Godot especial verano 2017 by Godot

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Teatro María Guerrero

Del 28 de junio al 23 de julio

Inconsolable De Javier Gomá Dirección Ernesto Caballero Reparto Fernando Cayo Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Juan Sebastián Domínguez Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo

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editorial

Cambio de época ¿Podría el cambio de rumbo programático en las Naves de Matadero y en los Teatros del Canal signiﬁcar un cambio de época en el teatro madrileño? La pregunta no tiene fácil respuesta, desde luego. Pero hay algo innegable que tiene que ver con lo que dijo Àlex Rigola el pasado 28 de junio en la presentación de su primera temporada al frente -junto a Natalia Álvarez Simó- de los teatros de la Comunidad de Madrid: las expresiones escénicas que hasta ahora solo han conseguido espacios residuales en la cartelera de esta ciudad (y en las de todo el país de hecho), pasan a ser centrales. Es cierto que hablar de vanguardias ya queda anticuado. Es más bien, tomando la tesis de nuestra compañera Pilar G. Almansa (publicada en el último número de la revista de la RESAD Acotaciones), la asunción de distintos grados de la expresión artística, ciclo que empieza con la experimentación y la innovación (Matadero) y continúa en la convención, es decir, la asunción e incorporación de las novedades en un tipo de creación más paradigmática, más de consumo general, por decirlo así. Pero para que este trasvase se dé con normalidad y sin asomo de conﬂicto, tienen que existir espacios en los que se puedan enseñar los resultados de lo que se experimenta y donde se puedan ver los primeros estadios de la convencionalización. Ese rol lo juegan las Naves de Matadero, en menor medida (porque la exhibición no es el principal objetivo del proyecto de Mateo Feijóo) y lo va a jugar en toda su extensión la nueva programación de los Teatros del Canal. Es una oportunidad de oro para que todos los creadores escénicos madrileños (y los públicos, por supuesto) tengan una puerta abierta para su particular expresión y una ventana para el alimento de sus propios procesos. Así que, todos vamos a salir ganando.

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sumario palabra de perro.4 cómic.6 fernando cayo.8 veranos de la villa.12 festival de almagro.14 festival de olmedo.16 festival grec.18 festival clasicOff.22 música.26 lírica.28 chefs.30 estrenos.34 avance temporada.50

foto portada: Fernando Cayo en Inconsolable, de MarcosGpunto

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. COORDINADOR PUBLICACIONES David Hinarejos davidhl@revistagodot.com DIRECTOR GODOT Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com JEFE REDACCIÓN Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Ka Penichet, Rubén González, Regina Navarro. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO GDT Ediciones COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

palabra de perro por nico guau - ilustración de Daviz García García

Avances de temporada Por estas fechas y hasta que llega septiembre (y con él, el comienzo de la temporada teatral), me veo abrumadoramente bombardeado por un sinfín de clásicos veraniegos. (Por cierto, anuncio aquí que voy a organizar yo este verano un festival de teatro grecorromano en mi balcón, con el público abajo, y vendrán las mejores compañías y los mejores directores y actores, y el criterio de quién es el mejor lo pondré yo, claro, que para eso es mi balcón...) Y a finales de junio siempre estoy muy impaciente por leer los avances de programación de los teatros públicos para la siguiente temporada... Canal, María Guerrero, Valle Inclán, Español, Matadero, Fernán Gómez, Zarzuela, Clásico... Aunque a veces esa impaciencia se trastoca en un sentimiento difícil de definir, al leer las programaciones... Cuando miro los listados de obras, directores, compañías, etc., percibo algo raro... Siempre hay algunas novedades que me gustan, como por ejemplo que este año los Escritos en la Escena del CDN ya no se van a mostrar únicamente durante 10 días, sino un mes (aunque seguirán escondidos en el sótano del María Guerrero), y que las compañías en el Teatro Español supuestamente ya no van a ir a taquilla sino a caché, y que la programación del Matadero va a ser muy interesante a pesar de todos los manifiestos que decida firmar ese gran teatrero que es Joaquín Sabina... Pero junto a estas novedades, me doy cuenta de que todos los teatros van a iniciar o a concluir sus intercambios de cromos (“yo te programo a ti en mi festival de verano y tú me programas a mí en tu teatro público en invierno”), que los autores españoles vuelven a estar representados por Lorca (cuando no por un texto acerca de la búsqueda de los cordones de las zapatillas que perdió Lorca un día que iba a...), que el director de siempre dirige de nuevo lo mismo de siempre (aunque se lo haya ganado tras sus 137 años de carrera)...

Así que leo las programaciones y siento un déjà vu. Pero, eso sí, voy a aprovechar para pediros una cosa, tras leer esas temporadas tan majas que os han quedado: ya programéis artes vivas, o teatro-teatro, o teatro de texto, o teatro del bueno, libradnos de los truños que atentan contra nuestra salud mental y contra vuestra pervivencia. Y por último, os quiero advertir de algo que quizá no se cumpla, pero no lo puedo evitar: el día que este perro, yo, tenga poder, ya veríais la de manifiestos que Sabina iba a firmar contra mí, que si este perro es un bocazas, que si este perro se inmiscuye en las presentaciones de la temporada y se come todos los canapés, que si este perro sabe demasiado... Feliz verano, saludos a Sabina si le veis por ahí firmando manifiestos, y hasta septiembre.

TEMPORADA 2017 / 2018

Home Universos paralelos El lunar de Lady Chatterley Una habitación propia Eva Perón & El homosexual o la dificultad de expresarse Rabiosa melancolía Sólo una actriz de teatro Muestra de danza contemporánea española Troyanas Un tercer lugar Expèriencies Mali y Sayo Samabá Samadé El ángel exterminador The black apple Juguetes rotos Cronología de las bestias El lugar donde rezan las putas La fureur de ce que je pense Odiseo Fiesta, fiesta, fiesta Ahora todo es noche Encendidas Donde el bosque se espesa Divinas palabras Ovidémonos de ser turistas Apariencias Tres deseos ZIP Y además talleres, seminarios, conferencias, lecturas, conciertos, visitas guiadas, encuentros con el público...

teatroespanol.es Venta anticipada de abonos de temporada Consigue un 10% de Dto. adicional comprando tu abono antes del 15 de septiembre Abono 8 30% Dto. Comprando entradas para 8 espectáculos. Máximo 2 entradas por espectáculo. Abono 4 25% Dto. Comprando entradas para 4 espectáculos. Máximo 2 entradas por espectáculo.

novelas gráficas Pablo Iglesias Simón @piglesiassimon

Art Spiegelman Art Spiegelman es un referente ineludible del universo gráfico de las últimas décadas. Una magnífica introducción para sumergirse en su obra lo constituye el catálogo-estudio Co-mix: Una retrospectiva de cómics, dibujos y bocetos, que bucea en sus creaciones, desde sus primeros cómics underground autopublicados, pasando por su gran obra mundialmente conocida, sin olvidar sus trabajos para Topps Chewing Gum, para quienes ideó La Pandilla Basura, pegatinas irreverentes que hicieron furor en mi juventud para desvelo de nuestros padres, o sus ilustraciones para The New Yorker. De su primera etapa como dibujante da testimonio Breakdowns, que recoge diversas tiras, ya cargadas de sus críticos toques autobiográficos característicos, y donde explora estructuras y apela a referencias que desarrollará en trabajos posteriores. Su obra más conocida, que le valió el Premio Pulitzer, es Maus, donde se atreve a reconstruir la gesta de su padre Vladek Spiegelman, judío que vio como los nazis invadían su Polonia natal, malvivió en los guetos donde fue hacinado con su familia y sobrevivió a la pesadilla del campo de exterminio de Auschwitz. La grandeza de esta novela gráfica, escrita en dos partes, reside en ser capaz de combinar un relato, sin tapujos ni maniqueísmos, del proceso inhumano de aniquilación y degradación, con el reflejo de la propia elaboración de Maus, a través de charlas que mantuvieron padre e hijo. Así nos muestra la relación conflictiva de ambos, la omnipresencia de una madre ausente, quien se suicidó años después de sobrevivir al horror, y las propias dudas del autor a la hora de plasmar en viñetas los avatares biográficos de su progenitor. Esta novela gráfica se disfruta aún más tras la lectura de MetaMaus, que, a partir de una exhaustiva entrevista que realizó Hillary Chute a Art Spiegelman, recoge todos los entresijos del proceso de confección de Maus y la transcripción de los encuentros que el autor tuvo con su padre, entre otros documentos de interés.

Si los bocetos que se incluyen en MetaMaus despiertan aún más vuestra curiosidad sobre el proceso creativo desarrollado por Spiegelman, sin duda debéis consultar Be A Nose!, que, en edición facsímil, reproduce tres de sus libretas de bocetos, de diferentes períodos, que nos sirven para apreciar su evolución como creador. Para completar esta panorámica de Spiegelman no se puede dejar de citar La fiesta salvaje, poema narrativo de Joseph Moncure March, ilustrado por él, o Sin la sombra de las torres, donde, rindiendo homenaje a las inolvidables tiras gráficas de los periódicos norteamericanos de los albores del pasado siglo, como El Pequeño Nemo en el País de los Sueños o Krazy Kat, relata la dura experiencia que vivió, con su mujer e hijos, el 11 de septiembre de 2001 en Manhattan, y critica la posterior deriva de la política exterior estadounidense que desembocó en la invasión de Irak. Por ser capaz de retratar el espanto sin caer en lo lacrimógeno, valerse del material autobiográfico sin sucumbir a la autocomplacencia de diván y seguir manteniendo un espíritu crítico a pesar del merecido reconocimiento, Art Spiegelman es una cita ineludible para cualquier amante del cómic.

existencialismo cotidiano por Álvaro Vicente

Fernando Cayo

“Un hombre frente al cosmos, haciéndose preguntas en un escenario abstracto”

FOTOS REPORTAJE Y PORTADA: MarcosGpunto

Metódico y comprometido con su profesión como pocos, Fernando Cayo se ha pasado tres intensos meses preparándose física, psíquica y emocionalmente para afrontar este monólogo en el que interpreta a un hombre de 50 años que expone, con intimidad, lucidez y sentido del humor, lo que ha supuesto la muerte de su padre.

