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DEL 2 AL 26 DE OCTUBRE
EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com. David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES María Morales,, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Diciembre 2014
www.facebook.com revistagodot
@RevistaGodot
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palabra de
el arte del actor
estrenos Stradivarias
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Cómicos
Berto Romero
En un lugar del Quijote
en familia
FOTO DE PORTADA: marcosGpunto
selfies
Sr. Godot
noticias
Premio Nacional de Teatro
portada
Rinoceronte
la visual The Hole
Vicente Romero
entrevista
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Beatriz Carvajal
entrevista
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Especial Navidad
en familia
6 10 16 18
Juan Carlos Corazza
entrevista
panorámica 20 años de La Abadía
reportaje The Gagfather
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danza
Ballet Imperial Ruso
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PALABRA DE... Sr. Godot
Las 12 que más nos han gustado en 2014 Esta es una selección personal y totalmente subjetiva (y el orden es aleatorio, no responde a jerarquía alguna). Que nadie se nos enfade si no encuentra aquí su favorita. Ha sido difícil, porque pese a que la industria teatral vive momentos delicados por esa losa del 21% de IVA, los profesionales de este arte son capaces de alumbrar creaciones tan impactantes como estas que aquí recogemos y otras muchas que no caben. Nuestra enhorabuena a todos ellos por seguir ahí y no cambiar este oficio por nada del mundo. ¡Y Feliz 2015!
TEATROS DEL CANAL, TU AGENDA DE TEATRO, MÚSICA Y DANZA
DEL
4 AL 13 DICIEMBRE
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Entradas desde 7 e 24/11/14 12:22
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SELFIES
Feelgood laga”. Los E, caminito de Má o-reflejo, “en el AV fot oa Santamala nh de Ai , tor ón au Us , io Fran Perea dia política. Jorge me co sa ito tor escocés ex Como dice el prop au l su do con s de la obra de ood siguen giran lasco son los prota Ve ela amigos de Feelg nu Ma ! y a! ll y mucha mierd Márquez, Javi Co illo-Ferrer. Gracias ría, Perea, Javier do Alberto Castr igi dir ha e qu n Alistair Beato
Las heridas del
viento
Lara, un día en Madrid, en el Como sólo están de semana en salir los fines a la semana, pued Logroño, en n, por ejemplo, a hacer la funció ta foto... es ó tom l rie niel Mu que es donde Da co al fondo sentada y el públi con Kiti Mánver
Misántropo Producciones, con Las huestes de Kamikaze han desembarcado te, Miguel del Arco al fren el Teatre Lliure de en bre iem a finales de nov collit moltísim èxit, Barcelona. Segur que han ¿que no?
Con la colaboración del Consorcio de Rehabilitación de Teatros de Madrid
entradas: www.teatrobellasartes.es FOCUS Y PENTACIÓN PRESENTAN
CONCHA VELASCO
OLIVIA Y EUGENIO DE HERBERT MOROTE
CON
RODRIGO RAIMONDI HUGO ARITMENDIZ ILUMINACIÓN Y ESCENOGRAFÍA: FRANCISCO LEAL SONIDO Y MÚSICA ORIGINAL: MARIANO DÍAZ VESTUARIO: LORENZO CAPRILE PRODUCTORES EJECUTIVOS: JESÚS CIMARRO / AMPARO MARTÍNEZ
DIRECCIÓN
JOSÉ CARLOS CARLOS PLA CA PLAZA AZA
con el apoyo de:
entradas:
Del 6 de noviembre de 2014 al 25 de enero de 2015
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#elArtedelActor
El actor invisible La invisibilidad, haciendo honor a su nombre, a veces ni se ve ni se percibe, pero está presente, y nos afecta a muchos actores y actrices, aunque no siempre somos conscientes de ella. Vamos a una prueba, por ejemplo, creemos haberlo dado todo pero no nos hemos percatado de que llevábamos la capa puesta. Es muy sutil y escurridiza, y a veces se puede confundir con un prejuicio (... si ya saben a quién van a coger...) o con un complejo (...como soy muy mayor-menor-flaca-gorda…), pero sea cual sea su forma, lo que consigue es que nuestro artista se opaque o, en el peor de los casos, desaparezca. Esto es más grave de lo que parece porque ésta es una profesión de absoluta visibilidad, y si no nos damos cuenta del boicot puede mantenernos mucho tiempo sin avanzar y sin saber por qué no avanzamos. No hay que olvidar que tener la capa es un súperpoder que tenemos, el problema es que nos domine, en vez de dominarlo. Esta capa que nos hace invisibles, nos ha protegido en algunos momentos de una exposición que podía resultar peligrosa para nosotros, pero como ya sabemos, trabajar delante del público no lo es. De hecho, estar en un escenario es nuestro derecho (que diría un amigo mío). Tener un lugar donde decir esas palabras, en las que creemos, y a las que llenamos con nuestra voz, vísceras y emocionalidad, es para lo que hemos nacido. Se requiere de valentía para habitar este derecho con todo el poderío de que seamos capaces, se requiere confianza en que, por pocos que sean, siempre hay público para cada artista, y para nosotros también, y se requiere responsabilidad para desarrollar nuestro artista genuino y único, porque es ése el que nos va a dar trabajo y satisfacción. Creo que ahí está la clave, parece que un actor es un mandado que dice lo que le dicen que diga, hace lo que le dictan y trabaja cuando lo llaman. No. Somos vehículos, es cierto. Vehículos de las palabras que alguien escribió, de la idea de un director y del concepto de una producción o espacio. Pero somos nosotros los que, con toda esa información, destilamos una composición que habrá de ser, y es, artística. La profundidad y alcance de la historia está en nuestras manos cuando el público entra en la sala. Ese es un gran poder, y tenemos el derecho y el deber de ejercerlo. Despidámonos de la capa protectora que nos mantiene en un actuar obediente y correcto, y atrevámonos a poner en juego la artista creadora que realmente somos.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
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noticias
Premio Nacional de Teatro A finales de mes conocimos la noticia de la concesión del Premio Nacional de Teatro de este año a la compañía Chévere. Dotado con 30.000 euros, el jurado argumentó que se le hacía entrega “por su coherente trayectoria de creación colectiva basada en fuentes del teatro documento y en la transgresión de géneros. Y por su vertiente humorística y parti-
cipativa, siempre conectada con la realidad social y económica, tal y como han demostrado en sus últimos espectáculos Citizen, Eurozone, y Ultranoite no País dos Ananos.” Éste supone un merecido reconocimento a los 25 años de trayectoria del grupo comandado por Miguel de Lira, Patricia de Lorenzo, Xron y Manuel Cortés. Desde 2012, la compañía trabaja en residencia en el concello de Teo (A Coruña). www.grupochevere.eu
Imagen de Eurozone
Vicky Peña interpretó el papel de María Moliner, la autora de Diccionario del uso del español, en la obra de Calzada
Calzada, también premiado El escritor y arquitecto granadino Manuel Calzada Pérez ha sido el ganador este año del Premio Nacional de Literatura Dramática por su obra El Diccionario. La obra, que pudimos ver en el Teatro de la Abadía dirigida por José Carlos Plaza, ha sido premiada “por sus valores dramáticos y por la recuperación de una mujer (María Moliner) fundamental en la historia de la lengua; por ser una obra basada en la defensa de la palabra como libertad, como vehículo de la memoria colectiva, creadora de referentes culturales”.
Voces de Madrid No estamos ante un espectáculo, estrictamente hablando, ya que no habrá actores en él, ni tampoco ficción dramática. Cada día, durante una semana, y acompañados por una taza de chocolate, un ciudadano distinto, representante de diferentes colectivos profesionales y/o sociales de nuestra ciudad, se sentará en escena durante una hora con un presentador que le ayudará a compartir, con todo el que desee escucharle, su historia, sus ilusiones, su cono-
cimiento, sus aspiraciones, sus dudas. No se trata aquí de que nadie dé lecciones a nadie, sino de que los ciudadanos se conozcan mejor a sí mismos y todos escuchemos y entendamos; pues sólo escuchando y entendiendo se genera una sociedad mejor. La aspiración de Voces de Madrid es la de convertirse en actividad regular del Teatro Español, de modo que, en un futuro cercano, pueda repetirse dos o tres veces por temporada. www.teatroespanol.es
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Lo + programado En la pasada edición de Mercartes La Red Española de Teatros presentó los datos del primer semestre del Mapa de Programación, una investigación con carácter anual que analiza las características de la oferta en los espacios escénicos públicos asociados a La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública. De ellos se desprende que Conversaciones con mamá, con Juan Echanove y María Galiana, Los hijos de Kennedy, de Trasgo Producciones, y Julio César, dirigida por Paco Azorín, fueron las propuestas teatrales más programadas en los primeros seis meses del año. En el caso de la danza, las compañías con más representaciones fueron En la memoria del cante: 1922 y Return. Los espacios de la Red acogieron un total de 6.015 funciones: 3.369 propuestas teatrales, 1.604 conciertos y 622 funciones fueron espectáculos de danza.
