DIRECCIÓN Y EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, Rubén González DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO David Hinarejos FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Noelia Martín IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor. @RevistaGodot
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Sumario. Noviembre 2013
entrevista
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20 24 reportaje entrevista
Eurozone Juan Echanove
reportaje reportaje
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28 36
estrenos
cómicos
familiar
cartelera
4 6 12 14 fotosíntesis
noticias
reportaje
Decamerón Negro
Tomás Moro, una utopía
palabras funambulistas
Compañía Nacional de Danza
en portada
Sergi López
El auténtico oeste
5 8
entrevista Ana Belén
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Fotosíntesis alfonso lara
La última curva Un hombre -nos parece un funcionario- habla por teléfono antes de hacer su entrega. La anciana de la silla lleva sus humildes pertenencias en una bolsa de plástico blanca. El destino de ambos es ese lugar donde acaban los adoquines, al final de la última curva. Un día él ocupará la silla.
Alfonso Lara. Actor, director y guionista español. Resiste en Madrid.
Palabras funambulistas
Balas sobre ruedas
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Esquiva el primer coche, esquiva el segundo y sale derrapando hacia su izquierda. Se ha despistado sólo un momento y está reaccionando por instinto, sin llegar a asimilar todavía lo ocurrido. Así, pasa rozando la farola y se sube a la acera dando un susto de muerte a tres señoras que se habían reunido junto a la esquina para diseccionarse la mañana en fórmulas de costumbres conocidas. Salvan la vida o el moretón en las rodillas con un brinquito cómico, pero eficaz. Le gritan a su espalda, no se vuelve. Apenas tiene tiempo de reaccionar para maniobrar y no caer a la franja de césped, otro giro espasmódico con el manillar y se abalanza de nuevo sobre el asfalto, cruzando a traviesa el carril de dirección contraria, afortunadamente vacío, y alcanzando por fin la continuación del que era su trayecto original, antes de que esa locura atropellada de “intentar no matarse en un segundo de la manera más tonta” comenzase. Nadie viene por detrás. Tiene tiempo de enderezarse y estabilizar la velocidad, de coger aire por primera vez en los últimos dos minutos. Su pecho retumba como si llevara dentro una bomba de relojería tratando de abrirse paso a través de la caja torácica. El corazón tardará todavía un buen rato en recobrar la normalidad. Deja de pensar sólo en golpes y onomatopeyas, en acciones inmediatas, como hasta hace un segundo, su cerebro se reconcilia con el habla, recupera las palabras, y le comenta ingrávido que “casi nos matamos”. “Hay quién confunde subrayar lo evidente con pensar” se dice para sí como una respuesta automática que haría relamerse a cualquier psiquiatra. La confusión crece; no se decide entre mostrarse más incrédulo por haber estado a punto de morir o por el hecho de que al final terminara por no suceder. Resultado que parece no satisfacer a todo el mundo: a lo lejos la gente sigue dirigiéndole todo tipo de homenajes verbales, conductores incluidos. Pedalea. Pedalea. Puede oírlos. Respira. Pedalea. En una parada de autobús, un anuncio recordando la necesidad de respetar la seguridad vial, una interrogante del tamaño de treinta “hijo de la gran puta” gritados a coro por desconocidos presas del pánico le cruza el semblante. Le apetece pararse en seco. Volverse a la cama, dormir doce horas, no pensar en llegar a tiempo, o tarde… o nunca a la oficina, y hacer lo propio tal vez durante los próximos siete días. Sin embargo no ha sido para tanto, ha salido perfectamente indemne, puede continuar, y lo más probable es que hasta consiga fichar dentro de hora. ¡Es verdad! ¡La hora! Hace falta estar loco para saltarse así un semáforo sólo para no llegar tarde, sobre todo si tenemos en cuenta adónde va. Si todavía se hubiera jugado la vida camino del paraíso… Pero para llegar ¿A LA OFICINA? Si no soporta ese lugar, preferiría mil veces cada mañana dirigirse a cualquier otra parte del mundo. En qué diablos estás pensando, chico, en qué diablos estás pensando, idiota… Y entonces, por un instante, el silencio grita en su cabeza, la ceguera se derrama, la sordera estalla: ¿Y si lo que pretendía no era llegar a tiempo sino precisamente éso: no llegar, ni a tiempo ni nunca? El sudor se congela en su frente antes de descender hasta los ojos. Continúa aproximándose a toda velocidad al siguiente semáforo, que de nuevo avisa con el ámbar la frenada. No es un problema, hay espacio, tiene tiempo de sobra para detenerse, pero se repiten: el calambre en las manos, los dientes apretados, el cuerpo duro, la mente en blanco, y los dedos, que marcaban con tensión la palanca de frenos, por segunda vez en lo que va de mañana, deciden desprenderse de su tacto...
María Rivas de Bufalá
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Noticias + entre cajas
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Cumpleaños y nuevos caminos
Teatro hispánico en París Ocho espectáculos y un concierto configuran la programación del Festival Don Quijote de Teatro Hispánico de París, que este año celebra su vigésimo segunda edición entre los días 17 y 30 de noviembre en la capital francesa. Un año más, el teatro hispánico protagonizará el programa de la cita con ocho espectáculos y un concierto, concediendo la palabra y la escena a creadores procedentes de muy distintos horizontes, del cante flamenco de Montse Cortés a los autores más representativos de la dramaturgia contemporánea española. Juan Cavestany con la comedia negra de suspense El Traje y Alfredo Sanzol con Delicadas. Las nuevas escrituras, como la de Almudena Grandes y la adaptación de su novela Atlas de geografía humana, se conjugan con otras como la que Compañía Ferroviaria trasladará al escenario, El sueño de la razón de Buero Vallejo. El Festival Don Quijote sigue teniendo presente a los clásicos con las adaptaciones de El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca y La dama boba de Lope de Vega. Los acentos latinos llegarán desde México con De bestias, criaturas y perras de Luis E. Gutiérrez que la francesa Le Miroir qui fume pondrá en escena y, desde Uruguay, de la mano de Susana Lastreto llegará Noche de verano lejos de los Andes o... conversaciones con mi dentista. www.zorongo.com
Teatro a la gorra ArtEspacio Plot Point pone en marcha una nueva medida que puede ayudarte a luchar contra la crisis y la subida del IVA. Se trata del Teatro a la gorra, también conocido como taquilla invertida. Una iniciativa en la que el precio de la entrada lo pone el espectador, y no al revés. Antes de entrar a la función cada uno de los asistentes cogerá un sobre vacío. A la salida, podrá dejar el sobre en una urna junto con el dinero que considere que vale el espectáculo. Todos los miércoles de noviembre podrás decidir cuánto vale el teatro para ti. Entra aquí para saber los detalles de esta iniciativa y la programación disponible: www.plotpoint.es/teatro-a-la-gorra
Me llega la invitación del decimoctavo cumpleaños de un espectáculo teatral patrio: La Katarsis del Tomatazo. Si los británicos han presumido durante años de la larga vida de La ratonera, por qué no hacerlo aquí con un montaje que está tan vivo que este sí que nadie lo ha visto dos veces… de lo que cambia. No es el mismo número de años pero no deja de ser un mérito llegar a esta edad teatral y absolutamente fresco. Nació como la parte práctica del aprendizaje de la escuela de Cristina Rota y ha visto surgir a muchos de los actores que ahora triunfan en escenarios y cines. Entre ellos, Ernesto y Malena Alterio, Juan y María Botto, Aitor Merino, Nathalie Poza, Roberto Álamo, Marta Etura, Secun de la Rosa, Aitor Merino o Raúl Arévalo, entre otros. Sin olvidar a esa maravilla de actriz y mujer que es Nur Levi. O a Alberto San Juan, quien, siguiendo las pautas del amor al teatro que aprendió de su maestra Rota se hará pronto cargo de la sala Triángulo. En la profesión, había preocupación por el futuro de esa sala y no son tiempos para dejar morir un espacio para las artes escénicas. Sigo pensando que tenemos un Madrid off de lujo. Y seguro que el actor madrileño pretende seguir apostando por el buen teatro. También han surgido otros espacios, yo diría que “intermedios” en Madrid en las últimas semanas. De todos, el que más despierta mi interés es La Strada. Lo que durante años fue el teatro Arlequín. Está en un lugar envidiable y parece estar siendo programado con mimo. Me tranquiliza. Seguir ofreciendo al público espectáculos de altura ayudará a la permanencia de este arte que no parecemos valorar en ocasiones. Otras ciudades se han unido a esta idea de trabajar teatros pequeños, con programaciones alternativas que ejercen un especial atractivo para la gente joven. ¡Fundamental! El camino hacia la cartelera no se aprende de mayor. Bilbao, por ejemplo, disfruta de Pabellón 6, una especie de cooperativa que pusieron en pie entre muchos pequeños socios (atención a Cabaret chihuahua). Valencia, dispone de un coqueto espacio llamado Espai Rambleta que también apetece mucho. Zaragoza, ciudad que no deja de maravillarme, goza de lugares como el Teatro de las Esquinas o El extintor que da gusto visitar. Así voy aprendiendo a mirar el futuro escénico con ilusión. El mismo futuro que espero para una compañera cuya salud acaba de jugarle una mala pasada y a quien, desde aquí, quiero mandarle el mayor de mis afectos. La vida sigue… pero mejor si es aún con ella.
