Godoff num72 feb17 by Godot

voz en off por Sergio Díaz

Reflexiones y autocrítica Vivimos en la era de la sobreexposición. Todos en mayor o menor medida participamos de este circo y nos mostramos a los demás. Y mostrarse es asomarse a un mundo que te devuelve tu propia imagen, pero pasada por el tamiz de la gente que te mira y opina. Esta revista es una manera de exponerse. Y aceptamos por eso las críticas y las reflexiones que nos invitan a hacer quienes nos leen. Y tratamos que no caigan en saco roto. Hace pocos días un amigo lector nos invitaba a reflexionar sobre la diferencia de páginas que hay entre Godot y Godoff. Supongo que, ante nuestro afán de convertirnos en adalides del teatro Off en esta ciudad, nos quiso dar un toque de atención sobre el hecho real -aunque con ciertos matices- de que la parte de Godot tiene mucho más hueco en esta revista. Está claro que siempre prima esa parte dedicada al teatro de gran formato o más comercial. Hay muchos motivos, seguramente el económico es el que más pesa -no quiero ser cínico-, pero hay otros sobre los que podríamos debatir y que invitan a una reflexión verdaderamente importante sobre la escena Off madrileña. El caso es que no lo hacemos todo bien. No somos perfectos. Seguramente no todas las salas de esta ciudad, ni todas las compañías se sientan bien tratadas en esta revista, seguramente la II Edición de los Premios Godoff se podría haber hecho mucho mejor, seguramente no somos adalides de nada. Desde el comienzo hemos tratado de dar un hueco y hacer un poco más visibles el trabajo de gente que lo tiene algo más difícil. Ni en Godot ni en Godoff quizás hagamos las cosas de la mejor manera, pero sí que hay algo que no nos pueden discutir al editar cada mes esta revista: el corazón y las ganas que le ponemos al hacerla.

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sumario voz en off.3 la sección.4 premios godoff.6 moscú 3442km.14 modelos animales.16 las planchadoras.18 bienvenido a mi vida.19 último tren a treblinka.20 la onironauta.21 el bazar mágico de jaime figueroa.23 20 años El Curro Dt.24 terceto para dos sillas.25 foto portada: La sección, en el Teatro del Barrio. © G. Leloutre

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, David Hinarejos. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén Embrujo. COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Ka Penichet, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Nico Guau. IMPRIME Exce Consulting Group. DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010. La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

sobre el adoctrinamiento femenino por Ka Penichet

“Mientras sigan educando al hombre de una manera y a la mujer de otra... no habrá igualdad” La Sección

FOTO: © G. Leloutre

Jessica Belda, Manuela Rodríguez y Natalie Pinot interpretan esta obra sobre mujeres, dirigida por Carla Chillida y escrita por la propia Belda junto a Ruth Sánchez González. Teatro del Barrio Hasta el 23 de febrero Teatro del Barrio, en su afán por seguir dando visibilidad a las mujeres a lo largo de la Historia, apuesta por La Sección, un montaje en coproducción con A tiro hecho que nos hace reflexionar sobre la influencia que causó en las mujeres La Sección Femenina y cuyas consecuencias sigue arrastrando nuestra sociedad actual. Este montaje pone el foco de atención sobre tres figuras claves en el desarrollo de la misma: Mercedes Sanz de Bachiller, Pilar Primo de Rivera y Carmen Polo. Hablamos de este proyecto con su directora Carla Chillida, una de las dramaturgas, Jessica Belda (la otra es Ruth Sánchez González) y con las intérpretes, Natalie Pinot y Manuela Rodríguez (la tercera es la propia Belda). La propuesta que vi el día del estreno fue tan sólida que parecía que llevabais mucho tiempo trabajando detrás de este proyecto… Natalie: Depende de quiénes, porque yo me incorporé a este proyecto hace dos meses pero

sé que el resto del equipo lleváis más. Manuela: Quizás hay dos fases diferenciadas. La primera, de creación del texto, ahondando en la documentación, que es un trabajo entre Jessica y Ruth. Pero en lo que es el montaje y los ensayos llevamos dos meses. Carla: Yo el trabajo de puesta en escena lo tenía muy claro. Como había pocos ensayos hemos venido con el trabajo ‘a tiro hecho’ (risas). Cómo se gesta la puesta en común de la selección de textos y la propuesta dramatúrgica. Carla: Jessica y yo habíamos trabajado juntas en los ensayos así que en los recortes ha sido ella la que ha metido tijera. Mi intención era respetar cada coma. De hecho, es la primera vez que trabajo con un texto tan cerrado porque nosotros hacemos teatro más experimental y usamos textos dependiendo de las necesidades que nos surgen en escena. Jessica: Porque estás ahí y hay cosas que tú

