Godoff num73 mar17 by Godot

voz en off por Sergio Díaz

Teatro de palabra Cuando termina la función tengo la suerte de poder charlar con la dramaturga y autora del texto que acabo de ver. Le doy mi enhorabuena y ella me sonríe agradecida pero ausente. Aún tiene en la cabeza el trabajo que acabamos de ver y me comenta que ha habido algún fallo técnico, algún desajuste... Yo la verdad es que no me he dado cuenta de eso. Por eso no soy crítico de teatro. Yo sólo puedo agradecerle el pedazo de texto que acabo de disfrutar. Un texto que me hubiera encantado firmar a mí. Y es que me encanta el teatro, pero siempre he sabido que soy un mero aficionado. Que me falta mucho por aprender. Lo que de verdad me apasiona es la palabra. Soy un amante de la palabra y por eso mi vida siempre ha girado en torno a lo que siento y verbalizo. Siempre han marcado la pauta canciones, libros, poemas y dramaturgias como esta, que me ponen delante de un espejo para que me mire, me desnude y aprenda a saber quién soy y lo que quiero. El texto se llama Moscú (3.442 km). La dramaturga es Patricia Benedicto. Las actrices y el actor hacen un trabajo estupendo y por eso han conseguido no sacarme de la obra en ningún momento. Y el significado de sus palabras ha resonado en mi cabeza durante días. El retrato perfecto de mi generación, o al menos de lo que es mi vida. Un retrato sobre la felicidad, sobre cómo conseguirla, sobre lo que hacemos o dejamos de hacer para alcanzar ese momento de plenitud vital. Gracias a textos como este, a palabras como estas, me doy cuenta de que soy un ser en permanente búsqueda. Quizá perdido, pero no inmóvil, porque siempre soy capaz de avanzar. Siempre siguiendo el camino que me marcan las palabras.

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sumario voz en off.3 retablo de espera.6 30 años Cía. Montacargas.10 íñigo guardamino.14 festival visibles.16 mínima espacio escénico.18 la usina.20 bobby milk.21 la voz hermana.22 uz, el pueblo.22 salvador.23 foto portada: Retablo de Espera, en la Sala Mirador.

el día del teatro

Pasacalles y actividades en Lavapiés Con motivo de la Celebración del día mundial del teatro que se celebra el 27 de marzo, la Red de Teatros de Lavapiés, con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y el Centro Dramático Nacional, ha organizado varias actividades en el barrio. Sin duda, el evento principal será el Pasacalles con actores y actrices, músicos y acróbatas que recorrerá las calles y plazas de Lavapiés festejando el teatro el domingo 26. El recorrido se inicia en la plaza del Museo Reina Sofía y marchará por la calle Doctor Fourquet y calle Argumosa hasta llegar a la plaza de Lavapiés donde se realizará la primera acción de Teatro Periódico. Al término, se reanudará la marcha por la calle Lavapiés, calle del Amparo, cruzará la plaza de Nelson Mandela, bajará por calle Mesón de Paredes y llegará a la plaza Agustín Lara -Escuelas Pías y mercado de San Fernando- donde se realizará una segunda acción de Teatro Foro. Finalizada la acción se inicia la marcha por calle Sombrerete hasta llegar nuevamente a la plaza de Lavapiés. Delante del Teatro Valle-Inclán se hará lectura del mensaje del Día Mundial del Teatro y se realizará la traca final. Para los profesionales de las Artes Escénicas el Día Mundial del Teatro significa que la sociedad necesita más teatro. Teatro del que ilumina y construye, del que aporta cultura. Por eso, sacarlo a pasear por las calles es una fantástica oportunidad de acercar el teatro a todo el mun-

do. Tomar nota porque comenzará a las 12h y se prolongará hasta las 14h30, aproximadamente. Un día antes, el sábado 25, empezarán las actividades con un encuentro con los diferentes equipos artísticos de los Laboratorios de creación LAC17 en el Teatro Valle Inclán a las 12h30. Ya el lunes se realizará a partir de las 12h. en el Teatro María Guerrero el encuentro Aquellos actores incansables. Un homenaje a José Bódalo y a toda una generación. En colaboración con Ediciones CVC habrá una mesa redonda moderada por Carlos Arévalo, con Emilio Gutiérrez Caba y María José Alfonso, entre otros. (Sala Grande). Por la tarde dos eventos diferentes: por un lado a las 20h. -también en el María Guerrero- tendrá lugar Joglars, 55 años de vida de la compañía, breve representación, coloquio y proyección del documental dedicado al 55 aniversario de la compañía; y por otro, también a las 20h., en el teatro Valle-Inclán, se producirá el Encuentro en torno a la dramaturgia española actual, en colaboración con Ediciones Antígona con José Luis García Barrientos y Ana Fernández Valbuena, entre otros. En ese mismo acto se realizarán lecturas dramatizadas de fragmentos de Juan Mayorga, Sergi Belbel, Angélica Liddell, Rodrigo García, Ernesto Caballero, Antonio Álamo y Lluisa Cunillé y habrá una mesa redonda moderada por José Luis García Barrientos y encuentro con el público.

