Godot enero 15 by Godot

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

de Alberto Conejero

¡CHIMPÓN!

Del 14 de enero al 22 de febrero

LA PIEDRA OSCURA

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

de Petra Martínez y Juan Margallo Dirección Olga Margallo

Dirección Pablo Messiez

Reparto Daniel Grao Nacho Sánchez

PANFLETO POST MÓRTEM Reparto Juan Margallo Petra Martínez

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva Del 9 de enero al 8 de febrero

Coproducción Centro Dramático Nacional y Uroc Teatro

Coproducción Centro Dramático Nacional y LAZONA Síguenos en:

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Centro Dramático Nacional

Teatro María Guerrero

Dirección Ernesto Caballero

RINO CE RON TE

Del 17 de diciembre al 8 de febrero

Versión y dirección Ernesto Caballero

de Eugène Ionesco

Reparto (por orden alfabético) José Luis Alcobendas Ester Bellver Fernando Cayo Bruno Ciordia Paco Déniz Chupi Llorente Mona Martínez Paco Ochoa Fernanda Orazi Juan Antonio Quintana Juan Carlos Talavera Janfri Topera Pepe Viyuela Pepa Zaragoza

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6 12 17 22 24 26

38 43 palabra de Sr. Godot noticias Revista Digital de la Escena

portada Más apellidos vascos la visual Carmina Burana

estrenos El Eunuco

la visual Don Juan Tenorio

entrevista Mariano Barroso

estrenos Tricicle entrevista Mario Vargas Llosa

panorámica Un balcón con vistas

entrevista Ana Milán

estrenos El Brujo

críticas

10 14 18

reportaje ¡Chimpón! Panfleto Post-Mórtem

estrenos La puta enamorada

30 32 37

cómicos Morgadeces

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Enero 2015

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PALABRA DE... Sr. Godot

Los buenos quedan, los demás se van No tengo por costumbre citar a Julio Iglesias, pero ante este papel en blanco resonaba en mi cabeza aquella canción tan recurrente... “siempre hay por qué vivir, por qué luchar / siempre hay por quién sufrir, y a quién amar / Al final, las obras quedan, las gentes se van / otros que vienen las continuarán, la vida sigue igual.” Un poco más adelante está el verso que da título a esta columna, con el que me gustaría homenajear a un puñado de personas con nombre propio y denostar a otro montón de bustos parlantes sin alma. Los últimos son gentes que pasan por la administración pública como atilas, destrozando más que construyendo. Ni siquiera son dignos de ser llamados políticos, y mira que el ser político cotiza más a la baja que nunca. Los primeros son los buenos, los que quedan, los que dejan obras para el resto que permanecen. Viene todo esto al hilo del cierre, en diciembre, de la sala La Trastienda, hecho que nos empobrece como ciudad sean cuales sean las causas. Igual sucedió con el cierre de El sol de York o con el del Garage Lumière o con el de cualquier otro lugar que sea motor y fuente de cultura. Seguro que hay razones administrativas poderosas para llevar a cabo este tocamiento de huevos/ovarios masivo al que está

sometido el ya maltrecho tejido off de Madrid. Lo que seguro que no hay es una voluntad política para ayudar al fomento de la cultura de barrio, de proximidad. Kubik Fabrik, Réplika, Espacio Labruc o Guindalera son otras salas que tienen la espada de Damocles encima como un nubarrón que impide ver claramente el horizonte. Y trabajar así debe ser un suplicio. Esta política que fomenta la incertidumbre para la mayoría, tratando de engañar con mensajes simplones, debe llegar a su fin en este 2015, es nuestro deseo más ferviente. Porque cargarse estas salas o no contribuir a su mantenimiento, sean de teatro, de música o de actividades para la tercera edad, es como matar pezqueñines o cazar faisanes directamente en el nido. Los grandes templos de la cultura, incluidos y sobre todo los públicos, no serían nada sin los actores, autores, directores, escenógrafos, técnicos, gestores, etc, etc, que se pelaron antes el culo en las salas pequeñas. La dignidad empieza en el trabajo hecho hacia afuera, expansivo, colaborativo, horizontal, porque aquí no estamos para llenarnos los bolsillos y retirarnos, aquí estamos para seguir poniendo mojones en el largo camino que va del carro de Tespis a la eternidad. Gracias a todos los que trabajáis por amor al arte, sí, pero por favor, basta ya de precariedad y zancadilla. Es la hora de la dignidad.

“Ceniza tú, yo sangre / Miedo tú, yo latido” Elena Córdoba

SELFIES

NOC devil nos C Un auténtico vo Los artífices de NO aras y píc s sa nri so ción de dedican esta colec car una ata ra se preparan pa divertidas cuando dades rie va de lo cu su espectá nueva función de o! buen te. ¡Cabaret del en el Teatro del Ar

El Feo obras más , algunas de las Finalizando 2014 cartelera. abandonaban la exitosas del año a por Fran ad esta protagoniz Una de ellas fue ente y Fu la de r ca ón, Ós Calvo, Mario Tard siempre! ta Teatro Lara. ¡Has Silvia Marty en el

Más apellidos vascos pinta Bob Esponja No sabemos muy bien qué el selfie de los en aquí, pero se ha colado del éxito cinematotral tea uela protas de la sec que llega ya mismo gráfico español de 2014, as tenemos! naz ¡Ga al Teatro Marquina.

¡Vaca! a siempre fue ¡Vaca!, Otra que se despidió par Velasco que cumplía el unipersonal de Alberto aplausos. Emociode y es cion 7 años de fun regalaba este último nado y feliz, Velasco nos mágica. ¡Ciao! ción camerino tras una fun

#elArtedelActor

¿Ambición o pretensión? Últimamente, yendo al teatro, he reconectado con una antigua ambición: me recuerdo pensando que “quería ser una de las mejores actrices del país”. Eso me llevó a estudiar Arte Dramático y profesionalizarme, hasta cambiar aquel deseo por el de “ser la mejor actriz que yo puedo ser”. Con el tiempo, he dedicado mucho esfuerzo, tiempo y dinero, a mi formación y crecimiento, pero en el camino y al contacto con las vicisitudes de la profesión, se ha ido diluyendo la ambición para conformarme con un anhelo de trabajar cuanto más mejor, y con suerte bien remunerada. Y agradezco enormemente asistir a montajes como Los Nadadores Nocturnos o Hacia la Alegría, porque me recuerdan la ambición por la exquisitez en la profesión, en todos sus elementos (texto, dirección, actuación, lenguaje, mensaje, comunicación con el público…) En ellos noto el reto creativo que ha sido para el equipo, cómo han tenido que romper los propios límites para poder contar esta historia humana y complicada, teatral y bella. Me alienta, me ilusiona, me anima a tener fe en que el escenario es el espacio perfecto para las grandes historias y las grandes catarsis. Sin embargo, creo que hay formas de malentender esta ambición. También he visto varios ejemplos (alguno de ellos continúa en cartel, pero no los nombraré porque respeto a cada persona que se sube a un escenario, haga lo que haga), en los que noto una inmensa pretensión que emana del escenario. Como si allí estuvieran una suerte de iluminados, dispuestos a lanzarnos unas migajas de su sabiduría sobre algún aspecto humano. Donde veo que se confunde la grandeza con lo grandilocuente, lo bello con lo excesivo, la catarsis teatral con el onanismo intelectual, donde hay mucho discurso aleccionador y muy poca autoconsciencia. Y me pregunto en qué momento uno se desvía de la ambición para entrar en lo pretencioso. Creo que es cuando se pierden de vista algunos pilares de esta hermosa profesión, como saber qué historia estamos contando, querer contarla al público por amor a ellos, en lugar de por desprecio, o por la vanidad de ser observados; asumir que los fuegos artificiales no lucen si no hay chispas en las almas de los intérpretes, y que si los que la cuentan no son atravesados por la historia (que diría una admirada amiga directora), la historia no va a atravesar a nadie. De todas formas, es preferible que haya montajes que se convierten en pretenciosos a la falta de ambición absoluta. Es mejor que lo que se haga importe mucho (aunque esté puesta la importancia en un lugar, a mi juicio, equivocado), que el terrible espectáculo de ver desidia en un escenario. Pero cuidémonos de perder la brújula que marca el norte de la ambición digna.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

TEMPORADA 2015

Godot_Maquetación 1 23/12/14 13:13 Página 1

LOS CUENTOS DE LA PESTE

SALAPRINCIPAL

SALAPEQUEÑA

LA SESIÓN FINAL DE FREUD

de Mario Vargas Llosa

de Mark St. Germain

Dirección Joan Ollé con Mario Vargas Llosa, Aitana Sánchez-Gijón, Pedro Casablanc, Marta Poveda y Óscar de la Fuente

Dirección Tamzin Townsend con Helio Pedregal y Eleazar Ortiz

DEL 28 DE ENERO AL 1 DE MARZO

DEL 13 DE ENERO AL 22 DE FEBRERO

ADALÍ

SALA 1

PERDONA SI TE MATO, AMOR

Dirección artística Aída Gómez Composición y dirección musical Juan Parrilla Coreografía Aída Gómez, Christian Lozano y Eduardo Guerrero

de Carlota Pérez-Reverte

DEL 15 DE ENERO AL 1 DE FEBRERO

HASTA EL 18 DE ENERO

SALA 2

Dirección Alberto Castrillo-Ferrer con Nacho Rubio, Rafa Blanca, Javi Coll, Julián Ortega, Antonia Paso y Silvia de Pé

Síguenos en Programación sujeta a cambios

www.teatroespanol.es

NOTICIAS

Revista Digital de la Escena Como cada año, y suman doce, se presenta una nueva edición de la Revista Digital de la Escena del Centro de Documentación Teatral (CDT) del INAEM. Entrevistas, análisis, reportajes, varias horas de imágenes en vídeo y más de mil fotografías sobre la realidad de la escena española en este 2014 abordada con respeto y rigor. La sección A Debate este año trata del teatro español y su proyección exterior con las reflexiones de Paco de La Zaranda, Àlex Rigola, Toni González, José Dault y Garbiñe Insausti, Jordi Galcerán y Carlos Fernández-Peinado. Además, el CDT no olvida su objetivo como centro de recursos y ofrece una selección de enlaces a festivales internacionales que en los últimos años han programado teatro de nuestro país. Encontraremos también la voz de los distintos sectores implicados en el PLAN PLATEA y la de los críticos que darán sus opiniones sobre lo mejor del año. Por supuesto, se mantienen los reportajes que ofrecieron el pasado verano sobre los Cómicos de la LeNgua, el fondo de entrevistas del CDT y el centenario de un ramillete de Damas del Teatro. www.teatro.es

Amaluna del Cirque du Soleil Tras más de dos años sin visitar Madrid con su Grand Chapiteau, Cirque du Soleil vuelve a la capital con Amaluna, que se estrenará el próximo 6 de mayo. Esta producción, un tributo a la mujer, saca su nombre de una fusión de la palabra ama, que significa madre en muchos idiomas, y luna, símbolo de la femineidad que evoca tanto la relación entre madre e hija como la idea de diosa y protectora

del planeta. Se estrenó en Montreal en 2012 y, tras su gira por Canadá y EEUU, se embarca en una gran gira por Europa. Madrid acoge, por primera vez, el estreno oficial de un nuevo espectáculo de la compañía en nuestro continente. La Gran Carpa Blanca se instalará, como en ocasiones anteriores, en el Escenario Puerta del Ángel (Casa de Campo). http://www.cirquedusoleil. com

Chiuti

Maltrato Teatral Premios en París El Festival de Teatro Hispánico Don Quijote de París reunió en su vigésimo tercera edición, que se celebró en la capital francesa entre los días 22 de noviembre y 20 de diciembre, a trece compañías procedentes de Bolivia, Portugal, Francia y España. El público que llenó la mayoría de los espectáculos programados, concedió el primer premio a la compañía portuguesa Teatro Do Chapitô por el montaje Edipo. El segundo premio lo obtuvo Alberto San Juan por su espectáculo Autorretrato de un joven anticapitalista, que recibió una extraordinaria ovación, mientras que la compañía que dirige Ana Zamora, Nao de Amores, consiguió el tercer premio por Penal de Ocaña.

XIX Festival Hurta Cordel Del 22 al 25 de enero la Casa Encendida acoge el XIX Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel. La música improvisada es aquella sin armonía o melodía fijas, creada y ejecutada de manera espontánea eludiendo toda composición previa. Anthony Braxton, uno de los músicos y pensadores creativos más importantes de los últimos años, encabeza el cartel de una edición que recoge desde música intuitiva o electrónica interactiva a los sonidos más circenses. Proyecciones, ensayos y presentaciones de libros completan la programación. www.lacasaencendida.es

Un actor de toda la vida agonizaba en casa, y algunos compañeros pasaban a verle en sus últimos momentos. Dos de ellos se cruzaron en la escalera y el que llegaba de visita le preguntó al que salía de ver al enfermo “¿Cómo está? ¿Te acuerdas de cuándo representó aquel Don Juan? -le preguntó el otro-, pues peor”. Recordaba esta anécdota mientras veía, o quizá deba decir, ‘sufría’, Sueños y visiones del rey Ricardo III en el Español. Demoledora la experiencia. Difícil entender cómo puede resolverse tan mal un texto de altura, para mí gusto, de los mejores de Shakespeare. Por primera vez en la historia del Teatro Español se ha “microfonado” un espectáculo. Y con todo, especialmente al principio, a Juan Diego se le entiende malamente. La sensación de que lleva ‘pinganillo’ la corroboro a posteriori (Lolita también ha hecho así La plaza del Diamante para recibir críticas excelsas, a mi entender desproporcionadas aunque hay que reconocer que hacía un buen trabajo. Pero ese es otro tema). Han primado tanto la escenografía que los actores se ven obligados a moverse como calcomanías en el pequeño hueco que les dejan en la corbata. Se agradece la música y la presencia de Asunción Balaguer, que no salvan el despropósito. Y, para más I.N.R.I., algunos espectadores aplauden de pie al final de la función este desastre que nunca debió de haberse estrenado. Esperaba más de este texto, del actor protagonista y de su director, Carlos Martín, miembro del aragonés Teatro del Temple, a quien tenía en otro concepto. Me consta que llegan a Madrid en este 2015 dos espectáculos dirigidos por él, Luces de Bohemia y Arte de las putas y entono aquella copla del maestro Solano “Miedo, tengo miedo”. Tengo claro que este desaguisado no es culpa de Juan Carlos Pérez de la Fuente, a quien espero con su propuesta teatral para dentro de poco. Supongo que tendrá sensibilidad para programar en las condiciones que se merece uno de los mejores espectáculos que hemos visto en tiempos, los que pudimos, que se quedó más gente fuera que dentro el año pasado en el Fernán Gómez. Me refiero a André y Dorine, montaje de inusitada belleza que encuentra más espacios en el mundo que en Madrid. Porque aún estamos a tiempo de reorganizar la cartelera de los teatros municipales y ofrecer, especialmente a la gente joven, espectáculos que les enseñen el hermoso camino hacia el teatro.

en portada

FOTOS: Javier Naval

Más apellidos vascos Si digo que es un film que casi 10 millones de personas han visto sólo en los cines y que ha recaudado más de 56 millones de euros, supongo que a la mente podrían llegar muchas opciones, esas mismas que desaparecen si digo que la película en cuestión es española. Si entonces fallan, han estado fuera de España este 2014. Y es que el fenómeno de Ocho apellidos vascos no ha pasado desapercibido para nadie. Por eso no sorprende que el teatro se haya hecho eco de tal éxito y que nos encontremos ante el estreno de Más apellidos vascos. Sin embargo, aquí estamos para dejar algunas cosas claras... y son importantes. “No van a encontrar un remake de la película hecha teatro, van a encontrar muchas de las sensaciones que vivieron con ella, es el mismo universo pero desde otro sitio. Es un producto teatral original”, afirma tajante Gabriel Olivares, director de esta producción, ante la pregunta de si estábamos ante una adaptación pura y dura. Olivares no duda en aclararnos las semejanzas y diferencias: “Está el alma y el espíritu, el humor norte-sur, la comedia romántica, la relación de padres e hijos, el amor autonómico... pero el planteamiento es netamente nuevo, es una sucesión

Gabriel Olivares dirige esta producción original que bebe del particular universo cómico creado por el film Ocho apellidos vascos Desde el 15 de enero Teatro Marquina

por David Hinarejos

de escenas, con una historia que vertebra a las demás (quizás es la que más nos hará recordar la película) en las que nuestros cuatro actores

“No van a encontrar un remake de la película hecha teatro. Es un producto teatral original” (Leandro Rivera, Rebeca Valls, Cecilia Solaguren y Carlos Heredia) interpretan a varios personajes cada uno. Todo ello con un planteamiento escénico muy especial y una localización de las escenas que sorprenderá”. Sin duda, el director sabe que la libertad creativa que han tenido para este montaje era una apuesta arriesgada por lo que podía esperar el público: “Es un regalo envenenado, es lo peor que le puede pasar a cualquier artista, que el público llegue con muchas expectativas creadas. Esa sombra está ahí, pero a mí personalmente me convencieron los textos de Diego San José, Roberto Santiago y Pablo Almárcegui, que han escrito escenas perfectas. Y también porque me ponen los retos y cuando las cosas son difíciles me ponen más”. En definitiva, otro festín cómico como el de la película, con los mismos ingredientes, eso sí, cocinados de diferente forma y servido por otros profesionales... seguro que nos deja el mismo buen sabor de boca.