Premios ACTÚA Acreditando casi medio siglo de carrera, Jaime Blanch y José Luis Gómez (en la foto) en la categoría masculina de intérpretes y Charo López y Vicky Peña en la femenina, conforman los galardonados este año con el Premio ACTÚA. Estos premios son el máximo reconocimiento que concede la Fundación AISGE, cuyo objetivo es aplaudir las trayectorias más prolíficas del cine, la danza, el teatro y la televisión en España. Activos desde su primera edición en 2009, este año la ceremonia de entrega de sus estatuillas se celebrará el próximo 15 de diciembre en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid. www.aisge.es FOTO: Ros Ribas
Chiuti
El beso envenenado En este país hubo una huelga de actores, en un intento de legitimar sus derechos laborales, que consiguió que se dejaran de hacer 14 funciones semanales, a dos funciones por día, y que permitió que, en general los interpretes y demás miembros de las compañías libren dos días de cada siete aún en estos tiempos. Digo en general porque aún quedan empresarios, especialmente en esta ciudad, emperrados en programar sus teatros los martes, motivo por el que algunas salas se han visto obligadas a renunciar a ciertos interesantes proyectos por la negativa de algunos grandes de nuestra escena que reivindican su derecho a descansar de los escenarios durante 48 horas seguidas. De aquella huelga derivaron ciertas manías, especialmente a algún actor ya fallecido a quien se tachó de “esquirol” aunque la historia no está clara y quizá algún día alguien haga justicia informativa narrando los hechos como ocurrieron. Lo que está claro es que aquella huelga no aseguró los derechos de los actores. Y hablo, no lo oculto, del sombrío caso de Antonio Gil en Fausto. Gil, amén de ser nuestro actor teatral más internacional, es un tipo de trato, de exquisito cuidado en sus registros y de una voluntad de hierro que le ha permitido salir triunfante de fiascos como El gran teatro del mundo que hizo que dirigía Carlos Saura. Este actor de intachable solera se iba a enfrentar al personaje de Mefistófeles en el texto de Goethe que acaba de estrenar el CDN. Y digo se “iba” porque no ha llegado al estreno. Y lo lamento. El reparto, encabezado por un Roberto Enríquez al que nunca me cansaré de aplaudir, se ha quedado sin él a costa de un beso. Un beso que, el cada vez más decepcionante Tomaz Pandur obligaba a darse a ambos actores. Y un beso que desbordó los desencuentros entre un actor al que le gusta trabajar y comprender sus personajes y un director que tiende a la excentricidad. A veces con verdadero acierto. Ahí está Barroco. Y poco más. De su equivocado Hamlet no quiero ni hablar. Otros actores han sabido hacer de tripas corazón y llevar su queja al escenario. Como dos grandes que aún viven y que optaron por enfrentar sus papeles en “modo gay” hace ya muchos años, obligados a trabajar un día clave de las fiestas navideñas en que, para más i.n.r.i, apenas asistieron 11 espectadores a disfrutar de su trabajo. Pena que no sabían que uno de esos 11 era el productor, que montó en cólera y los castigó a su manera: sin pagarles aquella función que yo no hubiera querido perderme.
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portada
FOTOS: marcosGpunto
Rinoceronte, de Ionesco El mundo está rinocerontizado... ¿Quién lo desrinocerontizará? Como un oráculo desenmascarado, el teatro del absurdo, del que siempre se ha dicho que Ionesco es el padre, ha dejado de ser absurdo, ha sido superado con creces por la absurda e inquietante realidad que nos despierta cada mañana del letargo y una obra como esta pasa a ser casi un drama realista. La fantástica alegoría que el escritor rumano-francés alumbró tras la Segunda Guerra Mundial para retratar al fascismo, puede ser reflejo hoy, ahora, ya, de múltiples invasiones que mutilan nuestra voluntad hasta hacernos pasar por el aro. Estamos expuestos -cuando no sometidos- a tal cantidad de estímulos, informaciones, leyes, derechos, deberes, impuestos, obligaciones sociales y rituales más o menos espirituales, que parece que corremos junto a una manada de paquidermos sin rumbo alguno, sin otro destino que ir pasando los días lo mejor que se pueda y cumplir todos los planes trazados en el calendario. Sí, quizás es una visión extrema, desde luego, pero conviene estar alerta para que no
Reparto encabezado por Pepe Viyuela, Fernando Cayo y Fernanda Orazi, a las órdenes de Ernesto Caballero Del 17 de dic. al 8 de febrero Teatro María Guerrero
por Álvaro Vicente
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Pepe Viyuela “Berenger es un héroe a su pesar” ¿Recuerdas la primera vez que leíste a Ionesco? Debió ser cuando empecé a estudiar teatro, con 15 o 16 años. Me llamó mucho la atención su singularidad, pero me costaba mucho entenderlo. ¿Y esta obra, El rinoceronte? Bueno, es que es ahora realmente, con esta inmersión en El rinoceronte, cuando estoy comprendiendo la grandeza de este autor, su contemporaneidad. No sólo no ha pasado el tiempo para esta obra, sino que se ha convertido en una especie de texto profético. Ya no habla del fascismo como en su origen, sino de la irrupción en tromba en nuestra vida de una serie de corrientes que nos arrastran, todo aquello que nos rinocerontiza y nos convierte en masa y nos aleja de nosotros mismos. ¿Cuál era tu visión de Berenger, el protagonista, tu personaje, y cómo ha cambiado al contrastarla con la de Ernesto Caballero? Mi idea de Berenger estaba más cerca del héroe tradicional y lo que Ernesto me ha ido ayudando
a ver es que es un tipo de héroe muy distinto, que llega al heroísmo por la puerta de atrás. Es la forma también, quizás, de ver la esperanza dentro de la función, porque si alguien puede resistir los envites de todas esas corrientes imparables es el ciudadano que menos te esperas. Los héroes ya no hay que buscarlos en los súperhombres, sino en la gente común. Berenger, como dice Ernesto, es un héroe a su pesar. ¿Crees que ahora estamos en plena rinocerontización o saliendo de ella? Creo que hay rinocerontizaciones de muchos tipos. En unas estamos entrando y de otras saliendo. Por ejemplo, todo este deslumbramiento con las tecnologías, las redes sociales, el teléfono móvil, todo eso que si no tienes no existes, es una rinocerontización tecnológica absoluta. La de las mayorías absolutas de PP y PSOE parece que se acaba, pero respecto a la irrupción de Podemos habrá que hacerse muchas preguntas que no sé si nos estamos haciendo...
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nos agujereen el culo... perdón, la ingenuidad, y acabemos entregando, irresponsable e irremediablemente, nuestra voluntad. Porque los rinocerontes arrasan con todo, sin contemplaciones, y no dialogan, solo braman y resoplan y levantan tremendas polvaredas que todo lo nublan y todo lo igualan.
Y Berenger se quedó solo
La elección de una obra para ser llevada a escena nunca es aleatoria. Ernesto Caballero, director artístico del Centro Dramático Nacional, ha elegido este título de Ionesco para su primera apuesta escénica propia en esta temporada porque “es un clásico del repertorio del siglo XX que nos habla de la voluntad por preservar la conciencia individual ante impetuosas corrientes de opinión que producen una subyugadora transformación mental
Eugène Ionesco Hace dos años se celebraba el centenario del nacimiento de un autor nacido en Rumanía pero vinculado a Francia por vía materna (su madre era gala). Pasó parte de su infancia allí y, aunque volvió a Bucarest, regresó a París en 1938 para quedarse, vivir y escribir en francés. En 1970 sería elegido miembro de la Academia francesa. El pasado mes de marzo se cumplieron, por otra parte, 20 años de su muerte. Ionesco completa la revolución dramatúrgica del llamado teatro del absurdo junto con Beckett y Pinter. Los tres rompen las reglas en formatos y poéticas muy distintas pese a que se les intenta encuadrar en una tendencia, pero lo único que les une es que igual que viró el teatro con el trío Ibsen-StrindbergChéjov, ellos tres lo cambiaron de rail nuevamente. El rinoceronte (1959) es sólo una de sus maravillas. Otras son La cantante calva (1950), El rey se muere (1962), Las sillas (1952), La lección (1950) o El peatón del aire (1962).