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actitudes vitales inadvertidas por Ka Penichet

“La cotidianidad está llena de espera” Nos pasamos la vida esperando a que llegue el metro, a realizar el viaje de nuestros sueños, a que alguien nos conteste ese mensaje que tanto nos importa, a que nos den un resultado médico... y cuando lo materializamos volvemos a sentir la necesidad de esperar por alguna otra cosa. Retablo de espera es un trabajo multidisciplinar producto de la unión de profesionales que pueden presumir de una larga amistad como son el venezolano Guillermo Womutt, autor del texto tras muchas horas de vuelo dedicadas a reflexionar sobre qué esperamos, qué nos genera la espera, cómo la construimos y hacia dónde nos lleva, junto a la escenógrafa Elisa Sanz y la coreógrafa Mónica Runde. La puesta en escena, inspirada en Bill Viola, hace convivir en el escenario a tres actores y tres bailarines (Mónica Runde, Nur Levi, Teresa Rivera, Inés Narváez, David Blanka y Franklin Dávalos) con las videocreoaciones de Álvaro Luna y Bruno Praena. Mantuve un encuentro con Guillermo, Elisa y Mónica para hablar de todo el proceso de creación de esta pieza que se estrenará el 9 de marzo en la Sala Mirador. ¡Presiento que esta espera va a merecer la pena!

videos o la música se crean respondiendo a los dictados del texto? Elisa: No necesariamente, en diferentes ensayos hemos trabajado solamente sobre el concepto espera, sin texto. Guillermo: Hay uno de los videos que llamamos ‘Entrevistas’ donde preguntábamos: “Tú, ¿cómo esperas? ¿Dónde se manifiesta en ti?”. Y por ahí es por donde comenzamos a trabajar. Confiamos mucho en la trayectoria que tenemos cada uno. Yo hablo de la experiencia que tengo y si eso le funciona a Mónica, a partir de ahí empieza a crear.

Es un trabajo multidisciplinar producto de la unión de profesionales que pueden presumir de una larga amistad

¿Sobre qué disciplina habéis realizado el montaje, por ejemplo, la coreografía, los

Elisa: Guillermo hizo un texto muy largo que escribió con todo su... (Pensativa) Guillermo: ...con todo mi amor (Risas). Me acuerdo de una frase de Israel Elejalde que decía que para hacer cultura hoy en día hay que ser un kamikaze. Yo estoy de acuerdo. Entonces, ¿podemos decir que veremos funciones donde exista improvisación? Guillermo: Cada ensayo tiene una hora de

FOTO PORTADA Y FOTO DE ESTA PÁGINA: Lisbeth Salas

clase antes. No hay improvisación, hay un rigor dentro de lo que se hace. Por ejemplo, yo empezaría la función con la hora de clase. Elisa: Yo, por ejemplo, en todas las producciones en las que últimamente estoy, los ensayos que comienzan con una hora de lo que sea son increíbles, por generar, por compartir... La espera es un concepto universal, ¿quién no ha esperado algo en algún momento de su vida? Mónica: Cuando no es el autobús, es que alguien te llame, es que se haga el café... Nos dimos cuenta que nos pasábamos la vida espe-

rando cosas pequeñas o cosas muy importantes. Pero siempre esperando. Son conceptos de espera que van desde lo chiquito a lo trascendental. Guillermo: La cotidianidad está llena de espera. Elisa: No somos capaces de esperar ahora mismo. Estás siempre con el móvil, si no estás en un no sé qué. En realidad no estás esperando con la posición de esperar y mirar, eso se ha ido perdiendo. Observar a la gente esperando en las situaciones más cotidianas, te permite descubrir movimientos, momentos, tics incluso...

