Godot mayo 15 by Godot

Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán

Dirección Ernesto Caballero

Del 8 al 24 de mayo

Reparto (por orden alfabético) Marta Belaustegui Samuel Blanco Alicia Cabrera Díaz José Luis Checa Jesús del Caso Germán Estebas Frasko Ferrer Jesús Gª Salgado Keesy Harmsen David lzura Cristina Martínez Laura Martínez Lorena Neumann José Rubio

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS de Anton Chéjov Creación y dirección de Ángel Gutiérrez C

Producción Teatro Chéjov. Compañía Ángel Gutiérrez

CMY

TRILOGÍA DE LA CEGUERA

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva Del 22 de abril al 24 de mayo

de Maurice Maeterlinck LA INTRUSA Dirección Vanessa Martínez

Reparto (por orden alfabético) Lucía Barrado Quique Fernández Lucía Fuengallego Pablo Huetos José Vicente Moirón Celia Nadal Verónica Ronda Pedro Santos Carlos Silveira Gemma Solé

INTERIOR Dirección Antonio C. Guijosa LOS CIEGOS Dirección Raúl Fuertes

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Centro Dramático Nacional

Teatro María Guerrero

Dirección Ernesto Caballero

Del 24 de abril al 14 de junio

de Henrik Ibsen Dirección Eduardo Vasco Versión Yolanda Pallín

Reparto (por orden alfabético) José Luis Alcobendas Charo Amador Ernesto Arias Jacobo Dicenta Cayetana Guillén Cuervo Verónika Moral Músico Jorge Bedoya

CMY

Escenografía Carolina González Vestuario Lorenzo Caprile Iluminación Miguel Ángel Camacho Música Ángel Galán Coproducción Centro Dramático Nacional, Mucha Calma y Noviembre Teatro

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6 12 16 22

40 44 palabra de Enrique Salaberría

estrenos Mujeres y criados

la visual Amaluna

entrevista Juan Pastor

cómicos Carlos Latre

lírica Zarzuela en la Villa 2015

noticias Premios MAX

portada Hedda Gabler estrenos Atchuss

Festivales Una mirada diferente

estrenos Crímenes de andar por casa

36 críticas

danza Trockadero

10 14 18

entrevista Asier Etxeandía

reportaje Daisy

30 38

estrenos Jeckyll & Hyde

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.

Sumario. Mayo 2015

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PALABRA DE... Enrique Salaberría

Que nos dejen hacer Siendo niño me impresionaba ver una película que anunciaba el futuro y transcurría en el lejano 2015, y hoy me veo inspirado para predecir cuál será el futuro de nuestro teatro el próximo quinquenio. Dispongo para ello a mi lado una bolita de cristal brillante con estrellitas, los ojos vendados, la luz del sol que entra como cada día por los ventanales de la quinta planta y aprovecho la hambruna del mediodía para caer en trance y así hacerme las siguientes preguntas: - ¿Cómo es posible que, tras siete años de crisis y 30 años de democracia, ningún partido político tenga un diagnóstico coherente del estado de la cultura en España? - ¿Cómo es posible que ningún partido político tenga una estrategia o un plan a largo plazo creíble para sacar a España de la pobreza cultural? - ¿Cómo es posible que la clase política española sea incapaz de coordinar las diferentes administraciones territoriales y dar tránsito a la creación? - ¿Cómo es posible que siendo una de las estrategias de futuro más obvia para España (el fomento de la cultura en español, el talento, la innovación y desarrollo, la mejora de la educación, el emprendimiento y el apoyo a la creación) sea no ya ignorada, sino perseguida y masacrada con recortes e impuestos abusivos por los partidos políticos mayoritarios? Estamos organizados en instituciones que promueven la cultura, en las que después de 30 años de cambios, en nuestro sistema, nadie ha sido responsable de sus actos, porque nunca exigimos el cumplimiento de las promesas y objetivos comprometidos. Nadie dentro del sistema pone en cuestión los mecanismos de subvención, contratación, a los órganos de gestión y dirección artística que constituyen el interés particular de la clase política española. Este es el contexto en el que se desarrolla nuestra actividad, y es el resultado de la convivencia de nuestra clase política y nuestro sector, con privilegios y prebendas. Sin un plan estratégico por la cultura y sin considerar a los profesionales del teatro, nuestros políticos han edificado innumerables infraestructuras construidas en las últimas dos

décadas a costes astronómicos para beneficio de constructores y perjuicio de todos; diseñados y construidos dando la espalda al sector de las artes y su industria, haciendo dejación de principios muy importantes de eficiencia y buena administración, sin estudios de uso, aforos, servicios, anexos, sin proyecto cultural ni plan financiero; y todo ello escudándose en la constitución de 1978 y el derecho de los españoles al acceso a la cultura. Nuestros políticos no sólo se han constituido en un grupo con interés por la cultura, sino que han dado un paso más, consolidándose como gestores culturales. Concejalías de cultura, que llegada la crisis y los recortes de presupuesto, utilizan los espacios de exhibición como una empresa privada a la captura de ingresos, precarizando a las compañías, destruyendo la industria cultural y, en consecuencia, el empobrecimiento cultural de todos; pervirtiendo las obligaciones institucionales, es decir, contribuir a la divulgación de la cultura aportando recursos económicos y técnicos, con libre acceso para la creación, un sistema que permita el intercambio cultural de manera amplia y respete las reglas del mercado libre. Nuestros políticos desprecian la creación, si observamos los últimos 30 años, su obsesión la definiría como “la destrucción creativa”: se echa a los anteriores, y damos paso a los nuevos, siempre destruyendo lo antiguo y creando lo nuevo”. Como digo, comparten un gran desprecio por la cultura, la educación, la ciencia y la investigación, de la que somos parte, con una hostilidad total como lo demuestra la aplicación del 21% de IVA y, el sadismo con el que se trata su reducción, sin anunciar una fecha determinada para su eliminación, a sabiendas de los estragos que está causando. No les servimos para el adoctrinamiento. Este es el comportamiento de nuestros partidos políticos y sus “élites culturales”. Como última anécdota, hace unos días, uno de ellos, en el Parlamento Europeo obsequió la serie “Juego de Tronos” a nuestro Rey, sin apreciar el daño amigo que causan despreciando a nuestros creadores, nuestras series, cine, teatro, museos… Veamos qué nos dicen sobre el futuro.

Enrique Salaberría es Presidente Ejecutivo del Grupo Smedia www.gruposmedia.com

humor

Flora y Fauna de las Artes Escénicas Actores aficionados Vanitas Amateuri El joven divo

El jubilado

versión extendida en www.escenagodot.com

El timidísimo

El solterón

El porreta

El aficionado

El joven divo Vanitas amateuri quo vadis cum facem habes?

El timidísimo Vanitas amateuri mepongocoloradus

El solterón Vanitas amateuri solteraienterae

Púber con talento, carisma y una insoportable sed de protagonismo. Como en los grupos aficionados hay más mujeres que hombres, él se pavonea cual gallito en gallinero. Con los años puede moderar su arrogancia y ser una persona encantadora o convertirse en un verdadero mojón humano.

Suele ser menor de edad. Sus padres, en un afán de mejorar la sociabilidad del muchacho, lo apuntaron a teatro, y lo cierto es que el chaval se va soltando poco a poco. Muuuuy poco a poco. Preguntarle la hora es hacerle sufrir. Cuando se pone nervioso tartamudea y cuando tartamudea se pone nervioso. Mira siempre al suelo y es misteriosamente guapo.

Espécimen típica pero no exclusivamente femenino. Vestir santos está antiguo así que las solteras de pueblo acuden al grupo municipal y desfogan con textos de Lorca: lo entienden mejor que nadie y no presumen de ello; los solterones, por su parte, ofrecen una visión insospechada de Chéjov. Lucen potencial interpretativo y cierto encanto, pero hablan mucho, dicen poco, se ríen aleatoriamente y meten la pata muy a menudo. Cuando se enfadan son brujas. Cuando entristecen son abismos.

#elArtedelActor

Menos no es más, menos es menos Como si se tratase de un dogma religioso, “menos es más” se escucha en muchas escuelas y en muchos rodajes acompañando a una nota de dirección, para recordarnos a los actores una especie de máxima incuestionable. No sé qué ocurrirá por ahí, pero yo nunca he sabido muy bien qué hacer con ella. Recuerdo mi primera prueba para una peli, donde esa fue prácticamente la única nota que me daban, y creo que a medida que avanzaba, se me iba quitando la fuerza y me iba transformando en una seta parlante. Por supuesto, no conseguí ese papel. Cuando quitamos y quitamos, la cosa acaba por quedarse en nada, y eso no es interesante para nadie. Así que sobre algo que apenas tiene gesticulación, empieza el trabajo de rellenarlo de vida. Porque a la vez que te piden “menos”, esperan que lo que dices sea importante para ti y, además, tenga chicha. Con el paso del tiempo y los trabajos, he concluido que quieren menos gesto y más intensidad en la cara, a ser posible en los ojos. Hasta me fascina la frase “tensión ocular” que circula en algunos rodajes. De hecho, eso es lo que se ve en algunos trabajos, mucha tensión en los ojos, y muy poca historia que la sostenga. Independientemente del vocabulario que usen directores o realizadores, creo que estaría bien estar preparados para afrontar el dogma, porque aparece muy a menudo. Nadie discute que de una montaña de euros, si vas quitando, te quedas con menos euros, y en ese sentido es claro que “menos no es más”. Pues aquí es igual, lo que se nos pide es que en lugar de tener 20, 50, 100 o 500 monedas de euro, lo que tengamos sean billetes. Es una imagen prosaica pero creo que ejemplifica bien el asunto. El valor puede ser enorme, pero el formato es diferente. Cuando se nos pide menos, generalmente se nos pide concentrar la información, no vaciarla. Como si dejásemos salir el agua de una presa por un hilito. Habrá quien quiera que se desborde, quien quiera cascada y quien quiera hilito. Por supuesto la potencia del agua cambia según el agujero de salida, pero la presión y la cantidad de agua que hay detrás no varía. Así que aconsejo hacernos diestros en el manejo de nuestro propio embalse para decidir cómo dejar salir en función de lo que se nos pida, pero nunca vaciarlo. No digo esto para que andemos enmendando la plana a quien nos dirige, sino para encauzar una nota que, aunque esté muy de moda, creo que hace un flaco favor a las historias que contamos.