Hoy colocaríamos a Berenger en el apartado no sabe / no contesta de las encuestas sociológicas en la población, una población que termina aceptando de buen grado su condición de manada.” Recordemos que la obra cuenta cómo en una pequeña ciudad todos sus habitantes, poco a poco, se van convirtiendo en rinocerontes. Berenger es el único que no sufre la metamorfosis. Al principio, tras ver al primer rinoceronte pasar veloz frente a él y a su amigo Jean mientras toman algo en una terraza, no le da mucha importancia al asunto, está más pendiente de su resaca. Luego pasará un segundo bicharraco, pero lo único que les importa es dilucidar si el animal tiene un cuerno o dos, si es africano o asiático. A él en realidad le inquieta más la relación con Jean y con Daisy, la mujer que ama en secreto. Pero paulatinamente, todo a su alrededor se rinocerontiza y él termina por resistirse a todo aquello, a pesar de que Berenger, hoy día podría ser, como lo define con tino Ernesto Caballero, el tipo que marca la casilla no sabe/no contesta en las encuestas socioló-
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En 2003 visitamos la tumba de Ionesco, en Montparnasse; no muy lejos se encontraba la de Beckett. Los más conocidos autores del ‘Teatro del Absurdo’ descansaban muy cerca uno del otro. Sobre las lápidas, los turistas de los cementerios parisinos dejan piedrecitas, billetes de metro, cartas... “Comme c’est curieux!”, exclamé al leer el nombre de Ionesco. Comenzamos a escribir esa frase (de La cantante calva) sobre su lápida, con pequeñas piedrecitas. Al terminar dije: “esta tarde vemos la obra”. Pero tenían que trabajar, así que fui solo al Théatre de la Huchette. La sala era pequeña, butacas rojas, paredes negras, un diminuto baño en un pasillo al lado de la sala, bajo la escalera del portal contiguo... Me senté y empezó la función. Algunos actores eran muy mayores y otros más jóvenes. “¿Llevarían los mayores desde 1957 representando la misma obra?”, pensé... Por su salud mental, deseé que no; pero claro, quizá la Mrs. Smith actual interpretara hace varias décadas a la criada, y el Mr. Smith actual representara entonces al bombero... “Comme c’est curieux!” Se escuchaban ruidos de la calle (lejanos) y del pasillo del portal (más cercanos). Algún vecino estaría subiendo la escalera con bolsas de la compra... Quizá viviera alguien sobre el pequeño escenario y llevara desde 1957 escuchando La cantante calva y asistiendo cada tarde al maravilloso reencuentro de los Martin o reviviendo la historia en que todos se llaman Bobby Watson o disfrutando del poema dedicado al fuego... “Comme c’est curieux et quelle coïncidence!” Quizá el vecino de arriba fuera profesor y hubiera tenido ganas de matar a alguna alumna, de escuchar cada tarde La lección (que se representaba tras La cantante calva). Entonces no tenía más dinero y sólo vi una obra, pero tal vez algún día regrese y vea La lección y visite de nuevo el diminuto baño y me encuentre al profesor del primero con las bolsas de la compra, y me siente otra vez en las rojas butacas y... París no está lejos, y el profesor y su alumna, y los esposos Smith, los Martin, el bombero y la criada y la cantante siguen con las funciones noche tras noche; cuando escribo esto, se proponen atacar la nº 17.834. Nico Guau gicas. Un ser apocado, insatisfecho, que sin embargo se planta y decide nadar a contracorriente y no dejarse contagiar por la epidemia rinoceróntica.
Escher como inspiración
Hoy en día, esa epidemia, en palabras del director, “puede ser interpretada como la de una sociedad corrupta que se degrada progresivamente hasta aniquilar cualquier vislumbre de humanismo o, también, como la de determinadas fuerzas que preconizan transformaciones radicales y cuya ideología supuestamente emancipadora
deviene irremisiblemente en idolatría”. Mientras dilucidamos esta disyuntiva, anotemos que el montaje cuenta con un elenco memorable y numeroso en el que destacan los nombres de Pepe Viyuela como Berenger más Fernando Cayo, José Luis Alcobendas, Fernanda Orazi o Ester Bellver. Junto a Paco Azorín, Caballero ha ideado “un espacio de representación que prolonga la escena hacia los pasillos del patio de butacas, y que en el escenario levanta una suerte de caja-jaula flanqueada por un laberinto de escaleras que remiten a las ensoñaciones de Escher.”
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The Hole Madrid siempre será para The Hole la ciudad que le vio nacer y la que la encumbró al éxito y por eso su regreso a la capital siempre está lleno de sorpresas y cambios. Esta vez se podría decir que viene crecidito ya que durante cinco semanas vamos a poder disfrutarlo en una carpa climatizada con más de 14 metros de altura en su cúspide, lo que permite ver mejor que nunca los números aéreos tan importantes en el espectáculo. Con mesas a pie de pista y las gradas más cerca de los artistas, la majestuosa carpa envuelve al público propiciando un ambiente más cabaretero y canalla que un recinto escénico. Si entras al agujero puedes reír, comer, disfrutar, desatarte y beber pero sobre todo vivirás una experiencia inigualable. Como Maestros de Ceremonias La Terremoto de Alcorcón, Quequé o Anabel Alonso, que se irán alternando. Escenario Puerta Del Ángel. Desde el 4 de diciembre
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entrevista
Vicente Romero “La obra cuestiona las parejas longevas” Han pasado 2 meses desde el estreno. ¿Cómo va la obra, qué dice el público? El estreno fue muy bien aunque luego tuvimos unas semanas duras. Poco a poco empezó a remontar gracias al boca a boca, porque las reacciones del público son muy buenas, la gente dice que se lo pasa muy bien. ¿Sabes de alguien que haya cambiado de vida tras ir con vosotros a Cancún? No, no creo que hoy en día nadie cambie de vida tras ver una obra de teatro, y menos esta que es un obra de mero entretenimiento, un juguete muy ingenioso pero sin mayores pretensiones. Ya, lo decía por la temática de la obra, esas dos parejas que se plantean de pronto cómo hubiera sido su vida si... Pero luego estos personajes tampoco cambian, es una especie de sueño en el que se alternan sus roles, pero luego siguen siendo los mismos. ¿Te ha hecho a ti preguntarte por la felicidad, por el nivel de satisfacción o el de frustración? La obra te hace preguntarte sobre todo por el tema de la pareja, aunque la obra cuestiona un tipo de pareja muy determinado, porque son personas que llevan juntas casi 30 años. Yo soy de otro momento generacional, no he vivido la pareja de esa manera. Te planteas si acaso las elecciones que tomas en la vida, los errores...
Junto a María Barranco protagoniza Cancún, la última comedia de Jordi Galcerán, con dirección de Gabriel Olivares Hasta el 4 de enero Teatro Infanta Isabel
Estás con los dos reyes midas del teatro comercial actual, Jordi Galcerán y Gabriel Olivares... Nunca había hecho nada de Galcerán y la verdad es que lo que aparentemente son comedias superficiales vas viendo luego que no lo son tanto. Hay una intención de hablar sobre quienes somos, los sueños, el paso del tiempo... Y a Gabriel lo conozco desde hace tiempo y me encanta cómo disfruta haciendo su trabajo y su sensibilidad a la hora de tratar con los actores. Qué pena que se acabara Con el culo al aire, ¿no? Bueno, las series no son eternas, tienen su fecha de caducidad. Parece ser que, según los directivos televisivos, “la crisis ha dejado de interesar”. Era una serie con muy buenos guiones y un grupo de actores muy compacto. Y lo estábamos pasando muy bien, sí, pero así es esto... Álvaro Vicente
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estrenos
5 mujeres que comen tortilla abiertamente todos sus secretos, sobre todo uno Es 1956 y Estados Unidos lidia una guerra muy importante. de consecuencias mortales. La mayoría de los Evan Linder y Andrew Hobgood son los autores hombres ha acudido al frente y las mujeres, de este exitoso texto que llega desde el Off como no podía ser de otra forma en esa época, Broadway al Teatro Alfil bajo la adaptación de se han quedado en sus hogares preocupadas Almudena León y Mar Corzo. Chos dirige a y expectantes. En este contexto, la hermandad Marta Flich, Cristina Gallego, Almudena León, Susan B. Anthony prepara el esperado almuerzo Celia de Molina y Julia de Castro, que con la de tortillas que las directivas llevan un año ayuda de escenografía, vestuario y preparando. Pero peluquería conseguirán sumergirnos éste no va a ser un en la estética tan característica de la evento más, todo va Años 50. Estados Unidos. época. Además, otro de los curiosos a cambiar cuando La caída de una bomba alicientes de la obra será la relación durante la reunión atómica obliga a un grupo que se establecerá con el público de las cinco mujeres de mujeres a convivir asistente. A cada espectador cuando estalle en la ciudad dentro de una casa entre por la puerta se le asignará un una bomba atóminombre típico de los ‘50 y cuando ca. Ellas sobreviven Del 13 de dic. al 25 de enero se hable con ellos desde el escenario en la casa pero no Teatro Alfil se les nombrará de esa manera. Por podrán salir de ella último, en cada función se elegirá a en cuatro años. Lo un hombre que será la hermana Marque se presenta jorie. Pronto descubriremos que nadie quiere como un drama dará pie a una ingeniosa coa Marjorie, pero tendremos que sumergirnos media en la que nuestras protagonistas vivirán en la historia para conocer los motivos de este delirantes e inesperadas situaciones y diálogos sentimiento. ¿Será ese el gran secreto? absurdos donde el miedo les hará confesar
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En el baño Debajo de un puente, de una mesa, en una azotea, en una playa recondita, que más da, cualquier lugar es bueno para tener esas conversaciones que se comparten con los verdaderos amigos sobre las cosas de la vida. Es cierto que lugares hay muchos, sin embargo, están los más habituales como en el caso del baño, un reducto de intimidad en las casas, en las discotecas, en los restaurantes... Aquí vamos a tener la oportunidad de asistir a uno de esos momentos en los que los sentimientos se funden con las risas, las anécdotas, las lágrimas, las verdades o las dudas entre en un grupo de cuatro amigas y la madre de una de ellas todo ello sin salir de un baño. Gabriel Olivares es el director de este texto de éxito de la actriz francesa Astrid Veillon (la obra se estrenó en 2004 en la Comédie de Paris y alcanzó los 50.000 espectadores en 250 representaciones), a la que Olivares dirigió en la versión gala de Mi primera vez. La adaptación española ha corrido a cargo de Beatriz Santana y Pilar Ruiz Gutiérrez.