FOTOS: David Ruíz

misma ves que no te encajan. Carla ha sido muy respetuosa, he tenido que convencerla para cortar ciertas cosas. Con Ruth hubo un diálogo maravilloso y nos entendimos bien. Nunca habíamos trabajado juntas y empezamos creando primero la estructura, luego dividiendo escenas y finalmente escribiendo. ¿Cómo habéis conseguido que los personajes lleguen a caer bien? Carla: No, no te equivoques, son las actrices las que te caen bien, que son adorables, no los personajes. Natalie: Yo creo que eso es lo interesante. Hay que defender al personaje en el escenario y generar esa contradicción. Que la gente piense y se coma un poco la cabeza. Jessica: La realidad es que las mujeres que participaban en La Sección y que acudían a las reuniones estaban encantadas. Algo tendría que tener. Lo que ocurre es que les estaban metiendo el adoctrinamiento de una manera muy amable. Eran encantadoras y las hacían sentir felices. Natalie: Tampoco todo era algo tan negativo. Mercedes cuando comenzó el auxilio social recogía gente de todos los bandos. El horror de eso es que luego se utilizó como para hacer una especie de armada nazi española de mujeres. ¿Creéis que entre ellas existía alguna rivalidad por parecer más ‘progre’? Jessica: No, porque se insultaban llamándose feministas. Manuela: Pilar dijo que ella no se iba a casar e hizo una vida bastante diferente a lo que eran los cánones, y Mercedes se casó dos veces y se dedicó a la política. ¿Cuál de las tres era el modelo de mujer de esa época? Natalie: Carmen Polo. Era la representación de la iglesia. Tuvo muchísima influencia sobre Franco. Es la menos defendible de las tres aunque cuando la interpreto la defiendo. Fue una mujer tremenda, no hay por dónde salvarla. Jessica: No hay que olvidar que a Mercedes y Pilar no se les reconoce por las influencias que pudieran causar en nadie, sino por ellas mismas y por el trabajo que hicieron.

¿Encontráis similitud entre ese momento histórico y el que os ha tocado vivir a vosotras? Jessica: Tengo compañeras que hacen de todo: las tareas del hogar y además desempeñan un trabajo fuera. Carla: Yo creo que se han recogido derechos, pero mientras nos sigan educando al hombre de una manera y a la mujer de otra, será complicado lograr la plena igualdad. Natalie: Es verdad que estamos mejor pero hay mucho por hacer todavía.

La noche del pasado 31 de enero celebramos en los Teatros Luchana la II Edición de los Premios Godoff, una gala -dedicada a los recientemente fallecidos Delia Vime y Rikar Gil- que organizamos para seguir visibilizando, reconociendo, estimulando y festejando la escena Off teatral madrileña. Los Teatros Luchana se quedaron pequeños ante la afluencia de invitados (300 personas) que no quisieron perderse este evento. Y lo primero que queremos hacer es agradecer a todos los asistentes y a todos los que hicieron posible que esa noche sucediera como sucedió (a todo el personal de los Teatros Luchana, ticketea, Estrella Damm, Lemon Press, El Laurel Natural, Ediciones Antígona, Ediciones Acto Primero, Exce Consulting, Enrique Tomás, Birdy Vídeos, Marta Cariño y Codorníu). Lo segundo que queremos hacer es pedir disculpas a todos los que quisieron acudir y no pudieron. La fiesta de entrega de los II Premios Godoff, fue un evento divertido y ameno, conducido por Virginia Riezu, actriz de largo recorrido que se ganó a todo el auditorio con su carisma y desparpajo (una de las estrellas de la noche). Las actuaciones de los miembros de la Compañía Improclan y la ambientación musical del inclasificable dúo formado por los actores/