Secuela de un gran éxito Tras el gran éxito de la propuesta del director Emilio Martínez-Lázaro y de los guionistas Borja Cobeaga y Diego San José, casi era una obligación proseguir las andanzas de los personajes protagonistas con una nueva historia. Los responsables de la película no tardaron en confirmar una secuela que contará con el mismo reparto protagonista. En esta ocasión el film, que previsiblemente se estrenará en este 2015, tratará el punto de vista de los vascos sobre Cataluña. También se ha confirmado que la primera parte de la peli transcurrirá en Andalucía, donde se verá el caso contrario que en la primera parte.

la visual

Carmina Burana Ninguna foto hizo, hace ni hará justicia a una puesta en escena de La fura dels baus. Su tentativa sobre la celebérrima pieza de Carl Orff pone sobre el escenario un cilindro de diez metros de diámetro que envuelve literalmente a la orquesta, mientras los cantantes y las imágenes proyectadas sobre él ilustran la obra de principio a fin. Una luna gigante, el deshielo, éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y fuego. Impactante, trepidante, arrollador. Ningún adjetivo hizo, hace ni hará justicia a un espectáculo de La fura dels baus. Ir, estar, vivir y gozar. Eso es todo. Teatros del Canal. 16, 17 y 18 de enero

Grandes estrenos

Teatros del Canal

Teatro, danza y música

Del 15 de enero al 8 de febrero de 2015

EL BRUJO Presenta

Con el apoyo de:

De Lucio Apuleyo

GRADIMIR PANKOV

FEDERICO LUPPI en

DIRECTOR ARTÍSTICO

(La Bella Durmiente)

de Mats Ek

DEL 5 AL 8 DE FEBRERO DE 2015

El reportaje de Santiago Varela Con Susana Hornos Dirección: Hugo Urquijo

Una producción de

TEATRO PICADERO DE BUENOS AIRES

11 al 22 | febrero de 2015 Con la colaboración de:

Con el apoyo de:

Producción:

Del 13 de febrero al 1 de marzo de 2015

Una producción de

Toda la información de estrenos y ofertas en

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Entradas desde 12 e 18/12/14 16:20

estrenos

La sesión final de Freud

Tamzin Townsend dirige esta obra sobre el debate dialéctico de dos personalidades muy importantes del siglo XX Desde el 13 de enero Teatro Español

Los grandes combates de la historia no tienen por qué suceder siempre en un campo de batalla; quizás las batallas dialécticas, cuando de dos mentes privilegiadas se trata, son mucho más importantes que las realizadas mediante el uso de las armas. Y quizás esos debates dialécticos sean más necesarios si fuera se oye el ruido de los sables o las alarmas antiaéreas. Mark St. Germain escribió este texto sobre el posible encuentro entre Sigmund Freud, el conocido padre del psicoanálisis, y C. S. Lewis, escritor inglés autor entre otros libros de Las Crónicas de Narnia. La obra enfrenta a dos hombres tremendamente interesantes, opuestos totalmente tanto por su ideología (apologista cristiano Lewis, judío pero escéptico Freud) como por el momento vital de cada uno (en el cénit de su carrera Lewis, a punto de morir Freud). Es un encuentro en el que el creyente aborda

ante el no creyente, sin superficialidad alguna pero con humor inteligente, temas como la bondad y la maldad, la moral y la conciencia, Dios y la religión, el sexo y el amor, el sufrimiento y la muerte, Hitler... El comienzo de la Segunda Guerra Mundial como motor para debatir sobre los actos realizados por los hombres en la tierra y sus consecuencias -si las hubieraallá en el ‘cielo’. Tamzin Townsend dirige en este montaje a Helio Pedregal y Eleazar Ortiz en una obra potente para disfrutar con el arma más mortífera que existe, el cerebro, que mediante el uso de la palabra puede herir y dañar almas, pero que también puede curar conciencias. Una obra para comprender, para vernos reflejados en el otro, para empatizar. Una obra para hacernos entender que hablando se alcanzan más soluciones que usando metralla. Sergio Díaz

estrenos

El Eunuco la cortesana para poder enamorar a la esclava Si te dicen que te van a llevar a ver la obra El tarea fácil no es, decide suplantarlo, reemplaEunuco de Terencio, así a pelo, pues a lo mejor zarlo. Al eunuco. ¿Te lo imaginas? Imagínatelo. pones cara de “pase de mí este cáliz” que yo Y, a todo eso, ahora añádele un criado que prefiero irme de cañas. Es comprensible, y eso no quiere, y una criada que no se entera, y un que Terencio escribía muy buenas comedias en soldadete enamorado la época de la República Romade un generalete, y un na. Pero si te dicen que te van generalete que no sabe, a llevar a ver una versión libre Divertido espectáculo que duda, que si carne de El Eunuco realizada por Jordi a caballo entre el teatro que si pescado, y... Sánchez y Pep Anton Gómez y clásico y el musical que Nueve personajes protagonizada por Pepón Nieto, cuenta con un reparto de enloquecidos por el Anabel Alonso, Alejo Sauras y lujo amor, el dinero, la Jorge Calvo entre otros, seguro pasión, el orgullo, los que ya te lo piensas y dejas las celos y los equívocos cañas para después del teatro. Desde el 21 de enero (¡tantos equívocos!). Teatro La Latina Imagínate en Atenas. Un joven Nueve personajes, sí. fogoso con las hormonas alboY otras tantas historias rotadas. Se enamora de una que se entrecruzan en esclava. La esclava, lo es de un montaje que transita sin rubor por el teatro una cortesana. La cortesana tiene un amante. El clásico grecolatino y el musical, la comedia de amante es el hermano mayor del joven fogoso, situación y el vaudeville. Nueve personajes, que quiere hacerle un regalo. A la cortesana. otras tantas historias y un ritmo endiablado en Por eso, le compra un eunuco. Pero aún no se lo que pretende ser y será toda una fiesta de lo ha dado. El joven se entera. De lo del regalo, principio a fin. de lo del eunuco. Y, como acceder a la casa de

FOTO: Festival de Mérida / Jero Morales 2014

entrevista

Mario Vargas Llosa “El Boccaccio que todos admiramos es un accidente que deriva de la peste” Premio Nobel de Literatura en 2010, el escritor confiesa que si en su Perú natal, en su juventud, hubiera habido un movimiento teatral importante, hubiera sido más dramaturgo que novelista. Aún así, ha escrito media docena de piezas para el teatro (que Natalio Grueso quiso llevar a la escena como principal propósito en su paso por la dirección del Teatro Español, propósito que ha quedado truncado tras su salida del coso municipal) y presenta ahora un texto inédito en el que se ha reservado un papel para seguir jugando a ser actor. Dirigido por Joan Ollé, le acompañan en escena su adorada Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Óscar de la Fuente y Marta Poveda. ¿Cómo y por qué surge la idea de adaptar al teatro parte del Decamerón? No es exactamente una adaptación, es algo mucho más libre. Siempre me gustó mucho esa primera jornada del Decamerón en la que hay una descripción extraordinariamente eficaz de los estragos que causó la peste de 1348 en Florencia y esa historia que se narra allí de un grupo de 10 jóvenes que deciden huir de la peste. Como no pueden salir de la ciudad, que está cercada y en cuarentena, huyen por lo imaginario, encerrándose en un jardín a contar cuentos. Siempre me pareció que era una situación muy teatral. La obra utiliza 8 de los cuentos de la obra de Boccaccio. ¿Cómo se engarzan? ¿Qué personajes

la conforman? ¿Qué peso tiene la propia vida de Boccaccio en la pieza? Nos hemos quedado con 5 personajes, de los cuales sólo dos son del grupo original de los 10 del Decamerón, Pánfilo y Filomena. Boccaccio está tan presente que es otro de los personajes. Y luego hay dos personajes inventados que son el Duque Ugolino, que es el que yo intepreto, y la Condesa de la Santa Croce, que es el que hace Aitana. El libreto de la obra está muy inspirado

El escritor vuelve a subirse a las tablas con su obra inédita Los cuentos de la peste, basada libremente en el Decamerón Del 28 de enero al 1 de marzo Teatro Español

por Álvaro Vicente

FOTO: Javier Naval

en la vida de Boccaccio, sobre todo en el hecho esencial que fue la peste. Él está en Florencia en ese momento y sobrevive. Y fue un hecho fundamental para su vida de escritor. Hasta entonces él fue más bien un intelectual preocupado por la teología y la filosofía y lejos de la cultura popular. Esta la descubre con la peste y es lo que le permite escribir estos cuentos sabrosos, obscenos, de gran libertad frente al sexo y frente a la Iglesia, que queda muy mal parada. Todo lo contrario de lo que escribió antes y después de la peste. El gran Boccaccio que nosotros admiramos, es un accidente fruto de la peste.

que vive otro orden de realidad, un mundo de pura fantasía. La fantasía y la realidad se mezclan constantemente en toda la obra y eso le da a la estructura un aire de modernidad. Una obra clásica no se hubiera podido construir jamás con esos saltos entre pasado, presente y futuro y entre mundo real y mundo fantástico. ¿Qué experimentas ahí arriba como actor? Es una experiencia impagable. Alguien que se ha pasado la vida inventando ficciones, de pronto vivir la experiencia de ser por un par de horas un personaje de ficción es algo realmente impagable. Creo que es la forma de ficción que más se acerca a lo que es la vida real, porque en la novela o en el cine siempre hay un intermediario, pero en

El teatro es extremista, como los toros, no acepta términos medios. Una obra es muy buena o muy mala, no puede ser regular

¿Y este Duque de Ugolino que interpretas? Es un hombre ya muy mayor que tiene un amor imposible, tan imposible que la mujer de la que está enamorado es una mujer inventada por él,

entrevista

el teatro no lo hay, vives la ficción allí, pasas realmente a conformarla, siendo una persona de carne y hueso, que habla, que se mueve, que puede equivocarse como en la vida real, experimentar imponderables, accidentes... Eso le da al teatro una vitalidad incomparable. ¿Qué montajes recuerdas que te hayan impresionado especialmente? Muchos, muchos. He visto cosas maravillosas en el teatro. El teatro es un género extremista, como los toros: o es muy bueno o es muy malo, no acepta términos medios. Acabo de ver El testamento de María, una obra maravillosa, soberbia, con una actriz, Blanca Portillo, fuera de serie. Y que yo recuerde, la obra más impresionante que vi fue una en la que no entendía palabra de lo que decían, pero felizmente conocía la historia. Era una adapatción de Los endemoniados, de Dostoievski, dirigida por Andrzej Wajda, el cineasta polaco. La vi en Cracovia y era algo absolutamente deslumbrante, inolvidable.

