte de una historia de ciencia ficción titulada “Tellurian Sky.” Esto nos da una idea de los muy variados orígenes que puede tener una historia y no solo eso, sino que las mismas historias también crean imágenes, llamados Memes, avatares que le dan ‘rostro’ a nuestras pesadillas. Otras contribuciones al género resultado de la popularidad de las historias son las mini series de YouTube

conocidas por los fans como ARG (alternate reality game) donde hacen apariciones los personajes más populares de las CreepyPastas en una realidad alternativa como indica el nombre. Un ejemplo es el canal de YouTube ‘MarbleHornets’ cuyos vídeos encierran varios misterios acerca de Slenderman y de donde surgen nuevos personajes como Hoody y Masky de los cuales también se han creado varias posibles historias para revelar sus orígenes. Siguiendo con el amplio universo de Slenderman se desarrolló también un videojuego para ordenador que lleva por título el nombre de esta criatura sobrenatural, creado por Parsec Productions, en donde tu única misión es recuperar las ocho páginas perdidas que tienen relación con Slenderman mientras recorres tenebrosos escenarios, tratando de evitar, ser encontrado por el monstruo. Las contribuciones a este nuevo género de terror se pueden encontrar de manera seria pero también a modo de parodia. Estas parodias son conocidas por los fans como ‘HappyPastas’. Un ejemplo de ellas es el ‘hermano mayor’

REPORTAJE

Smile Dog

El Rastrillo “the Rake”

El juego maldito de Sonic

incomodo de Slenderman, Splendorman quien es muy similar a ‘hermano pequeño’ salvo por que el si posee un rostro, usa pajarita en lugar de corbata, su traje está lleno de lunares de colores y su misión en la vida es animar a las personas que hacen buenas acciones. Además de las HappyPastas los fans han creado todo un universo alternativo para sus adorados monstruos, emparentándolos o liándolos entre sí en fanfics o fanarts, procurando mostrar lo estresante de su profesión o los roces que puede haber entre ellos.

Con este articulo se abre oficialmente la sección de CreepyPastas en Mandrágora, compartiremos con vosotros las historias más terroríficas, populares y originales de internet. Además podrás tener información de tus ‘monstruos’ favoritos, buscaremos los posibles orígenes, archivos de imágenes y los muchos relatos populares de criaturas como Slenderman, The Rake y Jeff The Killer. Podrás compartir con nosotros las que más te hayan gustado por medio de nuestro Facebook, las que acumulen

mayor numero de ‘Likes’ durante el mes serán publicadas en la revista, también puedes compartirnos relatos originales o quizás alguna historia que hayas sufrido en carne propia. También trataremos de aclarar sus dudas y publicar sus opiniones sobre las CreepyPastas que vayamos publicando las cuales puedes enviar al correo electrónico de nuestra revista. ¿Hasta dónde una Creepypasta es Real? La decisión será vuestra.

REPORTAJE Slenderman y ni単a

PORTFOLIO

Variación de Color: 31-10-12 Dibujo coloreado con diferentes tonalidades: fríos, cálidos, saturado, desaturado, sombra dura y sombra suave.

PORTFOLIO

Colecci贸n de libros: 9-1-13 Tres portadas dise帽adas para tres libros del mismo autor.

Prueba de color: 31-10-12 Dibujo en escala de grises coloreado en photoshop para determinar el control del programa.

PORTFOLIO

Escala de Iconicidad: 26-11-12 Ocho dibujos que van desde un animal realista a un pictograma.