FOTOS: Beatriz de Torres

¿Qué tipo de connotaciones tiene para vosotros la espera? Elisa: Yo he descubierto que si eres consciente de ella la espera es buena. Mónica: Yo creo que en el texto se ve la espera desde muchos aspectos. Yo soy a la que más le gusta esperar. Yo me siento, me evado, pienso en mis cosas... incluso me molesta que perturben mi espera. Guillermo: Hay una necesidad también incluso por trayectorias y por conocernos, de compartir cada una de estas cosas, por comentarnos cómo espera cada uno de nosotros. Yo soy muy ansioso y necesito contarlo todo. Si por ejemplo yo estoy en un concierto cuento cuántos chelos hay, cuántos violinistas,… yo lo cuento todo. Los números a mí me hablan, sobre todo mientras espero.

bailar. Lo bueno es poder escuchar al otro y aprender. En este trabajo yo he aprendido a escuchar otras disciplinas; no a mis amigos, sino a mis amigos que representan otras disciplinas. Creo que eso se podrá ver reflejado en las funciones. Hay muy buen ambiente de trabajo en el equipo por lo que contáis... Elisa: Buen rollo como tal no, porque cuando trabajas con amigos -he de confesarlo, lo siento-, hay veces que te dan ganas de decir “lo

“La espera es un concepto universal, ¿quién no ha esperado algo en algún momento de su vida?”

¿Has aprendido algo con este trabajo? Guillermo: Yo he aprendido en este trabajo que la danza me hable, la escenografía me hable, el vídeo me hable y que un actor que se está incorporando a esto también me hable. Y eso es la vida. Yo no tengo ni la menor idea de dar una indicación a alguien que va a

voy a matar” pero no se lo voy a decir (risas). Eso también mola, bueno no mola pero en ese conocimiento te reconoces tú y por algo somos amigos. Guillermo: La amistad no está en juego porque haya divergencias. Eso da mucha tranquilidad.

FOTO: Lisbeth Salas

¿En estos momentos de vuestra vida a qué estáis esperando? Elisa: Yo a jubilarme. Mónica: No me va a llegar a mí y soy la mayor. (Risas) Guillermo: Yo espero salud y espero mucho de no tener que esperar. Estoy en una etapa en la que lo único que quiero es pensar de aquí a una semana. Estoy en eso ahora. Mónica: Ahora mismo lo que espero es disfrutar la vida y

poco más. La vida me la he currado mucho pero ahora mismo me encuentro en un punto en el que me siento muy cómoda. A nivel profesional, creo que he llegado a donde quería con lo cual de la profesión no espero nada. Tendría que esperar de los políticos, pero ya he aprendido a no esperar nada de ellos, con lo que estoy muy relajada. Vivo de mi profesión y elijo los trabajos.

Retablo de espera Obra multidisplinar con dramaturgia y dirección de Guillermo Womutt y coreografiada por Mónica Runde, que la interpreta junto a, entre otros, Nur Levi, David Blanka y Teresa Rivera. Sala Mirador Del 9 de marzo al 2 de abril

30 años de compromiso... teatral por Sergio Díaz

Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves

“Los años 80 eran un hervidero de propuestas e innovaciones. Todo era posible” Aurora Navarro y Manuel Fernández Nieves están celebrando sus 30 años como compañía. Primero como La Torre Infiel. Ya después con el sello de El Montacargas como bandera. Un proyecto honesto, independiente y comprometido de estos dos maestros de la escena teatral madrileña.

¿Por qué decidisteis marchar a Francia a principios de los 80 tras licenciaros en la RESAD? Habían salido entonces unas novedosas ayudas del Ministerio de Cultura para ampliación de estudios teatrales en el extranjero y vimos una buena oportunidad. Habíamos estudiado en la RESAD con William Layton y una opción era irnos a Nueva York para poder profundizar en el ‘Método’. Pero decidimos que era mejor probar con las nuevas corrientes de Teatro de Gesto y Movimiento que se estaban desarrollando en París con Lecoq y Gaulier, para tener un abanico amplio de herramientas como actores, Método y Movimiento. De ahí salió nuestro primer espectáculo Bouge pas, poupee, estrenado en el 87, que era un show de clown, malabares, acrobacia, títeres, comedia dell’Arte y bululú, con música de Chaplin. Fueron unos años maravillosos. ¿Cuáles eran la premisas –esas líneas maestras que no habéis abandonado- al iniciar el proyecto de La Torre Infiel? Un teatro contemporáneo, compro-

