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Centro Dramático Nacional
Temporada
Dirección Ernesto Caballero
2016 _ 2017
Teatro María Guerrero Teatro Valle-Inclán
Centro Cultural Conde Duque A partir de Trato de Argel de Miguel de Cervantes Versión y dirección: Ernesto Caballero
Del 14 al 24 de septiembre de 2016
EL CIELO QUE ME TIENES PROMETIDO
Texto y dirección: Ana Diosdado
Del 7 al 18 de septiembre de 2016
ESCUADRA HACIA LA MUERTE
De Alfonso Sastre Versión y dirección: Paco Azorín
Del 7 de octubre al 27 de noviembre de 2016
JARDIEL, UN ESCRITOR DE IDA Y VUELTA
A partir de la obra de Enrique Jardiel Poncela Versión y dirección: Ernesto Caballero
Del 16 de diciembre de 2016 al 12 de febrero de 2017
IN MEMORIAM. LA QUINTA DEL BIBERÓN
Texto y dirección: Lluís Pasqual
Del 22 de febrero al 12 de marzo de 2017
ZENIT
De Joglars Dirección: Ramon Fontserè
Del 22 de marzo al 9 de abril de 2017
REFUGIO
Texto y dirección: Miguel del Arco
Del 28 de abril al 18 de junio de 2017
EL HOGAR DEL MONSTRUO
Textos de Espido Freire, Fernando Marías, Vanessa Montfort y José Sanchis Sinisterra Dirección y dramaturgia: Vanessa Montfort
Del 21 de septiembre al 9 de octubre de 2016
CÁSCARAS VACÍAS
Texto y dirección: Magda Labarga y Laila Ripoll
Del 26 de octubre al 13 de noviembre de 2016
NAVIDAD EN CASA DE LOS CUPIELLO
De Eduardo De Filippo Dirección: Aitana Galán
Del 30 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017
Escritos en la escena I #MALDITOS16
De Fernando J. López Dirección: Quino Falero
Del 25 de enero al 5 de febrero de 2017
LA ESFERA QUE NOS CONTIENE
Texto y dirección: Carmen Losa
Del 24 de febrero al 19 de marzo de 2017
HABLANDO (último aliento)
De Irma Correa Dirección: Ainhoa Amestoy
Del 5 de abril al 7 de mayo de 2017
Escritos en la escena II LA REBELIÓN DE LOS HIJOS QUE NUNCA TUVIMOS
De QY Bazo (Quique y Yeray Bazo) Dirección: Eva Redondo
Del 31 de mayo al 11 de junio de 2017
TRATOS Teatro María Guerrero
Sala de la Princesa
ABONOS TEMPORADA DESDE 19€ A LA VENTA DESDE EL 2 DE SEPTIEMBRE
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Teatro Valle-Inclán SONGS FROM MY SHOWS
De Ivo Dimchev
21 de septiembre de 2016 El lugar sin límites
LA CASA
Idea y dirección: Aitana Cordero Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar
Del 29 de septiembre al 2 de octubre de 2016 El lugar sin límites
CONTAR PARA/SOBRE VIVIR 1
Piezas de Itxaso Corral, Nilo Gallego y Chus Domínguez, Pablo Messiez y Alejandro Ruffoni
6 y 7 de octubre de 2016 El lugar sin límites
CONTAR PARA/SOBRE VIVIR 2
Light Years Away, De Edurne Rubio Barredo Fäustino IV o Concierto para esfuerzo y sonido, De Sergi Fäustino
8 y 9 de octubre de 2016 El lugar sin límites
DE VÂNZARE / FOR SALE
Texto y dirección: Gianina Cărbunariu
CONTRA DEMOCRATIEI
De Esteve Soler Dirección: Alexandru Dabija
Del 20 al 23 de octubre de 2016 Una mirada al mundo
DES MOURANTS: INFLAMMATION DU VERBE VIVRE Y LES LARMES D'ŒDIPE
De Wajdi Mouawad
Del 28 al 30 de octubre de 2016 Una mirada al mundo
LA COCINA
De Arnold Wesker Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta
Del 18 de noviembre al 30 de diciembre de 2016
LAS BRUJAS DE SALEM
De Arthur Miller Dirección: Andrés Lima
Del 20 de enero al 5 de marzo de 2017
SÉNECA
De Antonio Gala Versión y dirección: Emilio Hernández
Del 24 de marzo al 14 de mayo de 2017
UNA MIRADA DIFERENTE
Del 25 de mayo al 4 junio de 2017
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III JORNADAS DE PLÁSTICA TEATRAL
Laboratorio Rivas Cherif
Del 8 al 10 de junio de 2017
SOM FAVES
De Ivo Dimchev
Del 23 al 25 de septiembre de 2016 El lugar sin límites
REIKIAVIK (reposición)
Texto y dirección: Juan Mayorga
Del 28 de septiembre al 30 de octubre de 2016
MECÁNICA (una relectura cubana de Casa de muñecas)
De Abel González Melo Dirección: Carlos Celdrán
Del 3 al 6 de noviembre de 2016 Una mirada al mundo
VIEJO, SOLO Y PUTO
Texto y dirección: Sergio Boris
Del 10 al 13 de noviembre de 2016 Una mirada al mundo
MÁRMOL
De Marina Carr Dirección: Antonio C. Guijosa
Del 25 de noviembre al 30 de diciembre de 2016
LOS GONDRA
De Borja Ortiz de Gondra Dirección: Josep Maria Mestres
Del 18 de enero al 19 de febrero de 2017
FESTEN
De Bo Hr. Hansen Versión y dirección: Magüi Mira
Del 3 de marzo al 9 de abril de 2017
EN LA ORILLA
De Rafael Chirbes Dirección: Adolfo Fernández
Del 19 de abril al 21 de mayo de 2017
Escritos en la escena III POR TODA LA HERMOSURA
De Nieves Rodríguez Rodríguez Dirección: Manu Ibáñez
Del 21 de junio al 2 de julio de 2017
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Sala Francisco Nieva
Sala El Mirlo Blanco TITERESCENA
Octubre de 2016 a junio de 2017
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editorial
Regeneración En esta transición estival que nos ha llevado de la temporada anterior a la siguiente, hemos visto cómo perdíamos varias salas Off por el camino, que han cerrado por unos u otros motivos; hemos asistido al final del culebrón de los teatros municipales con la puesta en marcha de los concursos para elegir los directores artísticos del Español y de las Naves del Matadero (alea jacta est); hemos conocido la reapertura kamikaze del teatro Pavón, teatro al que damos nuestra portada con el entusiasmo de ver que todavía hay gente que es capaz de hipotecar su vida para conseguir hacer sus sueños realidad y, de paso, contribuir a mejorar la ciudad y subir su listón cultural. Hemos conocido a los nuevos directores de los Teatros del Canal y hemos visto palidecer a nuestros festivales veraniegos más emblemáticos: Mérida por ser entregado sin paliativos a Don Dinero; Almagro porque, pese a su gestión ejemplar, no deja de estar en la cuerda floja. Además, estamos viviendo el periodo más largo sin gobierno ¿estable? desde ni sabemos cuánto (¿algún historiador en la sala?), un periodo en el que se está escenificando el mejor esperpento que nunca escribió Valle-Inclán y en el que, encima, la economía crece... o eso dicen. Y en estas nosotros, en Godot, hemos decidido dar un pasito más en nuestro crecimiento sostenido. Cumplimos 6 años este mes de septiembre con una revista un poquito más grande y un poquito más diversa, porque los saberes y los andares han de mezclarse y contaminarse. Y porque, como a cualquiera, nos gustan tanto como el teatro, el cine, la música, los libros, los cómics o las exposiciones. Iremos poco a poco viajando hacia un concepto de revista cultural que tiene en el teatro y la danza sus columnas vertebrales. En tiempos de transición, esta es nuestra apuesta por la regeneración desde la cultura.
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sumario editorial.4 supersubmarina.6 el arte del actor.8 exkisitios.10 idiota + teatro kamikaze.12 tratos.16 raúl arévalo y david pulido.18 el cielo que me tienes prometido.24 incendios.26 la piedra oscura.32 estrenos.33 lecturas.42 intercity.44 el hogar del monstruo.48 festival IDEM.50 raquel sastre.52 emprendescena.54 danza.víctor ullate.56 lírica.otello.58 foto portada: Vanessa Rabade
Revista Godot Artes Escénicas
EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén Embrujo COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Nico Guau. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.
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on the road por Rubén González
Supersubmarina
Una vida dura pegada a la carretera La de actores, músicos, titiriteros... y artistas en general, es una vida dura, que los que la conocéis de cerca sabeis bien que termina quedando irremediablemente pegada a la carretera. Por eso, el lamentable accidente que tuvo el grupo de música baezano Supersubmarina, a la vuelta del Medusa Sunbeach Festival (Cullera) el pasado 14 de agosto, se sintió como un terremoto en la profesión y numerosas voces alarmaron con razón, sobre la precariedad de una situación laboral que entraña muchos riesgos y deja al descubierto numerosas lagunas. Lejanos los tiempos de las grandes giras, los mejores hoteles y los transportes más cómodos, la vida durante la gira para el común de los mortales (con mejor o peor fortuna, más o menos conocidos, con más o menos tirón), se traduce en una combinación de tiempo y dinero, que por ahorrar de uno y de otro, o por incompatibilidad laboral la mayor parte de las veces, produce a menudo situaciones no exentas de riesgo que finalmente terminan ocasionándonos algún que otro dramático susto. Las noticias que nos llegan desde Jaén son lentas,
pero a día de hoy esperanzadoras; ya ha habido algún alta hospitalaria y la permanencia en la UCI del “Chino” (cantante) y Juanca (batería), dentro de la estabilidad y la mejoría (siempre según la información de su agencia de management), nos hace querer ser optimistas aunque la lucha contra las secuelas, ya podemos anticipar que será muy compleja y lento el progreso. Son muchas las profesiones, y muy sacrificadas, las que viven una vida dura pegada a la carretera, no cabe duda, y la atención mediática sobre los cinco jóvenes músicos (añado al roadie que les acompañaba) no supone un menoscabo hacia ellas. Pero recordar a Supersubmarina sí nos debe servir para pensar en lo dura que es la profesión del artista, y los pocos réditos que se obtienen de ella, los pocos beneficios que se obtienen por vivir al servicio de la cultura en este país peleado con sus autores más allá del consabido IVAzo o la notable ausencia de una creíble y actual legislación laboral. Afortunadamente, y son lo que nos motiva a lanzarnos a la carretera, sí existen infinitas satisfacciones personales.
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el arte del actor por María Morales
¿En qué andas ahora? A menudo hago esta pregunta a alguien de la profesión, confieso que con miedo a que lo que me cuente me parezca más interesante que aquello en lo que ando yo. No sé si me pasa porque identifico el proyecto con la persona o porque yo me identifico con los proyectos. Me sigue pasando a pesar de haber comprobado que sea cual sea el proyecto, mejorar como persona o como actriz es algo que sucede en otros ámbitos de lo personal. No digo que esté desligado, pero sí que es más amplio. Las inquietudes, desasosiegos u orgullos propios son muy íntimos. Los notamos a solas a veces en momentos inesperados. ¿Os ha pasado que alguien os ha felicitado un trabajo y no fuisteis capaces de aceptar su aplauso? ¿O que nadie estuvo de acuerdo en un comportamiento que considerasteis sabio y crucial para vosotros? El trabajo que hacemos habla de nosotros, pero sabemos que lo que nos define es lo que sentimos a solas sobre nosotros, y eso ni lo da ni lo quita un trabajo.
Hablo de esto porque es inicio de temporada, de proyectos, de cursos. Momento en el que a veces se tiene la sensación de vuelta a un punto de partida que creíamos superado. Momento de afrontar nuevos retos y situaciones. Cada paso dado, en la profesión y fuera de ella, vale. Andar en el asunto de lo que nos alegra el corazón debería ser nuestra labor diaria. A veces lo vemos difícil, o se nos pasa por alto con todo “lo que hay que hacer”, pero es que no HAY que hacer nada. Si conseguimos estar en contacto, lo más permanente posible, con aquello que somos, vamos a notar enseguida si donde estamos, es donde queremos estar, y si lo que hacemos es coherente con nosotros. Esta profesión y su necesidad de mirada externa, está llena de consejos y aprendizajes que a veces nos alejan de lo que nos nace. Pero si nos dedicamos a esto es porque lo sentimos como necesario, porque lo que nos provoca en el corazón es más importante que nuestros ingresos o estructura. Dejemos pues que la sabiduría de nuestro corazón nos guíe.
Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com
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exkisitios Mür Café. Plaza Cristino Martos, 2. Madrid
Mür Café nace de los viajes, de otras ciudades, de otros sabores, y, sobre todo, nace de la excelencia Mür Café es un lugar al que volver, porque la experiencia no se agota en una sola visita. Es un lugar creado pensando en conseguir calidad en todo lo que ofrece: producto, ambiente y trato. Madrid, a diferencia de otras capitales europeas, necesita sitios inclusivos, con opciones para vegetarianos,
para amigos de cuatro patas (dog-friendly) y para momentos de tranquilidad. Repostería artesanal hecha con mimo y cariño y un gusto por las cosas diferentes es su seña de identidad. Sus dueños han creado un espacio que ha ido sumando lo que les iba gustando de aquí y de allá. Y así,
han cuajado un ambiente único, fruto de los gustos e intereses de los cuatro socios que lo fundaron y de lo que inspiraban sus escapadas. Mür Café es un lugar exclusivo, delicado y cercano. Su máximo objetivo es que vuelvas y apostamos a que lo van a conseguir. http://murcafe.es/
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¿quién toma nuestras decisiones? por Álvaro Vicente
Una trampa con apariencia de comedia
la nueva etapa del pavón, ahora teatro kamikaze, arranca con ‘idiota’, de jordi casanovas, dirigida por israel elejalde
Hay una canción cuya letra dice así: “un idiota necesita otro idiota más idiota junto a él, que lo mire, que lo admire. Ten cuidado, que puedes ser tú.” Me viene que ni pintada para introducir una obra que empieza claramente distanciando al personaje del patio de butacas, para acabar por hacer sentir idiota a más de uno de los que miran desde ahí abajo. Y no porque la obra pretenda insultar a nadie, sino porque muestra una realidad que de lo cómico vira a lo inquietante y donde empezaste riéndote con ese tipo tan gracioso terminas por empatizar con un pobre desgraciado, tan desgraciado como lo podemos llegar a ser cualquiera de nosotros en un contexto social determinado. Los antiguos griegos llamaban idiota a aquel que no participaba en los asuntos públicos, que preocupado tan solo por sus temas personales, obviaba los concernientes a la comunidad. Por
decirlo claramente: pasaba de la política. Dos mil y pico años después, se diría que, en esa acepción, el mundo está lleno de idiotas, o sea, de gente que practica una desafección manifiesta por la política. Sólo hay que ver cómo se repite esa cantinela de que la gente está aburrida de la política y de los políticos, que menudo coñazo tener que ir a votar otra vez. Desde alguna instancia que desconocemos, alguien tomó la decisión un día de inocular en la sociedad esa idea de que
plica Israel Elejalde, “las ideas tienen que estar debajo de la vida, el espectador no tiene que estar pensando en todas estas lecturas mientras ve el espectáculo, lo puede pensar después. Mientras ve el espectáculo debe ver a dos tipos que se comportan de manera orgánica. Para eso necesitaba actores muy dúctiles, y muy diferentes entre sí. Encontré a los dos ideales, creo. En el caso de Gonzalo de Castro, además, necesitaba un actor (que no hay tantos y los que hay se los rifan), que
“Las ideas deben estar debajo de la vida. Durante la función, tan solo hemos de ver a dos personas y lo que les pasa” nuestra participación se limita a introducir una papeleta en una urna cada tanto. Y esto tiene mucho que ver con este magnífico texto de Jordi Casanovas, con dónde está no ya el poder a secas, sino el poder de tomar las decisiones que nos afectan a todos en tanto que ciudadanos. Dejar en manos ajenas los asuntos públicos es, finalmente, perder el control sobre nuestra propia vida.
Lectura en capas
La función empieza claramente en clave de comedia. Pero es una trampa. Tampoco se disimula la existencia de la trampa, pero todos caeremos de un modo u otro en ella. Eso es mérito del texto, sí, pero también de la dirección y de la interpretación. Incluso de todo el aparato plástico. El montaje, redondo en este sentido, aboca todo sus signos y significados hacia un punto, al que vamos accediendo a base de ir quitándole capas a la cebolla. Y lo mejor es que lo hacemos casi sin darnos cuenta. Como ex-
pudiera dar también esa tristeza del payaso, esa cualidad del clown que te hace reír y que, de pronto, se para y dices: dios mío, cuánta pena hay detrás de todo esto.”
Escenario viñeta
El montaje, por su apariencia estética, invita a pensar en mundos herméticos, en las grandes corporaciones que moldean al consumidor a su imagen y semejanza, en los ocultos laboratorios científicos donde se ensayan hipótesis perversas. De fondo, por lo que al autor respecta, están aquellos experimentos de los 60 en los que se estudiaba la banalidad del mal (los experimentos en psicología social de Stanley Milgram, concretamente). Y por la parte de dirección, Elejalde ha volcado su pasión por los cómics en la propuesta escenográfica (diseñada por Eduardo Moreno), convirtiendo el recipiente de la acción en una especie de viñeta suspendida en el escenario. La viñeta siguiente... en la mente de cada cual.
FOTOS: Vanessa Rabade
Idiota Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert dan vida a dos polos enfrentados en una obra con tenues aromas distópicos Hasta el 30 de octubre Pavón Teatro Kamikaze
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capitaneando esta nueva etapa del viejo teatro pavón, la familia kamikaze nos invita a compartir reto y aventura, un modelo de gestión que combina el repertorio con nuevas creaciones contemporáneas
Bienaventurados los inconformistas, porque verán recompensada su valentía y su integridad. Bienaventurados los que aman su oficio y pelean por su dignidad, porque obtendrán el beneficio de la coherencia y el aplauso cerrado y unánime de sus con-
Bienaventurados los que se la juegan en el arte, porque alcanzarán el podio genuino de la Historia a cara descubierta temporáneos, de sus compañeros y, lo más importante, de sí mismos. Bienaventurados los que se la juegan en el arte, porque alcanzarán el podio genuino de la Historia a cara descubierta, sin subterfugios, sin entretelas. Bienaventurados los kamikazes del teatro y los del teatro Kamikaze, que
han visto cómo el trabajo y el talento, aun con muchas complicaciones, tiene su recompensa. Así es este relato, este acopio de bienaventuranzas que se alumbró una noche fría de diciembre de 2009 en el hall del Teatro Lara (con La función por hacer) y culmina con la apertura de un teatro propio. Y digo apertura con toda la literalidad de sus sílabas, porque la casa de Kamikaze es ya la casa de todos, de todos aquellos que quieran sumarse a la buenaventura. La hospitalidad de la familia Kamikaze es célebre y, ahora que se arremangan con este nuevo reto, más que nunca nos necesitan tanto como les necesitamos a ellos.
Póker de ases
Un teatro vivo. Un teatro de calidad. Un teatro para todos los públicos, culto y popular. Un teatro de reflexión, diálogo y
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transformación. Un teatro necesario para la sociedad. