Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Teatro Valle-Inclán Del 21 de noviembre al 11 de enero
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Dirección Tomaž Pandur
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Versión Livija Pandur Tomaž Pandur Lada Kaštelan
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FAUSTO de J. W. Goethe
Escenografía Sven Jonke Iluminación Juan Gómez Cornejo Vestuario Felype De Lima Video Dorijan Kolundzija Música Silence
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Reparto (por orden alfabético) Manuel Castillo Víctor Clavijo Roberto Enríquez Alberto Frías Emilio Gavira Antonio Gil Aarón Lobato Rubén Mascato Pablo Rivero Marina Salas Ana Wagener
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Teatro María Guerrero Del 5 al 23 de noviembre
EL JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR de Pierre de Marivaux
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Dirección Josep Maria Flotats
Producción Teatre Nacional de Catalunya http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
Interpretado por Blanca Portillo
Del 19 de noviembre al 21 de diciembre
Una producción de Centro Dramático Nacional, Testamento, Grec 2014 Festival de Barcelona, y Avance PT
EL TESTAMENTO DE MARÍA de Colm Tóibín
Dirección Agustí Villaronga
Colaboran:
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Ana Cabo
portada
panorámica Desde Berlín
Críticas
Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla
cómicos
Mercartes
noticias
Entrevista con Silvia Marsó El juego del amor y el azar
reportaje Dios te salve Portillo Miguel Ángel Solá
estrenos
entrevista
Concha Velasco
entrevista
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30 estrenos
Smiley
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Madrid en Danza
danza
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Ricardo III
estrenos
reportaje Yes future... a mi manera
la visual Fausto de Pandur
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en familia
La pequeña flauta mágica
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EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43 DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com, REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot. com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén González FOTOGRAFÍA Karlos Sanz COLABORADORES Rafa Romero de Ávila, Irene L. Navarro, Juan Vinuesa. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor, si necesitas algo avísanos. Godot no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. Si te quieres deshacer de la revista, recicla por favor.
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Sumario. Noviembre 2014
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DEL 2 AL 26 DE OCTUBRE
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PALABRA DE... Ana Cabo
Ensayo-error, prototipo y perspectiva La danza en estos momentos en España vive una situación compleja. Por un lado existe una gran creatividad y proyección internacional y por otro es bastante más complicada la programación de espectáculos de danza. Se apuntan también cambios generacionales y muchos coreógrafos están desarrollando un sistema de producción más versátil y adaptado a una situación económica no tan favorable como la que se vivió. Esto es una obviedad, pero lo que me resulta muy interesante es la cantidad de nuevos proyectos, de nuevas caras y de una nueva forma de enfocar los proyectos creativos, con diversos socios, residencias, acuerdos… Estoy convencida de que en un par de años recogeremos los frutos de todos estos creadores. Yo veo al sector de la danza como un sector valiente, dedicado y conocedor de una realidad distinta. Tenemos que confiar más en ellos y dar más espacios para crear, para exhibir. Un festival es solo un momento concreto del año, un escaparate que debe diferenciarse de la programación anual. Es una puerta abierta al contraste de estilos, temas, artistas; se asumen riesgos y se estrenan espectáculos. Pero es necesario más: la danza de actualidad, la que ahora se genera, tiene que tener más opciones para el ‘ensayo y error’: de aquí llegarán los aciertos y garantizaremos el futuro. Y esta es la idea que desde la Comunidad de Madrid intentamos poner en marcha cada año con el Festival Internacional Madrid en Danza.Esta edición del festival tiene
dos fuentes de inspiración. Uno, el concepto del ‘prototipo’: nuevos coreógrafos, nuevas producciones, jóvenes. Ha sido como pensar qué ocurriría en la industria si no hubiera personas inventando estos prototipos, por ejemplo, de coche eléctrico: de 500 igual solo 1 es el que tendrá éxito, pero sin los 500 no hay progreso ni, probablemente, esa construcción exitosa. Pues bien, algo así ocurre con nuestros creadores, tenemos que darles esa oportunidad y junto a ellos asumimos el riesgo. Otra fuente de inspiración ha sido la reflexión acerca de las últimas décadas de danza. Ahora hay perspectiva histórica para mirar, por ejemplo, la ‘Danza Teatro’ o lo que ocurre alrededor de la tradición dancística española de raíz flamenca o académica; para mirar qué significó el movimiento ‘vandekeybus’ o qué ocurre con la reinterpretación del mundo balletístico. Ahora se ven los resultados del ‘contact improvisation’ y se plantea un tema muy interesante: la transmisión de todo ello y sus evoluciones. Es un estupendo caldo de cultivo.
Ana Cabo es Directora Artística del Festival Internacional Madrid en Danza
SELFIES
Carne viva
El intérprete
, más la rio. Los 9 actores Selfie multitudina roux, más la ey sp De e a, Denis autora y director s. ¿Que lga nsión de las pu taquillera de La pe estáis Ya a? viv visto Carne todavía no habéis tardando!!
ming
La Golfa de Jam
sata en el ht la locura se de Cada saturday nig s golfa ción de impro má Arlequín con la fun s de la ué sp el antes y el de de Madrid. Aquí rián Ad e, ch no la itado de propuesta del inv nga! ¡Ve ta? mundo sin camise Lastra... ¿todo el
andía con equipo al Autorretrato de Asier Etxe a nada sin toda esa fondo. El intérprete no serí striktor) detrás de Con dre Ma a gente (la Factorí felizmente, sigue on the este gran proyecto que, . aña road, recorriendo Esp
La Llamada a la función del día. Momento camerino previo rcía, Belén Cuesta Ga Anna Castillo, Macarena onistas de uno tag pro las son y Gracia Olayo es del momento, un de los fenómenos teatral o en el Teatro Lara. éxit musical que sigue con
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#elArtedelActor
Miedo, peligro y excitación “De la ortiga del peligro se recoge la flor de la seguridad” Hotspur. Enrique IV. Shakespeare. La sensación de peligro, lo que produce adrenalina en nuestro cuerpo, nos excita. Los deportes de riesgo triunfan por eso. Las situaciones peligrosas: borracheras descontroladas, conducir de manera temeraria, una situación sexual clandestina, ocultar algo importante por temor a un conflicto… Todas las situaciones de peligro nos parecen excitantes y a menudo atraen precisamente por ello. El miedo y la excitación se expresan de la misma forma en nuestro organismo: el cosquilleo, el subidón, la incertidumbre, la expectativa. Es por eso que a veces los confundimos, que llamamos miedo a cualquier situación que nos excita. Por eso los nervios que provoca salir ante un público nos hacen desconfiar a veces de nuestra propia capacidad de saber llevar la situación. Pero, casi siempre, hemos comprobado que salimos bastante airosos de ahí. El propio hecho de salir airosos, nos proporciona una gran sensación de placer por la autosuperación, y nos va llenando de confianza en nosotros. Ahora tengamos en cuenta que no hay peligro real a la hora de actuar (a menos que un crítico o un bloguero sin escrúpulos ni humanidad se encuentre entre el público y quiera drenar con nosotros todos sus demonios...). Si somos conscientes de que nada nos amenaza cuando actuamos, ¿por qué sucede esto? El miedo que provocan estas situaciones no es físico, pero es real. Miedo al rechazo, a no gustar, a ser convencionales, a exponer nuestra humanidad, nuestra vulnerabilidad, nuestra crueldad, nuestra mezquindad, nuestra dulzura, nuestra violencia, nuestra sexualidad, nuestra necesidad de ser amados. Y cuando digo nuestra me refiero a la propia, la que cada persona es capaz de tener o soñar, y por ello mostrar. No nos enseñan a promover lo que nos hace especiales, sino todo lo contrario, a no salirnos del tiesto del común comportamiento. Pero eso es justamente lo que hace falta que estemos dispuestos a hacer si queremos que nuestra expresión sea interesante. Es ese el miedo al que hay que enfrentarse. No es fácil a veces, pero desde luego es una de las acciones más placenteras y satisfactorias que conozco. Además de ser de las más efectivas como desarrollo artístico. A veces con cambiar la palabra miedo por excitación, ya es suficiente para que nuestro organismo se prepare a favor, y no en defensa, de aquello que nos está resultando difícil llevar a término. Al fin y al cabo, es un juego. El juego del autodescubrimiento y de la experimentación. En el escenario podemos experimentar, poner a prueba esas actitudes nuestras que en otro lugar podrían resultar excesivas. Y eso es un privilegio que no se merece ser tratado como un peligro, sino como una oportunidad.
María Morales. Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid (www.institutodelcine.org)
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noticias
Mercartes 2014 El mercado bienal de las artes escénicas en España se celebrará del 5 al 7 de noviembre con el objetivo de buscar un nuevo modelo de negocio para el sector escénico que mejore sus perspectivas de futuro. En esta V edición, y tras cuatro años en Sevilla, el evento se celebrará en Valladolid y reunirá a todos los involucrados en el sector desde creadores, productores y distribuidores, programadores y gestores de espacios escénicos, hasta empresas de equipamiento, de ticketing o demás servicios auxiliares. Aquí lo que se busca es dar un nuevo impulso a un sector muy castigado por la crisis y las iniciativas del gobierno como la subida del IVA. Para el presidente de FAETEDA, Jesús Cimarro, además es un “evento único que nos da la ocasión de afianzar la relación público-privado”, mientras que Xosé Paulo Rodríguez, presidente de La Red de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública es “la oportunidad de crear alianzas para buscar la viabilidad de las artes escénicas en clave de sostenibilidad”. Por su parte, el presidente de la Asociación de Autores de Teatro (otra de las instituciones organizadoras), Jesús Campos, pone en valor “la cantidad de contrataciones que hubo en citas anteriores dando una salida a compañías y autores emergentes”.