metido con su época y su sociedad, fundamentalmente lúdico y directo, donde el disfrute de los actores en escena se transmite al público en una catarsis colectiva de carcajadas y reflexión a un tiempo, sin necesidad de grandes medios técnicos, porque el autor y los actores cobran la mayor importancia, dando tanto valor al texto como al gesto. El Montacargas ha sido una sala de referencia en el teatro de gesto y el clown. ¿Qué tenía Jacques Lecoq para haber dejado esa impronta? Tanto él como Philippe Gaulier tenían una nueva visión del teatro en la que el texto pasaba a segundo plano, era el actor, como “creador”, como instrumento vivo. Se trabajaban mucho los recursos del cuerpo, de la voz y la presencia escénica, como impacto directo al espectador. Para Lecoq eran fundamentales los recursos físicos para buscar otros lenguajes escénicos y para Gaulier la identificación inmediata con el público (“Es más importante el placer de jugar que la psicología del personaje”, era su máxima).

No resulta fácil entrevistar a Íñigo RodríguezClaro (foto marco blanco pág. izq.) justo al día siguiente de verlo interpretando al Sr. Flores en Todo el tiempo del mundo. Lo hacemos en la cafetería de Nave 73, el mismo sitio que acogerá su próximo trabajo esta vez como director: Fuera de juego, un texto del dramaturgo Enzo Cormann basado en la historia real de un ingeniero que se queda fuera del sistema laboral.

Volvéis a Madrid a finales de los 80. ¿Cómo era la escena madrileña en aquella época? ¿Qué diferencias hay con la de ahora? Los años 80 eran un hervidero de propuestas e innovaciones, todo era posible. Ahora, muchas de esas innovaciones se han ido asentando y se sigue investigando, más que nunca, aunque todo tiene un aire más formal, menos gamberro y atrevido. Compañías profesionales nuevas con dramaturgos nuevos (Nancho Novo, Onetti, Ignacio del Moral, Ernesto Caballero, Morboria, Atracciones ambulantes, Producciones marginales... éramos todos de la misma generación creativa y cercanos a la Resad) nos encontramos con un desierto para la exhibición de nuestras propuestas, sólo existían las salas comerciales y los teatros nacionales. Así que nos vimos abocados a abrir

espacios alternativos de exhibición, lo que dio lugar al fenómeno de las salas alternativas. Sin dinero, sin conocimientos empresariales y con muchas ganas de actuar y que actuaran otros, abrimos espacios que eran hervideros de creación e innovación. Desgraciadamente, la falta de medios, de políticas claras de desarrollo de la actividad y la torpeza y desidia de muchos de los responsables a alto y medio nivel, así como la trágica descompensación entre la mucha oferta y la poca demanda siguen presentes, entonces como ahora. Además, en el caso de nuestra Comunidad, nunca se ha apoyado la producción madrileña como tal. Siempre habéis sido una compañía y una sala muy comprometida socialmente. ¿El teatro es una fuerza transformadora?

El Montacargas. 30 años en Compañía Noviembre, de Achero Mañas, ha sido una de las películas que más ha marcado mi vida. Pasión por vivir. Pasión por hacer las cosas con pasión. Por eso mi máximo respeto por aquellos maestros que hicieron del teatro su vida. Que inventaron lenguajes escénicos en tiempos del boca a boca y del barrio a barrio, cuando no había hashtags ni TT. Mi respeto por gente como Aurora y Manuel, que llevan 3 décadas dando el callo en una trayectoria ejemplar como actriz, como actor, como maestros de otras actrices y otros actores. Un universo el suyo, el de El Montacargas, con 30 años de trabajo a las espaldas, que sería muy complicado de resumir en estas pocas líneas. Multitud de nombres les han acompañado y ayudado. Innumerables montajes creados y escenificados. Lo mejor que podemos decir de ellos es que siguen actuando y les podemos ver en su sala representando su trilogía, escrita por Miguel Morillo, Terceto para dos sillas, compuesta por las obras Perra Vida, Dulces Sueños, El Río en Llamas y Mambo.

Sin duda. El Arte en general y el Teatro en particular. El teatro es el arte que suma a todas las artes, con el componente del directo, el ser humano frente al ser humano, comunicándose aquí y ahora. ¿Os gusta el teatro que se hace ahora? Nosotros concretamente somos muy eclécticos. Nos gusta el teatro físico y las nuevas dramaturgias, todo el teatro. Y el humor: “la risa es el instrumento más eficaz para hablar de lo serio”. Para nosotros referentes han sido Layton, Brook, Strehler, Lecoq, Gaulier, Eugenio Barba, Arianne Mnouchkine, Dario Fo, Sanchis Sinisterra, los Margallo... En el teatro de ahora hay mucha confusión, normal, porque al ser espejo de la sociedad, refleja las