Yo le hubiera dado el Premio Nobel a Tom Stoppard antes que a ningún otro dramaturgo, es extraordinario

Divino Boccaccio Gran promotor de Dante, Boccaccio fue el primero es escribir una biografía sobre el autor de la Comedia que él adjetivó como “divina”. El adjetivo pasó a formar parte del título y ambos escritores fijaron las bases de la narrativa en italiano. Florentinos los dos, Boccaccio nació y murió en una casa destruida por una bomba en la Segunda Guerra Mundial. Su final es digno de otra obra de teatro: afectado de hidropesía, convertido en un monstruo obeso imposibilitado y encerrado en un torreón.

¿Y en lo dramatúrgico, qué autores o poéticas te han interesado más? Me gusta el gran teatro, me gusta Valle-Inclán y me gusta, entre los escritores de teatro modernos, Tom Stoppard. Yo le hubiera dado el Nobel a Stoppard antes que a ningún otro dramaturgo. Y desgraciadamente es muy poco conocido en España, siendo como es un escritor absolutamente extraordinario. Ahí está La costa de la utopía, una obra maestra. El resto de la entrevista en www.escenagodot.com

reportaje

¡Chimpón! Panfleto Post-Mórtem pues hasta para esta película tienen que hacer Para mí, la pareja conformada por Juan Maruna prueba. Vamos, que van a pasar el cásting gallo y Petra Martínez siempre ha sido reflejo de su propia vida y esa será la excusa para de libertad y felicidad. Son dos palabras muy repasarla, para filosofar, para jugar a la física manoseadas -lo sé- que encierran dos conceptos cuántica con herramientas -ya clásicas- del inmensos. Pero a nada que repases sus biograteatro del absurdo, pero a partir de historias fías y tengas la oportunidad de coincidir con que, de tan reales, parecen imaginadas. Nada, ellos en algún acto, la sonrisa y la enseñanza en realidad, está están aseguradas. Son ingeniosos y dejado al azar de el corsé no va con ellos. Por ejemla improvisación, plo: uno se dispone a entrevistar Olga Margallo se atreve a todo está escrito de a Juan para que le cuente de qué dirigir a sus padres, Juan antemano, pero ahí va esto que van a estrenar en el Margallo y Petra Martínez, en está la destreza de Centro Dramático Nacional y que una obra inclasificable, como dos teatreros curtidos llaman así, ¡Chimpón! Esta es la ellos, que parte del miedo a en mil batallas. respuesta: “somos Petra y yo en dos la muerte sillas de ruedas que son movidas ¿Se retiran? por otros, primero salen las sillas Podría parecer eso, solas, sin nosotros, y yo digo, oye, un último show de que se me ha olvidado el cuerpo, Del 9 de enero al 8 de febrero dos veteranos que perdonen, ahora vuelvo, que voy a Teatro Valle-Inclán se quieren despedir buscar mi cuerpo. Entonces entran sobre el escenario, las sillas y ya salen con nosotros. Y pero tampoco. Eso empieza una historia y no sabemos sí, como asegura Juan Margallo, en adelante muy bien qué hacemos allí, a qué hemos ido... sólo harán el teatro que les apetezca y con ¿usted a qué ha venido? le pregunto a Petra. gente muy cercana. Entretanto, este panfleto No sé, algo de una película. Y cómo se llama les sirve para reflexionar también sobre el la película. Creo que es algo de chimpún... o miedo a la muerte, que es, al fin y al cabo, el chimpón. ¡Coño, qué casualidad! Y la otra me detonante de todo. “Petra no tiene miedo, pero cuenta lo que le ha pasado a su hijo, que se ha yo siempre he tenido aprensión a la muerte. No muerto un amigo suyo y lo último que dijo fue es una cosa de sufrimiento continuo, pero hay chimpón, y se murió.” un sentimiento como de que cuando se acaba se acabó todo y, más que sufrir, porque no vas Un repaso vital... ¿improvisado? a sufrir nada, es anticipar que no vas a volver Parece ser que alguien ha citado a estos dos a ver a nadie de la gente querida. Esa pérdida, personajes, personas o actores -los límites se didigamos, la sufro de antemano.” Sea como sea, fuminan- en un limbo. Debe ser ese lugar previo les aseguro que van a pasar un buen rato con a la muerte en el que nos sentamos confortableestos dos seres, entrañables y sabios, que se mente para ver la película de nuestra vida. Lo ríen hasta de su sombra. Álvaro Vicente que pasa es que como estos dos son actores,

FOTOS: MarcosGpunto

estrenos

Dos de putas en el Fernán Gómez

FOTO: Alberto Hidalgo

La puta enamorada Del 8 de enero al 1 de febrero Teatro Fernán Gómez

Teatro del Temple nos lleva atrás en el tiempo también, hasta el siglo XVIII, donde empezaban a vislumbrarse retazos de la modernidad que aún hoy nos rige como sociedad. Un siglo en el que los autores empezaron a escribir sobre su fascinación con el sexo. Uno de ellos fue Nicolás Fernández de Moratín, que en su poema Arte de las putas inmortalizó la figura de Dorisa. Esta obra es un divertido juego teatral que defiende la memoria de todas las putas del mundo y es, a la vez, una historia de amor poblada de gente, de voces, de músicas, de humor, de ironía, de sátira, de ternura, de arrebato. Risa, sí. Regocijo, también. Emoción, irrenunciable. Teatro, siempre. Y mucho sexo, pero no a cualquier precio.

Arte de las putas

Del 21 de enero al 8 de febrero Teatro Fernán Gómez

El teatro de la Plaza de Colón, durante el mes de enero, rinde homenaje a la profesión más antigua del mundo con dos diferentes montajes. El primero es un texto de Chema Cardeña (sobre la figura de Velázquez) que nos traslada a la época de los Austrias, a la Corte de Felipe IV, en pleno siglo XVII. El barroco español, el Siglo de Oro. Una época de decadencia. Velázquez, el pintor de la luz al servicio de su monarca. El encargo de un cuadro, el retrato de la amante del rey, ‘La Calderona’. Una pasión prohibida, y un pícaro criado cerrando un peligroso triángulo amoroso. La obra habla del fingimiento, de la mentira, de la ambición, de la traición, de la supervivencia del más apto, del más listo... Y del amor, de la concupiscencia, del deseo... y del nacimiento de una obra inmortal.

reportaje

Don Juan Tenorio No, no se han equivocado. No estamos a finales de octubre, en vísperas de Todos los Santos. Estamos en enero y estamos ante una montaje teatral que no quiere ser parte de la tradición que honra los muertos, sino oportunidad de romper los esquemas de los vivos, abandonar la zona de confort y llamar a las cosas por su nombre. Mejor que yo, lo hace otro Juan. Quitémosle el ‘don’ a aquel falso mito y honremos con este distintivo a Mayorga, don Juan Mayorga, que escribe lo siguiente: “en pocas horas, el don Juan de Zorrilla posee a una mujer haciéndose pasar por su prometido y dispara cobardemente contra al anciano progenitor de otra a la que dice amar. Con este asesinato y aquella conquista basada en engaño, Tenorio agranda la lista de capturas y muertes de sus últimos doce meses, que él hace pública para ganar una apuesta. No es un amante irresistible, sino más bien un violador en serie; no es un leal luchador, sino un criminal.” Pues eso, se acabó lo de reírle las gracias al tal Juan, se acabó esperar absurdamente esos versos que todos recitamos de memoria desde el colegio (“no es verdad, ángel de amor y bla bla bla”), cuando nos contaron que este era el héroe

El clásico romántico adquiere un nuevo sentido en esta versión que dirige Blanca Portillo con José Luis García Pérez como protagonista Del 9 de enero al 15 de febrero Teatro Pavón

por Álvaro Vicente

romántico por excelencia. Se acabó perdonarle la vida a un pendenciero sinvergüenza. “Hoy siento la necesidad de subir al escenario a este personaje”, dice Blanca Portillo, “tantas veces representado y, creo, tan pocas veces entendido. Radiografiar sus comportamientos, sus acciones, sus palabras, para mostrar lo que siempre he sentido que existía tras ellas: un modelo de destrucción, de falta de empatía, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena, de incapacidad para construir...”