I Foro Mercartes: Claves para el impulso de las Artes Escénicas
Este año Mercartes ofrece importantes novedades como la estructuración del contenido de la feria con un formato real de mercado para lo que se han programado actividades de promoción e intercambio comercial que se desarrollarán a través de un foro de los negocios, itinerarios guiados para programadores, encuentros con autores y presentaciones de proyectos, tanto artísticos como empresariales. Cabe destacar también la organización del I Foro Mercartes que tendrá lugar el día 7 de noviembre. Este I Foro pretende identificar las claves tecnológicas, logísticas, económicas e institucionales que permitirán al sector dar un paso adelante a nivel cualitativo y cuantitativo.
Exposición y visitas guiadas
FOTO: De arriba a abajo. Imagen de stand en la pasada edición, Jaume Colomer, comisario de Mercartes y los participantes en el I Foro Mercartes Carlos Tapia, Presidente de ARTESA y Andrés Lomander, Socio-Director de Zincshower
Los expositores contarán con un espacio de visibilidad durante el encuentro desde el que ofrecer información, mostrar productos y servicios e intercambiar puntos de vista. Para intensificar los contactos entre visitantes y expositores, se organizarán grupos reducidos de programadores públicos y privados que, acompañados por un miembro de la organización, realizarán un itinerario guiado y predefinido por varios stands. Además, los expositores podrán realizar presentaciones de sus proyectos en un espacio acondicionado para ello dentro del pabellón. Mercartes, también se abrirá al público en general, será en la jornada del día 6. En ella se ofrecerá un maratón con 16 monólogos de textos inéditos teatrales para amenizar el recorrido. Para ver toda la programación de actividades y detalles de la organización se puede entrar en www.marketingdelasartes.com
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Una buena noticia para el mapa cultural madrileño: Las Ventas se aprovecharán para acoger un nuevo espacio cultural en Madrid, donde Warner Music programará conciertos de lunes a miércoles y el teatro será el protagonista de la programación de jueves a domingo. Gran Teatro Ruedo Las Ventas nace con vocación de teatro estable, durante las temporadas no taurinas, que coinciden con los mejores meses de consumo teatral. La temporada teatral comenzó el 31 de octubre, y durará hasta el 15 de febrero de 2015. Las obras de instalación del nuevo teatro aportarán 858 localidades con mesas y sillas tipo Cabaret, butacas en grada y palcos laterales. www.ruedolasventas.com
Alternativas en la red
A pesar de la eterna crisis de la industria, los jóvenes valores siguen buscando alternativas para desarrollar su carrera artística desde la independencia. Así, surge un teatro off de calidad, o como en este caso que nos ocupa, una serie rápida concebida para verse en internet. RDM es la historia de cuatro mujeres de nacionalidades distintas que se verán obligadas a unirse contra un mismo problema, Roberto, un hombre acostumbrado al dinero y a un estilo de vida muy particular. Cuatro mujeres que se verán en la complicada tesitura de acabar con su vida. http://rdmlaserie.blogspot.com.es
Chiuti
Tres mujeres altas Tres mujeres, tres, lucen en el panorama teatral español actual como dramaturgas y directoras. Y, si me ponen, alguna como actriz. Ya están instaladas en el firmamento, o yo lo entiendo así, nombres como el de Ana Zamora o Laila Ripoll. Pero siguen surgiendo féminas creativas, que han traído sus mundos particulares, como Rodrigo García en su momento con aquellos títulos tan sugerentes como Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba, Prefiero que me quite el sueño Goya a que lo haga cualquier hijo de puta o Haberos quedado en casa, capullos (maravillosa Nur Levi saliendo de aquella piscina). Esas tres mujeres son, a mi entender, Denise Despeyroux, Carolina África y Marta Buchaca. Ésta última ha conseguido dar el salto a los Teatros del Canal, a su sala más sugerente, la Negra. Pero hasta ahora, como las otras, en Madrid no ha salido del circuito alternativo, que, sigo sosteniendo, nos está dando más alegrías en los últimos tiempos que los comerciales u oficiales. De hecho, Buchaca ha ‘seducido’ a Jordi Galcerán y me consta que andan mano a mano preparando un musical. Son dos talentos versátiles y con universos dramatúrgicos diferentes pero la suma de ambos me provoca verdadera curiosidad. La catalana repara en los pequeños detalles y los convierte en un objeto a analizar hasta el punto que te hace crujir y esa labor analítica convierte lo que toca en personal y distinto. Carolina África supo conquistar a Tolcachir con su textos frescos cargados de emociones. Le dieron un premio importante, el Calderón de la Barca, llenó el María Guerrero, su gira por España y Latinoamérica no es nada desdeñable, los críticos que han visto sus trabajos la avalan, se colocó en las nominaciones de estos últimos Max... pero en Madrid no puede verse su delicioso Verano en diciembre. Su manera de observar la vida y de plasmarla en el teatro, reconforta. El problema lo tiene el público, que se pierde montajes que valen la pena mientras el circuito comercial apuesta por ‘cargarse’ hasta un O´Neill con dos grandes figuras dentro. Despeyroux también aporta un trabajo importante, que va más allá de La realidad. Ese rompecabezas de 3 piezas llamado Carne Viva es un ejemplo de apuesta nueva y divertida, con una maquinaria que parece funcionar sola aunque está cargada de complejidad, con personajes con vida propia. Maneja el humor y la negrura con mano ágil. Las tres nos regalan teatro del bueno cada vez que pueden. Alguna vez alguien les dará su sitio. En esa fe vivo.
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portada FOTO: Javier Naval
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Silvia Marsó “Las situaciones más dolorosas siempre llevan consigo un punto de comedia” por David Hinarejos Tras interpretar a Nora en Casa de muñecas de Henrik Ibsen y a la Yerma de la obra homónima de Federico García Lorca, la actriz se enfrenta a otro gran personaje femenino, el de Amanda en esta obra de otro gran autor, Tennessee Williams.
expectativas, donde las familias salían adelante como podían y donde había una frustración muy grande en toda la sociedad. Se habla de cuatro personajes que, como está ocurriendo ahora, no ven cumplidos sus sueños y deseos.
Es la primera vez que trabajas un texto de Williams. ¿Cómo está siendo la experiencia? Pues me apetecía mucho, cuando era jovencita y estudiaba sí que hice algunas escenas de La gata sobre el tejado de zinc caliente o de Un tranvía llamado deseo, pero nada profesional. Es un autor imprescindible que está siendo representado constantemente en todo el mundo y es un placer meterte en el mundo de estos personajes que crea.
La adaptación corre a cargo de Eduardo Galán, ¿bajo qué premisas la ha realizado? Sobre todo él ha querido hacer mucho hincapié en adaptar el ritmo de la obra a la actualidad. Paco Vidal dice que la versión de Galán da por hecho que el público de ahora está más preparado que el de la época en que se escribió la obra y prescinde de pasajes en los que se repiten y remarcan ciertas cosas. Eso provoca más dinamismo en la puesta en escena.
Destacas lo del ritmo y supongo que es un aspecto que ¿Qué es lo que más te atrajo del proyecto? tú tienes que sentir especialmente porque Amanda, tu El autor, por supuesto, hacer un personaje mayor que personaje, lleva gran parte del peso de la obra. yo, trabajar con Paco Vidal, que es un compañero Totalmente. Claro que lo sufro, creo que perderé dos que me gusta mucho cómo trabaja, no sólo como kilos en cada pase. Ya sabía cuando cogí el papel actor sino también en su faceta de director y, por que este personaje me iba a exigir fin, realizar una producción de mucho porque Amanda es un regalo Secuencia 3 que me habían ofreLa actriz protagoniza para cualquier psicólogo. Tiene ancido cosas en otras ocasiones y El zoo de cristal de siedad, está enferma de nostalgia y no había podido. Tennessee Williams junto frustración, se siente herida porque a Alejandro Arestegui, la abandonó su marido, no sabe Es casi un clásico afirmar esto Pilar Gil y Carlos García qué hacer con sus hijos,... sufre pero es inevitable decir que mucho pero al mismo tiempo tiene Cortazar bajo la dirección es un texto de una clamorosa una vitalidad enorme... como un vigencia. de Francisco Vidal tanque dice Paco. Y todo esto hay Por eso éste era el mejor moque darlo a la vez a través de sus mento para abordarla. Es que incontables intervenciones. habla de una familia que está Del 6 al 30 de noviembre Teatro Fernán Gómez viviendo en un contexto de crisis Por añadir otro problema: no deja económico-social provocada por de hablar pero a la vez no consigue el crack del 29 en Nueva York comunicarse con sus hijos. y ahora estamos asistiendo a algo muy parecido. WiEs que no sabe escuchar, ni entender, está ciega. Sólo lliams habla de personas que están sobreviviendo a ve lo que ella quiere conseguir para sus hijos y no se la Gran Depresión, a un momento de transición entre da cuenta de que ellos no son como ella quiere. las dos grandes guerras en el que la juventud no tenía
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portada
El zoo de cristal retrata la vida de los Wingfield, una familia sureña de los EEUU de los años 30 del pasado siglo. Amanda, la madre, un personaje desmedido que provocará la sonrisa de los espectadores, está obsesionada con salir de la pobreza y sacar adelante a su hija Laura, una joven cuya leve cojera la ha transformado en un ser patológicamen-
te inseguro. Junto a ellas, Tom, el hijo ambicioso que se debate entre el deber de cuidar a su familia y el deseo de salir al mundo. Tom es, sin duda, el personaje más autobiográfico escrito por Williams y toda la historia se cuenta desde su punto de vista. El último personaje es Jim, el deseado pretendiente que representa todo lo que la familia ha deseado.