¿Cómo llega este proyecto a tus manos? En Rinoceronte, Ernesto Caballero y yo nos entendimos muy bien. Disfruté mucho de ese espectáculo y ha sido uno de esos momentos climáticos de mi carrera, con esa escena de 20 minutos en la que me transformaba en un rinoceronte. A partir de ahí, cuando le surgió este proyecto y sabiendo que yo ya tenía experiencia en el mundo de los monólogos, porque este es el sexto de mi carrera, me llamó Ernesto y justo yo estaba terminando la gira de Páncreas, que acabamos de terminarla con 225 bolos. Tenía estas fechas disponibles para empezar este proyecto, con un texto de Javier Gomá que es uno de los grandes pensadores contemporáneos que tenemos en España, así que no me lo pensé mucho y allá que nos lanzamos. ¿Qué vio Ernesto tan teatral en este texto, efectivamente, filosófico, de ideas? Está sobre todo en la temáti-

“El texto de Gomá se mueve entre lo universal y lo particular, con lo que el espectador plasmará su propia experiencia”

ca, el hecho de hablar sobre la experiencia de la muerte del padre, que es un hecho absolutamente universal. Y lo que tiene el texto de Gomá es que se mueve entre lo universal y lo particular, no es demasiado

concreto en los detalles, con lo cual el espectador va a plasmar sus propias experiencias, incluso los conflictos familiares están tratados con un cierto grado de generalidad que permite que cada uno ponga ahí su experiencia, porque ¿quién no ha tenido un conflicto con su padre? Todos lo hemos tenido en algún momento. Habla de eso y lo hace con sentido del humor, con luz, con cierta mundanidad como dice Javier Gomá, y al mismo tiempo entra en cosas metafísicas: el hombre abandonado en medio del cosmos, ese tránsito entre lo personal, lo luminoso, lo macabro incluso y lo extremadamente desesperanzado que puede ser el texto en algunos momentos. Ese recorrido humano había que contarlo encima de un escenario. ¿Ha habido tratamiento del texto posterior por parte de Javier Gomá o de Ernesto Caballero? Ha habido un encaje del texto, pero no se ha tocado demasiado. Casi es una conferencia, pero según va avanzando el espectáculo aquello se va transformando en otra cosa absolutamente inusitada, y además con una plasticidad y un impacto plástico y sonoro impresionante. Tenemos un equipazo increíble: Luismi Cobo con el espacio sonoro, Ion Anibal haciendo unas luces que rayan por momentos el cubismo, por momentos el expresionismo… es bestial el espacio escénico de Paco Azorín. Es un escenario que según se va alterando la perspectiva cotidiana de la realidad que tiene

el personaje, se va inclinando, y hay momentos realmente espectaculares. Gomá decía: me interesa crear un escenario abstracto para llevaros sin distracciones a una de las etapas principales del duelo, la de la muerte como lugar de la verdad. Y realmente Paco Azorín ha hecho un escenario abstracto en el que encontramos a un hombre frente al cosmos haciéndose algunas de las preguntas que nos hacemos todos y que se han hecho todos los grandes literatos a lo largo de la historia: ¿Qué hacemos aquí? ¿Para qué sirve nuestra vida? ¿Qué sentido tiene? ¿Seremos recordados? ¿Importa que seamos recordados? ¿Qué dejamos a la gente que nos sobrevive? Dice el dossier de prensa que te has preparado para esta obra como si de una prueba olímpica se tratara… Yo siempre he seguido un proceso de entrenamiento

constante a lo largo de mi carrera. Eso impregna mucho mis trabajos, ese punto grotowskiano de llevar más allá lo físico y lo vocal, de llevar la expresividad humana hasta lugares no cotidianos. Y desde luego este espectáculo tiene algo de desafío contra la naturaleza y contra la psique humana. Me ha llevado tres meses de trabajo intensivo para que el texto, que tiene cierta profundidad, riqueza y densidad por momentos, se pueda hacer ligero, suave, que fluya como un arroyo de montaña, claro y diáfano para los oídos del espectador. Luego lo que supone también transitar en ese monólogo por un montón de recorridos físicos, vocales, psíquicos y emocionales. Evidentemente, esto requiere una concentración extrema, una preparación y cierta seguridad. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

Inconsolable Fernando Cayo se enfrenta al sexto monólogo de su carrera, de nuevo a las órdenes de Ernesto Caballero tras su encuentro en Rinoceronte, con un texto que Javier Gomá escribió para reflexionar sobre la muerte del padre. Teatro María Guerrero Hasta el 23 de julio

festivales de verano por Álvaro Vicente

VERANOS DE LA VILLA Madrid. Varios espacios. Del 30 de junio al 3 de septiembre. www.veranosdelavilla.com

El festival cultural veraniego del Ayuntamiento de Madrid arrancó el pasado 30 de junio con una actividad que en sí misma encerraba la nueva filosofía de este gran evento desde que el año pasado Maral Kekejian tomó sus riendas: la proyección simultánea de la ópera Madama Butterfly en 21 pantallas de los 21 distritos madrileños. Movilidad y descentralización son los dos conceptos que vertebran una programación que huye del modelo escaparatista de otras épocas, sin cabezas de cartel pero buscando experiencias que pongan en valor los espacios públicos diseminados por toda la ciudad, en los que se desarrollan actividades diversas y plurales que concitan tanto a los vecinos de cada barrio como a los visitantes que llegan en busca de vivencias únicas. “Hemos masticado la ciudad para recuperar el imaginario del espacio público”, comenta Kekejian. Parques, plazas, calles, piscinas, polideportivos, enclaves urbanos resignificados, lugares insospechados

como el pórtico del cementerio de la Almudena... “En su modelo urbanístico, el festival es sumamente original. No se trata de transformar los espacios en cajas negras, sino de usarlos como escenografía natural de las actividades, con su belleza y su particularidad”, continúa la directora del festival. Todas esas actividades buscan la conjunción entre lo artístico y lo espacial, buscan un público heterogéneo basándose en la idea del atardecer. Y en un 80% son actividades de acceso libre, que no es lo mismo que gratuitas, porque se trata de habitar espacios que son de todos pero que, al caer la noche, se disponen para propiciar momentos de placer estético, momentos lúdicos, momentos de enriquecimiento cultural, momentos de comunión entre artistas y ciudadanos. En total, serán 47 eventos de música, danza, circo, teatro, deporte, audiovisuales o especiales como los bailes multitudinarios o los fuegos artificales de apertura y clausura del festival.

Artes Escénicas

Pero nosotros vamos a detenernos aquí en lo que más nos concierne. En el Teatro Circo Price tendrán lugar dos visitas muy interesantes. La primera la de la compañía francesa L’Attraction Céleste, conformada por los clowns y músicos Servane Guittier y Antoine Manceau, que presentan del 5 al 7 de julio Bobines (foto 1) en una pequeña pista circular. La segunda será la de la compañía de Manolo Alcántara con Rudo (foto 7), del 12 al 14 de julio, un canto al esfuerzo en el que nos vemos reconocidos todos, a veces rayando lo absurdo. Habrá más circo en las cuatro veladas de circo al aire libre que ha preparado el festival para los días 16 y 30 de julio y 20 y 27 de agosto (foto 4) en distintos rincones de la ciudad.

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En lo que a danza respecta, nos tenemos que detener en el estreno en España de The Great Tamer (foto 3), la última creación del coreógrafo griego Dimitris Papaioannou, que para muchos es el digno sucesor de Pina Bausch. Es la primera vez que uno de sus trabajos se puede ver en nuestro país y lo veremos en las Naves de Matadero del 11 al 13 de julio. Con 11 intérpretes en escena, habla de la vida como un viaje de descubrimiento, como exploración de lo oculto, como excavación arqueológica hacia el sentido de las cosas. También en Naves de Matadero, los días 22 y 23 de agosto, podremos ver Folk-S (foto 6), una creación del coreógrafo italiano Alessandro Sciarroni, cuyo trabajo se sitúa en los límites de la danza, la performance y el ritual antropológico. Y ya que de performance hablamos, el 19 y 20 de julio veremos Yabba (foto 5) en el Centro Deportivo Municipal de Aluche, una creación que aúna a la artista madrileña María Jerez con Lanoche, el proyecto musical de Ángela de la Serna, mezcla de electrónica experimental, ambient, deep house y techno atmosférico. Volviendo a la danza, Veranos de la Villa se apunta a la celebración del 20 aniversario de la compañía Losdedae, de los que veremos Sumérgete (foto 8), con coreografía de Chevi Muraday, el 19 de agosto en los jardines del Puente de Segovia. A parte de las dos noches de títeres en el Retiro (2 y 3 de agosto), lo escénico se completa con Acceso (foto 2), una obra del cineasta chileno Pablo Larraín que él mismo dirige, un monólogo interpretado por el también chileno Roberto Farías que podremos ver los días 23 y 24 de julio en la Cineteca de Matadero.

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festivales de verano por Álvaro Vicente

festival internacional de teatro clásico de almagro Del 6 al 30 de julio. www.festivaldealmagro.com

Un verano más, Almagro se convierte en la capital del teatro clásico. Pero esta no es una edición más, porque el festival celebra su edición número 40, una ocasión perfecta para tirar la casa por la ventana. Los actores y actrices que han pasado en estas cuatro décadas por los escenarios de la localidad manchega tienen un protagonismo especial este año, empezando por la entrega del Premio Corral de Comedias a José Sacristán, unánimemente reconocido y querido dentro y fuera de la profesión, por distintas generaciones, por todo tipo de públicos conquistados a base de trabajo y amor por su oficio. Será el pistoletazo de salida para un evento que tiene como lema ‘Respira Festival’. Podremos inhalar hasta 102 representaciones, con 25 estrenos, a cargo de 50 compañías. Además, habrá 24 eventos gratuitos, dos exposiciones y 10 citas especiales. Más internacional que nunca, por Almagro van a pasar artistas de 13 países, entre ellos México, Rumanía, Israel, que participa por vez primera, o Alemania, que es el País Invitado de Honor. También Reino Unido, Portugal, Brasil, Francia, Grecia, Argentina, Canadá, Colombia y Holanda. En total, 19 espacios de la ciudad consagrados a una programación diversa, plural y de gran calidad. Pero sobre todo, un pueblo volcado que consigue, como cada año, que Almagro sea un oasis de celebración teatrera en mitad de la estepa manchega, con su torridez a cuestas. Las noches en Almagro se convierten, al fin, en una fiesta de arte y cultura, de encuentro y amistad, de aprendizaje compartido. Vaya desde aquí nuestra felicitación y nuestra enhorabuena a su directora, Natalia Menéndez, que lo ha vuelto a hacer y que cada vez lo hace mejor. Ojalá la desidia que emanan las dinámicas políticas no la aparte de este brillante empeño y siga algunos años más al frente de nuestro mejor y más importante festival veraniego.

Corral de Comedias

El espacio central, que da sentido a todo este festival, acogerá montajes como Las verdaderas aventuras de Don Quijote de La Mancha, una producción catalano-canadiense que busca respuesta al enigma de la imperecedera modernidad del texto cervantino; como El divino Narciso. Juego Áureo, un auto sacramental de Sor Juana Inés de la Cruz a cargo de los mexicanos Teatro de la Rendija; o como Don Gil de las calzas verdes, de Tirso de Molina, con un elenco solvente compuesto por Sara Moraleda, Natalia Erice, Jorge Muñoz o Samuel Viyuela a las órdenes de Hugo Nieto. También en el Corral tendrán lugar dos interesantes actividades paralelas: la conmemoración del 60 aniversario de la revista Primer Acto y el merecido homenaje a los actores Joaquín Notario, Arturo Querejeta y Pepa Pedroche, grandes expertos en esto del teatro clásico.

Hospital de San Juan

A parte de la exposición-homenaje a los espectadores que hacen posible este acontecimiento cada verano, El festival y yo, este espacio será sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con el estreno, primero, de La dama duende de Calderón de la Barca en versión de Álvaro Tato, y con la vuelta de El perro del hortelano de Lope de Vega, también versionada por Tato y, como la anterior, dirigida por Helena Pimenta.

Antigua Universidad Renacentista

Éste es sin duda uno de los lugares más espectaculares en los que se desarrolla el festival. Allí se podrá ver Sueño de una noche de verano, de Shakespeare, por la compañía Teatro Nacional Alemán y Orquesta Estatal de Weimar; La judía de Toledo, de Lope, que coprodujo la CNTC junto a la compañía Micomicón, con dirección de Laila

De izq. a der. de arriba a abajo: El Divino Narciso. Juego Áureo (©RaúlKigra), Cyrano de Bergerac (©Moisés Fernández), Julio César (©Istvan Biro), Don Gil de las calzas verdes (©Aitor de Kintana) y Dulcinea, locura quijotesca (©Josefina Chevalier).

Ripoll; otra coproducción de la CNTC que hemos podido ver durante esta pasada temporada en el madrileño Teatro de La Comedia, Sueños, de Quevedo, con Gerardo Vera dirigiendo a un excepcional -una vez más- Juan Echanove; El Brujo y su Lazarillo de Tormes; el montaje de Fuente Ovejuna de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico; y un Julio César a cargo de Hungarian Theatre of Cluj.

Espacio Miguel Narros

Sin duda, este será el espacio cómico por excelencia en Almagro este verano, con el Cyrano de Bergerac que va a interpretar José Luis Gil, con El lindo don Diego (de Moreto) de Morboria Teatro, con Los enredos de Scapin de Molière a cargo de The Jerusalem Khan Theatre y con La comedia de los enredos que, Shakespeare mediante y como el Cyrano citado más arriba, dirige un tipo con una sensibilidad especial para la comedia: Alberto Castrillo-Ferrer. La vida es sueño de Calderón que presenta Teatro del Temple, ciertamente, no es una comedia. La excepción que confirma la regla.

Teatro Municipal

En uno de los pocos espacios cerrados del festival (donde se agradece, y de qué manera,

el aire acondicionado), se verán tres montajes ya estrenados en Madrid: La vida es sueño de Moma Teatre, La ternura de Alfredo Sanzol y Sueño de Andrés Lima. Además, habrá mucho quijotismo con La ruta de Don Quijote de la compañía Noviembre; De un Quijote, de los catalanes Teatre Nu, con un tratamiento más musical del clásico cervantino; o Dulcinea, locura quijotesca, que llega desde Argentina a cargo de la Compañía del Revés. En el Teatro Municipal habrá también Shakespeare con toque clown y circense con ShakesPirando, de los brasileños Canta Circo & Teatro, y un Romeo y Julieta con un toque indígena, que traen desde México Los Colochos.

Patio de Fúcares y La Veleta

Ojo porque al Patio de Fúcares vuelve un montaje que estuvo hace unos años y que es una auténtica maravilla: el Macbeth shakespeariano de los portugueses Companhia do Chapitô. También allí llega, desde el mítico El Maldá barcelonés, Las mujeres sabias de Molière con un rollo muy trans. Por su parte, La Veleta, la sala off de Almagro, acoge el ya imprescindible certamen AlmagrOff, con 10 montajes que se acercan a grandes títulos desde ópticas más transgresoras.

festivales de verano por Sergio Díaz

festival olmedo clásico Olmedo. Varios espacios. Del 14 al 23 de julio. www.olmedo.es

En el corazón de la conocida comarca de Tierra de Pinares se alza Olmedo, municipio vallisoletano de antigua historia que ha dedicado sus últimos doce veranos al teatro. Así, en este 2017, este municipio celebra la 12ª Edición de Olmedo Clásico, Festival de Teatro Clásico en la villa del Caballero. Durante diez días disfrutaremos con espectáculos que dan cuenta de la diversidad de autores, géneros, épocas, territorios, que abarca el teatro clásico; así como de las distintas posibilidades dramatúrgicas y estéticas con que se pueden abordar por parte de las compañías profesionales. Cervantes, Lope de Vega y Calderón de la Barca, serán como siempre los cabezas de cartel. Pero Olmedo Clásico tampoco podía faltar a la celebración del Bicentenario del nacimiento de José Zorrilla y ha programado diversos actos dentro de sus Jornadas. La inauguración tendrá lugar el 14J con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que pondrá en escena Fuente Ovejuna, de Lope de Vega. El 15J, la Compañía Fundación Siglo de Oro

ofrecerá El rufián dichoso, de Cervantes. El 16J le toca el turno a La vida es sueño, del Teatro del Temple. El 17J es el de Teatro Corsario con Barataria. El 18J se verá Eco y Narciso, de Calderón de la Barca, por Miseria y Hambre Producciones. El 19J Morboria representará El lindo don Diego, de Moreto. El 21J llegará una propuesta internacional, que se estrena en España, a cargo de la Cía. Nacional de Teatro de México, con La hija del aire, de Calderón de la Barca. El 21J subirá al escenario La judía de Toledo, de Lope de Vega, coproducción de Micomicón y la CNTC, bajo la dirección de Laila Ripoll. El 22J Teatro Clásico de Sevilla ofrecerá Hamlet, de Shakespeare, dirigido por Alfonso Zurro. El 23J será El Brujo quien cierre el Festival con La luz oscura de la Fe, espectáculo basado en textos de San Juan de la Cruz. Habrá también espectáculos para todos los públicos dentro de Olmedo Clásico en familia, además de cursos, jornadas de diálogo... todo en una ciudad volcada con un evento ya imprescindible dentro del circuito teatral nacional.

De arriba a abajo: El lindo Don Diego, La hija del aire y Barataria

festival de teatro clásico de alcántara Alcántara. Conventual de San Benito. Del 2 al 8 de agosto. www.festivaldealcantara.es

Siete espectáculos refuerzan la apuesta del Festival de Alcántara por los clásicos en esta 33 edición de un evento que tendrá lugar del 2 al 8 de agosto en el conventual de San Benito, un marco medieval excepcional para albergar teatro. El Festival descorrerá el telón el 2 de agosto con Hamlet, a cargo del Teatro Clásico de Sevilla, un montaje que acaba de recibir el Premio Max 2017 al Diseño Escénico de Curt Allen Wilmer. La figura de Cervantes cobra un peso especial en la programación de este año. En torno a él y a su obra el festival dedica tres funciones. La primera es Misterios del Quijote (3A) donde Rafael Álvarez ‘El Brujo’, da vueltas en torno al mítico personaje con su maestría habitual. Después vendrá Don Juan Tenorio, en el año en que se celebra el doscientos aniversario del nacimiento de su autor, José Zorrilla. La versión escrita por Miguel Murillo está dirigida por Pedro A. Penco. El 5 de agosto llega la Cía. Miseria y Hambre Producciones con Eco y Narciso, de Calderón de la Barca, que reinterpreta el mito de Narciso, el personaje admirado de su propia imagen.

Imagen de Hamlet. © LuisCastilla

El 6 de agosto veremos Fuente Ovejuna, de Lope de Vega, interpretado por mujeres de etnia gitana del asentamiento chabolista de El Vacie, dirigida por Pepa Gamboa. El segundo de los montajes cervantinos es El hermano Sancho (7A), una propuesta de la Cía. Laurentzi que inventa el personaje de Francisco Panza a la busca de su hermano Sancho. El festival concluye el 8 de agosto con el humor y la música de Cervantina (Premio Max 2017), la gran aproximación de Ron Lalá al universo creativo de Cervantes.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA Mérida. Teatro Romano. Del 4 de julio al 27 de agosto. www.festivaldemerida.es

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida es la cita veraniega grecolatina más antigua en España. Las representaciones de las obras del festival se llevan a cabo en el Teatro Romano de Mérida, considerado como uno de los edificios en el mundo que mejor representan los sólidos modos y las formas armónicas de la arquitectura romana en época del emperador Augusto. Esta 63ª edición presenta siete obras teatrales, seis de ellas estrenos absolutos, y un concierto. La Orestíada, de Esquilo (del 5 al 9J); Calígula, de Albert Camus (del 12 al 16J); Troyanas, de Euripides en versión de Alberto Conejero (del 19 al 23J); Séneca, de Antonio Gala (del 26 al 30J); La bella Helena, de Jacques Offenbach (del 2 al 6A); La comedia de las mentiras, de Pep Anton Gómez

y Sergi Pomemayer (del 9 al 20A); y Viriato, de Florián Recio (del 23 al 27A) serán los montajes escénicos de los que podremos disfrutar. La nota musical la pondrá el Concierto de Arcángel con Las Nuevas Voces Búlgaras y Ana Moura (17A).

festivales de verano por Neus Molina

FESTIVAL GREC Barcelona. Varios espacios. Del 1 al 31 de julio. http://lameva.barcelona.cat/grec

Este año el GREC llega cargadito de buenos propósitos. Con una dirección nueva -Francesc Casadesús toma el testigo de Ramón Simó- y una programación hecha con recortes del mandato anterior y más rápido que Flash Gordon (el nuevo director lleva menos de un año en el cargo) este GREC quiere impactar y acercar públicos y propuestas saliendo extramuros. Todo en un año donde hemos dejado -algunos, otros no- de mirarnos el ombligo y hemos empezado a mirar al mar, y el mar se ha convertido en muerte para muchos y no en casita en Torrevieja. En un año dónde en las noticias, más allá de las imágenes que ya no impactan en las retinas de los europeitos de a pie, hemos visto rostros de niños en botes, muerte, familias deshechas... y hemos sentido vergüenza de ser. En este año, este GREC quiere mirar al mare nostrum para ver qué queda de todo aquello que un día hizo que hoy fuéramos lo que somos. Replantear y revalorizar la democracia, salir de la zona de confort y también del instante burgués. Así, el festival catalán ha creado vínculos con el centre cultural Onassis y el Festival

de Atenas para programar pequeñas grandes joyas como Clean City, que da voz a las limpiadoras de la capital griega o Titans, de Eripides Laskaridis. Y buscando los vínculos que nos hermanan, Casadesús en todo el horror del mar-cementerio ha encontrado el yang, y convierte el mar también en fiesta, con propuestas que crean un hilo discursivo entre la tradición y el presente. Israel Galván taconea sin parar en su particular Fiesta o los acróbatas marroquíes de Halka ritualizan el baile y el circo en una celebración por las vertientes de su mar. También Italia, partera de todos, resplandece gracias a que Àlex Rigola decidió encontrar a Pier Paolo Pasolini y preguntarle Who is me. Y por si fuera poco, el GREC sale de los muros de Montjuic y se acerca a la ciudad y al ciudadano con proyectos en proceso de artistas, algunos no consolidados, que abren las puertas de sus mundos en las fábricas de creación de las periferias de Barcelona. Como Fermín Muguruza, residente en la Fabra i Coats de San Andreu o Extended Performance en la Central del Circ de San Adrià del Besòs. Grec para todos, Grec de todos.

De arriba abajo: Clean City, Israel Galván y Who is me

festivales de verano por Sergio Díaz

xvii festival internacional de clown de madrid Teatro El Montacargas. Del 2 de julio al 5 de agosto. www.teatroelmontacargas.com.

Llega una nueva edición de uno de los festivales con más tradición, uno de los sellos de identidad de Teatro El Montacargas. En las XVII ediciones que llevamos ha cambiado de nombre, de formato, incluso de fecha (antes se hacía en otoño), pero este festival se mantiene en pie, irreductible y desafiante ante todas las adversidades (al igual que Aurora Navarro y Manuel Fernández, los gestores de El Montacargas e impulsores de esta gran iniciativa), porque la sonrisa no morirá nunca y es la mejor arma para sobrellevar y enfrentarse a los tiempos que corren. Esta edición reúne a los mejores representantes del panorama clown nacional e internacional. Habrá un total de 9 montajes, de los cuales hemos destacado las siguientes propuestas. Umami Dance & Theatre Project usan la comedia, el Breakdance, la danza

contemporánea, el teatro y la pantomima como lenguajes artísticos para crear Agridulce (15 y 16J, foto 1). Las maravillosas Degustando placeres nos ofrecerán una nueva clase magistral con En Clownstrucción (22J, foto 2). Adolfo Pastor y Santiago Nogués son Gilipollas sin fronteras, un dúo cómico con un trepidante repertorio de sketchs burlescos (8 y 9J, foto 3). Tiago Marques desde Brasil llegará con In Concertina (5A, foto 4). Paula Valluerca se pregunta en Madame Señorita ¿qué es ser una mujer para una payasa? (29 y 30J, foto 5). Trapped es el delirante show de Inda Pereda que utiliza la comedia física y la mímica para construir un paisaje imaginario salvaje (22 y 23J, foto 6). Resistiendo ahora y siempre al invasor un año más. ¡Larga vida al clown! ¡Larga vida al Monta!

festivales de verano por Sergio Díaz

chupetes: ii festival de teatro para bebés Sala Tarambana. Del 1 al 23 de julio. www.tarambana.net

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Desde Godot siempre decimos que la Sala Tarambana es uno de los lugares donde más y mejor se cuida al público infantil. Por la calidad de los montajes, por la calidez... Y lo demuestran con sus propuestas cada fin de semana durante la temporada y también consolidando Chupetes, un Festival de Teatro para bebés que cumple su segunda edición y que pretende fomentar las artes en los primeros años de vida de los lactantes, ya que las experiencias que vivimos en esa primera etapa marcan el resto de nuestra existencia. Cuatro serán las propuestas que podremos disfrutar en esta edición. Abre el festival Bu, de Margarito y Cía. (1 y 2 J, foto 2), un espectáculo donde la complicidad con los pequeños hará que disfruten y que se produzca un acercamiento al teatro, a los objetos y al canto.

Katua & Galea nos presentarán Estaciones (8 y 9J, foto 3), un espectáculo sensorial en el que las estaciones se suceden con música, objetos, canciones populares y pequeños animales. Jazz baby nos transportará a otro mundo a través de clásicos de la música jazz cantados a capela, un descubrimiento del ritmo, de la emoción, del arte, del placer de sentir y estar vivo (15 y 16 J, foto 4). Cierra el festival la reconocida compañía Miriñaque con Algodón (22 y 23J, foto 1), un maravilloso y poético montaje que nos invita a mirar al cielo y descubrir las nubes. Chupetes ofrece a nuestros bebés un primer acercamiento al teatro, una ventana abierta a un mundo cargado de estímulos que hará aflorar toda su sensibilidad y su capacidad de imaginar. La primera toma de contacto con el mundo de los sueños.

festivales de verano por Sergio Díaz

v festival experimental de teatro clásico-clasicoff Nave 73. Del 17 al 30 de julio. www.nave73.es

El verano es la época en la que florecen los festivales de Teatro Clásico por toda nuestra geografía. Pero Madrid era un desierto en este ámbito y nada hacía presagiar que una semilla fuese capaz de nacer, crecer y mantenerse en el árido ecosistema de la capital. Pero la gente de Nave 73 plantó con mimo la semilla, la ha regado bien cada año y con mucho cariño ha conseguido que el asfalto se abra y que surja de él un tallo verde y fuerte. Gracias a ellos Madrid tiene su propio Festival Clásico. Pero como Nave 73 es un entorno peculiar con unas características biológicas muy distintas a la de otros ecosistemas, este festival aborda los clásicos desde otro punto de vista, con una mirada innovadora, contemporánea y actual. Pionero en la escena teatral madrileña, clasicOFF se distingue por experimentar y jugar con el lenguaje universal de los textos clásicos, para hacer un teatro cercano a la época en la que vivimos sin olvidar los mensajes fundamentales que cada obra contiene.

Grandes autores europeos

En esta quinta edición acoge textos de grandes autores europeos, como John Ford, Rojas Zorrilla o Shakespeare. Destaca, además, la juventud de compañías como Viviseccionados, #333 y Producciones Kepler, que se enfrentan a estos grandes clásicos sin miedos ni complejos. Siete serán las propuestas que nos presentan. Abre el festival Yellow Macbeth (17 y 18J, foto 5) una versión libre de #333 a partir de la obra original de Shakespeare, en la que nos proponen un poema visual y sonoro, una

danza macabra de ambición y muerte. La Donna Immobile es un texto original de Rakel Camacho a partir de Sol, Luna y Talía, cuento recogido en el Pentamerón de Giambattista Basile (origen del que luego conocimos como La bella durmiente), con el que la Intemerata Teatro quiere hacernos reflexionar sobre las continuas y persistentes -desde el principio de los tiempos- violaciones a mujeres (19 y 20J). Guateque 69 es una propuesta dramatúrgica de Ozkar Galán, dirigida por Gorka Martín, sobre el texto original de Rojas Zorrilla Lo que son las mujeres. Es un divertimento sobre la historia de tres amantes (21 y 22J, foto 3). Scivias (Conoce los caminos) es un espectáculo que encarna y reinterpreta la experiencia mística de las mujeres desde el Medievo hasta el Barroco. Con dramaturgia y dirección de Íñigo Rodríguez-Claro y Carlota Gaviño (23 y 24J, foto 1). Aparece un corazón en un descampado es una versión que Producciones Kepler ha realizado sobre el conocido texto de John Ford Lástima que sea una puta (25 y 26J). La Compañía griega Push Your Art Company llega con The tempest, un alegre y onírico carnaval sobre la versión original de Shakespeare (27 y 28J, foto 4). Cierra el festival otra versión sobre un clásico de Shakespeare (Hamlet). Ofelia Forever, de José Andrés López, es la historia de una pareja condenada a no poder estar junta por los conflictos mentales que arrastra uno de los componentes (29 y 30J, foto 2). Sigue siendo una delicia escribir sobre esta gran iniciativa que se va convirtiendo, año a año, en un enorme y bello árbol.

fiesta teatral

Feria de Teatro de Castilla y León Ciudad Rodrigo. Varios espacios. Del 22 al 26 de agosto. www.feriadeteatro.es

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: El Patio de Teatro Corsario, Lullaby de la cía. Godot, Móbilus de Addaura, Esta no es una historia de mujeres del Ballet Contemporáneo de Burgos.

