Catálogo 3 Cordillera Octubre 2016 by Cordillera Galeria

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Cordillera Galería Catálogo 3 de 12 Editado en Chile 2016 Todos los textos pertenecen a los artistas salvo P6/P9 cuyo autor es Gabriela Clara Pignataro Editado por: Cordillera Galería | Gimena Castellón Arrieta ph p8 y 9 Delfina Carmona. Para reproducción de las imágenes solicitar permiso o pedir contacto con los artistas a escuela.de.vuelo@outlook.com Regina Calcaterra (ARG) Simón Jara (CL) Isabel Santibáñez (CL) Miguel Rodríguez Sepúlveda (MX) Carlos Silva (CL)

http://cordilleragaleria.tumblr.com/

Cordillera es un espacio virtual de arte actual que busca dar visibilidad a proyectos y expresiones relacionadas con lo contemporĂĄneo. Cordillera nace entre Chile y Argentina y se extiende a todo el mapa. Cada artista nuevo es un punto que expande la cartografĂa.

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Simón jara (CL) Carlos Silva (CL) Miguel Rodríguez Sepúlveda (MX) Isabel Santibáñez (CL) Regina Calcaterra (AR)

Soy un ave exรณtica, efecto residual: Artefacto-extranjera

Texto por Gabriela Clara Pignataro(ARG)

eo en las cosas el eco de algo que no puedo nombrar. Una planta aparece, de pronto su ruido. Un tic tac para criar una secuencia florida. La primavera llegará tarde o temprano, como todo aquello que no puede ocultarse. A veces se extraña, se mira la espina de alquien que es un recuerdo: digo mi nombre al revés. Aparezco. El espacio, la casa, la cosa. Las paredes hablan. Temer los datos, el lugar. Qué historia, se dice.

Estoy frente a la ventana, con la cara pegada al vidrio; es decir, si quiero puedo acercar la llanura de mi piel al cristal y sentir el frío de la primavera inestable que se transfiere en la tarde gris de este martes. Desde el balcón de un quinto piso, sin edificios haciendo guardia enfrente, la ciudad se desarma como un cuadro, un Hopper gauchourbano. La bruma profusa, clareando del fondo hasta acá; escalonándose las torres y antenas descendiéndose de la línea del horizonte hasta llegar a las casas bajas. El barrio, mi barrio, mi pequeño reinado que no adueño. Las tejas partidas, las terrazas descuidadas, el punto santa clara de los cables telefónicos en la esquina. En diagonal a mí, cinco

pisos debajo del nivel de mi peso falsamente suspendido, y cruzando la calle: la casa de la ochava. Parece deshabitada, no me animaría a decir “abandonada”, tan sólo sin trazos visibles de reacciones humanas en este período de observación. Quisiera que me tomasen una foto cuando estoy así de callada, para poder recibir mi contorno como una forma por fuera de mí. Salirme del lenguaje para nombrarme como nombro las cosas que existen: casa, perro, árbol, nube, ellayo. Tengo puesto un pantalón negro con arabescos blancos. Un pantalón fresco, suelto, dónde mi cuerpo oscila en el espacio entre la piel y la tela. ¿Cómo se llama aquello que existe entre dos periferias? La periferia de la piel y la de la prenda. Ese espacio aerial, invisible pero existente. La periferia de la vista y la superficie del objeto, la distancia entre la palabra y el oído. El trayecto entre el pensamiento y la manifestación. Como la fuerza que mantiene a los imanes repelidos, alejados, un flujo magnético que no se traza en el espacio sino a través de la conducción sensorial de los dedos que sostienen los imanes hasta la decodificación del cerebro. Así, es eso que quiero explicar y no puedo. La dimensión del fortín que se levanta en el

desierto. El desfasaje entre el sentimiento y su efecto en el tacto. No lo veo desplegado en el movimiento de los labios y la lengua, pero aún así, se siente en alguna capa magmática del cuerpo. Entonces irreverentemente, existe. Como ese flujo magnético capaz de plegar las geografías plateadas, o alejarlas. La fuerza es la misma, la cercanía o el deslizamiento opuesto dependen de la cara que se muestre. Y en esta amabilidad de los metales, se reduce el universo. La fuerza siempre es la misma para detener o avanzar el tiempo. La potencia, la sustancia irreducible es la misma: la elección cualitativa es la libertad del ojo que mira. No es un acto de fé. Vagabundeo por la ventana y entre el paisaje y yo está mi propio reflejo tenue en el vidrio. Somos dos entonces mirando el barrio, y una la que se mira aunque sin verse. La soledad templada del que escucha, que siempre escucha. La abstracción del que escucha lo que no se oye; la del náufrago, el preso, el escapado, el irredimido. Volverse invisible sin desmaterializarse. Suena el teléfono y no atiendo. Hoy no debería estar en casa, por lo tanto nadie que me busque me estaría llamando. Y si así fuera, podría estar desde luego, en cualquier lado. Afuera de todo, adentro mío.

Un camello llevando su propia reserva de energía en los días. La joroba que no pesa, ese es el único equipaje portable, biodegradable. Sospecho que todo lo demás es, transitorio, por lo tanto contingente. Eso es algo que me enseñaron las iguanas. Recuerdo la primera vez que aparecieron en el barrio, muchos veranos atrás también.Las iguanas son como oráculos estacionales, su presencia se adelanta a las cigarras y grillos; independientes de los alguaciles. Estos pequeños dinosaurios, surcan las paredes, los ladrillos, las fachadas de horribles azulejos como evidencia de una ciudad que olvidó las leyes esenciales. Hijas pródigas de la naturaleza, las iguanas resisten a la modernidad desde su piel escamosa, su desplazamiento veloz. Sus caritas de velocirraptors en miniatura, atestando rápidas miradas a las grietas. La primera vez que las vi, me asusté y asombré; ese embeleso de lo desconocido cuando somos chicos. Estar de frente a un nuevo mapa móvil, que respira y nos huye. Una vez, un espécimen muy grande se paseó delante de mí mientras regaba las plantas. Lentamente me acerqué, la tomé de la cola. Cesó su movimiento de colibrí reptante, un péndulo que se detiene. Un ruidito casi inaudible, un crack en escala liliputiense y la iguana desandó

su cuerpo. Un transformer. Y me quedé con la cola entre los dedos. Artefacto, brote nuevo, efecto maravilloso. Quisiera que me tomen una foto, donde me sienta respirar y el corazón latir frente al infinito movimiento de las cosas. El punto infinito. Si somos el punto infinito, la mínima expresión del universo, una pequeña totalidad en sí. El punto no tiene partes, no se puede partir, pero las construcciones parten de él. La línea, el plano y el volumen; la casa, el templo, la nave espacial y la bomba nuclear. Su existencia devela, que siempre hay algo oculto. Algo adentro del punto que no se disuelve jamás y viaja en el tiempo. Intocable. Si hallamos nuestro origen, punto desde donde todo puede construirse, romperse, perderse y volver. Mellar el escombro, hacer piel ceniza, hambre basura, cuerpo reactivo. Porque el punto es, estar en casa. Quisiera que me tomen una foto, donde me sienta respirar y el corazón latir fuerte. Ser salvaje excitación de una tribu descubriendo un nuevo río y darle un sonido entre los dientes; ser el miedo abismal de estar abriendo la puerta de algo jamás visto. Cruzar la frontera. Y no olvidarlo nunca. Poder volver siempre que se

quiera. No olvidarlo nunca. Recordar el camino de las piedras centellantes en el barro. Estoy en la selva. Quiero que me saquen una foto y no me puedan clasificar. Como esas aves exóticas arremolinándose en lo alto de las Yungas. Sin conciencia de sí, hermanas del todo. Traspasándose los milenios en la memoria del canto. Quisiera que me saquen una foto, donde me sienta respirar y el corazón latir fuerte. Para entonces volver a mi nombre, pero de otra forma. Y no olvidarlo nunca. Ser efecto residual del paisaje. Ser algo amputado articulación involuntaria extrañado el brazo fantasma manifiesta espectral su movimiento signo de una metamorfosis masticada hacia adentro ritmo dominó modifica las aguas el mar puede volverse todo el río, devano cortajeo devengo: artefacto-extranjera//