María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)

Grandes estrenos

Teatro, danza y música

ÓPERA DE SALÓN

Manuel García

13, 15 y 17 | mayo | 2015

Entradas desde 9 e Revista Godot 162x230.indd 1

24/04/15 8:24

noticias El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas ha dado ya a conocer los finalistas de las 22 categorías a concurso de la XVIII edición de estos galardones organizados por la Fundación SGAE. El jurado, presidido por Carlos Gil, ha estado compuesto por Guillermo Heras, Joan Muñoz, Liz Perales y los presidentes de las comisiones de todas las Comunidades Autónomas. Los ganadores se darán a conocer el próximo 18 de mayo en la gala que se celebrará en la Sala BARTS (Barcelona Artson Stage) de Barcelona. Además, se conceden 3 premios especiales: el de Honor, que ya se conoce, y que será otorgado a Rosa María Sardá “por ser una figura clave en la historia de las Artes Escénicas”; el de Contribución a las Artes Escénicas, que se dará a conocer el 29 de abril; y el de Aficionado que se sabrá el 6 de mayo. www.premiosmax.com

LISTADO DE FINALISTAS Mejor espectáculo de teatro: Cuando deje de llover de Madrid Destino Cultura Turismo y Negocio, S.A.; El President de Bitò Produccions, S.L. y TNC; y El triángulo azul del CDN.

Mejor producción privada: Carne de gallina de Arteatro, P.T, Teatro del Cuervo y La Estampa Teatro, S.L.; Duet for one de Guindalera T.C, S.L.; y Regreso al hogar de Tribueñe, S.L.

Mejor espectáculo de danza: Bosque Ardora de Danza Molina, S.L; Cenizas o dame una razón para no desintegrarme de Losdedae Compañía de Danza; y Free fall (Caída libre) de Cía. Sharon Fridman.

Mejor autoría teatral: Francisco Nieva por El rayo colgado y peste del loco amor; Antonio Tabares por La punta del iceberg; y Laila Ripoll y Mariano Llorente por El triángulo azul.

Mejor espectáculo musical: L’Eclipsi de Grec 2014 Fest. de Barcelona y TNC; El eunuco de Mixtolobo, S.L, Proyectos Labaska 64, S.L. y La Lupa S.C.C.L.; y La ópera del Malandro de Teatro Defondo.

Mejor autoría revelación: Gemma Brió por Llibert (Liberto); Iñigo Guardamino por Vacaciones en la inopia; y Miguel Ángel Sánchez por Ejecución hipotecaria.

Mejor espect. infantil/familiar: DOT de Maduixa Teatre, S.L.; El señor de las moscas de Acción Sur / La joven compañía; y Nidos de Máquina Teatral Teloncillo.

Mejor adaptación o versión: Pau Miró y Lluís Homar por Terra baixa i Lluís Homar; Ignacio del Moral por El viaje a ninguna parte; y Anna Maria Ricart por Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas.

Mejor espect. revelación: Llibert de Cía. Llibertàries; Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas de Cía. Obskené; y Los nadadores nocturnos de Draft.inn.

Mejor composición musical: Sabino Bikandi por Gelajauziak; Alberto García Demestres por L’Eclipsi; y Iñaki Salvador por Zazpi aldiz elur, Mikel Laboa Elurretan.

Mejor coreografía: Sharon Fridman por Free fall (Caída libre); Thomas Noone por Brutal love poems; y Rocío Molina por Bosque Ardora. Mejor dirección de escena: Oriol Broggi por Adiós a la infancia; Carme Portaceli por El President; y Julián Reta por Cuando deje de llover. Mejor diseño de espacio escénico: Llorenç Corbella por L’Eclipsi; Baltasar Patiño por Bobas & Gallegas; y Arturo Martín por El triángulo azul. Mejor diseño de vestuario: Míriam Compte por Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores; Felype de Lima por Fausto; y Eva del Palacio y Fernando Aguado por El rayo colgado y peste de loco amor. Mejor diseño de iluminación: Xavier Albertí por Terra Baixa i Lluís Homar; Carlos Marqueríe por Bosque Ardora; y Juan Gómez-Cornejo por Fausto. Mejor actriz protagonista: Gema Matarranz por Juana, la reina que no quiso reinar; Rebeca Valls por Casa de

muñecas; y Blanca Portillo por El testamento de María. Mejor actor protagonista: Lluís Homar por Terra Baixa i Lluís Homar; Sergi López por 30/40 Livingstone; y Francesc Orella por El President. Mejor actriz de reparto: Rosa Novell por L’Ultima trobada; Marta Poveda por Donde hay agravios no hay celos; y Susi Sánchez por Cuando deje de llover. Mejor actor de reparto: Pau Durà por La punta del iceberg; Pepón Nieto por El eunuco; y Fernando Sansegundo por Donde hay agravios no hay celos. Mejor bailarina principal: Alba Barral por Brutal love poems; Rocío Molina por Bosque Ardora; y Olga Pericet por Pisadas. Mejor bailarín principal: Israel Galván por Fla.co.men; Manuel Liñán por Nómada; y Chevi Muraday por Cenizas. Mejor elenco de danza: el de Free fall (Caída libre); el de Gelajauziak; y el de Nómada.

Nace UNIR Espacio Escuela de Actores

La Fundación de la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR) en su actividad de Extensión Cultural, en la que el Teatro es una de sus prioridades como lugar de encuentro, da un paso más abriendo un ámbito en el centro de Madrid, UNIR Espacio, que dará cabida a su Escuela de Actores, con series de muestras escénicas y ciclos de conferencias sobre el Arte Dramático. El nuevo ámbito teatral de la UNIR está en el número 16 de la calle Arapiles, donde estuvo ubicado El Sol de York, una referencia escénica en los últimos años. Periódicamente acogerá muestras teatrales como la que se prevé para esta primavera, el Primer Festival de Teatro UNIR Chamberí, que reunirá realizaciones del centro y otras invitadas ex profeso. El Festival se desarrollará del 7 al 23 de mayo. El primer montaje programado será Las mocedades del Cid, de Guillén de Castro, con versión de Daniel Pérez. Luego veremos Hablando de España, de Javier Villán, y cierra el ciclo León Felipe. Lágrimas sobre el viento, de José Gabriel López Antuñano e Ignacio García, con Santiago Ramos como protagonista.

30 años de Morboria

Con motivo del trigésimo aniversario de la compañía, Morboria ha decidido volver a dar vida a El burgués gentilhombre de Molière, uno de sus montajes más celebrados, creado hace 20 años. Fue el primero de los textos clásicos que acometían y por su trabajo en la dirección recibió Eva del Palacio el premio Ágora a la Dirección Revelación en el Festival de Almagro de 1995. Desde entonces, Morboria es una compañía experta y casi fanática de Molière. La celebración tendrá lugar en el Centro Centro del Palacio de Cibeles los días 15, 16 y 17 de mayo. Pioneros del teatro de calle en España, Morboria, creada por Eva del Palacio y Fernando Aguado en 1983, tiene en su repertorio más de 50 títulos de autores como Shakespeare, Tirso de Molina, Moreto, Zorrilla y hasta Fernando Arrabal. Date una vuelta por su web si quieres saber más: www.morboria.com

All you need is Cabaret

Del 5 al 10 de mayo tendrá lugar en Madrid el primer FICE, Festival Iberoamericano de Cabaret de España, un festival de ámbito intercontinental ue busca compartir con el público una entretenida varieda de espectáculos con el humor, la provocación, la seducción y la música en vivo como denominadores comunes. Artistas y compañías como Psicosis Gonsales, Pía Tedesco, el Cabaret LeCOQ, el Cabaret Flotante, Desvarieté Orquestina o Roma Calderón participarán en los diversos espacios donde se desarrolla el FICE, la sala Tribueñe, Platea Madrid, Resad y Matadero entre ellos. Más info en: www.cabaretfice.com

EN PORTADA

FOTO: marcosgpunto

Cayetana Guillén Cuervo “Un homenaje a la mujer inteligente de todas las generaciones asfixiada por una sociedad desigual” por Álvaro Vicente ¿Recuerdas tu primera lectura de Hedda Gabler? La primera lectura es muy complicada. Quieres entender a esa mujer, pero es muy difícil comprender sus razones. Por eso, cuando Eduardo Vasco me propuso hacer esta obra, le dije sí, pero tenemos que poner el foco en sus razones, en entenderla, no te digo en justificarla, pero entenderla al menos.

cualquier ser humano se puede sentir identificado, sea hombre o mujer. Se habla de lo revolucionario de Ibsen, además de por lo dramatúrgico, porque pone el foco sobre la mujer como nadie antes lo había hecho, pero no deja de ser un hombre hablando de mujeres, ¿no? He podido leer mucho sobre Ibsen y sobre su vida y es cierto que era un gran observador de las carencias de las mujeres y luchó para que la mujer conquistara su independencia a través de sus personajes. Pero es que esos personajes eran él mismo. Quizás resulta osado decirlo, pero para mí Hedda Gabler era el propio Ibsen, era una mezcla de sus pasiones y sus carencias. El fue muy cauto y tremendamente convencional en su vida y sufría angustiosamente por eso, porque él mismo se definía como alguien profundamente cobarde, como lo es Hedda. Los límites que él no se atrevía a cruzar, los cruzaban sus personajes. Hedda es una cobarde y Nora una egoísta, porque abandona a sus hijos.