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
de benito pérez galdós teatro maría guerrero Del 11 de octubre al 24 de noviembre
Versión y dirección: Ernesto Caballero
Coproducción:
Reparto (por orden alfabético) José Luis Alcobendas Diana Bernedo Lola Casamayor Roberto Enríquez Karina Garantivá Alberto Jiménez
Jorge Machín Toni Márquez Julia Moyano Paco Ochoa Belén Ponce de León Vanessa Vega
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teatro valle-inclán Sala Francisco Nieva Del 30 de octubre al 24 de noviembre
IDEA y creación: Chévere Una producción de:
Colaboración:
Reparto (por orden alfabético) Manuel Cortés Miguel Lira Patricia de Lorenzo Borja Fernández Mónica García Iván Marcos Pepe Penabade Arantza Villar
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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danza
Compañía Nacional de Danza
Sub Itzik Galili/Michael Gordon
El director de la compañía, José Carlos Martínez, ha elegido para esta ocasión tres piezas, dos de ellas de estreno, de tres coreógrafos que están entre los más relevantes de la escena contemporánea actual a nivel internacional Del 14 al 24 de noviembre
Teatro de la Zarzuela
Fundador y director artístico de Dansgroep Amsterdam (2009/2010) y de NND/Galili Dance, Groningen (19972008), Itzik Galili tras la aclamada por la crítica y nominada a numerosos premios A Linha Curva, volvió a los escenarios con este trabajo lleno de energía. La CND estrena esta coreografía para siete hombres en la que se entrelazan momentos grupales con solos, dúos, tríos. La música de Michael Gordon de complejidad rítmica determina la estructura coreográfica en una puesta en escena en que los elementos principales, la coreografía, la música y la iluminación (realizada por el diseñador de luces Yaron Abulafia), se unen para formar un todo con un sentido del equilibrio que pocos artistas pueden lograr.
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Falling Angels Jirí Kylian/Steve Reich Estrenada por el Nederlands Dans Theater en el AT&T Danstheater de la Haya el 23 de noviembre de 1989 y por la CND el 25 de mayo de 2004 en el Teatro Real de Madrid. Esta pieza del coreógrafo checo Jirí Kylián es un magnífico ejemplo del recurso estilístico denominado ‘phasing’ en el que la estructura rítmica crea un ambiente subterráneo flotante sobre el que la coreografía es libre de desarrollarse independientemente. El resultado es un vuelo excitante y frontal de ocho bailarinas bajo la música de Steve Reich que se inspiró en los rituales de percusión de Ghana, en África Occidental, para crear esta composición.
Minus 16 Ohad Naharin/varios
FOTOS: Sergio Parra
Es la primera vez que la CND pondrá este trabajo sobre un escenario. Estamos ante una pieza que cuenta con una ecléctica partitura que va desde Dean Martin al mambo o del tecno a la música tradicional israelí. Minus 16 de Ohad Naharin utiliza la improvisación y el aclamado método ‘Gaga’ de Naharin, un lenguaje único de movimiento que rompe con los viejos hábitos, empujando a los bailarines a desafiarse a sí mismos de maneras nuevas y diferentes. La obra es única debido a la ruptura con la barrera entre los intérpretes y los espectadores. La coreografía no sólo se deleita en su propia excentricidad sino que también celebra el gozo de bailar desarrollando elementos de impredecibilidad y diversión que hace de cada actuación algo diferente.
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danza
Madrid en Danza Regresa, a pesar de la crisis, la cita anual de nuestra comunidad con la danza. Este mes se desarrolla la XXVIII edición del festival como siempre con una variada programación
Del 5 al 24 de noviembre
Varios espacios
La XXVIII edición del Festival Internacional Madrid en Danza contará con la presencia de 23 compañías de todo el mundo, y entre ellas nueve madrileñas. Como herramienta de proyección para los creadores regionales, la programación de Madrid en Danza incluye también la celebración de Ventana de la Danza Madrileña, donde los jóvenes creadores de la Comunidad exhibirán 18 producciones de pequeño y mediano formato ante unos 150 directores de teatros, festivales y eventos, y otros expertos internacionales. Esta edición presta especial atención a una nueva generación de creadores que pisan con fuerza los escenarios como Janet Novás, Iker Arrúe, Lesley Telford, Sharon Fridman, Lucio Baglivo, Manuel Liñán, Mónica García, Rocío Molina, Poliana Lina, Elías Aguirre, Pablo Esbert y Jean Philippe Dury, entre otros. Otros artistas nacionales programados son Sara Calero, Daniel Doña o Rafaela Carrasco, y compañías como Nova Galega de Danza o Sonakay, que parten de la danza tradicional, el flamenco, la escuela bolera o la danza estilizada para generar nuevas estéticas y temáticas. Tampoco podían faltar este año las obras de dos de las personalidades más importantes en el desarrollo de la danza contemporánea en España: Cesc Gelabert y Teresa Nieto, así como las últimas obras de Daniel Abreu y Carmen Werner. En el apartado internacional destacan nombres como el de la compañía japonesa de butoh Dairakudakan, el coreógrafo británico de origen bangladeshí Akram Khan, la compañía china TAO Dance Theater o el colombiano Tino Fernández. Además, el ciclo Francia Baila plasmará las tendencias actuales más importantes de esta disciplina en el país vecino. La programación se completa con un ciclo dirigido a la sensibilización de nuevos públicos para la danza, a la vez que desarrolla distintas opciones culturales para las familias: Doble de Danza. www.madrid.org/madridendanza/2013 La primera foto corresponde a Anunciación de la compañía francesa Dernière Minute de Pierre Rigal; la segunda a Cesc Gelabert, la tercera a Virus, de la compañía japonesa de butoh Dairakudakan; y la cuarta a Desh, de Akram Khan.
Del 27 de noviembre al 15 de diciembre de 2013
Un espectáculo hermoso sobre lo que nos seduce
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“Emocionante…” “No había visto nada igual…” “Hay que vivirlo”
23/10/13 11:26
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Entrevista
Tras La Chunga, el teatro Español continúa acercándonos la obra dramática de Vargas Llosa. Ahora es el turno de Kathie y el hipopótamo con Ana Belén como protagonista y dirigida por Magüi Mira Desde el 16 de noviembre
Matadero
FOTOS: Sergio Parra
Ana Belén
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¿Qué característica del texto enseguida te indica que estás ante una obra de Vargas Llosa? El lenguaje, obviamente, es riquísimo. Y nos está costando hacernos con el texto por ese motivo. Cuando te enfrentas a él te das cuenta que nosotros los ciudadanos de a pie hemos perdido esa riqueza porque hemos limitado nuestro lenguaje tanto que cuando encontramos esta exuberancia te cuesta interiorizarlo.
cosas muy claras pero también está muy abierta a que haya una retroalimentación con lo que los actores vemos en los ensayos y con lo que va surgiendo. Llevamos todavía pocas semanas trabajando y todavía todos estamos descubriendo muchas cosas del texto. Para decírtelo de una forma corta, el trabajo con Magüi se puede definir como fácil. Eso no quiere decir que no estemos realizando un trabajo muy intenso, que te puedo asegurar que lo estamos haciendo.
Ante todo hay que decir que es una comedia, ¿no? Sí. Cuando Magüi Mira me llamó y me dijo léete este texto me encontré con una obra que no conocía. Luego supe que es una obra bastante desconocida de él. Ella me dijo que era una comedia y pronto me di cuenta lo atractiva que era de interpretar y de la riqueza de los cuatro personajes que aparecen, que continuamente están inmersos en un fascinante juego de interpretación que da a todo un tono muy cómico.