Parece que los tres viven en universos diferentes. Es un tema que se vive en muchas familias y eso es de lo que se habla aquí. Cada uno sólo mira por sus deseos, Tom no quiere seguir trabajando en una zapatería y quiere viajar, Amanda quiere la vida acomodada que tuvo en otra época, mientras Laura el problema que tiene es que no anhela nada.
trabajar por una miseria. Es una ausencia muy presente. ¿Cómo te has visto caracterizada con canas y sin maquillaje? Pues mira es la primera vez que en mi carrera me han hecho fotos con la cara lavada, las de la promoción de esta obra (foto de arriba). Tal cual llegué del ensayo me pusieron las canas en el pelo y ya está. Siento que he sido valiente pero es cierto que el aspecto físico no es que me haya obsesionado nunca, no voy de sex simbol ni nada de eso, voy de actriz y éste personaje requería aportar esa verdad. Ha sido como desnudarme y mostrarme tal cual para que se vea a una Amanda auténtica. Además, esta profesión lo bueno que tiene son los contrastes, lo último que hice fue el bombón que salía con Andrés Lima en Capitalismo, hazme reír, el otro extremo.
Ha sido como desnudarme y mostrarme tal cual para que se vea a una Amanda auténtica
Lo sorprendente es que puede ser una de las obras de Williams con más humor. Tiene sentido porque es como la vida misma. Las situaciones más sórdidas y dolorosas siempre llevan consigo un punto de comedia. La desesperación de Amanda por encontrarle un novio a su hija provoca situaciones y diálogos ridículos. En todo esto, ¿cuál es el papel del padre ausente? Es el culpable de toda la frustración de Amanda y de su necesidad de que los hijos triunfen porque ha tenido que sacarlos adelante sola. Que los abandonara también provocó que Tom tenga que
En cuanto a tu faceta de productora, ¿la has abandonado definitivamente? No. Es más, te puedo decir que voy a crear una productora en breve porque aunque la producción en sí no me atrae mucho sí me apasiona el proceso de creación de los proyectos y tener la posibilidad de hacerlos con un componente crítico elevado.
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estrenos
El juego del amor y el azar La enorme luz que emanaba Molière proyectaba sombra sobre todos sus escritores coetáneos. Pierre Marivaux fue uno de ellos. Nunca del todo reconocido en su tiempo, tuvo que esperar a que le rescataran del olvido siglos después. Así hemos podido apreciar su gran talento y su maravillosa capacidad para transgredir las costumbres y estereotipos de su época mediante juegos delicados y muy inteligentes. Marivaux escribió El juego del amor y del azar en 1730 siguiendo algunas de las claves de su teatro: comedia de enredos al estilo de la Commedia dell’Arte -de la que toma, entre otras cosas, a los personajes-, exploración de los sentimientos humanos y reflejo de las clases acomodadas a las que él mismo pertenecía. En un momento en que la razón práctica burguesa empieza a revolucionar el modo de entender los códigos sociales, el estilo de Marivaux es un canto de celebración a la galantería amorosa que explora los equilibrios entre el arte popular y la lengua aristocrática de salón. En esta comedia la aparente transgresión de las fronteras de clase acaba convirtiéndose en un baile de disfraces en el que el verdadero protagonista es el papel de la educación como piedra angular en la construcción de la sociedad moderna.
Regalo ilustrado
Josep María Flotats y el Teatre Nacional de Catalunya nos traen esta obra ambientada en el siglo XVIII Del 5 al 23 de noviembre Teatro María Guerrero
Si hay una persona en nuestro país que entiende mejor que nadie el teatro francés -de cualquier época- es Josep Maria Flotats. Tras el montaje de Beaumarchais confesó que de haber podido vivir otra época hubiera elegido el París del XVIII: “Me gusta mucho ese siglo, hemos aprendido tanto de los enciclopedistas, de Voltaire, del pensamiento nuevo... fue un camino hacia el conocimiento”. Y a él hay que agradecerle que saque del baúl textos como este, un gran regalo envuelto en ropa de época y pelucas blancas para que sigamos aprendiendo, para que entendamos de una vez por todas que la educación, la buena educación (tanto en las aulas, como en la vida) es el mejor mapa para sabernos mover por este mundo lleno de obstáculos. Sergio Díaz
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Monólogo de Denis Rafter sobre los últimos años de Oscar Wilde que aborda la figura del escritor como héroe tragicómico, un hombre que se autodestruye dejándose vencer por la debilidad de su condición humana. En sus años finales Wilde ya lo había perdido todo excepto su genio. Su madre y su mujer habían muerto. Hacía años que no veía a sus dos hijos y sus antiguos amigos de la alta sociedad le ignoraban. Wilde cae entonces en el alcoholismo llegando a practicar la indigencia. Es la caída de un héroe, pero una caída que no impidió que su legado literario, por genial y brillante, siga vivo hasta hoy.
Beloved Sinner
Desde el 26 de noviembre Teatro Español
Hacia la alegría
Desde el 12 de noviembre Teatro de la Abadía FOTO: Christophe Raynaud de Lage
Esta es la historia de una saga familiar, contada en saltos en el tiempo y con múltiples capas, que abarca cuatro generaciones de una misma familia que se mueve entre Europa y Australia desde 1959 a 2039. Una anatomía de las relaciones paterno filiales en la que nueve personajes se confrontan a los misterios de su pasado para así entender su futuro y explora cómo los patrones de la traición, el abandono, la destrucción, el perdón y el amor se pasan de unos a otros sin remedio. Es un potente drama que viaja al corazón de los lazos familiares y muestra una inmensa empatía hacia el ser humano y su complejidad.
Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Así comienza Hacia la alegría, nuevo texto de Olivier Py, director del Festival d’Avignon, que él mismo se encargará de dirigir. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras y la música en directo de Fernando Velázquez, compositor de bandas sonoras (Ocho apellidos vascos, Lo imposible)
Cuando deje de llover Desde el 12 de noviembre Naves del Español-Matadero FOTO: Javier Naval
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reportaje
Dios te salve Portillo anteriores, cuando había necesitado de mi pecho “Los actores somos atletas del alma. Yo entreno mucho y, a veces, tengo agujetas... en el alma”. Como para alimentarse o de mi mano cuando comenzaba a andar...” Texto desgarrador, más en manos buena atleta, Blanca Portillo siempre quiere más, de la Portillo. Eso avisan los que pudieron ver siempre busca superarse a sí misma, conseguir una este montaje en verano en el Grec de Barcelona. mejor marca, saltar un centímetro más, correr la Texto hecho teatro pero nacido novela, escrito distancia en un segundo menos. Y lo pone todo. por el irlandés Colm Tóibín, “uno de los mejores Pone su alma entera, lo mismo con el dolor que con escritores vivos”, según dijo Félix de Azúa en un la alegría. Tras hacer los dos personajes masculinos artículo de El País. El más importantes del teatro universal monólogo lleva, de todas (Hamlet y Segismundo), ahora va a formas, la teatralidad por la mujer fundacional, el mito soAgustí Villaronga dirige a dentro, sólo por el hecho bre el que se sustenta nuestra cultura, Blanca Portillo en un sode ponernos frente a la mujer entre las mujeres, la madre brecogedor monólogo que una María pagana. Es entre las madres: la virgen María. muestra la humanidad como un evangelio según Y lo mejor es que lo va a hacer bajo el mito cristiano en María, que ante las apartando el icono y rescatando a la El Testamento de María mentiras publicadas por persona. Porque todo mito tiene un los fanáticos seguidores cimiento real y es ahí donde reside de su hijo, nos cuenta lo su complejidad. El mito, al fin y al que realmente sucedió. cabo, es reduccionista y unidireccioDel 19 de nov. al 21 de dic. Y lo más sorprendente es nal. La verdad esconde más cosas, Teatro Valle-Inclán ver cómo se resquebraja porque la verdad es intrincada como ese inquebrantable amor un hormiguero bajo tierra. que supuestamente hubo El evangelio según María entre ambos y que el cristianismo ha erigido como “El tiempo había creado a ese hombre que se estandarte. María no entiende nada cuando su sentó junto a mí en aquel banquete de Canaan, hijo se lanza a las calles como un predicador y un hombre que no me tenía en cuenta, que no menos entiende todavía cuando le dicen que moescuchaba a nadie, un hombre que emanaba rirá para salvar al mundo. “¿A todo el mundo?... poder, un poder que no tenía memoria de años Pues no merecía la pena”. Álvaro Vicente
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Debutante Agustí Villaronga Tóibín escribió este monólogo para Meryl Streep y en Broadway lo interpretó Fiona Shaw. Aquí lo hace la Portillo, para lo que ha confiado en el cineasta Agustí Villaronga. El director de Pa negre hace
su primera incursión en la dirección teatral. Nieto de titiriteros ambulantes, fue actor en los 70 con la compañía de Nuria Espert, pero el cine ha ocupado fundamentalmente su vida... hasta hoy.