La 20ª edición de la Feria tendrá la presencia de 44 compañías, más de cincuenta funciones y 250 entidades inscritas. La Junta de Castilla y León organiza esta cita fundamental para el sector teatral anual con la complicidad de compañías, distribuidores, productores escénicos y programadores culturales. La Feria atesora una programación de carácter genérico, en la cual todo tipo de formatos escénicos, de cualquier género, para cualquier espacio y público tienen cabida. Un mercado (feria) que se convierte en una fiesta (festival) de las artes escénicas de última producción donde un tercio de la programación la integran obras al aire libre y en la cual tienen un especial protagonismo las producciones de Castilla y León, Extremadura y Portugal. La 20ª Feria, que se abrirá con Esta no es una historia de mujeres del Ballet Contemporáneo de Burgos, se desarrollará en quince espacios escénicos, aprovechando el marco monumental de Ciudad Rodrigo. Podremos asistir a 12 estrenos, entre los que destacan los absolutos de Amor Oscuro (sonetos) de Viridiana Producciones, el montaje de teatro infantil Pum, Pum! de Baobab, Las emprendedoras

de Las Pituister, La Mudanza de Ignacio Andreu o Genoma B de Albadulake. Entre los estrenos en España estarán los de Artímagem, Animateatro, Passos e Compassos (las tres portuguesas) y Todozancos y los Escultores del Aire. También habrá espacio para compañías veteranas como de Nao dámores con Europa, Teatro Corsario con El Patio o Teatro del Azar con Sancho en Barataria, y para emergentes como Perigallo Teatro, La pequeña Victoria o Intrussión Teatro. Tampoco hay que perderse los montajes de Lánime visual theatre, Addaura, Teatro Paraiso, La Calderona/ Yllana, Ultramarinos de Lucas, La Fam, la compañía portuguesa Godot o Impromadrid. La Feria contará con un importante apartado de actividades complementarias, para públicos y profesionales, y volverán a organizarse presentaciones, reuniones de negocio, mesas de trabajo sobre distintos aspectos del sector, exposiciones, animación Infantil o microteatro en lugares comunes y singulares. Serán cinco intensos días para poder disfrutar, trabajar y aprender en una Feria imprescindible para todos aquellos amantes de las Artes Escénicas.

música

Concierto único para pervertir el musical Una fiesta del teatro musical, pero con ganas de darle una vuelta de tuerca a sus clásicos. Un concierto que quiere ser un homenaje realizado desde el juego, el virtuosismo y el humor. Un show teatralizado de versiones y perversiones donde van a convivir -en armonía, esperamos- el musical ‘de allí’ con el ‘de aquí’. Una mirada abierta y sin complejos sobre el género, creativa y un punto canalla. Seis actores, tres músicos y un coro de 10 cantantes llenarán el escenario del Rialto una sola noche en un recital único que, quién sabe, igual no se vuelve a repetir. Escucharemos temas míticos como West side story, All that jazz, Rent, A Chorus line, Sonrisas y lágrimas, Kiss me Kate o The last five years, cantados por Laura Enrech, Mariola Peña, Sara Pérez, Ramón Balasch, Felipe Forastiere y Lean Zanardi, acompañados por Fanny a la batería, Nico Quintela al bajo y el propio Forastiere que tocará el piano. El coro lo conforman Ester Brito, Tatán Selles, Robert Matchez, Luis León, Sara Navacerrada, Alexandra Magec, Abdon Sampedro, Nacho Casares y Juls Sosa. La batuta de la velada, que está abierta a sorpresas, la llevará Marc Vilavella, ganador del Premio Teatro Musical por El despertar de la primavera, con dramaturgia de Sara Pérez.

Olviden Broadway Un concierto dirigido por Marc Vilavella para darle un giro provocador y canalla a los grandes hitos del teatro musical nacional e internacional. Teatro Rialto. 10 de julio

música

Sting

The Pretenders

Uno de los solistas más reconocidos del mundo, fundador de The Police, compositor e intérprete de temas inolvidables.

Por suerte, los de Chrissie Hynde no se fueron para siempre y tienen nuevo disco 36 años después: Alone.

5 Julio. Teatro Real

24 mayo. Teatro Real

Franco Battiato

Bryan Ferry

Un mito de la canción italiana, ecléctico como nadie, artista genuino que sigue marcando época y tendencia. 18 Julio. Real Jardín Botánico

El líder de los legendarios Roxy Music lleva en solitario desde 1973 y presenta nuevo álbum en Madrid: Avonmore. 19 Julio. Real Jardín Botánico

Toquinho y Maria Creuza

Deep Purple

Noche para rememorar los míticos recitales de La Fusa en 1970 junto al inolvidable maestro Vinicius de Moraes. 19 Julio. Teatro C. Price

A punto de cumplir 50 años en activo, la banda de Ritchie Blackmore están de gira presentando Infinite. 3 Julio. Wizink Center

Fest. Río Babel

Mad Cool Fest

Amparanoia, Los Fabulosos Cadillacs (foto), Mala Rodríguez, Goran Bregovic, Niño de Elche, Novedades Carminha y así hasta 30 artistas. 13-15 Julio. IFEMA

Tres días con tres enormes cabezas de cartel: Foo Fighters, Green Day (foto) y Kings of Lion. Y otras 40 bandas y artistas. ¡Festivalazo! 6-8 Julio. Caja Mágica

ópera

Plácido y el antihéroe Macbeth es la primera de las tres óperas que Giuseppe Verdi escribió bajo la inspiración de su autor favorito, William Shakespeare. La obra, siempre envuelta en malditismo y superstición, representa concisa y certeramente la ambición por el poder y sus crudas consecuencias. En formato de concierto, este espectáculo supone el regreso de Plácido Domingo al Real, que actuará junto a Ildebrando D’Arcangelo como Banco, Anna Pirozzi como Lady Macbeth, Brian Jagde como Macduff y Airam Hernández como Malcolm. La meticulosidad del proceso compositivo y el insaciable perfeccionismo al que sometió a los intérpretes del estreno (que aconteció en Florencia en marzo de 1847, llegando 5 años después a Madrid) dan fe de hasta qué punto el compositor se sintió comprometido con su creación. Los versos fuertes y concisos que reclamó a su libretista Francesco Maria Piave fueron el fermento perfecto para una partitura de sobrecogedora fuerza teatral. Verdi parecía descubrir un potencial expresivo para él desconocido hasta entonces, en el que no haría sino seguir ahondando a lo largo de su trayectoria. En Macbeth, también conocida como la tragedia escocesa, el ansia de conseguir y mantener la corona lleva a su protagonista a acumular sangre en sus manos y ceguera en su discernimiento. A su lado en esta misión, su esposa, Lady Macbeth, verdadera autora de la conspiración, le empuja a cometer el regicidio que desencadenará el resto de la tragedia. El coro de brujas o el fantasma de Banco, amigo al que Macbeth asesina en su delirio, suman estremecedores elementos fantásticos a la historia de uno de los antihéroes más siniestros que ha conocido la literatura.

Imagen Plácido Domingo. FOTO: Javier del Real

Macbeth La temporada del Real se cierra con esta ópera de Verdi en versión concierto con la que Plácido Domingo regresa al coso madrileño bajo la dirección musical de James Conlon. Teatro Real. Del 11 al 17 de julio

estrellas Michelín del humor por Ka Penichet

Chefs

“En Yllana somos fieles al humor canalla, siempre queriendo sorprender ” La compañía de humor sin palabras más famosa de nuestras tierras no podía pasar por algo la moda culinaria. Pillamos a sus chefs con las manos en la masa, cocinando un espectáculo para todos los públicos, todos los paladares y todas las mandíbulas

¿Qué supone trabajar en Yllana? Susana: Para mí es mi vida. Después de estudiar 4 años arte dramático, al mes de terminar me cogió Yllana. Es un seguro de vida increíble, la oportunidad de vivir del teatro. Rubén: Y de no delinquir porque tú ahora mismo estarías... (risas). Susana: Me está haciendo la entrevista a mí por favor (risas). Llevo ya 14 años con la compañía, tiempo en el que puedes hacer otro tipo de cosas, pero siempre con mi base en Yllana y eso es crecimiento. Antonio: Yo no he hecho prácticamente otra cosa que trabajar para Yllana desde hace 25 años. Soy socio fundador de la compañía. Nunca esperé dedicarme profesionalmente al mundo del teatro, además, yo tenía mi carrera de abogado pero la vida vino así y de repente te sorprende. Carlos: Y te conviertes en un genio del humor. Rubén: Perdemos un abogado corrupto, ganamos un cómico (risas). Yo conocí Yllana como espectador. Había visto otras compañías de

teatro gestual que me gustaban pero cuando vi a Yllana me dije: “Jo, yo quiero hacer esto”. Más que compañía podemos decir que sois una familia ¿Cómo os aguantáis? Rubén: Como en todas las familias no te queda otra. Los momentos buenos son muy buenos y los momentos malos de primeras son peores pero luego se sobrellevan mejor. Antonio: Lo bonito es el hecho de convivir. Aquí, hemos reído, hemos llorado, nos hemos emocionado y luego hemos tenido la gratificante posibilidad de hacer reír a tanta gente. Carlos: He de decir que la convivencia es muy dura y en esta profesión más. Es la primera producción en la que participo de Yllana y es una maravilla, es gente muy maja y súper profesional. Yllana lo que tiene es que hace muy bien los casting. Es la primera compañía en la que estoy en la que siento que me permiten desarrollar un proyecto y codearme a diario con gente a la que admiro.

Rubén: Ahí puedes poner lágrimas (risas). Susana: Muchas veces en las que no estás trabajando y quieres tomarte una copa llamas a uno de éstos. Estoy de acuerdo con Carlos en la calidad de los castings que hace Yllana. Rubén: Igual luego no somos tan buenos actores, pero como personas... (risas). ¿Cuál es la receta para que tras esta larga trayectoria Yllana siga arrancando carcajadas en cada montaje? Susana: Yo creo que la clave está en que nosotros seamos los primeros en pasárnoslo bien, la compañía está viva y no hay nada establecido. Que el público sea testigo de que yo, como actriz, me lo estoy pasando muy bien. Rubén: Yo me pregunto por qué AC/DC, con cuatro acordes, siguen editando discos, discos y discos... y sigues escuchando el Highway to hell y te sigue poniendo las pilas. ¿Por qué te sigue sorprendiendo si es una canción sencilla y repetitiva? Porque son fieles a su base. Nosotros somos fieles a nuestro humor canalla, al gag visual y siempre intentamos sorprendernos nosotros mismos de un show a otro y ya en el directo

siempre intentamos estar vivos aunque llevemos 200 funciones. Antonio: Se utiliza siempre al público como cómplice. Yo creo que no hay un espectáculo de Yllana en el que no se le haga participar. Esa interactividad es la que consigue que la obra sea tan fresca siempre. Rubén: La receta es similar a como lo hacen los buenos restauradores que respetan los clásicos, pero bebiendo también de lo fresco que hay ahora, de las innovaciones. El plato no está terminado hasta que nosotros no lo servimos y cada día lo servimos de forma diferente: con un poquitito de sal, con un poco menos de aderezo... ¿Podemos decir que la fuente de inspiración de Chefs responde al boom televisivo de los ‘realities’ gastronómicos? Rubén: David Ottone tiene apuntes en una libreta de 1996 con anotaciones sobre este tema. En el fondo, nosotros como cómicos estamos en el teatro, en el restaurante, en el bar o en el hotel. Antonio: El famoso Café Gafé estaba ya ahí, pero yo creo que, como has dicho, aprovechando el ‘boom’ de la tele, que hasta los chavales saben