¿Qué te han podido aportar otras actrices u otras versiones que se hayan hecho? La que más me ha aportado siempre es la de Ingmar Bergman, pero en general te diré que todas las ‘heddas’ que he visto me han interesado regular, porque no me interesa un trastorno psicológico o una niña mimada. Me interesa una mujer inteligente que no ha conseguido cumplir sus deseos y que se ve encerrada en una serie de condicionantes sociales y conformándose con una serie de cosas que no soporta. Eso es muy reconocible por muchos seres humanos, empezando por el propio Ibsen. También es cierto que si yo no hubiera visto las ‘heddas’ que he visto, no hubiera llegado a estas conclusiones, Nora ha sido estandarte del feminismo. Pero, ¿decir no estoy cuestionando ni criticando, al contrario, estoy que Hedda es autodestructiva es machista? muy agradecida, porque Lo digo porque así ponemos el problema estos otras ‘heddas’ me La hija del general Gabler sólo en el interior del personaje, obviando han dado luz para intense aburre y juega con las el ambiente externo que empuja a una tar ir por otro lado. pistolas de papá. Del hastío mujer a ocupar posiciones indeseables... al juego, del juego a la Eso es cierto, pero yo creo que Ibsen quería ¿Cuál es ese otro lado? amenaza, de la amenaza a la contar más cosas además de eso. Quería Nosotros hemos querido tragedia... contar qué pasa con tu vida cuando no ser fieles al sentido que estás donde quieres estar, qué pasa cuando Ibsen quiso dar a esta no eres feliz y culpabilizas y amargas a los heroína romántica y a Hasta el 14 de junio Teatro María Guerrero demás con tu infelicidad. La responsabilidad todos los personajes de para salir de ahí es solo tuya y tienes que la obra. Hemos querido tomar decisiones, ser valiente, movilizar las dar luz a las razones de estructuras que tanto tiempo te ha llevado Hedda Gabler a través construir en la vida. Hay que intentarlo, hay que sacude las actitudes de todos los personajes. Quisiéramos dirlo, y esperemos que el espectador sienta una pequeña que fuera un homenaje a la mujer inteligente de todas sacudida en la butaca viendo a esta Hedda. las generaciones que por una u otra causa vive encerrada y asfixiada por los condicionantes sociales. Creo que Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com

estrenos

FOTO: Javier Naval

Atchúusss!!! ansiedades, sus hastíos, sus enfermedades, sus Unas cuantas páginas más allá (página 24 ilusiones, sus ridiculeces, sus pequeñas osadías de esta misma revista) veremos al Anton y sus grandes arrepentimientos. De esos ‘don Chéjov más puro, el más conocido, el más nadies’ que somos trata la obra. interpretado. Pero aquí, dos páginas más acá, La adaptación de estos descubrimos al Chéjov más textos nos llega gracias a desconocido y más divertiUn reparto de lujo con la labor de Carles Alfaro do. Sí, han leído bien, he el que descubriremos al (que también dirige) y dicho divertido. Y es que el Chéjov más desconociEnric Benavent, y plantean retratista de la aristocracia un juego narrativo de disrusa trasnochada, bucólica do y... sí, también al más tintas historias y espacios y cotidianamente aburrida divertido en los que Ernesto Alterio, también dejó textos para Malena Alterio, el propio ‘partirse la caja’ (o para Desde el 15 de mayo Benavent, Adriana Ozores partirse el diafragma de Teatro La Latina y Fernando Tejero (oh! un estornudo). Quizás nos lujazo) interpretan a una resulte tan desconocido veintena de personajes porque utilizaba un pseudistintos. Un espectáculo lleno de ritmo que dónimo para escribir estos textos: Antosha bebe del humor más humano que Chéjov Chejonte. Y es que así firmaba el autor ruso trabajó en sus años mozos, en esos primeros en su juventud. cuentos ágiles e hilarantes, cuando se fijaba En la larga lista de textos humorísticos que esen otras cualidades de la condición humacribió, el autor, dotado de una ilimitada capacina... o quizás eran las mismas cualidades de dad de comprensión, convirtió en protagonistas siempre, las mismas de las gaviotas, de los cea unos pobres diablos que hasta entonces sólo rezos, de las tres hermanas... pero expresadas habían sido ‘don nadies’ para las páginas de de otra forma, de una manera más ácida y no la historia. Les cedió el protagonismo a muchísitan pesimista. Quizás porque aún era joven, mos hombres, mujeres, niños y hasta animales, tenía esperanzas y creía. Cualidades que se cada uno de ellos con sus mezquindades y sus van perdiendo con el tiempo. S. Díaz heroísmos, sus cobardías, sus avaricias, sus

estrenos

FOTO: Javier Naval

La compañía teatral Fundación Siglo de Oro estrena esta obra inédita de Lope de Vega

Hasta el 24 de mayo Teatro Español

Mujeres y criados Alejandro García Reidy, un investigador español de la Universidad de Syracuse (EEUU), descubrió en la Biblioteca Nacional una obra inédita de Lope de Vega de la que se había perdido la pista hace 400 años. Parecía difícil encontrar más material de nuestro Fénix de los Ingenios y, a pesar del paso del tiempo, de la humedad, del fuego y los expolios su obra vuelve a renacer de entre las cenizas. Aunque en verdad Lope de Vega nunca ha muerto. Sigue más vivo que nunca porque sus obras se siguen representando por todo el mundo y los temas de los que él nos hablaba siguen más que vigentes, como la que se recoge en esta nueva comedia. Como apunta el título Mujeres y criados tiene como protagonista a dos grupos de personas que, en la sociedad del siglo XVII, ocupaban una posición secundaria en las relaciones interpersonales: bien por cuestiones de sexo, bien por cuestiones de estamento. Y es que Lope puede que a algunos les suene antiguo,

demasiado clásico para los tiempos de inmediatez en los que nos movemos donde todo tiene que ser tecnológico y crítico. Pero el gran mérito de una persona como Lope, además de su gran talento, fue ser moderno y transgresor cuando España estaba dominada por la Inquisición. En esta comedia urbana, Lope recurre a la subversión de ciertos temas, como las jerarquías sociales y el honor, y vuelve a otorgar el papel predominante a las mujeres en la trama. Mujeres y criados, coproducida por la Fundación Siglo de Oro, el Teatro Español y Pentación Espectáculos estará en cartel durante el mes de mayo. Si quieren ver teatro de actualidad, si quieren redescubrir a Lope de Vega no se pierdan esta obra dirigida por Laurence Boswell y Rodrigo Arribas y llevada a cabo por una compañía especializada en obras del Siglo de Oro. Nadie mejor que ellos para hacerlo. Sergio Díaz

...digo Te Quiero, no sé si es verdad. A Jesús Cracio le van los malditos, esos genios incomprendidos que, aún habiendo tenido momentos de éxito, nunca han sido del todo bien ponderados o comprendidos. Quizás porque él mismo lo sea. Hace 20 años ya creó Los domingos matan más hombres que las bombas, un puzzle escénico formado por poemas inéditos de Ray Loriga, Quim Monzó, Max Aub, Baudelaire, Bukowsky, Sánchez Ferlosio, Ignacio Carrión y Moncho Alpuente. Casi nada... Ahora su puzzle se centra únicamente en Max Aub, una figura muy poco reconocida y representada en nuestro teatro. Sobre textos del escritor hispano-mexicano ha creado un collage cercano al cabaret literario (con un curioso y definitorio título) donde la música y la pintura estarán también muy presentes. Los genios malditos se reconocen entre sí con solo mirarse, ya que suelen frecuentar los mismos bares. Ahora podremos reencontrarnos con ellos en la Sala Max Aub de Las Naves del Español. Sergio Díaz

Tengo tantas personalidades que cuando...

FOTO: Sergio Parra

Del 14 de mayo al 14 de junio Matadero-Naves del Español

Lo tuyo y lo mío

Del 28 de mayo al 21 de junio Teatro Fernán Gómez

Llega un musical diferente al Teatro Fernán-Gómez en el que podrás disfrutar de los grandes éxitos musicales de siempre y muchos otros que no se han visto aún sobre un escenario. Canciones que nos llevan desde Rocío Jurado, Raphael o Ana Belén hasta Karina, Marisol, Mocedades, pasando por Mecano, Danza Invisible o Presuntos Implicados, para acabar con Chenoa y Shakira y hasta Delafé y las flores azules. Música para casi todos los gustos en un popurrí de 75 canciones que conforman la historia de una pareja (Karen Gutiérrez y Manuel Ramos) que nos irá cantando sobre la soledad, el subidón del enamoramiento, la estabilidad, los celos, las crisis... a ritmo de pop, rock, rancheras, coplas, salsa, y hasta música disco recordando lo más sublime y lo más friqui de la historia musical de nuestro país.

festivales

Marcos Abranches (Brasil)

Corpo sobre tela / Performance.