¿Cada cierto tiempo regresar al teatro es una parada obligatoria? Cada vez que me ofrecen un proyecto interesante yo me lanzo porque me gusta tanto, me apasiona tanto, me da tantas posibilidades de seguir aprendiendo, no sólo de la profesión sino de mi propia capacidad para llegar a ciertas cosas, que no puedo evitarlo. Siempre digo que es como volver al útero materno, al comienzo de todo. Probablemente es donde uno avanza más en esta profesión porque tiene un recorrido más largo, puedes probar diferentes cosas hasta que funcione, eso sólo te lo da este tipo de trabajo en el que puedes incluso permitirte equivocarte.
Ese juego interpretativo viene de los diferentes planos de realidad que nos presenta el autor. Parece algo complicado de llevar a escena, ¿Cómo vais a hacerlo? Magüi lo tiene muy claro, pero estamos trabajándolo mucho para enterarnos nosotros (risas). Es que es complicado, tanto que esta obra nunca se había montado profesionalmente. Se muestran tres planos distintos: la realidad de lo que está ocurriendo en el momento, los recuerdos o como ellos imaginan esos recuerdos y los sueños de cada uno. El otro día, por ejemplo, pasamos el primer acto ya acabado para que lo viera gente del equipo, vestuario, escenografía... y fue muy gracioso porque decían que sorprendentemente lo habían entendido todo. Es que vamos de un plano a otro de repente y tenemos que tener cuidado de que nadie se pierda. Sin duda, va a resultar muy divertido para el público verlo. ¿Cuánto ha estado involucrado Vargas Llosa con el montaje? Sé que Magüi y él han trabajado juntos sobre el texto y cuando a nosotros nos ha llegado esa labor ya estaba hecha. Al comienzo del proyecto sí que nos reunimos con él, fue encantador y nos estuvo contando de la obra y de la ausencia de otros montajes sobre ella para tomar como referentes. Se mostró muy agradecido por que la lleváramos a escena. Magüi Mira además de directora es actriz. ¿Facilita eso la comunicación con ella al dirigirte? Beneficia en muchos sentidos. Partimos de la base de que es una persona que llega a los ensayos con las
¿Hay mucho orgullo de madre al oír la música de la obra compuesta por tu hijo David San José? Sí claro, pero es que David lleva tiempo trabajando en los montajes de Magüi. Magüi se siente muy comprendida por él y trabajan muy bien juntos. David Hinarejos
Kathie y el hipopótamo Dirigida por Magüi Mira está protagonizada por Ana Belén, Ginés García Millán, Eva Rufo, Jorge Basanta y David San José. La obra nos presenta a Kathie, una mujer de la alta sociedad limeña, que contrata a un profesor para que escriba un libro sobre el viaje que ella ha realizado por Asia y África. A partir de ahí, asistimos a una reflexión sobre el origen de los relatos y sobre la fantasía y la imaginación con la que creamos historias que no han ocurrido en la realidad. “Cuando escribí la pieza -escribió Vargas-Llosa-, no sabía qué tema profundo eran las relaciones entre la vida y la ficción”.
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reportaje
D E C A M E R O N N E G R O
La veterana compañía valenciana L’OM-Imprebís, más internacional que nunca, presenta un espectáculo basado en historias eróticas africanas, que mezcla teatro, música y danza y cuyo objetivo fundamental es contagiar la alegría de vivir Del 27 de nov. al 15 de dic.
Teatros del Canal
FOTOS: Nacho Arias
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La crisis actual, mejor calificada como estafa, podría denominarse también como peste en un ejercicio alegórico. En la Florencia de 1348, un grupo de jóvenes se refugió en una villa para ponerse a salvo de la peste que asolaba la ciudad. Allí encerrados, contrarrestaron la mortalidad de las calles, con la vitalidad de las historias de sexo, lujuria, juego y amor que dieron origen al Decameron de Bocaccio. Hoy y ahora, el pesimismo, el cinismo y la negatividad que machacan el día a día de nuestro mundo puede ser muy bien contrarrestado con un espectáculo como este, que recoge aquella herencia lúdica para poner en escena una visión de África en nada parecida a lo que nos enseñan los telediarios. África está hoy más jodida que nunca por culpa de la explotación occidental y de las religiones monoteístas y totalitarias. Pero el ADN africano es festivo, es sensual, es musical. Y este Decameron Negro viene a recordárnoslo.
Teatro Kotebá. Espectáculo total
Antes de Decamerón Negro, L’Om-Imprebís estrenó Tío Vania L’Om-Imprebís de Chéjov. Esto ya da una idea de lo que es la esencia de esta compañía que empezó haciendo teatro de improvisación y que está a punto de cumplir 30 años. Como dice su director Santiago Sánchez, “nos movemos por un gran amor hacia lo que es el teatro como momento mágico de comunicación de emociones y sentimientos entre artista y espectador, y eso se puede hacer con un Chéjov o con una improvisación o con una canción”. Brecht, Camus, Cervantes, Koltés o los Monty Python se han mezclado en su carrera con los temas africanos que desplegaron en Orígenes y en este Decameron Negro que estrenan ahora.
La Compañía
Santiago Sánchez dirige un montaje en el que se recurre a los rudimentos del teatro kotebá, una forma de escenificar típica de las regiones del Alto Volta africano, donde se borran las fronteras entre géneros y entre las edades de los espectadores. Es un espectáculo donde los ejecutantes se sirven de todas las armas inventadas por el hombre para contar historias: la narración oral, el canto o la danza iniciática. Hecho a base de las historias que recogió el pionero explorador Leo Frobenius a principios del siglo XX (publicadas como Decamerón Negro en castellano por Ortega y Gasset en1925) y con otras que Imprebís ha ido recogiendo, con la inestimable ayuda del griot de Burkina Faso Hassane Kouyaté, co-autor junto con Sánchez del espectáculo, en escena un grupo de actores de Angola, Guinea, España y Cuba juegan con conceptos como la fertilidad y la condición de cuna cultural de la Humanidad que tiene África. El hombre y su mejor invención, la cultura, nacieron allí y desde allí llegaron a los 5 continentes. Álvaro Vicente
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reportaje FOTO: Javier Naval
Del 6 de noviembre al 1 de dic.
Teatro Fernán Gómez
Alfonso Lara como protagonista y director nos trae el primer montaje español de esta obra de Ödön Von Horváth, rabiosamente actual pese a que fue escrita hace 75 años.
Alfonso Lara estaba en París de gira con Animalario, presentándole Urtain a los franceses. Y estando allí vio que La Comèdie Française preparaba un montaje de El divorcio de Fígaro. Él ya conocía la obra, pero no sabía hasta qué punto es importante su autor en muchos países de Europa y América. No en España, donde apenas se le conoce. Valgan dos apuntes de su biografía para ejercer de imán, antes de entrar a hablar de la obra. Horváth escribió El divorcio en 1937, en pleno ascenso del régimen nazi, que prohibió sus obras y lo puso en la lista negra de artistas degenerados. Un año después murió en los Campos Elíseos de París fulminado por un rayo durante una tormenta. Y en París se lo encontró, inmortal y eterno, Alfonso Lara. Actor sobre todo, Lara le tenía ganas a la dirección y esta fue su apuesta. ¿Por qué esta obra y no otra? “Me gustó mucho lo actual que es”, responde el actor. “Honestamente, parece que está hablando de España ahora mismo, porque habla de una sociedad corrupta que se derrumba, en la que tan corruptos son
los señores como los revolucionarios, y si no lo son, al tiempo. Ahí está si no la figura de Fígaro como gran cínico. Habla también de la emigración, de lo difícil que es buscarse la vida en otros países, donde no nos aceptan tan fácilmente como cabe esperar. Y habla de la pareja, de las crisis de pareja, del amor”. Todo esto se refleja en la historia de Fígaro y Susana, su mujer, que tras la Revolución Francesa huyen del país junto a sus señores, nobles que verán su decadencia. Ellos, libres de la servidumbre, inician una nueva vida con un negocio propio. Susana quiere tener hijos. Fígaro se niega. “Fígaro gasta un anarquismo humanista que lo convierte en alguien radicalmente libre que desconfía de cualquier bandera”, dice Alfonso Lara. Personaje heredado de Beaumarchais, en esta obra es, como el resto de personajes, esqueletos de los que encontramos en Las bodas de Fígaro. En un montaje humilde pero bien compactado, donde se intuyen ecos circenses en su esencia, su ética y estética, el sillón de barbero es el centro de poder.
