Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Teatro Valle-Inclán
Del 20 de noviembre 2015
al 10 de enero 2016
LOS HERMANOS KARAMÁZOV de Fiódor Dostoievski Dirección Gerardo Vera Versión José Luis Collado
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Reparto (por orden alfabético) Juan Echanove Óscar de la Fuente Fernando Gil Markos Marín Antonio Medina Antonia Paso Marta Poveda Lucía Quintana Chema Ruiz Ferran Vilajosana Eugenio Villota Abel Vitón Escenografía Gerardo Vera Iluminación Juan Gómez-Cornejo Vestuario Alejandro Andújar Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Videoescena Álvaro Luna Síguenos en:
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
LOS CACIQUES
Teatro María Guerrero Del 9 de octubre al 22 de noviembre
de Carlos Arniches Dirección Ángel Fernández Montesinos Versión actualizada Juanjo Seoane Ángel F. Montesinos
Reparto (por orden alfabético) Víctor Anciones Marisol Ayuso Juan Calot Fernando Conde Óscar Hernández Alejandro Navamuel Elena Román Raúl Sanz Juan Jesús Valverde
Escenografía y vestuario Alfonso Barajas Iluminación Ángel F. Montesinos Videoescena Álvaro Luna
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Producción Siempre Teatro
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Teatro María Guerrero Sala de la Princesa
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Del 30 de octubre al 29 de noviembre
BANGKOK Texto y dirección Antonio Morcillo López
Reparto Dafnis Balduz Fernando Sansegundo
Coproducción Centro Dramático Nacional, La Villarroel y Grec 2015 Festival de Barcelona Síguenos en:
Escenografía Paco Azorín Vestuario Gimena González Busch Iluminación Kiko Planas Espacio sonoro Ramón Ciércoles Caracterización Toni Santos http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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44 46 palabra de nico guau noticias 24º Festival Don Quijote
portada 3 en Impro estrenos Un espíritu burlón
entrevista Arturo Querejeta
diario de ensayo Los hermanos Karamázov
reportaje Ciclo de Teatro Latinoamericano
reportaje Siempre me resistí a que terminara...
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danza Madrid en Danza
lírica La del Soto Parral estrenos Los nadadores nocturnos
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la visual Danzad Malditos
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estrenos La flaqueza del bolchevique
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estrenos Festival de Otoño a Primavera
reportaje El Público
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entrevista Ramón Barea
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EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Noviembre 2015
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@RevistaGodot
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PALABRA DE... nico guau
Generaciones de tristentos Una vez en la puerta de un teatro me encontré un señor con un sombrero. Siempre estaba allí, en la puerta de los teatros. Bueno, miento, estaba en algunos teatros. Sobre todo en los que programaban las nuevas corrientes de creación, nuevos autores, nuevas compañías, nuevos directores, nuevos retos. También en los que programaban, dentro del Festival de Otoño, espectáculos de danza. Y en el Circo Price, viendo circo y danza. Un día me dijo que a lo mejor estaba ya cansado del teatro de texto, porque se repetía, no había movimiento, y que por eso tal vez iba al Price, que estaba en una época en que prefería ver cuerpos en movimiento. Él me habló de una gente a la que denominaba ‘estreneros’ y a partir de entonces estudié la técnica de estos para entrar al teatro el día del estreno (y tuve cierto éxito). También me habló de muchas compañías de fuera de Madrid, como La Hongaresa o Teatro del Temple... Me prestó textos teatrales que se escribían en Latinoamérica y que no se podían encontrar en España. Gracias a él descubrí salas como
El canto de la Cabra o la Cuarta Pared. Y conocí a mucha gente que trabaja en teatro. Él una vez le dio mi nombre a una revista de teatro para que lo incluyeran en un listado de nuevos dramaturgos. Ahora paseo frente a mis estanterías y pienso: “este libro me lo regaló Pepe”, “esta revista la tengo por Pepe”. Y voy al teatro y pienso: “he leído esta obra antes de venir a verla porque Pepe me acostumbró a ello”. Y saludo a alguien en la puerta de un teatro y pienso: “Me lo presentó Pepe”. Hace un rato he hablado con una hija suya, y me ha nombrado la palabra que ha acuñado otro hijo de Pepe: “tristento”. Al instante he pensado que se trataba de una palabra chilena (Pepe Henríquez nació en Chile). Pero no, ella me ha explicado que es cierto que estamos tristes porque Pepe se ha ido, pero que también estamos contentos por todo lo que nos ha enseñado, por todo lo que nos ha descubierto. Y entonces, desde hace un rato, me he dado cuenta de que desde finales de agosto he visto en las puertas de los teatros varias generaciones de tristentos.
Texto de nico guau, dálmata extremeño. Ilustración de Nuria Enríquez Navarro
humor
Flora y Fauna de las Artes Escénicas
Butacas Reposaculis El suelo
La grada
La silla hipster-cutre
La butaca normal
El trono
El suelo Reposaculis lumbalgia
La butaca normal Reposaculis reposaculis
Propio de los espectáculos infantiles, sobre todo si son de calle, y también de algunos espectáculos modernos como ritos tarahumaras: así de modernos. Da un aire informal al ambiente y dolor de espalda a los mayores de seis años.
Es la que podemos encontrar en casi todos los teatros: desde salas mínimas hasta patios de butacas como estadios de fútbol. A cada lado, hay un reposabrazo -en singular: solo cabe uno- y si se mide más de 1’80 se está peor que en la clase turista low cost. Pero por lo demás, todo bien.
La silla hipster-cutre Reposaculis destrozaculis
La grada Reposaculis derramacopae Propia de los teatros más alternativos, es decir: salas pequeñas y de escasos recursos. Los espectadores acuden a ver frivolidades que versen sobre las relaciones de pareja, lo mal que va todo y reafirmaciones onanistas del yo. Se permite la entrada con bebidas. El de atrás, cuyos tobillos rozan tus riñones, acabará tirándote la copa.
Demasiado alta o demasiado baja, con respaldo muy pegado al filo o perdido en el horizonte, si es de tela, deshilachada, si es de cuero -falso-, con boquetes por los que el forro escapa… Huele raro. Propia de salas pequeñas donde la buena intención no supera al desatino de poner asientos incómodos con la esperanza de que sean originales, con mucha personalidad.
El trono Reposaculis gloriabenditae Asiento más placentero que el de una peluquería con una señorita haciéndote cosas en el pelo. Como uno vaya bien comido corre el riesgo de dar una cabezacita. Este tipo de asientos es extremadamente raro, se encuentra sobre todo en auditorios públicos de la época de los faraones.
Luis Felipe Blasco Vilches
Andrea Espier www.andreaespier.com
Andrea Espier Ilustración
@LuisFelipe_BV Sigue su blog en www.escenagodot.com/blogs_autor
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#elArtedelActor
Escuchar transforma La escucha es algo muy valorado en la vida y en esta profesión. Es de las primeras cosas que se aprende en la mayoría de las escuelas. Escuchar la escena, escuchar al compañero y escucharse a una misma para ver qué pasa y reaccionar de una manera orgánica, verosímil, real, como se le quiera llamar, pero que parezca coherente y lógica con la situación. Veo actores y actrices que se han hecho verdaderos amos de la escucha y se dejan penetrar por lo que ocurre alrededor, viviendo intensamente su respuesta a ello. Se dejan transformar por lo que reciben y muestran una reacción orgánica muy creíble. Sin embargo, creo que se ha utilizado mucho este concepto para nuestro propio ombligo, hemos conseguido pararnos a ver qué nos pasa con lo que nos dicen o hacen, y reaccionar en consecuencia, pero se ha perdido una parte importantísima de la escucha que tiene que ver con el otro. Escuchar no sólo -y nada menos- sirve para llenarme de información yo. Sirve para ver qué hay al otro lado, qué punto de vista diferente puede tener otra persona, qué circunstancias tiene o cómo se siente. Sabemos que gran parte de las terapias consiste en escuchar, porque sentirse escuchado ya nos transforma. Y de eso veo poco en los escenarios. Veo cómo nos alimentamos de los compañeros sin ser conscientes de que nosotros también somos su alimento, sin usar eso, en el mejor de los sentidos. La escucha tiene que ver también con saber qué tengo enfrente. Cómo voy a conseguir algo de alguien (mi objetivo, deseo, etc.) si no sé cómo está, ni qué le pasa, ni si está comprendiendo de qué le hablo. Cómo voy a hacerme entender si no sé en qué punto está mi pareja de escena. Es un difícil equilibrio entre la escucha de una y la del otro, pero solo jugando con todos los ingredientes, conseguiremos que nuestro hacer traspase. Si no conozco el terreno corro el peligro de hacerme daño: a la nieve con ropa térmica, a la playa en sandalias y bikini y al gimnasio con ropa deportiva. Pues lo mismo con las personas. Si no sé quién tengo enfrente, quizá no sirva de nada todo mi empeño en mostrarme. Escuchar también es VER a la otra persona al completo.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
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noticias
24º Festival Don Quijote
Más de 200 espectáculos procedentes de España y de América Latina y más de 85.000 espectadores han compartido la programación del Festival (Premio Max de la crítica en 2011) desde que se creó en 1992 en París para la difusión en versión original de la cartelera española y latinoamericana para seguir compartiendo las ilusiones y los imaginarios. En esta edición 2015 que se celebrará del 21 de noviembre al 6 de diciembre participarán 50 profesionales desplazados desde España y Bolivia para dar forma a una ecléctica programación (teatro, música y danza) que contará con la traducción y los subtítulos en francés de parte de las obras exhibidas. El espacio principal que acogerá la cita será el Café de la Danse donde se podrá ver Famélica de Juan Mayorga, Mar de Arístides Vargas, Juana, la reina… de Jesús Carazo, Ligeros de equipaje de Jesus Arbues, Nadadores nocturnos de Jose M. Mora, La Celestina de F. de Rojas y Solo son mujeres de Carmen Domingo. Mientras en el Théâtre de Belleville se verá Potestad de E. Paulovsky. Además, encuentros, lecturas y seminarios serán programados en el marco del festival. www.festivaldonquijote.com
XVI Salón Internacional del Libro Teatral Organizada por la Asociación de Autores de Teatro de España -que este año cumple 25 años-, vuelve la cita anual con el libro teatral que reúne unos 50 expositores entre editoriales, librerías, asociaciones, centros de documentación y entidades culturales. A su vez, durante el evento tendrán lugar el concurso de escritura Teatro Exprés, dramatizaciones, mesas redondas, debates, entregas de premios o encuentros de autores con traductores. Será en Matadero del 6 al 8 de noviembre y no olvidéis que EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE.