músicos Richard Collins-Moore y Miguel Magdalena (componente de Ron Lalá), fueron el contrapunto ideal a las emociones que todos los ganadores compartieron al recoger sus premio en una gala que contó con la dirección artística de María Morales, que supo ensamblar todos los elementos de forma magistral para que los asistentes disfrutaran de las casi dos horas que duró. Las otras estrellas de la ﬁesta fueron, por supuesto, los ganadores en las distintas categorías. En esta edición el premio a la mejor obra fue, ex aequo, para La tempestad (Teatro de la Puerta Estrecha) e Historias de Usera (Kubik Fabrik). José Gonçalo Pais, ganador del premio como Mejor Intérprete Hombre también por su trabajo en La tempestad, compartió con el auditorio su experiencia como joven actor portugués que llamó a la Puerta Estrecha para trabajar como voluntario y ha acabado siendo reconocido por su gran trabajo en este montaje dirigido por César Barló. El premio a la Mejor Intérprete Mujer fue para Esperanza Pedreño, por su impresionante trabajo en Mi relación con la comida (Teatro del Barrio) y al recoger el premio se lo quiso dedicar al gran crítico y periodista teatral Pepe Henríquez. Gon Ramos ganó el Premio Godoff a la Mejor Dramatur-

gia por ese fenómeno teatral que ha sido Yogur/ Piano (Espacio Labruc), un trabajo de creación colectiva que ha sido una de las grandes sorpresas teatrales del 2016. La obra Criatura (Nave 73) fue la ganadora del Premio Godoff Lemon Press a la Mejor Pieza de Danza/Performance. Consuelo Trujillo, Laurá Barceló y Borja Maestre fueron los encargados de recoger el galardón. Las palabras de Borja Maestre sobre el valor de las diversidad de las personas, y sobre las diﬁcultades de ser un niño de pueblo acosado por ser diferente (al gustarle la danza) hicieron que los aplausos de los asistentes sonarán con mucha más fuerza (con toda la fuerza del teatro para cambiar las cosas y moldear los sueños). Pero sin duda la persona que consiguió poner al público de pie fue Pamela Palenciano, la ganadora del Premio Godoff ticketea del Público por No sólo duelen los golpes (Volta Café y Teatro del Barrio), un monólogo teatral que narra la experiencia vivida por la propia Pamela con una pareja que le

sometió a maltrato. Pamela subió al escenario y consiguió emocionar al auditorio con un discurso lleno de fuerza, esperanza y ganas de luchar. Emocionada tras recibir el premio, en pie delante de todos, demostró que es una mujer valiente y que tiene una sonrisa que iluminó verdaderamente la noche y que hizo que todo esto tuviera aún mucho más sentido. Desde la revista Godot hemos trabajado muchos meses para intentar que esta II Edición de los Premios Godoff saliera bien y que todo el mundo lo disfrutara. Fue una ﬁesta para ellos y ellas, los que se dejan la piel cada noche sobre un escenario, los que se sientan a escribir en la soledad de un escritorio, los que levantan una sala a pesar de las diﬁcultades. Esperamos seguir creciendo y poder premiar en ediciones sucesivas a los que cosen, iluminan, peinan, maquillan, los que actúan para los más pequeños... Esperamos poder seguir celebrando que la vida es un gran teatro y esperamos seguir haciéndolo con todos vosotros. Vamos a por la tercera edición. Sergio Díaz

Si queréis ver todos los vídeos de la gala y ﬁesta posterior y todas las fotos visitar nuestro facebook, twitter e Instagram. FOTOS: Luis Fuentes Valery VIDEOS: Birdy Videos

Empezando por arriba y de izquierda a derecha: Virginia Riezu, gran maestra de ceremonias de la gala; Miguel Magdalena (componente de Ron Lalá); Richard Collins Moore; y la compañía Improclán; en el medio una vista general del auditorio; debajo Fernando Sánchez-Cabezudo recogiendo el premio a la Mejor obra por Historias de Usera; Eva Varela Lasheras recogiendo el premio a la Mejor obra por La Tempestad; y Gon Ramos recogiendo el premio a la Mejor dramaturgia por Yogur/Piano.