Inspirado por la vida y el trabajo de pintor irlandés Francis Bacon. Performance en la que el artista utiliza su propio cuerpo y los movimientos como ‘cepillo’ para crear imágenes abstractas a gran escala. Su gestualidad singular expresa dramatismo impregnado de colores y sensaciones. Sábado 6 Junio

Una mirada diferente Teatro Valle-Inclán. Del 29 de mayo al 7 junio

por David Hinarejos No es la iniciativa más comentada del proyecto de Ernesto Caballero para el Centro Dramático Nacional pero, sin duda, es la más comprometida y desde Godot, como en sus dos anteriores ediciones, la apoyamos dándole la máxima visibilidad. Porque de eso trata este festival, de mejorar la visibilidad y la inclusión de los artistas con discapacidad en la vida cultural. Y dársela como artistas que son y centrándonos en presentar los espectáculos de calidad de este año porque, además, no habría espacio suficiente en toda la revista para presentaros la filosofía y la gran labor que hay detrás de cada una de estas compañías. El CDN, a parte de la programación de espectáculos de compañías integradas y el fomento de nuevas producciones generadas por el certamen, ha creado un área de investigación y análisis que pretende por un lado capacitar al público general para comprender la diversidad y por otro capacitar a los profesionales de las artes escénicas para trabajar con artistas diferentes. En el marco de este evento la Fundación Universia, el CDN y el INAEM también han puesto en marcha el Programa de Becas Hefesto Fundación Universia-INAEM y el CDN ha llegado a un acuerdo con la FEAPS (Federación de organizaciones en favor de las personas con discapacidad intelectual) para tener en prácticas jóvenes con discapacidad intelectual durante el festival en producción y sala. cdn.mcu.es

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1. Robert Softley (Reino Unido) If These Spasms

Could Speak / Teatro. Un mo-

nólogo autobiográfico en clave de humor de Softley en el que recorremos con él su infancia, adolescencia y juventud y el camino que él mismo y su entorno han recorrido en torno a su discapacidad. 29 y 30 Mayo

2. Moments Arts (España)

Im-Perfectos / Danza. Reflexión

acerca de la imperfección humana, las dobles morales, los dobles ‘yos’, de lo perfecto a lo imperfecto, además de concienciar a la sociedad de la propia diversidad y que tenga otra concepción de un hecho social en el cual convivimos diariamente. 5 Junio

3. Teatro Lafauna (España) De Las Manos / Títeres

(+12 años). Carlos Cazalillanos presenta esta historia enclavada en un psiquiátrico que nos habla

del encierro, de la vigilancia, del control y de la manera de escapar de todo esto. 31 Mayo

nales y cuatro pantallas de vídeo para imágenes que refuerzan el contenido. 30 y 31 Mayo

4. El Tinglao (España)

6. El Grito (España)

cabaret conformado por distintas escenas, piezas más coreográficas, musicales o textuales, todo girando alrededor de lo diferente, de lo friki que conforma nuestra sociedad y que convive con lo normalizado sin conseguir encontrar su hueco, o encontrándolo por no querer entrar en ‘el camino recto’. Domingo 7 Junio

Ramón arrastra a Laura, su nueva víctima, hasta un sótano. Ramón coqueteará con la vida y la muerte, proponiendo a Laura un infantil juego que nos traslada a un paisaje sádico y, a la vez, cómico, donde la frágil línea entre la vida y la muerte, las relaciones de pareja y el maltrato son una constante. 6 y 7 Junio

5. Afonix (España) El Mundo De Irene / Familiar (+5 años).

Además, del 18 al 29 de Mayo tendrá lugar el Taller De Investigación ‘Desde el lugar inesperado’ y el 4 de junio será el turno de la exhibición en espacios no convencionales del CDN de trabajos realizados por compañías emergentes integradas a las que se les invita a preparar propuestas específicas, de pequeño formato y breves.

Frikis / Danza-Teatro. Es un

Uno de los primeros espectáculos accesibles en lengua de signos española que habla de los valores, sentimientos, ambiciones, la muerte, la homosexualidad o la autoestima. Temas poco habituales en este tipo de espectáculos. Eminentemente musical, cuenta con instrumentos poco convencio-

Signos Encadenados / Teatro.

festivales

Titirimundi

Circolmedo

Del 13 al 17 de mayo

Del 8 al 10 de mayo El festival de la localidad vallisoletana de Olmedo acogerá cinco espectáculos, una escuela, un cabaré y una Gran Gala de Circo. Mástil chino, malabares, monociclo, música en vivo, humor gestual, clown o acrobacias se disfrutarán durante una muestra que recoge desde propuestas clásicas hasta las más contemporáneas. Por su parte, la Gran Gala reunirá a ocho artistas que intentarán el ‘más difícil todavía’.

Miles de personas disfrutarán de 335 sesiones de títeres, 234 en Segovia capital, una ciudad que durante 5 intensos días albergará uno de los festivales europeos de títeres más sólidos e importantes del mundo y vivirá con él en la historia de cada rincón. Titirimundi en esta 29 edición también extenderá sus brazos a Ávila, Burgos, León, Salamanca, Valladolid, Zamora, Madrid, Toledo y Barañáin (Navarra). www.titirimundi.es

Toca Reírse

Festim

Del 2 al 30 de mayo

Mes de la risa en el Price con Toca Reírse: Clown y Humor para todos. Por segundo año consecutivo tiene lugar esta muestra de obras destinadas a públicos de todas las edades entre las que se encuentra ¡¡¡Greenkirikiií!!! de la mano de la compañía madrileña GreenChichón; Barolosolo con El tiempo de agua que ha viajado por todo el mundo; Disparate! una orquesta con tendencia al absurdo; y la obra Nómadas, un salto al vacío de Al Tran Trán y Swingdigentes. www.teatrocircoprice.es

Del 19 al 24 de mayo

Impromadrid Teatro pone sobre las tablas el Festival de Improvisación más importante de España, que llega a su sexta edición. Las ciudades elegidas para acogerla son: Madrid en los Teatros del Canal, Sintra y Barcelona. El público volverá a ser el protagonista y cómplice de estos espectáculos improvisados donde cada función es única e irrepetible. Habrá espectáculos individuales y colectivos y combates entre las compañías que quieran alzarse con un ¡jamón ibérico! www.teatroscanal.com

PLAYLIST 22

El Intérprete

Asier Etxeandía

“Jugar a ser estrellas para que no todo sea tan duro. Y nada más. Ese es el mensaje” por Álvaro Vicente El Intérprete es un show músico-teatral en el que Asier Etxeandía repasa su vida a través de las canciones que fueron importantes para él desde que, siendo niño, encerrado en su habitación, jugaba a actuar para sus amigos invisibles. Él mismo nos cuenta qué historias hay detrás de algunos temas de la playlist del espectáculo. El cantante (Héctor Lavoe) Esta canción no pertenece a mi infancia, pero cuando conocí a Tao Gutiérrez, mi socio y director musical del montaje, gran amante de la salsa, me introdujo en este género y descubrí a Héctor Lavoe y esta canción me venía perfecta para abrir el show, porque me sentía identificado con cada palabra de la letra. Bilbao Song (Kurt Weill) Me flipa el hecho de que Kurt Weill escribiera esta canción en 1929 ya con nostalgia de un Bilbao canalla, de una ciudad portuaria llena de putas, marineros, alcohol... Bilbao en realidad siempre ha sido así, aunque haya querido ser pija. Bilbao es punki y eso me gusta. Volver (Carlos Gardel) Era la canción favorita de mis dos abuelos. El tango estaba en mi familia muy instalado. Pero no quería hacer la canción entera y creo que el mejor hallazgo de Volver es haberlo juntado con Psycho Killer de Talking heads, para mí es una sola canción. Vuelvo y me vuelvo loco.

Candy (Iggy Pop) Esta sólo la hago cuando viene Nawja Nimri a cantar conmigo. Hit or miss (Odetta) Like a virgin (Madonna) Amor... amar (Camilo Sesto) Me and Bobby McGee (Janis Joplin) Con estas cuatro canciones hago un ‘medley’ en el que aprovecho para cantar lo que yo escuchaba mezclado con la música de mis padres, la que llevaban en el coche, que siempre andabas cambiando, y todo eso forma parte de mi religión que es la música. Por eso me gustaban tanto las músicas negras como la Pantoja que ponía mi madre, como Madonna, que me volvía loco de pequeño, me parecía la diosa más guapa del mundo, y de repente mi padre con Camilo Sesto, hasta llegar a lo que escuchaba cuando me fui de casa de mis padres con 18 años: Janis Joplin, Led Zeppelin, Frank Zappa...