FESTIVAL ESCENA CERVANTES
La Sociedad Cervantina, con el apoyo del INAEM, presenta en Madrid el festival itinerante Escena Cervantes con una programación intensiva, del 6 al 8 de noviembre, donde se dan cita el microteatro, la impro, el teatro, la danza, los coloquios y la gastronomía. En la sede de la Sociedad Cervantina podremos
ver Don Quijote, una comedia gastronómica, Amarga Dulce, de la bailarina Paula Quintana, Jamming Classics, La Gitanilla y la pieza de microteatro Tipos de imprenta. Además, a diario habrá un coloquio con profesionales adeptos a Cervantes como Yayo Cáceres, Carmen Cortés, Alberto Conejero o María Velasco.
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Programaci贸n sujeta a cambios
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en portada
3 en impro por Álvaro Vicente e Irene L. Navarro “¡Ven a tirar peluches!” Atraídos por este reclamo, los espectadores acuden en masa cada viernes y cada sábado al Teatro Bellas Artes a pasárselo como enanos con un espectáculo Tercera temporada en el trepidante, con Bellas Artes del espectámucho ritmo y, culo de improvisación más sí, 300 pelufestivo y gamberro de la ches dispuestos cartelera a ser lanzados al escenario en cualquier Hasta el 9 de enero momento de la Teatro Bellas Artes representación. La compañía ImproImpar ha cuajado un montaje de impro con sello propio, un show que asegura la risa y que se presenta como una auténtica terapia antiestrés. Uno de los miembros de la compañía, Dani Jota, nos explica el mecanismo: “el público decide en todo momento gran parte de lo
que acontece, poniendo a los improvisadores en una situación de incertidumbre. Son diez juegos que vamos cambiando continuamente para que ninguna noche sea igual a la anterior. El espectáculo empieza con la entrada del público y acaba en las escaleras del teatro, todo ello amenizado por nuestro técnico-DJ.”
Un poco de historia
La compañía ImproImpar arranca en 2007 con un primer taller en la Universidad, “Cinco encuentros de Impro”. Un año después, sus componentes se empiezan a reunir para entrenar semanalmente haciendo Match de Improvisación, esas competiciones que unen el gaming deportivo con el teatro. “Después de la primera actuación en el Centro Cultural de Hortaleza”, rememora Jota, “se nos acercó gente a preguntar porque querían aprender eso que hacíamos y cada vez que actuábamos ocurría igual. Así empezó la
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compañía y también la escuela. Ahora hemos creado una pedagogía propia a partir de nuestra experiencia y ofrecemos un aprendizaje de Impro por niveles pero también cursos específicos, talleres para actores y formación para empresas.” No dejéis de visitar su página web si estáis interesados www.improimpar. com.
Los peluches como sello distintivo
Si algo distingue el espectáculo de ImproImpar de otros similares son sus 300 peluches. El público escribe frases o títulos en papelitos que sirven para disparar las escenas y los juegos. “Le dimos una vuelta más y para que la gente viviera ese vértigo de no saber qué ocurrirá, decidimos subirlos a escena con nosotros, siempre con respeto y mucho mimo, para que formaran parte activa de todo. Y
“Nosotros somos tan adorables como los peluches y a veces, dan ganas también de lanzarnos por ahí” les dimos peluches para que expresaran a lo largo del espectáculo su opinión, tanto si les gustaba como si no, o por mero divertimento”, señala Jota. Desde luego, mucho mejor recibir un peluchazo que un tomatazo, más suave y más divertido. “La idea viene de los primeros match de impro que habíamos visto. En algunos de ellos se usaban los peluches para quejarse del árbitro o de algún jugador. Nosotros lo acabamos incorporando a nuestros propios matchs y finalmente los trajimos a 3 en Impro. En el Bellas Artes la gente tiene que echar brazo para alcanzarnos, pero cuando empezamos en La Escalera de Jacob estábamos a escasos metros de la última fila y un peluchazo con ojos duros tenías que esquivarlo pero bien.” Total, que los peluches son ya todo un sello distintivo de esta compañía, forman parte de ella desde hace 4 años y se han acabado identificando tanto que ya se les conoce así, como la compañía de los peluches. “También nosotros somos así, adorables, como ellos, y a veces dan ganas de lanzarnos por ahí”.
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en portada / +impro
Improclan “El ‘sí y además’, tanto en la vida como en el teatro, nos saca de esa sobrevalorada zona de confort del ‘no’ y nos permite disfrutar de esa sensación de vacío que nos aporta lo nuevo” Juan Dávila www.improclan.com la compañía dando paso a Juan Vinuesa y Natalia Mateo, que junto con Víctor Serrano son los actuales pilares de lo que yo llamo una forma de vida: Improclan. Improclan crece día a día y ahora mismo está formado por 14 personas realmente unidas, y no sólo por su compromiso con un oficio lleno de incertidumbres, sino por algo mucho más sencillo: una actitud. Muchas veces nos hemos reunido todos los miembros de la compañía en nuestro local de ensayo o después de una función, y cuando estamos juntos tenemos algo que yo personalmente valoro cada vez más en la cotidianidad de la vida y que es una de las bases de la improvisación: el “sí y además”. cuarto co-fundador, Nene, en enero de 2012. Los actores buscamos siempre el conflicto Todo partiendo de una base común que hace interno y el conflicto con el otro personaje, que una compañía perdure en el tiempo: la y eso muchas veces conlleva una falta de enorme ilusión que nos hacía trabajar juntos. escucha y un exceso de racionalización. La Además, ocurrió en ese lugar emblemático improvisación me ha enseque fue Garaje Lumière. ñado a estar plenamente En ese momento se Se han hecho un hueco en el momento a momento, unió una persona muy fijo en el Alfil y cada juea escuchar con los cinco importante, que ha ves Eduardo Ferrés, Juan sentidos y a aceptar la procrecido con nosotros y es Vinuesa, Natalia Mateo y puesta del otro de manera pieza fundamental en la Juan Dávila gritan eso de prácticamente instintiva y compañía: nuestra técnico Improvisa Tío!! llevarla siempre hasta el improvisadora Area Marfinal; solo desde ese lugar tínez. A los dos años, por Jueves de nov. y dic. te sorprendes tú, el compadiversos compromisos, Teatro Alfil ñero y el público. María y Nene dejaron La idea de Improclan nace en diciembre de 2011 en Almagro, cuando participaba en un montaje de Mucho Ruido y Pocas Nueces junto a María Hervás y Eduardo Ferrés, y termina de coger forma en Madrid con el
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Todo comenzó en ASURA, el semillero de toda la impro de Madrid y me atrevería a decir de casi toda España. Gracias San Pablo Pundik por abrirnos esta puerta a esta disciplina teatral en pleno desarrollo y crecimiento. Allí representaban el Match de Improvisación Paula Galimberti y Joaquín Tejada. Juanma Díez y yo colaborábamos con un pequeño papel en el Match. Así es como nos conocimos. Poco después, en la barra de un bar de La Latina llamado Doña Fernanda, en las fiestas de Las Vistillas, se empezó a visualizar Jamming. Tras meses de ensayo y entrenamiento, el 1 de abril de 2004 realizamos el primer show de Jamming en un café teatro de
Esta temporada han cambiado el Arlequín por el Maravillas y su legión de seguidores va con ellos porque garantizan diversión y genialidad Vier, sáb, y algún domingo Teatro Maravillas
Jamming “La impro no es un arte menor. Está en un momento de gran desarrollo y explosión. Jamming persigue amenizar, compartir, unir e incitar a la reflexión desde el disfrute” Lolo Diego www.jammingweb.com
García de Paredes, el Skulls. Compaginamos actuaciones allí con otras en el Larios Café y en junio entramos en el mítico teatro TIS, lo que hoy es la sala Umbral de Primavera. Tras 5 años allí, dimos el salto al Arlequín de la mano de Enma Ozores. La Impro llegaba a la Gran Vía. De ahí hasta llegar al Maravillas este año hemos puesto en marcha mil proyectos y a día de hoy podemos decir que nuestra visión de la ‘improvisacioning’ es muy clara: la puesta en escena y la calidad interpretativa tienen que estar a la altura de cualquier obra de teatro de texto. Además del ingenio y la agilidad mental que requiere la impro, tiene que haber una presencia escénica, un trabajo corporal, vocal y emocional profesional para sujetar un show tal y como nosotring lo entendemos. La impro no es un arte menor.