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entrevista
Miguel Ángel Solá Las cuatro claves de la testosterona EL TÍTULO “Sugiere una hormona asociada al poder, al sexo y en cierto modo a la impunidad. En la obra directamente está puesto como una especie de reclamo, de alguien a alguien para que esté a la altura de las circunstancias. Pensamos mucho si cambiar el título y se lo propusimos a la autora, porque nos gustaba más un título que tuviera que ver con lo que son los dos personajes, que relacionara a los dos personajes, pero después según fuimos hablando con la gente, todos nos decían: no, tiene que ser Testosterona. Remite a lo masculino, es una obra de imposiciones pero no de impunidades”. LA AUTORA “En México Sabina Berman es una persona y autora muy respetada, de formación y vocación periodística, y es la tercera obra de teatro que escribe. La obra ha sido estrenada en México y muy bien recibida. Allí se estila otro tipo de teatro comercial, más televisivo digamos, y esta obra aporta otro grado a la posibilidad de elección del público, pone en discusión ciertas cosas que por lo general no se ponen en discusión en México. Y ella sabe de lo que habla en esta obra. No es que sea autobiográfica, pero sabe de lo que habla”.
El actor argentino vuelve a los escenarios con Testosterona, una obra de Sabina Berman dirigida por Fernando Bernués Hasta el 14 de diciembre Teatro Galileo
EL DIRECTOR “Fernando Bernués es un hombre muy rico, no en dinero, sino en experiencia teatral, con un mundo imaginativo muy grande y con unas ganas enormes de trabajar y un entusiasmo muy contagioso. No sólo va a arriesgar aquí su nombre como director, sino que arriesga también como productor. Ha sido bello. La hemos pasado muy bien, como personas y como actores, tanto Paula Cancio como yo”. LA OBRA “La obra habla de la relación entre un director de un periódico muy importante y la subdirectora de la edición digital. Él ha sido su profesor en la Universidad, su mentor, porque vio en ella una inteligencia y una sensibilidad muy diferentes al resto de sus alumnos. Tienen una relación profesional de 12 años y ahora él tiene que decidir quién le sucede en la dirección, para lo que tendrá que elegir entre ella y el subdirector de papel, inescrupuloso y sin límite moral. Ella es ideal, pero parece ser que le falta testosterona para el cargo”.
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entrevista
FOTOS: Javier Naval
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Concha Velasco “Es impresionante la gran capacidad de amar de las personas con Down” por Álvaro Vicente Lo primero, ¿cómo estás? Estoy estupendamente, hijo mío, muy contenta. Ya no tengo que volver a revisiones hasta últimos de enero y la última analítica ha sido fantástica.
te me dijeron que no serías normal y yo digo: ¿quién es normal?. Es una escena maravillosa, pero para mí ha sido, y está siendo, muy dura, gratificante, pero dura por las emociones que hay que transitar.
La obra se presenta con conceptos antagónicos: tragedia con humor y ternura, donde sobrevuela la idea del suicidio a pesar de tener una gran vitalidad. Morote, el autor, tiene un chico Down de 45 años y creo que únicamente cuando les conoces de cerca puedes comprender lo que significa para la familia. Hace nada esto se ocultaba, pero los que lo han vivido saben que ese rechazo inicial se convierte en una auténtica bendición. Es Eugenio, que aquí interpretan dos chicos alternándose según el día (Rodrigo Raimondi y Hugo Aritmendiz), el que hace que Olivia cambie su decisión suicida y es el que la alegra y la divierte con su amor y con sus besos. A mí nadie me ha besado nunca como me besan ellos en escena. Hay un momento que le dice ella: “es que tú miras a todo el mundo con simpatía, no ves el envoltorio de las personas, no sabes si son bonitas o feas, abrazas Cuando casi ha derrotado a todo el mundo.” Y es verdad, a la enfermedad, la actriz ellos abrazan y besan y les da igual vallisoletana, inconmensuquién seas y cómo seas.
En Godot nos hace una gran ilusión tenerte de vuelta. Para nosotros eres como una madrina, porque fuiste nuestra primera portada hace 4 años, cuando estrenabas La vida por delante. Entonces ya hablabas de retirarte... y mira. Yo siempre digo esas cosas cuando empiezo un nuevo proyecto. Me gusta muchísimo mi trabajo y cada vez que hago una obra nueva soy una persona nueva, pero siempre tengo miedo. No un miedo irresponsable, porque ya son muchos años pisando escenarios y con gusto, que soy vocacional auténtica, pero te vienen las dudas, si estaré dando demasiado a mi trabajo y poco a mi vida... Si te lo decía entonces con La vida por delante, ¡qué no te diría ahora! Desde el estreno en Zaragoza, ya habéis podido mostrar Olivia y Eugenio en varias ciudades. ¿Qué tal el reencuentro con tu público? Yo no veo al público, pero luego, cuando cae el telón, veo que se ponen en pie y aplauden durante mucho rato y que están emocionados, pero no emocionados porque tengan un familiar con síndrome de Down y se hayan sentido identificados con lo que cuenta la obra, sino porque la obra misma les emociona.
rable, vuelve a los escenarios con Olivia y Eugenio, de Herbert Morote
Del 6 de nov. al 25 de enero Teatro Bellas Artes
Olivia y Eugenio habla mucho de lo que es ser o no ser normal... Claro, es que: ¿quién es normal y quién es anormal? Para defender a Eugenio, Olivia le dice: cuando nacis-
¿Qué es lo mejor de trabajar con ellos? Si todos los espectadores me miran y me escuchan como lo hacen ellos en escena, con esa atención y ese amor... pues nunca me retiraría.
Bueno, a lo mejor el teatro es para ti como Eugenio para Olivia... ¡Uy!, pues ahí le has dado, creo que sí... no lo había pensado. Eugenio me ama, me besa, me da ternura y calor... ¡y el teatro también! Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com
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estrenos FOTO: Sergio Parra
Ricardo III definen ante el mundo y ante nosostros mismos.” Quede claro que no estamos, estrictamente, Le pese a quien le pese, hay pocas personas en ante el Ricardo III de Shakespeare, sino ante un este circo teatral español que se toman tan en setrabajo dramatúrgico de José Sanchis Sinisterra a rio una versión o una adaptación o un ‘dramaturpartir de la tragedia del bardo inglés. De hecho, gia sobre’, que el autor de Ay, Carmela. Y digan el título exacto de esta obra es Sueños y visiones lo que digan, a cualquier teatrero de pro se le del rey Ricardo III la noche que precedió a la están poniendo ya los dientes largos de pensar infausta batalla de Bosworth. Lo explica el propio en Juan Diego metido Sanchis: “alterando notableen la carne contrahecha mente la estructura de Ricardo Empezando casi por el y chepuda de Ricardo. III, organizando sus escenas, final, por la batalla de Un montaje que levantan personajes e interacciones según Bosworth, Juan Diego da otros 11 magníficos otros principios compositivos, vida al contrahecho y sanintérpretes (Terele Pávez, concentrando espacios, tiempos, guinario rey Ricardo Asunción Balaguer, diálogos y situaciones en torno a Carlos Álvarez-Nóvoa y un nuevo centro dramatúrgico -la Ana Torrent entre ellos) escena tercera del quinto acto-, Del 6 de nov. al 28 de dic. a las órdenes de Carlos recurriendo a procedimientos Teatro Español Martín (director de la vey convenciones más o menos terana compañía maña frecuentes en la escena contemTeatro del Temple). Él se poránea, la presente (per)versión pregunta, ante esta tentativa, “¿por qué el dolor de la tragedia shakesperiana propone, más que está tan cargado de hermosas palabras?” De esa una reflexión sobre la ambición humana, una incontradicción, siempre fascinante, está hecha terrogación sobre eso que llamamos conciencia, una de las tragedias más turbadoras jamás escriese espejo interior, tan a menudo turbio, en cuyo tas... y reescritas. Mi reino por un... azogue se reflejan y refractan los actos que nos
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Con la colaboración del Consorcio de Rehabilitación de Teatros de Madrid
entradas: www.teatrobellasartes.es
Del 6 de noviembre de 2014 al 25 de enero de 2015
FOCUS Y PENTACIÓN PRESENTAN
C CONCHA VELASCO ASCO ASCO
OLIVIA Y EUGENIO DE HERBERT MOROTE CON
RODRIGO RAIMONDI HUGO ARITMENDIZ ILUMINACIÓN Y ESCENOGRAFÍA: FRANCISCO LEAL SONIDO Y MÚSICA ORIGINAL: MARIANO DÍAZ VESTUARIO: LORENZO CAPRILE PRODUCTORES EJECUTIVOS: JESÚS CIMARRO / AMPARO MARTÍNEZ
DIRECCIÓN
JOSÉ CARLOS LOS PLAZA con el apoyo de:
entradas:
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reportaje
FOTOS: Gabriel García
Yes future... pero a mi manera La nefasta época de Margareth Thatcher dejó una Inglaterra desindustrializada y sentó las bases de una sociedad que aspiraba a ser una gran clase media con la City londinense como centro de operaciones. El neolaborismo de Tony Blair, lejos de preocuparse por una maltratada clase obrera, estimuló el ascenso social como único objetivo vital, desatando una competencia feroz para dotarse de un estilo de vida concreto basado más en el tener que en el ser. La crisis actual ha hecho aflorar los cimientos cenagosos de ese capitalismo feroz y la juventud de hoy se enfrenta a la dificultad de encontrar su lugar en el mundo, intentando compaginar una vida digna con un valor personal reivindicado a base de formación y criterio. Porque tenemos la generación mejor formada y más crítica de la historia y las dificultades para entrar en el mundo adulto son incuestionables.