Nací en el 85’, una noche calurosa de Octubre, en un sanatorio con nombre de continente helado. De ojos orientales y sangre italiana, pasé mi infancia en las horas lentas de un barrio de casa bajas y calles empedradas. La casa dónde crecí fué construida por mi padre y mi abuelo, así como los vestidos que llevaba y ensuciaba al trepar rampas eran cosidos por mi madre. Algo de esa insistencia obrera, analógica, manual, persiste a la hora de tocar las cosas. De abstraer imágenes del mundo. Durante el día, la casa se ofrecía vacía, sólo la voz de mi mamá canturreando entre los geranios y hortensias; la tarde se me abría como un mapa sin nombres que en el vacío de la siesta llenaba con personajes y nombres que a veces asumía propios. Hablaba en voz alta, cambiaba de silla, me respondía A los seis años me regalaron un diario íntimo, un enero de temperaturas desatadas y horas de chicle. En casa no teníamos pileta, ni jardín y para ir a la plaza había que esperar a que bajara el sol. Motivada por las películas de detectives y sucesos sobrenaturales, comencé a registrar cada data en el diario. A veces un exquisito detalle de las frutas de estación, otras una poesía a una flor muerta. El verano pasó y no dejé de escribir en las páginas lavanda los acontecimientos. Castigada por hablar en clase, intrigas y ardides del amor, notas al pie sobre las peleas de los vecinos. El cuaderno era siempre un lugar al que volver, donde establecía un diálogo cerrado conmigo misma, un espejo astillado y lleno de manchas. Los años que siguieron se fueron poblando de libros. No me gustaban los deportes ni actividades de mucha exposición, prefería el corte de lo silencio, la fabulación interior. Me disfrazaba, ponía discos, me grababa en un

pasacasette que mantenía el record con una cinta. Hacía compilados, inventaba entrevistas. La llegada de Internet a fines de los 90’, entró conmigo a la adolescencia. La entelequia dial-up, el buceo en bytes entre fondos de pantalla de los Ramones y de la URSS. Horas traduciendo al élfico frases para mantener en secreto, días para descargar imágenes de Odisea en el espacio. Percibí de mi padre una fascinación por la ciencia ficción y el jazz, de mi madre una curiosidad cruda por las cosas vivas: una iguana, un perro, un huevo de tortuga roto. Objetos del misterio común. Robaba los discos de mis hermanos, para pasarlos a cinta y escucharlos en mi walkman, mientras me encerraba en el cuarto del fondo a escribir. La poesía apareció como una lanza, un experimento doloroso con el pasado, la muerte cercana. Una lanza de lado a lado, encendiendo la sangre también. Una pregunta sin respuesta a otras preguntas. Sólo imágenes de posibilidad. Con un hurto superior, la cámara analógica Yashica de mi padre, comenzó una obsesión con el tiempo y la luz. Esos recorridos no académicos, fueron paisajes decisivos del deseo y la pasión futura: el vacío, la incerteza, el lenguaje, la post-imagen. Luego vino el vagabundeo por talleres, aulas, teatros. La aparición del cuerpo como un dispositivo, el efecto que da la falla hermosa de la creación. Idas y venidas, volví a la Carrera de Artes para trenzarme en una tensión de amor-odio con la academia, en un enriedo total con el cine y el teatro. Luego la emergencia por lo educativo y los puentes posibles para abrir mundos a través de lo artístico y el pensamiento. Vivo al borde de mi sombra, con un dejo de melancolía absurda por cosas que no recuerdo. Con muchas más

preguntas que respuestas, y más intentos que horas de sueño. Cómo estallar una roca, pulverizar el estigma de algunas formas, entrar en aquello que no se parte y es una respuesta. Como una extranjera a través del desierto, con círculos blancos en la frente; artefacto-extranjera, intentando quedar de frente a la tormenta antes que todo suceda. El momento de la perfecta y pura posibilidad, algo sin muerte, y que después todo estalle el sinsentido de la lógica.

