Godot abril 15 by Godot

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

ADENTRO

Del 15 de abril al 17 de mayo

de Carolina Román

Reparto (por orden alfabético) Nelson Dante Araceli Dvoskin Noelia Noto Carolina Román

Dirección Tristán Ulloa

Coproducción Centro Dramático Nacional y Adentro Teatro

TRILOGÍA DE LA CEGUERA

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva Del 22 de abril al 24 de mayo

de Maurice Maeterlinck LA INTRUSA Dirección Vanessa Martínez

Reparto (por orden alfabético) Lucía Barrado Quique Fernández Lucía Fuengallego Pablo Huetos José Vicente Moirón Celia Nadal Verónica Ronda Pedro Santos Carlos Silveira Gemma Solé

INTERIOR Dirección Antonio C. Guijosa LOS CIEGOS Dirección Raúl Fuertes

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Centro Dramático Nacional

Teatro María Guerrero

Dirección Ernesto Caballero

Del 24 de abril al 14 de junio

de Henrik Ibsen Dirección Eduardo Vasco Versión Yolanda Pallín

Reparto (por orden alfabético) José Luis Alcobendas Charo Amador Ernesto Arias Jacobo Dicenta Cayetana Guillén Cuervo Verónika Moral Músico Jorge Bedoya

Escenografía Carolina González Vestuario Lorenzo Caprile Iluminación Miguel Ángel Camacho Música Ángel Galán Coproducción Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y Noviembre Teatro

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6 12 17 22

36 40 palabra de Krzysztof Warlikovski noticias Premios de la Unión de Actores

portada Teatro de la Ciudad estrenos Insatisfechas

estrenos Our Town entrevista José Luis Gil

la visual Voyeur

entrevista Fernando J. López panorámica Pingüinas

entrevista Javier Gurruchaga

en familia Aniversario Sanpol

estrenos Dakota

Lírica La Traviata

10 16 18

entrevista Tristán Ulloa Carolina Román

reportaje Trilogía de la ceguera

30 35

críticas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Abril 2015

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PALABRA DE... Krzysztof Warlikowski

Mensaje del Día Mundial del Teatro Los verdaderos maestros del teatro son los más fáciles de encontrar lejos del escenario. Y por lo general, no tienen interés en el teatro como una máquina para la replicación de convenciones y reproducción de clichés. Ellos buscan la fuente pulsante, las corrientes de vida que tienden a pasar por alto las salas de espectáculos y la multitud de personas empeñadas en copiar algún mundo u otro. Copiamos en lugar de crear mundos que están enfocados o incluso dependientes de debate con el público, sobre las emociones que se hinchan por debajo de la superficie. Y en realidad no hay nada que pueda revelar las pasiones ocultas mejor que el teatro. Muy a menudo me dirijo a la prosa de orientación. Día tras día me encuentro pensando en los escritores que hace casi cien años describen proféticamente sino también serenamente el declive de los dioses europeos, el crepúsculo que sumió a nuestra civilización en una oscuridad que aún no se ha iluminado. Estoy pensando en Franz Kafka, Thomas Mann y Marcel Proust. Hoy me gustaría también contar con John Maxwell Coetzee entre ese grupo de profetas. Su sentido común del inevitable fin del mundo -no del planeta-, sino del modelo de las relaciones entre humanos y del orden social y la agitación, es conmovedoramente actual para

nosotros aquí y ahora. Para nosotros que vivíamos conformes al fin del mundo. ¿Quién vive en la cara de los delitos y conflictos que diariamente nacen en nuevos lugares más rápido incluso que los medios de comunicación ubicuos pueden mantenerse al día? Estos incendios crecen rápidamente aburridos y desaparecen de los informes de prensa, para no volver. Y nos sentimos desamparados, horrorizado y cercados. Ya no somos capaces de construir torres y los muros que construimos tercamente no nos protegen de cualquier cosa, por el contrario, ellos mismos exigen protección y el cuidado que consume una gran parte de nuestra energía de la vida. Ya no tenemos la fuerza para tratar de vislumbrar lo que hay más allá de la puerta, detrás de la pared. Y es por eso exactamente por qué el teatro debe existir y donde debe buscar su fuerza. Para mirar dentro buscamos lo que está prohibido. La leyenda trata de explicar lo que no se puede explicar. Debido a que se basa en la verdad, que debe terminar en lo inexplicable, así es cómo Kafka describe la transformación de la leyenda de Prometeo. Estoy convencido de que las mismas palabras deben describir el teatro. Y es esa clase de teatro, el que se basa en la verdad y que encuentra su fin en lo inexplicable es lo que deseo para todos sus trabajadores, los del escenario y los de la audiencia, lo deseo que con todo mi corazón.

Krzysztof Warlikowski es director de escena polaco

humor

Flora y Fauna de las Artes Escénicas Espectadores ancianos Spectadorus venerabile El sordo

El comentarista

El goloso

El analógico

versión extendida en www.escenagodot.com

El meón

El dormilón

El completito

Gandalf

El sordo Spectadorus venerabile comunatapiae Lo que le falta de audición lo tiene de buena voluntad, y es por eso que pregunta muy bajito: “¿qué ha dicho?”. Lamentablemente, lo que para él es un susurro para los demás es un alarido. Algunos le llaman la atención, y otros llaman la atención a los que llaman la atención… En resumen: uno de estos espectadores ancianos genera una onda expansiva que fastidia la representación doce butacas a la redonda.

El comentarista Spectadorus venerabile parlanchine

El meón Spectadorus venerabile prostatae

La obra le gusta mucho, ¿y qué mejor manera de demostrarlo que celebrar cada cosita que suceda? En ocasiones acude al teatro con el espécimen anterior: en esos casos, la onda expansiva asciende a veinte butacas.

Paga su longevidad con una vejiga descontrolada. Sabe que es incapaz de contener la orina por lo que, en cuanto siente que la riada ya viene, se levanta y va saliendo despacito, molestando a todos los de las filas de atrás y, por supuesto, a los de su propia fila. Es tan educado que, más que enfado, despierta solidaridad.

Gandalf Spectadorus venerabile imposibile Llega, atiende y se va. En ocasiones se toma algo en el ambigú y, si pegamos la oreja, le oímos comentar con gran sabiduría la obra. Seduce. Queremos ser como él, como ella.

#elArtedelActor

Técnica e intuición Me sorprende que estos términos sigan aún en pelea para algunas personas, como si el uno anulara al otro. Lo encuentro tanto en actores, directores como productores. No son pocos, ni poco sonados a veces, los casos en los que alguien se jacta de trabajar con alguien que no es actor, aduciendo que con ello se asegura más naturalidad y espontaneidad. Estos maravillosos descubrimientos suelen traer mucha alegría y orgullo al principio y dolor y frustración después al comprobar que esta persona no puede hacer nada más, porque no sabe o le faltan herramientas para enfrentar otros trabajos. Y es ahí donde algunos deciden formarse para poder crecer, o irse por donde vinieron, al comprobar que este oficio no es tan fácil como parece. Son más de los deseables, los actores y montajes en los que se defiende una malentendida naturalidad en lugar de un compromiso honesto con la profunda sencillez de la vida. De hecho, lo interesante dramáticamente hablando, no son los momentos cotidianos y anodinos de la vida, sino esos en los que algo se conmueve, se rompe o se transforma. Entonces, me pregunto qué interés hay en ver gente hablando de cosas que parecen no importarles mucho. Esto puede parecer una pasada en salas pequeñas e íntimas, pero a veces sucede que al pasar a salas más grandes o esos actores estar en montajes mayores, lo que queda es algo indefinido, diluido o pequeño. La manera intuitiva de entender e interpretar no muere con la técnica, al contrario, debe crecer. A medida que crecen los recursos y herramientas para afrontar una creación, la intuición se ve más libre y se dispara, acompañando lo aprendido y mostrándole nuevos lugares por descubrir. Entiendo que no es lo mismo ver a un pianista tocando una pieza que haciendo escalas, o a un bailarín viviendo una coreografía que en la barra entrenando. Sin embargo, en ningún caso menospreciamos la necesidad de una técnica que les ayude a desarrollar sus capacidades artísticas. El entrenamiento en los actores y actrices abarca muchos aspectos y algunos muy poco tangibles, por eso hay tantas y tan variadas escuelas, pero eso lo hace más complejo, no menos necesario. Por eso, apreciemos el valor de la técnica en el difícil arte que nos apasiona, y desdeñemos al que quiere hacernos pasar por arte una secuencia de escalas y el esfuerzo que supone ejecutarlas. Las técnicas están para apropiarse de ellas, y trascenderlas, para que den alas, no para encorsetar; pero una buena técnica personal, es la mejor garantía para una creación sin límites.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

noticias

XXIV

Premios de la Unión de Actores El Teatro la Latina acogió el pasado 9 de marzo la Gala de Entrega de los XXIV Premios Unión de Actores y Actrices que conceden los propios actores a los mejores trabajos tanto en cine, teatro y televisión. En la gala dirigida por el maestro de ceremonias Juanma Cifuentes, hubo mucho humor y muchas alusiones al difícil momento que pasa la cultura por políticas como las del 21% de IVA cultural. Además de los galardones a los mejores actores y actrices, en esta noche tan especial se desvelaron los reconocimientos especiales Mujeres en Unión y Premio Especial de la Unión. El primero recayó en las organizadoras del Tren de la Libertad, la caravana de mujeres que partió desde Asturias con el objetivo de llegar a una gran movilización en