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estrenos
Un espíritu burlón La versión que podremos disfrutar en el Teatro Esta es una de las comedias más divertidas Fernán Gómez llega de la mano de César del dramaturgo británico Noël Coward, y está Oliva, quien también se encarga de la direcconsiderada como una de las obras cumbres ción, y cuenta con un interesante reparto para dentro de este género, como se demuestra con dar vida a estos personajes que nos dejarán sus continuas reposiciones en todo el planeta. sorprendidos con sus alocadas ocurrencias. Pero es en Inglaterra donde esta comedia En un pueblo cualquiera vive el conocido arrasa y se repone una y otra vez. La última, escritor Carlos Salamanca con su en 2013, fue esposa Ruth. El escritor, que quiere protagonizada por César Oliva dirige una hacer un libro basado en hábitos la gran Angela nueva versión sobre una esotéricos, invita a cenar al médico Lansbury. de las grandes comedias del lugar y a la extravagante MaCoward logra del siglo XX escrita por dame Arcati, que se gana la vida con este texto una Noël Coward haciendo sesiones de espiritismo. agradable mezcla La velada, que se presumía trande realidad, fanquila y apacible, toma un rumbo tasía y absurdo, Hasta el 8 de diciembre inesperado cuando quien responde con situaciones Teatro Fernán Gómez a la voz de la médium no es la graciosas donde persona que esperaban sino la los secretos del primera esposa de Carlos, Elvira, ocultismo y las fallecida siete años atrás, que aún tiene unas apariciones del más allá, vienen a perturbar la ganas inmensas de volver a estar con su mariplácida existencia de un elegante matrimonio. do. La nueva esposa de Carlos, Ruth, le supone El propio autor definió esta obra como “una un gran obstáculo para conseguirlo (además farsa improbable”, por la cantidad de elemendel hecho de ser un fantasma). A partir de ahí, tos esotéricos que contiene. Existe también una la obra se convierte en un continuo laberinto excelente película (1945) de David Lean, con de situaciones irracionales y muy divertidas. Rex Harrison como protagonista.
C/ Luchana 38
Juan Diego
LA LENGUA MADRE de Juan José Millás
Dirección Emilio Hernandez
Estreno 12 de Noviembre Entradas ya a la venta en: www.teatrosluchana.es
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entrevista
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Arturo Querejeta “El mercader de Venecia sienta las bases de lo que hoy llamaríamos ingeniería financiera” por Álvaro Vicente Un clásico de los clásicos. Así podríamos considerar a este actor que, tras aprender el oficio con William Layton, bregarse en los 80 con el teatro contemporáneo español de la época y ser ‘partener’ de Lina Morgan en Celeste no es un color, recibió una llamada de Adolfo Marsillach que cambió el rumbo de su carrera. Más de 20 montajes sobre textos clásicos después, este año se está cobrando la más famosa libra de carne de la literatura mundial con el montaje de Noviembre Teatro.
a la vida se tiñe de unas dosis tremendas de venganza, con tintes que rayan en la tragedia. El texto conjuga los dos géneros con una naturalidad pasmosa.
En esa parte de Shylock, como pasaba en Otelo, se pone en juego la relación con el otro, la xenofobia, las conductas humanas que dejan al margen a un semejante por razones de religión, raza, condición social... Totalmente, es la doble lectura que hemos hecho, ese personaje del que se recuerda el juicio y la libra de carne, y su terrible venganza sobre Antonio el mercader, pero que luego está esa otra Después de ser Yago en parte del judío que vive en Otelo, ahora interpreun gueto del que no puede ta a Shylock, el judío de salir por la noche, que cuanEl mercader de Venecia de do sale tiene que llevar unas Shakespeare que ha dirigido prendas que les identifican, Eduardo Vasco humillado, sojuzgado... y él lo que quiere es que le traten Del 12 de nov. al 13 de dic. como a un igual, por eso Naves del Español Matadero dice lo de “si nos pinchan, ¿no sangramos?”.
Claudio en Hamlet, Yago en Otelo... ahora Shylock. ¿Cómo se paladean estos personajes de Shakespeare? Shakespeare es un seguro de vida. Cualquier frase de cualquier personaje de cualquier función da respuesta a las preguntas fundamentales que se hace el ser humano desde que el mundo es mundo, de sus comportamientos esenciales. Yago en un momento dado, enloquecido, explica que nuestro cuerpo es un jardín y la voluntad la jardinera, el poder y la autoridad de transformar ese jardín o de dejarlo abandonado o de labrarlo con entusiasmo reside en la voluntad. Es sólo un ejemplo, en cualquier texto de Shakespeare los personajes son muy complejos pero tienes una excelente ayuda, siempre tienes donde agarrarte.
Dice Yolanda Pallín, autora de la versión de este Mercader, que nunca somos del todo libres al enfrentar el montaje de un clásico, que conviene leerlos como si fuera la primera vez... ¿tú lo conseguiste? No hay que ir con ideas preconcebidas. Por ejemplo, Otelo es algo más que los celos, es la ambición de Yago también. En este caso, El mercader de Venecia es muy curioso porque conjuga dos géneros: por un lado la comedia romántica, llena de hermosura y belleza, un canto a la alegría, el amor, la solidaridad, la lealtad entre los seres humanos. Y luego se conjuga esa comedia con el drama de Shylock, del judío prestamista, y ese canto
Como anota Eduardo Vasco, el Mercader... es una obra sobre el dinero y todo en esa Venecia se mueve en torno al mercado. ¿Está Shakespeare esbozando el capitalismo que nos gobierna hoy? Shylock, amparándose en la ley, ejerce una de las venganzas más terribles. Si en Otelo Shakespeare sentaba un poco las bases de lo que ahora llamamos violencia de género, en El mercader sienta las bases de lo que ahora llamaríamos ingeniería financiera. La gran pregunta que subyace es ¿hasta qué punto debe ser respetado un contrato, suscrito en principio libremente por ambas partes, pero que contiene claúsulas tan abusivas que puede llegar a conculcar los derechos más elementales de las personas? Y con este tipo de situaciones nos desayunamos ahora todos los días, la libra de carne de entonces es el desahucio de hoy. El resto de la entrevista en www.escenagodot.com
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estrenos
Los nadadores nocturnos El mar. El agua como símbolo de inmensidad. El más bello atardecer junto a las olas. La más terrible de las tormentas. El mar que nos acerca a nuestro destino o que nos aleja de nuestra verdadera realidad. Sueños y esperanzas. Desolación y muerte. Eterna contradicción, Un lujo volver a disfrueterna lucha, tar con esta obra de José como la que Manuel Mora, dirigida por se libra en el Carlota Ferrer, ganadora interior del alma de un Premio Max humana... como la que libran Del 4 al 8 de noviembre estos nadadores Teatro Abadía noctámbulos surgidos de la mente de José Manuel Mora (autor) en colaboración con Carlota Ferrer (dirección), que han dejado al público sin respiración cada vez que se han subido a un escenario. Ahora llegan a La Abadía (ya con un Premio Max al mejor Espectáculo Revelación 2015 bajo el brazo) para tomarnos del brazo y lanzarnos de nuevo al agua.
Vagando sin rumbo hay seres damnificados del amor que se ahogan en su soledad y desesperación, tratando de buscar una salida, en una ciudad donde todo ha sido vendido, fruto de un sistema enfermo y fragmentado que ya no deja margen para la inocencia. Sólo encuentran consuelo en la orden de ‘Los nadadores nocturnos’, una secta fundada por Jean G, un antiguo profesor de secundaria que planea una revolución: la única posibilidad de cambio nace del sacrificio colectivo. Nuestro cuerpo es un 80% agua, pero los golpes no fluyen por la superficie y se alejan formando ondas sin más, los golpes se quedan y dejan huellas internas difíciles de borrar. Golpes que se transforman en íntimos naufragios, tirando por la borda seres a la deriva envueltos en su soledad que se ven abocados a terminar con todo. Seres que nadan y se ahogan (o se dejan ahogar) con la esperanza de renacer gracias a ún último hálito de vida subvencionado por una boca cercana, por unos labios tiernos que les llenen el pecho de aire y el corazón de un “Te amo”. Sergio Díaz
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diario de ensayo
Los hermanos Karamázov Sin duda, la adaptación teatral de la gran obra de Dostoievski que dirige Gerardo Vera va a ser uno de los montajes de la temporada. El mes que viene entrevistaremos a su protagonista, Juan Echanove, pero en este número nos hemos colado en los ensayos de la mano de uno de los actores, Óscar de la Fuente. Teatro Valle-Inclán. Del 20 de noviembre al 10 de enero
Día 1. Amanece en casa de los Karamázov Me dispongo a conocer a la familia. Algunas miradas ya son conocidas. Otras no. Pero todas son cómplices. Un sentimiento de felicidad me invade. Abrazo a la familia. Todos sabemos que es el comienzo de algo muy grande. Nos sentamos en torno a la mesa y comenzamos a leer. Cierro los ojos y siento todas las voces volando al mismo compás. Es magia. Gerardo Vera nos habla de la obra, de lo que ve, lo que siente. Nos evoca lugares, imágenes, sonidos, palabras reveladoras para nuestro primer día.
FOTOS DE ENSAYO: Juan Echanove
Día 4. La familia se va conociendo Hoy Aliosha (Ferrán Vilajosana) y Dimitri (Fernando Gil) tienen su encuentro en el monasterio. Es maravilloso ver trabajar a ‘mis hermanos’. Gerardo está hoy especialmente inquieto. Nos habla de las atmósferas que quiere crear. Es bonito ver cómo intenta hacernos ver lo que quiere, es un ser de teatro. Después de una gran y magnífica charla sobre el teatro y lo que debería ser, se emociona, se levanta y grita: “el teatro hay que llevarlo en las venas, coño, y ahora me voy a mear.”
Día 7. Dimitri vs. Smerdiakov Gerardo se me acerca y me dice que Smerdiakov es un personaje muy difícil, que no me precipite, que vayamos buscando juntos, que juguemos. Hoy me enfrento a mi primera escena con Dimitri. Como Gerardo nos deja jugar y explorar, la escena poco a poco va cogiendo forma. Gerardo se levanta para darnos instrucciones, nos alienta, nos habla de lo complicado del estilo que busca.