Rock ‘n’ roll suicide (David Bowie) Bueno, yo es que hubiese hecho todo el show con Bowie, de arriba a abajo, porque soy fan de Bowie en todo, me I’ll never fall in love again (Tom Jones) parece un gran mensaje en sí mismo para el Esta era una de las favouniverso, o sea, seamos maravillosos hasta ritas de mi padre, la esSe cierra el círculo. El Inel final. Yo escucho esta canción y digo: cuchaba continuamente térprete vuelve a Madrid dos joder, no estoy solo. y siempre decía: buah, años y pico después de su cómo canta este tío. Y Luz de luna (Chavela Vargas) yo siempre quise cantar estreno y de recorrer todos Esta está íntimamente ligada a mi madre. como Tom Jones para los rincones del país con Cuando mi madre murió a mí se me apagó dejar flipado un día a enorme éxito algo, para siempre... Y cada vez que la mi padre. Pero nunca canto atraigo la imagen de mi madre. me atreví a cantársela, Del 8 al 23 de mayo así que se la dedico en Teatro Compac Gran Vía Sympathy for the devil (Rolling Stones) el show. Viniendo del ‘power’ del Sinnerman de Nina Simone, cerramos el show con los Rolling Walk on the wild side y todo el público se vuelve loco, tengan la edad que (Lou Reed) tengan. Todo el mundo quiere ser Mick Jagger, ¿no? Y Tiene una letra tan maravillosa, con ese punto canalla... después de haber puesto verde a la religión, seamos me parece un evangelio del lado salvaje, la biblia del satánicos. Yo tengo mucha simpatía por el diablo. ser humano, de lo que somos realmente.

estrenos

El jardín de los cerezos ser humano. El tiempo envuelve a los personajes Esta es es la última obra de Anton Chéjov. Es una de esta obra en una abúlica realidad, paralizados de sus piezas más emblemáticas y en la que vuelve entre un pasado que se desmorona y un futuro a centrarse en la Rusia de la transición política de incierto. Este jardín no evoca sólo la nostalgia finales del siglo XIX y principios del XX donde se por un pasado idealizado e irrecuperable sino están sucediendo cambios radicales en el orden que encierra fantasmas, miedos y frustraciones socio-político, y donde la aristocracia tradicional atávicas, escritas en el ADN de la se va deteriorando con raza humana. el levantamiento del proEl gran Ángel GutiéEl hombre ve tambalear su propia letariado urbano. Anton rrez, uno de los grandes existencia cuando contempla que Chéjov hijo de una familia conocedores de la obra de su universo se desploma y que sus humilde, vive esta metaChéjov, dirige una de sus ansias de plenitud y de vida se ven morfosis social, cultural seriamente amenazadas. El hombre y política en sus propias obras emblemáticas tiene miedo al sentir que las hojas carnes. Por ello, la mayor del cerezo no serán blancas nunca parte de sus textos tratan Del 8 al 24 de mayo más... los temas relacionados Teatro Valle-Inclán El hogar y cómo se establecen las con esta época que tanto relaciones entre los personajes le marcó. Y si hay alguien terminan por crear una sensación que conoce la obra y la claustrofóbica. El público se identifica fácilmente personalidad del autor ruso (y de la idiosincrasia con estos hombres y mujeres, que, independienterusa en general) es Ángel Gutiérrez, un hombre mente de su estrato social, esconden algún tipo de que lleva más de 30 años difundiendo la cultura frustración o fracaso. teatral en nuestra ciudad y que fundó el Teatro de Esta obra puede parecer en apariencia inocua e Cámara Chéjov. Cuenta con un gran reparto y insulsa pero en el fondo quizás esconda el verdaun escenario inigualable para dirigir y dar vida a dero secreto de nuestra existencia... por eso no esta obra que oculta tras su belleza y fragilidad deja nunca de reponerse. Sergio Díaz exterior, la más trágica realidad que atenaza al

REPORTAJE

Daisy “Las palabras son débiles cuantos más sinónimos presentan y son rotundas cuando casi no tienen semejantes ni semejanzas”.

FOTOS: Christian Berthelot

por Álvaro Vicente Te escribí: para esta noche he comprado un centollo y cenaremos centollo, y tú respondiste :) Cuando me propuse ir quitando de la agenda a todo aquel que alguna vez me respondiese con un :) tuve que echar marcha atrás y darle a la opción de no guardar los cambios, porque me quedaba con la agenda vacía”.

El autor y director Rodrigo García no pasará a la historia del arte español ni por una cosa ni por la otra, porque no hay historia todavía para los creadores escénicos que borran los Paradoja y mala fe límites entre disciplinas, no Lo dice una crítica de Le aquí al menos, que o eres Monde: “una vez más, el actor de saga o aspirante Rodrigo García vuelve con autor y director de 49 años a la colección teatral de otro de sus controvertidos desarrolla un talento único Cátedra o nunca ocuparás montajes dentro del Festien el manejo de la paradoja, un eslabón en la historia val de Otoño a Primavera de la mala fe, de la verdad y oficial. Los creadores como de la imprecación”. La miraRodrigo García son tan efída de Rodrigo García sobre meros como el teatro mismo, el mundo en el que vive pero dejan tal impronta que Del 29 al 31 de mayo Teatros del Canal transforma este en un monsson capaces de inaugurar truo entre grotesco y aterrapoéticas nuevas que se diludor, que lo mismo da risa yen en sus sucesores. Otro que miedo. De su mirada fragmento de Daisy: brota la poesía, tierna, desnuda y rabiosa con las estupideces del común cotidiano. En Daisy “Te escribí sobre un grabado de Rembrandt y me hay rituales de la masonería de la cucaracha, respondiste :)

hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas que interpreta a Beethoven. Hay dos ejecutantes que son como dos viejas zapatillas de ballet para la bailarina, seguras y cómodas, que son una sola cosa cuando tienen el pie dentro. Juan Loriente y Gonzalo Cunill son a la vez

Gonzalo Cunill y Juan Loriente ejecutan una partitura de poesía desnuda y rabiosa contra el común cotidiano musas y performers, bailarines y cómplices de la rabia de García. “Terror es una palabra débil, presenta demasiados sinónimos. Luna es una palabra eterna, es difícil encontrarle más de un sinónimo y ninguno significa lo que significa Luna. Mientras me esfuerzo en buscar las palabras adecuadas para escribir por ejemplo un mensaje en el Iphone, para mi sorpresa, veo cómo mi interlocutor decide cagarse en el lenguaje, pasarse el lenguaje por el forro de las pelotas y reducir su capacidad expresiva a un triste y lastimero :)” El teatro-lefa de Rodrigo García es cada vez más teatro-seso. El teatro-salivazo es cada vez más teatro-sangre. El teatro-punk es cada vez más teatro-clásico. Porque los 90 son el siglo pasado, añorado por su ingenuidad. En España hubo una revolución teatral en los 90 silenciada y menospreciada vaya usted a saber por qué. Rodrigo García fue uno de sus protagonistas. Él ha tenido la suerte que otros no tuvieron, la suerte francesa. Y hoy sigue siendo un raro, el clásico raro, sin sinónimo posible. “Un simbolito de mierda que no tiene nada de ingenioso y que manifiesta la incapacidad lingüística y la debilidad mental del imbécil o la imbécil que, en vez de barajar significados hasta dar con el adecuado, reduce el poder de una cultura ancestral a un :)”

la visual

Amaluna Amaluna es una fusión de las palabras ama, que significa ‘madre’ en muchos idiomas, y luna, símbolo de la feminidad que evoca tanto la relación entre madre e hija como la idea de diosa y protectora del planeta. El nuevo espectáculo itinerante del mágico Cirque du Soleil es un tributo al trabajo y la voz de las mujeres. Amaluna es también el nombre de la isla misteriosa donde transcurre la historia. Una isla gobernada por diosas y guiada por los ciclos de la luna. Su reina, Próspera, dirige la ceremonia de la mayoría de edad de su hija en un rito que honra la femineidad, la renovación, el renacimiento y el equilibrio, y que marca la transmisión de estos conocimientos y valores de una generación a la siguiente. Una ceremonia llena de magia, malabarismo, danza y acrobacias que nos trasladará a un bello universo impreganado de belleza y sabiduría femenina. Escenario Puerta del Ángel. Del 6 de mayo al 21 de junio

estrenos

Crímenes de andar por casa obsesionada por las películas de acción planean Ya lo sabemos por las buenas pelis de miedo: las hissecuestrar al vecino del chalet adosado de la esquina. torias que más nos aterrorizan son las más cotidianas, Conversaciones cotidianas mezcladas con tópicos del las que nuestro inconsciente entiende que nos pueden género policiaco. Nadie es quien parece ser... ¿o sí? pasar a nosotros en cualquier momento. Si a eso se le Por otro lado, Silvia de Pé, Antonia Paso, añade un factor determiJulián Ortega y Nacho Rubio interpretan nante de humor negro, Con textos de Daniel Maté a un tipo, donde una familia de clase tenemos el cóctel perfecto Dalmaroni y dirección de media ve alterada su rutina cuando el para la diversión. Los CríAlberto Castrillo-Ferrer, se padre revela que, como dice el título, ha menes de andar por casa matado a un tipo. El caso es que la cosa son historias cotidianas presentan estos thrillers se repite, hasta que la familia termina por que podrían ocurrir en el para descuartizarse de risa verlo normal. Pero todo cambiará con la salón de cualquier familia llegada de Cubelles, un psicólogo que de clase media. El montaje Hasta el 27 de junio viene decidido a hacer terapia familiar. Los está conformado por dos Teatro Pequeño Gran Vía textos son del dramaturgo, guionista, nacomedias negras, pero la rrador, director y docente argentino Daniel idea es que sean las primeDalmaroni. Castrillo-Ferrer se los ha traído ras de una serie de thrillers para seguir hurdiendo buen teatro con la compañía que despellejen como sólo el teatro puede hacerlo los El gato negro, con la que ya estrenó ambos textos en miedos y las glorias del alma humana. Con vocación la tristemente desaparecida sala El sol de York bajó el de convertirse en referentes, un equipo comandado título Los menudillos. Nos consta que hay mucho amor por Alberto Castrillo-Ferrer, se pone manos a la obra. en este trabajo y un gran compromiso de un grupo de En esta primera tentativa podemos ver, por un lado, actores que, si vieran la lista de proyectos en los que Una de espías (con Patricia Estremera, Laura Gómezestán involucrados además de este, caerían de culo Lacueva, Nacho Rubio y Julián Ortega). Se trata de como le pasó a servidor. ¡Valientes! Á. Vicente una comedia trepidante en la que una joven pareja

estrenos

Los invitados cierran temporada en la CNTC

Celestina, la Tragicomedia Del 14 al 17 de mayo Teatro Pavón

Teatro del Corsario, una compañía con más de 30 años de trayectoria, llega al Teatro Pavón con una de las más apasionantes obras de Calderón dirigida por Jesús Peña. Escrita a mediados del siglo XVII, la obra cuenta la historia de don Gutierre, un hombre obsesionado con la sospecha del amor entre su esposa Mencía y el hermano del rey, el infante don Enrique. Para que el supuesto adulterio no se haga público, don Gutierre decide ser el ‘médico de su honra’ y llevar a cabo un diabólico plan. La obra es una tragedia de mujeres en un mundo dominado por los hombres y nos muestra las múltiples caras de esa sociedad machista que hemos heredado y que aún seguimos sin enterrar.