Por arriba y de izq. a der.: Saray Neila y Adriana Lerena de Lemon Press; los componentes de Criatura (Premio Godoff Lemon Press a la mejor obra de Danza/Performance); y Pamela Palenciano recogiendo el Premio Godoff ticketea del Público por No solo duelen los golpes; en el medio Esperanza Pedreño recogiendo el premio como Mejor intérprete femenina; y José Gonçalo Pais como Mejor intérprete masculino; debajo Aitor Moriyón del dpto. de prensa de ticketea y Javier Andrés, fundador y CEO de ticketea, entregando el Premio del Público; y Virginia Riezu.

De arriba a abajo y de izq. a der.: Equipo de la obra Rubias; María Morales; Iker Azkoitia y Eduardo de los Santos, de la Sala Nada; Pamela Palenciano con sus acompañantes; José Troncoso y Ana Turpin en el centro; Anna R. Costa, Pilar Gómez y Noelia Adánez; Nuria Tomás y Queral Riera con nuestra directora comercial, Marisa Navajo; y los Jamming.

De arriba a abajo y de izq. a dcha.: Luz Valdenebro; Hugo NIeto y Fran Perea; el fundador de ticketea, Javier Andrés y miembros de su equipo; Eva Isanta; Bárbara Santa Cruz y sus acompañantes; el equipo de Historias de Usera, con Fernando Sánchez-Cabezudo en el centro: Sara Moraleda, Sauce Ena, Pablo Espinosa y Raquel Quintana; y Nur Levi junto al programador de los Luchana, Juan Jiménez.

La Asamblea de Teatrófagos, o lo que es lo mismo, el Jurado de los Premios Godoff. De arriba a abajo y de izq. a dcha.: Miguel Gabaldón, Miguel P. Valiente, Luis Portales, Carmen Colino, Clara Morales, Ka Penichet, Raúl Losánez, Daniel Galindo, Conchita Piña, David García, Arantxa Vela, Antonio Alonso, Jesús Melones, Fidel Bolo y Álvaro Vicente.

¿cuál es la distancia a la felicidad? por Ka Penichet

Patricia Benedicto

“Nos prometieron que íbamos a ser felices y eso no termina de hacerse realidad” Patricia Benedicto comenzó a hacer teatro a los 17 años. Después de pasar por la escuela de interpretación de la Cuarta Pared descubrió que ser actriz no estaba hecho para ella porque sufría mucho al exponerse todo el rato. Dice no considerarse dramaturga porque escribe como una parte más de la puesta escena. Acabando de estudiar dirección en la RESAD comenzó a rondarle la idea de Moscú (3.442 Km) por su cabeza. Moscú es todo lo que soñamos ser. Aquello que anhelamos que se haga realidad pero que por unos motivos u otros terminamos procrastinando. El texto transita por emociones o frustraciones que todos en algún momento de nuestras vidas nos hemos cuestionado y Las tres hermanas de Chejov simplemente se convierten en una excusa para ahondar sobre ellas. Cuidado porque sabe perfectamente que clavijas presionar para conseguir que salgas de la función replanteándote tu vida. Moscú (3442 Km), surge de una crisis existencial… Empecé a pensar en esta obra en mi último año de carrera en la escuela de arte dramático, hace más de 4 años. Lo que pasa es que se postergaba por otros proyectos. Moscú se convirtió en mi Moscú. Mientras tanto seguía investigando y me coincidió con una ruptura sentimental bastante dolorosa y un momento en el que también cambias de ciclo. De repente, no encontraba sentido a nada. No sabía si quería tener hijos o no, pero sí que tenía