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Día 12. Pater familias Gerardo y Juan Echanove, que encarna a Fiodor Karamázov, conversan acerca de la suerte de rodearse de buenos talentos. Gerardo nos confiesa que la primera vez que leyó la versión, se preguntó quién iba a poder hacer esto, qué actores lo podrían interpretar. Nos mira y nos da las gracias por estar con él, porque ahora ve que realmente somos nosotros los hermanos Karamázov. Cierro los ojos, suspiro y sonrío. Comenzamos el ensayo con una energía fantástica y Echanove nos da una lección magistral como actor y como compañero en una escena maravillosa.
Día 16. La familia crece
FOTO: Sergio Parra
Hoy está la familia completa al fin con la llegada de Abel Vitón, Antonia Paso, Antonio Medina, Eugenia Villota y Chema Ruiz. Se monta la escena completa del monasterio. La voz del Padre Zosima (Antonio Medina) resuena en toda la sala. Me siento al lado de Gerardo para escuchar sus indicaciones a la familia. Me gusta hacerlo y estar siempre en todos los ensayos, aunque no tenga que trabajar una de mis escenas. Hacemos un pase de todo lo que tenemos hasta ahora. Empezamos a sentirlo: Los hermanos Karamázov ya están aquí.
Día 21. En Rusia hay mucho arte
Día 30. Cosas de familia
Grúshenka (Marta Poveda) y Katia (Lucía Quintana) se han marcado una pedazo de escena junto a Iván, Aliosha y Dimitri que nos hemos levantado a aplaudir y a gritar bravos. Es una verdadera suerte formar parte de un elenco de esta envergadura. Los personajes están cada vez más dibujados. Los lazos de la familia son cada día más fuertes, nos reímos mucho y ese ambiente tan distendido ayuda a que todo fluya y sea fácil.
Llegamos al ecuador de los ensayos y a falta de dos escenas, terminamos casi de dibujar toda la obra. Me doy cuenta, tomando perspectiva, de la magnitud de este proyecto, del texto tan fantástico que tenemos entre manos, del equipo tan maravilloso que se ha formado. Gerardo nos dice que disfrutemos porque pocas veces tendremos la oportunidad de trabajar con un texto como este. Respiro y sonrío agradecido por estar aquí, haciendo, siendo y sintiendo TEATRO.
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estrenos
Festival de Otoño
a Primavera
El festival escénico de la Comunidad de Madrid sigue su curso en una XXXIII edición que acogerá algunas de las propuestas más interesantes del panorama nacional e internacional. Aquí presentamos las dos de noviembre. Sergio Díaz Certeramente escrita y dirigida por el dramaturgo galo Pascal Rambert (la primera vez que lo hace en castellano), La clausura del amor es una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón, una cuchillada en las entrañas que busca dividir aquello que una vez prometió ser eterno. ¿Qué es lo que amamos cuando amamos? ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? Bárbara Lennie e Israel Elejalde (que ya formaron pareja artística, entre otras, en una de las piezas más celebradas del teatro español de los últimos años, Misántropo) se meten en la piel de dos amantes que, palabra a palabra, se enfrentan y se atraviesan queriendo cerrar para siempre una relación que les ha construido y destruido desde hace varios años. Un diálogo durísimo y desgarrador de dos personas que se han amado y que ahora quieren tratar de encontrar la paz que da el volver a empezar.
40 años de paz
Del 25 al 29 de noviembre Teatros del Canal FOTO: Flora Gonzalez Villanueva
La clausura del amor
FOTO: Fede Serra
Del 11 al 15 de noviembre Teatros del Canal 40 años de paz pretende ser cuatro obras en una: cuatro obras que recorren 40 años de la vida de nuestro país a través de una familia. Cuatro protagonistas. Cuatro narradores. Los personajes son protagonistas de su propia historia, al tiempo que son secundarios o narradores en otras, formando una rueda en la que unos se van pasando el testigo a otros. Esos 40 años de paz del título representan cosas distintas para cada uno ellos. El afamado guionista de cine Pablo Remón se ha pasado al teatro y construye maravillas como su primera obra dramática, La abducción de Luis Guzmán, y ahora este interesante montaje que cuenta con un reparto compuesto por Ana Alonso, Fernanda Orazi, Francisco Reyes y Emilio Tomé.
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reportaje
El Público, de Lorca por Álvaro Vicente sin asideros de vigilia, pero con los mimbres de lo Como el propio Álex Rigola reconoce y agradece, surrealista y lo freudiano, aplicando estos términos hacía mucho tiempo que La Abadía no enfrentaba a esas fantasías que vivimos estando dormidos, una producción tan ambiciosa, con 14 artistas en que tienen una lógica propia. el escenario y un despliegue escenográfico sencillo pero lleno de belleza. Ha ocurrido lo que el Entrar en la cabeza de Lorca director artístico del Teatre Nacional de Catalunya “Nuestra idea y nuestra pretensión”, explica (que coproduce el montaje), Xavier Albertí, califica Rigola, “es que el público viaje hacia el interior de como “obra manifiesto”. El público, de Lorca, se la cabeza de Lorca y se deje llevar a través de lo monta poco por su complejidad onírica. Y si un que puede suceder en su cabeza en un momento sueño era para Rigola montarla, si el sueño es el muy particular para él. elemento dramático que articula su Cuando estrena esta tentativa, un sueño es para todos los pieza, él viene de estreEspectacular escenografía que participan en ella dejar la huella nar poco tiempo atrás que dejó el otro gran montaje de esta de Max Glaenzel e ilumien Barcelona, en el obra, el que firmó Lluis Pasqual en nación brutal de Carlos teatro Goya, Mariana 1986. Quizás sea pronto para saber Marquerie para un montaPineda, ha tenido un si estará a la altura, pero es innegable je dirigido por Álex Rigola gran éxito de público, que este trabajo pasa ya a la historia, que dejará huella pero sus amigos más porque cualquier producción de El íntimos han rechazado Público de esta envergadura pasa a la obra diciendo que él los anales del teatro español. Creo, y puede hacer un teatro esto es una apreciación personal, que Hasta el 29 de noviembre que puede ir mucho Lorca gozaría mucho con este visión Teatro de La Abadía más allá. Hay una carta de su obra, plasmada en un terreno
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también del propio Dalí, tremenda, en la que le dice que él puede pasar un poco de la tradición e ir más allá.” Dalí y Buñuel, y el propio Lorca, se han impregnado del surrealismo francés en la Residencia de Estudiantes y es en un viaje, el que le lleva a Nueva York y Cuba, en 1930, con la resaca de la Gran Depresión, con el mundo cociendo a fuego lento el periodo de entreguerras, cuando Lorca escribe El Público. También tienen su importancia, como anota el director catalán, las dos decepciones amorosas que acaba de sufrir Federico. “Lo que nos propone Lorca en esta pieza es un encuentro con todo ese momento de crisis, tanto a nivel personal, como a nivel artístico, y pone en cuestión su honestidad, personal y artística también, hasta qué punto está siendo sincero y abierto con su situación sexual y amorosa, y hasta qué punto está haciendo el teatro que que-
rría hacer. Sabe cómo hacer un tipo de teatro que le ha dado éxito, sabe cómo conectar con el público, pero busca tensar todavía más la relación entre público y artista, saber quién va por delante y dónde se encuentran.”
Con Dalí al frente, los amigos de Lorca insisten en que debe afrontar un teatro que vaya más allá de lo que sabe hacer Teatro bajo la arena
En un juego de teatro dentro del teatro que no se parece a nada que se haya hecho antes, con una carga poética y musical intrínseca de abrumadora belleza, Lorca pone patas arriba la concepción misma de la escena y lanza su manifiesto del “teatro bajo la arena”. Y Rigola refleja en su montaje toda esta ambición de ruptura y revolución en un trabajo digno del texto que representa, con toda su complejidad pero buscando la comprensión, con un grupo de intérpretes que, con Pep Tosar, David Luque o Irene Escolar a la cabeza, redondean una puesta en escena realmente conmovedora.
Vanguardia En la literatura, en el teatro, en cualquier manifestación artística, lo que hoy fracasa, mañana puede ser un éxito. Como le pasó a Valle-Inclán, Lorca, sobre todo con estas piezas llamadas imposibles, El público o Así que pasen cinco años, se adelanta a su tiempo, hacen que la palabra vanguardia tenga un sentido. Lorca guarda esta obra en un cajón después de leerla a su vuelta de Nueva York a unos amigos, que no la entienden, y ahí permanece hasta que en 1986 Lluis Pasqual se atreve con ella en un montaje inolvidable para el Centro Dramático Nacional (foto izquierda). Lo curioso es que este estreno mundial no sucedió en España, sino en el Piccolo de Milán.