Madrid contra la reforma de la ley del aborto y por el derecho a decidir. El segundo recayó en Matadero Madrid por su compromiso social y su labor en el desarrollo de la actividad interpretativa. Durante la gala también hubo lugar para un emotivo homenaje a José Sacristán, Premio A Toda una Vida. El palmarés de los premios en la categoría de teatro fue el siguiente: Actriz Protagonista Inma Cuevas por Constelaciones; Actor Protagonista Miguel Rellán por Novecento. La leyenda del pianista del océano; Actriz Secundaria Consuelo Trujillo, Actor Secundario Jorge Muriel, Actriz de Reparto Susi Sánchez y Actor de Reparto Felipe García Vélez, todos ellos por la misma obra, Cuando deje de llover, dirigida por Julián Fuentes Reta. www.uniondeactores.com

Máster en Gestión Cultural

El festival trampolín del talento emergente celebra su tercer año estrenando formato. Durante cinco días, del 28 de abril al 2 de mayo, los artistas más destacados de las ediciones pasadas de Talent Madrid subirán al escenario la versión completa de la obra que les convirtió en ganadores. Una selección de danza, teatro, musical y circo que hará de la Sala Verde el epicentro de la nueva creación escénica. www.talentmadrid.teatroscanal.com

Título propio de la Universidad Complutense de Madrid y dirigido por Álvaro Torrente, el Máster en Gestión Cultural: Música, Teatro y Danza ha abierto la convocatoria de su 14ª edición. El máster ofrece un programa de referencia en la formación de gestores culturales en España. Su plantel docente está constituido por profesorado universitario y por reconocidos profesionales del sector de las artes escénicas del país con el objetivo de formar en el liderazgo y la gestión de proyectos y organizaciones culturales, especialmente en el ámbito de la música y las artes escénicas. El plazo de presentación de las solicitudes acabará el 31 de mayo. www.mastergestioncultural.org

La primera selección ya está hecha

B (la película sobre los papeles de Bárcenas) 15 de Julio de 2013, el juez Ruz interroga a Luis Bárcenas. Durante cinco horas, Bárcenas, ex tesorero del Partido Popular, declaró que él controlaba una contabilidad B desde los años 90. Según él, todos los mandatarios del partido lo conocían y recibían sobresueldos en metálico, que ocultaron. Hoy, dos años después, el juez Ruz sigue investigando ‘los papeles de Bárcenas’. Al caso se le llama así por las 14 hojas de contabilidad y otros documentos que se filtraron a la prensa. Con el texto transcrito del interrogatorio, Jordi Casanovas escribió una formidable función teatral, Ruz-Bárcenas, producida por el Teatro del Barrio e interpretada magistralmente por Pedro Casablanc y Manolo Solo que se ha convertido en un éxito de crítica y público. Ahora los artífices del montaje han puesto en marcha una campaña de crowdfunding para trasladar al cine esta historia. David Ilundain se hará cargo de la dirección mientras Alberto San Juan (director de la obra) y Jordi Casanovas participarán en esta película como director de actores y co-guionista, respectivamente. La película sumará nuevos personajes, acusadores y defensores. Para sacar adelante la producción se espera conseguir 50.000 euros con los que se costearía lo más esencial de la producción: los gastos de alquiler de equipos de luz y cámara de rodaje, la logística para el equipo técnico y los actores (comida y transporte), localizaciones, construcción del decorado principal, etc... Si queréis participar consultar: www.blapelicula.com

Al cierre de esta edición, los Premios Max de las Artes Escénicas han revelado los 109 candidatos a las 22 categorías de la XVIII edición de estos galardones organizados por la Fundación SGAE. Tras esta primera fase de selección, el próximo 22 de abril se anunciarán los finalistas definitivos. Además de estas 22 categorías el comité organizador de los Premios Max concede 3 premios especiales: el de Honor, que se hizo público el 25 de marzo y que recaerá en Rosa Maria Sardà; el de Contribución a las Artes Escénicas, que se sabrá el 29 de abril; y el Aficionado, el 6 de mayo. La gala de entrega de premios tendrá lugar el 18 de mayo en Barcelona, será acogida por la sala BARTS (Barcelona Arts on Stage) y dirigida por el autor y actor Esteve Ferrer. Para seguir la actualidad de los Max: www.premiosmax.com

Vibook Summit Tendrá lugar el 1 de Junio desde las 10h hasta las 21h: se trata del primer gran cara a cara entre actores y actrices, y la industria de las artes escénicas. Un evento que reunirá a intérpretes, directores de casting, productores, directores, representantes, empresarios de la escena, y formadores, bajo un mismo techo, a lo largo de todo un día. Es una iniciativa de Vibook, el mayor buscador de actores y talento artístico en la red. Puedes saber más de esta iniciativa en www.vibook.es

en portada

Medea

por Álvaro Vicente

expresarse como le dé la gana. “Hay dos cosas Andrés Lima llevaba tiempo trabajando con en Medea que siempre me llamaron mucho la Medea, pensándola, sintiéndola... “fue un atención”, confiesa Lima: “una la hablé con flechazo, perverso, porque Medea es una comNuria Espert, porque hay un hilo de acción brupañera siniestra, pero me cautivó teatralmente. tal, desmesurado. Medea mata al Me cautivó al ver hasta dónde le puede llevar primer hijo y dices, puede haber la pasión, el deseo... hasta matar a sus hijos. El sido un arrebato, una equivocaamor que siento por Medea lo resumiría con el ción, te puedes arrepentir. Pero título de aquella obra de Rodrigo García: proteno, se toma su tiempo y mata al gedme de lo que deseo.” Con Aitana Sánchez segundo. En esa decisión creo que Gijón en la piel de la diosa mujer y él mismo el autor esconde algo importante. en escena, era importante enfocar el personaje Y por otro lado, después de matar más que nunca desde lo femenino, por el derea sus hijos, Medea se va hacia el cho de la mujer a tomar las decisiones que le sol en un carro alado. ¿Cómo es dé la gana, incluso las nefastas; por el derecho posible? ¿Por qué el sol y no de la mujer las tinieblas, por qué no va a a tratar A partir de Séneca, Euríla cárcel, por qué no se suicide igual a pides y otros, Andrés Lima da? Medea tiene que seguir igual a los cocina su Medea, hecha aquí eternamente, porque es poderosos, a carne por Aitana Sánchez importante que miremos cara los hombres Gijón. a cara a lo más atroz del ser poderosos, humano. Para mí Medea es a Creonte y la guerra y habla de por qué a Jasón; por Del 23 de abril al 21 de junio elegimos la violencia para el derecho Teatro de La Abadía organizarnos en vez del amor.” de la mujer a

Antígona La mitología griega es así, a una tragedia suma otra más atroz. La pobre Antígona tenía bastante ya con lo de sus padres (Edipo y Yocasta), pero llegaron sus hermanos, Eteocles y Polinices, hermanos y rivales en la batalla, muertos ambos defendiendo posiciones encontradas. A uno, el poder le reserva la gloria, al otro la nada, el abandono, el desprecio. Pero ella no está dispuesta y se yergue como la mujer frente a todo. Fijada para el teatro por Sófocles, Miguel del Arco ya tuvo ocasión de hacerla como actor (él era Creonte). “Me fascina la reflexión sobre el poder y sobre el ataque, eso de la famosa hybris griega, esto es lo que yo pienso y tengo

la razón y soy Con Carmen Machi como inamovible y soy Creonte y Manuela Paso incapaz incluso como Antígona, Miguel del diálogo. del Arco aborda el choque Antígona lo dice: contra la razón de Estado a ti no te gusta lo que yo digo, a mí no me gusta nada Del 21 de abril al 21 de junio lo que tú dices, no Teatro de La Abadía sigamos hablando: mátame. Esta aniquilación del adversario me parece impresionante, porque es además lo que vemos ahora en la vida pública, la incapacidad para el consenso, para llegar a un lugar común donde podamos colaborar.” La colaboración tiene, precisamente, un peso específico en este espacio del Teatro de la Ciudad. Cuestiones como la del coro griego se resuelven compartiendo miradas diferentes que modifican puntos de vista. En el montaje de Del Arco, además, está la atractiva circunstancia de que Creonte va a ser interpretada por una mujer, la gran Carmen Machi, que tendrá enfrente a Manuela Paso. ¡Nivelazo!