75 Años del Príncipe Valiente Sala de Exposiciones: Sala 1 (Centro Cultural “Antiguo Instituto” - Gijón). Material que la integra: más de 60 páginas originales de prensa en color de la genial creación de Harold Foster Fechas: del 1 al 24 de octubre de 2012. Inauguración lunes 1 a las 12h. Horario: de lunes a viernes de 18 a 21 / sábados de 11 a 14 y de 18 a 21 / domingos de 11 a 14

Seguramente no existe otro personaje de comic tan venerado y reeditado desde sus ya lejanos orígenes, en el remoto año de 1937, como El Príncipe Valiente y es que muy pocos han sido capaces, al menos hasta tiempos muy recientes, de escapar del ghetto en el que todo lo relacionado con este medio de expresión estaba inmerso. Hay además otra cosa interesante, la valoración cultural de los personajes de comics se inició con la recuperación de los grandes héroes de la “Edad de Oro”, es decir los personajes de la época de El Príncipe Valiente, pero ésta se basaba ante todo en la innegable belleza de sus dibujos. Había que ser un cenutrio para no reconocer la belleza de los dibujos de Alex Raymond y tantos otros, pero la valoración de sus historias iba por otro lado. Sin embargo en El Príncipe Valiente muy pronto se reconoció que no sólo sus dibujos tenían un valor destacable, sino que sus historias y textos eran muy superiores a lo que normalmente se esperaba de un “tebeo”. Hal Foster, el padre de la criatura, nació en Canadá a finales del XIX y se sintió desde muy joven atraído por dos cosa: la vida en la naturaleza y el dibujo. En 1910 se marcha a Estados Unidos en busca de trabajo y tras desarrollar diversas ocupaciones, parece que fue boxeador y buscador de oro, acabó encontrando un lugar en el escalón más bajo del dibujo publicitario, ilustrando catálogos de venta por correspondencia. Eran años deslumbrantes para un nuevo medio de expresión nacido en las paginas de los diarios y llamado comic. Los comics, como su propio nombre indicaba, eran básicamente cómicos pero a principios de los treinta, algunos dicen que como consecuencia de la crisis del 29, comenzaron a aparecer otras temáticas, especialmente aquellas relacionadas con la aventura y la fantasía. En esta tesitura Foster fue llamado para realizar con destino a los diarios una peculiar adaptación del muy en boga Tarzán de los Monos, quizás con demasiado texto para ser considerado un comic de pleno derecho. La experiencia fue un éxito y dio origen a una serie de comics, ahora ya sí, protagonizada por dicho personaje, sin embargo Foster no parecía demasiado

entusiasmado con este nuevo medio y prefirió dejarlo para dedicarse a otras cosas, aunque pasado un tiempo acabó por volver al personaje. Supongo que, como se suele decir, se encontró con una oferta que no podía rechazar. El comic seguía sin interesarle especialmente, lo encontraba un medio limitado y bastante tontorrón, pero poco a poco fue cambiando su opinión sobre el mismo, hasta llegar a la conclusión de que ofrecía unas posibilidades que inicialmente no había visto… siempre que pudiese tener un control sobre su obra que en aquellos momentos, no se olvide que Foster era un recién llegado, parecía imposible. Así que Foster se lía la manta la manta a la cabeza y se pone en contacto con la King Feature Syndicate, propiedad del mítico William Randolph Hearst, principal distribuidor de comics del momento a la que ofrece un nuevo personaje, siempre y cuando se le reconozca la propiedad y el control sobre el mismo. Se llega a un acuerdo a pesar de que las peticiones de Foster se consideraban desmesuradas en aquel momento, parece ser que el hecho de que el propio Hearst admirase el trabajo de Foster influyó en la decisión, y el 13 de Febrero de 1937 se publica la primera pagina dominical (1) de El Príncipe Valiente, historia centrada en las andanzas de un adolescente nórdico, hijo de un rey sin reino, que aspira a lograr las espuelas de caballero en la Corte del rey Arturo. Se inicia una Epopeya que, a día de hoy, aun continúa. El gran éxito de El Príncipe Valiente pronto propició su pase a otros medios. Ya en el año 1954 se hizo una película de gran presupuesto sobre sus andanzas lo que distaba de ser común en la época -cuando se llevaban tebeos al cine solía ser en producciones decididamente humildes- dirigida nada menos que por Henry Hathaway y eso fue sólo el principio. El Príncipe Valiente ha sido objeto de varias adaptaciones al cine y a la televisión, tanto en personajes reales como en dibujos animados, sobre él se han escrito novelas, hecho juegos de Rol y hasta otros tebeos. Pero lo más importante es que la obra de Foster se ha reeditado una y otra vez a lo largo de los años.