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Entrevista
Sergi López Junto a Jorge Picó, el actor catalán protagoniza 30/40 Livingstone, un encuentro muy surrealista entre un hombre que huye y un hombre-ciervo. Antropología, tenis y, sobre todo, mucho humor Del 20 de noviembre al 8 de diciembre
Teatro de La Abadía
No hacías teatro desde Non Solum, también con Jorge Picó. ¿Ya sólo trabajas con gente de confianza? No, lo que pasa es que desde el estreno de Non Solum al estreno de 30/40 Livingstone ha pasado mucho tiempo, porque Non Solum lo he estado girando más de cinco años, lo he hecho en francés, en catalán y en castellano. De todas formas, es verdad que Jorge y yo nos entendemos muy bien, aunque somos muy distintos. Él es más culto, más leído, ha visto mucho teatro, tiene carrera universitaria... y yo soy el otro, el que no tiene ni idea pero tiene una gran curiosidad que me lleva a preguntarme cosas que a Jorge le fascinan. Mi ignorancia le fascina (risas). Dicen que el maestro Lecoq quería que sus alumnos llegaran a “reinventar la realidad en un teatro de creación vivo, popular y atado al misterio de la vida”. ¿Cómo lo hacéis vosotros? Nosotros somos bastante kamikazes, porque empezamos a trabajar en este espectáculo sin tener ni idea de lo que queríamos contar, sólo teníamos claro que queríamos trabajar juntos y en lo que nos gusta, que es teatro de creación. La ventaja y la desventaja al mismo tiempo que tiene trabajar en algo vocacional, que te gusta tanto, es que estás trabajando todo el día. En cuanto nos ponemos en marcha, cualquier cosa, una frase, una noticia del periódico, una idea que surge azarosamente... todo lo llevamos al ensayo y probamos en improvisaciones. Teníamos claro desde el principio que no queríamos estar en un mismo plano, que habitábamos universos distintos. Luego apareció la idea de que un humano hablara con un animal salvaje, pero no queríamos que el animal se comportara como tal, sino que caminara erguido como un humano. También la crisis de los cuarenta está en juego. En fin, poco a poco vamos conformando una dramaturgia, aunque no dejamos nunca de cuestionarlo todo, de hacernos preguntas. 30/40 Livingstone se presenta como un espectáculo de humor, tenis y antropología. ¿Podrías desgranar cada uno de los términos? Empecemos por la antropología. La historia que contamos es la de un hombre que va a ver a su padre y le dice: mira, aquí
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a mí me falta algo, me siento vacío, me quiero ir, cambiar de vida. Y el tío se va a un sitio, que no sabemos muy bien cuál es, porque el escenario es el mismo, y siempre está recubierto de hierba verde como de peluche. Tiene algo onírico el espacio, porque el lugar al que se va este hombre es una especie de espacio intelectual, no es un sitio concreto. Allí, además de anacondas, níscalos y pulpos, el tipo se encuentra a otro tipo, vestido con americana, que lleva unos grandes cuernos de ciervo. Al verlo empieza a hacerse preguntas: ¿es un dios, un animal salvaje, un tío con cuernos? En este sentido es antropológico, porque de lo que se trata es de mirar al hombre de otra manera. ¿Y el tenis? Lo del tenis es porque necesitábamos que ese hombreciervo tuviera una actividad humana. Una oficina no nos convencía, así que como Jorge jugó al tenis cuando era joven, probamos y nos encantó, fue toda una revelación. El tenis nos ayuda para hablar de unas reglas, de unas normas, de un público que está allí y que dicen silencio por favor y todo el mundo se calla, un público muy educado, muy obediente, que no cuestiona al juez... Curiosamente el padre del protagonista también es juez. Todo tiene una fuerte carga simbólica. Y, por último, el humor... Precisamente a nosotros hablar simbólicamente nos da mucha pereza y el humor nos sirve para desdramatizar, para darle una pátina más cachonda, más de payaso, que es lo que siempre estamos haciendo en realidad. Todo está visto desde un punto de vista cómico, aunque no queramos, porque somos así. Tu personaje es un charlatán contradictorio, por fuerza insatisfecho, según la definición que da el dossier de prensa. ¿Contradicción e insatisfacción son dos características muy comunes del hombre contemporáneo? Este tío se quiere ir, quiere cambiar de vida, buscar la libertad, pero en el fondo a la mínima repite los modelos aprendidos de su padre con el pobre ciervo. Finalmente le mueve el poder, tenerlo o no tenerlo. Eso le hace, y nos hace, caer en contradicciones e insatisfacciones. La verdad es que estamos un poco perdidos, los hombres más que las mujeres creo. ¿Es necesario enfrentarse al animal para volver a tomar conciencia de lo humano? La respuesta no la sabemos muy bien. Nos cuesta mucho lanzar un mensaje, preferimos hacer preguntas que dar respuestas. Aunque luego escogiendo según qué tipo de preguntas ya estas dando un punto de vista sobre el universo. Ni siquiera nosotros estamos de
acuerdo del todo con el final de la función, pero nos gusta. Sólo puedo decir que la risa se acaba... Intrigante. Antes de acabar, quiero preguntarte por la situación de la cultura, el cine, el teatro en España comparado con Francia, donde tú trabajas tanto. ¿Cómo lo ves, qué opinión tienes de todo esto que está pasando? En Francia les viene ahora también, están pasando cosas, cuesta más con la crisis encontrar financiación, aunque la crisis es para los de siempre, porque los bancos siguen ganando dinero, pero bueno, este es otro tema. Como te digo, cuesta más financiar las películas y las grandes empresas de distribución están maniobrando para quedarse con el monopolio de la producción y la distribución. Pero aquí estamos mucho peor. Allí aún estando mal, a ningún ministro se le ocurriría decir que el cine o el teatro, que los hospitales, que la educación no funciona porque se hace mal, porque es de mala calidad. Allí no se atreverían, vamos, les daría vergüenza, es impensable. Decir algo así es de poca vergüenza y además de una profunda ignorancia, porque tú vas a Francia y te encuentras a españoles trabajando en cosas de altísimo nivel, en Estados Unidos igual, y el talento, la calidad, no tiene nacionalidad, no es de ningún sitio. Es muy cutre pensar que un producto, por ser de un país, tiene una calidad inferior. Pero todavía es más cutre cuando el que lo dice es un ministro del propio país. En fin, da mucha vergüenza, porque es un discurso que baja mucho el nivel. Si necesitamos crecer entre todos, esto no ayuda, desde luego. Álvaro Vicente
30/40 Livingstone Escrito, dirigido, concebido espacialmente e interpretado por Sergi López y Jorge Picó, es el segundo espectáculo, tras Non Solum, que comparten ambos, en este caso en un montaje donde hay un gran protagonismo del humor, el tenis y la antropología y en el que un hombre de hoy decide dejarlo todo y marcharse en busca de aventuras. López es un explorador en permanente búsqueda que encuentra a Picó, una quimera con forma de animal. Un despliegue de trabajo corporal en la mejor tradición de la escuela parisina de Lecoq, donde ambos artistas se conocieron a principios de los 90.
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reportaje
EUROZ NE El CDN acoge la última producción de la compañía gallega Chévere, un panfleto teatral sobre la crisis de la zona euro bajo la dirección de Xron Podríamos habernos centrado en hablar de los interesantes elementos que conforman esta propuesta y seguramente eso hubiera valido para plantar una pequeña semilla de interés por descubrir este montaje. Pero muchas veces, y ante tanta oferta, lo que nos hace elegir un espectáculo antes que otro son algunas cuestiones que, si bien estrictamente no tienen que ver con lo que vamos a ver, es innegable que le confiere un carácter diferente a la producción que vamos a encontrar. Éste es uno de esos casos en que lo que hay detrás es tan, o más importante, que lo que veremos en escena. Eurozone es un montaje de la compañía Chévere que quizás no os suene si no os habéis movido por tierras gallegas pero que allí es de sobra conocida. La compañía ha mantenido una línea teatral durante sus 25 años de andadura basada en una importante dosis de activismo y compromiso social, un peculiar sentido del humor y una estética propia y reconocible. En 1992 trasladaron su espíritu creativo a la Nasa (Nave de Servicios Artísticos), su sede en San-
Hasta el 24 de noviembre
Teatro Valle-Inclán
tiago de Compostela desde la cual abrieron las puertas a toda una serie de creadores y formas teatrales diferentes llegando a aportar un 20% de la producción escénica presente en la ciudad. Sin embargo, desde 2009 fueron el objetivo de los ataques y denuncias del líder local del PP, Conde Roa, llegándoles a acusar incluso de colaboración con el terrorismo. Cuando éste salió elegido alcalde en 2012 (sólo duraría un año ya que tuvo que dimitir tras la imputación por fraude fiscal, que después se convirtió en una condena de dos años de prisión) y ante el futuro que se les avecinaba con el cese de cualquier ayuda y colaboración del ayuntamiento y las presiones que ya soportaban se vieron obligados a cerrar. Ahora Chévere ha establecido su sede en el concejo de Teo, cercano a Santiago, donde llevan a cabo un proyecto de residencia teatral de otra naturaleza, pero manteniendo el espíritu combativo de la Nasa.