en portada

Edipo cosas no pasa. Hay cosas de las que no somos Edipo es la tragedia de la verdad, la verdad responsables, pero hay cosas de las que sí más deslumbrante, la más cegadora. Sófocles somos responsables, pero no somos conscientes le dio teatralidad al mito, que ha pasado por de que somos responsables. Edipo manos e inteligentiene algo de movilizacias varias, desde Grandeza con pies de dor para no quedarse Séneca a Corneille, miseria para un Edipo que uno dormido en la de Voltaire a André Alfredo Sanzol ha confiainconsciencia.” Y en la Gide, de Cocteau do a su actor de cabecera quietud conservadora, a Stravinsky, hasta Juan Antonio Lumbreras añadiría yo. Claro llegar a Pasolini. que, a veces, ponerse Y hasta llegar a en marcha hacia el Sanzol. El director Del 24 de abril al 21 de junio conocimiento te trae navarro salda una Teatro de La Abadía sorpresas... desagravieja deuda consigo dables. “Lo que me mismo y con su genenganchó de Edipo, te. Con lo mismos entonces como ahora, es el miedo actores que hoy monta Edipo (con Juan Antonio a hacer daño sin ser consciente de Lumbreras al frente de un reparto que complehacerlo. Es la historia del detective tan Natalia Hernández, Elena González, Eva que descubre que él es el asesino. Trancón y Paco Déniz), hizo su primer montaje, Tiene algo de pesadilla, porque te Como los griegos, de Steven Berkoff. Allí es donhaces esa pregunta: ¿quién puede de el personaje se le enganchó como una lapa. ser capaz de estar haciendo esto? Se sentía con la responsabilidad de dirigirlo. Él Y la respuesta es: tú.” Es entonces lo dice, precisamente refiriéndose a la historia cuando la verdad te arranca los ojos... del propio Edipo: “la responsabilidad de las

Grandes estrenos

Teatro, danza y música “Es muy difícil hacer compatibles la política y la moral” Francis Bacon

Ignasi Vidal

Daniel Muriel

del 6 al 26 de abril de 2015 Dirección: Juan José Afonso Distribuye:

Producen:

ÓPERA DE SALÓN

Manuel García

13, 15 y 17 | mayo | 2015

Entradas desde 10 e Revista Godot 162x230.indd 1

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estrenos

Insatisfechas Washington, tras su buena química y el éxito Dos íntimas amigas casadas, se sienten insacosechado con su anterior obra Ni para ti ni tisfechas. La vida no es como ellas pensaban, para mí (también de los mismos autores que la felicidad es una gran mentira, el matrimoesta), vuelven a reunirse para realizar este nio un aburrimiento y el sexo una rutina. Se viaje teatral que es un sienten atrapadas en una desencuentro constante, ansiedad constante que Miriam Díaz Aroca y Beuna aventura cómica les va destruyendo poco a linda Washington protagohacia el mañana donde poco. Toman una decisión nizan esta obra escrita por no tienen cabida los radical que puede camsueños sino la realidad. biar sus vidas: hacer un Juan Luis Iborra y Sonia Las dos actrices pretenden viaje ellas solas. Huir, darGómez Gómez retratar a una generación se un respiro, dejar atrás de mujeres que se siente el pasado y su presente e Hasta el 3 de mayo estafada: todo se podía intentar buscar un nuevo Teatro Fernán Gómez conseguir, los sueños se futuro. Y qué mejor opción podían cumplir... ¿Y qué que coger la autopista con pasa cuando no es así? destino a Benidorm... Cuando no es así vives sin más, que es lo Sonia Gómez Gómez y Juan Luis Iborra que toca, pero hay muchas mujeres valientes (autor de conocidas comedias como Todos que piensan que la realidad también puede los hombres sois iguales o ¿Por qué lo llaman modificarse. La realidad no tiene por qué amor cuando quieren decir sexo?) han escrito ser sinónimo de insatisfacción, con actitud este texto con el que seguro muchas mujeres podemos lograr disfrutar cada día peleando se sienten identificadas. Muchas más incluso por conseguir los sueños que nos hicimos en que las que lo han hecho con 50 Sombras nuestra juventud. Esta obra es un divertido de Grey, porque es más real que el paso del homenaje a ellas, las luchadoras que abren tiempo suele viajar con un mal endémico que camino, pero también es un acicate para nos afecta y mucho: insatisfacción vital. las demás, las que están en búsqueda de la Las televisivas (aunque cada vez más fuerza necesaria para afrontarlo. Sergio Díaz teatrales) Miriam Díaz Aroca y Belinda

Our Town No es una obra muy conocida en nuestro país, aunque se dice que todos los días del año se representa este texto de Thorton Wilder en algún lugar del mundo. De hecho es la función más representada en los EEUU desde su estreno en 1938, así que se ha ido convirtiendo en un compendio de historia teatral en sí misma. Nos cuenta la historia de un pequeño pueblo norteamericano de principios del siglo XX, la vida de sus habitantes representada en una obra coral, donde todos los personajes son imprescindibles para el desarrollo de la dimensión más profunda de la pieza. Como dice el propio autor sobre la obra: “Un intento de encontrar un valor por encima de todo premio para los acontecimientos más pequeños de la vida.”

Un cotidiano Carpe Diem

Gabriel Olivares dirige este texto de Thorton Wilder, que es un auténtico canto a la vida

Desde el 23 de abril Teatro Fernán Gómez

En Grover`s Corner la vida de sus habitantes -como las familias Gibbs y Webbtranscurre a lo largo del tiempo en una existencia sencilla que oculta en su simplicidad el secreto de la vida y de la muerte. Y de la felicidad. Grover`s Corner es un pequeño pueblo del este de los Estados Unidos, pero ha conseguido ser, con el paso del tiempo, cualquier pueblo y todos los pueblos del mundo. Este paseo diario por la cotidianidad de sus gentes irradia un humanismo conmovedor. Nos desnuda a sus habitantes, nos los presenta sin artificios y nos muestra la verdad poética de sus vidas basada en disfrutar de los pequeños momentos. Gabriel Olivares y su compañía TeatroLab El Reló nos dan un toque de atención con esta nueva versión de Our Town que nos conmina a disfrutar de la vida con este texto, un cotidiano ‘carpe diem’ muy necesario para afrontar el día a día y ser conscientes de lo afortunados que somos por el mero hecho de vivir. Sergio Díaz

entrevista

FOTO: Sergio Parra

José Luis Gil “Suscribo el 90% de lo que dice mi personaje, por muy pesimista que pueda parecer” por Irene L. Navarro Muchos te conocen por tus míticos papeles en Aquí no Nada menos que una obra de Woody Allen. ¿Qué hay quien viva y La que se avecina, pero llevas en el nos cuenta esta obra? ¿Está muy presente el sello del teatro desde niño. ¿Cómo comenzó tu carrera? emblemático director neoyorkino? Mi carrera comenzó por una cabezonería de mi hermaEl sello Woody Allen se ha respetado al máximo, está na mayor cuando yo era niño. Mi muy presente en el texto y en los hermano mayor y yo nos poníamos personajes. La obra un cuento, es a cantar y a hacer tonterías en casa. una especie de Pigmalión que se El actor da vida a un miMi hermana estaba convencida de niega a serlo pero que termina sántropo malhumorado que yo había nacido para ser actor y siéndolo y con una chica joven en la versión teatral de cuando tenia 11 años hacía castings, que aparece de un pueblo de las Si la cosa funciona, de castings de los de aquella época que profundidades de Dallas y que se Woody Allen eran convocados por la prensa y mi la encuentra en la calle prácticahermana me llevaba y la verdad es mente como una vagabunda. Es la que me solían coger. Y así empecé A partir del 10 de abril lucha de mi personaje por querer Teatro Coﬁdis Alcázar a trabajar en algún dramático de respetar su intimidad, su soledad, TVE… los Estudios 1, las novelas, para él es lo mas importante… es etc. En aquella época los nombres su lucha constante porque a los se pasaban y de ahí también me surgió hacer teatro demás nos considera pequeños microbios que no se infantil en el Teatro Español haciendo de Tom Sawyer. Al enteran de nada. mismo tiempo que trabaja y mal estudiaba, me formaba en arte dramático con 12 años. A los 17 o 18 años ya Boris, el protagonista que tú haces, es un hombre decidí que me iba a dedicar a esto y comencé con el con una terrible apatía por todo lo relacionado con teatro profesional. Llegué incluso a desfilar como modelo cualquier otro ser humano y que se tiene en muy alta infantil en pasarela, durante unos meses… Fíjate que es estima… Allen definió a este personaje diciendo: “Yo algo que no había contado nunca. lo he creado. No soy exactamente, quizás sea una extrema exageración de mis sentimientos...” ¿Estás ¿Qué opinas de la situación por la que está pasando la interpretando a Boris o más bien al propio Woody? cultura en estos momentos? Aunque públicamente Allen ha dicho que tiene mucho Espero que después de esa portada de ABC, le pongan de él, en la película a este personaje lo interpretó Larry fecha ya a la bajada del IVA cultural… ¡¿O es que David, que no tienen mucho que ver así en principio. es para otra legislatura?! Ya van tarde, no saben el Pero es muy Woody Allen en el pesimismo del que ha daño que han hecho, es un error tremendo indepenimpregnado al personaje principal. Boris es un profesor que ya tiene una edad, muy descreído y un hombre que dientemente de cualquier color político, de cualquier ideología, me parece un hecho objetivo… No se puede intelectualmente se cree superior y que a estas alturas grabar algo como es la Cultura a no ser que lo interde su vida ya no cree en nada, piensa que el ser humapretes como ocio. Si consideran que la cultura es ocio, no es una especie fallida y que quien más lo sufre esto que el teatro es ocio, se han equivocado de medio a son las personas que intelectualmente están por encima. medio: es Cultura, también es ocio, pero es Cultura. Todo esto, siempre en clave de comedia y como lo hace Woody Allen, con un texto brillante. Yo suscribo el 90% de lo que dice por muy pesimista que pueda parecer. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