Moscú (3442 Km) Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo protagonizan este texto escrito y dirigido por Patricia Benedicto Nave 73 Viernes de febrero

la necesidad de tener una familia. Me vi con 35 años y teniendo la sensación de que no tenía nada a lo que agarrarme. Tenía una profesión completamente inestable, relaciones que eran muy fáciles de dejar... ¿Crees que la crisis existencial de la que hablas es generacional? Creo que tiene que ver con el momento que estamos viviendo y creo que la obra tiene algo mío existencialista, pero sobre todo con que llevamos un montón de tiempo en crisis. Tengo la sensación de estar suspendida en algo que no termina de avanzar, que lo tienes que repensar todo... Nos prometieron que íbamos a ser felices o al menos nos lo vendieron y eso no termina de hacerse realidad del todo. También creo que no estoy a la altura de los tiempos que me han tocado vivir, porque no soy una activista, no estoy en primera línea plantando batalla contra las injusticias que nos envuelven. Yo lo hago detrás de un papel, que es una forma de hacerlo, pero no sé si la más necesaria en estos momentos... Moscú es una adaptación muy libre de Las tres hermanas de Chéjov, ¿por qué escoges este texto como inspiración? Fue un poco casualidad. Es verdad que se parece si ahondas mucho en el texto, porque todos

los temas están sacados de Las tres hermanas. Al principio era un poco una excusa porque me daba miedo lanzarme yo sola con mi texto y además, había mucho más texto del original. Sin embargo si ahora lo juntas todo creo que no hay ni una página del texto de Chéjov. Respeta los nombres y la idea de fondo, pero en el texto original eran tres mujeres y en mi montaje, uno de los personajes lo hace un hombre. Que sean tres mujeres pesa mucho y yo no quería hacer una obra feminista. Es un punto de vista de mujer porque soy yo y mi visión del mundo, pero no quería hacer una obra sólo con mujeres. Quería hablar del ser humano en general, de esa pérdida de ilusiones que nos acontece a todos a medida que nos vamos haciendo mayores. ¿Te consideras una persona feliz? Yo sí. (risas). Yo soy una persona bastante alegre. He tenido momentos de sufrir, de asumir que también te toca sufrir en ese momento, intentar que pase lo más rápido posible pero yo soy alegre; de carácter trágico porque el mundo me duele pero lo de vivir se me da muy bien. ¿Cuál es tu próximo Moscú? Tengo una idea de hacer una especie de tríptico sobre el amor y la construcción de la masculinidad y la feminidad.

a vueltas con la realidad y la ficción por Álvaro Vicente

Una creadora suelta en un escenario Nieve de Medina es una actriz con una gran experiencia a sus espaldas, pero acaba de cumplir 50 años y siente esa losa, no ya del tiempo, sino la de un sistema que aparta la experiencia y privilegia la belleza efímera de la juventud. Su cuerpo está cambiando, su única hija se ha hecho mayor y el teléfono no suena para ofrecerle trabajos dignos de su capacidad, su bagaje y su talento. Así que decide embarcarse en un viaje a Quebec para participar, gracias a una beca, en un ‘work in progress’ como dramaturga. Todo esto es verdad, o quizás no, o quizás hay trazos de verdad y trazos de ficción. Ese juego entre realidad y ficción vertebra absolutamente este montaje, un espectáculo con gran aparato tecnológico que nace del deseo de una actriz por buscarse a sí misma y del deseo de un director, Pablo Iglesias Simón, por experimentar con los límites del yo en escena.

Hacerse preguntas

“Hemos montado -comenta Pablo- algo que no sé si llamarlo falsa dramaturgia del yo o dramaturgia del yo difusa, pero lo que se propone es un juego en el que, a partir de un relato anterior ya existente (de Aixa de la Cruz), la actriz lo altera y entra a ser el personaje y cuenta la historia como si fuera algo que le está pasando a ella. El espectador sabrá qué es verdad y qué es mentira en la medida en que conozca a Nieve de Medina. Ella habla del viaje que hará -en futuro- a Quebec, pero luego se vive en escena como presente, va construyendo esa

realidad”. Así pues, el montaje se plantea como todo un reto, no solo para la actriz, sino para el espectador, que irá entendiendo la historia a base de hacerse preguntas. Eso significa que esta es una de esas obras que exige una espectador activo, dispuesto a vivir el viaje junto a la actriz. “No se sabe muy bien si me está pasando lo que está pasando, si puedo controlarlo o no, si lo estoy creando. Yo, aquí, como actriz, en escena estoy escribiendo mi propia función en tiempo real, la idea de ‘work in progress’ lo impregna todo al final”, señala Nieve de Medina.