Una farsa sobre la crisis... del concepto Europa Si en su anterior trilogía Citizen hablaban sobre
FOTOS: Natasha Lelenko
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la globalización, el fenómeno Zara y Amancio Ortega, Eurozone, por su parte, centra su discurso sobre la crisis de la Eurozona, una crisis económica, social y, sobre todo, una crisis profunda de las prácticas democráticas. Una farsa en la que no falta la comedia y en la que se establece un diálogo en escena entre la película Reservoir Dogs de Tarantino y el lenguaje de la publicidad, de los casinos online, los bailes de salón y el argot económico que inunda nuestro día a día para retratar a una clase dirigente europea que se ha convertido en una banda de delincuentes amparados en la legalidad. Este retrato toma forma en la historia a través de un grupo de personas que acaban de cometer el atraco del siglo. Sin embargo, algo salió mal, y ahora, encerrados en un edificio,
La Compañía
saldrán a relucir sus frágiles relaciones, la lógica de sus decisiones o de dónde viene su psicosis. Como en anteriores ocasiones este montaje es el resultado de una apuesta de la compañía por el trabajo de creación colaborativa, en el que ha participado todo el equipo de actores y actrices, incluso la gente a través de internet, y que se fue articulando desde cero a lo largo de dos meses de ensayos. Esta producción es una demostración del compromiso de la compañía que en un momento de recortes brutales y generalizados ha asumido una producción ambiciosa con 8 actores y actrices que están en escena todo el tiempo y con un montaje escenográfico importante. La dirección y la dramaturgia final corre a cargo de Xron. David Hinarejos
Es una compañía con 25 años de trayectoria, comandada por Miguel de Lira, Patricia de Lorenzo, Xron y Manuel Cortés. En este tiempo ha actuado en cientos de pueblos y ciudades de toda Galicia, España, Portugal y otros países europeos, latinoamericanos y africanos. Chévere ha hecho espectáculos de muy diferentes estilos y formatos y ha trabajado en espacios poco convencionales: en la calle, en barcos, aeropuertos, carpas de circo, escaparates, ríos, puertos... siempre con el humor como filosofía y la risa como expresión. En 1992 crearon la Nave de Servicios Artísticos‐Nasa, un espacio cultural independiente situado en la ciudad de Santiago de Compostela, ocupándose de la dirección artística hasta su cierre a finales de 2011. Desde 2012, la compañía trabaja en residencia en el Concello de Teo (A Coruña). En los últimos años ha diversificado su teatro de operaciones en distintas áreas de actuación, como respuesta a la complejidad actual de los procesos creativos y a la crisis de financiación de la cultura. Ha participado en proyectos audiovisuales como Pepe O Inglés (serie emitida en televisión) o Crebinsky, o filme (largometraje en cine). Ha ejecutado innovadores proyectos de creación en internet como Amores prohibidos 2.0, junto a un grupo de adolescentes. Y ha convertido su teatro en una herramienta de divulgación, sensibilización y comunicación transversal a muchos sectores de actividad.
Chévere
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Entrevista
Juan Echanove Hasta el 19 de enero
Teatro Bellas Artes
Dirige, y protagoniza junto a María Galiana, Conversaciones con Mamá, una comedia adaptada por Jordi Galcerán sobre la relación de una madre con su hijo en medio de la crisis
El texto es una adaptación de Jordi Galcerán de la película de Santiago Carlos Oves. ¿La has llegado a ver? La vi mucho antes de empezar con la función porque trabajaba un gran amigo mío, Ulises Dumont. No la he querido revisar después porque al tener que dirigirla no quería que me condicionara. De todas formas la adaptación toma distancia de la película porque he conseguido que los personajes lleguen más y sean más de carne y hueso. La película se estrenó en Argentina en un momento de profunda crisis. Y en ese contexto se situaba a los personajes. ¿Ahora el público español está más preparado para que esta historia les llegue? Yo estaba en Argentina trabajando por aquel entonces y nadie podía pensar que aquella situación pudiera darse en nuestro país. Lo suyo fue mucho peor pero es cierto que lo que aborda la obra, que es como un hijo pierde su trabajo y tiene que recurrir a su madre para que venda su casa para ayudarle, es una situación que ahora, por desgracia, está aquí a la orden del día. La obra plantea cómo los hijos cuando crecen piensan que su vida es más importante que la de sus padres. Exactamente. Lo único que cambia esa manera de pensar es nuestro propio envejecimiento. El día que nosotros tengamos 70 años y descubramos que todavía tenemos ilusiones, esperanzas o amores sólo esperaremos que nuestros hijos sean capaces de entenderlo. No valoramos a los mayores ni respetamos que puedan llevar una vida plena. ¿Quién tiene el papel más complicado, el hijo que tiene que tragarse su orgullo o la madre que debe sacrificar lo que tiene para ‘salvar’ a su hijo? El hijo, porque reconocer las miserias de uno mismo es muy complicado. Pero, por otro lado, es la madre la que tiene que renunciar a más cosas. Galcerán les pone un espejo delante para que se den cuenta de lo que supone para cada uno esta situación. ¿Cómo surge este proyecto con María? Llevábamos tiempo dándole vueltas a hacer algo juntos. Y cuando me llegó, enseguida vi que era la oportunidad. María, aparte de una verdad escénica apabullante, tiene algo fundamental que es el placer por lo excelente. No se conforma con lo bueno, busca mejorar en cada función y eso conecta mucho con mi manera de ser. David Hinarejos. Puedes leer el resto de la entrevista en: www.escenagodot.com
Conversaciones con Mamá Mamá tiene ochenta y dos años y su hijo Jaime, cincuenta. Ambos viven en mundos muy diferentes. Jaime tiene mujer, dos hijos, una hermosa casa, dos coches y una suegra que atender. Mamá se las arregla sola y sobrelleva su vejez con dignidad. Pero un día ocurre lo inesperado y la empresa para la que trabaja Jaime lo deja en la calle por razones de reajuste de personal. La lamentable situación lo lleva a decisiones drásticas porque no puede mantener su tren de vida. A lo largo de una hora y media veremos como Juan y su Madre conversan alrededor de un espinoso tema que dentro de su intimidad familiar hace saltar chispas en forma de risas, y alguna que otra vez nos humedece los ojos. La madre tendría que abandonar la casa familiar para que su hijo pudiera venderla y salir del trago que atraviesa su familia por culpa de la crisis, pero ella ya tenía otros planes...
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reportaje
Tomás Moro, una utopía
Vida y muerte de un personaje histórico único en una obra dirigida por Tamzin Townsend que se representa por primera vez en nuestro país Del 7 al 24 de noviembre
Teatro Fernán Gómez
Lo primero situemos al personaje. Tomás Moro, pensador, teólogo, político, humanista, abogado y escritor inglés, llegó a ser canciller de Inglaterra durante el reinado de Enrique VIII. En 1530, se negó a firmar la carta que solicitaba del Papa la anulación del matrimonio del rey con Catalina de Aragón. En 1534 rechazó repudiar al Papa, y fue encarcelado y posteriormente decapitado en 1535. Tras su oposición al rey su figura quedó relegada en la historia a un segundo plano por el hecho sustancial de ser un católico devoto en medio de una Inglaterra que por imposición real se alejaba de Roma inexorablemente. Sin embargo, sus fuertes convicciones morales, su trabajo en el campo de la filosofía y su gran valor como hombre de estado dejaron una huella de tal envergadura que autores de la talla de William Shakespeare, Anthony Munday, Herny Chettle, Thomas Dekker y Tomas Heywood trabajaron en un texto que muy a pesar de la corte inglesa ensalzaba su figura. Que esta obra teatral llamada Sir Thomas More tardara casi 400 años en estrenarse en Inglaterra hasta que en 1964 se representó en los escenarios con Ian McKellen de protagonista nos da una idea de lo controvertido del personaje.