En tiempos recientes hemos podido gozar de grandes y fidelísimas reediciones tanto en Estados Unidos como en Europa, pero ninguna experiencia es comparable a la de los afortunados mortales que pudieron disfrutarlas en los diarios en su, hoy impensable, tamaño original y con los extraordinarios colores de la época. A quien ha podido ver esas paginas cualquier reedición, por cuidada que sea, ha de parecerle un reflejo desvaído del original.Y esa es la experiencia que les proponemos, aprovechando que estamos en el 75 aniversario del personaje, poder disfrutar de la contemplación de una selección de las mismas páginas que deslumbraron a una generación de lectores y dieron lugar a una leyenda. Si les interesan los comics, si les gustan los tebeos, esta es una ocasión que no pueden perderse pues no es de las que se dan todos los días. 1) Los comics de los periódicos se publicaban en dos formatos, uno todos los días consistente en una tira -de ahí el nombre de “tira diaria”- generalmente distribuida en tres viñetas en blanco y negro. Los Domingos se tiraba la casa por la ventana y los personajes más famosos gozaban de una página entera y verdadera (a veces media) a todo color, eran las páginas, o planchas, dominicales. La mayor parte de las series se publicaban en ambos formatos, pero algunas como El Príncipe Valiente sólo tuvieron páginas dominicales, lo que permitía un mayor cuidado y control por parte del autor. XXXVI Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias / Gijón / Octubre 2012 TM and © King Feautures Syndicate, Inc.

Gemma Cubells Guasp

Práctica de composición: 21-11-12 Diseño de cartel en InDesign que sirve como panfleto.

Juego de pictogramas: 13-2-13

Cuatro pictogramas de animales, basado en uno de la escala de iconicidad.

PORTFOLIO

Sobrassada de Mallorca

Sobrassada

de Mallorca de porc negre

Sellos para la sobrassada de Mallorca: 26-3-13 Diseño para los sellos de sobrassada de Mallorca y de “porc negre”

Setmana de

L’ARBRE Práctica de color: 27-2-13 Ejercicio para trabajar con el coloreado por capa y otras herramientas.

Cartel para la semana del árbol: 28-1-13 Diseño destinado al cartel de “la setmana de l’arbre”

MEMORIA

Portadas

1. Tipografías Black castle FM para el titulo por su aspecto gótico que concuerda con la temática de la revista, Impact para los enunciados para ganar en estética. 2. Lutos para agilizar la lectura de algunos puntos de información. 3. Colores oscuros emulando paisajes nocturnos y darle continuidad.

Sumario

1. Dibujo que forma parte del contenido. 2. La tipografia Futura LT Condensed Extra Bold que le da un toque elegante. 3. Colores negro, rojo y un naranja pálido para evitar que sea demasiado monocromático. 4. Numeración de mayor tamaño para que sea sencillo encontrar las secciones.

Reportaje 1. Tipografías juego de Futura LT Condensed Extra Bold y No Fear en rojo para dar mayor énfasis a la temática del reportaje 2- Subrayado con futura y en negrita. 3. La primera letra de los distintos reportajes es mayor y de diferente color. 4. La parte superior de toda la revista tiene un luto de color indicando las secciones.

MEMORIA

Entrevista

1.Juego de tipografías con ayuda de color para diferenciar las preguntas de las respuestas. 2. Luto negro enmarcando el subrayado que irá en blanco y otro gris para el título. 3. Separación en tres columnas. 4. Única sección que carece de luto para marcar sección, diferenciándolo de los reportajes..

Tabla 1. Luto superior rojo para indicar sección. 2. Partes más importantes resaltados con rojo y con una tipografía diferente al resto. 3. Imágenes a los lados. 4. Imdicadores en rojo y sacados hacia arriba

Portfolio 1. Luto rojo que marca la sección. 2. Tipografía futura con el texto explicativo en Minion pro. 3. lutos naranjas pálido enmarcan la explicación para mayor agilidad visual, asi como margenes qie tratan de darle un aspecto moderno.