El atractivo de la transformación

Modelos animales es un espectáculo que consigue, finalmente, entretener y emocionar al público, desentrañando las inseguridades que todos compartimos en los momentos de cambio. Se trata de embarcarse junto a la actriz en un viaje iniciático de transformación hacia la madurez. Al reto de aceptar el paso del tiempo, asumir lo dejado atrás y afrontar los desafíos que quedan por vivir. “A veces es duro que los sueños se conviertan en realidades, pero yo quería hacer algo como esto -confiesa Nieve-, algo que me implicara a mí personalmente, y lo hago por el viaje personal que supone para mí”. Interactuando con la tecnología, la actriz es el personaje encerrado en la búsqueda de sí misma, pero conectado con el exterior a través de las redes sociales. Relato contemporáneo, tragicómico, experimental y profundamente humano.

Modelos animales Nieve de Medina despliega todo su potencial interpretativo en este monรณlogo escrito y dirigido por Pablo Iglesias Simรณn a partir de un relato de Aixa de la Cruz. Sala Cuarta Pared Del 23 de febrero al 4 de marzo

estrenos

Libertad sin control Este montaje lo han realizado alumnos salidos de la gran cantera teatral que es Réplika Teatro, sobre una comedia premonitoria del dramaturgo Manuel Martínez Mediero. Premonitoria porque en ella el autor nos avanza los despropósitos que puede sufrir una sociedad en su ‘aperturismo’, en el paso de la represión a la ‘libertad’. Aunque se ha partido de la versión de 1974 publicada en Primer Acto, donde el tema se centra en la España de la Transición, en esta versión se ha tratado como universal, pues todavía en este mundo siguen cayendo dictaduras represoras que dan paso a la dictadura del consumo descontrolado y la obsolescencia programada. Este montaje muestra, como decía Mediero, una visión alucinante y onírica de esta distopía, donde el trabajo corporal y la acrobacia se unen a un texto y unos personajes caricaturescos en plena acción sin censuras.

¿QUIÉN TE CIERRA LOS OJOS? Sala Nave 73 Hasta el 22 de febrero

LAS PLANCHADORAS Teatro Réplika Del 4 al 25 de febrero

Tras el éxito cosechado con Danzad Malditos, Alberto Velasco toma las riendas de un nuevo proyecto dirigiendo este montaje -con dramaturgia de Félix Estaire- que permitirá acercar al público el legado de los sefardíes, los judíos españoles que permanecieron en la península ibérica desde tiempos inmemoriales y que tras su expulsión en 1492 supieron mantener gran parte de sus tradiciones. Mientras España se divide por la guerra, los dos protagonistas de esta historia: Ezra y Jarvia (José Polo y Ana Cañas) hablan de amor en un campo de girasoles. De su amor, un amor más fuerte que la metralla. Pero el deber empujará a Ezra al campo de batalla y eso hará que sus vidas se tambaleen. ¿Qué debe vencer, el amor o el deber?

Historia de una pareja

BIENVENIDO A MI VIDA Café Teatro Serendipia Desde el 12 de febrero

El Café Teatro Serendipia es un rincón cultural en la zona de Quintana, un espacio íntimo dedicado a las manifestaciones artísticas, que cuida a su público con montajes teatrales como éste escrito por Susana Mercado. Bienvenido a mi vida es una historia de amor con mucho más que amor. No es solo un ‘chico/chica’ sino que la dualidad entre ambos está presente toda la obra. Es una elección entre dos opuestos, es un conformismo frente a idealismo, optimismo frente a apatía, lucha frente a pasividad. En un momento como este en que vivimos rodeados de crisis, no solo económica sino también de valores, tenemos que posicionarnos. Pero los extremos no son buenos y no debemos dejarnos llevar por ideales demasiado atractivos como para ser ciertos. El equilibrio es la clave. El equilibrio. No existe nada más complicado de alcanzar.