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Este es el caldo de cultivo de Punk Rock, la obra del autor inglés Simon Stephens, una de las voces más interesantes de la escena contemporánea europea, que por fin será estrenado en un teatro español. Autor de más de 30 obras, militó en el grupo punk escocés Country Teasers y fue profesor de secundaria. De esa doble experiencia surge esta obra que presenta la Joven Compañía.
que retrata muy bien la situación de los jóvenes actuales en una Europa en crisis donde los valores se están revisando cada día, donde las viejas instituciones se tambalean, donde, en realidad, está todo por hacer porque el viejo modelo ya no sirve y está manchado de mucha mierda.
Un estilo antiguo, una actitud eterna
Una de las preocupaciones del mundo escénico siempre ha sido cómo Siete chicos y chicas se reúnen en la La segunda temporada conseguir llevar a los biblioteca del instituto para preparar de La Joven Compañía adolescentes al teatro. los exámenes de selectividad. La arranca con un texto del La Joven Compañía, en última prueba antes de lanzarse al inglés Simon Stephens, apenas 2 años de vida, abismo del mundo laboral, antes de Punk Rock, dirigido por ha dado en el clavo con ‘crecer’. Con un lenguaje visceral, José Luis Arellano una modélica combinarabiosamente contemporáneo, “es ción de obras clásicas una obra con muchísima violencia y contemporáneas que, emocional -apunta José Luis ArellanoDel 11 de nov. al 4 de dic. ante todo, se hacen por y que habla del desgarro, del grito de Teatro Conde Duque para los jóvenes. El punk los jóvenes a la hora de saber qué es www.lajovencompania.com fue un movimiento social lo que van a hacer en el futuro”. Son y musical eminentemente chavales que viven en un suburbio adolescente y en su adn industrial de Manchester, pero que llevaba impresa la autodestrucción y la caducidad. no deja de ser una zona bien. Todos sueñan con ir Pero claro, ante un mundo como el que nos dibujan a Oxford a estudiar, llegar a Londres para dirigir cada día los periódicos, la actitud punk, la esencia el mundo. Son gente intelectualmente capacitada que queda bajo los candados, las crestas y las muey con las emociones a flor de piel, como buenos cas de asco de Sid Vicious, esa rebeldía ingobernaadolescentes. Chicos y chicas de 17 y 18 años que ble e insobornable, nos sigue haciendo falta para se relacionan en competencia, que deben conjugar enfrentarnos a los dinosaurios del poder. Ojalá sus deseos, sus sueños, sus frustraciones, con ese immontajes como este nos remuevan, a los jóvenes y a perativo de la sociedad que les empuja a buscar su los no tanto. Álvaro Vicente lugar en la jungla. Un microcosmos, al fin y al cabo,
Jóvenes ante el abismo
Gran temporada Otros dos montajes, además de Punk Rock, pondrá en marcha la Joven este año, siempre con el Teatro Conde Duque como sede y el inestimable patrocinio del diseñador de moda Eduardo Rivera. Primero una versión musical y ‘televisiva’ de Romeo y Julieta, versión de Jordi Casanovas (feb’15). Y luego, una revisión de su primer trabajo, Fuenteovejuna, desde una óptima aún más contemporánea (abril’15).
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la visual
Fausto
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de Pandur
Pocos directores consiguen hacer suyos los clásicos hasta el punto de adjetivarlos con su nombre propio. Hay un Infierno de Dante y un Infierno de Pandur como hay un Hamlet de Shakespeare y uno de Pandur. Y ahora, además del Fausto de Goethe existe el Fausto de Pandur. La seña de identidad plástica que imprime el esloveno a sus creaciones le hace reconocible desde lejos, que eso para un artista es como para un alpinista conquistar un 8000. El mito, en sus manos, alcanza una nueva dimensión, guste más o menos su tentativa escénica. Una persecución eterna del momento más bello. Teatro Valle-Inclán Del 21 de noviembre al 11 de enero
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panorámica
Jim y Caroline Say “Recordar es un acto legítimo de nostalgia que nos sigue revelando cosas nuevas”, dice Andrés Lima. Así pues, recordemos. Mediados de los 90. La compañía Ración de oreja, conformada por Alberto San Juan, Willy Toledo, Ernesto Alterio y Nathalie Poza, se cruza con Andrés Lima una noche en el Alfil, tras una función de la obra Animalario (que a la postre se convertiría en nombre de la compañía). En 1997 estrenan Que te importa que te ame, ya dirigida por Lima, junto a San Juan. Ahí no estaba Nathalie. Ella tendría su primer encuentro ‘profesional’ con Andrés Lima en el siguiente trabajo de la compañía (El fin de los sueños, estrenada en 1999). Lo traigo aquí por lo que cuenta Nathalie sobre aquel proceso creativo en el libro Animalario (editado por
Plaza & Janés en 2005): “Andrés tiene una personalidad caótica, como nosotros o más, pero por otro lado lo tiene todo muy claro. Y otra cosa muy importante: trabaja sin miedo (...) Trabaja con imágenes, con los sentidos, con música, sin pudor, todo vale, todo se va organizando poco a poco (...) Casi todos tuvimos ensayos a solas con él. A mí me ponía música del Berlín de Lou Reed y me iba metiendo en un mundo particular”.
El Rock and Roll y la libertad
Han pasado 15 años. Animalario como compañía está en barbecho. Quizás nunca vuelva a resurgir. Pero Andrés Lima y Nathalie Poza se reencuentran en Desde Berlín, espectáculo homenaje a Lou Reed. Si le preguntas
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Lou Reed Justo cuando se acaba de cumplir un año del triste fallecimiento de Lou Reed, el equipo de Andrés Lima nos acerca a los oscuros años que, esta vez en solitario tras haber puesto fin a la Velvet Underground, terminaron por definir la grandeza de uno de los nombres más importantes del rock del siglo XX. Entrar en su obra a día de hoy aún es peligroso, inquietante y sigue sorprendiendo por lo crudo y arriesgado, y a pesar de algún patinazo, está lleno de obras brillantes como Transformer (72), ideal para los no-iniciados, lleno de éxitos y canciones con gancho, o Berlin (73), una ópera-rock más densa, que a pesar de en su día no gozar del mismo éxito del trabajo anterior, sirvió para consolidarle como uno de los artistas más influyentes en la historia de la música popular. Hoy, del universo que nos dejó apenas poco existe. Ni su Brooklyn, ni el mundo marginal de putas, chulos, yonkis y camellos, enfermedades mentales y tendencias sexuales radicales. Hoy todo está digerido y edulcorado por el sistema y se nos da representado como si fuera un parque de atracciones. Por eso el riesgo que suele tomar Andrés Lima en sus espectáculos es una garantía de acercamiento honesto y aproximado al gran Lou. Rubén González. Club de Música.
a Nathalie por Lou Reed, te dirá que ella es actriz gracias a ese disco, a Berlín. Y para Andrés, Lou Reed es un compañero de viaje desde que escuchó Sweet Jane en los 70. Meterse en un espectáculo así es meterse en la turbina del recuerdo y buscarse la esencia que conforma a un artista. “Para mí -cuenta Lima- Lou Reed significa libertad. Tenía la mirada abierta hacia todas partes, al lado oscuro y al lado luminoso. Yo cumplí los 18 rodeado de ese mundo y el rock and roll tiene mucho que ver con lo que soy”. Por todo ello, Andrés no tuvo duda alguna en aceptar este reto, que venía planteado por Borja Sitjà, director del Teatre Romea (donde se ha estrenado este montaje) y amigo personal de Lou Reed, que tras su muerte quería homenajearlo.