El estreno, muy esperado, en España Es la primera vez que veremos la obra en nuestro país sobre un escenario gracias a la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR) que ha puesto en pie este proyecto como continuación lógica de la obra
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UNIR Una apuesta por el teatro En su extensión cultural, UNIR ha optado por el arte dramático como punta de lanza de su acción de enriquecimiento cultural para que sus alumnos, ex-alumnos, profesores, amigos y público general puedan vivir actividades colectivas fuera de su estricto ámbito académico. UNIR, que ya cuenta con 15.000 alumnos, desarrolla un amplio programa de actividades teatrales. Para el próximo curso 2013-2014 se prevé que comience el Máster de Dirección y Dramaturgia de la UNIR, con un estamento docente de reconocido prestigio en el teatro español. Entre otras actividades, la Universidad en Internet ha promovido diversos encuentros teatrales, como en Barcelona, con la puesta en escena de El chico de la última fila, de Juan Mayorga, en el Institut del Teatre o el patrocinio este año de la gira de Enrique VIII, que la compañía Fundación Siglo de Oro estrenó en el Globe de Londres y que ha podido verse por más de una decena de ciudades españolas.
Enrique VIII de la compañía Fundación Siglo de Oro (Rakatá) que este año han patrocinado. Al frente de esta producción se encuentra como directora Tamzin Townsend, que ante todo quería “contar una historia sobre Tomás, cómo fue su viaje y quién fue la gente que le marcó y le acompañó hasta el final. Sobre un momento en el cual las reglas se cambiaron de repente y poca gente tenía la fuerza para protestar”. La adaptación, por su parte, que corre a cargo de Ignacio García May, introduce una nueva figura en la obra, la de ‘el historiador´, y retoca algunos pasajes porque “en la pieza hay momentos abiertamente cómicos y otros muy dramáticos y era preciso pasar de unos a otros de forma fluida, sin sobresaltos, de manera que se han eliminado algunas escenas y cambiado otras de sitio”, admite el propio García May. La obra, que comienza y termina en el momento de su ejecución, se divide en tres partes: Moro político que resuelve los problemas de una revuelta en Londres; Moro familiar; y Moro al que el rey manda decapitar por su fidelidad a Roma. En esos momentos de su vida, Moro se cruzará con una serie de personajes históricos como Erasmo de Rotterdam o el Obispo de Rochester, John Fisher. Para ayudar al público a situarse en los momentos históricos que se abordan, en todo momento estará presente la figura del historiador, que a modo de coro shakespeariano reflexionará sobre lo que acontece en el escenario. José Luis Patiño como Tomás Moro y Ángel Ruiz como el historiador encabezan el reparto de este drama histórico que está a la altura de las obras más reconocidas de Shakespeare.
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estrenos
Hace casi 20 años un grupo de jóvenes actores estrenó El verdadero oeste en la añorada sala Ensayo 100, una de las primeras salas alternativas abiertas en los 80 que revitalizó el teatro en Madrid y una de las primeras en caer también de aquella hornada. Ahora, otro grupo de jóvenes actores vuelve sobre el texto de Shepard, cambiando ‘verdadero’ por ‘auténtico’. Sobre gustos... ya se sabe. El caso es que, incomprensiblemente, el teatro de Sam Shepard no es tan habitual en nuestra cartelera como cabría suponer tratándose de un autor tan consolidado a nivel internacional, tan importante en la tradición de la escena en inglés, tan conectado con la sensibilidad y el lenguaje contemporáneos. Así pues, nos congratulamos por este proyecto que, nos consta, ha salido adelante no sin dificultades, con un capital ínfimo si hablamos de dinero, pero con una riqueza mayúscula de pasión por el teatro y el trabajo actoral,
de compromiso con los compañeros y con el proyecto. Sam Shepard es un buen reclamo, como también lo es contar con José Carlos Plaza como director. Y no lo es menos un elenco de probada solvencia, al que vimos juntos en el Matadero en Los últimos días de Judas Iscariote: Luis Rallo, Alberto Berzal, Israel Frías, Joaquín Abad, Inma Cuevas, Esther Ortega y Daniel Gallardo. Como aquel vibrante montaje de reminiscencias ‘bíblicas’, este también se ha cocinado a fuego lento y, tras estas tres fechas en el Lara, esperemos que coja vuelo y aterrice en otros escenarios. La obra lo merece, desde luego: puro Shepard. El epicentro es la relación, difícil relación, entre dos hermanos, que se encuentran en la casa materna después de 5 años sin verse para resolver unos asuntos. Como dice Alberto Berzal, que da vida a uno de ellos, “es un texto complejo y profundo, de personajes perdidos, llenos de contradicciones, de odio y amor. Para nosotros es la consecución de un sueño que comenzó hace 10 años, cuando leímos la obra por primera vez”. Eso sí es paciencia...
5, 12 y 26 de noviembre
FOTO: Alexandra Jimenez
Teatro Lara
Kylián Galili Naharin FALLING ANGELS
Teatro de la Zarzuela
16 al 24 de noviembre
SUB
DISEÑO GRÁFICO: Diego Hurtado de Mendoza FOTOGRAFÍA: Fernando Marcos BAILARINES: Aída Badía, Elisabet Biosca, Erez Ilan, Antonio de Rosa, Mattia Russo
MINUS 16
Ven a bailar con nosotros.
Patrocinador oficial de la CND:
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estrenos
El Príncipe Don Pedro de Aragón y su ejército llegan a Messina. Allí, el Conde Claudio se enamorará locamente de Hero, la hija de Don Leonato, anfitrión de la casa. También allí, se encuentran Benedicto y Beatriz, adversarios irreconciliables, tan ingeniosos, mordaces y sarcásticos como desdeñosos del amor. Don Juan, el hermano bastardo del príncipe intentará durante toda la obra sembrar la discordia y la confusión… Una historia de honor y deshonor, de rápidos e inteligentes diálogos, en la que debe triunfar el amor por encima de todo... ¿lo conseguirá? A través de un lenguaje físico, clownesco, humorístico y versátil, las tres actrices de la compañía Las Grotesques interpretan todos los personajes de la obra. El montaje cuenta con la dirección de Sonia Sebastián, fundadora de la compañía, que regresa en calidad de directora después de 14 años y con la incorporación de la nueva integrante, coautora de la versión y actriz, Maribel Vitar.
Mucho Ruido y Pocas Nueces
Hasta el 24 de noviembre
Teatro La Strada
No son maneras de tratar a una dama Desde el 3 de noviembre
Teatro Alfil Tela-Katola nos presenta su nueva joya musical en clave de comedia negra que nos hará pasar, como siempre, de las risas al miedo, o viceversa. ¿Quién no ha soñado alguna vez con ser conocido? Christopher ‘Kit’ Gill, un actor obsesionado con llegar a la fama decide convertirse en un asesino en serie para llegar a ella. El barrio de Manhattan será el escenario y testimonio de sus asesinatos, persecuciones, encuentros casuales, amores, celos, y de algo mucho más mundano: hijos que no saben cómo soportar a sus madres. El detective Morris Brummel será el encargado de investigar los casos, pero conocerá a Sarah, una sofisticada y bella mujer que trabaja en una galería de arte. Esta relación no será bien vista por su madre... pero mucho menos por Kit, quien la considera una distracción para su objetivo, lograr que Morris le lleve hasta la primera página del Times. Ya tenemos el trío armado. Con un formato pequeño y fiel a su estilo, en el reparto encontramos a Jorge Gonzalo, David Ordinas, Laura Castrillón e Inma Cuevas.
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Fuenteovejuna Del 11 al 30 de noviembre
Conde Duque
Tras su paso por el CDN, recala ahora en Matadero esta obra de Camus que cuenta entre su reparto con Julieta Serrano, Cayetana Guillén Cuervo o Ernesto Arias. La obra nos dibuja el destino de los personajes en constante tensión con sus afectos. Jan es el hijo que se ha marchado lejos de casa, dejando atrás a su madre y a su hermana. Después de más de veinte años de lejanía decide volver a su casa y dar su fortuna a las dos mujeres abandonadas. Al no reconocerle Jan se hará pasar por un cliente, lo que iniciará un malentendido que les saldrá muy costoso a todos...