Gabriela Clara Pignataro (Floresta, Buenos Aires, 1985) escribe, es actriz y fotógrafa. En 2013 estrenó su opera prima de experimentación teatral biodramática en CCMAtienzo. Publicó La última oleada se llevó todo menos esto (Editorial Subpoesía 2013), Eso que no se parte es una respuesta (Difusión Alterna 2014), Muta (Nulu Bonsai 2014), Floresta (LFS 2015, Esto pasa: Poesía en Buenos Aires.Antología (Llanto de Mudo 2015). Se encuentra trabajando en Proyecto “La belleza random de los días” de investigación fotográfica analógica y en su primera novela. Escribe reseñas, poesía y ensayos en lasalvajelucidez.tumblr.com y sobre todo observa y respira. Trabaja en Educación en espacio de biblioteca y como guía de museo. Se forma en la Lic. en Artes Combinadas en FFyL y en la Tecnicatura en Pedagogía y Educación Social en ISTLyR. Forma parte del Grupo de Estudio y Reflexión “Investigaciones fuera del foco” dirigido por Sebastián Russo. Colaboradora en ArteZeta Crítica Emergente www.artezeta.com.ar y la mironaartistica.blogspot.com

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SIMÓN JARA (CL) Artista visual, nace en 1989 en Santiago de Chile, donde actualmente vive y trabaja. Sus referencias o citas más directas son a Warhol, Urs Fischer, Yves Klein, Daniel Buren y Picasso, aunque debe reconocer un amor homosexual por Miguel Ángel y Leonardo y una fascinación por la pintura del s.XIX, sobre todo por el realismo francés del cual su favorito es Daumier, que más bien es dibujo o lito. Además se maravilla con la estampa japonesa de toda época. De los chilenos contemporáneos admira a Dittborn y Díaz, y de los norteamericanos a Alfredo Jaar. Su trabajo trata de visibilizar fragmentos de la historia y las instituciones públicas o privadas, trata de particularizar rostros y acuñar cifras, o de poner de manifiesto la planitud irreal e idealizada de las cosas. La profundidad versus la superficie, la institucionalidad versus la particularización de quien la opera.

Exposiciones: 2016.- CASA TOMADA, Estudio Privado Arte. Fanzine en colaboración con Eduardo Fierro, BAYWES, Felipe Baeza, Lucas Sánchez, Pedro Contreras, Enrique Lowe y Claudio Guerrero. 2016.- SONIA: VERANO PORVENIR, Taller porvenir. 2015 - 2016.- MAVI ARTE JOVEN MINERA ESCONDIDA, selección exposición, obra PADRE. 2015.- CASA QUEMADA, Taller porvenir. 2013.- PRIMERA EXPOSICIÓN DE ARTE, DIBUJOS ANIMADOS Y VISIÓN DE MUNDO, CENTRO CULTURAL DEL TRICENTENARIO, MAC Quinta Normal. Curaduría Enrique Flores. 2013.- SPOILERS, Galeria AFA. Curaduría Ignacio Szmulewicz. 2013.- REALISMO COMPULSIVO, Sala de Arte CCU. Curaduría Claudio Guerrero. 2012.- DIÁLOGOS DE EMANCIPACIÓN, Galería Metropolitana. Curaduría Francisco Papas Fritas.

2012.- BAKAU, curaduria MATADERO, Metales Pesados. Curaduría Ignacio Szmulewicz. Proyectos: 2012-2013, miembro proyecto GALERÍA ARMADA. 2011-2013, miembro colectivo de arte INTENTO COLECTIVO. -

+info: http://simonjara.tumblr.com/

La Casa de Paco Videos: https://vimeo.com/185084797 https://vimeo.com/185080642 https://vimeo.com/184789696

La casa de Paco es una serie de videos y fotografías hechas en colaboración con varios artistas provenientes del teatro, el cine y las artes visuales. Nace de la idea de continuar con el registro que venía trabajando en mi exposición anterior, que suponía un acercamiento a la superficie por medio de la trama. La trama se entiende como una misma cosa que se repite, una cosa que des jerarquiza, que posibilita el camuflaje, que otorga ritmo y que vuelve a la cosa más cosas. El nombre de esa exposición era “Casa tomada”, como el cuento de Cortázar, y se compuso de objetos encontrados en desuso, a los que se les aplicó humo de vela enmascarado, una suerte de Daniel Buren pero con humo. Además había una fotografía de un detalle del fondo de una olla y se produjo un fanzine como material anexo, el cual fue ejecutado por Eduardo Fierro, Enrique Lowe, Claudio Guerrero, Felipe Baeza, Pedro Contreras, BAYWE, Lucas Sánchez y yo.