Gabriel Olivares nos trae un texto de éxito francés sobre la amistad y la vida, sin salir de un cuarto de baño Hasta el 27 de diciembre Teatro Arlequín
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entrevista
Juan Carlos Corazza “Strindberg tenía una inteligencia superior” por Álvaro Vicente Conocido sobre todo por su labor pedagógica en la escuela de interpretación que lleva su nombre, Juan Carlos Corazza adopta el rol de director con su compañía Teatro de la Reunión, en un montaje que reúne dos piezas breves de August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912): Debe y haber y El pelícano, bajo el título genérico de Hambre, locura y genio. ¿Por qué este autor y estas piezas ahora? A mí me gustan mucho los autores que pueden hablar de asuntos que van más allá de un país y de una época. En estos textos está la posibilidad de reconocer la oscuridad del ser humano y en el momento que se puede reconocer la crueldad, la codicia del hombre, eso ya es luz. En el acto de reconocer el egoísmo ya hay cierta lucidez y generosidad. En el momento que se reconoce la miseria del ser humano, ya hay un acto noble.
Habéis titulado la función Hambre, locura y genio. El hambre y la locura son dos elementos fundamentales en los personajes de los dos textos que se presentan. Con lo de genio supongo que te refieres al autor, ¿no? Sí, claro. A parte de que es, junto a Ibsen y a Chéjov, el padre del teatro moderno, yo creo que Strindberg tenía una inteligencia superior, era alguien que además de tener una cultura muy rica, tenía una capacidad, un talento, tanto para la novela como de dramaturgo, especial. Pero también tenía una fuerte tendencia al delirio y a la locura, aunque no perdía la sensatez, no perdía cierto orden, cierta coordinación. Podríamos compararlo con Van Gogh…
Strindberg es trascendental para la historia del teatro europeo del siglo XX, queda claro, pero me gustaría saber qué importancia tiene para el trabajo del actor. Strindberg es un desafío y un gran alimento para Precisamente estamos en un momento socioeconómiel actor. Pero lo pone a prueba con aspectos muy co en el que este tipo de textos parecen escritos hoy complejos de su trabajo. Si el actor se enfrenta solo mismo, cuando el engaño y la codicia están sacando lo con naturalidad, frescura y espontaneidad a los textos peor del ser humano. de Strindberg, va a haber problemas. Por el contrario, Si la miras, si la reconoces, si no la niegas, si pones si se enfrentan los textos sólo con la fuerza conciencia sobre la declamatoria, con el énfasis, y la atención oscuridad, ya ahí Con Manuela Velasco, Rafa está únicamente en el valor de la palabra, hay empieza a haber Castejón, Ana Gracia o problemas también. Hay que trabajar mucho luz, porque ya eso es Tamar Novas como protaen los detalles y en la sutileza y en unos comluminoso. Lo trágico es gonistas, dirige dos piezas portamientos muy complejos, físicos, mentales cuando hay oscuridad y del autor sueco y verbales. Y emocionales. Es un trabajo muy nadie la reconoce como complejo porque intervienen todos esos planos tal, es como en la vida a la vez, y es muy difícil estar tocando todas individual, cuando estás las teclas bien al mismo tiempo, puede ser una metido en la oscuridad Desde el 1 de diciembre esquizofrenia muy placentera, pero requiere y no te enteras de que Teatro Lara de mucho rigor y mucho cuidado en el detalle. estás metido en la oscuridad, ahí está el gran ¿Cuál diría que es el sello característico del problema. Pero cuando actor que pasa por su pedagogía? estás metido y lo reconoces, ya hay una distancia, una Quitarse de en medio y hacer el personaje. conciencia, una posibilidad de buscar salida, ayuda, mejora… En el ser humano sigue siendo el eterno problema: no darse cuenta de que uno no se da cuenta. Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com
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estrenos Ya sabemos que el arte de escribir no se transmite por herencia genética, pero está claro que ver en tu casa trabajando a diario a alguien que se llama Arturo Pérez-Reverte tiene que ayudar bastante. A Carlota Pérez Reverte ya la ‘conocemos’ de firmar junto a Arturo el primer volumen de El Capitán Alatriste. Ella fue la causa de que surgiese esa saga, cuando Arturo vio el espacio que dedicaban al Siglo de Oro los libros de bachillerato de su hija. Ahora Carlota ha crecido y vuela sola y podremos descubrir su talento en esta obra de teatro que se va a estrenar en las salas de Matadero. Es una comedia fresca y original que enlaza con la tradición cómica de la escena española. En una pintoresca agencia que asesora en materia de crímenes se dan cita unos representantes de la justicia que no son lo que parecen, unos policías asombrosamente incompetentes y una divertida historia de amor y asesinato. Alberto Castrillo-Ferrer dirige el montaje y aportará ese talento innato que tiene para el teatro y la comedia. Una obra inteligente que bebe de los ecos de Jardiel Poncela y de Mihura y que nos genera muchas expectativas por descubrir si estamos asistiendo al nacimiento de una gran dramaturga por cuenta propia a la que no pesará la herencia de su apellido. Sergio Díaz
FOTO: MarcosGpunto
Fisuras
Del 10 al 21 de diciembre Teatro María Guerrero
Perdona si te mato, amor
FOTO: Sergio Parra
Desde el 18 de diciembre Naves del Español-Matadero
Fisuras podría aludir a las heridas físicas de los personajes. Sin embargo, éstas evolucionan hasta volverse lesiones de un riesgo latente: un brazo que podría acabar amputado, unas piernas que, tal vez, no suelden bien y deban volver a romperse, que quizás no vuelvan a servir para bailar o andar. Ambas forman parte del tratamiento de lo siniestro en el texto, de cómo lo cotidiano se torna extraño y temible. Los huesos que se astillan, el hedor de la gangrena, un brazo que se cae, la muerte, se introducen poco a poco por las grietas del texto. Pues son éstas, en realidad, las fisuras a las que alude el título: los resquicios en el entramado dramático que permiten explorar cómo el contenido se ve modificado por la forma. Estas fisuras se crean por medio de duplicaciones imposibles (dos accidentes de tráfico, dos joyeros, un parecido siniestro entre dos personajes, etc.) En Fisuras hay tantas realidades posibles como realidades cuentan/ sugieren/muestran/ocultan los personajes. Obra de Diana I. Luque dirigida por David Ojea que se integra dentro de lo que el Centro Dramático Nacional llama Escritos en la Escena.
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estrenos
Nochebuena en Cai 15 y 16 de diciembre Teatro Lara
Espectáculo con lo mejor del flamenco gaditano y con incorporaciones de músicos de jazz y clásica, con 16 años de trayectoria. El grupo Toma Castaña conforma mucho más que un espectáculo de flamenco navideño, es considerado un espectáculo flamenco total. Su musicalidad es flamenca por los cuatro costados, en un perfecto equilibrio entre tradición e innovación, desarrollándose una creación artística de muy alto nivel, con letras dedicadas a la Navidad. Pureza, raíz, gracia genuina de Cádiz y sofisticación musical se dan la mano aquí. Cada año, durante tres meses de producción, el grupo Toma Castaña prepara un repertorio donde se rescatan temas populares de la celebración navideña de la Serranía y de la costa andaluza, junto a creaciones del propio grupo, con arreglos musicales de alto nivel creativo, en una perfecta fusión de ritmos populares y vanguardistas, donde predomina el flamenco, con apuntes clásicos y de jazz. El resultado es un montaje escénico muy cuidado, de bella factura estética, donde la disposición escénica de 27 artistas, entre cantaores, músicos y bailaores/as, el diseño de luces y la ecléctica escenografía, logran un ritmo escénico vibrante.