El médico de su honra Del 7 al 10 de mayo Teatro Pavón

Atalaya será la compañía invitada para cerrar la temporada 14/15 del Teatro Pavón. Este espectáculo pondrá el broche de oro a la programación de dicho espacio escénico, ya que la Compañía Nacional de Teatro Clásico se trasladará al Teatro de la Comedia, su verdadero hogar, a partir de septiembre. El montaje es una adaptación de Ricardo Iniesta de la obra La Celestina de Fernando de Rojas. Atalaya ha recorrido treinta años buscando las claves del lenguaje de esta obra inmortal. Se trata de una apuesta coral donde los actores omnipresentes transforman el espacio escénico, cantan en directo emotivas melodías balcánicas y eslavas y, por encima de todo, en el espectáculo sobrevuelan la magia y la ferocidad de uno de los más grandes personajes del teatro universal, una celestina laica, blasfema y libertaria a la que da vida de forma genial Carmen Gallardo. Para decir adiós por todo lo alto.

entrevista

Pilar Massa “A los cincuentones nos pasan muchas cosas” Para quien no esté puesto en el teatro británico contemporáneo, ¿quién es David Harrower y por qué has elegido una obra suya? Bueno, a mí es que me gusta mucho el teatro inglés y este hombre es muy famoso allí, de la quinta de Mike Bartlet y compañía, los niños mimados del Royal Court. Esta función se estrenó allí y luego en el Festival de Edimburgo, y fue un bombazo. Tuve en la mano otra obra suya muy famosa, Cuchillos en gallinas, pero esta me interesó más, porque yo quería contar cosas de cincuentones, que parece que sólo a los treintañeros les pasan cosas y no, a los cincuentones nos pasan muchas cosas y muy gordas además. ¿Qué les pasa a los cincuentones de esta obra? Pues es la historia de dos hermanos, Athol, que hace José Vicente Moirón, y Morna, que soy yo. Dos hermanos de entre 47 y 50 años que cuando tenían 18 más o menos, a uno le gustaba U2 y al otro le apasionaba Simple Minds, con eso te lo digo todo. Son dos hermanos que apenas se hablan y eso es lo que más me gustó de la obra. Una crítica inglesa lo resumió muy bien: “la función habla de la difícil conexión familiar a pesar de la sangre, casi como un milagro”. Parece ser que durante la función los personajes no hablan entre sí y que hay muy poca acción... Prácticamente ninguna. Y sí, los personajes hablan pero no hay diálogo. Esto es muy atractivo: un tío escribe una obra con una carpintería teatral perfecta a base de monólogos. Y además, los personajes le cuentan la historia a un oyente imaginario, no al público. Cada uno cuenta la historia de lo que pasa entre un miércoles y un sábado, partiendo él de los atentados del aeropuerto de Glasgow de 2007 y yo de la fiesta de cumpleaños de mi hijo. Esas historias se van cruzando y nos van dibujando. Tiene algo de testimonio. ¿Tú eres la de U2 o la de Simple Minds? Yo soy la de U2, hago de vieja rockera... ¡y yo no soy nada rockera! Me he pasado todo el proceso de montaje escuchando U2 a todas horas, me salía ya por las orejas. Pero es lo que quiero como artista, igual quiero contar un cuento de Poe que hacer esto, para no hacerme vaga en la interpretación, para que ni yo misma ni nadie me encasille. Álvaro Vicente

Una maravillosa acumulación de intrigantes detalles cotidianos. Así presenta Algo en el aire, obra del escocés David Harrower, que ella dirige Lunes de mayo Teatro Lara

estrenos

El teatro es el oxígeno que alimenta sus células. El teatro recorre sus arterias y les insufla vida, como hace el agua por los canales de Venecia. Venezia Teatro es una joven compañía formada por gente que adora la palabra y la comunicación escénica. Gente que habla un lenguaje sin artificios y que busca trasladar emociones puras al espectador. Así lo hacen en sus montajes. De momento llevan tres y en todos ellos nos han dejado un sabor de boca refrescante, como el que deja un buen zumo de frutas cuando despiertas. Su última propuesta fue Los desvaríos del veraneo, estrenada con gran aceptación en el Fringe 2014. El segundo montaje, La isla de los esclavos, cosechó mucho éxito en su paso por Madrid. Y la propuesta con la que se lanzaron a mar abierto fue esta que llega de nuevo a nuestra ciudad. La Hostería de la Posta comenzó como un ejercicio de estilo para una asignatura de la RESAD. Ese primer esbozo les llevó un mes al Teatro Fernán Gómez, a girar por España y a terminar en el festival de Almagro. Ahora llegan al Lara. El texto de Carlo Goldoni es una obra divertida, ágil y llena de juegos escénicos que Venezia Teatro ejecuta a la perfección, fomentando la participación de los espectadores y el desarrollo de su pensamiento crítico. El ejercicio inicial les ha salido de sobresaliente a esta joven compañía con mucho futuro por delante. Sergio Díaz

La Hostería de la Posta

FOTO: Marta Cofrade

Martes de mayo Teatro Lara

Famélica

Desde el 21 de mayo Teatro Lara

Juan Mayorga ha escrito esta obra para la compañía La Cantera Exploraciones Teatrales. Nieve de Medina, Juanma Díez, Xoel Fernández y Rulo Pardo interpretan la pieza, dirigida por Jorge Sánchez, acerca de lo que temes y deseas y ocultas cada mañana cuando ves ante ti las puertas del edificio corporativo. En tu trabajo has de ser ante todo feliz... o al menos parecerlo. Esas pequeñas mentiras que cada día nos contamos a nosotros mismos y a los demás para avanzar, son las mismas mentiras que los demás se cuentan a sí mismos y a nosotros. Son esas mentiras las que conforman nuestra sociedad. Las mentiras que se han apoderado de nuestro alma y nos dejan famélicos.

HASTA EL 7 DE JUNIO DE 2015

VALENTIJN DHAENENS / SKAGEN Y RICHARD JORDAN PRODUCTIONS

BIGMOUTH 7|8|9 MAYO|TEATRO DEL BARRIO

RODRIGO GARCÍA

DAISY

29|30|31 MAYO|TEATROS DEL CANAL

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4|5|6|7 JUNIO|TEATROS DEL CANAL www.madrid.org/fop facebook.com/CulturaComunidadMadrid #FestOtoño GODOT 162X230 GENERICO.indd 1

WWW.TEATRODELBARRIO.COM

15/04/15 15:15

entrevista

Juan Pastor “¿Qué pasa cuando muere el compañero de toda una vida?” Para quien no la conozca, ¿quién es Joan Didion? Pues como pasa con mucha gente, Joan Didion aquí no la conoce nadie pero fuera de España es muy conocida. Es periodista, contemporánea de Tom Wolfe, novelista, guionista, sobre todo guionista, porque junto a su marido John G. Dunne es autora por ejemplo de Íntimo y personal o Ha nacido una estrella y otras muchas películas de Hollywood, algunas muy buenas y otras muy malas. Pero sobre todo es más conocida últimamente por haber ganado el National Book Award, en 2005, con esta obra, The year of the magical thinking. Pero no es teatro originalmente, ¿no? No, no, pero se hizo tan famoso que una productora le propuso una adaptación para teatro en forma de monólogo que le encargaron al autor inglés David Hare. Se estrenó primero en Nueva York, en 2007, protagonizada por Vanessa Redgrave, y después estuvo en el National de Londres hace un par de años. La historia nació de una experiencia muy personal, porque los hechos son reales. Su marido, con el que llevaba conviviendo y trabajando muchos años, muere repentinamente, mientras su hija estaba ingresada en coma. A raíz de esa experiencia ella escribe el libro, reconocido unánimemente por todo el mundo. Meses después de publicarlo, su hija muere también. La propuesta teatral viene después de este segundo acontecimiento.