La Joven Compañía está formada por cerca de una veintena de jóvenes entre 18 y 23 años guiados por profesionales del circuito teatral nacional. Para estos jóvenes, todos estudiantes de las distintas áreas que una producción teatral implica (actores, productores, escenógrafos, compositores...), el teatro supone no sólo una gran pasión, sino una opción profesional de futuro. La Joven Compañía quiere ser esa primera experiencia profesional. Han utilizado la gran obra de Lope de Vega para hacer llegar a los jóvenes la modernidad del teatro clásico y que lo perciban cercano y actual.
El malentendido Desde el 22 de noviembre
Naves del Español. Matadero
¡Qué desastre de función!
Desde el 31 de octubre
Teatro Caser Calderón
Desde su estreno en Londres en 1982 se ha estado representando continuamente en algún lugar del mundo. Esta obra son dos comedias en una. La primera, un vodevil bastante vulgar titulado ¿Me enseñas la sardina? La segunda muestra las dificultades que sufre la compañía para montar la obra. Pero, por si todo esto no fuera suficiente, en el segundo acto descubriremos la farsa delirante que tiene lugar entre bambalinas: actores y actrices peleándose en silencio mientras entran y salen del escenario para continuar la función como si dentro no pasase nada.
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estrenos
Regresa a la cartelera este espectáculo que protagoniza Asier Etxeandía dando rienda rienda suelta a una de sus pasiones, la música, y en concreto a cantar. Asier aprendió a hablar cantando. Repitiendo las canciones que sonaban en la radio de su infancia. Siempre ha necesitado cantar. Esta necesidad propicia el encuentro con el compositor y productor musical Tao Gutiérrez. De esta unión artística nace este viaje musical a través de canciones míticas y voces inolvidables como las de Kurt Weill, Héctor Lavoe, Lucho Gatica, Chavela Vargas, David Bowie, Rolling Stones…
El intérprete Hasta el 29 de noviembre
Teatro Nuevo Apolo
Entre Marta y Lope Del 19 de nov. al 22 de diciembre
Teatro Español
Cierra el ciclo Una mirada al mundo del CDN un viejo conocido de nuestra ciudad: el suizo Daniele Finzi. Tras habernos presentado en los últimos años trabajos circenses como Nomade, Nebbia, Rain o Corteo ahora aterriza en la capital con un espectáculo creado a raíz del descubrimiento de una pieza única y peculiar, uno de los telones que pintó Salvador Dalí en los años cuarenta en Nueva York para una versión de Tristán e Isolda, de Wagner. Ese telón inspira esta joya de preciosismo barroco en el que el trabajo acrobático es la base de una puesta en escena espectacular.
La veritá Del 8 al 10 de noviembre
Teatro Valle-Inclán
La Fundación Siglo de Oro coproduce con Teatro Español este texto contemporáneo escrito por Gerardo Malla y Santiago Miralles que continúa con el propósito de la entidad FUSO: la transmisión y difusión de uno de los bienes más preciados de nuestro patrimonio artístico y cultural, el teatro del Siglo de Oro. En este caso, la pasión y el conflicto constante en el que viven Marta y Lope sirve como excusa para retratar una época y llevar a escena la importancia de la figura de Lope, pilar esencial de nuestra literatura. Marta fue su última amante, su pecado, su pasión, su premio y su castigo.
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estrenos
Dos reconocidísimos concertistas de piano a cuatro manos preparan su próxima gira por Japón en Schlern, un pueblo idílico de los Alpes italianos. Pero los más de veinte años que llevan tocando codo con codo les complica las cosas. La calma y el aire puro de esa localidad no juegan a su favor sino todo lo contrario. La banqueta en la que reposan su anatomía, se hace a cada momento más y más pequeña. Veremos como día a día los fantasmas alimentados durante dos décadas salen de su escondite para hacerles la vida imposible. Dirigida por Paco Mir (Tricicle).
La banqueta Desde el 12 de noviembre
Teatro Galileo
El gran favor Desde el 6 de noviembre
Teatro Reina Victoria
El montaje recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’, lo que le valió a la compañía Noism el prestigioso Asahi Performing Arts Award en 2008. En el escenario, y vestidos completamente de negro, los ‘Kurogo’, personajes del teatro tradicional japonés, aparecen en esta obra como una metáfora del tiempo, la imaginación, el deseo o la ambición, que manipula las vidas de los objetos y del drama en sí mismo. El decorado repleto de objetos de segunda mano es como una reivindicación del significado de su existencia, en contra de la rápida evolución tecnológica.
Nameless Hands 28, 29 y 30 de noviembre
Teatros del Canal
Una noche de una Semana Santa, en un bar de copas se cuela un extraño hombre que vestido de nazareno y sin respetar que el bar ya está cerrado al público pide pan para torrijas, desesperado por no poder cumplir el antojo de embarazo de su esposa. El encuentro da lugar a una amistad única entre dos personas increíblemente dispares. Conoceremos la verdad de cada uno y la de sus vidas y comprenderemos que nada es como parece ser. Dirigida por Manuel Gancedo y protagonizada por José Luis Gil y Mauro Muñiz de Urquiza. Este último es autor de la obra junto a Carolina Noriega.
Con la colaboración del Consorcio de Rehabilitación de Teatros de Madrid
entradas: www.teatrobellasartes.es
Del 30 de octubre al 19 de enero
pentación espectáculos presenta a
echanove
galiana
CONVERSACIONES MAMA
de santiago carlos oves
C
M
Y
CM
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una un a pr prod oducción de pentación espectáculos, la llave maestra y focus versió ión jordi galcerán iluminación juan gómez cornejo escenograffía í y ves estu tuar ario io ana garay
productor jesús cimarro director juan echanove
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cómicos
Julián López 1 y 29 noviembre y 27 diciembre
Teatro Cofidis
Junto a su amigo Raúl Cimas, estrena Toda la verdad sobre el oso hormiguero, un espectáculo de humor absurdo donde los cómicos dan rienda suelta a su humor tan característico
¿Qué se va a encontrar la gente cuando vaya a ver el espectáculo? Entretenimiento puro y duro. Raúl y yo nos esforzamos en que no decaiga el ritmo a lo largo del show y que en todo momento haya sorpresas... Pasan más cosas de las esperadas. Sobre todo queremos que tanto el público como nosotros disfrutemos y que lo hagamos juntos. De eso se trata. ¿Hace falta ser seguidor habitual de vuestro humor y vuestros proyectos para seguirlo? No necesariamente. Pero, claro está, aquellos que han seguido nuestra trayectoria en los trabajos que hemos hecho juntos (La Hora Chanante, Muchachada Nui y Museo Coconut) van a poder saborear aquel tipo de comedia, porque nos mantenemos fieles a nuestra filosofía: esa mezcla de humor absurdo, surrealista, costumbrista y cotidiano. ¿Hay tan buen rollito entre Raúl y tú como parece, o también hay momentos en que tras tanto tiempo juntos ya no os aguantáis el uno al otro? Jejeje... En realidad no nos aguantamos. Cuando viajamos a actuar nos ponen en hoteles con un mínimo de 500 metros de separación, excepto en las ciudades pequeñas, en las que eso no es posible. Veremos algún día sobre el escenario un espectáculo con toda la pandilla Chanante. Ojalá. Sería muy bonito y significaría volver a juntarnos a hacer algo. Ahora que nos han cortado las alas como grupo al no emitir el nuevo material de Museo Coconut y Retorno a Lílifor (grabado desde hace dos años) sería una buena dosis de ánimo. Hay mucha química entre nosotros y hemos disfrutado mucho haciendo personajes y sketchs. Actor, músico, guionista, muchas facetas… en cuál te diviertes más. Quizá la de guionista es la más circunstancial, ya que solo ‘ejercí’ como tal en la época Chanante/ Muchachada. Respecto a lo demás, es difícil elegir: me he formado como músico, he aprendido a tener tablas en un escenario y a tener una profesión como cómico y actor, con todo ello me quedo. Me considero un privilegiado. David Hinarejos
A veces veo a...