remiten de manera burda a ciertos estereotipos o lugares comunes, todo esto dentro de la casa de Paco. El rodaje se hizo en un nuevo espacio en barrio Franklin, Instituto Tele Arte, que dirige el artista Enrique Flores, que participó además en los videos. El sonido de la canción adaptada de David Bowie lo hicimos en conjunto con Cristian Martínez, a quien pido sinceras disculpas por el error de su nombre en el video clip. Con él básicamente trabajamos en cada aspecto del proyecto, además de estar participando como el protagonista de la obra. También formaron parte del equipo para la grabación los actores Roberto Cayuqueo, a quien agradezco las fotografías, Felipe Rojas, Cristián Luna, Álvaro Sanhueza, Víctor González y Nino Espinoza, el artista visual Cristian Rodríguez y el historiador y teórico del arte Felipe Baeza.

En esta ocasión, el trabajo creo que se toma de Los elementos del rodaje fueron co-producción esa antesala, ocupando los mismos elementos, con AlRojo producciones. como la vela y la trama, en una dinámica de set televisivo, una suerte de happening deprimente e iluminado. El personaje principal es Paco, a quien vemos interactuar con otros personajes que

CARLOS SILVA (CL) 1979, Vive y trabaja en Valparaíso Chile. Con formación en Diseño, Arquitectura y Artes Visuales, Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Arcis. Su trabajo visual opera desde una noción territorial, en la observación de la ciudad contemporánea como imagen y paradoja de lo moderno, en la revisión de sus objetos y paisajes, como formas de apropiación, resistencia y desvío. Esto en operaciones de visualización que van desde la fotografía, el video a la intervención de espacios públicos. Ha exhibido su trabajo en el Museo de Artes Visuales MAVI, y Museo de Arte Contemporáneo, Galería Gabriela Mistral entre otros espacios en Chile. En el Festival de Cine Kurzfilmtage Oberhausen Alemania, en la Fototeca de Cuba en la Habana, en la Galería Montezuma Arts Santa Fe, USA, y Galería Marta Traba, Brasil entre otros espacios en el extranjero. Actualmente y desde Valparaíso, realiza docencia en Cámara Lucida de Valparaíso,

escuela Independiente de fotografía y en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar. Desde el año 2012 integra la Red Nekoe, un colectivo de artistas quienes proponen distintas plataformas para la producción y circulación de obras. Como director de la Sede Valparaíso, utiliza su misma casa como un espacio de exhibición y centro de residencias, generando un dinámica curatorial independiente y conectada al circuito local. En este mismo contexto, es integrante del CED, (Circuito de Espacios Domésticos), una organización creada por artistas locales donde el común denominador es la concepción de la producción artística como experiencia al interior del cotidiano doméstico. -

+Info: www.csilva.cl www.instagram.com/csilvat www.casanekoe.wordpress.com

REY TUERTO REY TUERTO Rey Tuerto.  Video Acción: 16:25 min https://www.youtube.com/watch?v=3pmcfF7R0kg

La elección de esta obra se podría definir bajo la noción de site specific o más bien web specific, tomando en cuenta las características de Galería Cordillera. Asumiendo el hábitat de la virtualidad, ”Rey tuerto” como propuesta es el registro accidentado de una acción al interior de la red, y por lo mismo no tiene otra pretensión que la de seguir su naturaleza y continuar alojada en este espacio. El año 2015 fui invitado a participar de una exposición fotográfica en la ciudad de Valparaíso en la galería Mano de Monja, curada por Pablo Suazo dentro de un ciclo al cual el denominó “Los Reyes Tuertos”. La línea curatorial requería la conformación de un díptico fotográfico, acordamos con el curador elegir las obras desde mi cuenta instagram, la cual uso como ejercicio diario de extensión de mi trabajo fotográfico. Una vez realizado el montaje de la exposición, estaba estipulado la creación de una video entrevista en la cual debía dar ciertas pistas de mi trabajo. Para esta instancia tenía planificado una exposición descriptiva, explicando mis procedimientos con los distintos dispositivos de registro y circulación de imágenes. Todo bien hasta ahí, sin embargo al momento de iniciar la grabación, llegó de improvisto a la galería mi amigo escritor Marcelo Mellado, con quien suelo

trabajar en formato audiovisual y frecuentemente tenemos diálogos dispersos de la “alta” y “baja” cultura por así decirlo, y bueno, lo que tenía un guión mas menos definido, entró en un espiral de la improvisación. Si bien la grabación debió haber sido a propósito de mi trabajo, lo que se gestó ahí fue una deriva por la red en torno a nuestra cultura visual y por que no decirlo sonora, en la cual lo fotográfico constituye un marco o fondo ambiguo, creándose ahí un sustrato autónomo que me interesa administrar. Agradecimientos: Pablo Suazo Marcelo Mellado Christian Castro

