FEBRERO 2015
Bs.F: 25.0
GIALLO
.com/artecontemporaneo
´Conceptos de arte contemporaneo´, un libro para imprimir y doblar. 'El punto y la línea', muestra de arte contemporáneo llega a su fin.
Ricardo Báez Duarte ¿Qué hace un matemático y un pintor tomando fotografías?
Página del Editor
Acabamos de dejar atrás otro año de pruebas y retos. Por supuesto que una mirada optimista ayuda, y a veces también recibimos una ayudita del azar, pero lo fundamental es tener una mente abierta para ver y aprovechar las oportunidades. Y algo que te puede entrenar para eso es empezar el año es pensando al revés. La entrevista del mes de febrero es con Ricardo Báez-Duarte, un se hurmano extraordinario y singular, donde converge, la pintura, las matemáticas y la fotografía, para dar luz a un hecho creativo que alegra a las pupilas e inquieta el alma (pág 4), un tema inspirador que queremos regalarte para este 2015. Febrero es el mes de los grandes planes –y de reparar los excesos-, por eso encontraras Reflexiones sobre arte contemporáneo (pág 7). También es un mes ideal para regresar con Una visión feminista sobre el arte (pág 11). Para terminar no olvides leer nuestro artículo del Arte Contemporáneo Venezolano Internacional. Es nuestro regalo para desearte inspiración sobre algo diferente y triunfes en el trabajo y en la vida.
2
Conenido
‘El punto y la línea’, muestra de arte contemporáneo llega a su fin. P. 6 Un pensamiento emergente sobre el arte contemporáneo. P. 7
Página del Editor. P. 2
Arte Contemporáneo Venezolano Internacional. P. 11
¿Qué hace un matemático y un pintor tomando fotografías?. P. 4
´Conceptos de artecontemporaneo´, un libro para imprimir y doblar. P. 6
Reflexiones sobre arte contemporaneo. P. 7
Una visión feminista del arte contemporáneo. P. 10
3
GIALLO news
Ricardo Báez Duarte ¿Un matemático y un pintor tomando fotografías?
Ricardo es un maestro de la fotografía, asistir a sus clases es una experiencia de aprendizaje extraordinaria, la profundidad y el detalle de las respuestas a las preguntas mas sencillas, complicadas o técnicas, no dejan lugar a dudas de su experiencia y conocimientos en el tema. Conozcamos de su propia voz al Venezolano Ricardo Báez Duarte…. – Ricardo, ¿Qué hace un Matemático y Pintor tomando fotografías, hay alguna conexión entre estas artes? Antes de ser Matemático fui artista. Desde muy pequeño era muy aficionado a dibujar y colorear con creyones, luego con acuarelas y pastel. Lo de Matematico es una etiqueta más, una arista de mi personalidad que está muy asociada a la lógica, la ciencia y la aventura hacia lo desconocido para tratar de entender un poco más el Cosmos. Relaciones entre la pintura, matemática y la fotografía? Me imagino que se puede escribir una tesis doctoral con ese marco de referencia, sin embargo en la metodología de ellas hay algo en común, la disciplina. Cuando se plantean retos estéticos, teóricos y técnicos en las tres, hay algo que ayuda mucho, la lógica que es común al quehacer matemático.
4
El resto como dicen los poetas es la Musa, que aparentemente y según los criterios más mundanos está presente en las artes, pero te puedo afirmar con seguridad que también tiene su lugar privilegiado en la creación matemática. Concluyo afirmando que el cordón umbilical que las une es simple mente el hecho creativo.
- ¿Color o blanco y negro? Los dos. Cada uno de estos aspectos son como grandes avenidas que pueden coincidir en encrucijadas muy interesantes. Son dos espacios con técnicas, dificultades y objetivos muy propios.
GIALLO news Me siento inclinado a cultivar ambas disciplinas, en cada una hay posibilidades diferentes de expresión, siendo está ultima la meta fundamental de la fotografía. - ¿Un fotógrafo debería tener buenos conocimientos sobre la teoría del color?, si la respuesta es sí, ¿cómo esto le ayudaría a hacer mejores fotos? Definitivamente. Entender el color es básico para la composición y la expresión fotográfica. La correcta interpretación del color puede hacer que una fotografía aparentemente mustia retorne a la vida y se llene de espacialidad y sentido. Explicar con detalle el alcance de estas ideas me llevaría a una exposición de clases y no creo que se pueda lograr en este corto espacio.
acercarnos a ellos para entender y deslindar lo comercial de lo artístico. Hoy no hay excusa para no poder estudiar sus obras pues contamos con numerosísimas fuentes en Internet. Sería deseable tener escuelas a nivel universitario donde pudiésemos desarrollarnos profesionalemente. En Venezuela lamentablemente hay un vacío enorme en este sentido y tenemos que recurrir a los cursos que se imparten en algunas academias, muy incompletos a mi modo de ver o recurrir a “pegarse” a algún profesional conocido y sorber de ellos todos los conocimientos posibles.