Zambomba flamenca Del 15 al 30 de diciembre Teatro La Latina
Estas Navidades llega al Teatro de La Latina Zambomba Flamenca, un espectáculo de villancicos flamencos a cargo 15 artistas que inundan el escenario de alegría con sus cantes, sus palmas, su duende y su compás. Dirigido por María Mezcle, disfrutaremos de 75 minutos de canción popular navideña interpretadas a son de tangos y bulerías donde la zambomba marca el ritmo de esta Navidad flamenca, una celebración diferente en la que no faltan guitarras y panderetas, además de unos ricos pestiños con su copita de vino dulce. El origen de la zambomba se remonta al siglo XVIII coincidiendo con la época previa a la Navidad. Entonces, los patios de los barrios más flamencos de Jerez concentraban a sus vecinos alrededor de una hoguera donde disfrutaban de las típicas comidas y bebidas navideñas y compartían con cantes la alegría de estas fechas. Y así, la tradición ha llegado hasta nuestros días. Es una auténtica fiesta flamenca y, como antaño, se cantan villancicos al son del instrumento de la zambomba y se acompañan también de otros como guitarras, panderetas y botellas de anís… Disfruta enteramente del compás y la fiesta de los villancicos andaluces.
panorámica
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FOTO: José Luis Gómez 2014_por cortesía de la Fundación Juan March
20 años de La Abadía A principios de los 90, José Luis Gómez estaba, como él mismo dice, “en pleno apogeo artístico. Acababa de dirigir Carmen en la Ópera de la Bastilla y La vida es sueño en el Teatro Nacional de L’Odéon de París. Estaba a punto de exiliarme otra vez, pero sentía una carencia en mi trayectoria: aportar algo consistente, más allá de mis capacidades como actor y director, al teatro de mi país, que no me sirviera a mí en primer lugar sino a los demás”. En esas le llamaron de la Comunidad de Madrid y le tentaron con la idea de diseñar y fundar lo que luego fue el teatro de La Abadía. “Lo dejé todo. Fue una búsqueda de sentido en mi oficio y ha sido la mejor inversión en oficio y vida que hasta ahora he podido hacer en mi existencia”. Han pasado dos décadas desde aquel momento fundacional y La Abadía se ha ido consolidando como un templo fundamental de nuestra escena. Y lo de templo no es mero tópico. El teatro se levantó en lo que antes fue una iglesia. Hoy estamos más acostumbrados a ver teatro en espacios no diseñados previamente
para ello, pero entonces “fue un plus de curiosidad para el público”, como reconoce Gómez. “En cualquier caso, para mí el teatro siempre ha sido un espacio ritual. El teatro que fue una iglesia está habitado por las mejores vibraciones, las de las gentes Con la recuperación de que oraron y buscaron los Entremeses de Cerconsuelo allí.”
Cervantes para celebrar
vantes (montaje de 1995), el teatro que dirige José Luis Gómez celebra sus dos décadas de intachable trayectoria
Espacio para toda cita festivalera, abierto a la danza y a la música, cantera de grandes Del 17 de dic. al 15 de febrero actores y actrices, La Teatro de La Abadía Abadía celebra su 20º cumpleaños recuperando su tercera producción, los Entremeses de Cervantes. “Como los describió Juan Goytisolo, nuestro último premio Cervantes precisamente, reproducen en miniatura -como bonsáis- los árboles de ese frondoso bosque que es el Quijote.”
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panorámica
Entremeses (1995)
FOTOS: Ros RIbas
Como el propio José Luis Gómez explica, se adentraron en la commedia dell’arte para luego dejarla a un lado a la hora de afrontar las piezas breves de Cervantes. “Se trataba de aunar tradición y modernidad”. Con el director de La Abadía repasamos una lista con 10 de los espectáculos que han pasado por sus salas. Han sido muchísimos más, pero estos, sin duda, marcaron época.
Fin de partida (2010)
Mesías (2001) “La debió haber dirigido su autor, Steven Berkoff, pero no pudo y lo hice yo. Mi encuentro más conmovedor con la figura de Cristo.”
“Mi mayor aventura como actor, un descenso abisal a lo que casi fue el infierno de Dante. Tengo un agradecimiento permanente al genio de Krystian Lupa.”
Auto de los Reyes Magos (2008) “Tenía el
deseo, la querencia de teatro primitivo, medieval, la lengua española en sus balbuceos, pero creo que hice bien dejándoselo a Ana Zamora. No creo que se haya hecho nada mejor en teatro medieval en España y muchos sitios de Europa.”
El rey se muere (2004) “Uno de los espectáculos preferidos. Hubiera dado cualquier cosa por poder interpretarlo yo, pero con tamaños papeles no se puede dirigir e interpretar al mismo tiempo; una de las dos tareas sufre.”
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Sobre Horacios y Curiacios (2004) “En plena guerra de Irak, este montaje se convirtió en un hit, se produjo con escasísimos medios, se mantuvo varias temporadas, recorriendo media España e incluso el extranjero.”
El Libertino (2003) Este montaje supuso el encuentro de dos talentos y dos temperamentos, los de Andrés Lima (protagonista, en el papel de Diderot) y Joaquín Hinojosa (director), gracias a un magnífico texto de Eric-Emmanuel Schmitt.
Retablo de la Avaricia, la lujuria y la muerte (1995) “Fue una explosión, nos
El Diccionario (2012)
“Manuel Calzada nos había enviado el texto, veía desajustes en él, cosas que había que arreglar, reducir, pero el corazón de la obra me parecía excepcional y de extraordinario interés para nuestro público y nuestro momento cultural. Un espectáculo imprescindible en nuestra historia y un gran logro de Manuel Calzada —que dado nuestros limitados recursos, se implicó él mismo en la producción—, José Carlos Plaza y los actores.”
llevó por medio mundo, creo que sentó las bases de una nueva aproximación escénica a Valle-Inclán.”
El mercader de Venecia (2001) “En el
festival de Recklingshausen, este montaje de El mercader de Venecia interpretado por los actores de La Abadía y dirigido por Hansgünther Heyme arrasó. Ekkehard Schall, yerno de Bertold Brecht, se preguntaba a voces tras ver el espectáculo de dónde habían salido estos actores españoles.”
Largo viaje hacia la noche (2006) “Una apuesta exquisita de Àlex Rigola con
actores en estado de gracia, Un espectáculo mágico, profundo, inolvidable para mí.”
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reportaje
The Gagfather Yllana se reinventa. Inspirados por las pelis de gรกngsters y el cine negro, montan una historia desternillante en la que cuatro actores dan vida a cuatro polis y a cuatro sanguinarios mafiosos con cara de payaso malvado
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Dirección, como es habitual, de David Ottone, e interpretación de Fidel Fernández, Luis Cao, Juan Fran Dorado y Jony Elías
ha hecho en este país. Pocos códigos y pocas temáticas les A su habitual código quedan ya. Han sido diabólicos conescénico añaden un denados en el corredor de la muerte trabajo con máscaras en 666; han pilotado su propio Del 17 de dic al 11 de enero inédito, nuevo para Enterprise en Star Trip; han toreado Teatros del Canal ellos y espectacular en ¡Muu! y han sido forajidos en para todo aquel que lo Far West. Los vimos junto a Imprebís disfruta. The Gagfather derrochando humor inglés en Los propone una historia de buenos y malos en los mejores sketches de Monty Python y han surcado que los polis siguen la pista de unos excéntricos el proceloso mar de las finanzas en Brokers, un mafiosos que tienen rostro de payaso malvado y espectáculo que, como casi todos, sigue repreestán aterrorizando la ciudad con sus fechorías. sentándose con éxito. Ahora llega el homenaje al Y son los mismos cuatro actores (Fidel Fernández, Luis Cao, Juan Fran Dorado y Jony Elías) los que se desdoblan para dar vida a ambos cuartetos. Humor negro, salvaje, extremo... pero como siempre sin palabras, marca de la casa, en una historia que nos lleva hasta los bajos fondos y que desata los más bajos instintos del personal, que esconde además una crítica y una reflexión sobre el bien y el mal. Corrupción (a la orden del día), droga, torturas, entierros, persecuciones, tiroteos, un poco de gore, algún streaptease y vísceras que saltan hasta el patio de butacas. La obra se estrenó en agosto y ya ha recorrido algunas ciudades españolas La culpa de todo no la tiene Yoko Ono (que dirían los Def con dejando huella. No es para dos) sino el Joker de El caballero oscuro. Esa fue la inspiración y menos, porque con este especMorboria (compañía medio teatral medio circense de larga trayectoria) hizo el resto. Suya es esta impresionante caracterización. táculo Yllana alcanza cotas de ingenio y brillantez cómico-visual insuperables. Tanto que su teatro, el Alfil, se les empieza a quedar pequeño, por lo que se preparan para una cine negro, a las pelis de gangsters, al Tarantino nueva conquista de los Teatros del Canal. Lo que más salvaje, a los polis torpes, a la mafia y... conquistarán, seguro, son las carcajadas de todo -este se ha colado- al malo de Batman. Yllana el que asista a esta locura. Preparen el reflex, da una vuelta de tuerca, un paso más hacia la exporque les dolerá la mandíbula. Álvaro Vicente celencia del humor gestual que nadie como ellos
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estrenos
Cabaré de caricia y puntapié Desde el 9 de diciembre Teatro Alfil
Tan lejos y tan cerca. Son tantas cosas las que nos unen que deberíamos potenciar más las conexiones culturales entre la linda Buenos Aires y Madrid. Está tan lejos la ciudad porteña que es una pena que tengamos que disfrutar aquí y no allí de lo mejor de su esencia. Desde la capital porteña llegan a los Teatros del Canal cuatro de míticas figuras de la escena bonaerense. El 4 y el 5 de diciembre disfrutaremos con Enrique Pinti, un reconocido humorista famoso por su ‘verborragia’ y su desenfado. El 6 y el 7 resonarán los tangos de Susana Rinaldi, que nos hará rememorar una tarde lluviosa en París con Julio Cortázar, con quien tuvo amistad. El 10 y el 13 llegan Griselda Siciliani y Carlos Casella, para presentarnos Lo Prohibido, Concierto en llamas, donde disfrutaremos con singulares versiones de temas populares. Cierra el ciclo la cálida voz de Elena Roger (foto derecha) los días 11 y 12 de diciembre, que recorrerá los temas más emblemáticos de las comedias musicales y nos presentará su último trabajo discográfico Tiempo Mariposa. ¡¡Che, qué bueno que vinisteis!!