estrenos

FOTO: Chos

Futuro 10.0

Del 17 de abril al 5 de junio Teatro Alﬁl

Hedda Gabler

Del 24 de abril al 14 de junio Teatro María Guerrero Estamos ante uno de los personajes femeninos de ficción más retorcidos y complejos de la historia. Su creador Henrik Ibsen fue capaz de construir una mujer que rompía todos los moldes sociales existentes en su época y en cualquier época. Un ser humano que sólo encuentra el sentido a su vida destrozando la de los demás. La obra, una de las más importantes y reconocidas del autor, se estrenó en 1891 rodeada de polémica por la toda la maldad y oscuridad que encerraba su protagonista. La historia de esta mujer recién casada con un hombre al que no ama y que mata el aburrimiento jugando con las vidas de los demás es llevada a escena por el director Eduardo Vasco con una versión de Yolanda Pallín. José Luis Alcobendas, Charo Amador, Ernesto Arias, Jacobo Dicenta, Cayetana Guillén Cuervo y Verónika Moral forman el elenco interpretativo.

Una comedia futurista dirigida por Chos que reune textos de Olga Iglesias y Álvaro Tato y que se presenta de la siguiente forma: “Hola humanos, soy Saraconor R 10.0, una cyborg venida del futuro programada para mostrarles a todos ustedes lo que les espera en el s.XXIII. El sexo, la familia, el trabajo o el turismo ya no serán lo mismo… ¿Se atreven a viajar con nosotros?”. Apartir de ahí veremos Sexo 10.0 (de Álvaro Tato, de Ron Lalá) en la que 10 busca cibernovia y 69 busca cibersexo, ¿un amor imposible en un mundo gobernado por robots?; Familia 10.0 (Olga Iglesias) en la que Ruth y Rocío despiden a Sara, su hija, una cafetera italiana de las de toda la vida, que ya tiene edad de independizarse; Trabajo 10.0 (Olga Iglesias) donde veremos una entrevista de trabajo en un futuro no muy prometedor, donde el agua ya no existe e Ibiza ha desaparecido por sus excesos; y por último, Pasado 10.0 (Olga Iglesias), que nos sitúa en una cabina de un vuelo hacia el pasado donde se ha colado una pasajera que necesita urgentemente volver al año 2014. Bienvenidos al futuro.

entrevista

FOTOS: Sergio Parra

Carolina Román y Tristán Ulloa “¿Cómo nos hacen y cómo nos transforman los vínculos familiares? ” por Álvaro Vicente tro de nosotros mismos y adentro de las cuatro El salto de autores como Carolina Román (o como paredes, las de la casa, la cárcel y el almacén Antonio Rojano que estuvo con La ciudad oscura donde trabaja la Negra. Eso me daba espacio el mes pasado) al Centro Dramático Nacional, no para homenajear a todos los vínculos familiares, hace más que confirmar, felizmente, uno de los incluidos los míos. Es una exorcización con tintes objetivos trazados por Ernesto Caballero para el centro público de producción durante su mandato: autobiográficos, porque creo que los primeros vínculos son los que nos marcan de por vida, estar atentos al Off y posibilitar que esos profeaprender a defendernos del desamor y las casionales puedan seguir creciendo en un entorno rencias ahí dentro nos hace ser de una manera o de creación tranquilo y sustentado sobre los tener exceso de protección de otra. Y esta familia pilares de una institución pública. El germen de será muy peculiar, pero no más que la tuya y la esta obra de Carolina Román, como ocurrió con de cualquiera”. el gran éxito que les ha abierto tantas puertas, Román es autora y protaPunta de iceberg En construcción, es muy gonista de Adentro, otra Esta es una de esas obras en las pequeño, una escena de que se plantean una situación y radiografía familiar certera la función que se hizo unos personajes y asistimos a un en Microteatro hará que dirige Ulloa segmento de vida donde parecen unos 4 años y que se llaasomar temas y conflictos sin que mó Vis a Vis. “Eran dos lleguen a encararse directamente. personajes en la cárcel Del 15 de abril al 17 de mayo Todo es latente, como en tantas -rememora Carolina- y a Teatro María Guerrero obras de Chéjov o de Pinter, obras mí me interesaba mucho iceberg donde se sugiere más de meterme en la vida de lo que se muestra. ¿Cómo se dirige ellos dos, pero sin juicio una obra así? “Yo intento -explica Tristán Ulloay sin prejuicio, sin maniqueísmos. Me preguntaque los personajes no tengan una sola cara. ba cómo sería esa familia, de dónde vendrían, Deben tener profundidad, pero no me refiero a porque es el resultado de algo muy concentrado. trascendencia: tienen que ser algo más de lo que ¿Qué le pasaba a la madre de ambos? Y así es muestran. El trabajo del director consiste más en como fui armándoles la historia familiar”. escuchar y no forzar las cosas por hacerlas verosímiles, porque entonces consigues lo contrario”. Homenaje al vínculo familiar Nelson Dante (El Negro), Araceli Dvoskin (Marga) La familia la forman dos hermanos, el Negro y y Noelia Noto (Male, amiga y compañera de la Negra, que son los que estaban en el vis a vis trabajo de la Negra) completan el reparto de una inicial de la cárcel, y la madre de ambos, Marga. obra que seguro nos apunta directa al corazón, Pronto será el cumpleaños de Marga y para que maneja cuestiones entrelíneas como el cáncer, celebrarlo la vieja quiere llamar a sus amigos de el alzheimer, el incesto, el maltrato o el parricidio, juventud, una época dorada en la que se quedó pero que sobre todo quiere preguntarse acerca anclada. “En Luciérnagas (otra obra de Román de la arcilla que somos y de los dedos que la que sigue en cartel en el Teatro del Arte) y en En moldean, de los pies que nos llevan y las huellas construcción se rompía la cuarta pared, pero aquí que van dejando en el camino. estamos adentro y no rompemos nada, aden-

estrenos

HAMLET uso del humor negro que laten a través Una aventura teatral sin precedentes. Con de todo el texto. Igualmente, celebra la motivo del 450 aniversario del nacimiento exuberancia y la inventiva del lenguaje de de Shakespeare, que se produjo el 23 de una pieza inagotable que encuentra en abril de 2014, la compañía del Globe, el cada época y en cada creador, una fuente célebre teatro octogonal de Londres que rede nuevas significaciones. Una compañía produce uno de los coliseos a cielo abierto de 12 actores lleva, pues, por tierra, mar del siglo XVII en los que trabajaba el autor y aire, en barco, tren, de Romeo y Julieta, coche y avión, la inmordecidió emprender una tal historia del Príncipe vuelta al mundo con La vuelta al mundo del de Dinamarca que, tras una nueva producción Shakespeare’s Globe con enterarse de la muerte de Hamlet, sin duda el el título más emblemático de su padre, regresa a título más emblemático del autor inglés hace su país para comprodel bardo inglés. Dirigiparada en Madrid bar que su tío Claudio da por el director artístise ha casado con su co del Globe, Dominic madre, Gertrudis. Por Dromgoole, pretende Del 21 al 24 de abril Teatros del Canal la noche, el fantasma visitar todos los países del rey, el padre de Hadel mundo en dos años mlet, le insta a vengar (la gira arrancó hace su asesinato, cruel y anti-natural. Intrigas justo un año y puede seguirse en globetogpolíticas, tensiones sexuales, reflexiones lobe.shakespearesglobe.com). Se trata de filosóficas y violencia. Todo cabe en el una puesta en escena fresca y jovial de la poema ilimitado de Shakespeare, una clásica tragedia del príncipe danés, que cumbre del arte, de todas las artes, a nivel da espacio y cuerpo tanto a sus venganmundial. Álvaro Vicente zas como a la comicidad y al enardecido