miles de incógnitas de nuestro tiempo, el absurdo, la consciencia, la manipulación de las masas. Creemos en un teatro honesto que hable de todo esto pero de una forma positiva y humorística, y no cayendo en el panfleto o en los mensajes ‘crípticos’ que solo unos cuantos entienden. ¿Cómo estáis viviendo representar vuestra trilogía Terceto para dos sillas? Estamos disfrutando como nunca. La Trilogía ha sido un regalo, sintonizamos muy bien con los textos de Miguel Morillo, con un humor muy negro y ácido, pero también muy lúdico y lúcido, que llega a todo el mundo. Es un lujo poder subir a un escenario cada semana con una de sus obras, un disfrute compartido con el espectador.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

¿crees que vives en un país libre? por Sergio Díaz

El nuevo misil teatral de Guardamino Íñigo Guardamino es un miembro destacado de lo que en Godot llamamos G21, nuestra primera generación de dramaturgos y dramaturgas que marcan la pauta del teatro contemporáneo. Es autor de obras como Vacaciones en la inopia, Sólo con tu amor no es suficiente o Castigo ejemplar yeah. Ahora nos presenta Este es un país libre y si no te gusta vete a Corea del Norte, una fábula muy real que disecciona la sociedad en la que vivimos. Intentamos que nos explique de qué va la obra. “Para mí es una fuente constante de frustración explicar de qué van mis obras. El ‘de qué va la obra’ es distinto para cada espectador. Por poner el ejemplo de una de mis películas favoritas: Brokeback mountain. Para mí va sobre el miedo a cumplir tus deseos, pero para otra gente va sobre las ventajas de tener un follamigo los findes para ir de pesca o la incompatibilidad del pastoreo y la heterosexualidad. Tú vas al teatro y decides de qué va la obra. Elige tu propia aventura, que dicen”.

Buscando alternativas

Quizás esta obra vaya un poco de la rabia. De la rabia de mirar alrededor y preguntarse “¿qué coño nos pasa?”. Trump, Le Pen, Yiannopoulos, Wilder, Urdangarín. ¿De verdad me tengo que comer esta mierda? ¿Es el capitalismo en su versión neoliberal la única solución para poder gestionar un país? ¿No existen otras alternativas? Y cuando verbalizas estas ideas tus

cuñados, que son gente vivida y con estudios, te sueltan eso de “Este es un país libre y si no te gusta vete a Corea del Norte”. Y con eso se acaba todo. Pero para Guardamino fue el comienzo de un pensamiento, de un trabajo que pretende ahondar en nuestras contradicciones, plantear preguntas incómodas sobre nuestra sociedad y los males que nos aquejan. Sobre nuestra ‘libertad’... Hacer que nos preguntemos si es posible cambiar lo que somos o la única alternativa que nos queda es seguir deshumanizándonos hasta el mismo final de la especie. Pero ante este apocalipsis al que parecemos abocados, Guardamino saca todo su ingenio y nos provoca la mayor de las carcajadas posibles. Te ríes de tu mierda, sí, pero te ríes. “Prefiero tratar temas horribles con forma de comedia y entretener, que cada uno se quede con lo que quiera. No insultar la inteligencia del espectador ni buscar una reacción determinada. Ir a emocionar al espectador, manipularle, me parece ofensivo, pero pasa mucho últimamente. Lo mejor que me han dicho después de una obra no es “me ha emocionado” si no “no sé muy bien que sentir”. Pues eso suele pasar con cada uno de sus textos. Qué no sabes muy bien por qué se te ha quedado esa cara. Pero oye, este es un país libre, si no te gusta el teatro de Guardamino puedes irte a Corea del Norte, allí la temática está clara. Todo son odas al amado líder.

Puedes leer el reportaje completo en www.escenagodoff.com

Este es un país libre y si no te gusta vete a Corea del Norte Comedia negra de Íñigo Guardamino protagonizada por Natalia Díaz, Sara Moraleda y Rodrigo Sáenz de Heredia Nave 73 Desde el 4 de marzo FOTO: Carmen Prieto Remón

festival con alma efímera por Sergio Díaz

Para aprender a mirar Llega la segunda edición de un festival que nació con vocación de desaparecer. Un festival que lucha por hacer patente una realidad en la que vive mucha gente en este país, que alza la voz para que miremos y seamos conscientes de las barreras que muchas personas tienen que sortear a diario sin recibir apenas ayuda. Llega el II Festival Visibles [arte inclusivo]. Porque aún hay mucho por hacer. La Sala Tarambana, siempre comprometida con los problemas sociales, impulsa este festival de manera independiente, con mucho esfuerzo y trabajo, sin apenas ayuda, pero poniendo todo el corazón en ello, para que todos podamos descubrir lo que se esconde en otras vidas acaso más complejas que las nuestras -pero igual de plenas en sensaciones-. Para seguir poniendo el foco en estas realidades la segunda edición contará con espectáculos de danza, teatro, conciertos, exposiciones y la proyección de cortometrajes. Todo ello con el denominador común de ser espectáculos y actividades que realizan personas con diversidad funcional.