El veterano director aborda, con Jeannine Mestre como protagonista, El año del pensamiento mágico, el best seller de Joan Didion Del 6 de mayo al 14 de junio Teatro Español

¿A qué se refiere exactamente el título de la obra? En ese año fatídico, surgen en ella cosas especiales, por decirlo de algún modo, cosas “mágicas”. Y habla de esa experiencia. Habría que empezar definiendo el “pensamiento mágico”, que yo creo que es una especie de actitud mental que nos hace tener un sentimiento de que controlamos un poco los acontecimientos venideros. Es algo que ya está en las culturas primitivas, una especie de raciocinio causal, provocado siempre por una experiencia muy fuerte, y eso nos hace tener esa actitud mental con la que nos sentimos convencidos de que podemos tener unos poderes para cambiar el porvenir. Si yo guardo los zapatos de mi marido muerto, mi marido volverá... ese sentimiento tan fuerte, sobre todo cuando se trata de alguien muy querido. La obra básicamente reflexiona sobre cómo cambia la vida cuando falta ese alguien de repente, y lo más sorprendente es que lo hace con mucho humor. Álvaro Vicente Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com

CRÍTICAS

Crituits

Crítica: La sesión ﬁnal de Freud Teatro Fígaro Por Alvaro Vicente

Freud vs. Dios Mientras la barbarie asola Europa, Sigmund Freud se refugia entre libros y reproducciones de figuras divinas de la Antigüedad, librando su particular guerra contra el dolor y la incomodidad de un cáncer instalado en su boca. No debe hablar, no debe fumar, pero no obedece ninguna de las dos prescripciones. Se diría que su inagotable río de pensamiento necesita tanto de fumar como de hablar para seguir manando y discurrir hasta un mar de certezas más o menos científicas. Entre cabreado con su declive físico y preocupado por el declive moral de la Europa que desemboca en la Segunda Guerra Mundial, recibe la visita de otro eminente intelectual de la época, C.S. Lewis, que llega con aires de discípulo pero que poco a poco va ganando estatura hasta poder discutir mirándose en el reflejo de los ojos de su interlocutor. El momento histórico es el más adecuado para depositar la fe en el hombre o fuera de él. La primera es la posición de Freud, que en manos del siempre magnífico Helio Pedregal, va de la tozudez al sarcasmo, del miedo animal al nihilismo más racional. La segunda es la posición de Dios, de su existencia, de su omnipotencia, de su maná salvador, de su esperanza. Eleazar Ortiz maneja con aplomo lo que para un ateo es insostenible. Es un Madrid-Barça de alto pensamiento arbitrado con pulcritud por Tamzin Townsend, donde de todas formas es difícil salir vistiendo la camiseta contraria. Pero es un placer ver y escuchar a estos dos grandes actores poniendo voz y cuerpo a dos grandes intelectuales. Eso sí, esa escenografía corpórea y llena de detalles es un acompañamiento sensacional, pero a todas luces innecesario. Aunque cierto es que los escenógrafos también tienen que comer, ¿no?

Crítica: Antígona / Medea / Edipo Rey Teatro de La Abadía Por Álvaro Vicente

Tragedias en claroscuro La trilogía trágica con la que se ha estrenado el Teatro de la Ciudad, el proyecto conjunto de los directores Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol (con residencia en La Abadía) ha levantado gran expectación. Para mí, de momento (escribo esto tras ver la primera función de cada una de las tres obras), la expectativa se cumple a un 70-80%. No está mal, ¿no? En común, los tres montajes tienen un aparato escenográfico sobrio y una apuesta plástica donde reinan el claroscuro y el negro como color fundamental. Es de fácil asociación: tragedia y oscuridad. Es, sobre todo, un soberbio trabajo de iluminación en los tres casos. En común también la poda, el ejercicio de concisión, la concreción y síntesis de los acontecimientos que hace que ninguna de las tres se vaya mucho más allá de la hora de duración. A partir de ahí, cada director ha cocinado sus ingredientes de forma autónoma y muy distinta unos de otros. Sin duda, la más sorprendente y arriesgada es la preparación de Alfredo Sanzol sobre el Edipo Rey de Sófocles, que ha optado por un montaje estático donde el protagonista absoluto

es el actor (y la actriz) y, con él, la palabra, el texto, la historia, los acontecimientos y sus consecuencias. Sencilla y eficaz, la propuesta haría aguas si la energía y compromiso de los cinco intérpretes decayera mínimamente, con lo que la exigencia es brutal. Muy bien todos, especialmente Paco Déniz como Creonte y Elena González como Tiresias. En las antípodas está Medea, como montaje, en el que Andrés Lima pone una nueva piedra en su camino hacia un teatro más plástico, más de impacto visual, donde los ejecutantes pasan a segundo plano. El arranque es impresionante y el acompañamiento musical de gran hermosura, pero el propio Lima en escena esFOTO: Luis Castilla torba, podría prescindirse perfectamente de esto. Antígona, finalmente, está concebida de una forma mucho más coral. A medio camino entre las otras dos tragedias, ofrece un trabajo actoral de gran altura (Carmen Machi insuperable y Manuela Paso casi a su altura) y unos hallazgos escenográficos de impactante belleza. ¿Pegas? Demasiado gritado a veces, tanto que se pierden significados, y propuestas para el coro que no termino de entender.

Las más valoradas en www.escenagodot.com a 27 de abril

cómicos

150 risas garantizadas Parece que fue ayer cuando Carlos Latre se convertía en un artista popular de la mano de Javier Sardá y sus Crónicas Marcianas. Entraba de madrugaba en nuestras casas y nos robaba horas de sueño con sus imitaciones casi perfectas de personajes como La Pitonisa Lola, Torrente, Juan Carlos I o Cayetana de Alba. Poco a poco su nombre nos fue sonando a todos y se convirtió en uno de los mejores imitadores de este país... si no en el mejor. Pero ya han pasado unos cuantos años desde aquellas madrugadas, concretamente 15, y en todo este tiempo le hemos visto protagonizando numerosos espectáculos teatrales, presentando programas de televisión, actuando en películas, como actor de doblaje y colaborando en la radio (el medio en el que realmente se inició a finales de los 90). Y todo esto lo ha conseguido con su voz. Con su voz, con trabajo duro y con mucho morro, todo hay que decirlo, pero lo que está claro es que Latre ha conseguido granjearse la simpatía del público en este tiempo.

El conocido humorista celebra sus 15 de años de profesión con un show espectacular en el que dará vida a 150 personajes

Un show espectacular

El imitador castellonense ha querido celebrar sus 15 años en el mundo del espectáculo con un fantástico montaje. Bajo el título de 15 años no es nada, Latre nos propone un Hasta el 31 de mayo show cercano y muy divertido. Teatro Compac Gran Vía El actor ha confeccionado este ‘one-man-show’ revisando todos los referentes obtenidos a lo largo de su carrera y va a juntar, por primera vez en un teatro, a 150 personajes en escena. Todo un regalo para nuestros oídos y un suplicio para nuestra mandíbula porque al menos nos reiremos 150 veces en el tiempo que dura este show. Sus imitaciones, que siempre hacen gala de un gran sentido del humor, estarán salpicadas de música y comentarios ácidos sobre la más rabiosa actualidad. Sin duda Carlos Latre nos brinda durante el mes de mayo una celebración por todo lo alto. La ocasión lo merece. No se cumplen 15 años todos los días. Sergio Díaz

estrenos

Anthony Blake regresa a los escenarios con un espectáculo nunca visto. Blake se meterá en la piel del mítico Doctor Jekyll, en la de su alter ego Mr. Hyde y en la mente de los espectadores para dar forma a un espectáculo totalmente novedoso en el que se mezcla teatro, música e ilusionismo. El público descubrirá a un nuevo Blake, un nuevo concepto y la revisión más arriesgada e innovadora de cuantas se hayan producido de un clásico de la literatura. Jekyll y Hyde es el fruto de un trabajo, de un estudio, una búsqueda a la raíz de lo que hoy somos. Un espectáculo multidisciplinar con canciones originales, una gran puesta en escena, trucos de magia de gran formato y un Anthony Blake que se atreve por primera vez con un trabajo actoral sin renunciar a su sello de mentalista y la interactuación con el espectador. Todos estos elementos construyen una ópera mental sorprendente.

Nano Cabaret

Hasta el 11 de junio Teatro Alﬁl

Jekyll & Hyde

Del 8 de mayo al 14 de junio Teatro Nuevo Apolo

David Ottone de Yllana dirige este Cabaret alocado y musical, que gira entorno al mundo de la mujer y sus tribulaciones. Nano Cabaret es un espectáculo con canciones, humor y mucho sentimiento estructurado en forma de sketches. Cuenta con una docena de temas musicales cantados en directo, que van desde el jazz, la copla, el rap, el pop y el musical más clásico, salpicados de ingeniosos monólogos y situaciones delirantes, y con hueco hasta para la parodia de artistas de antaño. En Nano Cabaret se hace un divertido repaso a la situación de la mujer en nuestra sociedad a través del ingenio de la palabra y de la emoción que provoca la música. Está interpretado por Natalia Calderon, actriz, compositora y cantante de jazz; y por Maxi Mendia, actor y cantante, destacando su trabajo en el coro Gospel Funk Inside Voices (dirigido por la emblemática cantante Sheilah Cuffy). Juntos han puesto en pie un espectáculo con un ritmo trepidante, lleno de humor y buena música, hecho con la idea en entretener, emocionar y divertir. Las señas de identidad propias del Teatro Alfil.

en familia

Festival Musicuentos En su línea de seguir apostando por lenguajes teatrales nuevos, la programación de la Sala Tarambana dará mucha importancia a los Cuentos musicales y teatrales. Pretenden con este Festival que l@s niñ@s, desde muy temprana edad, se inicien y descubran estos mundos para entender, evolucionar, aprender y desarrollarse. En mayo y junio programarán 11 compañías diferentes. Veremos a Saltatium Teatro con Jorge el Valeroso (1 de mayo); De repente cachito de Chanleeclown (2 y 3 de mayo); El viaje de Remi de Crescendo sempre (9 y 10 de mayo); Las aventuras de Gasparina de Le Guignol Orthopedique (15 de mayo); Travesía tras la estrella traviesa, teatro para bebés de Cecilia Sanchez y Patricia Arroyo (16 y 17 de mayo); Colores viajeros de Cuentistas menudos (23 y 24 de mayo); Cocinando cuentos de Membrillo y mermelada (30 y 31 de mayo). Y ya en junio otros cuatro montajes. Chandra Creaciones nos ofrece Niyiko, el hada del Arco-Iris; Déjame que te cuente un cuento del Ballet Sensaciones; Shía, la princesa que quería hacer surf de Barlovento Teatro; y el festival finalizará con Los mitocuentos de Juan Expósito. Múltiples opciones para disfrutar con los más pequeños de la música y los cuentos. Toda la info en www. tarambana.net