Época de héroes caídos

Creo sinceramente que estamos en el momento adecuado, histórico, social y político, para afrontar así el Tenorio de Zorrilla. Un momento en el que caen las máscaras de la supuesta honradez, de mitos resquebrajados, de ídolos de barro. Una época idónea para revisarnos, como españoles, como hombres,

Tenorio permanece como modelo porque seguimos siendo machistas y alardeando de ‘donjuanía’. Basta ya como humanos. Somos el país de la picaresca desde hace muchos siglos, y ya empieza a ser cargante este dudoso honor. El país del pequeño Nicolás, de Fabra y de Bárcenas. Todo esto es fuente de pitorreo y hasta de orgullo para muchos todavía. También somos uno de los países ‘desarrollados’ con mayor índice de violencia machista. Enaltecer mitos tan poco aleccionadores como este Don Juan nos ha llevado a donde estamos. “Tenorio permanece como modelo en nuestro país porque seguimos siendo machistas, pícaros de dudosa catadura moral, y seguimos alardeando de nuestra ‘donjuanía’. Basta ya, por favor”. Blanca Portillo, más contundente que nunca. José Luis García Pérez, su actor, se muestra igualmente comprometido a pesar de tener que meterse en la piel de este hijoputa: “nosotros no creemos en fantasmas, con lo que eso de que se le aparece un fantasma a Don Juan y que a través de eso él se da cuenta de lo que hace y le pide ayuda a dios... en el que

reportaje

tampoco creo, por cierto... pues como que todo eso no es válido para mí. Sus fantasmas están en su conciencia y es eso lo que no le deja vivir. Lo único que le pasa a este tío es que tiene mucho miedo a morirse.”

Y casi sin tocar ni una coma

Uno se pregunta si es fácil acometer este nuevo acercamiento al Tenorio sin tener que cambiar el texto. Y el caso es que Mayorga parece que no ha tenido que tocar mucho, lo cual dice bien poco en favor de las interpretaciones que se han ido dando hasta ahora. “Se trata -comenta Portillo- de quitarle sobre todo ese halo de falso romanticismo que ha impedido leer este texto de manera descarnada. No hay romanticismo en la relación entre Juan e Inés. Hay manipulación, hay crueldad, hay entrega por parte de ella y desprecio por parte de él.” Se trata de afrontar el personaje (todos los personajes, porque todos cuentan algo importante y hay que darles su espacio) a una interpreta-

¿Y qué hay de Doña Inés? Si ha habido un nuevo enfoque para afrontar el personaje del Tenorio, ¿lo ha habido también en el caso de su ‘amada’? Responde Blanca Portillo: “creo que siempre se le ha representado como una niña un poco tonta que cae en las redes de Juan casi sin conciencia. Desde nuestro punto de vista, es más una criatura que vive aislada del mundo por decisión paterna, que es engañada y manipulada y que se enamora más de un sueño juvenil que de un ser humano real. Y, finalmente, se da cuenta de su error. Es una criatura llena de vida, llena de necesidades sin satisfacer, falta de afecto y de ternura. Nunca he visto en ella una pobrecita niña sumisa que no se entera de nada, sino una joven a la que se le ha arrebatado la libertad desde que nació”.

No hay romanticismo en la relación entre Juan e Inés. Hay manipulación, hay crueldad y hay desprecio ción no mediatizada por el mito. Como dice José Luis García Pérez, “la maldad de Tenorio es superior a cualquiera de estos políticos de ahora, desenmascarados y deshonrados por fin. Tenorio no tiene vergüenza, es un rebelde sin ninguna causa, un Atila libertino y salvaje. Y es así, no lo decimos nosotros, lo escribe Zorrilla.” La obra ha pasado ya por Valladolid y por Sevilla y llega a Madrid precedida por un gran éxito, siendo como es un proyecto ambicioso, con 15 actores en escena y con unos efectos especiales, a juicio del protagonista, nunca antes vistos en el teatro. Nos morimos de ganas de verlo y, sobre todo, de que cale y sea una piedra más en este camino que muchos queremos y todos necesitamos hacia una nueva masculinidad, hacia un hombre más respetuoso con el otro sexo, con lo sensible y lo emocional, más eficaz en el uso de su testosterona.

Con la colaboración del Consorcio de Rehabilitación de Teatros de Madrid

entradas: www.teatrobellasartes.es FOCUS Y PENTACIÓN PRESENTAN

CONCHA VELASCO

OLIVIA Y EUGENIO DE HERBERT MOROTE

CON

RODRIGO RAIMONDI HUGO ARITMENDIZ ILUMINACIÓN Y ESCENOGRAFÍA: FRANCISCO LEAL SONIDO Y MÚSICA ORIGINAL: MARIANO DÍAZ VESTUARIO: LORENZO CAPRILE PRODUCTORES EJECUTIVOS: JESÚS CIMARRO / AMPARO MARTÍNEZ

DIRECCIÓN

JOSÉ CARLOS CARLOS PLA CA PLAZA AZA

con el apoyo de:

entradas:

Del 6 de noviembre de 2014 al 25 de enero de 2015

panorámica

Un balcón con vistas Hay algo íntimamente ligado entre la búsqueda de la felicidad, el amor y el sentido de la vida. Primero los filósofos, luego los científicos, se han empeñado en explicar lo inexplicable, en hallar fórmulas biológicas, matemáticas o psicológicas que ayuden a entender por qué eso tan aparentemente simple y satisfactorio, el amor entre dos personas, es en realidad tan complejo. Mientras unos genetistas de tal universidad californiana confían en haber encontrado el secreto de la armonía conyugal en el gen alelo 5-HTTLPR, otros estudiosos de la mente de otra universidad americana se han pasado 30 años grabando y analizando las conversaciones, cotidianas y triviales, de miles de parejas para concluir que son capaces de determinar escuchando sólo 10 minutos de conversación el ADN marital de las personas. Sus conclusiones arrojan resultados superiores al 90% de fiabilidad. Es verdad que esto nos ahorraría un montón de problemas, pero supongo que también nos perderíamos otros muchos buenos momentos. Llamadme romántico, o incluso moñas, pero personalmente creo que decirle a una chica o a un chico, al poco de conocerle, que deberían acompañarte a tal sitio para determinar qué tanto por ciento de probabilidades hay de que seamos una pareja duradera y feliz, acabaría con la magia de los primeros instantes. ¿O qué? Los

científicos están empeñados en saber cada vez más y eso está muy bien, pero hay algo en ese 10% restante que escapa a la fiabilidad que es sumamente atractivo. ¿Para qué vivimos si no es para el misterio?

Compartiendo piso eternamente

Seguro te estás preguntando hace rato, querido lector, querida lectora, de qué carajo estoy hablando y qué tiene que ver con Un balcón con vistas, Maggie Civantos, David la obra escrita y Tortosa, Rubén Martínez y dirigida por Laura Cristina Soria protagoniMolpeceres que, zan una comedia de Laura tras pasar por la Molpeceres que promete sala Azarte, El sol revelar el secreto del ADN de York y el Teatro marital Lara, llega ahora a conquistar el Pequeño Teatro A partir del 13 de enero Gran Vía. Todo Teatro Pequeño Gran Vía esto de los estudios psicológicos le rondaba por la mente a Molpeceres cuando a raíz de una búsqueda de compañero de piso empezó a pensar en todo aquello que mostramos o escondemos, que sugerimos o sepultamos, de nuestra perso-

nalidad a la hora de entablar nuevas relaciones. Y fue así como surgió la idea de escribir una obra que arranca con un anuncio, este anuncio: “Se busca chico de unos 30 años para compartir piso. Imprescindible ser simpático y atractivo. El resto abstenerse”. A partir de ahí, el enredo y la diversión subsiguiente es monumental (prueba de ello es ese viaje por cuatro teatros de una obra inagotable que reedita su éxito a medida que el público la va conociendo). Y una de las cosas que se ponen en juego es, precisamente, el ADN marital, la buena sintonía o no entre personas que se desconocen. Y personas que ya no están en edad de perder el tiempo jugando a ir de flor en flor como cuando se tienen 20 años. Esta obra habla de gente a la que ya se le presupone una madurez y que, por estos avatares de la vida, la precariedad o la falta de ganas de comprometerse, andan todavía compartiendo piso más cerca de los 40 que de los 30. Eso sí, como señala la autora y directora, “no hace falta tener una relación para conectar con la obra, porque de lo que habla es de cómo nos relacionamos en general, las cosas que decimos a los demás, cómo nos comportamos y cómo afecta eso al otro a veces sin darnos cuenta. Te hace pensar un poco sobre todas estas cosas, sin querer ser ni didáctica ni moralista”. Es tan sencillo como asomarse a un balcón con vistas y mirar todo lo que ocurre frente a nosotros. Puro teatro. Álvaro Vicente