- Con todos tus años de experiencia en la pintura y la fotografía, ¿Cuáles son los pasos a seguir que le recomendarías a los que hoy comienzan? El primer paso sería comenzar desde muy temprano, lo antes posible y con toda la pasión que se pueda tener. Creo en el estudio de los clásicos viejos y contemporáneos, es indispensable
Por: http://www.angelhm. com/2012/06/01/ricardobaez-duarte-fotografo
5
Cultura y Entretenimiento ´Conceptos de artecontemporaneo´, un libro para imprimir y doblar. La publicación se distribuye a través de internet y no tiene costo. Dos años les tomó a los miembros de la Fundación NC-Arte recopilar las percepciones acerca de la pregunta ¿qué es el arte contemporáneo? Las respuestas a este interrogante –tan general y abierto– generaron todo tipo de reacciones; algunas, de más de una página y otras, de tan solo unas líneas, de acuerdo con cada entrevistado. La idea con esta publicación es que cada lector obtenga un insumo para ver cómo se aborda la idea del arte contemporáneo y que “la búsqueda de esta respuesta genere siempre nuevos interrogantes”, señala Claudia Hakim, directora de NC-Arte, en la presentación del libro. El diseño es sencillo. Aunque trata sobre arte, no tiene imágenes, salvo la portada, que fue diseñada por Nicolás París, quien también opinó sobre el tema: “Arte es aquello que no ha sucedido”. En total se consultaron 50 personajes, entre críticos, curadores y coleccionistas, entre otros. El libro se distribuye a través de internet y no tiene costo. La idea es que cada persona lo descargue en su computador, lo imprima en su casa y lo tenga como material de referencia, puesto que, si bien incluye opiniones, alude a hechos históricos. Descargarque el libro aquí: http://www.nc-arte.org/cat/publicaciones/ Por: http://www.eltiempo.com/entretenimiento/musica-y-libros/conceptos-de-arte-contemporaneo-un-libro-para-imprimir-y-doblar/15146028
‘El punto y la línea’, muestra de arte contemporáneo llega a su fin.
México, D.F. La exposición colectiva El punto y la línea, de pintura, escultura, dibujo y fotografía, curada por Rigel Herrera, llega a su fin el sábado 24 en la Galería de Arte de la Secretaría de Economía, Alfonso Reyes 30, esquina con Pachuca, colonia Condesa. La muestra está integrada por dos obras de cada uno de los 16 artistas participantes: Javier Areán, Fabián Ugalde, Carlos Jaurena, Patrick Petterson, Víctor Hugo Reyes, Mariana Flores Quijano, Héctor M. Flores, Eugenia Martínez, César Córdova, Susan Schmidt, Rodolfo Camacho, Javier Carmona, Emmanuel García, Roberto Medina, Bradley Narduzzi y Javier Peláez. En el texto de sala, el crítico de arte, Antonio Espinoza advierte: “Quien busque en las obras exhibidas cuestionamientos a la política gubernamental o gritos desesperados por la crisis que vive actualmente el país, se quedará con las ganas”. “No es que estos autores sean indiferentes a la grave crisis por la que atravesamos: les interesa pero no creen que el arte sea el instrumento más eficaz para denunciarla y combatirla. Asumen su condición posmoderna y conciben al arte como una mentira que no nos enseña a descubrir la verdad”. “Si alguien piensa que estas obras poseen un carácter desacralizador y/o revelan una visión sutilmente crítica de nuestro mundo globalizado, está en su derecho de pensarlo. Otros pensamos que estas obras se distinguen por su enorme carga seductora y que sus creadores no buscan consagrarse para la eternidad, sino algo mucho más simple: la supervivencia del arte como tal”.
