6 Miradas Detrás del Método Contemporáneo by Gissell Morel

MIRADAS

DETRÁS DEL MÉTODO C

COMPILACIÓN DE ENSAYOS JULIO 2013

ROBERT

VENTURI

PETER

EISENMAN

ÁLVARO

SIZA

HERZOG & DE MEURON

FRANK

GEHRY

REM

KOOLHAAS



Venturi, figura detonante del posmodernismo Laura M. García S.* Resumen: Robert Venturi dentro del movimiento posmoderno, se convierte en un detonante del mismo al manifestar su afán por desligarse de lo habitual proponiendo una multiplicidad de aspectos en un mismo edificio. Asimismo este gran arquitecto aporta al movimiento un pluralismo arquitectónico, que más adelante es considerado como un todo; esto como parte de la solución que él encuentra para responder a la problemática de diseño. El posmodernismo como movimiento postula una flexibilidad teórica, a causa de aceptar diversas posturas que produjeron el auge de este movimiento. Éste se caracteriza por la agrupación de diversas tendencias como producto de la ansiosa liberación del modernismo por parte de la sociedad y algunas figuras importantes de la arquitectura. Consecuentemente, Robert Venturi dentro de este movimiento donde la arquitectura, según él, se estaba volviendo seca, se convierte en un detonante del mismo al manifestar su afán por desligarse de lo habitual proponiendo una multiplicidad de aspectos en un mismo edificio. Asimismo éste gran arquitecto aporta al movimiento un pluralismo arquitectónico, que más adelante es considerado como un todo; esto como parte de la solución que él encuentra para responder a la problemática de diseño.

Palabras clave Sociedad, cambios, detonante del posmodernismo, pluralismo arquitectónico, romper con lo tradicional, controversias, ideales, imposición al movimiento moderno, contradictoria, teorías.

En los años 60, la sociedad comenzó a cambiar y a promover una expansión de horizontes culturales. Debido a esta inclinación por las permutas, durante la década de los 70 en ella se generó una gran diversidad de gustos y un fluir de estilos disímiles de vida; y ya para los años 80 la sociedad se hacía más plural o diversificada, por lo que no correspondía con el estilo moderno. Estas manifestaciones de la sociedad son las que dan lugar al posmodernismo, en tanto que todas las vertientes arquitectónicas que surgen después de esta década se enmarcan dentro del mismo. Posmodernismo podríamos definirlo como la yuxtaposición de lo nuevo y lo viejo. Robert Venturi es quien manifiesta este apetito por romper con lo tradicional, primero en sus

libros y luego en su arquitectura. En esta última haciendo referencia y combinación de estilos históricos, símbolos y elementos decorativos. En definitiva, esta unión que Venturi hace de aspectos del historicismo y del simbolismo, creando un diálogo ya sea con el usuario o con el observador, es lo que da paso al auge de su postura dentro del posmodernismo. Pesci1, en su artículo, señala que Venturi trajo con sus posturas una ola de frescura a un panorama demasiado codificado. Esto lo logra al imponer una arquitectura que sobrepasa los límites, es decir, que rompió con los paradigmas del movimiento moderno, ateniéndose a crear controversias dentro de la sociedad misma. Como resultado de esto, recibe un sin número de críticas pero muchas de éstas surgieron por la falta de comprensión de sus teorías. En la entrevista “Drexel”, conducida por Paula Marantz Cohen, Venturi explica que no se siente parte del posmodernismo en cuanto a su arquitectura, pero sí en cuanto a los ideales que éste promueve. La vinculación de elementos desiguales en una sola edificación, es una de las respuestas que Venturi obtiene al realizar estos acoplamientos arquitectónicos en sus obras, conocido más bien como pluralismo. Esto provoca que ésta se torne compleja2, contradictoria3 y, a la vez, ambigua4, aspectos que persigue Venturi teniendo como finalidad conseguir que sus diseños se alejen de lo tradicional. Como parte de las conclusiones

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: laura02_92@hotmail.com

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ROBERT VENTURI: LA SÍNTESIS RESPONDE AL PROBLEMA DE DISEÑO

del libro “Arquitectura como Signos y Símbolos” (2009), escrito por la pareja, es necesario resaltar uno de los puntos que ellos proponen aludiendo a este pluralismo permisivo que ellos mismos promueven: “el diseñador debe mantener separadas todas estas capas lo más que pueda para entenderlas, luego relacionarlas y unificarlas para buscar la mejor solución posible”. Esto quiere decir que no se trata de utilizar descaradamente varios elementos y luego unirlos sino que debe haber alguna correspondencia entre ellos para que queden consolidados, obteniendo así un mejor resultado. En contraste, podemos notar en algunas de sus obras, como en el anexo realizado al Museo de arte “Allen Memorial”en 1977, situado en Oberlin (Estados Unidos), que la articulación, textura, cubierta y diseño son todos discordantes y mal ensamblados entre sí. Por consiguiente, la conjugación de tantos elementos en un edificio no siempre logra una respuesta adecuada; lo que quiere decir que su planteamiento teórico tuvo más peso que lo que él llevó a la práctica.

de sus teorías y la realización de proyectos que incluyeran aspectos que resultaran un tanto contradictorios; aunque no lograran lo deseado. Son estas razones las que han hecho que en nuestros días la pareja sea reconocida por sus aportes más que prácticos, teóricos.

Referencias bibliográficas Venturi y Scott Brown, Robert y Denise. (2009). Conclusiones. En, Architecture as sing and simbols (Páginas 7-12 y 218-224). Italia: William E. Massey Sr. Lectures in the History of American Civilization. Obtenido de http://www.amazon.com/Architecture-Signs-SystemsMannerist-Civilization/dp/0674015711 Entrevista Drexel - Robert Venturi and Denise Scott Brown - parte 1 y 2/. (2011). Obtenido de http://www.youtube.com/watch?feature=endscreen&NR=1&v=I AXYqg018D4 Pesci, R. (1979). A propósito de Robert Venturi. Foro Latinoamericano de Ciencias Ambientales, Obtenido de http://www.flacamred.com.ar/centrodocumentacion/documentacion/0002 A propósito de Robert Venturi.pdf Jencks, C. (1981). El lenguaje de la arquitectura posmoderna. Barcelona: Gustavo Gili, S.A.

Ilustración 1: Anexo al Museo de Arte “Allen Memorial”, 1977, Oberlin (Estados Unidos).Recuperado de: Paquete de recursos maestros.

Este pluralismo arquitectónico que Venturi incita, luego es visto como un “todo” debido a la presencia de varias características de distintos estilos que conforman la arquitectura. En la Entrevista Drexel, mencionada anteriormente, Denise, su esposa, explica el movimiento como la pérdida de la inocencia, una nueva forma de pensar, y la aceptación de múltiples culturas compactándose, los cuales van acorde con sus ideales. Es por esto que esta nueva vertiente es bien aceptada, ya que se considera más bien como una forma de expresión de una sociedad que sufrió cambios. Se considera también como una arquitectura abstracta, ya que no hace referencia directa a algo en específico, en donde pasarían a un segundo plano aspectos importantes de otros movimientos, como los de la arquitectura moderna. En las ideas antes presentadas, podemos notar que cuando se habla de la arquitectura posmoderna hay que hacer alusión a Venturi, por sus controversiales, pero aceptados, aportes hacia ésta. Ganándose el papel de detonante dentro del movimiento porque tuvo la osadía de imponerse totalmente al movimiento moderno, a través

Arquitecto y profesor egresado de la Universidad de Argentina. Autor del artículo: “A Propósito de Robert Venturi”. difícil de entender. 3 Contradictoria: afirmar algo que se ha negado. Defiende tanto la vitalidad como la validez. 4 Ambigua: permite ciertos niveles de percepción o interpretación. 2 Compleja:

Conjunción del historicismo y el simbolismo en la arquitectura de Robert Venturi Laura M. García S.* Resumen: Se trata de dos aspectos que Robert Venturi considera importantes en su arquitectura, el simbolismo e historicismo. Conoceremos sobre éstos por separado y veremos si el resultado que logra al incluirlos y conjugarlos en su arquitectura es lo que realmente él plantea. Pero antes, presentaré las razones en las que él se apoyaba para buscar una conciliación arquitectónica entre estos aspectos y presentarlos como una simple yuxtaposición de elementos. Muchos autores lo critican porque sus planteamientos teóricos se alejan de la realidad que él plantea en sus proyectos. Sin embargo, Venturi no lo cree así. La arquitectura de Robert Venturi está caracterizada por la inclusión de aspectos historicistas, y por el simbolismo que en ella prevalece. Es necesario conocer de estas características para entender por qué Robert Venturi busca una conciliación entre el historicismo y lo moderno hasta tal punto de lograr, según sus críticos, que sea parte de una síntesis arquitectónica frustrada. La influencia de los aspectos figurativos de la cultura pop en la obra de Venturi, que resalta Rafael Moneo en su libro, nos lleva a pensar en la relación existente entre lo simbólico y lo histórico en los diseños de este arquitecto.

Palabras clave Historicismo, simbolismo, inclusión, pasado, teorías, lenguaje, comunicación, arquitectura evolutiva, espacios decorados, fealdad.

En una entrevista realizada a Robert Venturi junto a Denise Scott1, su esposa, por Dörte Kuhlmann2 ellos revelan que la arquitectura debe buscar lo esencial en la existente en el pasado. Es decir, que la idea no es realizar simplemente una abstracción de lo que antes se implementaba, esto más bien se refiere a la inclusión de elementos históricos yuxtapuestos3 en la arquitectura. Por tanto, el historicismo comporta un diseño arquitectónico de objetos encontrados. Estos aspectos los trata de manifestar en sus proyectos en el continuo intento de no dejarse llevar por el hábito sino por un sentido consciente del pasado. Sin embargo, “su práctica varía en su compromiso con la arquitectura ordinaria y fea” (Jencks, 1981). En uno de los libros de Venturi, Arquitectura como Signos y Símbolos, él plantea que cuando utiliza elementos que fueron importantes en la historia no quiere decir que lo nuevo sea copiar lo viejo sino utilizar el lenguaje clásico simbólicamente.

En contraste, Moneo critica el discurso de Venturi haciendo alusión a este tipo de historicismo, en su libro, al plantear que los elementos que él trae del pasado son desprovistos de cualquier posible relación con la estructura formal de la edificación. Este historicismo se trata del uso de un lenguaje anterior, pero empleados ya no como elementos estructurales sino más bien decorativos, rasgo que lo enmarca dentro de la ironía4. Esto lo podemos apreciar en la renovación a la casa principal de Dumbarton Oaks, donde en su fachada principal todas las ventanas son diferentes y están enmarcadas con elementos propios de arquitectura realizadas en la antigüedad. Al traer elementos del pasado y colocarlos en sus diseños se burla del movimiento moderno, ya que éste tenía otros ideales que excluía estos aspectos; pues él entendía que los arquitectos modernistas diseñaban para sí mismos. Utiliza ornamentos históricos de una manera reconocible y figurada. Es por esto que en sus proyectos podremos encontrar el arco contrastando con los elementos rectangulares y diagonales. En la Entrevista Drexel, antes citada, Venturi se define como un amante de la historia que trata de explicar sus ideales comparándose con obras de otros arquitectos. Por otra parte, este historicismo también hace referencia al estudio de los valores de la cultura urbana, basándose en la historia de la ciudad, donde el estudio tipológico y la morfología urbana los emplea como instrumentos de la misma. Es decir, que al realizar un proyecto trata de estudiar el

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: laura02_92@hotmail.com

ROBERT VENTURI: LA SÍNTESIS RESPONDE AL PROBLEMA DE DISEÑO

entorno en que será establecido para tomar de él, aspectos de importancia con la finalidad de no dejar a un lado la historia del lugar. De modo que, la arquitectura de Robert Venturi se caracteriza por ser evolutiva siguiendo ideales históricos, es decir, una arquitectura cambiante.

Ilustración 1: Renovación Casa principal de Dumbarton Oaks. Recuperado de: VSBA: Arquitectos y planificadores. Proyectos.

Venturi prefiere los espacios decorados debido a que son más expresivos, y como siempre buscando oponerse a los diseños modernos. “El resultado simbólico en el espacio prevalece frente a la forma” (Moneo, 2004), esto como una de las ideologías perseguida por Venturi. En el libro “Aprendiendo de Las Vegas”, él determina que los arquitectos deberían ser más afines a los gustos y valores del pueblo común, en vez de ser lujuriosos5 con sus proyectos haciendo de ellos monumentos para sí mismos. Esto como una crítica al movimiento moderno. Aunque él en su arquitectura utiliza símbolos, lo hace cuidadosamente tratando de que encaje en el entorno sin que sea visto como un emblema que rompe totalmente con lo antes existente. En este mismo libro, también muestra la importancia que tienen los símbolos al analizar la “franja”6 de ésta, la ciudad de las imágenes, y de igual forma nos lo corrobora Moneo al interpretar este libro, haciéndonos entender de una mejor forma lo que sus escritores pretenden. Señala que la intención de Venturi, Scott Brown e Izenour es hacernos ver que la arquitectura moderna ha olvidado la importancia que lo simbólico tenía en el pasado. Paradójicamente una ciudad como Las Vegas rescata el valor que los símbolos tienen y es por esto que nos muestran cómo su arquitectura manipula los signos, al tratar de recuperar la capacidad persuasiva que tuvo en el pasado (Moneo, 2004).

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El propósito de Venturi mediante el simbolismo es que la arquitectura hable por sí misma. Esto no significa que él pretenda proyectarla como un ícono. Utiliza símbolos y formas que transmiten significados de fácil captación con la finalidad de buscar el retorno a la especificidad arquitectónica, aunque puedan resultar ambiguos y dejados a la libertad creativa del autor. A esto se debe que Moneo en su libro nos aclare estas intenciones de Venturi al señalar que “…los arquitectos modernos han olvidado toda la complejidad a que da lugar el asumir las muchas obligaciones que la arquitectura tiene y el resultado es la búsqueda abstracta de los valores espaciales, algo que Aprendiendo de Las Vegas rechaza con energía…” (Moneo, 2004). Según su producción teórica se puede concluir que estos dos, historicismo y simbolismo, los emplea en su arquitectura más que como simples herramientas, como una forma de comunicación. Así, a partir de lo antes expuesto, nos damos cuenta que los conceptos que vertebran sus discursos con el paradigma funcionalista son: el lenguaje y la comunicación. Esto nos permite afirmar que sus proyectos buscan una expresión plástica, compositiva o reveladora. Sin embargo, Moneo lo critica fuertemente al decir que al conjugar estos aspectos se pierde la idea de unidad tipológica existente en la arquitectura de la antigüedad pues presenta la historia rota y fragmentada. Ante tales hechos, entendemos entonces que es mediante una síntesis de todos estos conceptos planteados por Venturi lo que, según él, permite una solución arquitectónica aceptable. De modo que, para lograrlo se deben analizar primero por separados cada uno de éstos de forma que se pueda logar una conjugación crucial de los mismos dentro de la arquitectura. Entonces, entiendo que su propósito no se materializa puesto que el resultado por lo general es un salto obvio en la lógica, que hace que sus obras caigan dentro de la fealdad.

Referencias bibliográficas Jencks, C. (1981). El lenguaje de la arquitectura posmoderna. Barcelona: Gustavo Gili, S.A. Moneo, R. (2004). Ansiedad teórica y estrategias de diseño en el trabajo de 8 arquitectos contemporáneos. Atlanta, Nueva York: MIT Press. Obtenido de http://es.scribd.com/doc/134837204/93707322-Tema-7Moneo-Rafael-Robert-Venturi-Denise-Scott-Brown-2008 Venturi, R. (1972). Aprendiendo de Las Vegas. Entrevista Drexel - Robert Venturi and Denise Scott Brown - parte 1 y 2/. (2011). Obtenido de http://www.youtube.com/watch?feature=endscreen&NR=1&v=IAXY qg018D4 Robert Venturi y Denise Scott Brown hablando con Dörte Kuhlmann. (Recurso audio visual) Ochotorena, J. M. (2008). A proposito de robert venturi: el estigma de la modernidad. Revista de Edición, 2, Obtenido de http://dialnet.unirioja.es/servlet/autor?codigo=28384 VSBA: Arquitectos y planificadores. Proyectos.

Arquitecta y Urbanista, egresada de la Universidad de Pensilvania. Esposa de Robert Venturi e integrante de su firma (VSBA). Arquitecta y profesora, estudió en la Universidad Técnica de Hannover y Viena. Yuxtapuestos: combinación o asociación entre cosas.

Ironía: burla sutil y disimulada. Lujuriosos: que se hace voluptuosamente, autosatisface los sentidos. 6 Franja: se refiere al tramo de la calle Las Vegas Boulevard, Estados Unidos, donde se encuentran muchos de los hoteles, casinos y resorts más grandes del mundo. Mejor conocida como el “strip”. 5

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ROBERT VENTURI: LA SÍNTESIS RESPONDE AL PROBLEMA DE DISEÑO

Los límites del caos urbano Alexa N. Contreras P.* Resumen: Los límites del caos urbano es una evaluación sobre las teorías del arquitecto posmodernista Robert Venturi, en relación con el edificio y la ciudad. La postura de este arquitecto sobre las ciudades abarca temas como la ambigüedad, complejidad y contradicción, que al identificar estos aspectos en las ciudades los cataloga como buenos y válidos. En base a estas teorías y otras fuentes de investigación, en el ensayo se sitúan los conceptos sobre las ciudades posmoderna, aplicados a las ciudades actuales. Esto permite identificar las ventajas y desventajas que puede tener una ciudad compleja como la que propone Venturi con relación a nuestra realidad de hoy. La arquitectura es un arte que se utiliza, que se experimenta y que se vive, por lo que a través del tiempo sufre continuos cambios que van al ritmo de la evolución de la humanidad. “El urbanismo es una práctica profesional y social, un saber hacer que a su vez tiene dimensiones técnicas, artísticas y políticas, […]” Sánchez de Madariaga, I. (2008). No es de extrañarse que para buscar liberarse de paradigmas y limitaciones, Robert Venturi, exagerara hasta el límite sus conceptos arquitectónicos. Venturi aunque iba en contra de los estándares de sus colegas del movimiento moderno, encontró la forma de cambiar el juego del diseño, llevando la configuración de las ciudades a una valoración basada en la extrema libertad de las combinaciones y como explica (Amendola 2000), en la integración de los intereses de la cultura alta y cultura popular.

Palabras clave Caos, ciudad, ciudad fragmentada, complejidad, urbanismo, organización.

Bernd Evers explica en su libro Teoría de la arquitectura como Venturi lleva sus conceptos de ambigüedad y contradicción a una perspectiva urbana y encuentra referencias para la configuración de una ciudad viva, compleja y contradictoria, a pesar del resultado caótico y feo que el autor afirma. Las teorías ya sean arquitectónicas o puntualmente urbanas son circunstanciales y están en continuo desarrollo. La libertad y crecimiento autónomo que Venturi defiende en sus conceptos sobre la ciudad, no se podrían adaptar a las ciudades actuales con las nuevas condiciones y problemáticas. Si esta idea de ambigüedad y liberación del diseño se implementara en las vigentes

ciudades, considerando la sobrepoblación de algunas, los resultados serían distintos: problemas urbanos de contaminación y descontrol de la imagen urbana. Las teorías de Robert Venturi aceptan como válida la ciudad fragmentada, basada en adiciones, compleja y admirada por su difícil interpretación. En su libro, Complejidad Y Contradicción, describe el caos de las ciudades, como algo lógico de la humanidad, necesario y que no debe formalizarse. Esta teoría en su momento fue necesaria para provocar en los arquitectos y urbanistas nuevas opciones de diseño y nuevas adaptaciones de la arquitectura en la ciudad. Durante una entrevista, Episode 25, Denise Scott Brown describe la arquitectura que ellos buscan como un asombro a nuevos conocimientos. Esto en parte buscaba reconocer el valor de los aciertos arquitectónicos a través de la historia, que llevándolo a un contexto urbano actual podría causar un descontrol mayor con relación a la contaminación visual de las ciudades. Venturi aplaude la complejidad y el caos que se crea naturalmente en las ciudades. Esto nos situaría en una valoración de las ciudades subjetiva y que engrandece la espontaneidad de las ciudades, pero hasta qué punto se puede permitir que las ciudades se desarrollar deliberadamente.

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: ncpalexa@gmail.com

Al momento en que se aceptan como válidos estos discursos en oposición a los conceptos universales, nos podríamos encontrar con un relativismo ambiguo, “La aceptación de la validez de cualquier discurso o forma puede conducir al abismo de un eclecticismo reaccionario: todo es igualmente valido”. Montaner, J. (2003). Es por esto que las teorías de Venturi requieren de limitaciones, que orienten las ciudades de acuerdo a sus capacidades. Las ciudades surgen para suplir las necesidades de las personas y de acuerdo a cada sociedad va tomando forma. Cada ciudad tiene su propia dinámica, todas las ciudades no tienen los mismos problemas, por lo que no pueden responder correctamente a un mismo diseño o sistema. Robert Venturi idealiza una ciudad que se niega a adaptarse a patrones impuestos y que quiere nacer de sus propias necesidades, creando tensiones y complejidades en su todo. Si bien es cierto que las ciudades van tomando forma de acuerdo a su población y actividades que la definan, el Ilustración 1: imágenes de Las Vegas. Learning from Las vegas. crecimiento de la población y la morfología de las ciudades, de forma incontrolable, ha sido uno de los problemas que Las teorías de Robert Venturi exageraron al situar la enfrentan los urbanistas de hoy en día. ciudad como un caos que debe seguir siendo complejo, pero esto en su momento sirvió de base para que se consideraran Robert Venturi proyecta la ciudad como un todo en nuevos aspectos en relación a la imagen urbana. La ciudad continuo movimiento, un caos que logra un equilibrio necesita un orden y reglas que eviten el caos. En las ciudades “imperceptible”, que a simple vista parece un desorden. Se de estos tiempos no se puede permitir un espontáneo puede interpretar su ideal de ciudad, como un conjunto de crecimiento y desarrollo, por ser estos espacios urbanos pequeños problemas que se solucionan en sí mismo, pero a habitados por millones de personas, donde se necesita un la vez forman parte de un todo caótico. Puntualmente Venturi enfoque definido como ciudad para lograr un fluido buscaba desatar una controversia, una arquitectura que funcionamiento en la misma. Se puede lograr un equilibrio en valorara el pasado, integración de las clases sociales en las las ciudades cuando la visión de sus integrantes tenga un artes y como referencia a la cultura de masas invita a objetivo común. Por eso decimos que las teorías de Venturi aprender de las vegas. Si se aplicaran estas teorías a las fueron revolucionarias y necesarias en su momento, pero las ciudades de hoy, encontramos nuevos aspectos de estudios grandes urbes actuales no se podrían guiar únicamente de como el acelerado crecimiento de la población, contaminación esta visión de libertad y ambigüedad, sino que se deben visual, abuso en el uso de los recursos naturales y en conocer y buscar su significado social, de integrar toda la ocasiones deficiencia en el acceso a servicios urbanos. El población de la ciudad en su propio desarrollo, más allá de los profesor urbanista John Friedmann describe el urbanismo anuncios neón. como “actividad cuya preocupación central es el vínculo entre el conocimiento y la acción organizada” Cuando las ciudades tienen que maniobrar las actividades simultáneas de millones de personas se requiere de alguna visión en común, la cual busque un orden y claro programa de desarrollo que considere los escenarios futuros. La ciudad se podría ver en una situación irreversible, si se permitieran las intervenciones liberales en las áreas urbanas.

Referencias bibliográficas Sánchez de Madariaga, I. (2008). Esquinas inteligentes: la ciudad y el urbanismo moderno. Alianza editorial. Moneo, R. (2004). Ansiedad teórica y estrategias de diseño en el trabajo de 8 arquitectos contemporáneos. Atlanta, Nueva York: MIT Press. Venturi, Robert. Complejidad y contradicción en la arquitectura. Editorial Gustavo gili, SL, Barcelona, 19741978. Versión castellana de Antón Aguirregoitia y Eduardo de Felipe, arquitectos. Evers, B. (2003). Teoría de la arquitectura (Paginas 790-804). Italia: Taschen.

Ilustración 1: imágenes de Las Vegas. Learning from Las vegas.

Montaner, J. (2003). Las formas del siglo xx. (pp. 48-94-120122-124-125-127-128-130-236). Editorial Gustavo Gili.

ROBERT VENTURI: LA SÍNTESIS RESPONDE AL PROBLEMA DE DISEÑO

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

El Maestro del Dibujo ECO A TRAVES DEL SILENCIO: ÁLVARO SIZA

Natalia Peña V.* Resumen: La trayectoria, y la educación obtenida para el desarrollo de la vida profesional de un arquitecto son parte de las bases para una carrera emprendedora. En este ensayo se abarcará el inicio de la vida del arquitecto Álvaro Siza, su interés por las artes y como ese interés produjo como resultado lo que es hoy en día.

La trayectoria de un arquitecto es conocida por la formación de su infancia, educación adquirida, el desarrollo de su vida profesional y sus reconocimientos a lo largo de esta. La imaginación y la creatividad son herramientas como el papel y lápiz que permiten crear una nueva dirección, un estilo, un proyecto e incluso marcan la diferencia, estas son algunas de las características del Arquitecto Álvaro Siza, nacido en Matosinhos, Portugal, el 25 de Junio de 1933, la familia conformada por padres y cinco (5) hermanos incluyéndolo a él.

Palabras clave Imaginación, creatividad, papel, lápiz, dibujos, lienzo, espacio, reconocimiento y premios

Su infancia se describe como tranquila y mimada, aunque fue un niño extrovertido, sus estudios primarios los realizó en casa de sus padres, empezó dibujando en los brazos de un tío, sentado en sus piernas, luego usando papel y lápiz de color este le enseñó a dibujar caballos. A partir de ese momento no descanso de dibujar caballos y caballeros, donde siguen levitando entre las fronteras de sus dibujos. Es así como Siza inicia su amor por las artes, luego quería ser escultor, pero iba en contra de los deseos de su padre, de manera qué, para ese tiempo un escultor se veía como un extravagante. Su padre pensó que podía ser llamado de otra manera cómo, un arquitecto, Siza queriendo complacer su padre pensó en cursa esa carrera para luego 1 inclinarse hacia la escultura. Luego estudia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de la Bellas Artes en Oporto (1949-1955), donde trabajo con su profesor Fernando Távora.

Delfin, R. (2004). Alvaro siza Prigitte Fleck. (Akal Arquitecctura ed., Vol. 1, pp. 21-33). New York: Akal Arquitectura. Retrieved from http://books.google.com.uy/books?id=fKcJsliDF WUC&printsec=frontcover&dq=alvaro siza.

Su actividad en la arquitectura inicia cuando termina su carrera en 1954 donde construye unas casitas para su pueblo, y abriendo ese mismo año su propio estudio en Oporto. Con el proyecto que ganó en un concurso en la ciudad de Motosinhos, el Restaurante Boa Nova, (1958-1963; reforma 1992) y la construcción de la Piscina en Leca de Palmeira (1958-1965), fueron el gran paso a ese mundo de poesía y lienzo que él da a conocer, y siendo uno de sus primeros proyectos reconocidos en su 2 ciudad de origen. Luego de que culminará la Revolución de 1974 inició a colaborar con el nuevo gobierno, esto hizo que se interesara por la problemática urbana, enfatizándose en viviendas sociales, tales son, Senhora das Dore y Quinta de Malagueira. Siza posteriormente participó en el proyecto de reconstrucción del centro histórico de Lisboa, tras el incendio de 1988, en el cual se integra mas a el origen del lugar y

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: pverasnatalia@gmail.com

Aunque es considerado el arquitecto más importante de Portugal y el mejor del país, es alguien sencillo pero inteligente, por lo que sus trabajos son reconocidos internacionalmente por su coherencia, claridad y sobre todo simplismo, es una cualidad que reconoce la complejidad y las contradicciones de sus proyectos sin tratar de imponer el control sobre ellos. Para 1993 fue reconocido en la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Suiza, y recibió a demás el premio Nacional de Arquitectura que concede la Asociación Portuguesa de arquitectos, para 1995 lo reconoció. La Universidad de Palermo, Italia y en la Universidad Méndez pelayo de Santander, España, para 1997 fue reconocido en la Universidad de Coimbra, Portugal, de la misma forma para 1999 le fue otorgado el título de Doctor Honoris también en la Universidad de Ludiada, Portugal, en el 2000 fue reconocido en la Universidad Federal de Paraiba, Brasil, en el 2004 en la Universidad degil Studi di Napoli Federico II, Italia, para el 2005 en la Universidad de Bucarest Ion Mincu, Rumania, y para el 2007 fue reconocido en la Universidad Studi di Pavia, Italia; estos reconocimientos le permitieron a Siza profundizar en su área tanto educativa como profesional pero siempre con 3 esa sencillez y profesionalismo. Humilde y colaborador, vale destacar los premios que ha logrado obtener por su esfuerzo, trabajo y dedicación a su arquitectura, estos son: 

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1982-- Premio de Arquitectura del Departamento de Portugués de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. 1987—Premio de la Asociación de Arquitectos Portugueses. 1988—La Medalla de Oro de la Fundación de Alvar Aalto, la Medalla de Oro de Arquitectura del Colegio de Arquitectos, Madrid, el Premio Príncipe de Gales en Diseño Urbano en al Universidad de Harvard, y el Premio de Arquitectura Europea de Furgoneta CEE / Mies Fundación del Rohe, Barcelona. 1992—Premio Pritzker de la Fundacion Hyatt de Chicago, por su destacada trayectoria. 1996---Premio Secil 2001—Premio de la Funcacion Wolf de las Artes. 2002—Leones d’Oro-Bienal de Arquitectura de Venecia, mejor proyecto. 2009—Medalla de Oro de RIBA

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2010---Premio Internacional de las Artes Plásticas da Fundacao Cristóbal Gabarrón 2011—Medalla de Oro del UIA 2012—Premio Arquitectura e Interiorismo

Alvaro Siza con el Premio Pritzker

Son estos los premios que ha logrado alcanzar Siza, ejemplo de superación, esfuerzo y dedicación a su trabajo, mas no dejando atrás su esencia. Con ellos ha conseguido mantenerse en el mundo la arquitectura reconocida, y no tanto por el simple hecho de impactar sino por lo que cada una lleva consigo, por como logro la fusión de la función con la forma respetando un lenguaje y el terreno donde cada una de ellas esta. Y caracterizándose por la ausencia de espectacularidad, ya que es uno de los grandes de la arquitectura contemporánea. Siza muestra que en su recorrido como arquitecto ha sabido interpretar los espacios de manera tal que ha aprendido a respetar a los usuarios y al entorno, expresándolo de una forma poética donde esta sigue la función. Sus obras se nutren de una herencia tradicional de la modernidad, pero no dejando la cultura de las últimas décadas, sin embargo esto no hizo que el callera en lo moderno sino que siguiera su propia corriente.

Referencias bibliográficas 1. Delfin, R. (2004). Alvaro siza Prigitte Fleck. (Akal Arquitecctura ed., Vol. 1, pp. 21-33). New York: Akal Arquitectura. Retrieved from http://books.google.com.uy/books?id=fKcJsliDFWUC&printsec =frontcover&dq=alvaro siza. 2. Wiliam j.R. Curtis. Alvaro Siza 1958-2000. El Croquis 68/69 95, Retrieved from http;//elcroquis.mr926.me/el_croquis_140_alvaro_siza_2001.2 008 3. Alvaro , S. (22 , Septiembre 2011). Álvaro siza vieira continuación. Retrieved from http://alvarosizavieira.com/alvaro-siza-vieira-resumed. Alvaro Siza (Alvaro Joaquin de Melo Siza Vieria), Retrieved from http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/alvaro_siza.html

ECO A TRAVES DEL SILENCIO: ÁLVARO SIZA

aprendiendo a la misma vez a respetar los espacios que son concebidos de su parte como un espacio habitable y sobre todo funcional. Gracias al Banco Borges & Irmo en Vila do Conde (1982-1986), recibió su primer premio europeo de arquitectura Mies Van der Rohe, 1988. De manera que la actividad arquitectónica de Siza va en escala desde su primer proyecto, lo cual lo cataloga como un arquitecto que conoce sus capacidades y lo que le puede brindar al público, tomando en cuenta el lugar; lo aprecia, lo respeta, hace armonía con él y sin olvidarse lo más esencial; los usuarios y su desenvolvimiento.

Compromiso con la arquitectura: obra académica. ECO A TRAVES DEL SILENCIO: ÁLVARO SIZA

Natalia Peña V.* Resumen: La educación es parte de la formación del profesional, y es interesante observar como Siza hace parte de la formación de las generaciones futuras de arquitectos y de su desarrollo. Este ensayo abarcará el compromiso que muestra este arquitecto con los futuros profesionales y que a pesar de ser alguien de prestigio se ha mantenido al servicio de los demás y los estudiantes, mostrando siempre solidaridad. El reconocimiento, hace de una persona alguien importante, pero lo interesante es ver el compromiso académico que se tiene con los estudiantes, es decir, el aporte de Álvaro Siza a las generaciones futuras a través de su labor como docente. Es por ello que durante una vida como arquitecto y profesor es mucho lo que se logra, se crea un respeto y admiración, y esos son uno de los tantos ejemplos honorables a seguir de este arquitecto.

Palabras claves Compromiso, generaciones futuras, debates, talleres y solidaridad.

Un arquitecto completo que huye de la categorización. Profesor y educador comprometido con los demás, realizó contribuciones a la arquitectura a través de debates y enseñanzas en talleres. Manteniendo en todo momento ese ánimo para motivar a jóvenes arquitectos a conseguir posiciones tanto en empresas como en proyectos. Siza fue profesor de la Escuela Superior de bellas Artes de Oporto (1966-1969) y fue parte de la Construcción en la Facultad de Arquitectura de la misma ciudad. También fue profesor visitante en las facultades de arquitectura de las siguientes universidades: Lausana, Pensilvania, Bogotá y Harvard. Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias, del honorifico Instituto de Arquitectos Británicos. También del Instituto Americano de Arquitectos, de la Academia de Arquitectura de Francia y por último de la Academia Europea de Ciencias y Artes. A pesar de que es un profesor de varias instituciones y pertenece a varias academias,

esto no hace de él una persona arrogante, sino más bien alguien comprensivo y dispuesto ayudar en todo cuando sea necesario. En la actualidad continua su actividad en la escuela de 1 Arquitectura de Oporto.

Proyecto realizado por Siza: Museo de Arte

A pesar de ser un arquitecto de gran prestigio internacional, Siza ha mantenido su pequeño estudio para asegurar la atención hacia todos los proyectos y mantenerse al servicio de los demás. Su solidaridad es uno de los muchos ejemplos del compromiso por parte de él con el proyecto arquitectónico y la formación de las nuevas

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: pverasnatalia@gmail.com

Referencias bibliográficas 1. Grifería de Alta Tecnología, Alvaro Siza. Una obra inspiradora e instructiva, Retrived from http://www.fvsa.com/novedades/alvarosiza.php?cod_cat=6 1&CODS=70 2. Agustín Infante A. (2009). Alvaro Siza, RIBA Royal Gold Medal 2009. Retrieved from http://www.plataformaarquitectura.cl/2008/10/09/alvarosiza-riba-royal-gold-medal-2009

ECO A TRAVES DEL SILENCIO: ÁLVARO SIZA

generaciones de arquitectos, que va por encima su éxito profesional. Es interesante ver el cuerpo de trabajo inspirador e instructivo que ha producido durante 40 años, y por su contribución inmensa a la arquitectura a través del diálogo y la enseñanza, es reconocido con el premio la 2 Real Medalla de Oro en el año 2009. Siza se da a conocer por esa identidad que crea con sus edificaciones, mostrándole a los estudiantes que no es posible crear arquitectura y diseñar la misma divorciada, o no tomando en cuenta características del entorno. Él, por medio de sus conferencias y talleres le ha aportado al estudiante de arquitectura una riqueza inmensa en cuanto a crear un sello personal, pero recordando que todo tiene un origen y un por qué.

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Modernidad Heredada ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Melissa Perez P.* Resumen: En este texto se analiza la trascendencia del movimiento moderno a través de los proyectos del arquitecto Álvaro Siza, quien es influenciado por algunos de principales impulsores del Estilo Internacional como son: Le Corbusier, Frank Lloyd Wright y Alvar Allto

Palabras clave Movimiento moderno, Estilo internacional, Arquitectura Orgánica, Tardo Moderno, Le Corbusier, Frank O. Gehry, Alvar Aalto.

En el mundo occidental a mediados del siglo XX, tuvieron lugar diferentes factores tales como; la incomodidad de algunos 1 arquitectos con el eclecticismo , la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas, circunstancias sociales que pasaron los arquitectos impulsores del movimiento moderno en su país de origen, del cual, se vieron obligados a desplazarse y potencializar sus teorías en otros lugares, además de los avances técnicos que surgieron en la ciencia de los materiales y la construcción; fueron estos los factores que dieron como resultado el Estilo Internacional, corriente arquitectónica influenciada con los principios del 2 movimiento moderno . El Estilo Internacional fue impulsado por los arquitectos europeos; Walter Gropuis, Mies Der Rohe y Le Corbusier. En 1932, Estados Unidos se convirtió en la potencia del Estilo Internacional, tras una exposición de arquitectura moderna realizada en el Museo de Arte Moderno, en New York. En el que se exhibieron las obras de sus principales representantes europeos y norteamericanos. Figurando entre ellos el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright, quien en

El eclecticismo arquitectónico es una tendencia artística en arquitectura que mezcla elementos de diferentes estilos y épocas de la historia del arte y la arquitectura. Se manifiesta en Occidente entre 1860 y finales de los años 1920. 2

Movimiento Moderno, en arquitectura, es el conjunto de tendencias surgidas en las primeras décadas del siglo XX, marcando una ruptura con la tradicional configuración de espacios, formas compositivas y estéticas. Sus ideas superaron el ámbito arquitectónico influyendo en el mundo del arte y del diseño.

sus primeras obras contribuyó con una de las más importantes fuentes relacionadas con el Estilo Internacional, llamada Arquitectura 3 Orgánica. Rápidamente esta arquitectura fue propagada a nivel internacional por el arquitecto finlandés, Alvar Aalto. Hoy en día, a raíz de estos estilos y movimientos que recurrieron en la historia sobrepasando los umbrales del tiempo. El estilo internacional desde la concepción y los principios de Le Corbusier y el organicismo de Frank Lloyd Wrigth y Alvar Aalto, cambiaron el curso de la arquitectura rotundamente, dando lugar la tendencia postmodernista, llamada Tardo Moderno, empleada en los años 1970, por arquitectos deseos de propiciar un cambio sin olvidar su origen de la modernidad. Los arquitectos del Tardo Moderno implementan en sus diseños; superficies lisas, sin ornamentos y pulidas, construcciones en voladizos, amplios espacios interiores, formas geométricas puras y simples, haciendo énfasis en la ortogonalidad, y la implementación de materiales, entre ellos, vidrio, hormigón armado y hierro; haciendo homenaje a algunas de las características del movimiento moderno. Un arquitecto perteneciente al movimiento Tardo Moderno, es el arquitecto portugués Álvaro Siza, quien 3

La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada.

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: melissa.perezp@hotmail.com

Álvaro Siza, en su proyecto la Universidad de Oporto, Portugal, (1996). Trabaja las condiciones territoriales, dando al lugar un carácter espacioso e inmediato. Vinculado a través de diversas soluciones de mediación: los espacios ajardinados, recorridos, vestíbulos de acceso, pérgolas y plazoletas que refuerzan la relación de tensión entre los volúmenes simples y puros, y a su vez dando unidad a la ordenación general como conjuntos urbano. El proyecto lo origina dos ámbitos principales, alineados sobre los ejes largos del solar, que se configuran morfológicamente de manera diferente: en la fachada sur, los volúmenes son exentos y separados rítmicamente, con grandes ventanales que abren hacia el río; mientras que en la fachada norte los volúmenes son continuos, y crean un telón de fondo y, a la vez, forma una barrera acústica y visual respecto a una autovía vecina. Este proyecto es ejemplo de cómo Siza se encuentran influenciado por los principios de Le Corbuiser; con plantas y fachadas libres, cubiertas planas ajardinadas y el manejo de los componentes del entorno. La segunda influencia marcada en los proyectos de Siza, es la de Frank Lloyd Wrigth. Un ejemplo de ello, es el Restaurante Boa Nova, Portugal, (1958). Siza integra volúmenes y muros fragmentados que se incorporan en el terreno. Representando varias perspectivas del paisaje, ya que, alternativamente, se esconde y, se revela el mar y la línea del horizonte. Siza jerarquiza la función de los espacios e incorpora una gran diversidad de materiales, entre ellos, los muros de mampostería, el hormigón visto en algunas fachadas, la madera como material más utilizado y los diferentes revestimientos empleados en todo el proyecto. Moneo en su libro dice: “No es difícil advertir en este proyecto los ecos wrightianos a los que aludimos al comenzar esta clase. La idea de hueco desaparece, no hay ventanas. Por un lado, nos encontramos con plataformas a distintos niveles sobre las que se disponen las mesas, que disfrutan de esplendidas vistas. 5 Moneo (2004) pag.210” . Es de esta manera que Siza hace homenaje a los principios de Frank Lloyd Wright.

Moneo, R.(2004). Inquietud teórica y Estrategia proyectual, en la obra de Ocho Arquitectos Contemporáneos. (1 ed., Vol. 1, p. 200). Actar. 4

Moneo, R. (2004). Inquietud teórica y Estrategia proyectual, en la obra de Ocho Arquitectos Contemporáneos. (1 ed., Vol. 1, p. 210). Editora Actar. 5

Ilustración 1: Sección del Restaurante Boa Noca, Matosinhos Portugal, 1958. Recuperado de: Plataforma arquitectónica, P. http://www.plataformaarquitectura.cl/2012/07/03/clasicos-de-arquitectura-casade-te-boa-nova-alvaro-siza/

Álvaro Siza ha mostrado mucho interés en las obras de Alvar Aalto. Por lo que ha servido de mucha influencia para Siza, tanto en sus proyectos como en su metodología. Siza niega la idea de que el dibujo es la única manera legítima de la reflexión y la expresión arquitectónica, como lo plantea Alvar Aalto. Sin embargo, señala la contribución más relevante de Aalto consiste en una metodología ejemplar propuesta de desarrollo del proyecto, a partir de una interacción entre sentir y pensar, de una manera reflexiva y crítica a través del diseño y experimentación. Otro aporte para la arquitectura de Siza por parte de Aalto es desprendimiento de crecimiento de la superficialidad de las formas y la búsqueda de lo que es esencial. Siza en su proyecto la Piscina en la Quinta da Conceição, Portugal, (1965), experimenta la relación con el medio ambiente se aprecia en la obra de Aalto. El blanco y las rectas 22 paredes se destacan de la vegetación circundante, sino que se moldean a la topografía. Apuntan rutas, anuncian y se funden con las instalaciones de apoyo piscina y limitan la zona de baño, sin impedir el disfrute del entorno.

Ilustración 2: Vista de la Piscina en la Quinta da Conceição, Portugal, 1965. Recuperado de: Plataforma arquitectónica, P. http://www.plataformaarquitectura.cl/2012/07/03/clasicos-de-arquitectura-casade-te-boa-nova-alvaro-siza/

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

fue descrito por el Rafael Moneo en su libro: “Álvaro Siza es un personaje complejo, una figura poliédrica, sin duda un arquitecto bien diverso de aquellos que hemos visto en las clases anteriores. Para algunos es el más genuino representante de una arquitectura entendida en continuidad, con lo que fueron el pensamiento y los principios de los 4 arquitectos del movimiento moderno.” Moneo (2004). Según este autor es notable como un movimiento ha causado tanto impacto a través de su trayectoria, que ha logrado influenciar a los arquitectos de la actualidad, como es el caso de Álvaro Siza, en sus proyectos este nos muestra sus influencias de este movimiento moderno, con especial inclinación en los principios de Le Corbuiser, Frank Lloyd Wrigth y Alvar Aalto.

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Siza representa la síntesis de la honda trasformación y el importante enriquecimiento de la cultura arquitectónica de 1970 a 1990. Su obra se alimenta de la herencia tradicional de la modernidad, pero también de la cultura de las últimas décadas, aunque sin caer en los excesos del postmodernismo. Siza en sus proyectos logra emplear las influencias de sus impulsores modernos, Le Corbusier, Frank Lloyd Wrigth y Alvar Aalto, sin la necesidad de plagiar sus diseños. Álvaro Siza ha sabido manejar estas influencias sin salirse de su ambiente, ya que, para él su arquitectura debe integrarse con el lugar y ser parte del mismo. Es interesante ver como los arquitectos de la actualidad han sabido integrar en sus diseños la herencia de la modernidad, sin llevar a sus proyectos una imitación, sino más bien, han sabido combinar los principios arquitectónicos, con la manera de cómo estos arquitectos ven la arquitectura. Es así como Siza ha sabido diferenciar y manejar con habilidad los conceptos, transformando sus proyectos en una realidad, donde el usuario forma parte de esta, sin dejarse influenciar por las corrientes o tendencias del momento, logrando concebir proyectos enfocándose en la problemática del lugar y no en las tendencias contemporáneas. Es por esto, la importancia de analizar y conocer a los arquitectos de la actualidad, y en especial del pasado, y sus aportes a la arquitectura, para luego saber componer los diseños arquitectónicos a criterio del arquitecto y de las influencias adquiridas.

Referencias bibliográficas Juan Mateo, A. (2013, 04 01). Arquitectura de Álvaro Siza. Recuperado por: http://www.arqhys.com/contenidos/sizaarquitectura.html Moneo, R. (2004). Inquietud teórica y Estrategia proyectual, en la obra de Ocho Arquitectos Contemporáneos. (1 ed., Vol. 1, p. 200, 210). Editora Actar.

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Arquitectura Silenciosa Resumen: En este texto se comparan dos arquitectos Álvaro Siza y Frank Gehry con la intención de reconocer que a través de la sencillez y la simplicidad de las personas se puede lograr grandes objetivos y causar un impacto sensorial, sin tener que verse en una arquitectura mercadeable, que cause un impacto visual.

Palabras clave Arquitectura moderna, Arquitectura mercadeble, Geometría fractal, Simplicidad, Usuario, Entorno.

La arquitectura es un campo muy variado en las tendencias de diseños, debido a que cada arquitecto las emplea dependiendo de su postura conceptual acerca de la arquitectura. Es por esto, que en nuestras ciudades presenciamos una gran variedad de tendencias en las edificaciones. Hoy en día vemos en los arquitectos la búsqueda de lo diferente, inclinándose hacia un objetivo, un impacto a nivel mercadeable, y no enfocándose en un impacto sensorial generando confort en el usuario e integrándolo en el entorno. Además, podemos apreciar como a través de una solidad relación interdisciplinaria se puede lograr estos objetivos en el proceso de hacer arquitectura y es así lo que ha llevado a dos arquitectos como son: Frank O. Gehry e Álvaro Siza a ser galardonados con el Premio Pritzker de la arquitectura. Sin embargo, al comparar sus influencias hacia las tendencias arquitectónicas, sus metodologías de diseño y la resultante de sus proyectos ante la sociedad, vemos sus diferencias. En el caso del arquitecto norteamericano, Frank O. Gehry, quien ha sido capaz de resaltar su arquitectura ante la sociedad, para que esta lo reconozca por su trabajo y talento, aunque este en algunas ocasiones no cumplen con lo esencial para confortar al usuario y su entorno, sino que todo se basa en una pantalla arquitectónica.

En cambio, el arquitecto Portugués, Álvaro Siza, se enfoca en la búsqueda del confort en sus edificaciones y de relacionarlas con su entorno; marcando una trayectoria transcendental en los usuarios del lugar. Es muy probable que al describir estos dos arquitectos, han escuchado mas hablar o conocido alguna edificación sobre Gehry, que sobre Siza. Pero es a través de sus diferencias que descubriremos que no importa quién ha hecho más ruido o cause un mayor impacto a nivel visual, sino quien en silencio impacte más a nivel sensorial. Cada arquitecto posee inclinación hacia una tendencia o movimiento, en cual son reflejados en sus diseños. Alvaro Siza, con influencias del movimiento moderno, busca integrar el entorno del lugar con su arquitectura, haciendo que el usuario se sienta cómodo y forme parte de la edificación. El lugar es la clave fundamental de sus proyectos, y afirma: lo que la naturaleza da no precisa ser hecho, tratando sus proyectos con una hipersensibilidad topográfica. Un ejemplo de esto, es el proyecto del Restaurante de Boa Nova, en Portugal (1958). Por otro lado, el arquitecto Frank O. Gehry, es opuesto al movimiento moderno, su arquitectura es influenciada por la 1 geometría fractal , rompiendo con los esquemas del contexto; creando un hito arquitectónico a través de sus diseños innovadores, causando atención visual en los usuarios del lugar. Un ejemplo de su arquitectura es el Museo de Guggenheims, Bilbao, (1997).

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: melissa.perezp@hotmail.com

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Melissa Perez P.*

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Álvaro Siza y Frank Gehry se inclinan por diferentes tendencias y observan la arquitectura desde diferentes puntos de vistas. De esa misma manera podemos encontrar diferencias, y es en sus proyectos que se aprecia estas diferencias. En el caso de Siza, se relaciona con los volúmenes puros y simples, líneas rectas horizontales, verticales y con suaves curvas por las líneas horizontales, trata de incorporar el diseño al terreno y a su entorno. Moneo nos deja saber: “Siza trabaja por el reconocimiento de la realidad, atento al paisaje, los materiales, sistemas de construcción, sus usos y sobre todo a las personas que viven en sus edificios. El dice que la arquitectura ayuda a definir la realidad desde que se empieza, y por lo tanto esta debe 2 conocer la realidad.” Moneo (2004). Por el contrario, en los diseños de Gehry, trabaja a través de una explotación de formas simples que le generan nuevas formas y diferentes perspectivas; buscando que las edificaciones tengan movimientos y sentimientos. Gehry enfoca la arquitectura de una manera diferente, este examina la obra de los artistas y se inspira a través de su arte. Este piensa que no existe lo correcto ni lo correcto, ni lo que es feo o bonito. Los arquitectos son aceptados o rechazados ante la sociedad por la manera de cómo estos relacionan al usuario y el entorno en sus edificios. Como es el caso del arquitecto Gehry, quien nos proyecta una arquitectura impactante visualmente y que llama a la atención del usuario a visitar sus edificaciones. Sin embargo, este arquitecto se ha encontrado con muchas controversias, desagrados y ataques por parte de

un sector conservador, ya no les gusta la manera de cómo el arquitecto representan en sus edificios su manera de ver las cosas sin tomar en cuenta para quien será destinada. En cambio, Siza en los lugares que ha trabajado, presta mucha atención a sus usuarios y a su entorno, ya que, este se preocupa por el ambiente que generan las personas dentro de sus edificios, y es esto, lo que ha marcado en Siza una trayectoria en los lugares, logrando agradar en su entorno, y ser reconocido por su trabajo y por los usuario del lugar. Podríamos decir, que por hacer más ruido o ser más extravagante, llamemos la atención de los demás, sino demostrar que a través de la sencillez y el silencio, también se puede lograr. Es así, como el arquitecto Siza, a pesar de no causar un gran impacto visual, manejando lo simple con astucia y autenticidad, nos muestra que se puede lograr una arquitectura valorada por sus usuarios y su entorno, ya que ser humano debe ser el centro de toda arquitectura.

Referencias bibliográficas Moneo, R. (2004). Inquietud teórica y Estrategia proyectual, en la obra de Ocho Arquitectos Contemporáneos. (1 ed., Vol. 1, p. 200, 210). Barcelona, Editora Actar. Barros, H. (2009). EL DIBUJO DE ÁLVARO SIZA: PEQUEÑA HISTORIA. (Spanish). Revista De EGA, (14), 176-179.

Geometría Fractal, es la inspiración de la arquitectura en la naturaleza no puede limitarse a copiar las formas sino que debe aspirar a aplicar las leyes. Las formas son simples consecuencias y los fractales, las herramientas geométricas necesarias en el camino hacia unas cotas de expresión artística tan creativas y variadas como la propia naturaleza. 2

Moneo, R. (2004). Inquietud teórica y Estrategia proyectual, en la obra de Ocho Arquitectos Contemporáneos. (1 ed., Vol. 1, p. 200) Barcelona, Editora. Actar.

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO 22

Lugar: Atmosfera Propia Ana Manuela Cruz R.*

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Resumen: El siguiente ensayo trata acerca de la potencialidad del lugar en la obra de Álvaro Siza, la manera en cómo este arquitecto convierte el entorno, no solo natural sino también social, en la herramienta principal para concebir la idea generadora de sus proyectos, sin desprenderse de ella en ningún momento de su proceso de diseño.

En la arquitectura todo se traduce a entender, el conocimiento de algo es la herramienta principal para poder transformarlo en algo mejor. Captar la esencia de un lugar es la base para poder explotar lo natural y llegar a una resultante formal que logre transmitir al usuario una sensación de apropiación del espacio y al mismo tiempo no altere al máximo las condicionantes del entorno natural. El conocimiento se estimula con el deseo de encontrar cosas nuevas y la capacidad de observar y entender, es precisamente esto lo que se da en el lugar, es decir, en la comprensión de ese espacio antes de ser construido. Siza hace uso del lugar como un conector conceptual que revela la potencialidad del entorno para generar una arquitectura responsable, eficiente y al mismo tiempo estéticamente agradable.

Palabras clave Imagen del lugar Conector conceptual

Es esta filosofía la que mueve a Álvaro Siza para dar inicio a su proceso de trabajo, convirtiéndose esto en el motor que impulsa la generación de ideas ante una problemática. Este arquitecto inicia su proyecto desde que observa el terreno, no específicamente desde que lo visita, sino que en ocasiones desde que ve una fotografía, una imagen o algo que le muestre el lugar ,desde ahí inicia su proceso de concepción de la idea, manejando el recurso de la percepción y de la imagen del lugar, mostrando así la importancia de la imagen o sensaciones que generan los lugares e interpretándolas y utilizándolas como un recurso generador de ideas; ideas que se conecten con eso que el lugar proyecta buscando así que la intervención arquitectonica en el mismo traduzca o se apropie de la esencia del mismo. Este motor impulsor no solo lo aplica a la solución funcional del edificio sino que también es la base para la respuesta estética, es decir, esa respuesta formal, sintáctica1 y semántica2 que

da a sus proyectos. En su método de abordar el diseño el lugar es la herramienta más explotada, de la mano con otras condicionantes, siendo así un conector de ideas que sirve para mantener la coherencia del concepto general del proyecto. No desprenderse del lugar durante todo el proceso de diseño conlleva una mayor profundización en los criterios empleados, por lo tanto el resultado será más completo y eficiente, es esto una manifestación de como el conocimiento y la capacidad de ver proporcionan poder al momento de dar respuestas más autenticas y a la vez eficientes. Siza ha sabido manejar el conocimiento profundo del entorno con el fin de obtener respuestas de forma más simple, una simpleza que nace del aprecio a lo obvio pero que se transforma en soluciones espaciales integras y coherentes, que van más allá de simples volúmenes. Al analizar sus proyectos podemos apreciar como independientemente de la situación de cada proyecto y de su tipología, lo primero en ser tomado en cuenta como indicador para concebir la idea generadora de la respuesta arquitectonica es el lugar, es decir, el entorno natural y construido así como la topografía del mismo. La manera de abordar dicho aspecto varía dependiendo las características del proyecto y también de las condiciones del lugar como podemos ver a continuación: Escuela de arquitectura de Oporto (1985-1996): Se aprovecha la situación territorial del proyecto elaborando una especie de mapa arqueológico como plan base del

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: manuelacr29@gmail.com

Librería de la Universidad de Aveiro (1988-1995):

Fuente: http://www.visitarq.com/proyectos/facultad_arquitectura_oporto/

El proyecto es parte del plan maestro del campus de la universidad por lo cual hay que dar una respuesta que tome en cuenta el entorno construido no solo de manera compositiva o estética sino que mas que esto de manera funcional debido al carácter y tipología del proyecto. El manejo de las condicionantes naturales fue esencial para lograr el confort en el interior de los espacios, principalmente la luz, aprovechando así el entorno natural. El entorno construido y la apreciación de lo que se da socialmente en el lugar sugieren una determinada respuesta formal, espacial y material que el arquitecto proyecta mediante un lenguaje que se integre con dicha situación y al mismo tiempo la mejore.

Fuente:: http://elihuamant.blogspot.com/2009/01/escuela-dearquitectura-de-oporto.html

Museo de arte contemporáneo, Compostela (1986-1995):

Santiago

En este proyecto el lugar es parte primordial del concepto arquitectónico del mismo y va relacionado con la intención del proyecto de dar vida al lugar regresándole al mismo la importancia que había ido perdiendo con el paso del tiempo. En este caso se dio mayor énfasis al entorno construido que al natural ya que el objetivo del proyecto era devolverle a esta zona el esplendor, un esplendor que se daba por la riqueza del espacio construido.

Fuente: http://www.3dsign.es/blog/2012/09/28/los-mejores-arquitectosalvaro-siza-2/

Fuente: http://www.3dsign.es/blog/2012/09/28/los-mejores-arquitectos-alvaro-siza-2/

Todo este proceso de captación y percepción de la imagen del lugar se da debido a que cada lugar, cada pueblo, cada ciudad, tiene una atmosfera propia, esto lo podemos traducir a una esencia propia, la cual sirve como herramienta para interpretar sus necesidades y proyectar espacios que mediante su lenguaje arquitectónico puedan aportar a mejorar y al mismo tiempo contribuir a la identidad de los lugares siendo este criterio la base para la concepción arquitectonica de Álvaro Siza, dicho criterio se ve plasmado en cada uno de sus proyectos dándole así coherencia a toda su obra a pesar que su proceso de diseño carece de una metodología especifica y constante para todos los proyectos.

Fuente: http://www.arqred.mx/blog/2009/09/03/cscae-arquitectoalvaro-siza-viera/

Referencias bibliográficas Alfonso, M. (2010). El proyecto de arquitectura: Concepto, proceso y presentación. (pp. 173-175). Reverte. Álvaro , S. (1995). Álvaro Siza 1986-1995. Luiz Trigueiros (p. 48,84,108). Lisboa: BLAU, LDA. .

Sintactica: corresponde al análisis de la relación existente entre los distintos símbolos o signos del lenguaje, en este caso el lenguaje arquitectónico. 2 Semántica: estudio de la relación entre los signos y su significado.

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

proyecto mediante el descubrimiento de un apoyo histórico, a manera muy personal, logra captar la potencialidad del lugar, desglosando entonces un esquema de relación del proyecto no solo con su entorno inmediato sino también con la ciudad. Los espacios abiertos como elemento integrador de la naturaleza y el espacio construido, así como el aprovechamiento de las visuales dando protagonismo al paisaje natural.

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Instrumento al Servicio del Pensamiento: El Dibujo Ana Manuela Cruz R.* .

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Resumen: El siguiente ensayo abarca lo concerniente a la herramienta para transmitir ideas más utilizadas por Álvaro Siza, el dibujo, la importancia de este en su metodología de diseño, su empleo y resultados

La capacidad de aprender a ver e interpretar las cosas es una característica esencial en todo buen arquitecto, pero no basta con saber ver e interpretar sino que también es necesario tener la capacidad de transmitir lo que se ve e interpreta con el fin de vender una idea, en muchos casos venderse una idea a sí mismo. Las ideas no son tangibles, esto las convierte en frágiles y efímeras, pero se les puede fortalecer y hacer perdurar mediante herramientas que la materialicen, es decir, asumir un método que permita desarrollar las ideas de manera verificable, convirtiéndose esto en parte del proceso de diseño de Álvaro Siza.

Palabras clave Dibujo Materialización Herramienta universal

encuentra las respuestas a muchas problemáticas o dudas que se generan con la idea principal. El dibujo es su acompañante en el proceso de profundización del conocimiento y la guía para establecer más claramente los parámetros a estudiar y posteriormente a desarrollar. Este recurso le da libertad, una libertad que se traduce en su manera de componer y generar formas, formas simples pero con gran riqueza compositiva que nacen de este proceso el cual lo ayuda a interpretar mejor sus propias intenciones.

La manera que utiliza Álvaro Siza para hacer palpables sus ideas es lo que le da acceso al trabajo, es decir, el dibujo. Mediante esta herramienta desarrolla esas ideas que se generan con su percepción y manejo de las condicionantes tanto físicas como sociales del lugar. El dibujo en este arquitecto contribuye a la construcción y maduración de una idea, de un concepto, es su manera de plasmar sus pensamientos con el fin de interpretarlos mejor y conducirlos al diseño de espacios construibles. Es mediante el dibujo que Siza logra descifrar o aclarar ciertos aspectos del proyecto como son la escala y la proporción del edificio, esto lo logra a través del uso de figuras humanas en sus dibujos. También el dibujo lo ayuda a tener una imagen más global de su idea del proyecto a través de dibujos con vistas desde el cielo. Estos no son los únicos aspectos que este arquitecto logra aclarar mediante el dibujo sino que también este lo ayuda a encontrar respuestas más profundas a las incógnitas emocionales y de integración del proyecto. Si bien hemos mencionado que Siza basa su idea en la apropiación del lugar, es en el dibujo donde logra explotar dicha idea de manera que

Fuente imagen : http://grupochistoria.blogspot.com/2011/01/alvaro-siza-vieira.html

Fuente imagen : http://www.metalocus.es/content/es/blog/una-casa-en-mallorca-de%C3%A1lvaro-siza

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: manuelacr29@gmail.com

El lenguaje universal que posee el dibujo lo convierte entonces en una herramienta con aplicación global. Sin importar lugar del mundo donde Siza vaya a proyectar sus ideas, el dibujo le permite hacerlo sin limitantes lingüísticas ni culturales. En cada uno de sus proyectos este arquitecto hace uso del dibujo para explorar y profundizar esa idea que nace en el lugar, esto independientemente del proceso tecnológico que se lleve a cabo posteriormente para técnicamente perfeccionar la idea final del proyecto.

Fuente imagen : http://loscroquis.blogspot.com/2008/09/bitacora-becas-lder-06.html

Fuente imagen : http://www.socialdesignmagazine.com/es/site/architettura/alvaro-siza-viagem-sem-programadisegni-e-ritratti-evento-collaterale-della-13-mostra-internazionale-di-architettura-la-biennale-di-venezia.html

La arquitectura es para el hombre, aunque el lugar sea el generador de la idea base, este se analiza no solo considerando sus condicionantes físicas sino también la carga social que se da en el mismo. Es mediante el dibujo que se introduce la figura humana en el proceso de diseño. Este instrumento tan dinámico y flexible es lo que permite a Siza convertir una idea en realidad, un pensamiento en una edificación.

Referencias bibliográficas

Martín, F. (2012). CONVERSANDO CON ÁLVARO SIZA. El dibujo como liberación del espíritu. (Spanish). Revista De EGA, (20), 56-65. Barros, H. (2009). EL DIBUJO DE ÁLVARO SIZA: PEQUEÑA HISTORIA. (Spanish). Revista De EGA, (14), 176-179. .

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Dialogo Arquitectónico Ana Manuela Cruz R.* .

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Resumen: La temática del siguiente ensayo se desarrolla en torno a la importancia dada en el proceso de diseño de Álvaro Siza a la interacción interdisciplinaria, convirtiéndose esto en parte esencial de su metodología y siendo la condiciónate que permite llegar a la materialización final de sus ideas

Palabras clave Relación Interdisciplinaria Equipo

La arquitectura es una ciencia estrechamente ligada con el aspecto social de las ciudades ya que es el arquitecto el responsable de hacer ciudad, de crear los espacios que definen y contribuyen al desarrollo de las sociedades, es determinante para un buen arquitecto saber interactuar no solo con su entorno sino también con esa sociedad al servicio del desarrollo. La arquitectura no se debe trabajar de manera aislada, este es un principio que Siza tiene bien definido en su proceso de diseño. La arquitectura se nutre de varias ramas y de varios aspectos ajenos a ellas en principios y estudio pero que son esenciales para poder materializar un proyecto. Es aquí donde entran esas condicionantes, como son la economía y los colaboradores técnicos, a formar parte del proceso arquitectónico. En este proceso de interacción es donde el usuario y el cliente adquieren la mayor importancia y no solo son entes tomados en cuenta para el diseño sino que también la participación e integración de los mismos en el proceso es clave.

Siza enfrenta el proceso de diseño como el capitán de una nave. Alfonso, M. (2010). dirigiendo todo el proceso pero haciéndose ayudar de todo un equipo que colabora en distintas áreas para lograr un proceso de diseño armónico y socialmente equilibrado. El resultado de esta interacción es un proyecto más completo y que responde mejor a la idea planteada desde el análisis del lugar y que ha ido atravesando todo un proceso de maduración. Es ya en este punto donde la idea se materializa no solo en papel sino que se vuelve realidad mediante un arduo trabajo en equipo que involucra tanto proceso de diseño como proceso de construcción.

Fuente imagen: http://www.lastraarquitectos.es/blog/category/arquitecturacontemporanea/

Fuente imagen: http://www.metalocus.es/content/es/blog/una-casa-en-mallorca-de%C3%A1lvaro-siza

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: manuelacr29@gmail.com

Todas estas pautas seguidas por este arquitecto en su proceso de diseño, son una muestra de que la arquitectura resulta integra cuando se produce mediante un dialogo no solo con los aspectos arquitectónicos sino también con factores como la economía y el cliente, y sobre todo el equipo de trabajo que perfecciona y busca los medios para materializar y llevar la idea a su estado último, la edificación.

Fuente imagen: http://habitar-arq.blogspot.com/2012/08/entrevista-alvaro-siza.html

La colaboración interdisciplinaria es de suma importancia es esta etapa del proceso de diseño, pero dicha participación se da de manera íntegra e interactiva, no se trabaja de manera independiente para luego unir todo, sino que se trabaja de manera unida y participativa de modo que el aporte sea colectivo y el resultado considere de manera conjunta todos los aspectos del proyecto.

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En esta etapa se desarrolla la búsqueda de las respuestas técnicas al proyecto. Siza se apoya de todo un equipo de colaboradores técnicos que llevan a cabo modelos de terrenos y que estudian a detalle los programas con la finalidad de perfeccionar la propuesta de proyecto. La relación con el equipo de ingenieros encargados del proceso constructivo es muy estrecha e interactiva, estos se encuentran en su mismo edificio y forman parte de todo el proceso participando en las discusiones del proyecto,

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Ética y humanismo: Resultante interacción entorno usuario Ana Manuela Cruz R.*

ÁLVARO SIZA: ECO A TRAVES DEL SILENCIO

Resumen: En este ensayo se aborda el resultado de la metodología de Álvaro Siza, una metodología basada en el hombre, su entorno y sobre todo una actitud ética y responsable que encamina sus proyectos hacia la eficiencia e impacto positivo en la identidad de los lugares

Realizar una actividad o desempeñar una labor profesional de manera honrada, estable y sobre todo al servicio de los demás, manteniendo la dignidad que le corresponde al ser humano y entregándose a su vocación de manera consciente de modo que su aporte a la sociedad en la que se desenvuelve es considerable e influyente son las características de un profesional que desempeña su labor de forma ética. Más allá de la ética y en el centro de toda labor esta el hombre ya que toda actividad se realiza para satisfacer las necesidades de este. La integración de estos dos conceptos por parte de Álvaro Siza, ética y humanismo, da como resultado una respuesta profunda y eficiente a las problemáticas planteadas en arquitectura y permite desarrollar ideas de la manera más coherente posible.

Palabras clave Humanismo Coherencia Identidad

Todo el proceso de diseño de Álvaro Siza, a pesar de no poseer una estructura teórica especifica ni un método determinado para todos sus proyectos, no se divorcia de la práctica coherente y ética de la arquitectura. Dicha coherencia se relaciona directamente con el aspecto humano, es decir con la valoración tanto del entorno como del hombre en sí, esto se da desde el momento de concebir la idea del proyecto hasta concluir el proceso de diseño del mismo.

Fuente imagen: http://www.3dsign.es/blog/2012/09/28/los-mejores-arquitectos-alvarosiza-2/

Este planteamiento se traduce en las resultantes de sus proyectos mediante el confort del usuario el cual es generado a través del aprovechamiento de las condicionantes físicas del lugar, la apropiación del usuario del espacio, es decir el sentido de pertenencia que generan los espacios en el usuario, el aporte a la identidad de los lugares mediante el lenguaje arquitectónico. Todo estos aspectos mencionados sitúan al hombre como el principal beneficiario convirtiéndose así en aspectos humanísticos que van a la par con un método ético de hacer arquitectura.

Referencias bibliográficas Alfonso, M. (2010). El proyecto de arquitectura: Concepto, proceso y presentación. (pp. 173-175). Reverte. Martín, F. (2012). CONVERSANDO CON ÁLVARO SIZA. El dibujo como liberación del espíritu. (Spanish). Revista De EGA, (20), 56-65.

Fuente imagen: http://www.arqred.mx/blog/2009/09/03/cscaearquitecto-alvaro-siza-viera/

Álvaro , S. (1995). Álvaro Siza 1986-1995. Luiz Trigueiros (p. 48,84,108). Lisboa: BLAU, LDA. Siza, A., & (2013, 05 23). Alvaro Siza home page. Retrieved from http://alvarosizavieira.com/

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: manuelacr29@gmail.com

3 4

http://architecturality.wordpress.com/2010/10/20/transparency-ilayering-of-planeslayering-of-spaces/

http://www.todoarquitectura.com/v2/foros/topic.asp?Topic_ID=36 019

http://www.neromagazine.it/n/?p=4445

↔

Imagen 3: Strips del Parc de la Villete, Rem Koolhaas. http://landscapeurbanism.com/wp-content/uploads/2012/02/OMA_LaVilette_section-plan_2.jpg

Imagen 1: Plano de conjunto del Parc de la Villete, Rem Koolhaas.http://24.media.tumblr.com/tumblr_m1wgn9a2mX1r721rlo1_5 00.jpg

Imagen 2: Layers del Parc de la Villete, Rem Koolhaas.http://4.bp.blogspot.com/ccCHsO1DDlc/UGb0EWptEfI/AAAAAAAAADs/VjUmILWDbkg/s1600/Koolhaas_Parc+de+la+Villette_Diagrams_rev.jpg

Imagen 4: Proyecto Exodus, Rem Koolhaas. Tomado de: http://mediacentre.kallaway.co.uk/pics/architectural/hires/Rem-KoolhaasElia-Zenghelis.jpg

Imagen 5: Relaci贸n entre las franjas en La Villette y los pisos del

Downtown Athletic Club. Rem Koolhass y Bruce Mau. S,M,L,XL, New York: The Monacelli Press, 1998, p. 936, tomado de Oskan (2008).

Que obra o tiene fuerza y validez sobre lo pasado. La teoría de Koolhaas de la retroacción implica un rechazo a ciertas tendencias urbanas contemporáneas que abordan los problemas urbanos desde una perspectiva destructora de todo aquello que interfiera con sus criterios de diseño urbano.

Imagen 2: Diagramas manipulación del programa: Essence Finantial Building, Shenchen. http://www.oma.eu/contentimages/Projects/2013-ESSENCE-FINANCIALBUILDING/massing_big.jpg

Imagen 1: Programa de Areas visto en seccion de la Torre Bicentenario, Ciudad de México. http://europaconcorsi.com/images/spaceball.gif?1367488503

Imagen 3:Axonometría Sede de la Televisión Central de China, Rem Koolhaas.http://www.oma.eu/contentimages/projects/2002-CCTV-–HEADQUARTERS/CCTV-axo-complete_big.jpg

Imagen 4: Arquitectura como envolvente de las funciones - Estación marítima de Zebrugge, Bélgica http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7kqc905dw1r9jnero1_1280.jpg

Imagen 5. Crecimiento Vertical de la ciudad de Manhattan http://famouswonders.com/wpcontent/uploads/2009/04/midtown_manhattan.jpg http://25.media.tumblr.com/tumblr_m7kqc905dw1r9jnero1_1280.jpg

Ludwig Mies van der Rohe Nace en Aquisgrán el 27 de marzo de 1886, hijo de Jakob Mies (negociante de mármoles) y Amalia Rohe, Fue cánones para la arquitectura que bajo su tan divulgado lema “less is more” proclaman una arquitectura sobria y universal. Se puede encontrar mas información en: http://www.miesbcn.com/es/biografia.html

Lenguaje expresivo de la imagen Marilegnys Alt. Grullon Garcia.* Resumen: La imagen dentro de la arquitectura es multifuncional y en muchos casos es la esencia del edificio. Este articulo trata sobre el uso de la imagen dentro de la arquitectura de los arquitectos Herzog & de Meuron. Ellos trabajan con la imagen como medio conceptual y la producen a partir de arquitectura. Su trabajo con la imagen les ha permitido experimentar con distintas técnicas que les permiten la manipulación de dicho elemento. La imagen como tal es importante explicarla ya que para entender la estética de edificios de Herzog & de Meuron primero hay que conocer su base conceptual, siendo la imagen el medio conceptual más complejo utilizado por estos arquitectos. La imagen dentro de arquitectura es un elemento esencial para cada proyecto, ya sea como la apariencia del edificio o como elemento generador de ideas. Esta es la representación grafica de una realidad captada a través de los sentidos. Esto se debe a que la imagen como tal; apariencia visual de un elemento se refiere a elementos conceptuales o proyectos construidos. Esto ha llevado a que muchas arquitectos le brinde gran importancia, como lo ha hecho Herzog & de Meuron. La imagen como tal no se limita a lo que representa gráficamente, sino a lo que esta es capaza de transmitir.

Palabras clave Imagen, fotografía, conceptualización, metáfora.

La imagen en las obras de H&deM representa el elemento más importante dentro de la conceptualización. Esta ha sido dentro de su carrera una generadora de ideas que ha permitido obtener conceptualizaciones esenciales para proyectos destacados dentro de su trayectoria. La idea de imagen no se ha quedado estancada para ellos, esta ha ido evolucionando dentro de su desarrollo arquitectónico. Ellos han expresado que esta evolución de la imagen ha ido desde una idea literal de esta hasta de manera conceptual 1 como lo es hoy en día . En la actualidad ellos utilizan la imagen como medio conceptual y al mismo tiempo, gracias al producto arquitectónico, producen la imagen que desean.

Imagen como medio conceptual Con el paso del tiempo, H&deM han experimentado la madurez en la utilización de la imagen lo cual los ha llevado a implementarla de manera versátil. El proceso de diseño de estos arquitectos se ve enriquecido ya que experimentan con esta para obtener efectos con los cuales manipulan el volumen. Es fácil pensar que esta imagen es utilizada como signo o símbolos, si se ve de una manera literal, pero no, como base conceptual ellos la utilizan para generar sensaciones. Sus edificios combinan la imagen y la estructura para hacer referencia al programa, al contexto, al lugar y sobre todo a la idea principal (Wang, 2000). Esta idea principal muchas veces es la misma imagen, la cual nace de la 2 naturaleza como Metáfora visual y en ocasiones de fotografías manipuladas por la técnica del pixelado, dando como resultados proyectos con gran calidad de detalles. Los edificios que se inspiran en la naturaleza toman elementos con superficies atractivas que les pueda ofrecer variedad al edificio. Las formas que adoptan estos edificios no se puede precisar a primera vista, pero si

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: marilegnysgg@gmail.com

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HERZOG & DE MEURON: PERCEPCION A TRAVEZ DEL VACIO

HERZOG Y DE MEURON: PERCEPCION A TRAVEZ DEL VACIO

reconocer algunos de sus elementos que la conforman. Esto se debe a que los edificios no están hechos como copias de la imagen base, sino que la utilizan como referencia. Esta manera de producir arquitectura es una muertas de como utilizando la naturaleza que rodea es área se obtienen proyectos más acordes al entorno. Estos modelos conceptuales han sido utilizados en edificios como el Prada en Tokio o el edificio De Young Museum de San Francisco. El edificio Prada de Tokio está basado en una imagen de un organismo natural la cual es la que le da vida al proyecto. Este se comporta como una piedra preciosa brillando de noche en todo su esplendor, mientras que de día se vuelve transparente convirtiéndose en una escaparate. Este escaparate es esencial para la marca Prada ya, que todos sus elementos se lucen en cada parte del edificio. La inspiración en la imagen lleva a los arquitectos a una conceptualización no solo en la forma que adopta el edificio, sino también en el funcionamiento similar que tendrían el elemento de la imagen y la edificación. Dicha analogía es una muestra de que la imagen no se estanca para ser solo la exhibición de algo. En este caso ambos lucen como piedras preciosas: uno dentro de la naturaleza y otro como una joya urbana. (Borgatello, (2007))

Ilustraion I: Young Museum of San Francisco, California – United States (2005) Recuperado de: http://blog.bellostes.com

Con este ejemplo se evidencia que las analogías de imágenes naturales no solo se enmarcan en piedras preciosas como en el edificio Prada, sino que va más allá hasta analizar elementos naturales del entorno inmediato. El edificio De Young Museum de San Francisco utiliza materiales de manera tal que la textura aparenta ser rugosa como la corteza de los árboles. La metáfora se presenta como la protagonista, siendo la imagen del edificio una metáfora del arbolado. Esta metáfora se ve apoyada por la doble función que adopta la imagen. Esta se utiliza de manera conceptual y como referencia de la luz filtrada de las hojas de los árboles, para esto se perforan la superficie y entra la luz. En este proyecto está presente la arquitectura de simulación; una arquitectura que aparenta ser una cosa pero en realidad no lo es. Este edificio no está compuesto por arboles, solo su representación. Pero, dentro de una firma de arquitectos inquietos y deseosos por probar nuevas técnicas, las imágenes de la naturaleza no son solo sus elementos conceptuales. H&deM también experimentan con recursos gráficos basados en los medios informáticos que dan versatilidad a los envolventes y el interior de los edificios. Dentro de esta variedad los 3 arquitectos han utilizado la técnica de pixeles ampliados . La creatividad de los arquitectos aquí sale a relucir un poco mas, donde hacen que los pixeles dejen de ser simples pixeles y pase a ser parte importante de sus edificios. Estos se ven reflejados en la superficie de sus proyectos ya que los han utilizado para delimitar la forma de los huecos que tendrá el proyecto.

Ilustración II: Edificio Prada Tokyo (Epicenter Store), Japan (2003), Edificio completo y detalle de envolvente. Fotografías, Liao Yusheng. Reuperado de http://blog.bellostes.com

El interés por la naturaleza ha llevado a H&deM a extraer detalles de esta que son perfectos para ser utilizados como plataforma en sus diseños. Un ejemplo de esto es el edificio De Young Museum Golden Gate Park, San Francisco (Pagina oficial H&deM) , California, allí el deseo de integrar el edificio con el bosque que lo rodea los llevo a experimentar con imágenes de la naturaleza circundante. El análisis de la arboleda existente le permitió extraer la imagen que le sirvió para revestimiento exterior. Estas mentes versátiles hacen que la imagen sea tan versátil como ellas.

Estos pixeles como molde de huecos crean una superficie con orificios dinámicos y variados que aportan una visual diferente. Este juego de huecos forma la imagen en general en la apariencia del edificio y como si fuera poco crean un interior que da la bienvenida a la luz a través de cada vacio. Es así como esta imagen sirve de base de diseño, de generadora de imagen formal y creadora de imágenes interiores. El juego de vacios y llenos hacen del edificio un ente vivo. Dando a este una función parecida a la de una lámpara de luz. C De día la luz parece entrar y formar su propia imagen, mientras que de noche la luz sale por los vacios formando el envolvente del edificio. El edificio TEA, Tenerife espacio de las artes es el ejemplo más simple y directo donde se nota la presencia de la técnica del pixelado. El edificio está compuesto por una forma sencilla pero no simple, donde los huecos en el envolvente son los que le dan personalidad propia al edificio. Estos huecos

seleccionase la imagen equivocada el resultado podría ser un desastre. (Wang, 2000) Los edificios que utilizan esta técnica a pesar de poseer un carácter figurativo por las imágenes fotográficas utilizadas como tal, se vuelve totalmente abstracto ya que solo los arquitectos conocen la configuración de las imágenes. Un ejemplo de esto es la Biblioteca Eberswalde, Alemania, allí los arquitectos han utilizado la imagen en repetición; el muro es la suma de muchas imágenes fotográficas unas al lado de otra. Esta repetición de la fachada se ve entendida por el deseo de los arquitectos de formar un volumen unificador, la cual es una característica común en sus edificios. Esta técnica proporciona al edificio una nueva apariencia, el concreto no es visto como un elemento constructivo sino que las imágenes fotográficas se comportan como textura visual, patrón que reviste las fachadas y configura la imagen exterior del edificio.

Ilustraion III: TEA Tenerife Espacio de las Artes Santa Cruz de Tenerife Canary Islands, Spain (2008). Recuperado de: http://www.herzogdemeuron.com

Imagen, producto de arquitectura. Los evolventes de H&deM representan el interés de hacer que estos comuniquen algo. Estos son manipulados por técnicas que les permiten transformar el volumen, convirtiendo la imagen en más que una simple idea; el usuario tiene la posibilidad de crear su propia imagen en la memoria. La imagen no es solo lo que se crea en el exterior de su edificio, el juego de volúmenes y vacios en el interior, enmarcan una visual donde elementos de la naturaleza les sirven de modelos para que cada espectador cree su imagen. Esto es una muestra de cómo no solo interesa como luce el edificio, sino que se toma en cuenta el usuario y la naturaleza. La piel del edificio sirve de articulación del mismo edificio con la naturaleza, lo que les interesa es convertir al muro en algo más que una delgada imagen. H&deM han logrado esto por medio del tatuado en concreto, la impresión de placas de acero y a través del juego de vacios y llenos. Estudiar la transformación volumétrica es una de las tareas de la imagen, desde esta como idea, hasta como parte de la superficie. Con La técnica del tatuado en el concreto los arquitectos han experimentado una nueva imagen para este material. Ya este no es pesado y opaco, es más que un volumen aburrido e imponente en el entorno, su nueva imagen le brinda simpleza, ligereza y transparencia. Esta técnica consiste en imprimir imágenes fotográficas en el concreto, el edificio se vuelve un portador de imágenes cuidadosamente seleccionadas para lograr que estas transmitan lo que les interesa. Herzog ha expresado que estas necesitan ser escogidas después de un estudio minucioso de todas las opciones que tienen, ya que si

Ilustraion IV: Eberswalde Technical School Library Eberswalde, Germany.Proyecto1994-1996, realization 1997-1999. Primera imagen fachada principal, segunda imagen detalle del grabado de imagen en el concreto. Recuperada de. http://www.herzogdemeuron.com

Conclusiones Entender el concepto de imagen dentro de arquitectura puede resultar confuso, pero explicando su uso y aplicación. Ya que la arquitectura conlleva conceptualizar y llevar a la práctica y en ambos casos la imagen se desarrolla de manera diferente. Dentro de la arquitectura dominicana la manera de conceptualizar se queda estancada sin experimentar nuevas formar aparentes. Esto se debe a que se tiene acostumbrado diseñar para resolver problemas funcionales dejando a un lado las innumerables maneras de conceptualizar existentes para logras envolventes innovadores. La manera de Herzog & de Meuron utilizan la imagen muestras como algo de nuestra vida diaria puede ser la esencia e inspiración para producir arquitectura. La imagen de manera versátil se adapta a lo que usuario desee, logrando este utilizarla de manera conceptual y como apariencia formal de la arquitectura. Por lo tanto, el arquitecto debe entender la imagen como una asociada a la arquitectura que tiene la tarea de transformar el volumen y servir de base conceptual para producir lo deseado.

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representan en interés no hacer una arquitectura monótona y aburrida, sino todo lo contrario. El edificio a pesar de ser un solo volumen se vuelve dinámico y variante en cualquier punto de la fachada. Este dinamismo no se olvida en el interior, donde los mismos vacios que le dan paso a la luz son el revestimiento de las paredes interior. (Álvarez., 2010)

HERZOG Y DE MEURON: PERCEPCION A TRAVEZ DEL VACIO

Referencias bibliográficas Álvarez., Ó. M. (2010). Iconos de la memoria.El proyecto de Herzog y De Meuron para la Ciudad del Flamenco. Borgatello, L. O. ((2007)). Tesis Doctoral: Imagen y lenguaje arquitectónico: un análisis transdisciplinar del caso Fórum Barcelona 2004. Fernandez-Galiano, L. (2012). Herzog and De Meuron. AV mographs, 157-158. Meuron, H. &. (1981). conferencia: The Specific Gravitiy of Architectures. Das spezifische Gewicht der Architekturen. . Basel.: H&deM. Wang, W. (2000). Herzog and Pierre De Meuron. Barcelona: Gustavo Gili. En Willian J. R. Curtis, “Ensayo La Naturaleza del Artificio. Una conversación con Jacques Herzog”, El Croquis 109 – 110, Pág. 19, 2003. (Documento Volúmenes pixelados basado en esta conversación)

Herzog ha expresado: ”Antes nuestro pensamiento sobre la imagen era más literal y estábamos más influenciados por otros como Aalto y Schauron. Schauron era uno de nuestros favoritos porque pensábamos que su trabajo era extraño, real e irreal al mismo tiempo.” Borgatello, L. O. ((2007)). Tesis Doctoral: Imagen y lenguaje arquitectónico: un análisis transdisciplinar del caso Fórum Barcelona 2004. 2 La metáfora visual: es un recurso que permite, de manera rápida y sencilla hacer comprensible una idea, por medio de una imagen estereotipada. Borgatello, L. O. ((2007)). Tesis Doctoral: Imagen y lenguaje arquitectónico: un análisis transdisciplinar del caso Fórum Barcelona 2004. 3 La técnica de pixeles ampliados; proceso basado en la selección de una imagen para ampliarla y tomar sus pixeles como base del diseño. En Willian J. R. Curtis, “Ensayo La Naturaleza del Artificio. Una conversación con Jacques Herzog”, El Croquis 109 – 110, Pág. 19, 2003. (Documento Volúmenes pixelados basado en esta conversación)

FRANK O. GEHRY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Hacia un caos controlado Gabriela C. Taveras V.* Resumen: se recogen los términos que hacen a Frank Gehry un arquitecto deconstructivista, obras donde dice representar la sociedad que somos, de cuyas influencias se gasta para llegar a la arquitectura que lo caracteriza hoy día, de cómo estas han influido en sus pensamientos y diseños, y compara esas influencias en proyectos a lo largo de su historia arquitectónica. Basando la investigación en fuentes del área de arquitectura. Influencias Un arquitecto al pasar del tiempo busca siempre que su arquitectura tenga un idioma que la identifique, de modo que se mantendrá en una constante búsqueda de parámetros que lo diversifique. Podrá evolucionar, quizá a formas nuevas o a diferentes implementaciones, que hagan que su arquitectura tenga distinción de vanguardia. Por esta razón el arquitecto Frank O. Gehry ha ido evolucionando para llegar a ser lo que es hoy, un arquitecto deconstructivista que busca llamar la atención. Su deconstrucción, más allá de unas formas alienantes, parte de aspectos comunes que son manejadas, por él y su equipo, en lo que estas no tienen formas tradicionales.

Palabras clave Influencias, Contraste, superposición, abstracción, descontextualización.

Esta deconstrucción, que representan las obras de Gehry, desde sus inicios ha sido objeto de muchas críticas. Pero ese caos que utiliza, lo hace para representar la sociedad que somos, mediante volúmenes asimétricos y convulsos. Es notable que su arquitectura es una conclusión a sus pensamientos, que describen que todo lo que hace, porque así lo desea, sin importar el medio en que se encuentre. Pero es notable que en el medio que nos rodea, existen muchas formas en las cuales el arquitecto puede dejarse influenciar. Antes de la realización de un proyecto hay un proceso que es poco o más difícil que la misma construcción, es en esta etapa, de solo el diseño, el plano y ese croquis que todos hacen cuando se ven entusiasmados, que existe una influencia tal del medio, que solo se buscan

formas diferentes y nuevas para poder utilizarlas. En esta etapa del proceso, el arquitecto y todo diseñador busca influencias, conceptos que crean necesarios e interesantes para el medio del proyecto o diseño en disposición. Después de un largo proceso de reflexión y de búsqueda es que el arquitecto llega a concebir formas, y volúmenes que podría utilizar, es por esto que Frank Owen Gehry, desde su niñez se ha visto influenciado por el mundo del arte, su madre, fue diseñadora de muebles, lo condujo poco a poco, aunque sin conocimiento a esto, él expresa en varias ocasiones, una de estas en el libro “Entre Blade y Mickey Mouse: arquitecturas fueras de la ley de la gravedad (2006)” sus dotes artísticos vienen de su madre. Más aun en la arquitectura de Frank O. Gehry existen cánones, no siempre los más adecuados, por lo que hoy día hay toda una polémica de comentarios en su contra, entre sus obras más criticadas está “The Biomuseo” en Panamá.

Ilustración 1: The Biomuseo, Panamá, 2013. Recuperado de: http://www.elcroquis.es

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: gabycaro23@hotmail.com

Influencias conceptuales

Ilustracion 2: Fish-Sculpture, Barcelona, Recuperado de: http://thomasmayerarchive.de

1992..

En este proyecto el arquitecto, no busco una forma difusa que no tuviera una apariencia tal a la de un pez, sino que trato de especificar cuál era su objetivo haciendo la forma similar a la de un pez verdadero. El brillo hace que su forma tenga más fluidez, y veracidad, este proyecto fue erigido en 1992, en Barcelona y es un icono de la escultura de la ciudad. Su estructura muy propia de los proyectos de Gehry en los cuales siempre hay una vanguardia y además rigidez, en medio del caos controlado que da a ver en sus obras. Pero es quizá Gehry un artista que quiso ser arquitecto o lo contrario, ya que este no solo deja ver su interés por formas extrañas y distorsionadas, sino que hace su arquitectura y diseño similares en la vida real, un ejemplo de esto son sus obras de arte, en el diseño de lámparas que dan a ver notablemente su interés que ha tenido por los peces, estas lámparas además de tener una luminosidad interesante, hacen que estos animales marinos sean notablemente obras de arte.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Un arquitecto que sus formas, no tienen un ordenamiento lógico, tal vez este ordenamiento exista en su cabeza, pero el caos generado es más interesante. Frank Gehry puede decirse que tiene algo que lo diferencia de los demás arquitectos y es el montaje de formas que usa, solo porque esa es su naturaleza, pero no trabaja solo, siempre se ha visto acompañado de personas que hacen lo que él les diga, y quizá por esta razón sus obras no son muy desiguales. La influencia que ha tenido, ha hecho de Frank Gehry tener ese pensamiento, deconstructivista que ahora lo caracteriza. Aunque ha evolucionado, estas influencias se han venido desarrollando en su vida desde su infancia. Como indica “En las entrevistas de la época, se extendía ampliamente en torno a cómo los peces se inspiraban en sus juegos infantiles junto a su abuela, con las carpas que mantenían en la bañera de la casa, esperando a ser cocinadas para según las costumbres de los judíos centroeuropeos [gefillte fish]” (Pérez de Lama, 2006) 1, la forma del pez a él le parecía perfecta, este interés por los peces siempre se ha visto reflejado en sus edificios. Este mismo arquitecto en Sketches of Frank Gehry (Sídney Pollark, 2005)2 indica que siempre le han llamado la atención las escamas de un pez, y el titanio muy utilizado en sus edificios, es una ejemplificación de esto. Este lo da a conocer en su proyecto Fish-Sculpture, en el cual claramente se nota la figura del pez, por su brillo y forma.

Conjunto de Ilustraciones 3, 4 y 5: Lámparas de plástico, Los Ángeles, 1984-1986. Recuperado de: http://freegenero.ru/fish-lamps/

En estas lámparas se puede denotar como él trabaja las escamas, dándole una textura única y prácticamente real, también es notable en sus proyectos, la utilización de estos criterios de forma, material y brillo, que son características propias de los peces. Un ejemplo muy peculiar también, es en el restaurante de pescado, Fish Dance, Japón (1989).

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Ilustracion 8: Jasper Johns. Map, 1961. Recuperado de: http://surrealappeal.tumblr.com Conjunto de ilustraciones 6 y 7: Standing Glass Fish, Minneapolis, 1986. Recuperado de: http://matemolivares.blogia.com

Entre estas obras, también está Standing Glass Fish una escultura de jardín en Minneapolis. Esta obra cuenta con una estructura vista, muy característica de sus influencias y su evolución como arquitecto. Es palpable el parentesco de la escultura con el pez.

3.2 Influencias artísticas Otra de las influencias que él ha tenido, en su vida y su arquitectura ha sido la de artistas. Frank Gehry se puede considerar un arquitecto-artista, en el que usa el arte para esculpir sus proyectos, no es un arquitecto que tenga fronteras dentro de las formas, sino que al igual que los artistas, escultores, siempre hace lo que crea se ve interesante, pero con más rigor. A pesar de utilizar formas convulsas y en caos, este arquitecto tiene una disciplina en sus proyectos, estos siempre tienen un especial tratado que hace de su arquitectura única. Entre los artistas que pueden haberle influenciado en sus principios durante los 70 y 80, fueron artistas que le recomendó su psicólogo amigo Milton Wexler quien era su psicoanalista, “A través de él entra en contacto con una comunidad de artistas angelinos y de Nueva York: Moses, Robert Irwin, Jasper Jones, Robert Rauschenberg, Elsworth Kelly, Ruscha, Richard Serra, Claes Oldenburg, Andy Warhol” (Pérez de Lama, 2006), muchos de estos artistas pertenecen al pop art de la época, como es el caso de Jasper Jones, que su arte refleja un arte con objeto, entre sus más destacadas figuras utilizadas esta, la bandera de Estados Unidos. Este es un artista contemporáneo de los más reconocidos del mundo. Este artista es considerado junto a Robert Rauschenberg de los precursores del pop art americano. Las obras James Johns le dieron a Gehry un sentido de diseño, por la superposición de imágenes, las figuras sin terminar, y es algo que utiliza mucho en sus proyectos, la superposición de formas, y un montaje de estas.

Ilustracion 9: Jasper Johns. Recuperado de: standard.blogspot.com

Target, 1974. http://pacific-

Otro artista del cual Gehry tuvo influencia fue de Robert Irwin, un artista de los cuales sus obras tienen un gran espíritu de luz y de utilización de objetos en superposición. En sus obras existen los colores opacos, el blanco y negro son sus características, el gris en varias y otras cuantas con colores vivos y muy brillantes. A pesar de sus cambios su arte tiene un lenguaje que lo caracteriza.

Ilustracion 10: Robert Irwin, United States, 19661967. Recuperado de: http://collections.lacma.org

Ilustracion 11: Robert Irwin and James Turrell inside the anechoic chamber at UCLA, 1969. Image courtesy of Malcolm Lubliner and Craig Krull Gallery, Santa Monica. Recuperado de: http://www.getty.edu

Además Gehry tuvo tratos fue con Ellsworth Kelly quien “es una de las prominentes figuras del arte modernista abstracto que lideró la corriente pictórica del "Color Field Painting" (Ramón Almela, 2009), su arte además de ser abstracta, siempre tiene un juego de contraste, entre el espacio y la forma central. Sus obras tienen un orden que de por sí, no está sujeto a ninguna simetría, lo que hace referencia a Gehry en sus obras. Por Lo cual en la arquitectura de Gehry, las formas siempre están en movimiento.

Ilustracion 12:. Ellsworth Kelly, Red Blue Green, 1963. Recuperado de: http://www.abstract-art.com

Ilustracion 13: Ellsworth Kelly, Red Blue Green, 1963. Recuperado de: http://www.abstract-art.com

Antes de que Gehry tuviera tratos con Wexler, este tuvo miedo de perder sus dotes como artista y como arquitecto, pero este le aseguró que no sería así, y en cambio esto lo haría más fuerte como arquitecto, según Gehry eso fue lo que ocurrió. El

Después de todo Gehry “Aprendió a sublimar su ira, dolor y miedo a existir en un mundo loco y hostil a las propuestas arquitectónicas sobre esas tensiones. Frecuentemente vía la ironía o el humor negro, fueron incorporándose a su trabajo elementos de luz y esperanza Reflejando una de sus estéticas preferidas de "edificio en construcción", su trabajo frecuentemente sugería "asuntos sin terminar" o la crítica incompletitud de toda la existencia humana” (Pérez de Lama, 2006). Es quizá una muestra de la gran influencia que tomó de los artistas, pero no tanto de ellos, sino del Psicoanalista Wexler, que le ayudó a defender sus pensamientos y su fuerza en la arquitectura. Después de que Gehry prácticamente diera un cambio en su arquitectura y quizá en su manera de verla, Según (Pérez de Lama, 2006) “Los críticos de los años 70 y 80, como Hines, se complacían en etiquetar a Gehry como un transgresor de reglas [rule breaker]”. La arquitectura de Frank Gehry tiene un estilo dislocado, que está por encima de cualquier atracción, esta arquitectura no tiene una denominación en específico de fealdad o deconstrucción, sino que sus formas son atractivas a la población, aunque sus pensamientos no sean los mismos. Esta es una parte interesante del deconstructivismo, que a pesar de tener un aspecto extraño e intrigante, también se queda grabado y es despampanante.

Una obra muy famosa del arquitecto, en el cual usa la superposición, montaje de formas y dislocación3, es el Walt Disney Concert Hall, en Los Ángeles, utiliza curvas, brillo, fluidez, deconstrucción y sobre todo es permisible la apariencia de edificios anteriores. Esta obra se puede considerar como una de las más famosas de Gehry y desde su inicio e inauguración ha tenido una gran acogida, gracias a su arquitectura. La utilización de estas formas, dejan ver su interés por el pez, ya que tiene formas similares a este, y además su color contribuye a este pensamiento.

Ilustracion 14: Wall Disney Hall, Los Ángeles. Recuperado de: http://en.wikiarquitectura.com

Pero estas obras de Gehry, con estilo deconstructivista, no llegaron a sus manos una vez comenzó, sino que debido a las influencias que iba adquiriendo se fue desarrollando una arquitectura más y más compleja. Retomando el tema de la

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trato de Gehry con los artistas del momento hizo de su arquitectura muy artística y escultural, ya que desde siempre Gehry decía sentía una atracción especial por el arte.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

estructura vista, Gehry comenzó a utilizar esta técnica en mucho de sus proyectos, un ejemplo de esto es Dancing House, en Praga, por lo que trato de adecuarse a la arquitectura, ya que era un país en el cual había una regla de construcción. Él deja vista parte de su estructura por medio del vidrio, no deja nunca de lado su estilo, y utiliza formas que son sus características.

arquitectos formales, ya que no podían concebir a un arquitecto trabajando como él lo hacía, como un artista. También el mismo menciona los materiales en bruto que usaban sus amigos artistas y el mismo comenzó a hacerlo, demostrándolo en su propia casa en Los Ángeles.

3.3 Los Ángeles Una influencia muy fuerte en la vida y arquitectura de Frank Gehry ha sido Los Ángeles, así como dice “El modo y manera con el que Gehry se integra en la ciudad no tiene nada que ver con el camuflaje, con procedimientos contextualistas. Ser contextual en Los Ángeles es ignorar el contexto. Su integración es más profunda y más radical porque supone construir como Los Ángeles, no en los Ángeles. Su arquitectura puede ser entendida como una reflexión de cómo construir en la ciudad” (Moneo 1990) 4. Su arquitectura es un reflejo de la ciudad, ya que este trata de adecuarse al medio que lo rodea, pero no ser igual a ellos, en todos sus proyectos pone en práctica esta forma de diseñar y siempre sus edificios son descontextuales5. Un ejemplo ya mencionado de esta arquitectura descontextualizada que le caracteriza, es el Wall Disney Hall, se puede observar la diferencia a los edificios aledaños, que hace que tenga una deconstrucción en su proyecto, también refleja un color que sí entra dentro del contexto urbano de Los Ángeles y es normal por el mencionado comentario de Moneo, dice el diseña como Los Ángeles.

Conjunto de Ilustraciones 15, 16 y 17: Dancing House, Praga, 1992-1996. Recuperado de: http://www.arch2o.com

Después de todo Gehry reconoce la influencia que le dieron sus amigos artistas ya mencionados, este mismo expresa “Me eduqué al principio de mi carrera con un maestro vienés para producir perfección, pero en mis primeros proyectos, no pude encontrar el oficio para conseguir esta perfección. Mis amigos artistas, gente como Jasper Johns, Bob Rauschenberg, Ed Kienholz, Claes Oldenburg, estaban trabajando con materiales muy poco costosos - maderas rotas y papel, y estaban produciendo belleza”. Más adelante dice “La pintura tenía una inmediatez que yo deseaba para la arquitectura. Exploré los procesos de los materiales de construcción en bruto para intentar darles sentimiento y espíritu. Intentando encontrar la esencia de mi propia expresión, fantaseaba con ser un artista delante del lienzo en blanco decidiendo cual era la primera acción. Lo llamaba el momento de la verdad” (Perez de Lama, 2006). Como indica, no era muy bien acogido entre los

La arquitectura de Frank O. Gehry es una recopilación de ideas extraídas de muchos autores, entre ellos está Charles Moore, que fue un arquitecto donde en sus obras demostraba la apatía por formas tradicionales, pero tampoco las dejo de lado, sino que las incorporaba con formas diferentes, pero a pesar de toda esa recopilación de ideas, Gehry y su equipo siempre han ido formando su propia característica en el diseño. Siempre se ha caracterizado por las formas convulsas y un montaje que ya hasta se ha hecho en muchos casos, repetitivo.

Ilustracion 18: Wall Disney Hall, Los Ángeles. Recuperado de: http://en.wikiarquitectura.com

Conclusiones “Los arquitectos deben ser capaces de trazar el mapa físico donde la sociedad consiga desarrollar su actividad social. Para

como el nuestro la pobreza es tal que se vive en decadencia. Pero esto nos da a conocer que el arquitecto siempre es el que rige lo que pase o no a su alrededor, ya que no se hará en pie un proyecto, mientras no haya dinero, y además tiene que complementar el entorno, no romperlo. Para no dejar de lado el mapa físico que debe trazar el arquitecto, es una práctica que está muy lejos de cumplirse, una que por razones obvias estamos cada vez más pobres, y el trabajo es el más influyente, ya que forma la actividad social única que hace que un país progrese, y a nuestro alrededor es un factor social que menos posible esta en nuestra sociedad. Pero si los arquitectos somos los responsables, ¿Por qué no hacemos nada? Quizá es por las enseñanzas recogidas de espacios en los que no tenemos una presencia mental.

Un exponente de las características expuestas es la arquitectura de Frank Gehry, se diferencia de las demás gracias a que rompe las reglas del juego, es interesante ver como sus diseños son fuera de lo común, y además contienen fragmentos que hacen que su forma sea única. ¿Pero esta arquitectura cuenta con lo necesario para ser funcional? La verdad es que aparte de sus tan extravagantes formas utilizadas, esta no siempre tiene las mejores soluciones, ni se plasman en los mejores lugares. Siempre se hace conveniente que el contexto de la ciudad se integre al diseño, pero en su caso es más que lo contrario, tiene una arquitectura descontextualizada y que no siempre cuenta con principios económicos adecuados, no siempre esto será un problema, ya que si se basa en su tan demostrada influencia de Los Ángeles posiblemente este tenga razones conceptuales adecuadas.

Referencias bibliográficas

Lo más cómico es ver como arquitectos como Frank Gehry y algunos otros, hacen uso del dinero elevado para un proyecto costoso, y hasta sobrepasan el monto, mientras que en países

El País, Archivo, El papel de la arquitectura actual. Recuperado el 15 de Junio de 2013, de: http://elpais.com

Moneo, Rafael (1990). proyectual: en la contemporáneos.

Inquietud teórica y estrategia obra de ocho arquitectos

Sketches of Frank Gehry, Frank Gehry, Sídney Pollark (2006) Perez de Lama, Jose (2006). Entre Blade y Mickey Mouse: 03 Arquitecturas en contra de la ley de la gravedad. 1921-22: Road House. Ellsworth Kelly (Newburgh, Nueva York, 1923) Recuperado de: http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2009/12/ellsworth-kelly -newburgh-nueva-york.html

José Pérez de Lama, Sevilla: es miembro del hackitectura.net, Ph.D. en Arquitectura, profesor de la Universidad de Sevilla Escuela Técnica Superior de Arquitectura, y co-director del Laboratorio de Fabricación Digital / Centro IND en esa institución. 2

Sydney Pollack (1934-2008): director y productor estadounidense, fue el director de la película documental Sketches of Frank Gehry.

Dislocación: Es la alteración controlada de la normal posición de los elementos estructurales constituyentes a causa de la interacción entre el objeto arquitectónico y las tensiones producidas por las preexistencias del lugar (Martínez, Garrido, 1986) 4

Rafael Moneo: Arquitecto Español, como escritor y crítico, ha dedicado casi tanto tiempo a la educación como lo hace para el diseño. Se desempeñó como Director del Departamento de Arquitectura de Harvard Graduate School of Design de cinco años, y en su país natal, en las facultades tanto del Madrid y las Universidades de Barcelona. 5

Arquitectura descontextualizada: los proyectos no se relacionan con el contexto generando una riqueza de contenido o más bien proyectos de arquitectura de diversas escalas que presenten un patrón de descoordinación o error.

85 FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

ello tienen que estar atentos a las realidades que presenta el nuevo entorno urbano, como la continua transformación de las estructuras familiares, sus nuevas configuraciones y la reducción sistemática del número de sus miembros, el incremento de la población de edad avanzada o la conciencia de respeto y cuidado del medio ambiente.” (Trujillo, María, 2005), pero ¿será esto lo que hacemos los arquitectos? o ¿será que no tomamos en cuenta nuestro entorno? Las respuestas están en esa arquitectura que a pesar de no tener una forma constante y formal, cuenta con la aprobación de todos, donde a pesar de no resolver problemas funcionales evita constantemente la realidad, una que desde luego no forma parte de un total y que además tiene costos elevados. Arquitectura que llama la atención y que por más decirlo esta fuera de lo tradicional.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Hacia un caos controlado Katherine M. Camacho G.*

Ilustración 1: Teoría de la Arquitectura Fractal como intento de imitar las formas de la naturaleza. Recuperado de: http://cosmogono.files.wordpress.com/2008/03/romanesco.jpgrECUPERADO DE: rECUPERADO DE:

Resumen: Se presentan los fundamentos y las bases tanto de la “Teoría de la Arquitectura Fractal” como de la “Teoría de la Desconstrucción de Derrida”. Ambas se presentaran desde sus inicios filosóficos hasta su implementación en otros campos del conocimiento como en el de la arquitectura. También sus características para luego analizar las mismas en una del arquitecto canadiense Frank O. Gehry. La Arquitectura fractal se vale de la naturaleza y su morfología para su aplicación y por lo tanto las formas utilizadas en la arquitectura son muy orgánicas , irregulares, dinámicas y sobre todo flexibles, mientras que la teoría de la desconstrucción de Derrida, se basa en la literatura y su idea de que un texto es cambiante y no único. La desconstrucción es arquitectura por lo tanto es sinónimo de movimiento, distorsión y dislocación de las formas.

Teoría de la Arquitectura Fractal. En el periodo comprendido entre 1975 y el 2003 se fundamentaron las bases de conceptos tales como lo fractal, el caos, la complejidad, la irregularidad, los cuales se han rastreado en los proyectos de los arquitectos de la contemporaneidad. Entre ellos las controversiales obras de Frank Gehry. Estos conceptos han generado teorías como la denominada “Teoría del Caos y la Complejidad”, “La teoría de la Geometría Fractal” y la “ Teoría de la Arquitectura Fractal”. De forma consiente Frank Gehry ha sido uno de los exponentes de esta última.

Palabras clave diagrama, fractal, naturaleza, arquitectura, geometría, desconstrucción, fragmentación

El termino fractal fue propuesto en 1975 cuando Benoit Mandelbrot, matemático francés, publica su libro llamado “La Geometría Fractal de la Naturaleza” 1, donde expresa las bases de la Geometría más moderna denominada Geometría No- Euclidiana2 la cual surgió a partir del siglo XIX. Mandelbrot tradujo por primera vez la imagen de los fractales. Esta teoría es basada en dimensiones irregulares y no enteras, es una abstracción a la geometría Euclidiana. “La geometría fractal es un nuevo idioma que hemos aprendido el cual nos permite describir la

forma de cualquier elemento de la naturaleza tan preciso como una arquitecto puede describir una casa en un plano” (Benoit Mandelbrot, 1995). La geometría fractal surge como un intento de imitar las formas irregulares que se presentan en la naturaleza de un modo más exacto de lo que lo hace la Geometría Euclidiana. Las cuales están llenas de una geometría compleja si se tratan a nivel micro con la especial característica de la autosemejanza. Es decir, que sus características formales del todo se repiten en las partes tendiendo al infinito o como establece Ines Moisset (2003): “las partes tienen básicamente la misma forma que el todo”.

Ilustración 2. Forma fractal. Cada porción de un objeto tiene exactamente las mismas características del objeto completo. Recuperada de: Mandelbrot,Benoit. La Geometría Fractal de la Naturaleza. De 1955.

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: katherinemarie-cg@hotmail.com

Gracias a esta teoría podemos extraer valiosas lecciones que se han aplicado hoy en día y que son validas para el futuro de diseños mas adecuados al ser humano ya que como no todos podemos vivir en lugares naturales genéticamente preseleccionados podríamos tratar de lograr sus mismos beneficios gracias a herramientas de diseño basadas en la geometría fractal. Solo se necesita poner la tecnología al servicio de un nuevo humanismo arquitectónico ecológico y a una nueva ética de diseño. Moisset afirma la arquitectura siempre se ha inclinado a mirar hacia la naturaleza y ha intentado aprender de esta.

rompiendo con los cánones imaginación hasta el infinito.

establecidos

explotando

Frank Gehry utiliza estas características en la mayoría de sus proyectos contemporáneos. Por ejemplo, en el Hotel El Marques De Riscal ubicado en España, se hace una analogía al vino el cual es el producto que representa al lugar. Se mira alrededor del terreno y se intenta de una manera reflejar lo mas representativo del mismo en la arquitectura por lo que Gehry para resaltar a la cuidad y ser un punto de atención en el mundo logra realizar esta obra con formas fluidas para representar la naturaleza de la zona. En la fachada de la obra hace alusión al vino tomando sus colores: titanio roca representando el vino tinto, el color oro que representa la malla que cubre las botellas y la plata que es la capsula que cubre el tapón de corcho.

“Ha buscado acercarse a las deslumbraste imágenes de los organismos vivos, a su fascinante comportamiento estructural, a sus procesos de crecimiento cambio y dinamismo. A su compleja y equilibrada relación entre el orden y el caos” (Zevi, Bruno.1950) Desde su descubrimiento varias disciplinas han adoptado sus características y la arquitectura es una de ellas. Se han llevado a cabo una serie de análisis y críticas a algunos arquitectos que han basado sus diseño en el principio de los fractales. Varias obras arquitectónicas actuales llevan consigo este sello característico denominándose como “arquitectura fractal”. Y es esta se describe como una arquitectura orgánica la cual ha creado nuevas vías de investigación en la frontera que separa orden y caos. Bruno Zevi la define como: “Un organismo que crece según las leyes de su propia existencia individual, según su orden especifico en armonía con sus propias funciones y con lo que circunda, como una planta o como cualquier otro organismo vivo” (Josep M. Montaner,1954) Cuando hablamos de esto no podemos dejar de pensar en ese gran bricoleur3, ese gran arquitecto que todo lo que se propone lo logra y el cual afirma que nada es imposible, Frank O. Gehry. Este ha hecho de la irregularidad de la naturaleza y de la forma orgánica que presenta una nueva arquitectura la cual ha sido no por todos querida, por muchos criticada pero muy bien aceptadas por el usuario. Este arquitecto muestra su potencial de hacer arquitectura fractal. Peter Eisamman, Jean Nouvel, Rem Koolhaas y el mismo Gehry ven esta teoría como un camino eficiente para innovar en sus composiciones arquitectónicas. Según el crítico Josep M. Montaner este tipo de arquitectura logra su objetivo como nuevo y original en este tipo de marco, donde debe “fundar” una nueva arquitectura porque su entorno no ofrece nada. Cuando de arquitectura fractal5 se trate se debe de pensar en sus notables características. Los fractales utilizan formas geométricas pero con propiedades especiales que lo distinguen de ser un simple triangulo o un simple rectángulo, son muy complejos y pueden usar cualquier tamaño o escala, luciendo siempre como objetos de la naturaleza. Manejan un lenguaje matemático complejo siendo algunas características el uso de formas no regulares, orgánicas, las partes se parecen al todo,

Ilustración 3: Hotel El Marques De Riscal, España. Recuperado de:http://www.abc.es/Media/201208/29/HotelMarquesdeRiscal-644x362.jpg

Analizado su forma, se nota con claridad que lo orgánica predomina por todo el conjunto además de las líneas curvas que siguiere fluidez. La descomposición de volúmenes hace que se obtenga una variedad visual dinámica tanto por el cambio de forma como por los colores empleados. En cuanto a los espacios interiores son muy flexibles, extrovertidos (característicos de Gehry) y geométricos por la forma del edificio. La escala es otro elemento importante de los fractales, la va de lo humano a lo monumental.

Ilustración 4: Interior de habitaciones del Hotel El Marques De Riscal, España. Recuperado de :http://news-e.hoosta.com//hotel-marques-riscal-8.jpg

Este Hotel es un ejemplo de cómo es empleada la Teoría de la Arquitectura Fractal, ese deseo de imitar formas orgánicas naturales en obras contemporáneas como en la de ese famoso arquitecto que todo lo hace Frank Gehry. La misma, ha sido un emblema de rioja, la cual atrae a diario muchos turistas y el cual brinda servicios de grandes lujos.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Este término de autosemejanza no solo se refiere a la forma como tal de la naturaleza sino también a los procesos que se dan en ella. Así pues, podemos encontrar formas fractales en los copos de nieve, en los relámpagos, en las raíces de las plantas, en las formas de crecimiento que se dan en las células y en las planas, y el movimiento de la nubes. De hecho, el cuerpo humano también es considerado como una estructura fractal por el sistema arterial, la estructura de los pulmones e incluso nuestro metabolismo.

TEORIA DE LA DESCONSTRUCCION DE DERRIDA

La Teoría de la Desconstrucción de Derrida no puede dejar de analizarse cuando de arquitectura contemporánea se trata y mucho menos al referirnos al arquitecto Frank Gehry. Este filosofo centra las bases de que una nueva arquitectura se ha ido creando a partir de cánones derivados de filosofías, investigaciones lingüísticas, jurisprudencias y teorías que se ha ido realizando a través de los años. Lo cierto es que los arquitectos actuales como Gehry han revolucionado momentos como el posmodernismo en cuanto a la forma de las edificaciones. A tal punto que hoy en día se pueden denominar “esculturas” y no “arquitectura”. La desconstrucción de Derrida es sinónimo de cambios, dramatismo, dinamismo, irregularidad, formas convulsas, complejidad, desorden, pragmatismo, es decir, es un “romper con la unidireccionalidad”. Jacques Derrida nació en Algeria, Francia, hijo de padres judíos, estudio filosofía en una de las universidades más prestigiosas de su país llamada la Escuela Normal Superior de Paris. Derrida es reconocido por sus radicales puntos de vista. “Para algunos biógrafos e investigadores, Jacques Derrida es tal vez el filósofo más famoso del mundo” (Jonh Lechte, Routledge.1994)

Ilustración 5: Jacques Derrida. Recuperado de: http://sitiocero.net/wp-content/uploads/2012/02/derrida22.jpg

La teoría de Derrida tiene un énfasis en el lenguaje y plantea que la manera en que tradicionalmente se realiza una lectura, es decir, ese modo metafísico, abstracto, teórico o hasta especulativo genera deducciones falsas sobre la naturaleza de los textos. Si, es algo complicado y hasta difícil de validar o interpretar pero es la filosofía que Derrida ha planteado. Sostiene que un lector piensa que el lenguaje tiene la capacidad de expresar ideas sin que estas sean cambiadas, que si se propone un orden hablar primario a escribir y que los autores de textos son la fuente de su sentido. Si interpretamos esto y pensamos en el termino deconstructivista, lo que plantea es que un texto tiene ideas cambiables, no únicas. El estilo deconstructivista de lectura de Derrida subvierte estas presunciones y desafía la idea de que un texto tiene un significado incambiable y unificado. (Jonh Lechte, Routledge.1994) Derrida nos da a conocer que el lenguaje vive en constante cambio, pero este punto de vista ha sido muy criticado por otros filósofos. “Su pensamiento es considerado por los críticos como destructivo de la filosofía” (Jonh Lechte, Routledge.1994). Esto porque se cree que la deconstrucción puede ser interpretada de otra manera, es decir, como el modelo de necesaria rigidez entre los ideales de claridad, franqueza y

coherencia que gobiernan la filosofía y los defectos que generan su producción. Es casi imposible explicar lo que es la deconstrucción de Derrida en términos simples ya que no es un método a seguir sino que es como una postura personal. Esta teoría no se refiere al hecho de que la desconstrucción es la destrucción de un texto, por ejemplo, no es interrogar cada parte que conforma la lectura sino es que la lectura debe de ser minuciosa, detallista, filosófica, para entonces llegar al extremo de entender mas allá de lo que se nos esta diciendo. El origen de la deconstrucción viene del alemán Destruktion, un término que Martín Heidegger utiliza en su célebre libro publicado en 1927 llamado “Ser y Tiempo”. Este termino fue utilizado primero por Heidegger aunque fue Derrida quien sistematizo su uso y su practica. Esta teoría es una estrategia muy criticada aunque supuso una visión radicalmente nueva y de gran fuerza no solo en el campo de la filosofía sino también el la arquitectura. “Concretamente en los años sesenta, esta propuesta del ‘deconstructivismo’ se perfiló como desafío para el discurso de lo ‘moderno’, no sólo en la filosofía, sino también en otras áreas del conocimiento como la literatura, la teología, la pedagogía, la música y la arquitectura. ” (Krieger, Peter.2004) Este nuevo paradigma se convirtió en la camisa de fuerza para todos los arquitectos que quieren estar en el ‘boom’ de la arquitectura contemporánea actual. Filosóficamente, la desconstrucción exige la fragmentación de la lectura, en cuanto a lo arquitectónico propone algo similar a esto y es ‘una arquitectura que se mantiene en movimiento’. Una vez hecho el edificio termina la desconstrucción y queda esa huella de que hubo un proceso complejo para lograrla. La deconstrucción se caracteriza por la fragmentación, la descomposición espacial, la desconstrucción material, es decir, el desafío a las reglas clásicas de la construcción, la descontextualización en cualquier contexto urbano, el dinamismo. También se centra en la tridimensionalidad, la distorsión, la dislocación y en el proceso de diseño no lineal es decir, que utiliza la geometría no euclídea de Benoit Mandelbrot. Por las características mencionados no cabe duda de que el mejor ejemplo que se puede citar es el Museo Guggenheim de Bilbao del arquitecto Frank Gehry.

Ilustración 6 : Museo Guggenheim, Bilbao, España. Recuperado de: http://www.visitar.org/wp-content/uploads/2009/museoguggenheim-bilbao.jpg

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CONCLUSIONES Luego de analizadas la “Teoría de la Arquitectura Fractal” y la “Teoría de la Desconstrucción de Derrida”, vemos que el hombre siempre ha tratado de incorporar procesos matemáticos y filosóficos en otros campos del conocimiento como es el caso de la arquitectura. Con la Teoría de la Arquitectura Fractal se imita la naturaleza y sus procesos generando formas orgánicas, irregulares y no lineales mientras que con la desconstrucción de Derrida se da una mirada a la lectura y se plantea que esta debe de ser cambiante y no única, por tanto, la arquitectura debe de mantenerse en movimiento con formas distorsionadas, dislocadas y fragmentadas. Pensemos en nuestro país, Republica Dominicana, en el que la mayoría de los habitantes mueren de hambre y sin embargo estos arquitectos estrellas gastan millones de euros y dólares simplemente para ser reconocidos. ¿Porque no hacer (si es necesario la obra) edificaciones normales empleando los materiales, la tecnología y las formas utilizadas en su localidad? Pensemos en la gente que se podría alimentar si invirtiéramos el dinero gastado en una sola obra fractal o deconstructivista. Y es que no solamente pensemos en el dinero sino también en nuestro medio ambiente. ¿Acaso no estamos todos preocupados por el cambio climático? Las tecnologías empleadas en estas obras sin duda hacen daño a nuestro planeta pero estos arquitectos se ciegan a estos problemas y solo piensan en ganar su fama produciendo estos ‘efectos arquitectónico’ o más bien estos ‘efectos escultóricos’.

En las obras arquitectónicas vemos entonces que existe una mímesis de teorías y filosofías que las han llevado a generar nuevas formas y nuevos conceptos. Esta actitud, asumida hace a penas algunos años por algunos arquitectos como Peter Eisenman, Rem Koolhaas y Frank Gehry, ha producido una nueva manera de llamar lo que conocemos como ‘arquitectura’ y es que a través de estos nuevos paradigmas la forma de denominar esta rama del arte es ‘arquitectura estrella o marca’. Es denominada así por la morfología que originan EMULANDO las características tanto de la ‘Teoría de la Arquitectura Fractal’ como las de la ‘Teoría de la Desconstrucción de Derrida’, logrando edificaciones escultóricas. Frank Gehry está considerado como uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo actual, y es internacionalmente célebre por su arquitectura personal, que incorpora nuevas formas y materiales y es especialmente sensible con su entorno. Gehry en sus obras no sugieren la “música congelada” del clasicismo, sino la congelada en proceso de derretimiento y explosión, paralizado temblor y arrebatado colapso. Él justifica sus diseños como única expresión del “caos creativo y la energía”. El producto final de la incorporación de estas teorías es para los arquitectos una ‘camisa de fuerza’ manejadas mediáticamente para que sus edificaciones sean el boom de los tiempos como el ‘efecto Bilbao’. Si bien los arquitectos utilizan esto como una estrategia para dejarnos a todos con la boca abierta, pensemos en la tecnología que requieren estas nuevas formas y en la cantidad de recursos que se emplean aunque los contextos sean diferentes y los aportes de la arquitectura marca han cambiado la manera de hacer arquitectura es imposible dejar a un lado las reflexiones que surgen frente a los grandes contrastes de la arquitectura contemporánea.No se trata de comparar métodos de diseño en contextos diferentes sino mas bien de aprovechar la oportunidad de llegar a soluciones adecuadas dentro de nuestros contextos tomando como guía las teorías y conceptos que Gehry ha sabido aprovechar de forma magistral.

Referencias bibliográficas Krieger, Peter. La desconstrucción de Jacques Derrida (1930-2004). Anales del instituto de investigaciones estéticas, Num.88, 2004. Lee, Verónica. A Possible Impossibility: Derrida’s Descontruction as Architecture’s Approach. 12. Diciempre 2012. Bodden, Valerie. FRANK GEHRY. Published by creative Education. De 2002

MENDELBROT,B. La Geometría Fractal de la Naturaleza. Un historial de la génesis de la teoría de los fractales se encuentra en los capítulos 41 y 42. De 1955. 2 Geometría No- Euclidianas: formas en donde la geometría de curvatura es nula.3 Josep M. Montaner,(1954), es arquitecto, escritor, catedratico y critico de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ESTAB-UPC). 3

Bricoleur: persona que lo hace todo.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Este museo es catalogado como “el logotipo fijo de la desconstrucción”. Es uno de los edificios más espectaculares del desconstructivismo. Trata de parecerse a un barco. Utiliza contornos orgánicos formas onduladas y brillantes en titanio. Es considerado como un conjunto escultórico extravagante. Se denomina así porque ha dejado con la boca abierta hasta al más indiferente. “Formas bastante extrañas envueltas con titanio, un metal muy raro que refleja la luz solar tenuemente. Cambiante según la hora del día, pasa de tonos celestes a un brillo deslumbrante al mediodía, de un ocre a un rojizo al atardecer.” (G. Celant, M. Andrews.1985). Este museo se ha Ganado el corazón de los vascos y aunque ha sido muy criticado es el ente que ha revitalizado esta zona de España que estaba en olvido. Y eso es precisamente lo que un arquitecto deconstructivista quiere lograr, que la arquitectura que realiza sea el ‘boom’. “El Guggenheim lo ha lanzado al estrellato. Su mole de titanio resultó tan discutida como el cilindro que Wright construyera en Manhattan en los años 50” (Jonh Lechte, Routledge.1994)

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

90 FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLOGICO, CAOS CONTROLADO

Evolución morfológica de la obra de Gehry Yelitza C. Valerio G.* Resumen: Este artículo recorre la obra del arquitecto Frank O. Gehry con la intención de demostrar la evolución morfológica que ha experimentado desde sus inicios. A lo largo de su carrera se han podido identificar tres etapas: la primera, en donde por medio de sus obras y formas vemos a un arquitecto que busca crear edificaciones basándose en la geometría; la segunda, interesado en crear cuerpos interrumpidos y discontinuos; la tercera, que emplea su nueva visión de hacer arquitectura en donde comienza a emplear el concepto de movimiento. Si conoces el Arquitecto Frank Gehry seguro te ha llegado a la mente lo siguiente: ¿Siempre ha diseñado sus edificios como lo vemos hoy día? Eh aquí tu respuesta: ¡no! Éste, al igual que otros arquitectos, ha logrado hacer arquitectura de una forma diferente conforme a cómo van pasando los años hasta convertirse en lo que es hoy: un arquitecto marca. Es importante destacar que en sus inicios Gehry no había tenido el éxito que adquirió hace ya varias décadas y no hay mejor forma de demostrarlo que evaluando sus obras desde los primeros proyectos hasta los más recientes. Para poder evaluar cómo ha evolucionado su arquitectura es necesario conocer las diferentes etapas que se han podido identificar en su carrera. Resulta interesante conocer que cada etapa es marcada por una obra, que cada vez más demuestra los rumbos que desea tomar el arquitecto.

Primera etapa: Geometría

Palabras clave Forma, Evolución Geometría, Rupturas, Fisuras, Movimiento

En los primeros años de su carrera, Gehry se vio envuelto entre lo convencional y la confusión de lo que se denominó la revolución posmoderna. Por lo tanto, las vías que prueba el arquitecto en sus inicios son variadas, empleando diferentes tendencias, las cuales estuvieron relacionadas con la repetición y la simetría en algunos casos, características que tomaron lugar en su primer proyecto la Casa Steves en donde se puede observar la recreación de una forma mediante la geometría dando lugar a la simetría. En esta se superponen dos piezas

iguales donde destaca la conveniencia de la repetición, convirtiendo el proyecto en una arquitectura un tanto rígida.

Ilustración 1: La casa Steeves, Los Angeles CA, 1958. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

Gehry implementó el estilo tardomodernista en sus obras, aquí se puede hacer mención a la Casa Danzinger en 1965 en California. Esta demuestra que detrás de ese restringido y firme manejo del volumen hay un arquitecto que sabe lo que hace pero que todavía crea una arquitectura referencial que no le distingue de los demás arquitectos de la época.

Ilustración 2: Casa Danzinger, Hollywood, California, 1965. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: yelitzavg@hotmail.com

Ilustración 3: Edificio de Oficinas Thornwood Mall, Park Forest South, Illinois, 1976. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com Casaeste Danzinger, Hollywood, California, 1965. En proyecto se empieza a romper con los espacios de: paraRecuperado que la ortogonalidad no aparezca con tanta fuerza. Aquí nos http://www.trianglemodernisthouses.com podemos dar cuenta que la instrumentalidad prevalece frente a la estética. Por otra parte, Gehry nos muestra en el tejado de un pequeño museo marítimo llamado ´El Cabrillo Marine Museum en San Pedro, California en 1979; su deseo de que la arquitectura tenga una presencia más allá de lo convencional. Sin embargo, aquellos elementos que forman parte de la conformación total del edificio como las ventanas en ocasiones se cubren y transforman mediante pantallas o diafragmas.

Ilustraciones 4 y 5: Cabrillo Marine Museum, San Pedro, California, 1977-1979. Grupo de imágenes recuperadas de: http://www.trianglemodernisthouses.com

Estos elementos construidos con materiales industriales, cautivan la atención de los espectadores, por la manera como son empleados y distribuidos a lo largo de la fachada. Aquí se pueden percibir los inicios de lo que será la deconstrucción en sus edificios.

Ilustración 6: Cabrillo Marine Museum, San Pedro, California, 1977-1979. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

Segunda Etapa: Fracturas En una segunda etapa, Gehry empezó a experimentar más con la volumetría en sus edificios además de romper con la conformación de sus estructuras. Sin embargo algunas de las características que más prevalecieron en la arquitectura de su segunda etapa fueron las fracturas, fisuras, rupturas y pliegues. A partir de esta segunda etapa es que Gehry comienza a ser reconocido, ha tomar presencia frente a las masas y a definir claramente lo que quiere lograr en su arquitectura. Para el año 1978, se vio claramente la dirección que quería tomar el arquitecto con el diseño de una serie de casas unifamiliares. En la casa unifamiliar de Santa Mónica, expresa por primera lo que sería el desprende de la piel de la edificación, rompe con la conformidad de la fachada abriendo huecos para que de una forma u otra se pueda apreciar parte de la estructura, aquí resaltan elementos oblicuos que arriostran a los verticales. Comienzan a aparecer la madera, los paneles de metal además de elementos aislantes. La inestabilidad es evidente en esta estructura. En la conformación de las dos masas que conforman la vivienda, se rompen y fragmentan, aplicando aquí los principios de ruptura y fragmentación.

Ilustración 7: Vivienda Unifamiliar, Santa Mónica 1978. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

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Cumplir seriamente con el programa arquitectónico, se convierte para Gehry en una de sus principales características para aquel entonces. Lo mismo se ve reflejado en el edificio de oficinas Thornwood Mall en 1976 en Illinois, donde la planta es resuelta de la manera que él consideró más adecuada en la que podría satisfacer el programa. Esta obra representa una construcción muy simple donde aparece cierto aparato plástico relacionado con una serie de cortes y fisuras.

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La experiencia de la casa descrita anteriormente, es aplicada a su propia casa, en Santa Mónica en 1978, a la cual Gehry decide hacerle una remodelación. Comienza por remodelar los escalones de acceso a la vivienda donde hace el primero de hormigón con la intención de que las personas se puedan limpiar los zapatos, y los demás escalones son desarrollados de manera más orgánica. Decidió no hacerle ninguna transformación a la vivienda en sí, sino más bien optó por la opción de adherirle espacios en el exterior. Hace uso de la tela metálica, que en ocasiones se corta para dar acceso a las ventanas.

A partir de sus ideales y de su manera de pensar que las cosas se pueden hacer realidad, podemos ver a Gehry con una actitud optimista, que será una de las razones que lo encamina al éxito años más tarde.

Ilustración 10: Casa de Gehry, Santa Mónica, California 1978. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

En la Casa para un Cineasta de 1981, se quiere mostrar que la arquitectura puede ser tan diversa como un montaje dirigido por un director de cine. La casa consta de varios espacios los cuales son ensamblados produciendo distintos episodios. La arquitectura es en esta casa vista como el resultado de experiencias y usos diversos. Es importarte destacar de esta casa la propuesta en cuanto a materiales se refiere. “Porque realmente, en ella Gehry nos explica qué sentido tiene para él un fenómeno de desplazamiento en el uso y manejo de los materiales que se convertirá, a partir de ahora, en un rasgo característico de su trabajo”. (Moneo, 1990).

Ilustración 8 y 9: Casa de Gehry, Santa Mónica, California 1978. Grupo de imágenes recuperadas de: http://www.trianglemodernisthouses.com

"A Gehry le gusta exhibir los elementos de construcción, aquellos cuya presencia siempre le sorprende en el proceso de ejecución y que son los que le han llevado a insistir en la idea de que la arquitectura es más hermosa cuando está inacabada". (Moneo1, 1990). Esto es lo que Gehry quiere que ocurra en su arquitectura. En cierto momento, durante la remodelación pensó que sería interesante abrir algunos espacios para disfrutar de la visión del cielo y de los árboles y así lo hizo, abrió el techo y de igual manera algunos ventanales.

Ilustración 11: Casa para un Cineasta, Los Ángeles, California 1981. Recuperado de: http://www.trianglemodernisthouses.com

Tercera Etapa: Movimiento En su tercera etapa el arquitecto se ve envuelto en una arquitectura unitaria, de aspecto móvil y que emplea la continuidad. "Gehry ha hablado en alguna ocasión del movimiento en arquitectura como una alternativa de ornamento”. (Moneo, 1990). Pues, ese movimiento del que habla es el que le caracterizará en sus obras futuras, en la que se crea una nueva sensación de agitación que le dirige hacia un nuevo organicismo. Las formas curvas e irregulares son de especial relevancia en esta última etapa. Gehry no hubiese podido crear una arquitectura de esta magnitud sin

como el plegado de una falda. Los principios de la movilidad y continuidad que impulsan a Gehry a la creación de formas, son evidentes en este edificio. El uso del revestimiento metálico es una de las características esenciales en esta última etapa. Por tanto, resulta de especial interés mencionar el Museo Frederick R. Weisman en la Universidad de Minnesota en Minneapolis del año 1993, puesto que fue en éste proyecto que se le dio un uso importante a este material pero en este caso con un revestimiento metálico altamente reflectante. Este material es el acero inoxidable.

Ilustración 12: Museo Vitra, Well am Rhein, Basilea 1987. Recuperado de: http://www.foroxerbar.com

Todas esas características descritas anteriormente tienen lugar en este proyecto puesto que representa el primer paso hacia una arquitectura que representa un caos controlado por su unidad, continuidad y movilidad. En Vitra la unidad es representada mediante el material utilizado que es el estuco blanco que se extiende por todos los confines del edificio, cabe mencionar que aquí ya no existe la diversidad de materiales que había caracterizado a Gehry en periodos anteriores. La unidad es el factor predominante y el movimiento es en sí un atributo del que, a partir de esta etapa, Gehry no prescinde. Otro de los edificios que claramente refleja lo que Gehry quería en su arquitectura es el Walt Disney Concert Hall inciando en el 1987 en los Ángeles.

Ilustración 14: Museo Frederick R. Weisman, Minnesota, Minneapolis 1993. Recuperado de: http://www.foroxerbar.com

El Experience Music Project terminado en el 2000 en Seattle, Estados Unidos, es otro de los edificios de Frank Gehry en el que se ve plasmada esa movilidad en los cuerpos que conforman el edificio. En este, las curvas en algunas ocasiones definen formas y en otras son superficies y planos que se desenvuelven libremente a lo largo de las fachadas. Debido a las curvaturas implementadas en este proyecto y los demás que conforman la última etapa de las obras de Gehry, se puede crear que el edificio se abulte produciendo un constante plegado, así ofreciendo superficies continuas que en ocasiones nos hacen dudar acerca de dónde termina la pared y dónde comienza el techo, así por igual, dónde está la línea que separa la fachada frontal de la lateral.

Ilustración 13: Walt Disney Concert Hall, Los Angeles, California 1987. Recuperado de: http://www.foroxerbar.com

Una de las características de este edificio es que está compuesto por dos cubos inclinados intencionalmente para lograr que se logre la forma de ´V´. Alrededor de de estos cubos, se acumulan variadas formas que de alguna forma u otra reafirman y extienden la estructura básica. Una vez más, el revestimiento metálico es el medio utilizado para lograr esas formas y ondulaciones describiendo un movimiento

Ilustración 15: Experience Music Project, Seattle, Estados Unidos 1995. Recuperado de: http://www.foroxerbar.com

Este edificio puede ser entendido como un techo que se desliza con pendientes para provocar profundidad y a la vez la creación de espacios. Por otra parte, cabe destacar que los

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antes haber adquirido tantos conocimientos a lo largo de su carrera y de sus innumerables experimentaciones. No podemos, de ninguna manera, hablar de una tercera etapa en la arquitectura de Gehry sin explicar lo que sería el proyecto que le impulsa hacia una nueva dirección El Museo Vitra en 1987-1989 en Well am Rhein, Basilea.

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colores oro, azul claro, purpura, rojo y plata; son usados para representar diversos temas de la historia del rock and roll, puesto que era un museo destinado a ese tipo de música. El Millennium Park Music Pavilion y Great Lawn en Chicago iniciado en el 1999, es un ejemplo la mezcla entre coherencia y extravagancia en la arquitectura de Gehry mediante el uso del acero inoxidable. Se creó un enorme enredado en el jardín de la parte frontal del edificio, puesto que de tal manera, la audiencia se encuentre debajo del mismo formando un escenario espectacular. El edificio en sí, hace alusión a una cortina ondulada por el efecto de la brisa pero desarrollado con una simplicidad rítmica.

Ilustración 16: Millennium Park Music Pavilion, Chicago, Estados Unidos 1999. Recuperado de: http://www.foroxerbar.com

Conclusiones "Gehry no abusará de lo arbitrario en la primera etapa de su carera, cuando de un catalogo de figuras elementales da forma a la arquitectura concreta. Pero más tarde, cuando el método va consolidándose y extendiéndose, Gehry descubrirá la posibilidad de convertir en arquitectura cualquier forma, encontrándose de frente con la presencia ineludible de lo arbitrario". (Moneo, 1990). Este fragmento nos describe de forma justa el proceso serio, maduro y tesonero que ha guiado al arquitecto Gehry inevitablemente a la generación de formas “arbitrarias”. La crítica del fenómeno de la deconstrucción ha colocado sobre la cabeza de Gehry el duro peso del capricho arquitectónico; no podemos negar, lo absurdo y parcial que resultarían los procesos de abstracción formal y montaje que realiza el arquitecto insertos en contextos del subdesarrollo y escenarios donde el ser humano sigue luchando por estándares más justos en los indicadores de calidad de vida. Los grandes proyectos son para los grandes escenarios; las complejidades de las grandes ciudades demandan

respuestas cada vez más complejas. La cultura del hiperconsumo y el mundo del espectáculo son el escenario perfecto en el que la curiosidad de Gehry ha encontrado cabida. Por esto, en ocasiones nos parece que se ha ido encaprichando a lo largo de los años con la creación de proyectos arquitectónicos alienantes, sintiendo que puede hacer arquitectura de cualquier modo imaginado. Pero, ¿habías visto la evolución arquitectónica de la obra de Frank Gehry desde este punto de vista? Posiblemente no. Ha pasado de ser un arquitecto que primeramente piensa en el programa arquitectónico y que luego surgía alguna forma, a ser un arquitecto que goza de la arbitrariedad en la etapa final de su arquitectura. Pues, es evidente que esta evolución no solo ha sido desde el punto de vista morfológico sino que va más allá. Podemos observar que cualquier forma resultante en la última etapa de la arquitectura de Gehry, surge de algún deseo o intensión personal, como un artista manipula sus formas, con la meta de lograr lo que busca de cualquier modo. Gehry no tiene la intensión de priorizar ni la función, ni la forma. Como artista, se guía de las teorías fractales y de la deconstrucción por medio de las cuales decide como un escultor qué montaje es el más adecuado. Estamos frente a una nueva manera de hacer arquitectura; la liberación desde la proyección ortogonal que guía hacia un análisis crítico del método de diseño adoptado de forma inversa. Por un lado, tenemos los proceso paradigmáticos de Gehry como referencia competitiva a nivel internacional y por otro lado, refiriéndome a nuestro país, en relación a profesionales y futuros arquitectos, debemos ver a nuestro alrededor y estudiar el contraste que existe entre obras paradigmáticas y emblemáticas con relación a la pobreza existente en nuestro país para poder hacer arquitectura pensando en el beneficio de los demás y no de forma arbitraria y personal.

Referencias bibliográficas Gilbert-Rolfe, Jeremy. (2001). Frank Gehry: The City and Music. Los Angeles. Routledge. Boland, Richard J., Collopy, Fred., Kalle., Yoo, Youngjin. (2008). Managing as Designing: Lessons for Organizational Leaders from the Design Practice of Frank O. Gehry. Design Issues. 24 (1), 10-25. Moneo, Rafael (1990). Inquietud Teórica y Estrategia Proyectual: en la obra de ocho arquitectos contemporáneos.

Método de diseño de Frank Gehry. Rosy G. Ramos O*. Resumen: Los diferentes procesos implementado por Frank Gehry en el trascurso de concepción de sus proyectos. Y como éste se enfrenta a sus diseños. Desde sus primeros métodos hasta su método arquitectónico basado en las formas. Y las distintas etapas que conlleva para realizar su proyecto.

Para la producción de un proceso, se torna largo y tedioso, en el cual se debe trabajar arduamente, y usar la mayor imaginación posible. Por esto, Frank Gehry cuyo quehacer proyectual en su vida, un método creativo e innovador. Para esto el usa un proceso de diseño característico, muy diferente al que estamos acostumbrados a implementar.

Palabras clave Exploración, Geometría, Dislocación, Movimiento.

Gehry en sus inicios “Comienza a aceptar los Ángeles. Estaba basado en el deseo de respetar y mantener su estructura, lo que obliga a un profundo conocimiento de la ciudad y de los mecanismos con los que se construye en ella “ (Moneo, Rafael 1990). El busca que sus diseños sean geométricos y esto lo logra con el método de diseño de Desmembramiento del programa en el origen de la construcción. Una casa se descompone, identificando usos con formas: Estar, cocinas, dormitorios, talleres… se asocian con cubos, cilindros, pirámides, semiesferas… que se convierten en elementos con los que construir”( Moneo, Rafael 1990). Luego identificaba las figuras geométricas elementales, recomponiendo tectónicamente los cuerpos con estos recursos, que permitirán la construcción, el arquitecto dejaba que las mismas se sometan a la acción del campo de fuerzas del medio en el que van a vivir, consolidándose así la arquitectura. Uno de los proyectos que implemento este método, fue en la Casa Streeves (1958-1959), esta posee una manipulación de las formas mediante una geometría en la que predominaba el manejo de la simetría, la cual es una época inicial y este consta de poca experiencia.

Ilustración 1: Perspectiva de la Casa Streeves (1958-1959).Recuperado de: Moneo, Rafael (1990), Inquietud teórica y estrategia proyectual.

Con el museo de Vitra en el 1987, Gehry abandona el proceso de desmembramiento y recomposición, abandono esta forma de pensar y producir la arquitectura. para abrirse paso en un camino más continuo, y móvil. Llegando a una tercera etapa cuyo protagonista es el movimiento: Frank Gehry ah habla en alguna ocasión del movimiento en arquitectura como de una alternativa al ornamento” (Moneo, Rafael 1990)

a. Método de Diseño. Frank Gehry exige que sus proyectos tengan el tiempo suficiente para un análisis completo de la función requerida y una investigación absoluta, la cual contiene expectativas continuas que cada proyecto posee una nueva oportunidad para crear algo extraordinario.

* Estudiante de término de la carrera de Arquitectura en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra, campus Santiago. Para contactar a la autora: Gaby_01_212@hotmail.com

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FRANK O. GEHRY: MONTAJE MORFOLÓGICO, CAOS CONTROLADO

Luego de un minucioso estudio y reflexión del proyecto, en el cual analiza cada aspecto. Este realiza unos bosquejos a los cuales le llama sketch que “son sus dibujos iniciales, son 2 una especie de “esbozo” de la corriente de la conciencia, que esta destina a evocar un sueño, el sentido emocional de lo que el edificio podría ser”(Jeremy Gilbert-rolfe 2004). Se trata de un boceto de la energía y el poder detrás de una idea para el edificio, no la idea en sí. Sirve como una invitación abierta a sus asociados para explorar las posibilidades de hacer realidad el edificio, no un plan para orientar su diseño. En este proceso Frank Ghery expresa su estado de ánimo, a través de su primer dibujo o sketch, en este se refleja su frustración y inseguridad al iniciar su proyecto. Estos dibujos son unos garabatos en los cuales el va plasmando las primeras ideas antes de llevarlas a un modelo tridimensional.

El reflejo de sus primeros modelos un “diseño crudo y sin terminar. El llama a estos modelos “Shrek”, que es el “yiddish” para asustar” (Jeremy Gilbert-rolfe, 2004). Estos primeros modelos no son para el equipo de diseño en su estudio, pero se comparten con el cliente también. Es otra manera de dejar que el cliente sepa que lo que están viendo no es el diseño, sino un marcador en el camino. La idea del diseño surge en el proceso de construcción de un modelo, y el diseño del proyecto tanto participar activamente en la elaboración y la remodelación de los modelos a medida que evolucionan. Es una forma de pensar con las manos que les permite experimentar la sensación sensible, emocional y estética del edificio, ya que está pensado en su camino a través del diseño de la misma.

Ilustración 3: Primeros modelos utilizado por Frank Gehry en el proyectó de la torre OPUS HONG KONG. Recuperado de: http://www.opushongkong.com/en/Design_conceptua.html

En el trascurso de esculpir el modelo realiza varias maquetas. La expectativa de cambio continuo está integrada en el proceso de diseño mediante el uso simultáneo de varios modelos, cada uno diferente de los demás. Los mismos modelos se convierten en el expediente del proceso de diseño. Nadie en el estudio de Gehry se basa en el primer lugar un diseño y luego construye un modelo de la misma, como sucede a menudo en las oficinas de otros arquitectos. Luego de una exhaustiva búsqueda de un modelo que pueda satisfacer las expectativas de Frank Gehry, este procede a la exploración de diferentes detalles arquitectónicos. Con la realización de modelos con mayores detalles arquitectónicos. Ya este modelo consta de mayores complementos estructurales y envolventes. No conceptual como el anterior.

Ilustración 2: Sketch de Frank Ghery del Guggenheim de Bilbao. Recuperado de: http://www.maverickplanet.co.uk

b. Modelo A la hora de realizar el modelo Frank Gehry reúne a su equipo de trabajo para plantearle una primera idea del posible proyecto. Este pasa al proceso de elaborar modelos de estudio. Junto a quien él considera su mano derecha en la elaboración de sus proyectos Meaghan Lloyd, estos crean modelos de estudio para así ir modelando el proyecto y pasar la idea del bosquejo inicial a la maqueta. Este usa una diversidad de materiales para la elaboración de este, ya sea papel, madera u otro material fácil manejo.

Ilustración 4: Modelos con mayor detalle utilizado por Frank Gehry en el proyectó de la torre OPUS HONG KONG. Recuperado de: http://www.opushongkong.com/en/Design_conceptua.html

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A Frank Gehry le gusta presentarse como un arquitecto 1 “instrumental” , Respetuoso con el programa y el presupuesto, Útil para el cliente. Al principio de su proyecto le gusta proyectar seguridad a sus clientes y ponerle todo de la manera más clara. Le gusta mantener una buena relación con sus clientes. Al iniciar un proyecto les plantea que las ideas van a estar en un estado liquido durante un tiempo, esperar que las cosas van a cambiar ya que el aspecto y el tacto, los materiales, métodos y la idea de diseño para el proyecto evoluciona en el trascurso de su diseño, y esto permite que se enamore con una sola idea, le permita explorar el diseño y para mantener el flujo de ideas sobre el diseño en estado liquido. Esto contribuye a que el proyecto a desarrollar sea lo más perfecto posible ya que se ah analizado de una manera minuciosa y manteniendo en cuenta cada detalle sin apresurarse.

FRANK O. GHERY: MONTAJE MORFOLÓGICO CAOS CONTROLADO.

c. Proceso de 3D a bidimensional. Ya realizado el modelo con mayor detalle. Este pasa de ser un modelo tridimensional a un modelo bidimensional, por medio del escaneo de la maqueta, esta es digitalizada en el software tridimensional a partir de la cual se pueden producir dibujos convencionales. A la hora de escanear el modelo esta cuenta con hasta 56,000 puntos o coordenadas que son sensores que facilitan el escaneo del modelo. Este modelo consta de cada detalle arquitectónico que cuenta el diseño. La practica Arquitectónica de Frank Ghery impulso de un enfoque basado en nuevas tecnologías para la entrega de proyectos de construcción complejos. Con ayuda de la implementación de tecnologías de automoción y aeroespacial. Creo Ghery Technologie fue creado a partir de la investigación y el desarrollo del equipo de Gehry partners. Desde su formación en el 2002. Han creado un softwarw que permite un proyecto integral con un amplio conjunto de herramientas para la creación de diseños arquitectónicos, ingeniería y construcción. Este permite evaluar la vida útil de la edificación.

Ilustración5: Modelo realizado por el software por Gehry tecnologi. en el proyectó de la torre OPUS HONG KONG Recuperado de: http://www.opushongkong.com/en/Design_conceptua.html

Conclusiones

Ghery maduro profesionalmente en Los Ángeles al mismo tiempo que un grupo de artistas con quienes compartió ideas. Y desde entonces ah adoptando diferentes métodos de diseño. El trabajo de investigación que Gehry ha desarrollado en el ámbito de diseño industrial ha sido complementario a su quehacer arquitectónico. Siempre utilizando Materiales atípicos de formas muy innovadoras. Las dificultades del desarrollo de muchos de sus proyectos van desde los primeros bocetos esquemáticos y gestuales que obtienen las futuras formas, y toda una serie de maquetas correspondientes a los diversos estudios de construcción programados, hasta llegar a las maquetas finales y las fotografías que ilustran las obras ya construidas. Gehry mantiene una relación con sus clientes, así como fuertes lazos de trabajo que le unen a muchos de los talentosos miembros de su equipo. En el trascurso de los año este ah desarrollado un método de diseño cuidadosamente elaborado, en busca de la perfección en sus diseños, desde sus primeros sketch hasta el proceso de escaneo del modelo. A la hora de elaborar un proyecto la tecnología juega un papel fundamental para la creación de su proyecto. Cada etapa de diseño es analizada y realizada cuidadosamente, para que luego de ser completada podamos ver lo que él nos quiere trasmitir con sus diseños.

Referencias bibliográficas Jeremy Gilbert-rolfe(2004). Libro Managing as Designing: Lessons for Organizational Leaders from the Design Practice of Frank O.) , Moneo, Rafael (1990). Inquietud Teorica y estrategia proyectual: en la obra de ocho arquitectos contemporaneou

Instrumental (adj): Juegan un papel importante en los sistemas morales teleológicas – las teorías de la moral que sostienen que las decisiones morales son los que llevan a las mejores consecuencias posibles (por ejemplo, la felicidad humana). 2 Esbozo: Primer diseño o proyecto de una obra artística, hecho de manera provisional, con los elementos esenciales y sin dar ningún detalle. boceto, bosquejo. 2 Explicación de una idea o plan de manera vaga y en sus líneas generales.