MIGUEL RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA (MX) Miguel Rodríguez Sepúlveda nace en Tampico, Tamaulipas el 14 de febrero de 1971, crece en Cerro Azul, Veracruz. De 1986 a 2003 radica en Monterrey, N.L. Allí estudia arquitectura, fotografía profesional y empieza su carrera en las artes, a partir de 2003 se traslada a la Ciudad de México, donde vive y trabaja actualmente. La investigación principal de Miguel Rodríguez Sepúlveda se enfoca en analizar la forma en que influyen las dinámicas de transformación de la sociedad y su propia percepción como un ente dinámico, las posibles formas de acercarse y observar estos procesos utilizando preceptos científicos, por lo general la Ley de la Conservación de la Energía (“nada se crea ni se destruye, solo se transforma”) para encontrar reflejos, proyecciones y paralelismos entre política, arte y sociedad. Los dos proyectos más importantes deMiguel Rodríguez Sepúlveda en los que trabaja desde el 2007 son Proyecto EMERGÍA realizando un recorrido por los 21

países de Latinoamérica generando un mapeo y una reflexión sobre los paradigmas que apuntalan la construcción de la identidad de cada lugar; y SERIE PLATA LIBERTAD la cual se conforma de un grupo de obras que reflexiona sobre nuestro entorno social, cultural, político y económico utilizando un juego de metáforas a partir de la transformación de monedas de Plata Libertad (nueva denominación de origen de la plata mexicana) acuñadas por el Banco de México y de las imágenes estampadas en ellas: La Victoria Alada o Ángel de la Independencia en un lado, y en el otro el Escudo Nacional, que son imágenes pilares de la construcción del proyecto de nación. Su obra se ha mostrado en 30 muestras individuales en México, Venezuela, Colombia, Argentina, Ecuador y Cuba. De manera colectiva en alrededor de 140 muestras en diferentes países, principalmente en Latinoamérica y Europa. Ha recibido 25 reconocimientos y apoyos a la producción en México y el extranjero

entre las que destacan en 2009 el Apoyo a la Producción Artística de la Fundación Prince Claus de Holanda y el Programa de Patrocinios y Becas de la Fundación/Colección Jumex. En 2014 gana el primer lugar en la 2da Bienal de Arte de Veracruz 2014. En 2009 funda junto a Fernanda Mejía el Taller Multinacional, iniciativa que busca construir un espacio para propuesta artísticas y críticas que contribuyan a la reflexión del entorno cultural y social. -

+info: www.miguelrodriguezsepulveda.com

Instrumento + Una historia de Machetes INSTRUMENTO https://youtu.be/cQEKmbMbtwE Año 2011 Una historia de Machetes Giclée / papel de algodón 120x125 cm aprox Año 2011 -

El artista, desde su realidad y sus posibilidades, utiliza las herramientas a las que tiene acceso para comprender su entorno. En sus diferentes obras, es posible encontrar que su generación de códigos tiene denominadores comunes. A partir de fenómenos sociales que observa y encuentra confusos, comienza desarrollando conexiones no verbales sino estéticas para generación de nuevos significados. Selecciona cuidadosamente los objetos contingentes que en sí mismos representan varias posibilidades semánticas. Más tarde aplica a ellos una acción que definirá las posibles lecturas, generalmente paralelas y literales, para así abrir nuevas posibilidades de interpretación para el espectador desde su contexto. Rodríguez Sepúlveda no. Un machete se utiliza para segar la hierba, cortar la caña de azúcar, podar plantas, abrirse paso en la selva. Pero además el machete es también es un arma blanca y, en la historia de México, las guerras se han peleado con machete. Representa el poder del pueblo ante la opresión de sus gobernantes. Debido a que la actividad física sobre el objeto es también un componente conceptual en su obra, Rodríguez Sepúlveda decide afilarlo indefinidamente hasta su desintegración total. El resultado es inicialmente el póster ‘Una historia de machetes’. La imagen del ‘antes’ y el ‘después’ con un texto que explica el valor significativo de la acción de afilar. Su estrategia es presentar

esta imagen de manera semejante a ‘Pencil story’ de John Baldessari, una idea que engloba no sólo el potencial narrativo de la relación del artista con el objeto sino también la cuestión de lo que puede ser el arte.