Altas capacidades

Dentro de las Artes escénicas el Festival abrirá con West Side Story, de Danza Down Compañía Elías Lafuente (16 y 18 de marzo), un musical realizado íntegramente por bailarines con discapacidad intelectual, adaptado e inspirado en la famosa obra, donde los bailarines demuestran su talento tanto en danza como en interpretación consiguiendo transmitir las emociones que cada

personaje conlleva. La compañía APAIPA nos trae Diversidanza (23 y 26 de marzo), un espectáculo de Danza Inclusiva en el que la diversidad de cada bailarín es lo que enriquece la obra. Cada uno danza desde sus capacidades, en armonía con los demás. El Cuerpo Poético (grupo de investigación sobre teatro accesible para invidentes) llega con Grito (25 de marzo), una obra que recorre el universo emocional de una mujer que mira a los ojos de un marido inánime. La compañía A nuestro ritmo, dirigida por Isabel Olavide, nos ofrece Con un cante en la mano (30 de marzo y 2 de abril), un espectáculo de Danza-flamenco. La compañía Paladio vendrá con Nadie (1 de abril), un espectáculo sobre la búsqueda de la propia identidad a través de los sueños, cuando la sociedad no tiene hueco para ti. El gato manchado y la gaviota sin nombre (8 de abril) es una obra interpretada por el alumnado con discapacidad de la Escuela Municipal de Teatro Ricardo Iniesta de Úbeda, que es una metáfora continua sobre las barreras, sobre lo diferente y sobre el respeto a la diversidad. Deberíamos mirar más, descubrir más. Deberíamos acercarnos más a otras personas que luchan con tanto ahínco por superar las barreras que les impone la vida. Deberíamos lograr que todos fuéramos visibles. La Sala Tarambana y otros muchos colectivos ponen su granito de arena para lograr que festivales como este no tengan ya cabida en nuestra sociedad, porque por fin se haya logrado una plena inclusión de todos y todas.

FOTOS: Arriba: Nadie, de la Compañía Teatro Paladio. Medio: West Side Story, de Danza Down, compañía Elías Lafuente. Debajo: El gato manchado y la gaviota sin nombre, de la Escuela Municipal de Úbeda Ricardo Iniesta.

Festival Visibles La Sala de Carabanchel organiza la segunda edición de este festival de Arte Inclusivo que trata de dar visibilidad a nuevas realidades escénicas y vitales Teatro Tarambana Del 16 de marzo al 9 de abril

acciones contra las injusticias por Sergio Díaz

FOTO: José Reguera

matrioska, de gabriel fuentes, y el encuentro teatra confluyen en marzo en lanau & mínima espacio escénico para dar voz a las mujeres

Matrioska, un texto de Gabriel Fuentes, fue el ganador del II Premio del II Certamen de nuev@s dramaturg@s LANAU escénica. El premio daba la posibilidad de llevar a escena los textos. Y aquí ha tomado forma, bajo la dirección de Óscar Pastor, una propuesta que nos sumerge en el terrible mundo de la esclavitud sexual, donde las mujeres son víctimas de un cruel destino. Arancha Sesmero es gestora cultural en LANAU Espacio Creativo, trabaja en MÍNIMA Espacio Escénico y es ayudante de dirección en Matrioska y nos da su opinión sobre este montaje. “Se trata de una dramaturgia que expresa una situación, por desgracia de actualidad, que parece ‘pasada por alto’ por la sociedad. Poner en marcha Matrioska es una manera de dar visibilidad

a estas mujeres que han sufrido tanto por haber sido víctimas de la trata”. Es un espectáculo con gran fuerza dramática, donde la fusión de lenguajes escénicos define la estética de la propuesta del director, con el cuidado y delicadeza que requiere la tragedia. Un trabajo que dota al texto de una belleza escénica e interpretativa y “donde el público puede llegar a empatizar con estas mujeres hasta tal punto que, en determinados momentos de la obra, se expondrán a abrir sus sentimientos hasta límites insospechados” nos dice Arancha.