lo que es una Estrella Michelín, decidimos que era el momento. ¿Habéis entrenado con algún chef los movimientos del cuerpo para preparar la función? Rubén: Tuvimos la suerte, con el espectáculo empezando a crearlo, de estar en la cocina del restaurante DiverXO de David Muñoz por un amigo en común. No tanto por ver los movimientos de los chefs sino por ver lo que es la locura de una mañana hasta antes del servicio. Carlos: Sí que nos hemos visto muchas películas y documentales en los que hay personajes que aparecen y te llama la atención. Nombres concretos no te puedo dar ninguno pero la inspiración es muy amplia. En esa búsqueda de la ruptura con la ‘cuarta pared’ ¿con qué anécdotas os encontráis? Susana: Tenemos millones de anécdotas. Por ejemplo 666 es un espectáculo que hace un recorrido por las distintas penas de muerte y si vamos a EE.UU, la silla eléctrica fuera, y en Alemania con la cámara de gas hay gente que se iba de la función... Rubén: Hay días que salen voluntarios encantados y otros en los que les coges de la mano y no hay forma de sacarles. Susana: Para el tema de voluntarios forzosos tenemos una táctica que es directamente cogerle del hombro (risas), así que de voluntario nada. Rubén: Hay gente que hace como el avestruz, agachan la cabeza y piensan: Si no lo veo no estoy, si no lo veo no estoy (risas). Carlos: Una vez tuve que pedir ayuda porque no había forma de sacar a nadie. En los pueblos pequeñitos yo creo que lo pasan peor. Aunque al final siempre se divierten. ¿Tenéis algún montaje pendiente de servir a la mesa que se pueda contar? Susana: Cada dos años sacamos un montaje nuevo. Rubén: Pero no te podemos decir ni título ni nada porque se gafan, pero hay proyectos por venir maravillosos.

Chefs César Maroto, Carlos Jano, Rubén Hernández, Susana Cortés y Antonio de la Fuente protagonizan esta divertida comedia sobre el mundo de la gastronomía dirigida por David Ottone y Fidel Fernández que está impregnada del mejor aroma y sabor de Yllana. Teatro Alfil Hasta el 13 de agosto

estrenos

FOTO: David Ruíz

Clásicamente únicos

Ron Lalá es ya una marca registrada y reconocible por todo el universo de las artes escénicas. Y es que son 20 años a sus espaldas de creación e innovación. Su propuesta, que es una combinación de música y textos originales con un lenguaje escénico propio puesto al servicio del humor crítico y cítrico, tiene ya una ingente legión de seguidores. Pero en su afán por seguir uniendo adeptos a su causa teatral, Ron Lalá vuelve con este espectáculo que ya fue ganador del Premio MAX 2013. Un montaje que forma parte de su conocida Trilogía Clásica, que se completa con En un lugar del Quijote y Cervantina (otros dos espectáculos multipremiados). En Siglo de Oro, siglo de ahora una compañía de ‘cómicos de la legua’ desembarca para ofrecer su Folía: una fiesta de ‘nuevos entremeses’, piezas

cómicas breves originales que juegan con la tradición clásica para arrojar una mirada crítica y mordaz sobre nuestro presente. En este viaje de ida y vuelta desde el Siglo de Oro hasta la actualidad los textos y la música original se entrelazan con fragmentos, referencias, personajes y versos de la tradición del teatro clásico español y universal para ofrecer una visión profunda, iconoclasta, viva y muy divertida de nuestro teatro clásico. Una gran oportunidad para revisitar este montaje o para descubrir el enorme talento que atesoran los ronlaleros. Sergio Díaz

SIGLO DE ORO, SIGLO DE AHORA Teatros del Canal Del 26 de julio al 20 de agosto

Niños contando la atrocidad adulta Cuando conocimos hace unos meses la programación de las Naves que había preparado Mateo Feijóo para estos primeros compases de su ‘mandato’, muchos marcamos a fuego este espectáculo del dramaturgo, director, periodista y cineasta suizo Milo Rau, considerado por muchos críticos una de las voces más controvertidas e interesantes de la actualidad escénica europea. Sus creaciones, de gran carga política, exponen, con sinceridad y valentía, temas que han sacudido los informativos de todo el mundo como la gestación del genocidio de Ruanda, el proceso judicial de las Pussy Riot o, en

este caso, la historia de Marc Dutroux, el mayor asesino de niños de la historia de Bélgica. La pregunta es: ¿cómo es posible representar con niños la historia del criminal que conmocionó a Bélgica y al mundo entero en 1996? Hace cien años, Igor Stravinski escribió Five Easy Pieces para enseñar a sus hijos a tocar el piano. Con Seven Easy Pieces, Marina Abramovic llevó a cabo algunos de los momentos más icónicos de la historia de la performance. Ahora, Milo Rau junto a CAMPO, Centro de Arte de Gante, ha utilizado la biografía del mayor criminal belga para dibujar una breve historia del país, desde la

declaración de Independencia del Congo hasta la manifestación de la Marcha Blanca. Y tomarlo como punto de partida para reflexionar sobre la (re) presentación de los sentimientos humanos en el escenario. Para ello ha generado un ambicioso proyecto que involucra a chavales de entre 8 y 13 años donde aborda los límites de lo que los niños saben, sienten y hacen.

FIVE EASY PIECES Naves Matadero 6 y 7 de julio

Guateque interestelar El fin del mundo es esta misma noche, pero tranquilos: Peter Sanchidrián os da la bienvenida a su transbordador intergaláctico de última generación. En él podréis disfrutar de un guateque eterno que os librará de la quema planetaria y en el que, por el mismo precio, habrá horror, suspense, acción, ciencia ficción, romance y fantasía. Porque es la fantasía la única capaz de salvarnos del cataclismo o eso es, al menos, lo que cree José Padilla, uno de nuestros jóvenes dramaturgos más interesantes. En 2015 estrenó la pieza corta Aracnos dentro de lo que entonces se llamó Entusiasmo, que acompañaba

las piezas trágicas estrenadas por Teatro de la Ciudad en La Abadía. De aquella pieza sale esta obra, una historia preñada de ciencia ficción sin miramientos, un género muy poco transitado por el teatro. “Ahí he encontrado -dice Padilla- como dramaturgo un arma poderosa para construir personajes desde prismas no demasiado bien recibidos por la ortodoxia de la escritura, pero que, sin duda, existen desde tiempos inmemoriales”. Dos años después asistimos a la puesta de largo de estas crónicas, que el propio Padilla se ha encargado de dirigir con un suculento elenco encabezado por nuestro querido Juan

Vinuesa en el papel interestelar de Peter Sanchidrián (“un torpe entrañable que lucha, a su manera, contra el apocalipsis, y que tiene la nave que todos necesitan para salir del planeta”, dice de él el actor), acompañado por una tripulación compuesta por Cristóbal Suárez, María Hervás, José Juan Rodríguez, Laura Galán y Antonia Paso.

LAS CRÓNICAS DE PETER SANCHIDRIÁN El Pavón Teatro Kamikaze Del 3 al 26 de julio

FOTO: Jesús Blesa

Corrosivo y corruptivo musical

IBERIAN GANGSTERS El Pavón Teatro Kamikaze Hasta el 30 de julio

Un maduro político, exministro, está a punto de ser juzgado con altas probabilidades de ir a prisión. Desde sus comienzos en el partido comunista, pasando por el socialismo hasta arribar a la derecha conservadora, han pasado cuarenta años. Cuarenta años compartidos con su mujer, política también, y con su hija Amanda, ferviente admiradora suya, militante y joven promesa en el partido. Él no se arrepiente de nada. Todo lo que ha hecho lo ha hecho porque había que hacerlo. Y no ha hecho nada que no hayan hecho otros muchos. ¿Pero qué ocurrirá cuando su hija Amanda descubra la verdad? Fábula satírica dirigida por Álvaro Lavín, esta comedia de Julio Salvatierra es un recorrido musical por la España de traje y corbata que vemos a diario desfilar por los juzgados. Un corrosivo e inquietante espectáculo que deja una duda en el aire: ¿seguro que yo no haría lo mismo?

Esta temporada ya pudimos disfrutar con la gran Carmen Machi dándonos su visión de la historia en la piel de Helena de Troya (Juicio a una zorra) en este mismo escenario. Para comenzar la nueva temporada de El Pavón Teatro Kamikaze volverá a subirse al escenario como Antígona en esta versión libre sobre la obra de Sófocles dirigida por Miguel del Arco. De tragedia en tragedia el talento de Machi ahora cambia de plano. Si con Helena de Troya trataba de ajustar cuentas -por ella y por todas las mujeres- con los dioses, ahora es ella la que se zambulle en el papel masculino dominante (Creonte, la máxima representación del Estado), enfrentándose a una mujer, Antígona (Manuela Paso), que siempre ha padecido los estragos del poder y los poderosos desde la infancia. Una lucha sin cuartel, la lucha más antigua que existe entre sentimientos y razón. Sergio Díaz

FOTO: Luis Castilla

Cerebro vs Corazón

ANTÍGONA El Pavón Teatro Kamikaze Del 9 de agosto al 3 de septiembre

Amor entre opuestos

WENSES Y LALA Teatros Luchana Desde el 6 de julio

En un marco rural, indeterminado y atemporal, dos personajes antagónicos y complementarios nos relatan sus vidas, llenas de detalles efímeros pero cruciales, de carcajadas y nudos en la garganta, de poesía y crudeza. Wenses y Lala crecen juntos, son como hermanos, pero también son amigos, amantes, compañeros. Simplemente se aman y son capaces de contarnos la vida en su complejidad con humor y cercanía. Es en definitiva la historia de dos personas que se conocen desde niños y se juran amor eterno. Y es que el amor verdadero no entiende de otra cosa que no sea el sentimiento puro, olvidándose de todo lo demás. Es inmortal. Wenses y Lala es la adaptación que Elena Olivieri, directora y actriz italiana residente en Madrid, hace del texto de Adrián Vázquez, dramaturgo y actor mexicano, miembro fundador de la compañía Los Tristes Tigres.