Julián López
Actor, cómico, músico y guionista, a Julián últimamente cuesta no seguirle la pista. Y es que de unos años aquí no para. Empezó, como muchos, haciendo cortos en la Universidad con Ernesto Sevilla y Raúl Cimas y más tarde conocería a Joaquín Reyes, Chape, Mauro Muñíz y Carlos Areces, a los que el destino uniría en Paramount Comedy. Allí obtuvieron un primer éxito con La Hora Chanante. Después llegarían multitud de monólogos y las colaboraciones en los programas Noche sin Tregua, Smonka! y Noche Hache o en series de televisión como Gominolas, La Familia Mata o Aída. Desde 2007 fue guionista y actor del programa Muchachada Nui. Posteriormente estrenaría con el mismo equipo Museo Coconut. Tras varios cortometrajes salta como actor al cine en Estirpe de Tritones, Pagafantas, Spanish Movie, Que se mueran los feos, No controles y El Alzamiento Nacional. En el terreno musical, es miembro fundador del grupo ManchaBrass y ha colaborado con Deluxe, Marlango, Lovely Luna, Los Punsetes, Russian Red, etc.
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Jorge Astyaro
Héctor Mancha
7, 9, 10, 14, 16, 21, 23, 28 y 30 de nov.
Domingos de noviembre
Teatro Sanpol
La Escalera de Jacob
Presenta Los Hipnonautas donde nos revela los secretos de la hipnosis, demostrando cómo la imaginación es tan poderosa que puede llegar a afectar los sentidos, logrando que sientas, escuches y veas cosas increíbles que sólo ocurren dentro de tu mente pero que las vives como si estuvieran sucediendo de verdad.
Clowndenados
En su espectáculo Miénteme, mentalismo en estado puro descubriremos a Héctor Mancha, un embustero, un farsante, un cuentista, en definitiva, un auténtico mentiroso que mezclará magia, humor y teatro para explicar su visión sobre la mentira en nuestra vida y cuál es el Arte de Mentir.
Jaque a lo imposible
Miércoles de noviembre
Viernes de noviembre
La Escalera de Jacob
Teatro Galileo
¿Quieres descubrir un espectáculo poco convencional que te fascinará desde su inicio hasta el final? En Clowndenados encontrarás un par de narices de payaso, una peluquera hiperactiva, una anciana beata, unos ángeles sexys y unos actores con ganas de condenar al protagonista de su comedia.
Espectáculo de magia de cerca del Mago Jaque lleno de ritmo y diversión. Juegos de magia con elásticos, monedas, cartas, bolas de esponja, servilletas de papel, imperdibles y otros muchos objetos en un torbellino de emociones que conducen al espectador por un camino totalmente desconcertante y misterioso.
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familiaR
La princesa Ana
En todo cuento de Princesas tiene que haber una rana que al ser besada se convierta en… y aquí llegó el momento de cambiar la tradición. Obra que combina la presencia de actores y marionetas, y cuenta con divertidas canciones y coreografías. Bajo la apariencia de un relato clásico de príncipes y princesas, esta obra nos ofrece una historia diferente que esconde un mensaje de tolerancia, amor y diversidad ideal para los más pequeños.
9, 10, 16 y 17 de nov.
Sala Tarambana
El Conde de Almaviva se quiere casar con Rosina y Rosina con él pero su tutor, Bartolo, la quiere para él. Para consumar la boda, el Conde entrará en la casa de Bartolo para raptar a Rosina disfrazado pero es descubierto y con la ayuda de sus amigos, el Conde y Rosina se ven a solas...
El pequeño barbero de Sevilla
Hasta el 17 de noviembre
Teatro Bellas Artes
Las meninas Del 16 de nov. al 1 de dic.
Teatros Sanpol
La infanta Margarita y las meninas se escapan del cuadro colgado en el Prado. Velázquez el pintor, está desesperado pues sin ellas no hay cuadro ni hay honores y las persigue a través del tiempo. Ven a conocer la historia de uno de los cuadros más famosos del mundo.
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Elmer el elefante Desde el 17 de noviembre
Teatro Cuarta Pared
Teatro para bebés de 0 a 3 años que nace con la luz de un nuevo día, que crece a través de elementos sencillos y cercanos y se transforma en un sueño hecho poesía. Con este espectáculo l@s niñ@s podrán adentrarse en un mundo mágico donde la naturaleza cobra vida.
Elmer el elefante regresa a Cuarta Pared, donde se estrenó hace veinte años. Elmer es un elefante de colores y los tiene casi todos, sus ideas son las más divertidas: ponerse en zancos, elevarse por los aires. Pero una noche Elmer, se marcha de la manada para buscar el color elefante...
Mi primer teatro Desde el 9 de nov.
Teatro Cofidis
Segismundo, el príncipe prisionero Domingos de noviembre
Sala Mirador-CNC
La historia de Anita Pelosucio es un cuento fresco, tierno y divertido sobre los sentimientos, el afecto y las relaciones entre el mundo infantil y el mundo adulto. Aquí vemos una familia donde niñas y niños tienen voz, piensan e intentan aclarar los problemas y contradicciones que vienen por parte de los adultos.
Anita pelosucio S y D de noviembre
Nave 73
El príncipe Segismundo lleva toda su vida encerrado en una oscura torre sin entender las razones. No sabe que su padre, el rey Basilio, ordenó encarcelarle cuando, leyendo los astros, le auguraron que sería malvado al crecer. Sin embargo, el rey duda y decide probarle dejándole ser rey por un día...
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cartelera chena y Jorge Gonzalo. S 22.30
Linuesa, Leire Ruiz, Vito Sanz, Miquel
Fernández de los Ríos, 42.
h. Hasta el 16 de nov. 18-11 €
Sitjar y Pepín Tre. X a V a las 20 h.
Tfno.: 91 448 16 27. M: Queve-
NO SON MANERAS DE
S 17 y 20 h. D a las 19 h. 40-15 €
do, Canal, Islas Filipinas.
TRATAR A UNA DAMA
PASEN Y BEBAN
EL DICCIONARIO
Dir.: Pablo Muñoz-Chápuli. D 18
Con Enrique San Francisco y
De Manuel Calzada Pérez. Dir.: José
h. Hasta el 29 de dic. 22-16 €
Denny Horror. J a S 23 h. Des-
Carlos Plaza. Con Vicky Peña, Helio
CLÍMAX
de el 7 de nov. 30-15 €
Pedregal, Lander Iglesias. M a S 20 h.
Con Alicia Fernández, Nicolás Gaude,
D 19 h. Hasta el 17 de nov. 24-17 €
Fredeswinda Gijón, Gonzalo Kindelán.
TEATROS DEL CANAL
30/40 LIVINGSTONE
D 20.30 h. Hasta el 17 de nov. 20-16 €
Cea Bermúdez, 1. Tfno: 91 308
cartelera
TEATRO DE LA ABADÍA
99 99. Metro: Canal. www.
De Sergi López y Jorge Picó. M a S 20 h. D 19 h. Del 20 de
AMAYA
teatrosdelcanal.com
nov. al 8 de dic. 24-17 €
Pº General Martínez Campos,
FESTIVAL MADRID EN DANZA
9. Tfno.: 91 593 40 05. M: Igle-
Varias compañías y coreógra-
TEATRO ALFIL
sia. www.teatroamaya.com
fos. Del 7 al 23 de nov. 25-7 €
Pez, 10. Tfno.: 91 521 45 41. M: Santo
LOS HOMBRES NO MIENTEN
NAMELESS HANDS
Domingo, Gran Vía, Noviciado.
Con Arturo Ferández, Sonia Cas-
Noism Company. Del 28 al 30
www.teatroalfil.com
telo y Carlos Manuel Díaz. X y J
de nov. a las 20 h. 21-19€
AUTORRETRATO DE UN
19.30 h. V 21 h. S 18.30 y 21.30 h. D
DECAMERÓN NEGRO
JOVEN CAPITALISTA ESPAÑOL
18.30 h. Hasta el 1 de dic. 28-25 €
Cía. L’Om Imprebis. Del 27 de nov. al 15 de dic.
Escrito e interpretado por Alberto San Juan. X a las 20 h. Ha.
BELLAS ARTES
el 27 de nov. 18-15 €
Marqués de Casa Riera, 2. Tfno.:
CIRCO PRICE
STAR TRIP
91 532 44 37. M: Banco de España,
Ronda de Atocha, 35. 91 527 98 65.
De Yllana. X a las 22.30 h. 26-19€
Sevilla. www.teatrobellasartes.es
M: Embajadores, Atocha, Lava-
JUANCALLATÉ
CONVERSACIONES CON MAMÁ
piés. www.teatrocircoprice.es
De Cristina Medina y Joan Estrader. J
De Santiago Carlos Oves. Dir.: Juan
a las 20 h. Hasta el 28 de nov. 20-16 €
Echanove. Con María Galiana y Juan
CÍRCULO DE BELLAS ARTES
RECORTES
Echanove. X a V 20.30 h. S 19.30 y 22 h.
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