Poniendo en valor a la mujer

Además de la representación de Matrioska, en este marzo tan especial, en MÍNIMA Espacio Escénico & LANAU Espacio Creativo organizan su II Edición de TeatrA (del 8 al 12 de marzo), unas jornadas dedicadas a dar valor y visibilidad al papel que desempeñan las mujeres en el sector de las artes escénicas. Para ello se ha diseñado un programa desde donde reflexionar, debatir, difundir y planificar estrategias de acción para el reconocimiento de su trabajo, aportación a la cultura y creación de sinergias con todas las participantes. Habrá exposiciones, mesas de trabajo, debates, talleres y la exhibición del montaje Flores ácidas, del grupo argentino Las Damas, dirigido por Carlos Gil Zamora. Para Arancha Sesmero es “de vital importancia que se lleven a cabo este tipo de acciones para dar la importancia que se merecen todas las mujeres que forman parte del sector escénico y para que puedan encontrar un lugar donde exponer sus dificultades o problemáticas”. Esta segunda edición está dedicada especialmente a las mujeres iberoamericanas. “Somos un país iberoamericano y como tal, las mujeres compartimos una problemática común. Pretendemos vincular a estas mujeres generando la Red TeatrA como un punto de unión y como un lugar donde se puedan realizar sinergias entre países haciendo que TeatrA pueda seguir existiendo durante todo el año y no sólo por el día de la mujer o por el día de la mujer escritora”, concluye. Interesantes como siempre las propuestas de este rincón cultural de la calle Mallorca. Un rincón comprometido con el arte contemporáneo -en cualquiera de sus variantes- y con las problemáticas contemporáneas, que desgraciadamente siguen siendo las mismas de siempre: violencia, machismo, sexismo, desigualdad, racismo, homofobia...

FOTOS: Paloma Sánchez

Matrioska Texto de Gabriel Fuentes, dirigido por Óscar Pastor, sobre la esclavitud sexual Mínima Espacio Escénico 24 de marzo

TeatrA II Edición de estas jornadas para dar valor y visibilidad a la mujer en las Artes Escénicas. Mínima Espacio Escénico Del 8 al 12 de marzo

con nombre de mujer por Sergio Díaz

Íntegramente femenino Dentro de la extensa programación que la Sala La Usina tiene cada mes, en este marzo especialmente femenino destacamos dos obras cuyos equipos artísticos están íntegramente formados por mujeres. Los sábados de marzo podremos ver Desde la guerra... desde las mujeres, una obra dirigida por Marta A. García Rojas, donde un Coro de Mujeres supervivientes a la Guerra, con las vestiduras ensangrentadas, camina entre los cuerpos abandonados de un campo de batalla. Aúllan, gritan, gimen y acusan a La Guerra, como si fuese un ser vivo demoledor. Vemos a distintas mujeres y lo que les sucedió cuando se encontraron con La Guerra: mujeres violadas, madres cuyos hijos les son arrebatados y asesinados, enfermeras que tratan de salvar a los supervivientes de los campos de batalla, mujeres militares... La obra está protagonizada por Ana Navarro, Carmen Camarero, Macarena Alcalde, Marta A. García Rojas y Elena Cecilia Blazquez. Los domingos llega Mujeres hasta el coño de Mónica Negueruela. Una pieza de corte experimental protagonizada por Natalia Bermejo, Sabine Lane, Remedios Renog y Teresa Ruíz que reflexiona sobre lo que ocurriría si toda una generación desapareciese de repente, ¿de quién aprenderían los nuevos venidos? El día 8 de marzo la tierra temblará y atronará el grito de millones de mujeres que unirán sus voces para decir NO a la violencia machista, NO a la desigualdad. NO a la estúpida forma de pensar y actuar de tantos miembros del clan masculino. El teatro sigue diciendo SÍ con montajes hechos por ellas para que seamos capaces de comprender mejor sus realidades.

Desde la guerra... desde las mujeres

Mujeres hasta el coño

Marta A. García Rojas dirige a la compañía Actrices sin Papel Teatro

La Mala compañía protagoniza este texto de Mónica Negueruela

Sala La Usina Sábados de marzo

Sala La Usina Hasta el 19 de marzo

Are you talking to me?