Divertido embrollo al cuadrado Esta es la obra más corta de Shakespeare. Un ‘remake’ de lujo de la obra de Plauto Los Menecmos, inspirada en otra griega, Los Gemelos de Posidipo. Alberto Castrillo-Ferrer dirige este montaje versionado por Carlota Pérez-Reverte que juega magistralmente con los enredos que puede provocar la confusión de un gemelo por otro, enredos que se multiplican exponencialmente al haber dos parejas de gemelos, amos y criados, que se confunden incluso entre ellos mismos. Dos parejas de gemelos, separadas al nacer, coinciden sin saberlo en una misma ciudad 25 años después, desencadenando un divertido juego de enredos y confusión de personalidades. Antífolo de Siracusa vivirá una aventura mágica y casi onírica mientras que su hermano, Antífolo de Efeso, verá su tranquila existencia convertida en una auténtica pesadilla.

LA COMEDIA DE LOS ENREDOS Teatro Bellas Artes Del 28 de julio al 3 de septiembre

Manual para lograrlo

ORGASMOS Teatro Pequeño Gran Vía Desde el 16 de agosto

Comedia de Dan Israely, dirigida por Óscar Contreras, que trata las diferencias entre hombres y mujeres protagonizada por Leo Rivera y Rebeca Valls. ¿Por qué los hombres y las mujeres no pueden llevarse bien? Porque Dios creó primero al hombre pero, con las prisas cometió algunos errores de principiante. Perfeccionó en seguida el modelo y creó a la mujer. Entre ambos hubo algunas diferencias físicas evidentes, pero también de tipo emocional y de comportamiento. Cerebro y corazón no responden igual. Esos desajustes de tipo racional y emocional han mantenido a hombres y mujeres a la greña hasta nuestros días. Pero el sexo es poderoso, nos atrae y nos une. Y consigue que, en definitiva, nos podamos amar y respetar como pareja. Al fin y al cabo todos somos el resultado de un orgasmo... o de dos, en el mejor de los casos.

www.firatarrega.com

SÍNDRHOMO Sala Cuarta Pared Del 7 al 16 de julio

El Cabanyal resiste... como puede El pasado 5 de junio, en Valencia, María Cárdenas irradió la mayor de las alegrías al recoger el Premio Max a Mejor Autoría Revelación por esta obra, la tercera de la compañía La Teta Calva que recala en Madrid, en la Cuarta Pared, tras Penev y Llopis. Nacida de los escombros del siempre combativo -qué remedio- barrio valenciano del Cabanyal, asediado por la especulación, Síndrhomo cuenta la historia de dos hermanos que se encuentran en medio de sus vidas vacías. Uno, con síndro-

me de Diógenes como forma de lucha, quiere defender una casa de las excavadoras y provocar un apocalipsis urbano; la otra, sin trabajo, abandonada, sumida en sus adicciones, sus miedos y sus delirios de esquiadora de jet set que lucha por una nueva oportunidad, quiere vender la casa para poder comprar un Power Ranger a su hijo. En medio, Nevia, un travesti enamorado de la vida con cicatrices, un comodín para los descarriados, un ave de paso que vino para quedarse

y formar una familia peculiar, bizarra y explosiva. Un trío enfermizo, tres personajes, interpretados por tres actores soberbios (Merce Tienda, Manuel Valls y Leo de Bari, dirigidos por Xavo Giménez), que convierten sus mierdas en abono, en una tragicomedia que refleja el instinto de supervivencia de una ciudad amenazada siempre por la gran plaga de rotondas hipnóticas que abren reordenamientos urbanos que entienden poco de seres humanos y mucho de dividendos.

Por el poder del hashtag Escrita por los hermanos Quique y Yeray Bazo y dirigida por Juanma Romero Gárriz, Tres días sin Charlie se estrenó en el extinto festival Frinje el pasado verano y, tras su reciente paso por el Theater Ruhr de Alemania, estará haciendo temporada veraniega en el Teatro del Barrio, un espacio muy adecuado para una obra tan contemporánea en su forma y tan política en su fondo. Se trata de una crónica teatral escrita a partir de las reacciones que suscitaron en las redes sociales los atentados contra la redacción de la revista satírica francesa Charlie Hebdo, el 7 de enero de 2015, en el que murieron doce personas y otras 11 resultaron heridas. La obra recorre los tres días que duró la cadena de atentados iniciada en ese asalto a la redacción del semanario, narrados desde ese prisma tan particular, con la idea de conformar un relato de la espontaneidad con la que los ciudadanos de todo el mundo se expresaban en Internet durante aquellas angustiosas jornadas. Tres días sin Charlie actualiza así la figura del coro griego, convertido aquí en el Coro RRSS, trasladando al escenario literalmente las declaraciones vertidas en las redes, donde convive el exabrupto con el análisis, el intento de debate sosegado con la descali-

ficación, la emoción con la razón, el dato objetivo con asomos de posverdad. El texto de QY Bazo fue reconocido con la Mención de Honor del Premio Lope de Vega de 2015 y nos traslada a los espectadores una serie de preguntas siempre interesantes y no poco inquietantes y candentes: ¿Qué uso hacemos de la libertad de expresión en las redes? ¿Hasta qué punto la inmediatez de las nuevas tecnologías impide la reflexión? ¿Qué retrato como sociedad dibujan esas reacciones que vertemos en Internet? ¿Es un retrato de nuestra identidad real como civilización o sólo de nuestro reflejo digital? ¿Somos lo que compartimos en las redes o usamos algún tipo de tamiz, voluntaria o involuntariamente, antes de lanzarnos a opinar? Desde luego es una obra que gana vigencia día a día en estos tiempos hiperconectados que vivimos, en los que asoma de nuevo el mito de la caverna de Platón para nuestra desgracia, porque significa que en 25 siglos no hemos escapado de todo aquello que señaló el filósofo.

TRES DÍAS SIN CHARLIE Teatro del Barrio Del 7 al 30 de julio

Versión de altas miras del clásico de Rattigan El príncipe y la corista es uno de los títulos más populares de Terence Rattigan, uno de los dramaturgos británicos de mayor éxito del siglo XX. Escribió la obra en 1953 coincidiendo con la coronación de Isabel II, un evento histórico que le sirvió de excusa para arrojar luz sobre uno de los grandes temas de su obra: el hombre solitario, pero esta vez en tono de comedia. La obra se estrenó ese mismo año en el teatro Phoenix de Londres protagonizada por dos de los actores británicos más populares de la época: Laurence Olivier, en el papel de regente, y su entonces esposa Vivian Leigh, interpretando a la corista. El éxito de la función se vio ampliado con su versión cinematográfica, protagonizada por Laurence Olivier y Marilyn Monroe. La difícil relación entre ambos durante ese rodaje ha contribuido a ensanchar el mito alrededor de este título. Esta nueva versión del clásico la ha realizado David Castro, y en ella se seguirá contando la historia de una delegación regia que asiste a una coronación en la Europa Occidental, pero en un país y en una época indeterminados. Se ha actualizado también el lenguaje de la obra y se ha adaptado al público del siglo XXI, pero sin perder la lectura fresca y desinhibida que proponía Rattigan en su momento. El montaje que llega al Teatro Cofidis Alcázar es una versión de estrenos. Y es que la obra está dirigida por la conocida actriz Pilar Castro, en la que es su primera incursión en el mundo de la dirección. Y a Javivi y Lluvia Rojo, dos de nuestros grandes intérpretes de reparto, les ha llegado el momento de afrontar su primer papel protagonista. Les acompañarán en este viaje Marta Fernández Muro, Brays Efe y Bruno Lastra conformando un elenco sólido que tendrá que sacar adelante un montaje que se mide con el recuerdo que la inmortal versión cinematográfica ha dejado en el espectador. Pero de momento todos los elementos de partida indican que será una de las principales atracciones teatrales para disfrutar de las noches estivales.

EL PRÍNCIPE Y LA CORISTA Teatro Cofidis Alcázar Hasta el 2 de septiembre

FOTO: Javier Naval

DOS MAS DOS Teatro La Latina Del 7 de julio al 10 de septiembre

Esta obra de Daniel Cúparo y Juan Vera, llega a España en forma de adaptación teatral, tras haber arrasado en Argentina siendo la película más vista en 2012. Maite Pérez Astorga y David Serrano dirigen a Daniel Guzmán, Miren Ibarguren, María Castro y Álex Barahona, dos parejas de amigos de toda la vida que al acercarse a los cuarenta han conseguido el éxito profesional y personal... o eso parece. Una noche Tomás y Silvia les cuentan a sus amigos que practican el intercambio de parejas y que les encantaría compartir esa práctica con ellos. Lo que parece una confesión inocente, acaba desestabilizando por completo al matrimonio, ya que les obliga a hacer frente a la falta de pasión en la que viven sumergidos desde hace años.

Llega una nueva adaptación de la popular comedia erótica escrita por José Luis Alonso de Santos en 1988. En esta ocasión viene dirigida por Miquel Murga y protagonizada por Carlos Chamarro, Josep Linuesa y Mónica Corral. La obra presenta el curioso caso de Federico, un informático, y Roberto, un profesor de instituto, que comparten piso... y algo más, porque ambos estuvieron casados con la misma mujer, Carmela. Por si fuera poco, ahora aparece en sus vidas Nines, una joven vecina que les revoluciona las hormonas. Los dos hombres maduros, bastante perdidos en la vida, compiten por conquistar a la muchacha, generando un montón de enredos y situaciones delirantes.

SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO Teatro Quevedo Del 6 de julio al 3 de septiembre

PARES Y NINES Teatro Príncipe Gran Vía Hasta el 27 de agosto

La Compañía de Teatro Bluarte, junto a la Escuela de Artes Escénicas de Madrid, se ha puesto manos a la obra para dar vida a la loca comedia de Shakespeare, respetando el texto original cuyo controvertido entramado ofrece innumerables interpretaciones e inspira incontables versiones. Se avecina una gran fiesta en Atenas. Las bodas de Teseo e Hipólita, la reina amazona, se celebrarán con la Luna nueva, y esa misma noche, la joven y bella Hermia será sentenciada a la muerte o al celibato, con motivo de su rechazo a casarse con quien su padre pretende obligarle. Pero Hermia y Lisandro, su verdadero amor, huirán de la ciudad, dejando tras de sí un futuro y unas leyes que quieren separarlos y relegar su amor al olvido.