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la visual
“DM es mi primer sueño hecho realidad, es magia llena de fuerza, arrollada por una desmedida competición, por llegar, por luchar, por ser elegido, por ser el mejor, te dejas la piel y el alma desde el primer segundo sin saber qué te deparará... Y posiblemente el no llegar es lo único que te salve.” KARMEN GARAY
“DM es un homenaje a todos los que se quedan en el camino. Habla sobre la cara ingrata de esta profesión. A veces no basta con dar lo mejor de uno mismo, pero nos enfrentamos a ello con todas nuestras fuerzas. Es un viaje por el lado oscuro, pero está lleno de belleza y esperanza.” ANA TALENTI
“DM ha supuesto un paso de gigante en mi trayectoria. Lo más interesante es el trabajo colectivo de un equipo que no se conocía hace un año. Hemos conseguido ponernos de acuerdo en cuestiones muy delicadas en cuanto a producción y disfrutar al máximo el aspecto artístico. Y haciéndolo siempre en común.” RUBÉN FRÍAS
“Es un gusto como actriz hacer una función como esta. Es poesía, es acción, denuncia y homenaje, está preñada de imágenes. Empiezo el viaje y solo me ocupo de vivir momento a momento y compartir la verdad con el público. Todos estamos presentes, entregados y absolutamente vivos, dando lo mejor de nosotros hasta el final.” SARA PÁRBOLE
“DM es una aventura potente y arriesgada, inspirada en una historia dura y única, como cada una de las funciones. Mis compañeros y yo decidimos, no sé si valientes o inconscientes, poner en marcha esta maravillosa aventura.” SAM SLADE “Para mí, formar parte de DM es ponerme al límite a mí mismo en cada representación y sentir por primera vez en mi vida como actor el presente más absoluto y la búsqueda de la verdad. Imposible el artificio. Dar voz a los perdedores y a los compañeros que se quedan en el camino es una gran responsabilidad y un privilegio.” IGNACIO MATEOS
“Siempre creí en el teatro como arma de transformación social. En esta ocasión, DM me ha transformado a mí. Me ha hecho mejor actor y mejor persona. Me ha dado el aliento necesario para poder continuar y también una familia. Es una oportunidad de lanzar un grito desesperado y desgarrador desde una belleza cautivadora.” TXABI PÉREZ
“En este oficio tan competitivo y muchas veces ingrato, decidimos unirnos y levantar este proyecto, llevar al escenario esta batalla por la resistencia que es DM. Ese es el principal gancho de la obra: competimos realmente y eso te agarra las tripas y supone un tremendo viaje actoral y también, creo, es un viaje para el público.” GUILLERMO BARRIENTOS
“Quería hacer algo que fuera real, hablar del fracaso de un grupo de personajes exponiéndome a fracasar yo, con el esfuerzo, las palabras, la competición y todo lo que conlleva hacer esta función en directo. Es una apuesta enorme para nosotros como compañía y ojalá sea una experiencia para el público.” NURIA LÓPEZ
“Ilusión, confianza, entrega, barreras destruidas, sueños alcanzados, nuevos horizontes conquistados, la belleza del horror, la extenuación del cuerpo y el alma, unos ojos que brillan y un corazón que palpita al ritmo común. Esto y más es lo que 13 intérpretes locos me regalan desde la primera sesión de trabajo, ninguno sabíamos dónde llegaría el proyecto pero todos saltamos sin red y en el vuelo, que aún continua, entendimos que los sueños están ahí, que nos pertenecen y nos dan alas cada vez mas grandes. Defendemos nuestra propuesta con uñas y dientes igual que defendemos nuestro oficio, con la honestidad del que no sabe hacer la vida de otra manera. DM, literalmente, me ha cambiado la vida, me ha dado la oportunidad de crear con el mejor equipo posible una propuesta de riesgo reencontrándome con mi verdadero espíritu creador, me hace feliz y en comunión con el hecho escénico, me siento tan afortunado que, a día de hoy, no me lo creo.” ALBERTO VELASCO
Danzad Malditos Basada en la mítica película de Sidney Pollack, esta propuesta dirigida por Alberto Velasco, con 13 intérpretes en escena (algunos de ellos nos ofrecen su impresión al respecto), reproduce aquellos maratones de baile de la época de la Gran Depresión estadounidense, en los que las parejas bailaban día y noche hasta acabar extenuados. En este montaje la competición es real y cada función es única, porque cada día puede ganar alguien distinto. Naves del Español Matadero. Del 26 de nov. al 13 de dic.
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“DM es un salto al vacío en cada función, no sé lo que va a pasar. Debo estar presente y debo estarlo al 100%. No tengo que buscar la emoción porque ya está en todo lo que ocurre. Si te echan, te echan. Correr, saltar, sudar, no poder respirar y tener que hacer una coreografía, no saber si hoy podrás gritar y a quién. La tensión, el asombro o el alivio cuando no eres tú el eliminado. No actúo. Esa verdad es aquello por lo que cada noche deseo subirme al escenario de DM.” CARMEN DEL CONTE
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entrevista
Skip Sherman “Artistas diversos se unen para demostrar que colaborando se puede cambiar el mundo” por Álvaro Vicente Nos dice que nunca El director creativo de antes hemos visto Sama Sama nos presenta nada parecido. Y lo que él llama “la evolunos lo dice un tipo ción del espectáculo en que ha participado vivo”, que vivirá su estreen espectáculos insno mundial en Madrid pirados en Jurassic Park o Apollo Desde el 19 de noviembre 13 y está detrás Madrid Arena del gran parque temático dedicado a Ferrari en Abu Dhabi. Sama Sama tiene entre sus responsables al creador de Mayumana, Roy Ofer, y en su concepción se han involucrado Universal Estudios y el Cirque du Soleil. Así que, debe ser la rehos...
personas. Es un viaje de 3 horas compartido con 2000 personas. Hay exploración, hay descubrimiento... es una experiencia total. Entiendo que la base del espectáculo es la participación del público, ¿cómo se estructura esa participación, se van moviendo de un sitio a otro? Hay un flujo muy libre. Una vez que entran están rodeados por las atracciones, hay dos pisos, y pueden ir donde quieran. Hay 14 ‘samis’ que son los profesionales que acompañan a los participantes, que no hablan mucho pero animan constantemente, y sirven de guías. Está todo calculado, hay un tiempo para entrar en las atracciones y para salir de ellas, y entran 40-50 personas por atracción. No importa dónde vayan, pueden entrar y salir o repetir en una atracción las veces que quieran. Es totalmente libre.
Para que los periodistas lo sepamos contar bien: ¿qué ¿Dónde está la teatralidad si es que la hay? ¿Hay actoes Sama Sama exactamente? res, hay una historia Es como un parque infantil, es un espaque contar? cio que existe dentro de todos nosotros La historia está en y lo podemos comparar con un país de los propios ‘samis’, las maravillas. De lo que se trata es de que vienen de todo sacar a cada persona de su vida cotidiael mundo y cada uno na para hacerles entrar en un universo tiene una capacidad: paralelo, donde abrir la mente, sean unos bailan, otros introvertidos o extrovertidos. La música, cantan, otros pintan, totalmente original, es como una banda otros tocan música, sonora subyacente sincronizada con otros programan... cada una de las atracciones. Hay baile, y se han unido hay percusión, es la música lo que lo Si Wagner imaginó la obra de arte total, para mostrar sus impulsa todo. La gente accede pasancon la confluencia de todas las artes en capacidades en un do por un pasillo ‘transicional’, donde la representación operística, Sama Sama solo lugar de forma vaciar la mente y empezar ese proceso va más allá, porque además de comconjunta, para de transformación, y de ahí se llega a binar distintas disciplinas artísticas con demostrar que colo que llamamos el útero. La oruga se las últimas tecnologías, incorpora el elelaborando se puede transforma en mariposa entonces y la mento lúdico y participativo del parque cambiar el mundo. idea es enseñar la potencia, el interés temático. “Un viaje del desconocimiento de hacer las cosas en común. Hay una El resto de la entrevista a la amistad, del caos a la armonía”. energía que fluye a través de todas las en www.escenagodot. atracciones que emana de las propias com
La ópera del siglo XXI
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reportaje
Escenas de la otra orilla El ciclo de teatro latinoamericano que nos brinda el Teatro Español en sus naves del Matadero es una oportunidad inigualable para dejarnos impregnar por tres soberbios trabajos que llegan desde México, Argentina y Uruguay. Proyectos genuinos que son una pequeña gran muestra de la enorme vitalidad y diversidad escénica que se respira al otro lado del charco. Álvaro Vicente
Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido Golpe gozoso de teatro y vida, caricia y desgarro. Un trabajo de creación colectiva festivo, familiar, sensitivo, en el que se canta, se baila, se llora, se ríe, se pelea, se ama y, sobre todo, se cocina. Teatro de sensaciones, teatro de exclamación, de susurro y bisbiseo, de memoria compartida, de raíces ligadas al sabor, a las comidas heredadas. España y México unidos por el sabor. Por el exilio de la Guerra Civil. Herencias emocionales traducidas en recetas. Fusilamientos ayer, mujeres desaparecidas en Juárez hoy. Escenas duras que se diluyen de pronto en juegos y canciones. Teatro de máscaras, mascarada grotesca adornada por el chup
La compañía mexicana Vaca35 nos invita a una celebración de la memoria y la diferencia
Del 12 al 15 de noviembre Naves del Español Matadero
Qué fácil es la guerra cuando se tocan las esencias. La condena de la diferencia. La fiesta de la diferencia. chup de las ollas, donde cada ingrediente es un recuerdo. En México, a los muertos les cocinan lo que les gustaba en vida. Cada actor invoca a sus difuntos y se despiden otra vez. También invocan al diablo: “ven a tomar Satanás, relájate cabrón”. El diablo que habita en todos nosotros, el que nos pone al límite. Enorme escena que enfrenta distintas percepciones de la pobreza, distintos umbrales, incertidumbres opuestas. Discusión que no cabe en un abrazo, abrazo que diluye la discusión. Qué fácil es la guerra cuando se tocan las esencias. La condena de la diferencia. La oportunidad de la diferencia. La fiesta de la diferencia. La tragedia de la diferencia. La belleza de la diferencia. La diferencia compartida, al final, en una larga mesa a la que todo el público está invitado.
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Othelo
Del 19 al 22 de noviembre Naves del Español Matadero
Obra sobre la poetisa modernista uruguaya Delmira Agustini (1886-1914), que marcó la vida cultural de principios del siglo XX, siendo una de las fundadoras de la tradición más rica y singular de mujeres poetas de América Latina. Murió víctima de la violencia de género, ya que fue asesinada a manos de su exmarido en la plaza que lleva ahora su nombre en Montevideo. Escrita por Marianella Morena, la pieza consta de tres actos. Tres lenguajes. Tres puntos de vista. Seis actores rotan roles y géneros. Un relato escénico musical contemporáneo que transita por procedimientos sobre la Historia, el teatro, la academia, y nos devuelve un pasado estallado. ¿Qué sobrevive y cómo? Hay guerras que son de un hombre y una mujer, y hay guerras que son de una sola persona. Durante 90 minutos cada uno pondrá su límite sobre lo real y la ficción. Estrenada en el Teatro Solís de Montevideo en 2014, año de la conmemoración del centenario de Agustini, la obra fue galardonada con el Premio Florencio al Mejor Texto de Autor Nacional de Uruguay.