En 2010 este montaje de la compañía El gato negro ya se llevó el Premio Max al Mejor espectáculo de Teatro Musical, así que no estamos hablando de una obra cualquiera. Cabaré de caricia y puntapié es una divertida y alocada historia sobre la obra de Boris Vian, un genio compositor de la bohemia parisina de los años 40 no siempre bien conocido en España, pero artista de culto en Francia y otros lugares. Músico, compositor, ingeniero, escritor, dramaturgo... autor siempre polémico y crítico con su época. El Cabaré de caricia y puntapié se crea a partir de la parte más trepidante de su legado artístico: sus canciones. El amor, la violencia, el materialismo, el antimilitarismo, el amor, la violencia, el desamor, el amor, el amor, el amor... El espectáculo transcurre a lo largo de diez canciones que han sido elegidas por su fuerza, su comicidad y su mensaje, a veces crítico y siempre contradictorio. Un espectáculo que tiene la estética, el ritmo y la magia de los míticos cabarets de principios del siglo XX. Una obra que te acaricia la entrepierna y te pega una patada en el corazón. S. Díaz
De Buenos Aires a Madrid Del 4 al 12 de diciembre Teatros del Canal
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Stradivarias Y el virtuosismo y la diversión se hicieron mujer... y se multiplicó por 4. Isaae M. Pulet, Melissa Castillo, Irene Rouco e Inma Pastor son 4 divas que hacen maravillas con un violín, una viola, un violoncello y un contrabajo. Con su humor, su baile, su imaginación, sus voces y su música, sobre todo su música, consiguen crear un espectáculo mágico, divertido y apasionado que atrapa e hipnotiza a la primera nota. Con el repertorio de sus armas de seducción auditiva nos hacen viajar a ritmo de tango, soul, blues, copla y jazz al lado de Schubert, Beethoven e incluso de The Police. Stradivarias propone un viaje a través de los sentidos y los sentimientos, una metáfora musical que bebe de nuestros deseos y tentaciones y que además nos acerca al mundo de la música clásica. Sigan el camino mágico de baldosas amarillas que han creado frotando una cuerda con un arco. Funciona, no se crean, si están paseando por Madrid en un radio de 5 kilómetros se sentirán tan atraídos por sus notas musicales como las ratas de Hamelin. Sergio Díaz
Un cuarteto de cuerda atípico que convierte todo lo que toca con su humor hilarante en un gran desmadre Hasta el 28 dic. Gran Teatro Ruedo Las Ventas
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lírica
FOTO: Antoni Bofill, Death in Venice, Gran Teatre del Liceu de Barcelona
Muerte en Venecia Desde la Antigüedad clásica, en el universo de Mann y reflejar con Fedro de Platón en el vértice, la crisis existencial y estética del artistas e intelectuales han protagonista a lo largo de 17 esperseguido el canon de belleza cenas en las que se desarrolla un ideal. En el siglo XIX, Thomas atormentado monólogo interior. Mann (considerado uno de los La estilizada puesta en escena escritores europeos más imporde Willy Decker -quien califica tantes de su generación, 1875la obra de “fascinante, llena de 1955) plasma sus inquietudes al ambigüedad y equívocos”- subrarespecto en el relato La muerte en ya la tensión intelectual y erótica Venecia. Sumido en un profundo que consume al protagonista, vacío creativo, el escritor Gustav resaltando su lado más onírico. Aschenbach se debate entre las fuerzas contenidas de lo apolíneo Ilustración, oda, alegato y la pasión de lo dioy homenaje a la belleza nisíaco. El catalizador perfecta, pura y plena que será el adolescente escribió Thomas Mann Tadzio, con el que coincide en su último viaje a una decadente Venecia asolada por Del 4 al 23 de diciembre una epidemia de Teatro Real cólera, presagio del derrumbamiento de un mundo que ya no volverá (el libro se publica en El montaje que se estrena ahora 1912). En su última ópera, con en el Teatro Real es una ópera un nuevo universo sonoro de en dos actos con el Coro y la colores y texturas, el británico Orquesta Titulares del Teatro Benjamin Britten, el gran heredeReal, dirigidos por Alejo Pérez. ro de Purcell, decide adentrarse El Libreto es de Myfanwy Piper.
Cinco años después de su última representación, el Teatro de la Zarzuela repone esta producción que supuso, en la temporada 2009-10, la recuperación de una de las partituras esenciales de Francisco Asenjo Barbieri con texto de Francisco Camprodón. Una zarzuela que no se había visto sobre estas tablas desde hacía muchos años a pesar de que algunos de sus números -el coro Vuelta al trabajo, el bolero Niña que a vender flores vais a Granada o el final del segundo acto Mil parabienes al oradorestán en la memoria de todos los amantes del género. La reposición supone, por tanto, una oportunidad de disfrutar de la partitura completa y de la historia de aventuras de una reina-forajida en el Portugal dieciochesco, que ayuda a su pueblo hambriento vendiendo las joyas que tiene en su joyero real. La dirección escénica corre a cargo de Jose Carlos Plaza. La dirección musical es de Oliver Díaz con la Orquesta de la CAM.
Los diamantes de la corona Hasta el 14 de diciembre Teatro de la Zarzuela
entrevista
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Beatriz Carvajal “Mari Carmen se salva cuando coge un libro” Versátil, elegante, divertida, profunda, dulce… son solo algunos de los numerosos adjetivos que describen a una de nuestras más grandes actrices. Con casi medio siglo sobre los escenarios, la Carvajal vuelve a demostrar su talento con una apuesta complicada pero de una belleza y complejidad fuera de serie. ¿Quién es esta Mª Carmen que interpretas? Mª Carmen es una mujer sencilla, trabaja como asistenta y es una mujer maltratada, que a través de la lectura aprende a quererse, a respetarse, a luchar y a ser libre. Por lo que podemos intuir, Mª Carmen representa a muchas mujeres en el mundo. ¿Da vértigo interpretar a alguien así? Sí, porque tienes la responsabilidad de mostrar en el escenario la realidad de tantas mujeres, por desgracia. Lo que pasa es que también es un personaje que da esperanza, da futuro porque muestra que se puede salir de las cosas si eres valiente y si se tiene la fuerza de denunciar y de plantearse la vida de otra manera. El texto de Juan Luis Iborra y Antonio Albert resulta un gran viaje emocional de la sombra a la luz. ¿Cómo te sentiste cuando pusieron el libreto en tus manos? Es un planteamiento muy dramático pero lleno de humor que me atrapó… yo siempre he dicho que el humor es darle la vuelta a lo que te duele para poder soportarlo. Cuando me llamaron y me dijeron que era un monólogo, lo primero que hice fue decirles que no, que yo era muy mayor (risas). Bueno, pues lo leí y me enamoré, es un texto muy interesante a todos los niveles, para una actriz es un reto y me interesó todo lo que contaba y cómo lo contaba. Al final y pese al duro camino, la obra va de lo que va la vida, de superación, de la búsqueda de la libertad para encontrar la felicidad. ¿Crees que la Cultura nos hace libres? ¡Sin duda! No sé cómo este gobierno nos está ahogando tanto cuando la Cultura es la base. Hay que comer y vivir decentemente, claro, pero con Cultura todo es mejor, todo es más posible y aquí estamos, ahogándonos. Por eso me gusta mucho el planteamiento de Iborra y de Albert de que Mª Carmen se salva cuando coge un libro. Irene L. Navarro Lee la entrevista completa en www.escenagodot.com
FOTO: Sergio Parra
Con A vueltas con la vida, la célebre actriz se atreve con un monólogo que viaja de la oscuridad a la luz
Del 18 de dic. al 11 de enero Teatro Fernán Gómez
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cómicos
Vuelve a los escenarios el mejor Berto Si el mes pasado hablábamos de la factoría Muchachada, de donde han salido algunos de los cómicos que triunfan actualmente, hoy hablamos de otra emblemática factoría que produce mentes ingeniosas en serie: El Terrat. Y hablar de El Terrat es hablar de Andreu Buenafuente, el gran papá árbol que ha cobijado y ha hecho crecer bajo sus ramas a talentazos como Edu Soto, David Fernández, Jordi Évole, José Corbacho, Santi Millán, Yolanda Ramos... y el protagonista de la página de hoy, Berto Romero. Todos ellos siguen triunfando en cualquier aventura que se propongan y son habituales de series de TV, obras de teatro, películas, programas de actualidad e incluso galas de Nochevieja. Berto Romero es de Cataluña, al igual que la mayoría de los nombres que hemos dado arriba, y nos está demostrando que el pueblo catalán lo hace todo con mucho humor (humor no entendido del todo por el Gobierno Central).