En primera persona Ana Pimenta y Fernando Bernués son los creadores de este espectáculo, lo cual ya es una garantía de calidad absolutamente certificada para verlo. Último tren a Treblinka, con texto de Patxo Tellería y dirigido por Mireia Gabilondo, narra la fascinante historia de Janusz Kòrczak, doctor y pedagogo judío que regentaba un orfanato con doscientos niños judíos en el gueto de Varsovia. Con la colaboración de su inseparable Stefania Wilczynska, formó en aquel orfanato una verdadera república infantil en el que existían leyes, reglamentos y hasta un código penal. Un tema interesante -ya tratado ampliamente en otras producciones o en el cine-, la de héroes anónimos que se jugaron la piel por salvar la vida de otros, cuando lo más fácil era mirar hacia otro lado, en uno de los capítulos más oscuros del ser humano como fue el ascenso del nazismo al poder en Alemania (quizás dentro de poco hagan falta más héroes que aporten luz en épocas de nuevo oscuras). Y un tema que se podía haber abordado como tantas otras veces. Pero

al estar Pimenta y Bernués detrás de la creación, no se han conformado con la normalidad del teatro a la italiana y han creado una experiencia real, cercana y totalmente asimilable. Y es que los espectadores tienen que hacer de figurantes con sentimientos y se podrán meter en la piel de los pequeños de ese orfanato. Aposentados en sus literas o en las mesas donde se reunían, el espectador observará sus rutinas, su organización interna, sus miedos, sus alegrías... Asistirá a uno de los juicios por infringir las normas de comportamiento interno, y será también testigo del momento en el que reciben la más cruel de las noticias: deben abandonar el orfanato y dirigirse al tren que les conducirá al campo de concentración de Treblinka. Será difícil no imaginar ni sentir ese horror. Sergio Díaz

ÚLTIMO TREN A TREBLINKA Cuarta Pared Hasta el 12 de febrero

La esencia de los sueños

LA ONIRONAUTA DT Espacio Escénico 24 y 25 de febrero

Desirée Belmonte es la creadora de este espectáculo, cuyo origen tuvo lugar en un viaje de diez meses que realizó por Latinoamérica en busca de comunidades indígenas que se dedicaran a la interpretación de sueños. Las experiencias que vivió con las distintas comunidades indígenas y el impacto emocional y cultural que supuso para ella este viaje, conforman la esencia de este espectáculo, que es un viaje entre el sueño y la vigilia. Siempre sentada en un sillón giratorio encontramos a La Onironauta interactuando con el público y con los distintos personajes que formaron parte de los momentos más relevantes de su viaje, generando un íntimo vínculo con el público al compartir con ellos, no sólo sus hallazgos sobre los sueños, si no también vivencias de carácter más personal que la transformaron emocionalmente. S. Díaz

La lucha contra uno mismo

NOSOTROS Bululú2120 Viernes de febrero

Todos damos una imagen al exterior sobre la que los demás crean una opinión sobre nosotros, igual que nosotros la tenemos sobre ellos. ¿Soy yo? ¿Podéis verme? ¿Os dejo verme? No del todo, no dejo ver en realidad lo que soy, porque muchas de las imágenes que me devuelve el espejo no me gustan y no quiero mostrarlas. Me hacen vulnerable. Me hacen pequeño. Es un proceso largo conseguir aceptarse a uno mismo. Son muchos los personajes sobre los que nos escondemos para sobrevivir y ser aceptados por los demás, pero ¿qué pasa cuando me canso de agradar al exterior? ¿Cuándo las caretas empiezan a molestarme? ¿Cuándo quiero ser yo con mis lados buenos y malos? ¿Qué ocurre cuando eso pasa? Que por fin consigues ser una persona valiente y crecer. Por fin tu propia esencia se impone a los prejuicios y los miedos. Bella pieza de danza contemporánea de Input Danza. S. Díaz

Un barrio en el extrarradio de una gran ciudad. Iván, con diecisiete años, está a punto de salir del instituto. Álvaro, su padre, ve claro lo que desea para su hijo... Pero el conflicto abierto entre Iván y Marta, su profesora, le descubre una imagen violenta e inesperada del niño al que tanto él como su esposa -recientemente fallecida- criaron dándole todo. ¿Es esa imagen real? ¿Qué ocurre con Iván? La relación entre padre e hijo revienta y eso, paradójicamente, les coloca a todos -también a Marta- frente a la única solución posible: encarar las pérdidas, asumir errores y seguir adelante por brutal que resulte la realidad. En definitiva, crecer. Javier de Dios ha escrito y dirige este texto sobre esa edad tan complicada -el paso de la adolescencia a la madurez- en la que se forjan las personalidades y se escogen los senderos que nos harán transitar por los caminos correctos... sean éstos cuales sean.