FOTO: Malvido

Financiar teatro Hoy en día la búsqueda de financiación privada es un reto para las compañías. En el caso de Un balcón con vistas, hemos buscado desde el principio el respaldo de marcas y empresas, a las que hemos intentado hacer partícipes de nuestro proyecto buscando su colaboración prácticamente desde que se estrenó la obra en febrero de 2014. Hoy tenemos la suerte de contar con el apoyo de idealista.com, una marca líder en su sector que por primera vez participa en un proyecto teatral. “En idealista. com teníamos ganas de participar en un proyecto cultural -comenta Fernando Encinar, Director de Comunicación del portal inmobiliario- y nos encantó esta propuesta. La obra es magnífica, muy divertida, estupendamente bien escrita e interpretada”. Hubo una conexión muy especial y gracias a ellos estamos aquí. Saray Neila. Socia fundadora de ARTS&Business y Responsable de Comunicación y Patrocinios de Un balcón con vistas

entrevista

Ana Milán “No queríamos que esta obra se olvidara” Los grandes temas de la obra son el amor y la muerte, algo ligerito. Pero no hablamos de un drama, ¿no? El amor y la muerte sí, pero no la muerte como estás imaginando sino el amor que sobrevive a la muerte. No es un dramón, pero tampoco es comedia. Entonces, ¿qué porcentaje hay de drama y que porcentaje hay de comedia? Mmmm... mejor te voy a cambiar la pregunta por: ¿qué porcentaje hay de sonrisas, qué porcentaje hay de pensar y qué porcentaje hay de lágrimas? Acepto el cambio (risas) 60% de sonrisa 25% de pensar 15% de lágrimas Cuando hablas de pensar, ¿se trata de una invitación a la reflexión? ¡Absolutamente! La obra se desarrolla en dos estudios de radio, uno en los años 60 con Felipe y Catalina, que son dos actores radiofónicos, y otro en la actualidad con una periodista radiofónica y Felipe con mas de 80 años. Entonces hay un momento que Felipe mayor hablando de la vejez dice: “pero yo no inventé a la tristeza, a mí alguien me la trajo a domicilio”. Esa frase, un año y medio después de empezar la gira con esta función, me sigue impactando en el corazón cada vez que la oigo. No es solo una frase brillante sino que detrás hay mucho para explicar y mucho que decir.

Protagoniza junto a Fernando Guillén Cuervo El diario de Adán y Eva de Mark Twain, dirigida por Miguel Ángel Solá A partir del 28 de enero Teatro Bellas Artes

Háblanos sobre tus personajes, Catalina y Manuela. Catalina es una actriz radiofónica y una mujer adelantada a su época. Era de esas mujeres que en los 60 comenzaban a querer hacer cosas tanto artísticas como laborales. Mujeres que empezaban a ser conscientes de que no querían quedarse solo en casa. Y Catalina era una de esas mujeres, con carácter, divertida y muy especial, sobre todo para Felipe que ve en ella algo especial, que lo describe muy bien con una frase que dice en una entrevista: “yo, hasta ese momento, nunca había visto una mujer en acción”. Y Manuela... es que no te puedo contar mucho... Es un animal de radio con mucha curiosidad por Felipe y Catalina por algo que no te puedo contar... (risas) Irene L. Navarro El resto de la entrevista en www.escenagodot.com

estrenos

Por un infierno con fronteras recuperación del Limbo, ese modesto paraíso Cuando en 2007 la Iglesia aprobó un docude los excluidos, territorio fronterizo del Infierno, mento en el que el concepto de Limbo -el lugar que nos fue arrebatado por una Iglesia desdonde los niños no bautizados viven por la eteraprensiva. ¿Por qué una suicida debería arrasnidad sin comunión con Dios-, dejaría de existir trar sus penas de amor a la Ultratumba? Y peor porque reflejaba una visión excesivamente aún ¿por qué habría restrictiva de la salvación, muchos de seguir, aún en el no supimos darle la importancia Más Allá, sometiendo que tenía. Por suerte gente como Texto de Denise Despesu alma a la bárbara la dramaturga Denise Despeyroux yroux sobre las consecarnicería perpetrada sí se paró a pensar en las posibles cuencias que ha tenido por el bisturí de la consecuencias que tenía esta abopara los seres humanos terapia analítica? lición y las dejó reflejadas en esta abolir el Limbo Un gran juego obra que ya se estrenó con gran dialéctico y de roles éxito en La casa de la Portera y el que nos brindan ahora llega al Lara. Desde el 15 de enero estas dos actrices Teatro Lara Carmela Lloret interpreta a Cordeen una comedia de lia, un alma en pena que tras su humor negro llena de suicido reivindica el limbo como manipulación, perlugar de descanso. Su protesta versión, culpa, transgresión y... peces. ¿Aún no se canaliza a través de su terapeuta Graciela, les he hablado de la importancia de los peces? interpretada por Sara Torres, una psicoanalista Me quedo sin espacio, tendrán que descubrirlo que ya en vida no supo frenar el impulso de ustedes. Vayan por favor y súmense a la lucha Cordelia de quitarse de en medio y ahora, con por la construcción de nuevo del ‘resort’ de desella pululando en una dimensión desconocida, canso eterno de los eternos en pecado. S. Díaz trata de ayudarla en su campaña a favor de la

estrenos

FOTO: MarcosGpunto

La piedra oscura envuelto en remordimientos y un nombre resuena Asalto de las nuevas voces del teatro contemporáen las paredes de la habitación: Federico. neo a los templos de la escena pública nacional. Inspirada en la vida de Rafael Rodríguez Rapún Un autor de la -siempre- penúltima hornada, Al-estudiante de Ingeniería de Minas, secretario berto Conejero, y un director que ya es considede La Barraca y compañero de García Lorca en rado uno de los creadores más interesantes de los los últimos años de la vida de ambos-, La piedra últimos tiempos, Pablo Messiez, unen sus talentos oscura es una pieza sobre la memoria como junto al de los actores Daniel Grao y Nacho Sánespacio de justicia y también sobre la necesidad chez. Lo hacen para afrontar una obra que, como de redención. Un texto en el que se aúafirma Conejero, es nan tensión dramática y pulso poético “un canto de amor para levantar interrogantes sobre la a Federico García Bajo la dirección de Pablo naturalización de nuestro pasado más Lorca, a su memoria Messiez, Daniel Grao da reciente y el destino de los olvidados como una luz siemvida a Rafael Rodríguez en las cunetas de la Historia. Es, como pre imprescindible y Rapún, compañero de dice su autor, “una indagación sobre a su cuerpo ausente Lorca en La Barraca los que quedaron en los márgenes de como una oscura la foto oficial de la Historia, detrás de herida de este país.” Del 14 de enero al 22 de febrero las grandes fechas, de los grandes La acción sucede en Teatro María Guerrero nombres. Nuestros padres, nuestros una habitación de abuelos. Aquellos que fueron casi deun hospital militar, vorados por el tiempo y el olvido. Para cerca de Santander. que su memoria perdure.” El teatro hace justicia. Dos hombres que no se conocen se ven obligados Conejero se sirve del pasado para cuestionar sus a compartir las horas terribles de una cuenta atrás certidumbres -y las de tantos- sobre él y encontrar que quizás termine con la muerte de uno de ellos “la brújula de un futuro incierto”. al amanecer. Sobre el ambiente flota un secreto

estrenos

El Secreto de Puente Viejo Desde el 14 de enero Teatro Nuevo Apolo

Los extraños métodos que usa la doctora Nadia hacen que sus pacientes acaben suicidándose. Cansados de las constantes quejas de los familiares, la dirección del psiquiátrico decide dar a Nadia un ultimátum: deberá curar a Xavi, el enfermo más antiguo, o prescindirán de sus servicios. Durante la consulta empiezan a emerger todas las personalidades de Xavi: el cura Don Claudio, Adela, una ancianita lesbiana que, cansada de la represión, decide buscar todos los encuentros sexuales posibles y Pablete, un niño de cinco años. Tras varias sesiones Nadia descubre que las personalidades de Xavi son las únicas personas que, durante su infancia, le dieron una muestra mínima de cariño. Convencida de que va a perder su puesto en el psiquiátrico, Nadia decide dar rienda suelta a los sentimientos que siente por Xavi quien, gracias a esa muestra de amor, comienza a curarse. Espectáculo con guión y canciones originales de Candileja Producciones protagonizado por Allende Blanco y Álvaro Puertas.

El secreto de Puente Viejo. El primer secreto cuenta el origen de la historia de amor de Francisca y Raimundo, dos de los personajes protagonistas de la serie diaria que con tanto éxito llega cada tarde a los hogares españoles. Una historia que se remonta a la juventud de ambos cuando aún eran jóvenes e inocentes y estaban muy enamorados y, pese a la oposición de sus familias, deciden huir y casarse en secreto. Sin embargo, la realidad se impone: si Raimundo se casa con Francisca, su familia le promete destrozar a su amada y a todos los Montenegro. La versión teatral de El secreto de Puente Viejo pretende, sin traicionar la esencia de la historia, desvelar a los seguidores una faceta desconocida de una de las grandes historias de amor de Puente Viejo. Conoceremos a los protagonistas y entenderemos el porqué de cómo son ahora y descubriremos un primer secreto que marca sus vidas a fuego y supone un punto de inflexión. Un secreto que, gracias a la adaptación teatral, será revelado...