Una tragedia de Shakespeare en clave de clown. ¿Es posible? Absolutamente. ¿Se puede uno desencajar la mandíbula riéndose durante dos horas viendo Othelo? Se puede. La muestra es este montaje loquísimo y tremendamente ingenioso que dirigie Gabriel Chamé, uno de los clowns más reputados de Argentina y del mundo. Cuatro enormes actores dan vida a todos los personajes de la célebre obra de los celos, demostrando que lo cómico es trágico y tan trágico que es cómico. El montaje fue una de las sorpresas más gozosas en el pasado Festival de Almagro y desde aquí lo recomendamos encarecidamente. Pese a lo disparatado que parezca, la puesta en escena respeta el texto, su poesía y su tensión dramática, pero se juega con todo el potencial del teatro físico y burlesco, rompiendo la solemnidad y las convenciones teatrales con un lenguaje lúdico, hilarante y absurdo. Unos cuantos elementos escénicos que se juegan con imaginación y la increíble versatilidad de los intérpretes, tirando de las leyes del gag clásico, generan toda una línea irónica que atraviesa la tragedia de principio a fin, sin dejar por ello de ahondar en los grandes temas que puso sobre la mesa Shakespeare en este texto: el amor, la lealtad, el racismo, la ambición, la violencia machista, los celos, la envidia, la venganza... está todo.
No daré hijos, daré versos Del 5 al 8 de noviembre Naves del Español Matadero
FOTO: Tali Kimelman
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entrevista
Ramón Barea Historia de una “mentira poética” Hay toda una historia, jocosa y tremenda, detrás de este montaje. Se estrenó en 1993, con la colaboración del taller literario La Galleta del Norte de Barakaldo, y sirvió para desenmascarar la ignorancia e hipocresía de las “autoridades teatrales” que comandaban entonces el Teatro Arriaga de Bilbao. ¿Cómo es que no se programaban compañías vascas en el Arriaga a principios de los ‘90? Por aquel entonces se empezó a gestionar los grandes espacios desde la administración, con todo el auge de las autonomías y tal. Había dinero y había esa euforia y esa fiebre por contratar lo que más brillaba en el panorama teatral nacional e internacional. Y de pronto las compañías vascas, cualquiera de ellas, eran como una mancha, como poca cosa. Entonces, obedeciendo a eso y a que éramos bastante más jóvenes todos, habíamos tomado como normal que ninguna compañía vasca actuase en el teatro municipal de Bilbao.
22 años después, Ramón Barea e Itziar Lazkano recuperan Hoy, última función, una obra mítica en la historia del teatro vasco Del 19 de nov. al 6 de dic. Teatro Español
Pero se os ocurre una idea genial entonces... Sí, se nos ocurrió inventarnos un director extranjero, y un proyecto con pedigrí, y fue muy fácil colársela a los que llevaban el Arriaga. Entonces no estaba tan al alcance internet y nos inventamos el currículum del tal Tadeus Wolsky, hicimos todo un dossier, mandamos fotos del tipo (que era mi cuñado disfrazado) dirigiéndonos en los ensayos... Fue una forma de entrar muy curiosa y además con el respaldo de la crítica local de la época, que todos elogiaron el montaje y tal, pero especialmente la dirección. Una cosa muy pueblerina, pero también paradigma del desprecio por lo local. Al margen de esto, ¿de qué va la obra? Bueno, la premisa fue contar cómo dos viejos actores, que llevan 40 años representando Las sillas de Ionesco, hacen su última función, porque están medio enfermos y se quieren retirar. La sala está vacía, no hay público, pero no quieren acabar su vida profesional así, con lo que a esa última función invitan a gente del mundo del teatro, y tienen un llenazo total. Está Stanislavsky, Don Juan, Doña Inés, Valle-Inclán... hasta el mismísimo Godot aparece. Es un juego que mezcla y homenajea al teatro y a la vida con esta pareja artística y sentimental que se despide a lo grande. Álvaro Vicente Lee la entrevista completa en www.escenagodot.com
/ del 12 Noviembre al 13 de Diciembre
SHAKESPEARE
EL MERCADER DE VENECIA versión Yolanda Pallín dirección Eduardo Vasco
“Un Shakespeare cercano, accesible, al día.” Pedro Barea / EL CORREO (Bizkaia) “Arturo Querejeta, poderoso, encarnando a ese prestamista judío. Un magnífico y oportuno montaje.” Nel Diago / CARTELERA TURIA (Valencia) “Una libra de carne humana a cambio de un crédito no devuelto. Un contrato es un contrato, se exige. Hoy se llama desahucio. ¡No se la pierdan!” Lara Martínez / ABC (Sevilla)
noviembreteatro.es coproducción
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estrenos
Un vigilante jurado, la única persona que trabaja en un aeropuerto ya construido pero abandonado, se encuentra con un visitante que no esperaba: un viajero que, billete y maletas en mano, pretende volar a Bangkok, pese a que desde esta terminal aérea ya hace mucho que no despega avión alguno (si es que eso llegó a suceder alguna vez). A partir de ese momento, se iniciará entre los dos un diálogo en el que no sólo cuestionarán sus propias vidas, sus trabajos y la situación política que viven, sino que irán desvelando la verdadera naturaleza de su encuentro. A base de humor negro, sarcasmo corrosivo y mucha ironía, esta obra de Antonio Morcillo (ganadora del XXII Premio SGAE de Teatro 2013) critica sin concesiones el modelo de gestión imperante en este país que ha conducido al derroche de recursos y a situaciones surrealistas como las que recrea esta ficción escénica. Dafnis Balduz y Fernando Sansegundo son los protagonistas de esta historia que, como curiosidad y homenaje, fue el último trabajo teatral que hizo el gran Carlos Álvarez-Novoa.
Nora, 1959
Del 12 al 22 de noviembre Teatro Valle-Inclán
Bangkok
Hasta el 29 de noviembre Teatro María Guerrero
“En 1959, en plena dictadura, mi abuela se separó de mi abuelo dando un portazo como el de la protagonista de Casa de Muñecas de Ibsen. De todo lo que no sé de aquella historia, de todo lo que me quedó por preguntar, nace este laboratorio”. Así habla Lucía Miranda, la creadora de este laboratorio que se ha gestado en LAZONAKUBIK. Unos laboratorios que son uno de los pilares maestros sobre los que se asienta la propuesta creativa de la sala de Usera. Ahora Nora, 1959 llega al CDN con un trabajo vertebrado por dos ejes de investigación: la radio como espacio sonoro (por ser el elemento que conectaba a nuestras abuelas con el exterior) y el teatro documental, que nos servirá para preguntar sobre su vida y el uso de su libertad a mujeres que vivieron en el año 59. Esta obra es un precioso homenaje a todas esas mujeres valientes que se levantaron contra el orden establecido y pusieron las primeras piedras de las libertades femeninas de hoy. Es un montaje a modo de portazo que debería restallar en la cara de todo aquel que se atreviese a tener cualquier tipo de comportamiento machista. Sergio Díaz
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reportaje
Siempre me resistí a que terminara el verano
FOTOS: Danimantis
por Álvaro Vicente del teatro (que aplaudimos) y una nueva apuesta “Siempre me resistí a que terminara el verano. de la Factoría Madre Constriktor, la productora de Como si quisiera estirar los calores, aunque las Asier Etxeandía, por romper la línea artística que tardes sean cada vez más cortas. Esos días en los tanto éxito les trajo con El Intérprete. que todavía hace calor, como en septiembre, pero que sabes que es octubre, que el verano terminó. Carpe diem con carácter retroactivo Yo en vez de disfrutarlos miraba de reojo ese otoño Isabel es la prostituta con la que tres amigos de que ya teníamos encima”. Son palabras de Isabel, un pueblo perdido se iniciaron sexualmente, en un el personaje que interpreta Estefanía de los Santos sórdido prostíbulo llamado El Caimán. en esta obra, escrita Dos de esos amigos, Raúl y Andrés (Any dirigida por Lautaro drés Gertruix y Pablo Rivero), se fueron Perotti, que asalta Lo nuevo de la Factoría del pueblo a la capital, a triunfar el uno un escenario, el del Madre Constriktor, tras como escritor y el otro como editor. Allí teatro Marquina, en el exitazo de El Intérprete, quedaron Isabel, que terminó siendo una pleno otoño, que a está escrito y dirigido por amiga más, y el otro amigo, José Antonio priori no parece su Lautaro Perotti (Unax Ugalde), que soñando con llegar lugar visto el tipo a ser futbolista, no pasó de entrenador de obras que suelen de un equipo local de chavales. Ahora, programarse allí. Pero Desde el 30 de octubre al morir la madre de Raúl, los cuatro se Teatro Marquina es una apuesta, una reencuentran. “Después de 20 años se apuesta de los dueños
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reencuentran justo en aquel prostíbulo”, relata Perotti, “donde no sólo se iniciaron sexualmente, sino que aprendieron lo que era la vida y entendieron lo que era la
desgastado y lejano en la memoria, donde mirar hacia atrás con una cierta melancolía para tomar impulso luego hacia el futuro. Perotti reconoce que al cumplir 40, la cifra redonda le ha empujado a hacer balance y ver que es un lindo momento en el que enorgullecerse de lo que ya se ha hecho y de lo que está por venir, dándonos siempre la posibilidad de corregir y hacer mejor las cosas. Y luego hay otro elemento clave en la obra que es el fútbol, cosa extraña en el teatro español y nada raro viniendo de un argen-
“El teatro, como el fútbol, es un trabajo de equipo, no de individualidades. Así lo entendemos en Timbre 4” amistad. Ahora todos atraviesan la mitad de sus vidas y la muerte de la madre de Raúl les hace confrontarse con lo que habían soñado y con lo que tienen, con lo que querían hacer y con lo que son. Les hace replantearse qué es el éxito y qué es lo que realmente valoran ellos como tal.”
