Giuliana Susterini by Giuliana Susterini

Giovanni Serafini

GIULIANA SUSTERINI energia della forma

Libreria BOCCA

Libreria BOCCA in Galleria Vittorio Emanuele II, 12 Milano 11 dicembre 2014 – 7 gennaio 2015

Libreria BOCCA Locale Storico d’Italia con il Patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali Medaglia d’oro della Camera di Commercio di Milano Galleria Vittorio Emanuele II, 12 20121 Milano

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A cura di Giovanni Serafini Testi di Mario Donizetti e Giovanni Serafini Foto Carlo Sclauzero Progetto grafico Rossella Picotti Supervisione grafica Giorgio Lodetti

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Il mio percorso artistico non sarebbe avvenuto senza lâ&#x20AC;&#x2122;incontro con Mario Donizetti. Per i suoi preziosi insegnamenti, per tutto ciĂ˛ che ho imparato da lui, mi Ă¨ caro esprimergli qui tutta la mia profonda gratitudine. My artistic career would not have happened without meeting with Mario Donizetti. For his valuable lessons, for all that I learned from him, I would like to express him here all my deep gratitude. Giuliana Susterini

Milano, 11 dicembre 2014

energia della forma

uesto nostro tempo è eccezionalmente strano perché le verità ovvie sono dette, e capite, solo eccezionalmente. Anni fa non sarebbe stato necessario dover dire che un’opera d’arte deve trasmettere energia (“aumentata capacità vitale” diceva il Berenson): nell’ipotesi che un’opera non avesse trasmesso energia, non sarebbe stata accettata come arte. Ed era anche ovvio che non tutte le opere d’arte trasmettono la stessa energia quantitativamente.

si scopre oggi mediante scienza essere la semplice energia del corpo progettuale, e quello che Hegel riteneva “spirito” è solo “immaginazione”. Se la forma artistica è perfetta in modo meccanico non ancora vuol dire che è tecnicamente perfetta. L’energia corporale è portata ad evidenza nell’opera d’arte dall’esigenza, dall’urgenza e dalla volontà dell’artista di trasmetterla, altrimenti l’opera rimane solamente nella sfera del compiacimento meccanico.

Si possono produrre opere che sono meccanicamente, accuratamente levigate ma che non trasmettono energia e, come diceva Hegel, “perfette nella loro sfera specifica ma manchevoli di spirito”. Hegel sottolineava che la forma del corpo non aveva attinenza con i “ supremi interessi dello spirito” e che, quindi, la forma dell’arte sarebbe morta. Sbagliava, anche se in parte diceva il vero: sbagliava perché lo spirito

Queste opere di Giuliana Susterini, in coerenza con la dottrina estetica da me elaborata e divulgata, rifiutano il compiacimento riflesso di una accuratezza solo meccanica dell’esecuzione e, nella pratica della giusta tecnica che sola può trasmettere energia, si affermano come esempio significativo.

bow grip (l’anello dell’archetto)

· 25 x 25,5 tecnica mista 2014

Mario Donizetti

The Energy Of Form

hese times of ours are exceptionally strange because it is only exceptionally that obvious truths are stated, and understood. Several years ago, there would have been no need to have to say that a work of art has to transmit energy (“increased vital capacity” Berenson used to say): in the hypothesis that a work of art did not transmit energy, it would not have been accepted as art. It was also obvious that not all works of art transmitted the same energy in quantitative terms. Works can be produced that are mechanically and carefully smoothed but they do not transmit energy and are, as Hegel said, “perfect in their specific sphere but lacking spirit.” Hegel emphasized that the form of the body had no relation with the “supreme interests of the spirit” and therefore, the form of art was dead. He was wrong, even though he partly spoke the truth: he was wrong because through science, the spirit is discovered today as being the simple energy of

the body as a project, and what Hegel considered “spirit” is only “imagination”. If the artistic form is mechanically perfect, this still does not mean that it is technically perfect. The body’s energy is brought to the forefront in a work of art by the artist’s need, urgency and determination to transmit it, otherwise the work remains confined to the sphere of mechanical satisfaction. These works by Giuliana Susterini, coherently with the aesthetic doctrine that I have developed and elucidated, refuse the satisfaction which is the reflection of merely mechanical accuracy of execution and, in the practice of the right technique which alone can transmit energy, assert themselves as a significant example. Mario Donizetti

voluttà dell’essenza se c’è sulla terra e fra tutti i nulla qualcosa da adorare, se esiste qualcosa di santo, di puro, di sublime, qualcosa che assecondi questo smisurato desiderio dell’infinito e del vago che chiamiamo anima, questo è l’arte. Gustave Flaubert