Mi Me Conmigo

Desde el 8 de enero Teatro Alﬁl

estrenos

El asno de oro tenido la gran suerte de verlo interpretar todas Cuando me empezó a fascinar esto que llasus obras. Le podemos ver casi cada semana mamos Teatro, cuando supe que este virus anien el Teatro Cofidis y ahora aterriza durante daba en mí, aún siendo un niño, soñaba con tres semanas en los Teatros del Canal con poder ver a los más grandes (al menos para El asno de oro, un relato sorprendente cuyo mí) actuando en directo, sin el artificio de una autor, Lucio Apuleyo -junto con Petronio- está pantalla de por medio (por aquel entonces considerado como uno de los padres de la yo veía la tele en blanco y negro, así que el novela en Roma. La influencia de su obra es teatro era la vida en color). Soñaba con ver inmensa en la posteridad, sobre todo a partir a José Sacristán, Antonio Ozores, Concha del Renacimiento. Velasco, Nuria EsEl protagonista, Lucio, convertido pert, Charo López, en un asno, vive con su alma huHéctor Alterio y Nueva oportunidad de ver mana en el interior de un cuerpo muchos otros a los a El Brujo sobre los esde animal un largo espacio de que he conseguido cenarios con un relato de tiempo hasta recobrar su forma ver trabajando Lucio Apuleyo, el padre humana otra vez, con la luz sobre un escenario de la novela romana ahora de un nuevo nacimiento y (me han faltado, una nueva visión sobre la vida. Es desgraciadamente, Desde el 15 de enero una historia de caída y redención, Alfredo Landa, Teatros del Canal de crisis y conversión que nadie Paco Rabal, Manuel mejor que El Brujo -un hombre con Alexandre...). un profundo conocimiento vital Rafael Álvarez El propio y ajeno gracias a la sabiduría que le Brujo era uno de ellos. Me subyugó su papel han aportado los personajes en los que ha de Búfalo en Juncal, que es el gran recuerdo habitado- puede interpretar. Sergio Díaz televisivo que tenemos de él y después he

entrevista

Mariano Barroso

“La alegría es innegociable”

luchando por conservar su dignidad, Aunque es fundamentalmente conocido sin renunciar a la ironía. En Frágil, Jose por su faceta de cineasta, Mariano Barroso irrumpe de madrugada en el apartamento ha hecho varias incursiones en el teatro, de Carmen, trabajadora de los servicios una disciplina que le acompaña desde que de salud mental, alarmado por el cierre del estudió dirección de actores en el laboratocentro de salud en el que hasta ahora le rio de William Layton. En marzo de 2013 estaban tratando. En Reflectante, Rosario, estrenó en la sala Cuarta Pared como dila madre de una joven discapacitada con rector y co-productor la obra Recortes, que necesidades especiales, nos espeta un está compuesta por las piezas breves Frágil monólogo (de David Greig) y Reflectante indignado, (de Clara Brennan). Entonces, los Además de abrir la sala enérgico y dos actores protagonistas fueron Babel en Torrelodones, tragicómico. Alberto San Juan y Nuria Gallarreestrena Recortes, esta vez Rosario no do. Para este reestreno, la actriz con Daniel Guzmán junto confía en sigue siendo la misma, pero San a Nuria Gallardo que nadie Juan ha sido sustituido por Davaya a niel Guzmán. “Con Alberto -cocuidar de su menta Barroso- el monólogo de A partir del 14 de enero hija cuando Jose (Frágil) era fresco y visceral. Teatro Lara ella no esté. Con Dani va a ser inesperado, El paisaje vulnerable y apasionado. Nuria de fondo sigue ahí, es nuestro pilar en para ambas historias es esta Europa arraRecortes”. La obra presenta dos situaciones sada por el neoliberalismo, que a base de extremas y sin embargo cotidianas, pero recortes en sanidad, educación o cultura, es que la rutina, hoy, en nuestro mundo, ha trata de mantener a flote a una clase privipasado a ser una emergencia, por desgralegiada que desprecia con sus actitudes y cia. Se presentan personas a la intemperie

sus políticas a la gran mayoría de los ciudadanos, que sufren su ineptitud.

Cada vez mayor vigencia

“Lamentablemente, Recortes es cada vez más vigente”, señala Barroso. “Cada vez el diálogo entre el escenario y las butacas es más y más necesario. La gente acaba gritando, en muchas funciones, ‘sí se puede’, y eso es algo inesperado. La obra pone en boca del espectador las palabras que necesita decir”. Los recortes, en España, son causa del lamentable estado del cine, en coma reversible, esperemos. Gente como Barroso (ganador de 3 goyas), se arremanga y, si no puede filmar, abre espacios de debate y cultura como la sala Babel. “El momento lo pide a gritos. La crisis y las condiciones asfixiantes que impone la administración a quienes nos dedicamos al teatro o al cine, los insultos permanentes, las amenazas, el castigo... piden una respuesta. Y qué mejor respuesta que la de construir, en medio de tanta destrucción. La alegría es innegociable, ese es mi lema, la creatividad también. No podemos dejar de respirar.”

Se podría decir que Torrelodones es la avanzadilla de los cambios políticos que se esperan, a nivel municipal y autonómico, en este 2015. Allí gobierna desde 2011 un partido compuesto por vecinos que no son políticos profesionales y que acabó con la mayoría pepera tras 24 años en el consistorio. Heredaron una deuda de 13 millones de euros y en dos años redujeron los gastos en un 30%. Es en ese municipio de 23.000 habitantes del norte Madrid donde acaba de abrir-

se la sala Babel, “un lugar de encuentro llamado a aglutinar las energías y necesidades tanto de espectadores como de creadores de cine, música o teatro”, en palabras de Mariano Barroso, que junto a Carlos López y Ana Trías, ha impulsado esta aventura. “El eje es el encuentro íntimo, acercar al espectador y al creador, hasta el punto de intercambiar los papeles”. Saludamos la iniciativa y le deseamos larga vida. http://babeltorrelodones.com/

en familia

La casa del abuelo Se trata de la primera obra de la compañía granadina La Rous y con ella ya han alcanzado el Premio al mejor Espectáculo FETEN 2009 (Feria Europea de Teatro para niños y niñas) y el Premio Nacional de Artes Escénicas para la infancia y la juventud 2011. Sin duda es una buena carta de presentación con la que llegan a Madrid dentro de la programación de Titerescena en el Centro Dramático Nacional. El abuelo vive en su rutina: se lava a la misma hora, desayuna a la misma hora, pasea a la misma hora. Un día, sus piernas deciden dejar de caminar y poco a poco se va apagando. Cuando el abuelo se marcha para siempre, los que quedan construyen una casa muy cerca de él para que no se sienta solo. Así continúa la historia: plácidamente, abriendo y cerrando cajones; recordando con cariño, a través de la magia de un escritorio, lo que fue su vida. Dicen que los que se van sobreviven gracias al recuerdo que de ellos pervive en quienes los amaron... Un delicioso montaje que nos llenará la mente de recuerdos de aquellos seres tan entrañables que tanto cariño nos dieron y tanto aportaron a nuestras vidas.

La compañía granadina La Rous presenta este montaje dedicado a los abuelos dentro de Titerescena

Del 23 al 25 de enero Teatro Valle Inclán

The elixir

Sábados de enero Off de la Latina

Dos aventureros recién llegados del Far West, han aparcado su carromato en el escenario del Off de la Latina y se disponen a compartir con los presentes su más preciado bien: un misterioso elixir que han importado desde el desierto de Arizona. Lo que en un principio parece que va a ser una venta de crecepelo por parte de los charlatanes Carlton y Loren se convierte en un viaje lleno de canciones por las culturas del otro lado del océano

en el que conoceremos a la Alcaldesa y al Sheriff de Éxistir, a la señora Chavelita que vive en su rancho al otro lado del Gran Río y al Indio Remigio, el guardián de The Élixir of Éxistir. El elixir mágico está por fin al alcance del público y, tras una subasta no monetaria, es repartido para que pueda llegar a más gente. Una obra para toda la familia, con marionetas, sombras, canciones, magia, proyecciones y muchas sonrisas.

cómicos

Morgadeces El aura que emana de esta madrileña cosecha del 79 (la mejor añada de la historia reciente) brilla con más luz que el anuncio de las burbujas de Freixenet. Su rostro ya es un habitual de las pantallas, casi siempre en programas de humor. Peldaño a peldaño ha ido escalando, con mucho esfuerzo, desde programas con bajo presupuesto cancelados a los pocos días de emitirse a participar en los mejores espacios humorísticos de este país en radio, televisión y teatro. Sí, el teatro, quizás la faceta en la que el gran público no la tenga tan ubicada, pero sus comienzos estuvieron ligados a obras de improvisación dentro de compañías teatrales como Impromadrid, Imprebís y Jamming. Y se formó en la escuela de Cristina Rota. Ahora ella baila sola sobre un escenario.