REPORTAJE

FOTO: MarcoGPunto

Trilogía de la ceguera por Álvaro Vicente

esta trilogía, un acontecimiento teatral que cabe De las 13 entradas (sólo 13) que aparecen en subrayar, alentar y agradecer. Tres jóvenes dila base de datos digital de estrenos del Centro rectores acometen en un mismo espectáculo tres de Documentación Teatral tras la búsqueda de piezas breves de Maeterlinck que reedita aquella ‘Maeterlinck’, hay 2 referidas a 2 montajes inolvidable experiencia que fue Avaricia, lujuria de La intrusa y otros 2 de dos montajes de Los y muerte, un espectáculo sobre tres piezas de ciegos. Los cuatro en Catalunya. El autor belga, Valle-Inclán que hicieron Ana Zamora, Alfredo Premio Nobel de Literatura en 1911, no ha Sanzol y Salva Bolta. En este caso, son Vanessa sido precisamente uno de los más recurridos Martínez, que se hace cargo por nuestros directores, de La intrusa (1890), Raúl productores y teatros. Y eso Fuertes, que se atreve con que a principios del siglo XX Tres directores para tres Los ciegos (1890), y Antonio tuvo una importancia capital títulos del gran autor C. Guijosa, que dirige Inteen el establecimiento de la teatral belga, Maurice rior (1894), concebido inidramaturgia contemporánea Maeterlinck: La intrusa, cialmente por su autor como junto a Chéjov o a Ibsen, Interior y Los ciegos. “drama para marionetas”. nutriendo con sus textos Tres textos que ejemplifican el imaginario de nombres a la perfección lo que los tan decisivos de la escena Del 22 de abril al 24 de mayo Teatro Valle Inclán tres directores señalan: que europea como Stanislavski Maeterlinck es un precursor o Meyerhold. En España, del suspense que alimenta la Generación del 98 lo luego el cine de Hitchcock, construyendo inquietenía entre sus dioses particulares. De hecho, tantes viajes emocionales a través de los miedos Valle-Inclán y Azorín lo adoraban y el primero y terrores básicos del ser humano y consiguiendo contribuyó a que el teatro del belga llegara aquí tres auténticas ‘bombas de relojería’. con sus traducciones. Es, pues, este montaje,

Antonio C. Guijosa. Interior Una función intrigante y perturbadora, una función sobre una mirada, sobre un tipo de mirada. Los personajes que miran, al conocer una realidad que los personajes observados ignoran, perciben el mundo de una manera distinta, completamente nueva. Lo que observan les resulta de repente extraño, ligeramente borroso, casi irreal. Y ya no quieren hacer lo que han venido a hacer. La pieza es tan abierta que admite muchas posibilidades. Yo he querido centrar el montaje en los personajes que miran, en esos personajes que permanecen fuera sabiendo que más tarde o más temprano tengan que dar la noticia. Saben que es inevitable, pero hasta que llegue ese momento observan y esperan.

Raúl Fuertes. Los ciegos Para mi esta obra es una metáfora clara y desoladora de nuestra sociedad contemporánea, una radiografía de la profunda crisis espiritual y ética que padecemos en nuestra irónicamente llamada ‘sociedad del bienestar’, donde realmente no vivimos, sino que ‘sobrevivimos’, en esta deriva ideológica y moral que es nuestro país y Europa: la pérdida de sentido vital, la soledad y falta de comunicación interpersonal en la era de internet, la corrupción, la apatía social, la pérdida de valores y derechos del ciudadano, las tensiones y ansiedades que todo ello nos genera, no son sino los restos de un naufragio anunciado y que jamás quisimos ver.

Vanessa Martínez. La intrusa La Intrusa es un psicothriller simbolista; es la historia de una familia degenerada por su endogamia, compuesta de espectros, ausencias y personajes desconcertantes. Todos tienen razones ocultas para no querer estar allí y, sin embargo, no pueden evitar estar. Todos ocupan una casa que no sabemos a quién pertenece. Todo sucede en el silencio, en la trágica cotidianidad. Todo transcurre bajo tierra, entre los diálogos sin salida que separan a los interlocutores en vez de relacionarlos. La Intrusa constituye uno de los textos pilares del simbolismo nórdico. En España alcanzó un gran éxito a principio del siglo XX gracias a Valle Inclán, que fue traductor y admirador declarado de Maeterlinck.

la visual

Voyeur Vamos a ir avisando que a más de uno y a más de una se le van a subir los calores con este montaje, un proyecto teatral que propone cinco encuentros sexuales en rincones ocultos del Teatro Galileo para que sean mirados. Sí, normalmente el público va al teatro a mirar lo que sucede, pero todas sus reacciones están convenientemente establecidas y fijadas. Pero aquí la pregunta es: ¿qué harías si te encontraras con una pareja practicando sexo a escasos centímetros de ti y no pudieras irte? Bueno, hay que decir que la propuesta no es tan básica como pinta, sino que su creadora, Patricia Jordá, psicóloga y sexóloga además de actriz, quiere profundizar en el órgano más erógeno de nuestro cuerpo: el cerebro. “Se pretenden superar conceptos arcaicos que reducen el encuentro sexual a la genitalidad y al coito”. Teatro Galileo. Del 16 de abril al 31 de mayo

panorámica

Pingüinas por Álvaro Vicente nales trabajos de María Jesús Valdés, Pérez de Juan Carlos Pérez de la Fuente deja huella como la Fuente se estrena ahora en el ente público director artístico de un teatro público. Ya lo hizo municipal con otra de Arrabal y recuperando un en su paso por el Centro Dramático Nacional, poco los aromas y las grandilocuencias -en el donde le tocó lidiar con las termitas en el María mejor sentido- de su Pelo de tormenta, que abrió Guerrero y con las obras del Valle-Inclán. Tamsu periplo en el CDN. bién puso en órbita a autores no siempre reconocidos y montados como merecen, a pesar de Cervantas moteras su importancia incontestable: Nieva, Max Aub, El primero de septiembre Buero Vallejo, Alfonso Sastre de 2014, Pérez de la y... Fernando Arrabal. Una Fuente levanta el teléfono y de las primeras cosas que ha Arrabal ha escrito el gran llama a Fernando Arrabal. hecho Pérez de la Fuente en homenaje teatral a CervanLa cosa debió ser más o este 2015, que es realmente tes y a sus cervantas, las menos así: “Fernando, te su primer año al frente de mujeres de su vida, y Juan voy a hacer un encargo. los teatros del Ayuntamiento, Carlos Pérez de la Fuente Necesito que escribas una ha sido rebautizar salas. Y a ha vuelto para liarla parda obra, por y para los madrila grande del Matadero, la leños, que nos sirva para Nave 1, le ha puesto el nomDesde el 23 de abril homenajear a Cervantes. Naves del Español-Matadero bre del autor de El cementerio En 2015 se cumplen 400 de automóviles. Igual que inaños de la publicación auguró la sala de La Princesa de la segunda parte del del María Guerrero con aquel Quijote, así que es necesario que lo celebremos, inolvidable montaje de Carta de amor (como un y quiero que sea con un texto tuyo.” Un texto suplicio chino), una de los últimos y excepcio-

que debía llegar en diciembre. Pero no llegaba. Y el 31 de diciembre, mientras el mundo comía uvas y soplaba matasuegras, Pérez de la Fuente se quedaba sin uñas frente a su ordenador esperando el texto de Pingüinas. “¿Pingüinas? Pero Fernando, ¿los pingüinos no son esos moteros que se juntan cada año en Valladolid? Esos mismos”, respondió el pequeño gran hombre al otro lado del teléfono. “Creo que el teatro nace de la necesidad”, dice Pérez de la Fuente, “y yo había tocado las teclas oportunas, porque Arrabal tenía muchas ganas de adentrarse en ese universo tan particular, tan español, tan contradictorio y tan libre como es el universo cervantino. Y ahí están esas pingüinas, que son las cervantas. Las cervantas y las quijotas, las mujeres de Cervantes, su familia, hermanas, hijas, esposas, madres y abuelas. No se puede entender el universo de Cervantes sin las mujeres, mujeres libres en un siglo tan particular, mujeres valientes. Arrabal ha creado un juego de espejos muy interesante, es un texto muy barroco, que dialoga perfectamente