FOTO: Javier Naval

Retrato de juventud

IVÁN Sala Tú Sábados y domingos de febrero

Viaje al corazón de la magia

EL BAZAR MÁGICO DE JAIME FIGUEROA Teatro Off de la Latina Sábados y domingos

En el Off de la Latina cuidan mucho a su público programando espectáculos variados para todos los gustos. Pero cuidan sobre todo al público más exigente, a los más pequeños. Y El Bazar mágico es una buena muestra de ello. Es un espectáculo de magia para todos los públicos del gran mago Jaime Figueroa, en colaboración con la reconocida compañía Telón Tolón, sobre textos de Rafael Boeta Pardo... Ya sólo por estos detalles se nota que es un espectáculo creado con mucho cariño y con intención de hacer algo muy especial. Al entrar por la puerta de este increíble bazar, nuestro excéntrico anfitrión-charlatán-mago nos hará viajar hacia los orígenes del enigmático arte de los juegos de manos, el ilusionismo y la prestidigitación, para hacernos creer en la magia, en la magia de verdad, en esa que siempre provoca una sonrisa de asombro.

20 años El Curro DT Son 20 años los que lleva este grupo de actoresbailarines dando el callo por los escenarios. 20 años desde que se les pudo ver, por primera vez, en el Teatro Pradillo dentro del Festival Madrid en Danza de 1997. 20 años innovando e investigando sobre propuestas dancístico-teatrales no convencionales. 20 años currándose cada creación para otros y para ellos mismos, ya que en 2001 abrieron su propio hogar: DT Espacio Escénico. Ahora es la Sala Mirador quien les acoge para que demuestren todo su arte en dos creaciones ya míticas (como son ya casi todas las que hace esta compañía). La primera que se podrá ver es La insigne monja Gerónima (la primera obra de la formación, 1997), que es un capricho coreográfico a propósito de la vida -y no de la obra- de la ilustre monja y poeta mexicana Juana Inés de la Cruz, que un día decidió hacerse monja para poder escribir, y que otro día tuvo que renunciar a sus letras para poder sobrevivir. El otro montaje es Lorca era maricón (2003), un

homenaje al hombre que había detrás de uno de nuestros más grandes poetas y dramaturgos. Un hombre que además de poeta y dramaturgo era maricón, que vivía y sentía como los demás -sólo que lo expresaba mejor que nadie- y por sentir y vivir su gusto por los hombres lo asesinaron. En este montaje vamos recorriendo amores, ilusiones, sueños y frivolidades de uno de los más grandes maricones que ha dado la historia (ojalá hubiera muchos más como él). Son 20 años haciendo lo que les sale de sus cuatro pollas y sus dos coños. Sergio Díaz

LA INSIGNE MONJA GERÓNIMA CNC- Sala Mirador Del 3 al 12 de febrero

LORCA ERA MARICÓN CNC-Sala Mirador Del 17 al 26 de febrero

Un trío imprescindible

TERCETO PARA DOS SILLAS Sala Montacargas Hasta el 1 de abril

Por fin podremos ver coincidir en la cartelera los tres últimos montajes de la factoría El Montacargas. Tres grandes obras ejecutadas por tres grandes nombres propios: Miguel Morillo como autor y director, y Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves como protagonistas y cabezas visibles de este proyecto que lleva 30 años dando que hablar. Este Terceto para dos sillas, esta trilogía sobre clásicos y derivados comienza con Perra vida, dulces sueños (3, 4, 24 y 25 de feb.), que se inspira en La vida es sueño de Calderón y habla de la cárcel del trabajo y las emociones y la libertad de los sueños. El río en llamas (en la foto, 10 y 11 de feb) está inspirada en Macbeth de Shakespeare, y trata de la ambición, la corrupción y el poder. Cierra la trilogía Mambo, (17 y 18 de feb.), obra inspirada en Medea de Eurípides, que es la historia de una traición. Mejor dicho, dos.