Con estilo propio

Primer montaje unipersonal de la actriz, cómica y presentadora madrileña creado por ella misma

Desde el 9 de enero Pequeño Teatro Gran Vía

Se ha dado a conocer trabajando un estilo de hacer humor muy definido y personal. Tiene aire de despistada pero de repente saca su verbo fácil a pasear y tira una andanada mordaz e inteligente que te deja en el sitio y con la sonrisa puesta. Ahora se lanza a pleno pulmón, sin escenografía, ella misma con su mismidad explicando y compartiendo sus mejores sandeces con el público. El mundo del artista está regular tirando a mal. Ana lo sabe. Ha vivido en lo alto, en el medio y bajo tierra. Por eso, como muchacha espabilada que es, tiene una solución infalible: si todos los planes laborales fallan, siempre puedes hacerte asesor. Porque asesorar es decir lo que ve cualquiera, pero cobrando. Y asesoría necesita todo el sistema solar, a nada que te fijes. Hora y media a solas con ella... disfrutando de sus divertidas ocurrencias y de un gran trabajo escénico que pone al humor en el alto lugar que merece. Sergio Díaz

estrenos

Tricicle: Bits dores, buscadores... nos brindan un sinfin de Un bit es la unidad mínima de información. Un momentos hilarantes en los que se ven implicados gag es la unidad mínima de humor. Esta es la los más variopintos personajes en los sitios más idea de la que parte lo nuevo de Tricicle. Para inexplicables y en los que también tendremos la ellos, siguiendo el paralelismo, un espectáculo de oportunidad de reencontrarnos con algunos de los humor estaría lleno de bits transmitiendo gags a la gags más conocidos de la compañía. Todo este velocidad de la luz. Con esta ingeniosa excusa el estrámbotico viaje se articula gracias a trío catalán converunas pantallas que actúan como decotido en esos bits nos rado y que nos permiten ir de un lugar propone un recorrido a otro a la velocidad del click de ratón. sin descanso saltando sin parar de sketch, de tema, de gafas, 36 años juntos de personajes, de Bits es el octavo espectáculo de Tricicle decorados, de sexo... en los casi 36 años que llevan juntos. para conseguir algo Antes, Joan Gracia, Paco Mir y Carles que llevan buscando Sans nos trajeron Manicomic (1982), durante estos largos Exit (1984), Slastic (1986), Terrrific Tricicle regresa a la capital años de profesión: la (1992), Entretres (1996), La recopilacon Bits después de una mayor tasa de DGM ción de gags Tricicle 20 (1999), Sit larga gira inundando de (Densidad de Gags (2002) y Garrick (2007), y han dirigirisas cada espacio en el por Minuto). do las comedias musicales Spamalot y que han actuado Con Bits, Tricicle, se Forever young. Lo que es indudable es ha dejado seducir por que hace tiempo que el sello de esta todos aquellos aspeccompañía se ha hecho inconfundible y Del 29 de enero al 29 de marzo Teatro Compac Gran Vía tos tan peculiares que único allí donde ha actuado. Hacemos rodean la sociedad este repaso porque quizás Bits sea la de la información última oportunidad de ver en directo 2.0 en la que vivimos a Tricicle pues el grupo ha anunciado para poder retratarlos en clave de humor. Internet, que “posiblemente sea el último espectáculo de redes sociales, juguetes electrónicos, navegacreación de Tricicle”.

CRÍTICAS

Crituits

Crítica: Fausto, de Pandur Teatro Valle-Inclán Por Alfonso Álvarez

Golosina envenenada El famoso poema que escribió Goethe en dos partes, y que le llevó casi toda una vida terminar, se antojaba una golosina para los amantes de las artes escénicas. Los primeros 20 minutos de la obra, que comienza con un monólogo de Roberto Enríquez, no logran llegar y se hace tan denso que el espectador tiene que hacer un gran esfuerzo para seguir el hilo. La interpretación es plana, da la impresión de que el director no ha trabajado el texto con los actores. Y es una constante que se repite en la mayoría de las interpretaciones. Hacer un Fausto no debe ser fácil. Es un texto complejo, filosófico y denso. Es difícil de leer y como dicen los propios actores, representar el total de la obra llevaría una duración de más de 24 horas ininterrumpidas. No pongo en duda el trabajo de los intérpretes, su esfuerzo y las ganas de defender sus personajes, pero desde mi perspectiva algo ha fallado cuando después del primer acto algunas personas del público, incluido yo, abandonaron sus asientos para no volver. Y me consta que no es la única función en la que ha ocurrido. Entre el elenco, si es cierto, me gustaría destacar el trabajo de Clavijo y de Ana Wagener (su esposa en la ficción). Ambos logran dar matices a sus personajes, Clavijo logra dar vida a esta representación del mal, y da gusto escuchar las diferentes modulaciones de su voz. Wagener es capaz de ir de cero a cien, de pasar de la indiferencia al mismísimo fuego del infierno en un abrir y cerrar de ojos. No deja indiferente. No tanto le ocurre a su hija, interpretada por la actriz Marina Salas, que comienza natural pero se va apagando poco a poco. La escenografía, seductora, sería brillante si el resto de elementos la acompañara.

Crítica: 5 mujeres que comen tortilla Teatro Alﬁl Por Alfonso Álvarez

Cuando la tortilla es devoción Salen al escenario para jugar, y pasárselo bien, y eso se nota cuando estás sentado en una de las mesas del teatro Alfil viendo Cinco mujeres que comen tortilla con una cerveza en la mano. No todo en el teatro tiene que ser Shakespeare y sus encomiables tragedias; a veces el populacho, la gente de a pie, queremos reírnos, sin más pretensiones. Y este quinteto de féminas, dirigidas por Chos, lo consiguen con creces. Este espectáculo fue uno de los grandes éxitos del off-Broadway de Chicago y ha sido traducido por Chos y Almudena León. En la versión estadounidense las tortillas de patatas son Quiches, imagino que aquí se ha intentado españolizar la historia, y el título original incluye un spoliler que no pienso escribir, (si te pica la curiosidad y piensas ir a ver la función, te aconsejo que no lo busques). La obra -que se me hizo corta, dura una hora escasa-, nos transporta al almuerzo anual de tortillas de la hermandad Susan B. Anthony. Es 1956 y Estados Unidos se ha quedado sin hombres. Están todos en la guerra. Las mujeres toman las riendas de la sociedad. Una

devoción, llevada al esperpento, hacia la tortilla de patatas en todas sus formas y variantes sirve de unión para que todas las mujeres se reúnan una vez al año con el fin de decidir cuál es la mejor. El lugar elegido para celebrar la velada es un bunker equipado con todo lo necesario para sobrevivir, si fuese necesario, unos años. De repente, algo pasa. Algo que no está en el guión. Nosotros, el público, somos parte de la función desde el momento en el que entramos. La idea de hacer partícipe a los asistentes es bastante acertada. Las interpretaciones son exageradas, pero no porque sobreactúen o porque estén mal dirigidas, sino para dar más dramatismo a los personajes, y lo consiguen. Sería injusto destacar el trabajo de una: Cristina Gallego, Marta Flich, Almudena León, Julia de Castro y Celia de Molina, todas hacen muy buen trabajo y eso se nota en las carcajadas de los asistentes. El ritmo es fluido y muy controlado, se aprecia un equipo compacto que se lo pasa bien sobre el escenario, y eso se contagia. Crítica completa en www.escenagodot.com

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 29 de diciembre

DANZA

Mediterráneo

Desde el 21 de enero Teatros del Canal Miguel Ángel Berna y su compañía seducirán al público con el ritmo impetuoso de la pizzica y la taranta del sur de Italia, la armonía intrigante de la música popular griega y el encanto elegante de la jota aragonesa. Mediterráneo nos conduce a un viaje apasionado por los bailes y las voces de aquellas tierras que abrazan el Mare Nostrum. Cultura y pueblos diversos se comunican de una orilla a otra, a través de las vibraciones de músicas y cuerpos. Aquí todo fluye, como un eco, de canto en canto, de danza en danza, entre historia, tradiciones y mitos. La palabra ‘jota’ deriva del latín y significa ‘salto’ y saltando pasamos de una a otra orilla del mar en busca de los orígenes y la posterior evolución de este baile tan característico. Esa búsqueda y todo lo que Berna aprendió de ella se ha materializado en Mediterráneo.

Adalí

Desde el 15 de enero Matadero-Naves del Español

Aída Gómez vuelve a Madrid con Adalí, el espectáculo que presentara hace unos años en Suma Flamenca y que le valiera las mejores críticas. Adalí (que es nombre propio y también significa Madrid en lengua calé) es un viaje al interior pero no al pasado del flamenco. Música y coreografía quieren enlazarse mirando hacia adelante. Si el siglo XX fue el

de la entronización del flamenco teatral, el XXI será también el de seguir asentando esas poderosas tradiciones de cara al futuro. Y es que el Baile Flamenco es arte moderno en toda regla. Será una invitación para recorrer una senda de tales esencias con el espectador. Y este cuaderno de viaje empieza con una reverencia a los más grandes...