6
Rigel Herrera, quien dirige la galería desde hace poco más de un año, pretende darle una visión de “un espacio de pintores para pintores”. También explica que el punto y la línea trata de una mirada hacia su “propia generación”. Por: http://www.jornada.unam.mx/ultimas/2015/01/23/el-punto-y-la-linea-muestra-de-arte-contemporaneo-llegaa-su-fin-100.html
Cultura y Entretenimiento Reflexiones sobre arte contemporáneo. Brevísimo diccionario de una impostura La música, el teatro, la literatura, la danza, el cine llevan lo de ser contemporáneos con otra perspectiva. Son artes que requieren de un involucramiento más real del público, que debe pagar para entrar al teatro o a la sala de conciertos, sentarse y presenciar durante una o más horas una obra y con sus aplausos o abucheos manifiesta su opinión. En cambio, el arte contemporáneo se ve en cinco minutos y el público se larga. Los críticos de estas disciplinas son feroces, el cine soporta toda clase de análisis y nadie se rasga las vestiduras. Leer un libro exige tiempo y concentración y el escritor ve cómo sus libros se quedan en la bodega o se convierten en un éxito. El artista contemporáneo vive en una burbuja, no tiene contacto con el público, niega la crítica que no es favorable y si el público no va a la sala es porque no entiende, nunca porque su obra deje insatisfecho al espectador o porque se perciba como una farsa. Este anti-arte no es para el público ni para el museo, es una práctica endogámica para sus curadores, críticos y artistas. http://revistareplicante.com/reflexiones-sobre-artecontemporaneo/
El artista contemporáneo vive en una burbuja, no tiene contacto con el público, niega la crítica que no es favorable y si el público no va a la sala es porque no entiende, nunca porque su obra deje insatisfecho al espectador o porque se perciba como una farsa. Este anti-arte no es para el público ni para el museo, es una práctica endogámica para sus curadores, críticos y artistas.
CROMOFOBIA
Un pensamiento emergente sobre el arte contemporáneo Este artículo trata de configurar un pensamiento emergente en torno a la reflexividad actual sobre el arte. Para ello, se analizan el stencil y el net.art como medios expresivos eminentemente autocríticos. Este ensayo recoge algunos aspectos teóricos sobre el pensamiento actual en torno al arte. Se basa, en su mayor parte, en las teorías estéticas de Gilles Deleuze y de Félix Guattari en ¿Qué es la filosofía?, aunque señala múltiples problemáticas que conciernen al pensamiento posmoderno. Las dos formas artísticas analizadas en este trabajo, reflejo del propio pensamiento teórico colapsado por la posmodernidad, son vistas como momentos culminantes dentro del pensamiento emergente que solicita a la estética; éstas son descubiertas como los pocos medios revolucionarios a través de los cuales todavía es posible generar un pensamiento teórico al margen de los cánones institucionales. Así, los dos espacios (bajo la denominación temporal irruptiva del acontecimiento) se ofrecen como un constructo de posibilidad en nuestra contemporaneidad. http://www.scielo.org.mx/scielo.php?pid=S187000632009000300012&script=sci_arttext
MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, presenta Cromofobia, una exhibición que conjuga obras pertenecientes a su colección con el trabajo de artistas contemporáneos invitados. Los trabajos que integran esta muestra ocupan la arquitectura del museo para crear un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color y pensar la gramática formal y los sentidos que instalan los extremos lumínicos y opacos en la materia. http://www.artishock.cl/2015/02/cromofobia/
7
Cultura y Entretenimiento Una visión feminista del arte contemporáneo. http://www.scielo.org.ve/scielo.php?pid=S1316-37012008000200018&script=sci_arttext
El cuerpo de las mujeres ha sido tema ortodoxo de las artes visuales de todas las épocas. Cuerpo visto a través de la mirada masculina que trata de captar y presentar la femineidad elusivamente ideal, de acuerdo a los cánones hegemónicos del momento, o que trata de examinar, a través del cuerpo femenino, temores, deseos y erotismo propios. Las artes plásticas y su historia han sido, mayoritariamente, consideradas como pertenecientes al sector de lo masculino. Al respecto, dice Carmen Hernández que “En nuestro continente se piensa, de manera bastante generalizada, que la actuación exitosa de la mujer en el campo artístico e intelectual es un hecho excepcional, producto de la interacción de factores extraordinarios”.(33). Las mujeres, aún en nuestra contemporaneidad, son consideras objeto, no sujeto de las artes visuales. Las artistas están invisibilizadas en la historia del arte y, específicamente, las actuales, tienen un difícil acceso a
los circuitos de difusión y exposición. Por esto, el libro de Carmen Hernández es un libro político, ya que expone la experiencia femenina en el arte mirándose a sí misma. No solamente visibiliza un conjunto de artistas de América que practican las artes visuales, sino que explica cómo todo arte realizado por mujeres, necesariamente, es transgresor, porque parte de la deconstrucción de lo femenino en cuanto papel y norma social. A través de la expresión visual, las artistas construyen su identidad y subvierten su existencia. En palabras de la artista venezolana Antonieta Sosa: “El arte ha sido la excusa para ubicarme y tratar de entender el mundo. Para exorcizar lo misterioso”. (En Hernández:117). Entonces, el cuerpo femenino es material fundamental del trabajo artístico, pero desde el enfoque de las sujetas que trasgreden los espacios y formas prefijadas. Por eso, incluso, trasfunden
formatos en la búsqueda de lenguajes más abarcantes y vivenciales, donde se valora la experiencia personal como vía alterna frente a la noción de sujeto estable y trascendente. (41). El arte de mujeres es otra forma de hacer feminismo, una búsqueda de un nuevo orden simbólico no jerárquico. No podría ser de otra manera, toda indagación seriamente reflexiva y experiencial de cualquier mujer se topa con el feminismo, si no como teoría, como sentimiento explicativo. Por ello, Doris Lessing afirma que todas las mujeres son feministas. Este texto de Carmen Hernández da cuenta de manera documentada de cómo: La actual postura deconstructiva del arte le debe mucho a la experiencia ejercida alrededor de la etapa conocida como feminista, la cual a partir de los años 70 se preocupa por la inserción de las voces femeninas en el campo cultural. (67). A través
del análisis de la obra de 23 artistas que pronuncian con voz propia y con autoridad respecto a la configuración de autoridades, Hernández visibiliza las líneas maestras de una cultura emergente y transformadora plasmada en arte feminista, antiformalista y plural, enérgicamente alejado de la pintura y escultura, que produce instalaciones, video, perfomances, etc. Nos muestra cómo el cuestionamiento de las visiones restrictivas de la femineidad abre paso a la subversión de códigos artísticos, con lo cual busca crear conmoción en el espectador, rescatando, para el arte, incluso, las labores domésticas asignadas al mundo femenino. “Siento necesidad de que el público reaccione”, dice la artista Argelia Bravo.