Gran segunda parte Cervantes publicó en febrero de 1615 la segunda parte de Don Quijote, un año después moriría. Estas son las excusas que sirven de detonante para este montaje que traza una línea directa entre el genio de Alcalá de Henares y el de Melilla, autor de Pingüinas. La obra de Arrabal escoge como base argumental uno de los episodios más emblemáticos de la segunda parte de la gran novela española, el capítulo 41, “De la venida de Clavileño, con el fin desta dilatada aventura”, con aquella broma que le gastan los duques a Quijote y Sancho en aquel caballo de madera. “A partir de aquella anécdota”, apunta Pérez de la Fuente, “Arrabal construye un texto complejo, hermoso.” 2015, y abril, como siempre el mes del libro, serán buen momento para volver sobre este monumento literario, una segunda parte que muchos coinciden en asegurar que supera a la primera, donde el ingenioso ya no es “hidalgo”, sino “cavallero”, donde Quijote regresará definitivamente a su pueblo con el juicio recuperado (¿alguna vez lo perdió?) y vuelve a ser Alonso Quijano, el Bueno.

panorámica

Los Pingüinos que cada año toman Valladolid

Es la gran pregunta: ¿por qué Arrabal usa de partida el nombre de estos moteros, que hacen rugir sus motores cada año cerca de Valladolid en la que es la mayor concentración invernal de Europa? Bueno, puede que la respuesta esté en un suceso ocurrido en la capital castellano-leonesa en 1605, el llamado caso Ezpeleta, un proceso judicial que sentó a Cervantes en el banquillo acusado de proxeneta. Parece ser que fue una acusación sin pruebas y que no pasó de ser una calumnia. No sabemos cómo Arrabal habrá ligado este hecho con los moteros de Valladolid, habrá que esperar a ver la obra, porque su director prefiere no hablar para no lanzar spoilers. El caso es que las protagonistas y el texto están bajo el nombre de pingüinas y nosotros aprovechamos para hablar de una concentración de motos que, en la edición de este año, ha sido prohibida. Eso sí, en su web (lapinguinos.org) ya hay fecha para la del año que viene, del 7 al 10 de enero. Porque la leyenda continúa. Cervantes, Arrabal, moteros... ¡¿qué es todo esto?!

con lo que fue el Siglo de Oro español, con Las meninas de Velázquez, con La vida es sueño de Calderón. En ese caldo es donde se coció la gran novela del mundo, nuestro Quijote.”

10 actrices y un actor

María Hervás, Ana Torrent, Marta Poveda y Lola Baldrich encabezan un reparto netamente femenino que salió de una convocatoria pública a la que llegaron a presentarse 1400 candidatas. “Tenían que tener ante todo capacidad emocional, vocal y corporal, tener aguante y energía, porque es un montaje muy físico. Y tenían que saber montar en moto”, explica el director, que se ha traído para el trabajo de movimiento nada menos que a Marta Carrasco, que hace mucho que no

veíamos por Madrid. Un universo femenino necesario para entender a Cervantes y para entender a España, en definitiva. Porque Cervantes es España. A él, que nada de lo humano le era ajeno, le debemos haber creado esa pareja que combina la locura con la ingenuidad tan magistralmente. Y a Arrabal le debemos que sea nuestro autor más importante fuera de nuestras fronteras. No esperemos a que muera para que toda España lo sepa por la cabecera de un telediario o por un obituario en prensa.

Las actrices, seleccionadas entre 1400 aspirantes, debían saber montar en moto y tener una gran resistencia física

entrevista

Fernando J. López “No me gusta dar lecciones en mis obras” El autor espera reeditar el éxito de su obra anterior, Cuando fuimos dos, con De mutuo desacuerdo, que protagonizan Tony Acosta e Iñaki Miramón Del 1 de abril al 31 de mayo Teatro Bellas Artes

Una curiosidad: ¿sabías que eran Miramón y Tony Acosta los protas? Porque parece que les viene como anillo al dedo la obra... No, no, para nada. Tras Cuando fuimos dos, quería seguir abordando el tema de la pareja y quería hablar de otra pareja, en este caso heterosexual, con un problema totalmente distinto: la paternidad. ¿Cómo te enfrentas a la paternidad cuando tienes que aguantar a tu ex, y a las parejas de tu ex? Sólo tenía claro que sería una comedia ácida, pero ni idea de quién la haría. Que luego fueran Tony e Iñaki fue una sorpresa maravillosa. Una comedia ácida, e incluso amarga... Totalmente. Es una comedia cuya base son dos personas muy heridas que se enfrentan a muchas dificultades para reconstruir su vida, su maternidad y su paternidad, con alguien a quien ya no quieres ver. Pero no me gusta dar lecciones durante la obra. La comedia tiene que ser humor y la reflexión ya la pone cada espectador. ¿Te ha servido la experiencia con los chavales, como profesor que eres, para hablar de dos padres separados que no se entienden? Desde luego. Hay un símbolo claro en la obra, que es el hecho de que el personaje ausente sea el hijo, porque lamentablemente en muchos de estos conflictos el hijo se vuelve invisible, se vuelve motivo de pelea y arma arrojadiza, y tenemos que tomar conciencia de que es terriblemente injusto para ellos. Fíjate que me llegó a escribir un chico de 12 años, que fue a ver la obra con su madre, para agradecerme que contara su vida. Me dejó perplejo. Sabemos que tienes otra obra en cartera y nos gustaría que nos avanzaras algo... ¿puede ser? ¡Claro! Es un monólogo que se llama Los amores diversos y es la historia de una mujer que, después de recibir la noticia de la muerte de su padre, entra en su despacho con la excusa de buscar un texto para leer en su entierro, pero lo que realmente busca son respuestas. Es un viaje entre libros, entre autoras, entre poemas con los que va recomponiendo la relación con su padre, la historia de amor que vive en secreto con otra mujer y el amor hacia sí misma, que es el que más desdibujado estaba. Lo hará Rocío Vidal y quizás se estrene tras el verano. Álvaro Vicente

Esta divertida comedia ha surgido del imaginario de ese genial dramaturgo contemporáneo que es Jordi Galcerán, el autor español de comedia con más proyección internacional que ha elaborado piezas ya imprescindibles en los escenarios como El método Gronhölm, Burundanga o El Crédito. Dakota fue la primera piedra en ese exitoso camino, una seria pieza de humor que navega sobre la delgada línea entre la realidad y la fantasía y que nos lleva tanto a la risa como a la reflexión. Teatro del Temple nos cuenta la historia de Hipólito Jarama quien, tras un grave accidente, sueña extraños personajes que auguran la muerte de su primer hijo. Meses más tarde, el niño muere durante el parto. Esto unido a otras coincidencias, le convencen de que sus sueños predicen el futuro. En uno de estos sueños aparece Laura, su mujer, besándose con un protésico dental. Hipólito, a partir de este momento, tendrá un solo objetivo: comprobar si este presagio se cumple en la realidad.

Dakota

2, 9 y 23 de abril Teatro Lara

Fuenteovejuna

Del 8 al 30 de abril Centro Cultural Conde Duque

Fuenteovejuna aborda la conocida historia de un pueblo que, harto de los abusos a que se ve sometido por los gobernantes, pone fin a los desmanes del opresor rebelándose contra él y dándole muerte. Los Reyes Católicos sancionan con su autoridad el crimen, conscientes de que la acción popular favorece la instauración del nuevo orden que ellos representan. Este nuevo orden será el encargado de administrar, en última instancia, justicia sobre los desmanes pasados, con una nueva legalidad que no deberá ser despótica ni oscurantista, sino acorde a los nuevos tiempos: el Medievo se cierra, para dar paso a la Era Moderna. La Joven Compañía vuelve a proponernos este clásico de Lope de Vega, bajo versión de Juan Mayorga. Un texto imperecedero ideal para tiempos de cambio como los que vivimos. S. Díaz

entrevista

Javier Gurruchaga “Pluto es un dios para una utopía” ¿Por qué algo escrito hace 25 siglos puede ser dicho y contado hoy y seguir interesando, conmoviendo...? Bueno, parece ser que lo que contaba Aristófanes referido al reparto, también injusto, en general, de la riqueza, de las libertades en la vida de entonces, pues sigue existiendo igualmente ahora. Los griegos lo inventaron todo y si hablaban de desigualdad, lo hacían con propiedad, porque 25 siglos después no hemos evolucionado tanto. Y por eso sigue interesando. Dice Magüi Mira, la directora del montaje, que Pluto es “la fiesta de la utopía, una fiesta donde la pobreza está erradicada y la riqueza distribuida equitativamente”. ¿Hay que hacer mucho esfuerzo, como persona y como actor, para ponerse en esa tesitura, para “habitar” esa utopía precisamente en la España de 2015? Un actor puede hacer de Enrique VIII o de Ricardo III o de Pluto, puede hacer mil personajes, aunque sea todo una mentira, como lo que es en este caso, una farsa, un disparate. Es verdad que Pluto es un dios de utopía, porque está todo mal repartido, triunfa más la pobreza que Pluto. Pero bueno, un actor puede meterse en muchas pieles, somos camaleones, aunque no se esté de acuerdo con ellas, es jugar con cosas con las que no comulgamos, ni entonces ni ahora, pero que están ahí. La historia se repite y por eso se repiten los conflictos. El ideal del reparto equitativo de la riqueza está muy lejos de cumplirse.