Berto ha vuelto
Últimamente Berto estaba atravesando una etapa complicada. La fama se le había subido a la cabeza, los traumas que acarreaba desde pequeño por su aspecto físico y la tormentosa relación con su familia le habían hecho ir dando tumbos. Digámoslo claro: no estaba bien. Pero Berto ha vuelto. Ahora es un padre responsable, un cómico respetado y está alcanzando la madurez. A punto de cumplir los 40 cree haber aprendido algunas buenas lecciones que quiere compartir con nosotros. Ha superado los complejos y traumas que le atenazaron en el pasado, y todo apunta a que está desarrollando otros nuevos. Por lo demás, sigue obstinado en cantar y bailar y en explicar su vida... y la de los demás. Sergio Díaz
Sigue con nosotros es el nuevo y divertido espectáculo de este gran humorista, guionista y actor
Desde el 22 de diciembre Teatro Compac Gran Vía
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crítica
Crituits
Crítica: Hacia la alegría Teatro Abadía Por Álvaro Vicente
La ciudad como radiografía humana Una deflagración despierta a un hombre en mitad de la noche y un torrente de palabra comienza a manar de su boca igual que el agua limpia y fresca sale de un manantial para inaugurar un río que discurre impertérrito hasta desembocar. El agua irá encontrando accidentes que la estancan, que la arremolinan, que la contaminan y hasta alteran su composición pura inicial. Así mismo, el hombre saldrá a recorrer la ciudad llevado por una suerte de posesión lúcida con la que desgrana, con poesía a veces terrible, a veces sobrecogedoramente bella, la impresión que el ordenamiento urbano deja en la vida de las personas. Nada es casual, nada es aleatorio, todo está trazado según un plan perverso y clasista. Él lo sabe bien, porque es arquitecto, uno de esos humanistas bien asentado en el barrio de los ricos. Desde allí atravesará las zonas comerciales, los barrios más humildes y los polígonos industriales, hasta llegar al vertedero, hasta llegar donde no llega nadie, salvo las ratas. ¿Huida o destino? Sea como sea, acompañamos atónitos a Pedro Casablanc en esta frenética carrera de obstáculos metafísicos, políticos, económicos, literarios... nos espantan sus definiciones por certeras, nos impacta la resolución escénica, de brutal sencillez e igualmente poética, que propone la dirección de Olivier Py, autor también de un texto espléndido y desasosegante. Es otro de esos monólogos que últimamente se dejan ver en la cartelera madrileña para regocijo de los aficionados al teatro. Pero ha estado muy poco tiempo en el escenario grande de La Abadía. Y muy pocos actores en este país y en este mundo son capaces de hacer lo que hace Casablanc aquí... Inmenso.
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Crítica: Testosterona Galileo Teatro Por Álvaro Vicente
Masculino singular El poder y su irremediable verticalidad están presentes en escena desde antes de que aparezcan los personajes. Es lo que tiene el hecho de que subir el telón antes del comienzo de la función esté demodé. Uno se sienta en su butaca y espera a que el resto del público se acomode observando el espacio escénico en el que se desarrollará la historia que va a presenciar. Un amplio despacho, un ventanal desde el que se ve mucho cielo y un cacho de ciudad ahí abajo. El típico hábitat de jefe, de gran jefe, de jefazo, de pez gordo. El poder y su verticalidad. La autoridad y su posible horizontalidad. That’s the question. Esa es una arista del tema de la FOTO: David Ruiz obra. La otra es la relación hombre-mujer en contextos de poder y autoridad. Al poco de empezar, ya sabemos que existe un vínculo entre los dos personajes que va más allá de una mera relación laboral. Miguel Ángel Solá es el director de un importante periódico y Paula Cancio es la subdirectora de la edición digital del mismo. Solá debe ceder su puesto por enfermedad incurable y tiene ante sí la decisión de optar por su protegida (la conoció
en la universidad como alumna y le ha allanado el camino para que desarrolle todo su potencial) o bien por el otro subdirector, el de la edición de papel, un tipo cuyas cartas están muy boca arriba: cambiarlo todo para que nada cambie. Todo esto ocurre en plena Nochebuena y una fuerte nevada impide que ambos salgan del despacho. Es el contexto idóneo para que, por una vez, profesor y alumna, jefe y subordinada, rompan el límite de la confianza y pasen a un plano más personal. No se puede contar mucho del argumento, pero la obra va avanzando con interés creciente mientras entre ellos se va desarmando todo el armazón que los sostenía. Los dos actores dotan de una humanidad sincera y convincente a los personajes y descubrimos a una Paula Cancio que está absolutamente al nivel de un Solá del que ya conocemos su gran capacidad interpretativa. Sin embargo, la disección de la masculinidad no aporta nada nuevo y yo diría que el giro final no deja muy bien parada a la parte femenina de la obra, pese a que pueda parecer lo contrario. Pero esto es sólo una opinión...
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 2 de diciembre
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danza Ballet Imperial Ruso
Desde el 22 de diciembre Teatro Compac Gran Vía
Cascanueces Con la llegada del invierno desde la fría estepa vuelve a nuestra ciudad, como cada año, el Ballet Imperial Ruso que fue creado en 1994 por iniciativa de Maya Plisetskaya, premio Príncipe de Asturias. El director artístico del Ballet es uno de los más famosos bailarines de Rusia, Gediminas Tarandá, quien, antes de crear la compañía, fue solista principal del Teatro Bolshoi de Moscú (1980-1994) y estudió la carrera de coreógrafo bajo la dirección de Yury Grigorovich. Dentro de su programa no podía faltar una de las obras más famosas de la danza clásica: El Cascanueces. Es Nochebuena en una antigua ciudad alemana, a principios del siglo XIX. La gente se prepara para la fiesta. Al salón de la casa de los Stalbaum están llegando los invitados, y entre ellos está Drosselmeyer, un viejo chiflado, inventor de juguetes y amigo de los niños. Drosselmeyer, disfrazado de mago, hace un pequeño espectáculo. Tiene preparadas muchas sorpresas para los niños, les enseña juguetes con motor de cuerda, Arlequín, Colombina, Moro... Pero a Masha lo que más le ha gustado de todo es el juguete que rompe nueces, el Cascanueces. El reloj marca las 10, el baile se acaba, se apagan las luces... y Masha se duerme. En su sueño los ratones llenan la habitación, guiados por su Rey. El valiente Cascanueces llama a los soldaditos de plomo a la guerra con los ratones... Con su varita mágica, Drosselmeyer convierte el sueño en realidad.
A+A
Desde el 18 de diciembre Teatros del Canal
Ángel Corella y Ara Malikian. Ara Malikian y Ángel Corella. Un gran bailarín mundial une su arte a un violinista de talla internacional. Dos seres carismáticos, creativos, llenos de fuerza y personalidad. Dos grandes talentos, que residen en nuestro país, se unen para conformar un espectáculo único. Arropados por bailarines del Barcelona Ballet (Dayron Vera, Carmen Corella, Kazuko Omori y Russell Ducker) y la extraordinaria participación de los músicos de La Orquesta en el Tejado, curtidos todos ellos en mil batallas, se mueven en escena, interactuando entre sí, fieles todos ellos al sentimiento que les inspira la música intemporal. Estos dos creadores nos proponen un programa de música y danza compuesto por diferentes piezas. Una sorprendente fusión llamada muy acertadamente A + A que conecta con el público transmitiendo diferentes sensaciones sobre el escenario con fuerza y encanto. Todo un lujo para los sentidos que ya ha girado por toda España y ahora llega por fin a nuestra ciudad.