La inmediata referencia que hace al artista a la icónica obra de Baldessari nos revela la forma en la que deberá ser leída ‘Una historia de machetes’. Mientras Baldessari le saca punta a su lápiz como un ritual previo a al momento implacable de la creación, también nos revela dos cosas: el arte no sólo se encuentra en el resultado final, sino también en el proceso de preparación; y, principalmente, que tanto el lápiz como el machete terminarán inservibles si no se utilizan en el momento correcto.

- texto entero en: http://www.miguelrodriguezsepulveda.com/ miguel-rodriguez-sepulveda-una-historia-demonedas-y-machetes-plinio-avila-publicadoen-revista-arte-al-dia-mexico-edicion-5-4enero-febrero-de-2012/

ISABEL SANTIBÁNEZ (CL) Licenciada en Artes Plásticas y Magíster en Artes Desde el año 2010 trabaja como académica en Visuales en la Universidad de Chile. Profesora de la Universidad Austral de Chile, residiendo entre Artes Visuales en la Universidad Andrés Bello. Valdivia y Santiago de Chile. Su trabajo visual se desarrolla desde el lenguaje de la pintura experimentando sobre diversos soportes, los temas que aborda en sus obras van desde el paisaje urbano a el cuerpo en la ciudad. Entre sus exposiciones individuales destacan: “El Cuerpo del Retrato” en la Sala Juan Egenau; “Línea Imaginaria” en galería BECH; “Movimiento Suspendido” en el Museo de Arte Contemporáneo.

En el contexto de residencias artísticas el año 2015 realiza Línea Imaginaria en Ecuador; el 2016 participa de Curadora, Argentina; y prontamente participará en La Cuenca residencia, Colombia. Además, ha obtenido dos subvenciones artísticas del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile.

+info: www.isabelsantibanez.com

RECORRIDOS DIARIOS DEL COLOR

Instalación de sitio especifico. Medidas variables 2015

Lugar de exposición: Casa dieciocho. Quito, Ecuador- Residencia Línea Imaginaria, organizada por LA MULTINACIONAL. Fecha: Febrero-Marzo 2015

embargo, la imagen de la ciudad va mutando rápidamente ya que el clima húmedo favorece el desprendimiento de la pintura en los edificios y viviendas, estableciendo la construcción de nuevas paletas de colores. De esta manera, el Descripción: “Recorridos diarios del Color” es trabajo es una investigación cromática del paisaje un trabajo que nace a partir de la recolección de un momento (febrero 2015), pero también la de pintura que está por descascararse de las cáscara encontrada trae consigo la sumatoria de construcciones pertenecientes al casco histórico varias capas de pintura, una especie de epidermis de la ciudad de Quito en Ecuador, la imagen que de colores de la ciudad que nos habla del pasado y se plasma es la invención del mapa colorístico los colores de otro tiempo. de la ciudad, según los recorridos realizados por la autora. Cada ciudad tiene una historia, La obra traslada la cáscara cromática de la y en el caso de Quito queda patentizada por su fachada exterior al interior de una casa (en arquitectura de herencia española, y su patón de este caso, galería expositiva), de esta manera, colores, entro otras cosas. El color de la ciudad la última capa exterior, la que protege de los se construye a través del tiempo, y la decisión de embates atmosféricos pasa a ser la primera capa la tonalidad escogida va desde el gusto personal interior, resguardando para su contemplación. del dueño, decretos que regularizan sectores, en Por otra parte, el mapa registra tanto el color del otras construcciones, su color corresponde a su paisaje como el recorrido azaroso de la autora, carácter simbólico determinado culturalmente, la caminante sin dirección, recolecta colores, los como es el caso de las iglesias y conventos. De que luego construyen manchas según el sector esta forma, los colores de la ciudad establecen recorrido, aquí la caminante experimenta la tradiciones cromáticas de herencia histórica, ciudad y registra también su propio caminar como los colores coloniales españoles, decisiones fortuito, y desde su cuerpo construye la obra, políticas, o la demarcación de sectores, lugares extrae y recompone según su recorrido el mapa que no se determinan en el mapa oficial, pero si imaginado del color de Quito. en los códigos territoriales de los habitantes que experimentan la ciudad. El trabajo pretende visualizar que el color del paisaje urbano es determinado por los ciudadanos, y que esto genera su identidad de paisaje. Sin