Estrenada el pasado verano en el Festival de Mérida, Pluto, de Aristófanes, enfrenta a la riqueza contra la pobreza en clave de comedia musical Hasta el 3 de mayo Teatro La Latina

Me gustaría que me hablaras de ese antagonismo que protagonizas entre el dios de la riqueza, que quiere ser justo y ecuánime, y la diosa de la pobreza, más pérfida tal y como tú mismo la has calificado en alguna ocasión. Es llamativo cuando para nosotros (o para algunos de nosotros) la riqueza se suele asociar a algo más perverso e injusto y la pobreza tiene un componente más noble… Sí, es todo una gran contradicción. La pobreza defiende lo suyo y como tal lo defiende con uñas y dientes, y es como una enfermedad, en sí la pobreza no es buena. Como personaje es mala y Pluto es un bobalicón, más utópico, más psicodélico si quieres. La pobreza sale con esa peluca y esa ropa que son propias de estercolero y la riqueza es una pobre ciega. Álvaro Vicente

DANZA

Carmen

Compañía Nacional de Danza

En este estreno absoluto de la CND el sueco Johan Inger afronta el reto de montar una de las obras de mayor carácter español. Para ello, el director y coreógrafo ha querido aportar su granito de arena a este mito universal centrándose en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Partiendo de este enfoque, Inger crea un personaje que propicia que seamos testigos de todo lo que pasa a través de sus ojos inocentes, a la vez que contemplamos su propia transformación. La música de Rodion Shchedrin y Georges Bizet recorrerá el espacio creado por el escenógrafo Curt Allen Wilmer que se sintetiza en 9 prismas móviles con tres caras diferentes cada uno con los que se van articulando los diferentes espacios. La producción cuenta con la dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl y el vestuario de David Delfín marcado por las pautas de sobriedad, atemporalidad y contemporaneidad. Teatro de la Zarzuela. Del 9 al 19 de abril

CRÍTICAS

Crituits

Crítica: Artículo 47 Teatro Por María José Moral

Desahucio y musical Estrenada anteriormente en Teatro del Barrio y tras su paso por el Teatro del Arte, se representa ahora en el Teatro Alfil. Artículo 47 cuenta la historia de una joven pareja que, víctima de la crisis y los mercados financieros, pierde sus empleo, su casa y el hogar del padre de ella, que los avala en su hipoteca con el banco. El drama, a priori, está asegurado, si no fuera porque el proyecto, de creación colectiva, apuesta por una dramaturgia en clave de humor y por el género musical. Ocho actores y actrices forman el elenco de esta obra que flojea en calidad interpretativa. Es destacable, favorablemente, el trabajo de Carlos Troya y Javier Godino, pese a que este último pierde a veces su personaje llevando el texto a un registro más personal. La creación de atmósferas en el desarrollo de las escenas brilla por su ausencia y, en este sentido, la dramaturgia no ayuda demasiado a hacer verosímiles las situaciones pues, pese a que el montaje cuenta con una acertada estructura dramática que te mantiene en vilo hasta el final, la historia se desarrolla con unos textos en ocasiones algo pobres y unos argumentos que llegan a infantilizar el agresivo y complejo funcionamiento del sistema capitalista personificándolo en “un banquero malo” como el villano de la historia. Frente a esta carencia en la propuesta, también austera en escenografía y vestuario, son de agradecer los momentos musicales, perfectamente interpretados y con una acertada forma de introducirlos, y de la misma manera los momentos corales, recogidos de testimonios reales, enriquecen la escena y amenizan el montaje, especialmente el de los rumanos, que el público premió con un aplauso espontáneo. La obra gana en ritmo y fuerza dramática hacia el final.

Crítica: André y Dorine Teatro Fernán Gómez Por Álvaro Vicente

Lección de vida y amor Aunque pueda parecer un chiste malo, André y Dorine es un espectáculo que te deja sin palabras, no porque no pueda hablarse de él, sino porque como creación artística, casi en la categoría superior de obra de arte, apela más a la emoción y al sentimiento que a la razón. Y eso es fundamentalmente porque se trata de una historia de amor. De amor y paso del tiempo. De amor y vejez. Es tan profundamente humano y hermoso lo que narra esta historia que parece mentira que sea un espectáculo de máscaras, donde, por fuerza, toda emoción se unifica en un solo gesto. O no. Ahí está la pericia de los actores. Y ahí el secreto del éxito internacional de este montaje, que ha recorrido países y culturas diferentes con la misma “facilidad” para emocionar públicos tan diversos. La primera escena, los primeros 3-5 minutos, ya marcan claramente lo que va a ser el resto de la obra, una obra sustentada en una precisa, elaborada e ingeniosa (a ratos genial) dramaturgia de objetos. Son los objetos los que cuentan la historia. Ese primer duelo entre la máquina de escribir y el

violonchelo sirve para establecer el conflicto, base de todo entramado teatral, y presentarnos a André como un viejo huraño y egoísta y a Dorine como una mujer que no se arredra, que ocupa su sitio y lo defiende. También nos habla de la distancia que el tiempo y la costumbre han abierto entre la pareja. Y esta pincelada, brochazo más bien, servirá para crear el contraste necesario de cara al posterior desarrollo de los hechos y los personajes. Desde ese arranque, la historia fluye tan sencilla como eficazmente, llevando a un público entregado hacia un final dramático pero lleno de esperanza. Son muchos los momentos dramáticos, sí, incluso lacrimógenos, pero están sabiamente combinados con golpes cómicos, divertidos y entrañables. La vida misma. Identificación inmediata y total. Nos reímos con ellos, lloramos con ellos, nos enfadamos y nos enamoramos. Ponemos mentalmente las palabras que no están. Hacemos la historia junto a los actores. Eso es un regalo para un espectador. Te da la experiencia con la que compruebas que como el teatro no hay nada. Hace afición. Apasiona.

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 26 de marzo

en familia

1983 Comienza la andadura del Teatro Sanpol y de la compañía La Bicicleta

Sanpol

Una historia de teatro Pinocho 1988

1994

1997

La silla voladora

El soldadito de plomo

La gata Pascualina y el ratoncito Pérez 2000

por Sergio Díaz La Plaza San Pol de Mar es un pequeño rincón de la ciudad de Madrid, cerca del Río Manzanares, bastante desconocido para muchos de los habitantes de nuestra ciudad. Pero hay una parte de la población muy importante que conoce muy bien ese lugar: l@s niñ@s. Y es que en esa plaza se levanta el Teatro Sanpol, el único teatro en España que dedica su programación íntegra a la infancia y la juventud. Esta aventura empezó hace ya 32 años gracias a la ilusión Desde Godot queremos de dos personas: Ana María homenajear los 32 años Boudeguer y Julio Jaime de trayectoria teatral de la Fischtel. “Ana y yo llevamos Sala Sanpol y la compañía ya 40 años haciendo teatro La Bicicleta para niños. Los primeros años de acá para allá siempre haciendo giras, pero sentimos la necesidad de encontrar un lugar en el que asentarnos y poder preparar mejor los montajes y hace 32 años creamos el Teatro Sanpol y la compañía residente La Bicicleta“ nos cuenta Julio rememorando los inicios. “Tener un teatro estable te permite crear espectáculos de mejor calidad, con un mejor decorado, con más elenco, más medios técnicos...” Julio nos cuenta la historia de Sanpol tranquilo, sin darse importancia, pero en mi cabeza se van sumando toda la cantidad de sueños y sonrisas que han provocado en l@s niñ@s de media España durante todo este tiempo y no puedo por

menos que sentir un profundo agradecimiento hacia personas como él y como Ana, que luchan para levantar proyectos así. Cuando Madrid era un erial teatral para los más pequeños ellos apostaron por acercar el teatro al público más exigente que hay, el de aquellos que siempre dicen la verdad. “Los espectáculos que hacemos en Sanpol llevan un gran trabajo detrás. Ana y yo escribimos la versión, las letras de las canciones y luego los músicos crean la música original, se crean los decorados, el vestuario... hay un gran grupo de profesionales tras cada montaje de Sanpol y eso no es fácil, sobre todo luchando contra la lacra del 21% de I.V.A. que nos masacra a todos”, apostilla Julio.

El abuelo se ha vuelto loco 2001

La dama duende

2003

El Quijote y yo

2005

La Isla del Tesoro

2008

La Bella durmiente (nueva versión)

2010

Adáptandose a los tiempos

Repasando la historia también echamos una mirada al futuro de la sala y lo hacemos con Natalia Jara, actriz y directora y que últimamente es la que se encarga de la puesta en escena de los montajes de la Bicicleta: “Yo sigo la línea maestra marcada por la dirección original de Ana María Boudeguer, pero trato de adaptar los montajes a los nuevos tiempos. Todo va mucho más rápido para l@s niñ@s ahora y hay que actualizarse para engancharles al teatro. Nosotros lo hacemos utilizando una música más moderna, una puesta en escena más novedosa, usando herramientas que nos proporcionan las nuevas tecnologías... pero siempre manteniendo la seriedad y las características que han llevado a Sanpol y La Bicicleta hasta aquí”, un sello de calidad reconocible por todos y que se han ganado a pulso. En marzo acabamos de ver una versión revisada de El Quijote y yo (foto arriba). A mediados de abril nos traen Jack y las alubias mágicas (foto derecha), el próximo noviembre llegará La bella durmiente... la maquinaria de Sanpol no para y esperemos que siga así otros 32 años por lo menos. Aún hay muchas ilusiones por crear en esta mágica plaza de la ciudad de Madrid.

Tras cada obra para niños de la compañía La Bicicleta hay un gran trabajo detrás de muchos profesionales

La Cenicienta (el musical)

2014

entrevista

Noé Denia y Nacho del Valle “La política ahora es como un Chelsea-Atleti” LA EXÉGESIS DE DOS ENAJENADOS Camisas de fuerza es una obra sobre las actitudes que se pueden tomar ante un mundo que te desespera, que te aísla, que está en crisis. Hacerlo a través de dos locos nos permite llegar a extremos donde la gente normal no llegaría, porque siempre dicen la verdad, no tienen nada que perder. (Nacho del Valle) UN CIERTO SABOR A CLOWN El texto, sobre el papel, presentaba mucha dificultad, y ahí es donde Manuel Gancedo, el director, tuvo un papel fundamental para ir encontrando las formas. Nos dejaba jugar y sin buscarlo premeditadamente bordeamos el lenguaje del clown. (Noé Denia) OTRAS DOS ESPAÑAS Las dos Españas no son ya las de hace 10 años, ahora son la que se resigna con lo que hay y la que quiere otra cosa. Esas dos opciones cubren un espectro muy amplio y nuestros personajes son reflejo de ello. (Nacho del Valle) SOPA DE GRISES Se tiende siempre a la bipolaridad. Cuando los grises toman fuerza, se convierten en blancos o en negros. Pero los grises siempre están y nosotros en la obra, que creo que es un gran acierto, transitamos a través de ellos. Nos sirve para comprobar que ninguno de los dos tiene la razón al 100%, que es cambiante. (Noé Denia)

Un pim-pam lleno de ideas, a vueltas con la bipolaridad. Camisas de fuerza sube un peldaño con su lectura delirante de la vida y la política Desde el 1 de abril Teatro Lara

CHELSEA-ATLÉTICO DE MADRID La política ahora mismo es un Chelsea-Atlético de Madrid: están los dos esperando durante 90 minutos a que el otro se equivoque para tirar un contraataque. (Nacho del Valle) NO NOS MIRES, ÚNETE Ahí afuera están pasando cosas, hay una revolución. Oyes el ruido. ¿Qué haces, sales y te unes a ellos o te quedas parado, mirando? (Noé Denia) LA POLÍTICA ES UN PARCHÍS Al final, el juego político se plantea siempre reducido encima de un tablero en el que hay cuatro colores y gana uno. (Nacho del Valle)

álbum Sexpeare

En nuestro número anterior, el de marzo, en la página 14 publicamos los cromos, es decir, unos cuantos carteles de obras de Sexpeare, que siguen este mes en el Teatro Maravillas con H, el pequeño niño obeso quiere ser cineasta. Las 2 primeras personas que lleven a la taquilla esta página con los cromos en su sitio... se ganan una entrada doble para ver a estos punkis del humor.

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lírica

Foto: A. Boﬁll

La Traviata Única ópera de Verdi cuya accrueldad de una clase social ción se desarrolla en su contempara la que todo se compra y poraneidad, La traviata, basada se vende. Sobre ese suelo de en La dama de las camelias de amarga fugacidad, solo Violetta Alejandro Dumas, se convirtió, se alzará como una heroína tras su inicial rechazo, en una clásica, cuyo sacrificio trasciende de las obras más aplaudidas el amor y la muerte. Estos dos tedel compositor. Y ello por los mas sobre los que gira la ópera valores universales que laten tras protagonizan también la puesta la tragedia de una cortesana en escena de David McVicar, mundana -una más de la estela quien, con su habitual elegancia, que en la historia de la ópera sitúa el drama en un mundo de han sido-, que renuncia incluso a referencias románticas sin dejar la vida por salvar el honor de su de percibir la mirada actual. amante, demostrando con su abnegación una grandeza de la Ópera de Verdi en tres acque carece la hipócrita tos con libreto de Francessociedad burguesa co Maria Piave interpretaque abusa de ella da por el Coro y Orquesta para luego rechaTitulares del Teatro Real zarla. Una historia que Verdi consagra como mito a través de Del 20 de abril al 9 de mayo una música de una Teatro Real profunda humanidad y recreación psicológica de los personajes y sus sentimientos. El “popoloso deserto, che appellano Parigi” oculta, bajo la apariencia del lujo y el placer frívolo, la descarnada

Este montaje es un espectáculo musical divertido que, eso sí, necesita que sus intérpretes sean cantantes de ópera... con lo que ello significa y con el posible rechazo que eso puede generar. Pero dejemos el miedo a un lado y preparémonos para disfrutar de un texto irónico que deja más que claro la rivalidad (mortal) entre cantantes que se da sobre todo en este género. Esta joya escénica firmada por Tom Johnson se estrenó en 1976, y desde entonces se ha estado representando ininterrumpidamente en algún rincón del mundo. Ahora es Paco Mir (Tricicle) quien dirige esta ópera minimalista compuesta exactamente con cuatro notas hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas con el fin de que cada director de escena juegue con los cinco personajes que parodian las cinco voces de una ópera -tenor, barítono, soprano, mezzo y bajo-, interpretadas por un pianista. Le gustará a los amantes de la ópera y, afirmamos rotundamente, le gustará a los que creen que no les gusta la ópera.

La ópera de cuatro notas Del 8 al 19 de abril Teatros del Canal

lirica

La Cía. Estudio Lírico de Madrid junto a la Orquesta Filarmónica Mediterránea nos presentan La Traviata de Giuseppe Verdi. Esta Compañía surge en el panorama musical en el 2003. La integran músicos, cantantes líricos, actores y bailarines españoles y latinoamericanos que ofrecen óperas y zarzuelas de calidad. Esta ópera en tres actos nos cuenta la historia de Violeta, una distinguida cortesana parisiense que se enamora de Alfredo Germont. El padre de Alfredo intenta que su hijo vuelva a la vida ordenada, y, convencido de que el amor puede más que su autoridad, se humilla y va a rogar a la amada de su hijo que termine aquella relación que tanto perjudica a Alfredo. Violeta convence al anciano de la sinceridad de su amor, y, sacrificándolo por el bien de su amado, se va de la casa y deja escrita una carta frívola y cruel. Alfredo, herido por el desengaño y picado por los celos, ofende grave y públicamente a Violeta, y entonces su padre le explica lo sucedido y la grandeza del amor de ésta.

Madame Butterfly Del 8 al 12 de abril Teatro Compac Gran Vía

La Traviata

Del 15 al 26 de abril Teatro Compac Gran Vía

La Compañía Estudio Lírico se presenta en Madrid por partida doble y nos traen la conocida ópera en tres actos de Giacomo Puccini, Madame Butterfly. Al igual que en Tosca o La Bohème, el argumento de esta ópera proviene de un hecho real y de una obra dramática previa. Aquí Puccini inició su primera incursión en mundos más exóticos para la ópera como era el Lejano Oriente. Frente a la bahía de Nagasaki vemos una linda casa japonesa con terraza y jardín, paredes correderas y sin puertas... Ese será el nuevo hogar de la joven Cio Cio San, llamada como gheisha Madame Butterfly. La música corre a cargo de la Orquesta Filarmónica Mediterránea.

LÍRICA

Madame Butterfly Del 8 al 12 de abril Teatro Compac Gran Vía

La Traviata

Del 15 al 26 de abril Teatro Compac Gran Vía