Aprendiendo a amar Es un juego sencillo... aparentemente. Una pequeña piedra lanzada a la casilla correcta y mantener el equilibrio saltando con una sola pierna. A veces hay espacio para apoyar los dos pies en el suelo, pero donde de verdad te la juegas y aprendes a descubrir quién eres es cuando tu vida se mantiene en el aire. Cada salto es un aprendizaje, una etapa recorrida, una decisión tomada. Y en cada decisión que tomas puedes darte cuenta de que sigues sin saber nada de nada. Así es la rayuela, un juego para niños en el que te pasas jugando toda la vida. Subiendo de nivel para volver a la casilla de salida una y otra vez. La pequeña piedra es tu destino. Es posible que sientas que lo tienes dominado, que sabes a qué lugar has de lanzar, pero la verdad es que nunca se es del todo libre para lanzar el tejo donde de verdad te apetece hacerlo. Muchas veces hay fuerzas arrebatadoras que lo inundan todo, pero no siempre somos capaces de despegar los pies del

suelo para dejarnos llevar por ellas... quienes piensan demasiado no pueden hacer nada... Ignasi Vidal escribe y dirige este texto, una historia de vidas cruzadas en la que el amor no es lo que parece ni lo que nos han contado. Cada una de esas vidas que se cruzan serán Eva Isanta, Manu Baqueiro, Daniel Freire, Sara Rivero y Celia Vioque. Personajes que irán cruzando sus destinos dejando un rastro reconocible de huellas de tiza en el suelo. Huellas que van y vienen del 1 al cielo y del cielo al 1 en un camino para aprender a amar una y otra vez. Una búsqueda insaciable de amor, la más perfecta y pura de las emociones, lo que marca la verdad de lo que somos y el porqué de nuestra existencia. Jugar entre los dos a ser uno. La vida en una eterna rayuela. S. Díaz

EL CÍCLOPE Y OTRAS RAREZAS DE AMOR Teatros del Canal Del 24 de agosto al 17 de septiembre

De izq. a der. imágenes de algunas de las coreografías del homenaje: El Sombrero de tres picos, Zapateado Sarasate y Eritaña (fotos: James Rajotte)

El legado de uno de los más grandes Antonio Najarro, el director del Ballet Nacional de España, dirige esta selección de coreografías, la mayoría pertenecientes al repertorio del BNE, en las que quedaron representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio El Bailarín: Eritaña (una de las obras imprescindibles para entender la Danza Española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica); Zapateado Sarasate (se cumplen setenta y un años desde que Antonio estrenara su solo, sin duda, más emblemático); Taranto de La Taberna del Toro (que es el mítico baile que elevó al olimpo a Carmen Rojas); Fantasía Galaica (un ejemplo del talento de Antonio para elevar nuestras danzas -en este caso, los bailes gallegos-, reinterpretando los pasos desde la sabiduría técnica, potenciando su estética teatral y haciendo casi visible la música); y El Sombrero

de Tres Picos (la conocida obra de Manuel de Falla con la que Antonio triunfa a nivel internacional en el lenguaje de la Danza Española). El espectáculo cuenta con música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum, dirigida por el maestro Manuel Coves. En este montaje se ha puesto especial interés en recuperar los telones y escenografías originales. Para llevar a cabo dicha recuperación, fue fundamental la labor de documentación que ha permitido reproducir con detalle los decorados y trajes de las distintas coreografías, obras de arte que siempre identificaron la creatividad y puesta en escena de Antonio.

HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER Teatros del Canal Del 21 al 30 de julio

Comedia sobre la injusticia

HACIA EL CIELO SIN ENCHUFES Teatro Plot Point Jueves de julio y agosto

El trío formado por Carlos de Matteis (adaptación y dirección) y Marina Skell y Juan Gravina (intérpretes) vuelve a unir sus fuerzas tras el éxito cosechado con Cuestiones con Ernesto ‘Che’ Guevara en esta comedia negra que bebe de textos del dramaturgo argentino Roberto Cossa, pero que es un ácido retrato sobre la actualidad social y judicial española. Un hombre normal, Adán, se enfrenta a su último juicio. Al ‘no tener enchufe’ lleva quince años en ‘el pasillo de los tribunales’, esperando a su abogado. En este caso tendrá una abogada defensora muy particular, Eva. Al ser mujer, igual que ocurre en la tierra, choca con el universal techo de cristal. El resto de la profesión le impide prosperar en su carrera, encargándole casos que no son VIP. Eva repasará junto a Adán todos sus pecados y la forma de defenderse ante un alocado tribunal.

Cómo enseñamos, cómo educamos La Abadía cierra temporada con la compañía valenciana El pont flotant, que ya estuvo el año pasado con la entrañable Ejercicios de amor. Ahora vuelven con una reflexión sobre la educación y el papel de los padres, de los abuelos, de los maestros y de los propios hijos en el proceso de aprendizaje. Un trabajo de creación colectiva de Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons, que cuenta con la presencia de tres generaciones en escena que han participa-

do en un Taller Escénico Intergeneracional para la creación de la pieza. “Teatro popular en el mejor sentido de la palabra -argumentan sus creadores-, teatro que basa su acción en la relación directa con el público, con sus problemas y con la sociedad de la que todos formamos parte. Teatro imaginativo y participativo que sabe cómo honrar a jóvenes y dignificar a ancianos, conceder espacio a todos para construir colectivamente la voz de un presente”. ¿Cómo será

mi hijo cuando le toque estar aquí, donde estoy yo ahora? ¿Qué abuelo querrá que sea yo? ¿Qué padre hubiera querido tener mi hijo? Buscando respuestas sin miedo a la autocrítica, con humor, ternura e ironía. Pasado, presente y futuro en un mismo escenario.

EL HIJO QUE QUIERO TENER Teatro de La Abadía Del 12 al 15 de julio

La cosa es quejarse

A PROTESTAR A LA GRAN VÍA Teatro Lara Desde el 3 de agosto

Los Absurdos pondrán humor y color a las tardes veraniegas con el regreso de este genial espectáculo. A Alfonso Mendiguchía y Patricia Estremera (intérpretes) se ha sumado como director César Maroto, componente de Yllana, para dotar de una mayor profundidad a una obra que ya por sí misma conquista las carcajadas de todos los espectadores. Puede que el rasgo más apasionante del ser humano sea su capacidad para ser absolutamente incongruente, pero, sin duda, el segundo y aún más inquietante, es su incapacidad para darse cuenta de ello. Al fin y al cabo, los errores nunca son culpa nuestra. Todos ellos se deben a ese colectivo tan omnipresente como enigmático que es... la gente. Los Absurdos nos explican qué es eso de la gente y esa gran cualidad inherente a ese colectivo que es quejarse y protestar por todo. Todo el rato. Mucho. Protestar mucho.

El papel del periodismo Texto teatral de Iván Cerdán Bermúdez basado en artículos de la periodista Marga Zambrana acerca de las condiciones laborales de los ‘freelancers’, el impacto de las redes sociales, los periodistas degollados por ISIS o la represión en Turquía. Una radiografía sobre el papel del periodismo en el s. XXI. Ciganhir (Estambul), a 1200 km. del lugar donde suceden los hechos en Siria. La mirada de tres periodistas nos coloca en el centro del debate sobre la deriva del periodismo. ¿Cuál es la función de un corresponsal de guerra? ¿Cómo afecta la precariedad laboral al oficio? ¿Hacia dónde conduce la influencia de las redes sociales? A, M y C se enfrentarán por dar respuesta a sus inquietudes periodísticas. Cada uno aportará su visión a su peculiar manera, sin tregua, desde unas certezas e inseguridades que cuestionarán las nuestras propias.

LOS PIJOS ACABARON CON EL PERIODISMO Nuev9 Norte Teatro Viernes de julio

avance temporada 17/18

Preparen sus agendas Al cierre de esta edición conocemos prácticamente todo (menos lo de Naves Matadero) lo que los grandes escenarios de Madrid nos tienen preparado para el primer tramo de la próxima temporada. Y la cosa viene muy muy cargada. Empezando por los musicales, porque se avecinan tres grandes estrenos para octubre: Billy Elliot en el Teatro Nuevo Alcalá (foto abajo), El guardaespaldas en el Coliseum y La familia Addams en el Calderón. También en octubre llegará Tricicle al Teatro de la Luz Phillips Gran Vía para quedarse hasta enero con sus Hits. Y en el Bellas Artes veremos desde septiembre una nueva tentativa sobre Oleanna, de David Mamet. En cuanto a los teatros públicos, en La Abadía habrá varias reposiciones (Reina Juana, Incendios y Yo, Feuerbach) y un interesante estreno en diciembre: 24 horas en la vida de una mujer, de Stefan Zweig, producido y protagonizado por Silvia Marsó. El Centro Dramático Nacional, por su parte, empezará su temporada en octubre con el estreno de Dentro de la tierra, la primera y celebrada obra de Paco Bezerra. Es un reﬂejo de su apuesta decidida por la dramaturgia española contemporánea, con la presencia también de Blanca Baltés, Gon Ramos, Zo Brinviyer, Sergio Martínez Vila, Nieves Rodríguez, Lluisa Cunillé o Los Corderos. Platos fuertes serán Bodas de sangre de Lorca dirigido por Pablo Messiez o Espía a una mujer que se mata, de otro argentino, Daniel Veronese. Los

gallegos Voadora traerán su loca versión de Sueño de una noche de verano (foto der.)y Pere Arquillué hará Primer amor, de Beckett, entre otras muchas cosas interesantes. El Teatro Español también tiene una suculenta oferta, que arranca con Universos Paralelos, protagonizada por Malena Alterio y Daniel Grao, las Troyanas que dirige la propia Carme Portaceli con Maggie Civantos y Alba Flores, la versión teatral de El ángel exterminador que dirige Blanca Portillo o el debut de Carmen Machi en el Español con Cronología de las bestias, de Lautaro Perotti. El Pavón Kamikaze resiste con 7 estrenos hasta enero (entre ellos Ensayo, de Pascal Rambert, Smoking Room, de Roger Gual, y Tebas Land, de Sergio Blanco) y 5 reposiciones. Y los Teatros del Canal, ya con la programación diseñada por sus nuevos directors, Àlex Rigola y Natalia Álvarez Simó, será un festín continuo con Jan Fabre y su Monte Olimpo (bacanal escénica de 24 horas de duración), La Veronal, Ostermeier y el regreso de Angélica Liddell por partida triple (foto justo encima de estas líneas), como algunos de sus muchos y grandes atractivos.