REGINA CALCATERRA (AR) En 2012 se recicbió de Licenciada en Marketing. Asistió al taller de la escenógrafa y artista plástica Ana Armendariz. Estudió fotografía en el FotoClub Nacional y realizó cursos y seminarios en centros culturales para formarse en diversas disciplinas como el dibujo, la composición del color, historia del arte, creatividad, la escritura y pensamiento lateral (Centro Cultural Rojas, Asociación Amigos del Museo Nacional, ESEADE).

Trabajó en la galería Quimera del Arte como coordinadora del espacio donde expuso con otros artistas. Expuso en Zafarrancho Studio.

Durante el 2015, participó de la temporada 10 de Curadora Residencia para Artistas a cargo de Cintia Clara Romero y Maximiliano Peralta. En el 2016 realizó su primera muestra individual en Acantilado Espacio (La Plata). Actualmente, concurre al taller de poesía a cargo de Daniel Del 2010 al 2013 formó parte del “Taller para Zelko. Jóvenes Artistas” a cargo de la artista Alejandra Roux en la Fundación Roux en donde comenzó a trabajar sus diferentes series y a exponer colectivamente. Desde el 2014 asiste al taller y a la clínica de arte de Diana Aisenberg. Asimismo, participó del espacio de debate “Mesa Redonda” en la Galería de arte Mock y en el laboratorio de experimentación “Para fabricar fuego” en Lila Gallery a cargo de Gimena Castellón Arrieta y Ezequiel Montero Swinnen.

+ info: http://www.reginacalcaterra.com.ar

ARCHIPIÉLAGO

Es en la convivencia de los objetos que surgen Las obras de la serie Archipiélago son el resultado de un proceso de desplazamiento las nuevas relaciones que construyen redes con entre territorios dispares y de recolección de diferentes densidades, y es ese tejido el que elementos que funcionan de materia prima. Al forma la vista panorámica de un Archipiélago. comenzar la serie, me preguntaba ¿Qué es aquello que nos une? ¿De qué color? ¿De qué forma? y decidí jugar con esas inquietudes generando vínculos aleatorios. Corales, cascotes, conchillas, pedazos de barrera de ferrocarril, cortezas de árboles, metales, piezas de juegos infantiles, racimos de uvas. Materiales heterogéneos que son unidos a través del hilo generando una tensión que puede sujetar, envolver, contener y abrazar. Elementos olvidados que pasan tiempo juntos y se fusionan. La instancia de hallazgo es un acontecimiento. A veces, la elección es evidente y otras, observo qué rodea al objeto y qué me revela ese alrededor acerca del objeto. La serie Archipiélago se basa en una recolección primitiva para poder acercarse a eso-que-es-en-común entre los objetos.

Ritmos lentos de traslado durante las caminatas y movimientos mínimos que intentan acercarse al misterio de la unión. A partir de relaciones forzadas, sus particularidades se disuelven y surgen las islas, espacios donde convive lo diverso para crear una identidad; un clima, una trama, un color, una cultura, un olor, un paisaje propio.

INDICE cordillera 3/10

Soy un ave exĂłtica, efecto residual: Artefacto-extranjera La casa de Paco rey tuerto

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............................................................................................................................................................................... p12 ........................................................................................................................................................................... p22

Instrumento & Una historia de machetes .............................................................................................................................................. p35 ............................................................................................................. p44 Recorridos diarios del color ............................................................................................................................................................................................. p52 ArchipiĂŠlago

Cordillera Galería Noviembre Próxima inauguración: Massi Díaz (AR) Virginia Guilisasti (CL) Luján Stasevicius/ Texto (Ar) entre otros invitados!

http://cordilleragaleria.tumblr.com/