Desde el corazón
Fue Nathalie la que propuso trabajar sobre Berlín, un disco que, para ella, escondía una obra de teatro. Una vez escuchado desde la óptica teatral, vieron que había vacíos de la historia de Jim y Caroline (los protagonistas de todas las canciones) que había que llenar de alguna manera para conformar la historia de este drogata yanki y esta prostituta alemana que viven un episodio de amor extremo y autodestructivo. Andrés encargó textos a Juan Villoro, Pau Miró y Juan Cavestany y terminó conformando una dramaturgia que, estructuralmente, homenajea también a los viejos lp’s. Una a una, van cayendo todas las canciones del álbum y además hay algún bonus track de otros discos, como la versión de Perfect day cantada por Anthony, Heroin o Vanishing act. Algunas de las canciones las oímos en el original del poeta neoyorkino, y otras las interpretan en directo bien Nathalie al piano o bien Pablo Derqui a la guitarra. “Es un espectáculo un poco indefinible -concluye Andrés Lima dirige a Lima-. Es un poema escénico, un espectáculo de riesgo, Nathalie Poza y a Pablo no porque nos tiremos de un Derqui en Desde Berlín. trampolín, sino porque lo que Tributo a Lou Reed, un se enseña no tiene ningún tipo montaje poético, musical y de censura moral ni política. extremo Es un espectáculo hecho desde el corazón, que es como Lou Reed hacía todo lo que hacía. Y es un espectáculo que puede Del 5 de nov. al 7 de dic. doler”. Naves del Español en Matadero Álvaro Vicente
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estrenos Cuando tienes 10 años, te llevan a la cama y te explican un cuento. Cuando tienes 20, te explican un cuento y te llevan a la cama, pero cuando pasas la barrera de los 30 ya dices “déjate de cuentos y llévame a la cama”. Confesiones de mujeres de 30 es una desternillante comedia en la que tres actrices hablarán de los problemas femeninos más comunes tras cruzar la frontera de los 30 años, momento en el que toda mujer empieza a sentir aquella presión social angustiosa de saber que todo tiene que ser ahora o nunca. ¡Con 30 años tienes que triunfar ahora o nunca, tienes que tener un hijo ahora o nunca, tienes que conseguir un hombre, ahora o ahora!. Una comedia protagonizada por Meritxell Huertas, Mónica Pérez y Ota Vallès y cuyo gran atractivo son las diferentes historias que se hilvanan en la representación y que reflejan relaciones reales entre mujeres. Una gran oportunidad para seguir descubriendo aspectos de ti misma que aún no habías conseguido verbalizar o para tratar de entender por fin -en el caso de los hombres- las inquietudes y los secretos más íntimos de ellas.
Casa de muñecas Desde el 26 de noviembre Teatros del Canal
Confesiones de mujeres de 30 Hasta el 30 de noviembre Nuevo Teatro Alcalá
Escrita en 1879, Casa de muñecas lleva consigo la etiqueta de ser una obra que reclama la libertad femenina por encima de todo, aunque eso es simplificar demasiado, ya que esta obra constituye el perfecto alegato para reclamar la propia libertad de cualquier individuo. Su autor -Henrik Ibsenreflexiona sobre la alienación del individuo en la sociedad. Por tanto, cabría denominar ‘muñecas’ tanto a Nora como a su marido Torvald, ya que este último, asumiendo su papel patriarcal, también es víctima de una sociedad dictatorial con los roles. La corrupción, la alienación económica y social, lo absurdo de la justicia y las diferencias de clase, dan consistencia, rigor y una terrible actualidad a la obra del escritor noruego. Ibsen nos habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar. La indiscutible protagonista de la obra, Nora Helmer, lo hace, y por eso se ha convertido en una heroína que traspasa la barrera del tiempo. El portazo de Nora trata de poner punto y final a una vida basada en las apariencias y las convenciones. El portazo de Nora abre muchas puertas hacia nuevos caminos vitales que nos lleven a la felicidad. Sergio Díaz
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Malas
Hasta el 27 de noviembre Teatro Marquina
¿Sois malas? Entonces es un montaje perfecto para vosotras. Esta obra se estructura mediante textos de Yolanda García Serrano, (que también se encarga de la dirección), de Ignacio del Moral, Eduardo Galán, Juan Carlos Rubio, Félix Sabroso, Antonia San Juan y José Ignacio Valenzuela conformando un divertido espectáculo teatral, con gotas de cabaret, concierto, karaoke, improvisación, bailes y mucha guasa, cuyo espíritu está más cerca de una despedida de soltera que de una obra de teatro tradicional. Porque Malas es una obra para mujeres. Los hombres no son bienvenidos. O a lo mejor sí,
Esta es la conmovedora historia de uno de los más singulares y arrolladores artistas de nuestro país. De Miguel de Molina se puede decir que todos han oído sus canciones pero que muy pocos conocen la verdadera historia de un hombre que transformó la copla y transgredió el género patrio en la escena. En este espectáculo, un diálogo abierto con el público, Miguel se enfrenta a su pasado, pero desde nuestro presente, trazando un puente entre su mundo y nuestro entorno más cercano, haciéndonos ver que ambos no están tan alejados... ¿o quizás sí? Ojos verdes, La bien pagá, Compuesta y sin novio, Me da miedo de la luna, La rosa y el viento, El zorongo, Te lo juro yo, Triniá, Agüita del querer... serán algunas de las canciones con las que podremos disfrutar en este espectáculo y que nos permitirán adentrarnos en las emociones de un artista excepcional. Un puñado de canciones y de emociones de un mito al desnudo interpretadas por Ángel Ruiz, ejecutadas al piano por César Belda y dirigidas por Juan Carlos Rubio. Tres personalidades únicas que han construido un biopic perfecto sobre este malagueño universal (uno de tantos)... a la que se suma el impulso inestimable del productor del montaje, el periodista y presentador Jorge Javier Vázquez. Sergio Díaz
pero acompañados de una ‘Mala’ que le avale y le permita acceder a este selecto club en el que se abordarán temas exclusivamente femeninos. ¿Qué opinan realmente las mujeres de las mujeres? ¿Cómo se ven? ¿Cómo se relacionan? ¿Cómo se comportan cuando no hay hombres delante? Está protagonizado por dos actrices que interpretan un buen puñado de variopintos personajes que recorren diferentes situaciones, (familiares, laborales, sexuales, vitales…) a las que las mujeres se enfrentan, literalmente, día a día. ¿Sois malas? ¿Aún no? Pues no sé a qué estáis esperando...
FOTO: Sergio Parra
Miguel de Molina al desnudo Desde el 3 de noviembre Teatro Infanta Isabel
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estrenos
FOTO: Owain Shaw
Un obús en el corazón A partir del 14 de noviembre Teatro Alfil
Parece que el teatro Alfil pretende introducir cambios en su programación. La inclusión de una obra de Wajdi Mouawad (el autor y director de Incendies) protagonizada por Hovik Keuchkerian, ex jugador de baloncesto y ex boxeador ganado para la interpretación y merecedor de un Premio de la Unión de Actores y una nominación a los Goya por su papel en Alacrán enamorado, la segunda peli de Santiago Zannou, hacen pensar que los Yllana quieren abrir el escenario del Alfil a cosas menos frívolas y menos cómicas (y que nadie se enfade si se da por aludido). Todo esto se entiende al saber que detrás de esta producción está L’Om-Imprebís. Para la compañía valenciana dirigida por Santiago Sánchez, el Alfil es una segunda casa. Total: una sorpresa que levanta muchas expectativas. Más cuando sabemos que veremos la historia de Wahab y lo que ocurrió la noche en que perdió a su madre, la noche que, atravesando una ciudad helada del norte, tuvo que retroceder hasta su infancia en Líbano. Y de origen libanés son tanto Mouawad como Keuchkerian... vamos, que tiene un pintón.
Entreactos
A partir del 11 de noviembre Teatro Lara
FOTO: Luis Gaspar
A menudo las cosas importantes en una relación, las que la hacen avanzar, las que la hacen descarrilar, ocurren en momentos tontos, en medio de todo eso que nos ocupa la rutina diaria. De pronto, el entreacto se vuelve más relevante que la gran representación. Y eso es porque, quizás, durante ese entreacto nos quitamos la máscara social y somos realmente quienes somos. Entreactos, obra escrita y dirigida por Miguel Ángel Cárcano (el texto ‘a pachas’ con María Inés González), estuvo 4 meses programada en La casa de la portera a principios de este año. Cada día de función, el público atravesaba los diez años de relación de Julia y Elena (Irene Arcos y Sara Martín, espléndidas) y con ellas vivían ese mágico momento inicial. Y después ese deslumbrarse por alguien, ese afianzar los lazos del amor, ese empezar a mirar para otro lado, esa erosión, ese final. Ahora, por suerte, podremos seguir haciéndolo en el Lara.
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estrenos
Smiley
Desde el 7 de noviembre Teatro Maravillas Este canto al amor que ya hemos podido disfrutar en el Teatro Lara desde septiembre sigue aún en cartelera pero cambia de escenario y lo podremos seguir viviendo en el Teatro Maravillas. Smiley es, y quiere ser, una historia de amor con todas las letras. Hace reír y emociona. Muestra con humor los miedos a los que nos enfrentamos cuando nos enamoramos de alguien. Explora cómo han cambiado nuestra vida las nuevas tecnologías, a la vez que disecciona con precisión las contradicciones de las relaciones afectivas dentro de la comunidad gay. La obra la ha creado uno de los dramaturgos y directores más interesantes que tenemos, Guillem Clua, quién suele obtener reconocimiento de público y crítica con todo lo que escribe. Con ella trata de hacernos ver que todos somos igual de vulnerables al amor, da igual nuestra condición, las mariposas en el estómago en el momento que te dan el primer beso son siempre las mismas. Afortunadamente el amor sigue siendo la fuerza humana más importante, la fuerza que mueve el mundo.