el babelico panorama dell’arte contemporanea si va delineando, dopo un secolo di velleitari avanguardismi e di deliri concettuali, una tendenza al rinsavimento nel recupero della cosiddetta figurazione, a lungo trascurata se non spregiativamente ricusata, quasi fosse essa stessa e non il suo tralignamento l’imperdonabile anomalia dei tempi. All’arte è estraneo l’assioma del progresso, discutibile concetto appartenente al tecnicismo, ed essendo essa il prodotto di un livello di intelligenza umana costante nel tempo – altrimenti oggi ci troveremmo al di là del superuomo – non conosce particolare evoluzione, ma solo innumerevoli espressioni di fantasie creative. I capolavori che l’umanità è andata accumulando nei secoli trascendono il loro contingente e diventano patrimonio universale e atemporale. Il busto di Nefertiti, il Galata morente, il Laocoonte: di quale progresso sarebbero suscettibili? La perfe-

zione formale e sostanziale che li caratterizza come potrebbe essere superata? Dovremmo forse considerare progresso i ritratti cubisti con le orecchie al posto dei nasi, l’inarrestabile diluvio degli scarabocchi, i nauseanti intrugli di colori, i baffetti posti a La Gioconda? O non ritenerlo solo umiliante decadimento nella smaniosa rincorsa del nuovo ad ogni costo? Molti pittori saprebbero oggi rifare Mondrian e Malevicˇ, quanti Leonardo e Dürer? “L’arte cammina ma non evolve – osservava Felice Casorati – e sa dove arrivare”. E l’arte, come ogni seria professione, non può nascere dall’improvvisazione, richiede studio, applicazione. Disegnare è l’imperativo categorico di ogni vero artista, è la grammatica indispensabile per riuscire ad esprimersi, per riuscire a fare “quello che si vuole e non quello che viene”, necessità tralasciata dalle odierne accademie, i cui docenti, fuorviati da insen-

satezze moderniste, non sono in grado di insegnare quello che non hanno mai imparato a fare. Giuliana Susterini ha seguito con istintiva passione, senza nulla concedere alle mode, la vecchia e lunga strada formativa del disegno nell’assecondare quella particolare propensione che spinge alcuni eletti ad esprimere con immagini le suggestioni generate dal mondo reale. Una costante tensione al perfezionamento ha portato Giuliana a frequentare a Salzburg il corso di Gerda Fassel alla Sommerakademie fondata da Kokoshka e a Trieste Il Laboratorio di Paolo Cervi Kervischer, ma, conquistata dall’interessante testo filosofico “Perché figurativo” e dalla sua feconda genialità artistica, determinante è stato per lei l’incontro con il Maestro Mario Donizetti, in grado di far davvero fiorire e felicemente sviluppare il suo talento. Osservando i lavori della Susterini, in particolare le sue nature morte, che all’impressione di straordinario svelamento di un archetipo assommano malie di velature, avvertiamo nella trasfigurazione plastica degli oggetti, sedotti dalla euritmia delle forme e delle cromie, l’irradiarsi di una segreta energia in curioso contrasto con la loro inerte, funerea accezione. “Pera cotogna”, ben altro che algida riproduzione mimetica, è una delle opere che suscita tale straniamento emotivo, risultato di una immaginifica riorganizzazione intellettuale del soggetto contemplato, intuendone l’essenza, captando l’idea platonica del frutto. La “foglia secca” non è solo emblematica allusione all’inesorabilità del tempo nel rattrappirsi solitario di

una foglia o alla struggente agonia autunnale, è anche rappresentazione della disperante provvisorietà del tutto, della nostra insignificanza, o forse ancora dello spasmo interrotto di una scarna mano morente nel vano sforzo di aggrapparsi alla vita. E “more”, esiguo tralcio di rovo che spunta da un muro di tufo, con tonalità malinconiche e lievi, rievoca proustiani sapori d’infanzia e spinose punizioni di graffi; e “limone”, dal cadaverico pallore che, in riverso abbandono, insensibile all’inutile fedeltà di una foglia affranta, compendia la rassegnata apatia di un vecchio stanco di vita. Non meno degni di nota i disegni di nudo che Giuliana realizza con l’impegnativa tecnica, mutuata dal Maestro Donizetti, della punta d’argento su tavola trattata con particolari accorgimenti da lui riesumati e sapientemente perfezionati, disponibili anche nei preziosi corsi in rete del suo generoso Museo Scuola. Il corpo umano è infatti l’altro prediletto argomento di ispirazione della Susterini, colto in tutte le sue mutanti condizioni. “Bow grip” ha come protagonista il braccio energico del musicante, carnalità pulsante nel virtuoso, dinamico fluttuare dell’archetto, trionfante di sonora luminosità sulla nera pece del fondo. Opere ponderate, percorse da un fine lirismo, che invitano alla meditazione, a dimostrazione che l’arte non è inutile, ma elevazione, consolazione e risarcimento di bellezza, mezzo sublime per esprimere i sentimenti e il tormento degli uomini, per tramandare quanto di più nobile l’umanità abbia saputo realizzare. Giovanni Serafini

The Sensual Pleasure Of The Essence if there is a single hallowed belief on the face of the earth and in the midst of all the nothingness, if there is something holy, pure and sublime, something which complements the immoderate desire for the infinite and the vagueness that we call the soul, it is art. Gustave Flaubert

n the chaotic panorama of contemporary art, after a century of unrealistic avant-gardes and conceptual deliria, a tendency is emerging towards a return to the senses in reclaiming what is known as representation, neglected for a long time or even contemptuously refused, almost as though it and not its degeneration was the unforgivable anomaly of the times. The axiom of progress, a debatable concept belonging to a focus on technique, is extraneous to art and as it is the product of a level of human intelligence which is constant in time – otherwise today we would have far surpassed the superman - it does not undergo any particular evolution, but only countless expressions of creative fantasies. The masterpieces that humanity has accumulated over the centuries transcend their contingent and become part of the universal and timeless heritage. Nefertiti’s bust, the Dying Galatian, Laocoön: to which progress would they be prone?

How could the formal and substantial perfection that characterizes them be bettered? Should we perhaps consider progress the Cubist portraits with ears in the place of noses, the unstoppable flood of scribbles, the nauseating concoctions of colours, the moustache added to the Mona Lisa? Or not consider it only a humiliating decadence in the scramble for what is new at any price? Many painters today could be another Mondrian or Malevicˇ, how many could be another Leonardo da Vinci or Dürer? “Art walks but does not evolve,” observed Felice Casorati, “and it knows where it has to arrive.” Art, like every serious profession, cannot be born out of improvisation, it requires study and application. Drawing is the categorical imperative of every real artist, it is the essential grammar to be able to express oneself, to be able to do “what you want and not what comes,” a need overlooked by today’s art schools, be-

cause their teachers, led astray by modernist foolishness, cannot teach what they have never learned to do. Giuliana Susterini has followed with instinctive passion, conceding nothing to fashion, the old and welltrodden educational path of drawing in complementing that particular inclination that pushes some chosen few to express with images the suggestions generated by the real world. Constantly aiming for improvement, Giuliana attended Gerda Fassel’s course at the Sommerakademie in Salzburg founded by Kokoschka and in Trieste Paolo Cervi Kervischer’s Il Laboratorio; but, won over by the interesting philosophical work “Perché figurativo” and its fertile artistic genius, her encounter with the Master Mario Donizetti, truly able to allow her talent to flourish and develop favourably, was decisive. Looking at the works by Giuliana Susterini, in particular her still lives, which in addition to the impression of an extraordinary revelation of an archetype there is the magic of hazy layers, we feel in the plastic transfiguration of the objects, seduced by the eurhythmics of the shapes and colours, that a secret energy radiates in a curious contrast with their inert, funereal acceptation. “Quince”, which is anything but a cold mimetic reproduction, is one of the works that arouses this emotive estrangement, the result of a highly imaginative intellectual reorganization of the subject contemplated, intuiting its essence and capturing the platonic idea of the fruit. The “dry leaf” is not only an emblematic allusion to the inevitability of time in the solitary shrivelling of a leaf or heart-wrenching autumnal agony, it is also

a representation of the despairing provisional nature of everything, of our insignificance, or perhaps also of the interrupted spasm of a gaunt dying hand in the vain effort to clutch on to life. And “blackberries”, a slender shoot of brambles sprouting from a wall of tuff, in melancholic and pale shades, evokes Proustian flavours of childhood and thorny punishments of scratches; and “lemon”, with its corpse-like pallor which, in supine abandonment, insensitive to the useless fidelity of a worn out leaf, sums up the resigned apathy of an elderly person tired of life. Just as worthy of note are the nudes drawn by Giuliana with the challenging technique, borrowed from the Master Donizetti, of a silver point on hardboard treated in a special way which he has re-exhumed and expertly perfected. This method is also shown in the invaluable online courses of his generous Museum School. The human body is the other favourite subject of Giuliana Susterini, seized in all its changing conditions. “Bow grip” features the energetic arm of the musician, the throbbing carnality in the virtuoso and dynamic rising and falling of the bow, triumphant with sonorous luminosity against the pitch black background. These works are pondered, with a fine lyricism running through them, and invite us to meditate, proving that art is not useless but elevation, consolation and compensation for beauty, a sublime means to express the feelings and torments of men, to hand down the noblest of humanity’s achievements. Giovanni Serafini

opere

armonico

路 25 x 25,5 tecnica mista 2014

pera cotogna

· 34 x 28 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, tempera all’uovo

mela e foglie

路 37 x 27 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, velature con colori organici

uva

· 48 x 40 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, tempera all’uovo

foglia secca (impermanenza)

* matita, pastello encaustizzato, tempera all’uovo

· 29 x 37 tecnica mista* 2014

mela cotogna

路 30 x 27 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, velature con colori organici

pera e noci

路 25 x 25 tecnica mista 2013

* matita, pastello encaustizzato, velature con colori organici

limone e foglie secche

路 27 x 30 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, velature con colori organici

more di rovo

路 25 x 35 tecnica mista* 2014

* matita, pastello, velature con colori organici

rose bianche

· 35 x 25 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, tempera all’uovo, velature con colori organici

nudo femminile

· 20 x 27,5 punta d’argento su tavola 2014

torso

· 55 x 45 tecnica mista* 2014

* matita, pastello encaustizzato, tempera all’uovo

Finito di stampare nel mese di novembre 2014 presso Le Poligrafiche San Marco - Cormons