10
Desde el cuerpo: alegorías de lo femenino es un aporte imprescindible para entender, por una parte, cómo la identidad de las mujeres, explorada con rebeldía en sus obras, es una estrategia crítica y una propuesta feminista y, por otra, es una obra indispensable para visibilizar la historia reciente de la plástica latinoamericana.
Cultura y Entretenimiento Arte Contemporáneo Venezolano Internacional En el arte contemporáneo Venezuela se ha destacado por su gran potencialidad creadora. Ningún otro país de nuestro continente ha aportado tan alto número de artistas plásticos de significación e importancia. Armando Reverón, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero, Gego, Marisol, Víctor Lucena, Meyer Vaisman, José Antonio Hernández-Diez y Arturo Herrera son considerados internacionalmente precursores y figuras claves
de movimientos y tendencias que han marcado pauta y abierto caminos inéditos a lenguajes distintivos del arte del siglo XX que ya son parte primordial de la Historia del Arte universal.
simo nivel del arte cinético, óptico y retinal. Otero desarrolló un cuerpo de trabajo de importancia seminal que lo sitúa como un creador de lucidez única, de referencia obligada para la correcta comprensión del arte en América Latina. De sensibilidad, equilibrio, inteligencia y originalidad infrecuente, el trabajo creador de Gego exploró la línea en sus posibilidades infinitas. Marisol, la única artista mujer de relevancia del Arte Pop, inventó una nueva forma de abordar la escultura figurativa, dando como resultado personajes enigmáticos de insólita e hierática belleza.
miento que revisa, cuestiona y reactualiza ciertos lenguajes geométricos, además de planteamientos que denotan sátira y humor. Uno de los más notables e inventivos pioneros del video arte en América es Hernández-Diez quien, con sus inquietantes piezas experimentales de investigación multimedia, se coloca de manera notoria entre los creadores visuales más interesantes y prominentes de su generación a nivel internacional. Herrera, cuyo trabajo novedoso primordialmente abstracto con insinuadas pistas de formas reconocibles de la realidad se dificulta encasillar, es calificado actualmente como uno de los 100 artistas visuales vivos y activos más importantes del planeta.
Lucena investiga lo perceptual, lo ambiguo y las relaciones fragmentadas de formas geométricas, de simplicidad minimalista, causando sorpresas desconcertantes e inesperadas en el espectador al momento de interactuar con su obra. Vaisman es cabeza principal e intelectual del Neo-Geo, movi-
En su extraordinaria obra pictórica, Reverón trató la luz de manera magistral como ningún otro pintor latinoamericano de su tiempo, llegando a crear telas casi monocromas. Soto y Cruz-Diez fueron pioneros, maestros de primerí-
En lo que va del siglo XXI creadores visuales venezolanos jóvenes de reconocido talento se han destacado insertándose con cada vez mayor presencia y visibilidad en el altamente exigente y exclusivo circuito internacional
del arte. Alexander Apóstol, Carla Arocha, José Gabriel Fernández, Magdalena Fernández, Jaime Gili, Luis Molina-Pantin, Jorge Pedro Núñez y Javier Téllez forman parte de esa lúcida y brillante constelación de estrellas que han hecho del arte venezolano moderno y contemporáneo un hito trascendente de la cultura occidental. Miguel Miguel García
11
giallo.com/artecontemporaneo