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en familia
En un lugar del Quijote El Quijote es tan grande como La Mancha, y La Mancha es tan ancha como la imaginación. A la compañía Ron Lalá le sobra imaginación, lo han demostrado con creces. Y talento. Su apuesta junto a la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que coproduce con ellos, de una visión y una versión, ambas muy libres, de la novela de Cervantes les ha salido redonda. No han dejado de girar y triunfar desde su estreno y ahora vuelven al escenario del Pavón por navidades para seguir haciendo disfrutar a mayores y pequeños. Esta tentativa sobre las andanzas del ingenioso hidalgo entra dentro del programa ‘Mi primer clásico’ con el que la CNTC que comanda Helena Pimenta quiere acercar nuestro teatro y nuestra literatura a los más jóvenes de una forma más lúdica y menos solemne de lo que suele ser habitual. “Con que uno solo de ellos salga de la función y se compre un Quijote y se lo lea, nosotros ya habremos cumplido nuestro objetivo”, asegura Íñigo Echevarría, el ronlalero encargado de interpretar aquí al caballero de la triste figura. Cara a cara con Cervantes “La forma de enfrentarnos a este reto -continúa Echevarría- ha sido mirando cara a cara a Cervantes, con todo el respeto del mundo, pero sin agachar la cabeza. Y, evidentemente, con los ingredientes habituales en Ron Lalá, es decir, el humor y la música
La compañía Ron Lalá, junto con el CNTC, regresa con su versión libre del Quijote para toda la familia Del 18 de dic. al 4 de enero Teatro Pavón
en directo, haciendo un trabajo muy concienzudo para rescatar el humor que tiene la novela propiamente”. No estamos ante una traslación literal de la novela al escenario, sino que extracta unos cuantos episodios que cuentan la historia de Don Quijote a través de dos planos narrativos. Por un lado, el del autor, donde Ron Lalá ha puesto más de su parte y por otro lado está ese fantástico mundo de Alonso Quijano, un ser normal que un día se convierte en Don Quijote. “Hoy podríamos decir que este personaje es una especie de superhéroe que elige vivir como quiere y se lanza a los caminos en busca de sus sueños”, en palabras de Íñigo Echevarría. Despertar la imaginación del espectador Ya sabemos que Íñigo es Don Quijote. Por su parte, Daniel Rovalher es Sancho. El resto de los personajes se los reparten los otros tres integrantes de Ron Lalá: Juan Cañas, Miguel Magdalena y Álvaro Tato. Los cinco apuestan fuerte en este trabajo por un espectáculo poético y filosófico, sí, pero divertido y cercano a sensibilidades de nuestros días. La música ejecutada en directo, en esta ocasión más electrónica, ayuda a generar las atmósferas que propician el viaje tanto encima del escenario como entre las butacas. Pues nada, todo el mundo a quijotear y a dejar volar la imaginación. Álvaro Vicente
e s p e c i a l n a v i d a d
en familia
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Navidades en el Price Desde el 5 de diciembre Teatro Circo Price Navidades en el Price se ha convertido ya en un clásico madrileño. ¿Qué mejor lugar y qué mejor plan para celebrar cada uno de estos días? Este año han creado un espectáculo original, partiendo desde cero y echando una mirada al pasado, a lo que era el Circo en sus inicios, a un lugar lleno de fantasía y glamour, así como pleno de precisión, emoción y alegría. La elegancia, la sofisticación, la atención a los detalles, el uso de opciones precisas de luz y color… todo contribuirá a la reconstrucción del imaginario del circo para volver a la esencia circense más pura. Un espectáculo de circo único y familiar, una mirada hacia dentro buscando la sonrisa del niño que todos llevamos dentro, en el que nos demostrarán un año más que todo es posible en Navidad.
Mi primera Navidad Desde el 6 de diciembre Teatro Cofidis
Gran celebración de lo que ha venido y de lo que está por venir, representando la poética del bebé y el entorno familiar. La magia de la Navidad da paso a una pieza teatral que sabe expresar en su totalidad una explosión de descubrimientos, lleno de fantasía y sentimientos que les acompañaran toda su vida. Las dinámicas utilizadas crean un espectáculo poético, visual y sonoro de 30 min. Pincelado por diferentes propuestas en sonidos, colores y formas. Los bebés reci-
ben una estimulación directa a los sentidos del tacto, la vista y del oído. Tatira se adentra en el mundo del bebé, en sus primeros descubrimientos, en sus primeras sensaciones y en sus reacciones ante los estímulos de la Navidad y parten de la creación multidisciplinar como vehículo de expresión para crear sus trabajos, conformando unos espectáculos sencillos pero llenos de imaginación, sonrisas, ilusión, estimulación y diversión.
e s p e c i a l 44
en familia
Dentro de la programación de Titerescena llega esta obra de la compañía Dejabú. Didi y Gogo son los únicos habitantes de Azken Portua, el último puerto. Hace muchísimo tiempo que no han visto llegar ningún barco desde el ancho mar. Gogo ni se acuerda de aquellos tiempos en que el puerto era visitado por barcos de todo el mundo. Pero la curiosidad de la joven Didi nos permitirá sumergirnos en las memorias del viejo pescador y conocer las aventuras del barco Embata, los peligros que padecían en aguas lejanas los pescadores y la historia de Krispin, aquella niña que un día se perdió en el mar.
El último puerto
Del 19 al 21 de diciembre Teatro Valle-Inclán
¿Quién ha hechizado al Libro Mágico haciéndole estornudar constantemente, perturbando de esta manera todos los finales de los cuentos clásicos que en él se encuentran? Dos Charlatanes descubrirán que la malvada Virus es la responsable de ésta y alguna que otra fechoría. Caperucitas que hablan al revés, dráculas cegatos, príncipes azules con alteraciones de identidad… una historia divertidísima, musical y con efectos de magia que harán las delicias de toda la familia... Un cuento para reírse de miedo. ¿Conseguirán cambiar estos finales? Por supuesto, ¡Palabra de Charlatán!
El gran libro mágico
n a v i d a d
Hasta el 11 de enero Teatro La Latina
El musical que emociona a los niños nos lleva por el camino de baldosas amarillas a Oz. Por él van Dorita, su perro Toto y sus amigos el Espantapájaros, el León y el Hombre de Hojalata. Aunque la malvada Bruja del Oeste acecha en la sombra, ellos siguen su camino buscando bajo las estrellas, sobre el arco iris y siempre más y más allá, el fabuloso mundo del misterioso Mago. La Compañía La Bicicleta, elenco estable del Teatro Sanpol, nos ofrece este delicioso musical en un montaje excitante, sorprendente y colorido. Una obra llena de audacia, ternura y diversión, que sigue con fidelidad la hermosa historia de Frank Baum.
El mago de Oz
Hasta el 11 de enero Teatro Sanpol
e s p e c i a l
en familia
El Pequeño Pinocho Desde el 20 de diciembre Teatro Bellas Artes
Todo un cortejo de Títeres-animales recrean escenas mágicas en quince piezas musicales envueltas por la fantasía. La compañía Etcétera, que lleva más de veinte años de andadura profesional, y cuyo recurso escénico son los objetos animados crea este espectáculo a partir de las obras musicales Preludio a la siesta de un fauno, de Claude Debussy y El carnaval de los animales, de Camille Saint-Saëns, interpretadas por once músicos... Soñemos despiertos inmersos en un ambiente mágico. La obra de Enrique Lanz ha recibido el Premio Nacional de Artes Escénicas para la infancia y la juventud 2014.
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Érase una vez un carpintero llamado Geppetto que decidió construir un muñeco de madera, al que llamó Pinocho. Con él, consiguió no sentirse tan solo como lo estaba hasta aquel momento. La estética de esta puesta en escena presenta un cuento vivo con actores, cantantes y músicos en directo. El diseño de producción incorpora una partitura y un diseño de audiovisuales generados ex profeso. Opera Divertimento tiene como misión difundir el mundo de la ópera y la zarzuela entre el público más joven, misión en la que lleva trabajando más de 10 años.
Soñando el carnaval de los animales
Desde el 19 de diciembre Teatro Fernán Gómez
A Christmas Carol Hasta el 27 de diciembre Teatro Infanta Isabel
n a v i d a d
Desde que se publicó Un Cuento de Navidad en 1843, esta novela ha llegado a ser tan popular que es imposible imaginar la Navidad sin referirnos a ella. Ahora Face 2 Face hace una nueva adaptación desde su particular visión cómica. Un espectáculo para la familia angloparlante y ‘pseudoparlante’. Vuelve la magia y el humor de Dickens, y el espectador se ríe a carcajadas y reflexiona sobre la alegría de compartir. Canciones evocadoras, divertidísimos gags y magia teatral basada en el mimo y la comedia visual. Teatro en inglés para público a partir de 7 años.