El fútbol, la melancolía y el futuro
La puesta en escena está atravesada por la lluvia, el campo, esa idea de pueblo y lugar
tino. “El fútbol tiene que ver con el origen de su amistad. Como yo entiendo el teatro, como lo entendemos en Timbre 4 (compañía, teatro y escuela que Perotti comparte en Buenos Aires con Claudio Tolcachir entre otros), es un arte de equipo, no de individualidades, y me parece que no hay otro deporte que muestre lo que es trabajar en equipo más claramente que el fútbol.” Completa el dibujo todo un trabajo musical, marca de la casa Constriktor, con el concurso de Asier Etxeandía, Tao Gutiérrez y Enrico Bárbaro, para un montaje que, como curiosidad, supone el debut teatral de Unax Ugalde.
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estrenos
La flaqueza del bolchevique Uno de esos motivos es ver a Adolfo FernánLlega a la cartelera teatral, gracias a K dez, un actor que nunca me ha decepcionado Producciones, un proyecto que ya estaba taren todos los montajes en los que le he visto. Es dando en hacerse y que se espera con ciertas el director de la obra y da vida a Jaime. Otro ganas, al menos por quien les escribe. Cuanmotivo es ver a Susana Abaitua sobre un esdo se estrenó la película basada en la novela cenario dando vida a Rosana, la joven nínfula de Lorenzo Silva (2003) yo tenía veintipocos que hace que el maduro Jaime pierda la cabeaños y estaba completamente subyugado por za. Y otro es porque me el ‘rock transgresivo’ que marparece un buen texto, la có a algunos de mi generaK Producciones ha realiverdad. Un texto sobre ción. Y que las canciones de zado la adaptación teatral las consecuencias que mi grupo favorito de entonces de la conocida novela de puede tener cualquiera -y de siempre-, Extremoduro, Lorenzo Silva que ya pude nuestros actos, por fuesen la banda sonora de pequeño que sea. Un una película de cine, de esas dimos ver en el cine texto sobre la venganque se podían ver en pantalla za, la mala hostia, grande, era algo que no me Hasta el 8 de diciembre la desesperanza, la podía ni imaginar. Perdonen Teatro Lara obsesión... Un retrato mis motivos tan prosaicos, construido con un sentipero sólo por eso le tengo do del humor trementanto cariño a este título. Ahodamente mordaz y caústico sobre la sociedad ra ya he crecido un poco más, he aprendido que nos rodea. Un grito ahogado por la un poco más (tampoco demasiado) y tengo soledad. Una posible luz al final del túnel. Una más motivos para ir a ver esta versión teatral luz vestida con falda a cuadros. Sergio Díaz que ha llevado a cabo David Álvarez.
FOTO: Sergio Parra
Diseño: martacorgo · Fotógrafía: Alfred Mauve · Coreógrafa: Roser López Espinosa · Espectáculo: Lowland
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estrenos
El nuevo espectáculo de la actriz y cantante Pía Tedesco se llama El amor y otros vícios. Es un espectáculo que surge al jugar con la idea de que el amor es un desencadenante químico que en el personaje de Pía Tedesco, nos da la llave para acceder al alma humana y verla tal cual es: generosa, compasiva, mezquina, temerosa, doliente, valiente. Disparatados, divertidos, llenos de sensibilidad son los textos y canciones que se desarrollan en este cabaret único. Las canciones revisitadas por Pía Tedesco aúnan el repertorio de artistas como Mistinguett o Edith Piaf (París), Rina Celi (Barcelona), Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez (México), Katie Lee (Estados Unidos), swings de los años 20 y composiciones propias. Todas las canciones tienen un denominador común, todas pertenecen a mujeres talentosas de voz desgarradora que nos trasladan a ese universo de femmes fatales donde la sensualidad del cabaret, lo prohibido y el glamour femenino se conjugan para hacer un retrato en crudo de la vida. Me encantan todos los vicios de Pía Tedesco... S. D.
La palabra y la música construyen esta historia que nos introduce en la relación de tres reclusos y nos va descubriendo la intimidad de sus vivencias: proyectos de futuro entre residuos del pasado, contradicciones del presente, sentimientos en fuga dentro de una cárcel. La música se va incorporando al texto como si formaran parte de un solo organismo. Piezas de Sorozabal, Guridi, Lorca, Falla, Chapí, Turina... acompañadas
Pía Tedesco
Del 4 al 8 de noviembre Teatro Fernán Gómez
de piano y guitarra, sustentan la magia del verbo. Basado en una idea de Ramón Criado, sobre el texto de Pilar Mateos, el espectáculo conlleva el desafío de aunar, en la misma representación, teatro y lírica, injertando en la obra con suavidad las interpretaciones musicales, haciendo complementarias energías artísticas diferentes, que se potencian entre sí: la fascinación del canto lírico frente a la precisión del lenguaje.
Gracias al sol
Desde el 11 de noviembre Teatro Fernán Gómez
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Losers
Desde el 5 de noviembre Teatro Bellas Artes
Obra de Pablo Vázquez, dirigida por Norberto Ramos del Val, Querido imbécil es tanto una vindicación en clave de comedia burra del hombre pusilánime como una defensa visceral de la mujer guerrera e indomable. La obra cuenta la historia de Romeo, un pobre diablo, una criatura insignificante y de patética existencia atado de por vida a la mujer equivocada. Desi, ejecutiva agresiva y hembra de carácter, no desaprovecha ni un momento para humillarle física y psicológicamente, inventando para él los más crueles jueguecitos y los castigos más ingeniosos. Llega un momento en que Romeo no puede más con su situación y recurre a un servicio telefónico de ayuda. Es el momento en el que se encontrará apoyo, cariño y comprensión en la voz grabada del servicio telefónico (que tal vez sólo exista, por supuesto, en su cabeza), iniciándose así un curioso y absurdo triángulo que tendrá las consecuencias más inesperadas e impensables. La comedia, tierna y trágica al mismo tiempo, de principio a fin, es una broma infinita y salvaje sobre un tema muy serio o un análisis muy serio y reflexivo sobre todo lo contrario.
Manuel y Sandra rondan los cuarenta y no tienen nada de lo que la sociedad supone que deberían de tener a esta edad. Ni hijos, ni pareja, ni dinero, ni casa... Es por eso que se consideran a ellos mismos como unos perdedores. Piensan que no podrán salir adelante, que ellos no merecen ser felices. Pero se equivocan. Porque todo el mundo tiene derecho a la felicidad, y porque ser feliz no depende de los bienes materiales o de lo que determinen las modas, depende de nosotros mismos. De superar nuestros miedos y nuestras limitaciones. Marta Buchaca es la autora de un texto divertido, pero complejo, sobre la infelicidad de nuestros días, sobre esa pesada carga que muchos llevan sobre sus hombros de cumplir las expectativas depositadas en ellos... por los demás. Esa condena eterna de vivir como la sociedad te dicta que debes hacerlo olvidándote de ti mismo y de tus deseos. Guillem Clua dirige este montaje donde María Pujalte y Vicente Romero dan vida a Sandra y a Manuel. Ambos están solos, pero quieren dejar de estarlo. Ambos son infelices, pero quieren dejar de serlo. Ambos pondrán todo su empeño en conseguirlo. S. Díaz
Querido imbécil
Miércoles de noviembre Teatro Alfil
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danza
Madrid en Danza La Comunidad de Madrid vuelve a convertirse en un gran escenario para la Danza en el que convivirán la creación contemporánea más reciente con la recuperación de nuestro patrimonio, de nuestras raíces. Sergio Díaz La danza española también tendrá su lugar Madrid en Danza 2015 acogerá un total de con Daniel Doña y su No pausa (pieza en la 19 espectáculos en ocho espacios escénique cuatro bailarines convierten la curiosidad cos: el Teatro de La Abadía, Cuarta Pared, creativa en motor del movimiento, 22 de el Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El nov.) y la compañía de Antonio Gades que Escorial, LAZONAKUBIK, El Centro Comarcal nos trae una versión bailada del clásico de de Humanidades en La Cabrera, el Centro Lope de Vega, Fuenteovejuna (25 de nov.) Cultural Paco Rabal y los Teatros del Canal. Este último recinto albergará 9 montajes que son de los que nos vamos a ocupar. Dentro de la Danza XXX edición de este contemporánea festival, por y para la danencontramos tres za, que se desarrolla en magníficas comdiferentes escenarios de pañías totalmente la Comunidad de Madrid. consolidadas en Los Teatros del Canal alel panorama de la bergarán 9 espectáculos danza nacional. Carácter internacional Antonio Ruz presenMás allá de nuestras fronteras ta A l’Espagnole, disfrutaremos con Tragédie, del Del 19 de nov. al 5 de dic. fantasía escénica Ballet du Nord y Olivier Dubois Teatros del Canal (19, 20 y 21 de que nos enfrenta a un sentinov.), donde danza, miento del mundo despojado teatro y música de cualquier prejuicio (21 y 22 barroca se dan la mano en una fantasía de nov.). Entre mareas de Tamako Akiyama y escénica inspirada en la contaminación artísDimo Kirilov es una pieza poética y emociotica que experimentan España y Francia a lo nante sobre las relaciones de pareja (24 de largo de la historia. Losdedae junto a la Funnov.). La Dresden Frankfurt Dance Company dación V Centenario Santa Teresa de Jesús ofrece un trabajo de creación coreográfica nos ofrecen una propuesta única y reveladocompleja y conceptualmente pura en The ra, Teresa (ora al alma) de Chevi Muraday, Primate Trilogy (27 y 28 de nov.). Y ya en dique muestra los conceptos esenciales que ciembre (2, 3 y 4 de dic.) veremos Pavement, ayudan a acercarse al personaje de Santa montaje de danza urbana contemporánea de Teresa de Jesús: acción, lucha, misticismo y Kyle Abraham, que está inspirada en la pelíamor desmedido (26 de nov.). Daniel Abreu cula Los chicos del barrio (1991) y que es una llegará con VENERE, un trabajo coreográfico historia sobre la discriminación y la constante para cinco bailarines donde araña el tema búsqueda de una libertad posible. del amor y sus desórdenes y nos ofrece distinUn gran abanico de propuestas para disfrutar tas visiones sobre cómo uno ama y se ama a con las mejores creaciones sobre el bello arte través de los demás (28 y 29 de nov.). del movimiento corporal.