BOBBY MILK Teatro del Arte 4, 11 y 18 de marzo

Bobby Milk es el apodo que Robert de Niro recibió, por su tez pálida, en su adolescencia, durante la que perteneció a una banda de Little Italy. Lolo Diego (uno de los fundadores de la compañía de impro Jamming), brinda un homenaje artístico al actor estadounidense y nos narra cómo se filmó la mítica escena de la película Taxi Driver en la que De Niro interpreta a Travis Bickel, un excombatiente de la Guerra de Vietnam trastornado por la soledad, el insomnio y su paso por el ejército. Es un viaje fantástico a través del pasado, el presente, la realidad y la ficción que muestra los procesos dramáticos que los actores desarrollan para desempeñar sus papeles interpretativos. El montaje, dirigido por Cecilia Freire, contiene drama, comedia, documental, biopic e incluso musical. Un relato teatral muy diferente a todo lo que hayas visto.

estrenos

Una voz para comprender Natalia ha vivido muchos años encerrada en el cuerpo de un hombre. Mientras se prepara para visitar a su hermana y revelarle su verdad, así como su decisión de dejar atrás su físico masculino, va rememorando un pasado lleno de pasiones encontradas, ilusiones, amor, desamor, frustración, dolor, risas y esperanzas. Un paso muy valiente, pero nada sencillo. Y quiere compartir ese momento con nosotros para que entendamos cómo se siente. Monólogo escrito y dirigido por Pablo Vilaboy, interpretado por Alejandro Dorado, que versa sobre un tema poco tratado en el teatro: la transexualidad. Marzo está considerado como el mes de la mujer. Ojalá dejemos de tener que poner nombres a los meses, pero mientras sigan existiendo problemas que no se solucionan y personas invisibles, habrá que buscar un mes para la transexualidad también. Sergio Díaz

UZ, EL PUEBLO La Encina Teatro 10, 17 y 24 de marzo

LA VOZ HERMANA Teatro de las Aguas Sábados de marzo

Un nuevo espacio escénico entra con fuerza en nuestra ciudad. Se trata de La Encina Teatro. Una de las obras con la que inauguran la sala es este montaje de shpota! Teatro dirigido por Bárbara Risso. Un apacible pueblo, lleno de amables ciudadanos, se encuentra en la terrible situación de enfrentar sus mentiras y pasiones, cuando Dios encomienda una extraña labor a su más creyente fiel... Uz, el pueblo es una historia que respira a través de esos temas que siempre provocan discusión en el medio, como la homosexualidad, la metrosexualidad, la ninfomanía, los problemas de personalidad y la fe. Justo en este último; es donde la obra hurga bastante hasta provocar una explosión entre los personajes.

Impotencia ante la vida

SALVADOR Teatro Lagrada Hasta el 25 de marzo

Obra que cuenta cómo un maestro, debido a una enfermedad, es obligado a dejar el colegio en el que trabajaba. Salvador es el sueño de un hombre para el sueño de todos. Basada en un hecho real, cercano y reciente, tres son los pilares sobre los que se sustentan; la familia, la educación y la soledad. Su protagonista es un ser anónimo que no ha salido en medio alguno pero que puede ser reflejo de muchos de nosotros. A modo de tragedia atemporal, con un fuerte componente poético, Salvador describe la crónica de una muerte anunciada, a través de su narrador, que nos guiará por sus tres historias: la lucha de un padre por recuperar a sus hijos, la de una mujer junto a la sombra del amor de su vida y la de una escuela que ha decidido prescindir del mejor de sus profesores, debido a su enfermedad. Es un proyecto con dramaturgia de Nestor Villazón, dirigido por Rafael Boeta.

Esto ha sido todo Antonio y Ana entran en una casa partida en dos, cómo su relación. Antonio está desolado y confuso. Ana se siente culpable pero está aparentemente tranquila. Cada uno narrará su visión de lo acontecido esa noche unas horas antes. Una noche en la que Ana ha decidido romper su relación con Antonio, provocando así un viaje emocional para los dos. Con texto y dirección de Juan Carlevaris e interpretación de Raquel Guerrero y Pablo Tercero, a lo largo de la obra los personajes van haciéndose preguntas como: ¿qué tenemos que hacer para que alguien nos ame? ¿Qué tenemos que hacer para amar a alguien? En una ruptura de pareja siempre hay dos visiones de la historia. Siempre hay dos sufrimientos, pero en distinto grado. Siempre hay dudas, justificaciones y excusas. Siempre hay un tiempo que ya pasó y un amor que huyó... para siempre. S. Díaz

EL DÍA QUE DECIDÍ OLVIDARTE Sala Tú Miércoles de marzo