Llega a Tarambana la IV edición de este Festival formado por espectáculos específicos de cuentos musicales y teatrales S, D y festivos de mayo y junio Sala Tarambana

El principito

Sábados y domingos de mayo Teatro Coﬁdis Alcázar

Un espectáculo creado por el reconocido bailarín y coreógrafo internacional José Tirado adaptado al lenguaje y sensibilidad de niñ@s a partir de 6 años y dotado de una forma teatral que se integra plenamente en la coreografía revelando la historia de El principito de Saint-Exupéry, ese extraordinario niño que, viniendo de

otro planeta, aparece en la tierra para cambiar la vida de un aviador. A través del baile, la música, el teatro y los audiovisuales, los niños encontrarán un mundo de sueños en el que sentir las emociones del descubrimiento de la vida dentro de su propio mundo, y el adulto se verá reflejado en los ojos de un niño.

lírica

Zarzuela en la Villa 2015 El primer Festival de zarzuela su interés y calidad, garanticen en formato de cámara, invita a poner a disposición del público compañías líricas de España, de Madrid un nuevo proyecto a presentar obras breves, hereescénico en este formato. Paralederas directas de la tradición tea- lamente a las representaciones se tral española, que con su éxito harán otras actividades cuyo obcontribuyen a la consolidación jetivo es seguir difundiendo este del género. Estas obras de pocos género tan nuestro. Los viernes personajes, de carácter cómico, importantes musicólogos comendenominadas en términos opetarán a modo de charla coloquio rísticos ‘zarzuelas de cámara’ algunos de los aspectos más imalcanzarían su mayor populariportantes de la zarzuela en este dad alternando con los millares formato y de los títulos que se de sainetes asociados al término representaran. Los sábados tras ‘género chico’. cada repreEn este primer sentación festival se habrá un Primer Festival de Zarzuepresentan El encuentro la en formato de cámara Barbero de del público en la que se presentan dos Sevilla y La con los arobras: El Barbero de Sevilla Gallina Ciega. tistas. Y los y La Gallina Ciega Este primer domingos Festival de habrá unos zarzuela en conciertos Del 7 al 31 de mayo formato de instrumenTeatro Fernán Gómez cámara que se tales con desarrollará selecciones en el Teatro originales Fernán Gómez durante el mes de de zarzuelas para sexteto con mayo, tiene por finalidad presenpiano por el Ensamble de Matar una serie de títulos, invitando drid. Una gran labor sin duda en a compañías líricas que, por favor de la Zarzuela.

La recuperación de esta zarzuela neoclásica supone un hito para el Teatro de la Zarzuela, pues ofrece por primera vez en su programación esta zarzuela en dos actos de Ramón de la Cruz, con música de Luigi Boccherini. Clementina es la única zarzuela compuesta por Boccherini y una de sus pocas obras destinadas al teatro y fue un encargo al músico por parte de su mecenas Faustina Téllez Girón, condesa-duquesa de Benavente, y refleja el papel que los miembros de la nobleza española jugaron en la difusión del teatro musical en la España del siglo XVIII. Ahora se presenta en una bella y efectiva escenografía creada por Juan Sanz y Miguel Ángel Coso, componentes de Escena Antiqua. Esta producción de Mario Gas y Andrea Marcon nos permite comprender mejor la forma de teatro musical burgués y costumbrista de finales del siglo XVIII. Una flor única de la ilustración española que ha sido recuperada para la escena del siglo XXI. A buen seguro la propuesta significará una interesante sorpresa para el público madrileño.

Clementina

Del 6 al 16 de mayo Teatro de la Zarzuela

lirica

Manuel García, uno de los más grandes tenores de todos los tiempos, para quien Rossini escribió El barbero de Sevilla, puso música en 1831 a L’isola disabitata (La isla desierta), una ópera de cámara para cuatro voces y acompañamiento de piano con un libreto basado en un texto del poeta Pietro Metastasio. Los Teatros del Canal presentan una versión de esta obra dirigida por Emilio Sagi, uno de los directores escénicos más importantes de la lírica española. L’isola disabitata narra la historia del secuestro del señor Gernando por unos piratas, dejando solas en una isla desierta a su esposa Constanza y a Silvia, hermana de ésta. Ambas mujeres desconocen el rapto y creen que han sido abandonadas. Las dos mujeres deben enfrentarse a una dura prueba de supervivencia. Pasan los años y Constanza, inconscientemente, no puede dejar de transmitir a su joven hermana sus sentimientos de odio hacia los hombres...

L’Isola Disabitata

13, 15 y 17 de mayo Teatros del Canal

Fidelio

Del 27 de mayo al 17 de junio Teatro Real

Quién mejor que el propio Beethoven para expresar sus sentimientos respecto a su única ópera, Fidelio (el Libreto es de Joseph von Sonnleithner), nacida a caballo entre las comedias domésticas del siglo XVIII y las grandes pasiones románticas que dominaron el resto del siglo XIX. En esta obra, que el compositor de Bonn consideraba “el hijo que me ha costado los peores dolores, el que me ha causado más penas; pero por ello también el más querido”, quintaesencia de su genio musical, la redención de un prisionero por la fidelidad y el valor de su esposa se transforma progresivamente, en lo dramático y musical, en un canto colectivo a la libertad y la esperanza del ser humano que recoge el ideario ilustrado de su autor. Y que se convierte, hoy más que nunca, tras un siglo XX que asistió a la muerte de las ideologías, en la utopía de aquellos que claman por esos mismos valores todavía por conquistar.

DANZA

Les Ballets Trockadero críticos del New Yorker, el New York Times o Dicen que si amas la danza, al menos una vez el Vogue se rendían ante ellos. El programa de en la vida debes verlos. Y si la odias, también. este espectáculo especial incluye, para empezar, Les Ballets Trockadero de Montecarlo, mítica el acto II de El lago de los cisnes de Tchaikovsky, compañía creada en Nueva York en los años sin duda su trabajo más representativo. Vendrá 70, lleva cuatro décadas paseando por el mundespués un Pas a deux todavía por concretar, do su peculiaridad, su estilo único y genuino, su al que le sigue Go for Barocco, con coreografía originalidad. La compañía está conformada sólo de Peter Anastos sobre música de Bach. Como por hombres, bailarines virtuosos capaces de enheredero del estilo de Balanchine Middle Blue, frentar cualquier pieza del repertorio clásico de este ballet fue el primero estilo ruso mayormente. Hombres en ser identificado por que se ponen en puntas para inLa mítica compañía neosu total frescura y su coterpretar a cisnes, sílfides, ninfas, yorkina, formada sólo por reografía sinfónica, que princesas y damas victorianas y hombres, está celebrando delineó la nueva danza que, lejos de ridiculizar, engraneste año su 40 aniversario clásica. Para finalizar, decen el espíritu de la danza clállegará la coreografía de sica. Eso sí, la comedia es parte Marius Petipa sobre Pafundamental en sus trabajos, en quita, de Ludwig Minkus. los que además de deleitar al Del 6 al 17 de mayo Un magnífico ejemplo de público, le hace reír. La compaTeatros del Canal estilo francés, exportado ñía hace parada en Madrid en a San Petersburgo a finala larga gira internacional con les del XIX. En definitiva, la que están celebrando su 40 una cita ineludible para amar más la danza, cumpleaños, 40 años desde que arrancaron en que en esta ocasión viene ejecutada con más el Off Broadway, de donde saltaron a los teatros testosterona que nunca. más prestigiosos del mundo a medida que los

danza

English National Ballet El English National Ballet regresa a Madrid tras A estas alturas, cuando reciban esta revista en el gran éxito de su gira Le Corsaire, para presus manos, lo más seguro es que las entradas sentar este aclamado programa -Lest We Forgetpara este espectáculo estarán más que agotadas. que se inspira en el Centenario de la Primera Es muy difícil conseguir una, allá donde va el Guerra Mundial. El programa triple lo compoEnglish National Ballet agota todo el papel casi nen No Man’s Land, de Liam Scarlett, coreógradesde el primer día que se tiene constancia de su fo clásico en alza, cuyo trabajo está siendo muy programación. Si no sirven estas letras para que solicitado en todo el mundo. También para este puedan ir a ver la obra (como sería nuestra inprograma del Centenario, George Williamson, tención desde un principio) esperemos que sirvan artista asociado de la para realzar y poner de relieve compañía, reestrena un nombre que todos los amantes Por segundo año el Ensu versión de 2012 de de las artes escénicas deberían glish National Ballet de Ta- Firebird (Pájaro de admirar: el de la gran bailarina mara Rojo regresa con un Fuego). Completa el y directora de ballet española programa triple de danza a triplete, Dust, de Akram Tamara Rojo. Khan, que recibió una Tamara dio sus primeros pasos de los Teatros del Canal clamorosa acogida tanto danza con Víctor Ullate, llegando por parte de la crítica a formar parte de su compañía Del 28 al 31 de mayo como del público en su (1991-1996). De 1997 al 2000 Teatros del Canal estreno. La música en alcanzó el estatus de bailarina directo correrá a cargo principal en el English National de la Orquesta Sinfónica Ballet y desde 2012 lo dirige. Verum. Apunten el nombre de este ballet (y el Sin duda un destino elevado y prestigioso para de Tamara Rojo) para que la próxima vez no les alguien que se lo merece y que lleva el nombre pille desprevenidos. Sergio Díaz de la danza aprendida aquí por todo el mundo.