Festival que sigue apoyando a los artistas de aquí, pero aglutinando también las mejores propuestas internacionales
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FOTO: 1. Teresa (ora al alma) ©Jacobo Medrano. 2. A l’Espagnole, fantasía escénica ©Luis Castilla. 3. Fuenteovejuna ©Javier Real. 4. Entre Mareas ©PedroArnay. 5. VENERE ©Luis Antonio Barajas. 6. Tragédie ©Francois Stemmer. 7. The Primate Trilogy ©Dominik Mentzos. 8. Pavement ©Steven Schreibe. 9. No Pausa ©Celia de Coca.
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lirica
FOTO: Jesús Alcántara
La del Soto Parral El libreto de esta zarzuela sigue los patrones Zarzuela en dos actos, divididos en tres normales de los dramas rurales, demostrando cuadros, con libreto de Anselmo C. Carreño el buen hacer de los escritores, al crear un y Luis Fernández de Sevilla y música de Revecuadro lleno de costumbrismo y color local, ya riano Soutullo y Juan Vert. Es una de nuestras que está ambientada en Segovia, el sitio natal grandes obras del género chico, un gran de uno de los libretistas, Anselmo C. Carreño. musical hecho con gran calidad. Es tan granEs una mirada cariñosa y levemente crítica al de que hasta hay una calle en Madrid con su mundo rural. nombre (en el barrio de Villaverde junto a La Por la parte musical, esta es la del manojo de segunda zarzuela de los maestros rosas, La verbena Zarzuela en dos actos de Soutullo y Vert. En esta obra se alede la Paloma o La Luis Fernández de Sevilla jan del ambiente de opereta que corte del faraón). y Anselmo C. Carreño, que predominaba en su anterior trabaSe estrenó en es un homenaje a la gente jo, para acercarse al costumbrismo el Teatro de La del mundo rural rural, creando una partitura de Latina el 26 de grandes vuelos líricos, con ciertas marzo de 1927. influencias del verismo italiano, Ahora podremos Desde el 21 de noviembre que había ido cogiendo auge en ver esta versión, Teatro de la Zarzuela la época, sin que por ello pierda una revisión de la el espíritu español que impregna producción que todo. La orquesta juega un papel el Teatro de la fundamental lo cual nos permite apreciar el Zarzuela hizo en 2010. La dirección musical gran sentido sinfónico que posee esta obra. corre a cargo de Martín Baeza-Rubio y en la Un regreso esperado y agradecido por todos escénica es Amelia Ochandiano la que ha los amantes de la zarzuela. introducido su toque personal.
en familia
La bella durmiente, el musical
Nueva versión de La Compañía La Bicicleta de este clásico de la literatura que cuenta con la música original de Tchaikovski Desde el 21 de noviembre Teatro Sanpol
Otra hermosa historia de hadas, duendes y princesas clásicas vuelve al escenario del Teatro Sanpol, pero en forma de musical. Es una nueva versión de este montaje que se estrenó hace unas temporadas y que ahora retoman para hacernos disfrutar con la conocida historia de la princesa Aurora, de Belinda su hada madrina y la malvada Carabosse. Es un intenso y delicioso montaje que siempre logra atrapar a los espectadores en cada función, ya que comprueban afligidos cómo la maldición de Carabosse se va cumpliendo: “la princesa a los 16 años morirá”. Ana María Boudeguer dirige esta versión y Miguel Tubía se ha encargado de la parte musical, que se ve apoyada con la música original que Tchaikovski compusiera para su famoso ballet que cuenta la vida de la princesita y la rueca. Otro protagonista de la función son las impactantes proyecciones que acompañan a la cuidada escenografía y a la interpretación de los actores de la Compañía La Bicicleta, elenco estable del Teatro Sanpol, que nos llevan del maravilloso mundo de las hadas y duendes al interior de los palacios de cuento y a una historia con final feliz. Un gran clásico de la literatura infantil que nos emocionará a niños y no tan niños.
La Princesa Ana En todo cuento de Princesas tiene que haber una rana que al ser besada se convierta en… y aquí llegó el momento de cambiar la tradición. Bajo la apariencia de un relato clásico de príncipes y princesas, esta obra nos ofrece una historia diferente que esconde un mensaje de tolerancia, amor y diversidad ideal para los más pequeños. Eva Bedmar ha construido este montaje
(adaptación del cuento original de Luisa Guerrero) ya mítico de la factoría Tarambana, que combina la presencia de actores y marionetas, y cuenta con divertidas canciones y coreografías, que contagian a los niños del patio de butacas, conformando un espectáculo mágico, lleno de color en el que nos divertiremos, y donde sentiremos que el amor es la maravillosa fuerza que lo mueve todo.
Hasta el 22 de noviembre Sala Tarambana
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CRÍTICAS
Crituits
Crítica: La lengua madre Teatros Luchana Por Alvaro Vicente
Público coprotagonista Me lo decía Juan Diego en una entrevista: “este espectáculo está demandando un público sensible”. Supongo que se refiere a un público interesado en la cultura, preocupado por el lenguaje, porque al final es el público el principal interpelado en este monólogo de poca acción y mucha palabra. Conste que esto no es malo, sobre todo cuando tenemos a un gran actor que ha hecho tan suyo el texto de Millás y nos lo regala con esta generosidad. Pero es verdad que, como otros textos que han pasado o están en la cartelera madrileña, como El diccionario que vimos en La Abadía con una extraordinaria Vicky Peña, o, más modestamente, Lo que no te digo, de Nur Levi, también maravillosa en la sala Mirador, La lengua madre demanda una escucha activa y crítica, porque el lenguaje se nos va entre los dedos a poco que lo descuidemos y se pervierte con mucha facilidad. Tenemos que estar bien entrenados, no ya en el patio de butacas, sino en su reflejo, que es la sociedad entera, para que no nos cuelen los significantes que no queremos y los significados adulterados. Juan Diego da vida a un profesor de literatura cualquiera de un instituto cualquiera de una ciudad cualquiera. Poco importa, porque pronto se olvida. Lo importante, una vez más, son las palabras, desnudas, desafiantes, agitando la bandera de su pureza, blandiendo la espada frente a los que emborronan. Juan Diego ofrece una conferencia en la ficción que es una lección de comunicación en la realidad, en un monólogo metateatral y metalingüístico, muy bien llevado en la sombra por una dirección sutil de Emilio Hernández y que, al fin, es otra genialidad de Millás, ese mago de la palabra.
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Crítica: El Alcalde de Zalamea Teatro de La Comedia Por Álvaro Vicente
El mejor rey el alcalde Es un verdadero placer para un aficionado al teatro volver a ocupar una butaca del Teatro de La Comedia. Han sido 13 años de espera, pero por fin ha vuelto. Sentado en un palco, viendo El alcalde de Zalamea con el que se reinaugura, pensaba en los montajes que vi allí en otro tiempo. Hubo tres que me marcaron especialmente: el Tenorio de Eduardo Vasco (mi primer Tenorio), donde descubrí a Ginés García Millán; Las Maravillas de Cervantes de Comediants, donde descubrí a Goizalde Núñez; y La vida es sueño de Calixto Bieito, donde descubrí a Nuria Gallardo. Todavía me sobrecoge pensar en su Rosaura y la redescubro ahora (aunque la haya visto en otras mil cosas) como hija de Pedro Crespo en este gran montaje que ha hecho Helena Pimenta sobre la obra de Calderón. Nuria Gallardo me vuelve a emocionar con su desgarro, cuando se le ahoga la voz en el grito, cuando se le cristaliza la mirada fija en el público. Es una de esas actrices que lo comunica todo con todo su cuerpo, que te traspasa con su verdad. Y aquí hace uno de esos trabajos por los que se le debería recordar
y premiar, porque da mucha entidad a una mujer que, sobre el papel, es pura desgracia. Objeto de deseo, o más bien de capricho, de un soldado de paso por Zalamea, es raptada y violada en mitad del campo. Y fíjense cómo era este pais, cómo eran sus leyes morales, que ella solita va a confesarse a su padre y a ofrecerle su vida para que la disponga a la muerte, porque sabe que, pese a no querer ella y ser la gran víctima de la historia, el deshonrado es su padre. Es más, su hermano directamente va a matarla, sin miramiento alguno, porque ha manchado el buen nombre de la familia. Esta es la base de nuestra cultura de género, señores. Y de aquellos polvos, estos lodos. Pero en fin, al margen de esto, cabe destacar el grandísimo trabajo de Carmelo Gómez como alcalde, la simpática pareja que forman David Lorente y Clara Sanchis (Rebolledo y la Chispa), el Don Mendo de Francesco Carril, graciosísimo, y en general el buen ritmo del montaje, que bascula entre la comedia y la tragedia como un barco en alta mar que va de la tormenta a la calma. Dos horas de muy buen teatro que pasan en un suspiro.
Las más valoradas en www.escenagodot.com a 28 de octubre