Que el teatro está apegado a la realidad cotidiana se hace más patente que nunca. El título de esta obra ha sido una de las palabras más repetidas durante estos últimos años, quizás uno de los ‘trending topic 2014’ hasta que lo desbancó ébola... (apunten ese nombre para futuros espectáculos). Pero para eso está el teatro, para despertarnos, para agitarnos y evitar que caigamos en la desidia colectiva, para retratarnos como sociedad y para no dejarnos cometer una y otra vez los mismos errores. Y si puede ser con una sonrisa, mejor. Esta comedia sobre la España de la corrupción está libremente basada en el Caso Bárcenas, y cuenta el primer día de un nuevo ministro de Cultura, cuyo mayor interés es usar su puesto para hacer negocios y buscarse un enchufe para cuando deje el gobierno. La obra es una sátira política cuyo principal objetivo es hacernos reír, permitirnos una revancha: reírnos de los políticos que se están riendo de nosotros todos los días. Poco consuelo es ese...uno de los pocos que nos sigue quedando -pacífico-. Sergio Díaz
El tesorero
Desde el 30 de octubre Teatro Lara
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crítica
Crituits
Crítica: Mejor historia que la nuestra Teatro Lara Por Álvaro Vicente
El mejor final posible para nuestra historia Los que vemos mucho teatro estamos acostumbrados a ver a Chema Muñoz en muchos repartos. Es ese actor que da seguridad a un director, porque te resuelve con oficio casi cualquier personaje, pero rara vez le toca el protagonista, rara vez sostiene todo el peso de una historia sobre sus hombros. Felizmente, esta historia sí es, para actor y para personaje, un trabajo a la medida de Chema Muñoz, que sencillamente está genial. Epicentro del que salen y al que llegan las acciones, encarna a Luis, un enfermo terminal que ha decidido abandonar el tratamiento y vivir lo que le queda a su manera. Mirar a la muerte cara a cara y, si se tercia, jugarse una partida con ella antes de la partida, valga la redundancia. Y es esa muerte anunciada la que precipita la vuelta de Maite, la única hija de Luis, que lleva alejada de su padre, física y emocionalmente, mucho tiempo, demasiado. Tanto que parece que ya no se conocen. Maite vuelve con su novio, Roberto, y se reúnen en la casa con Paula, la joven que se encarga de cuidar de Luis y de la casa. Ceremonia de aproximación al hombre que abre su pecho en espera del final, al hombre-niño que quiere acariciar la libertad por última vez, la gran y única libertad de sentirse dueño de sí en términos absolutos. Para Maite es un espectáculo que no sabe cómo encajar y ahí vemos de nuevo a una Mamen Camacho extraordinaria. Cómo lo están en sus tira y afloja Antonio de Cos y Natalia Huarte. Y no se puede dejar de destacar la vibrante dirección de Francesco Carril, que tiene entre manos un gran texto (de Lucía Carballal, por cierto, otra muestra del buen momento dramatúrgico español).
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Crítica: Las heridas del viento Teatro Lara Por Álvaro Vicente
La vida te da sorpresas... Que Juan Carlos Rubio y Kiti Mánver son un tándem explosivo ya no es una novedad. Pero lo que le tenía reservado el autor a su actriz fetiche en esta obra nos proporciona un regocijo como espectadores que pocas veces se produce. Una obra tan poética como dura que nos hace pensar en todo aquello que vivimos en sociedad, bajo una máscara, y lo que guardamos con celo sólo para nosotros mismos. Pero los secretos no siempre se van a la tumba con uno y en el mundo quedan nuestros herederos, que un buen día, rebuscando entre cajones, se pueden encontrar una bomba... emocional. Daniel Muriel es el primero en salir a escena interpretando a David FOTO: Sergio Parra y, como Kiti, hablará mucho directamente al público, contándonos una sorprendente historia. “Empecé a conocer a mi padre el día en que murió”. Un padre estricto e infalible que no se preocupó mucho de tender lazos reales con nadie, ni siquiera con sus hijos. Aparece Kiti, como mujer, y asistimos a una metamorfosis en blanco y negro, sobrecogedora, de ritmo pausado. Ahora Kiti Mánver es Juan, un hombre. Nunca había visto a una mujer convertir-
se en hombre así, absolutamente impresionante. “Siempre he odiado lo previsible, por eso no me gusta la vida”, dice Juan. El texto está lleno de este tipo de frases profundas y lapidarias. ¿Y quién es Juan? Pues parece que Juan tuvo una relación muy estrecha con el padre de David. En sucesivos encuentros, David querrá saber, por boca de Juan, qué es eso tan especial que les unía y por qué él no había siquiera imaginado que, como todo parece indicar, su padre tenía una doble vida, una relación con un hombre. Es muy interesante ver cómo se resquebrajan los cimientos de David y como la erosión vital ha peinado a Juan hasta convertirlo en un ser caústico, de esos cuyo pesimismo se hace cómico. Un ser solitario y desgraciado que nos conmueve con su historia. Es un trabajo preciso desde la palabra hasta el escenario, que cuenta con una de esas actrices que, lejos de arredrarse frente a las nuevas formas de hacer teatro que imponen los tiempos, sale airosa y convierte la obra en una experiencia inolvidable. No me extraña que se haya convertido en el fenómeno que ya es. ¡Y que dure!
en www.escenagodot.com a 28 de octubre
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en familia
La pequeña flauta mágica Opera Divertimento nos trae una adaptación en la que Mozart volcó todos sus ideales que trata de poner al alcance de los más sobre la amistad, la sabiduría y la verdad, pequeños una de las óperas más célebres: La en su más amplio sentido humano. flauta mágica. Se trata de la adaptación de En el plano netamente musical, La Flauta la Ópera Die Zauberflöte de W.A. Mozart, no sólo representa una nueva concepción en dos actos y con libreto de E. Schikander. operística de Mozart, en la que reúne la Fue estrenada el 30 de Septiembre de 1791 ópera seria, la ópera buffa, el singspiel, el en el vienés Theater an der Wien. coral luterano, la canción popular alemana y Como en todos sus montajes, la compañía los temas abiertamente folklóricos del mundo Opera Divertimento intenta que los pequeños que le rodeaba, sino en la que, además, de la casa a la vez se funden distintas técnicas que se divierten vayan musicales que se anticipan introduciéndose en el en más de medio siglo a lo Una de las óperas más mundo de la música. que posteriormente hiciera famosas de todos los Y ésa es una de las Richard Wagner en Tristan tiempos, al alcance de los razones por las que e Isolda. más pequeños han elegido esta Tiempos antiguos. Tamino obra, La pequeña y Papageno, engañados flauta mágica, en la por Oscurrilla, dama de que el compositor de compañía de la Reina Hasta el 14 de diciembre Salzburgo despliega Luna, emprenden el rescate Teatro Bellas Artes todo un abanico de de Pamina, prisionera del géneros, estilos y malvado Rey Sol. El inicial composiciones, meztraslado físico se convierte clando ópera seria y bufa, singspiel, corales, en un viaje interior. El Rey Sol se revela como canciones populares y otros temas folclóricos. un sabio espiritual y justo; la Reina Luna Se trata de una obra de carácter fantástico como un ser irracional y perverso...
MERCARTES MERCADO DE LAS ARTES ESCÉNICAS 5, 6 Y 7 DE NOVIEMBRE DE 2014
www.mercartes.es
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cómicos
Ensayos: Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla Míralos ahí, que bonicos son. Ayyy!!!, tan simpáticos y graciosos ellos, y por fin junticos los dos. Sí, los máximos exponentes de la generación Muchachada por fin se reúnen en un teatro para hacer las delicias de sus incondicionales. La cosa promete, porque si ver únicamente a uno de ellos ya es ‘pa’mearse’, ver a los dos juntos tiene que ser un auténtico orgasmo de carcajadas. Con sus textos surrealistas y absurdos, aparentemente simples por cotidianos, pero de gran inteligencia, han cambiado la concepción de los espectáculos de humor en nuestro país y han sumado miles de adeptos a su causa. Y sus mentes no dejan de idear nuevas formas de comunicarse con nosotros.
Estamos rodando
Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla son conocidos gracias a programas como Muchachada Nui, La hora Chanante, y Museo Coconut (dirigidos y creados por ellos mismos) además de las comentadas intervenciones humorísticas en las dos últimas Galas de los premios Goya, de su aparición en películas y series de gran éxito, de colaborar en programas de radio y televisión... Ahora nos ofrecen la
Estos dos genios del humor nos ofrecen un espectáculo con improvisaciones, nuevos textos y sketches inéditos Desde el 24 de noviembre Teatro La Latina
posibilidad de vivir y experimentar de cerca la creación de su nuevo show. Unos ‘ensayos’ dónde pondrán a prueba todo su talento: Improvisaciones, nuevos textos, sketches inéditos... Un encuentro que pretende lograr un ‘feedback’ con su público para dar forma a la estructura y base del nuevo y gran espectáculo que verá la luz en enero de 2015. Ellos sí que son unas verdaderas celebrities. S. Díaz
entrevista
Raúl Cano “Lo principal es gustarle a las mamás” ¿Tú eres padre? Eeeeh... ¿qué quieres decir con esa pregunta? (Risas) No, no lo soy. ¿Has tenido que investigar entre amigos y familiares o el texto es tan bueno que no hace falta? Este Bjarni Thorsson escribe muy bien e intenta tocar todos los palos de lo que significa ser papá. Por supuesto que haberlo vivido en tus carnes siempre te dará otra óptica, pero bueno, con las vivencias, los amigos, los sobrinos, tu hermano te cuenta... “Si crees que ya no necesitas dormir 8 horas seguidas ni volver a tener sexo, enhorabuena, estás preparado para tener hijos”. ¿Un poco chungo este arranque, no? Es un poco duro, sí, pero es una parodia. Depende de cada persona cuidar el apetito sexual, que yo conozco a alguno que no ha perdido nada la intención. Lo que sí es cierto es que hay momentos, si eres padre lo sabrás, que no tienes ganas de NADA. Bueno, tengo la sensación de que nos vamos a reír mucho con este monólogo. Bueno, es una comedia, y como componente de Yllana estoy acostumbrado a recibir la risa del público cada tres segundos. No se ofenderá ningún padre, ¿no? Hombre, ofenderse no, pero es posible que haya cosas que les roce más el alma. Ten en cuenta que a los humoristas no les dan premios, les dan premios a los actores que hacen daño al corazón de la gente. A Tom Hanks no le dieron el Oscar hasta que no hizo Philadelphia, no se lo dieron por Esta casa es una ruina. De hecho, mi referencia para este monólogo son los actores americanos, de este estilo Tom Hanks. ¿Y qué pasa con las mamás? Están muy tenidas en cuenta. De hecho, los hombres vamos al teatro porque nos obligan nuestras mujeres, entonces lo primero es gustarle a ellas. Siendo de un autor islandés, ¿ha habido que hacer mucha adaptación para España? No, no hay tanta diferencia, no pensemos que seguimos siendo la España de Paco Martínez Soria, aunque nos encanta regodearnos con eso. Á.Vicente
Un gran éxito desde Islandia para el mundo. Dirigido por Gabriel Olivares, el actor habla de lo que significa hoy Ser papá Desde el 30 de octubre Teatro Fígaro
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danza
XXIX Festival Madrid en Danza Ya tenemos aquí una nueva edición del festival de danza más importante de la Comunidad de Madrid, con nueve estrenos absolutos, un estreno europeo y cuatro estrenos en España. Este año, entre el 6 y el 30 de noviembre, podremos ver los trabajos de 23 compañías que, junto a las españolas, llegan de Alemania, Mónaco, Bélgica, Países Bajos, Canadá, Francia y Marruecos. La muestra se desarrollará en doce espacios de Madrid capital y en seis municipios de la Comunidad. Una vez más, todos los estilos se dan cita: la danza contemporánea, urbana y experimental, el ballet, la danza española, el flamenco, la danz-teatro, el contact-improvisation o la performance. Todo ello estructurado en torno a cuatro ejes de programación: creadores internacionales emblemáticos; innovación y apuesta por nuevos talentos; Madrid y sus creadores coreográficos; y renovación de la tradición. Instituciones culturales tan importantes como el Instituto Francés y el Goethe Institut alemán colaboran en esta edición que durante casi un mes convertirá a Madrid en referencia mundial de la danza. Más info en www.madrid.org/madridendanza
Teatros del Canal La sede principal del festival acogerá seis grandes montajes con la diversidad de lenguajes como nota característica. El flamenco lo pone, por un lado, Manuel Liñán con Nómada (15-16 nov., foto sup. izq.), un viaje colectivo ubicado en diferentes zonas geográficas que enmarcan el flamenco en diversos momentos y circunstancias. Por otro, Rocío Molina, que llega con su proyecto de flamenco contemporáneo Bosque Ardora (6-7 nov., foto sup. dcha.). La compañía de Sharon Fridman presenta Free Fall* (29-30 nov., foto inf. dcha.), una metáfora sobre la supervivencia, la guerra y la reconstrucción que hace uso del contact como técnica corporal que implica la consciente relación con el otro. Lo hace con una partitura original de Luis Miguel Cobo. En contraste, lo clásico llega de la mano de Les ballets de Monte-Carlo, con el coreógrafo Jean-Christophe Maillot al frente. En esta nueva visita a Madrid traen LAC, una versión diferente del emblemático El lago de los cisnes basado en la música de Tchaikovski, revitalizado con inteligencia, en busca del tránsito del estado animal al humano e
interrogándose por nuestra propia naturaleza. Será entre el 20 y el 23 de nov. (foto centro izq.). Y desde Alemania llega Renegade, compañía comandada por Susanne Linke, una de las pioneras de la Tanztheater, que trae la legendaria pieza Ruhr-Ort renovada. Una espectacular muestra de danza-teatro que podremos ver del 13 al 15 de nov. (foto centro dcha.). Finalmente, los belgas de la compañía Última vez nos permitirán disfrutar de la primera pieza coreográfica de Wim Vandekeybus, concebida en 1987. What the body does not remember es un manifiesto de danza animal realizada en los límites del peligro y el riesgo corporal. Estará en el Canal del 21 al 23 de nov. (foto inf. dcha.).
FOTOS: Arriba. Iqz: Celia de Coca. Dcha: Rafael Gavalle Centro: Izq: Laurent Philippe. Dcha: Bettina Stoess Abajo: Izq: Danny Willems. Dcha: Jesús Ubera
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FOTO: Jesús Robiscoq
One-Hit Wonders. Cuarta Pared. 7-8 nov. En retrospectiva, al cumplir los 20 años de la compañía, Sol Picó revisa los momentos álgidos de su carrera, piezas emblemáticas de la pequeña gran bailarina valenciana, una auténtica revolucionaria.
Episodios. Teatro de La Abadía. 7-9 nov. Mónica Runde celebra los 25 años de su compañía, 10&10 Danza, con un montaje conmemorativo en el que participan 5 creadores: Pedro Berdäyer, Carmen Werner, Luis Luque, Daniel Abreu y ella misma.
FOTO: Susan Paiva
FOTO: Robert Benschop
The unreality of time. Nave73. 21-22 nov. Primera colaboración de Marina Mascarell con el compositor neoyorkino Chris Lancaster, que interpreta en directo junto a 5 bailarines y un paisaje de 150 kilos de lentejas creado por Ludmila Rodrigues.
Bailarina de fondo en concierto. Pradillo. Entre el 13 y el 15 de noviembre, la peculiar artista Tania Arias lanza su diatriba corporal contra el viento en el kilométrico baile que encadena siguiendo las canciones de un concierto... o de muchos.
FOTO: Dock11
FOTO: Dani Franco
Control. Teatro del Arte. 17-18 nov.
Artista residente en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña, Javier Martín presenta un solo-improvisación donde desarrolla el concepto de transformación. Habrá debate posterior con el público.
Maquillage. Kubik Fabrik. 22-23 nov.
El coreógrafo, bailarín y dramaturgo alemán Vincent Bozek explora en este trabajo las distintas formas en las que las personas se hacen perceptibles en el espacio, ayudado de un bailarín y un contrabajista.
danza FOTO: José Luis Magaña
FOTO: Verónica Cortés Murillo
Las 4 estaciones de Victoria. I. Francés 28 nov. Coproducción hispano-francesa con dramaturgia y coreografía de Jean Philippe Dury al frente de su compañía Elephant in the black box company, conocida por su elegancia, precisión y fluidez.
FOTO: Jesús Robisco
FOTO: Ignacio Urrutia
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Haablk!. Casa Árabe. 19 nov.
La nueva propuesta del coreógrafo Dani Panullo reúne por primera vez a parte de la comunidad de b-boys de origen árabe residentes en Madrid, unidos por la danza como forma de vida.
Comunidad De las 50 funciones que componen el festival Madrid en Danza, 12 se celebran en municipios de la comunidad de Madrid. En Leganés actuará la compañía Mey-Ling Bisogno (foto superior) el 29 de nov. con Tokio Dream. Por su parte, la compañía de Fabian Thomé (foto inferior) estará en La cabrera el 22 de nov. con Entre sombras. La pieza 119.104, de Aldo Project, podrá verse en San Lorenzo de El Escorial el 15 de nov., donde también actuarán los días 22 y 23 Tamako Akiyama y Dimo Kirilov con Entre mareas y los días 29 y 30 de nov. Cruceta Flamenco y Cozy Times con BPM Dualidad, mientras que Tres caminos, de CaraBdanza, recalará el 8 de nov. en Colmenar Viejo. El Corral de Comedias de Alcalá de Henares será escenario para el estreno absoluto de Black Box, lo nuevo de Daniel Doña. Y por último, el coreógrafo y bailarín francés Nicolás Rambaud lleva a Navalcarnero el 8 de nov. su solo de danza contemporánea ¡Valgo?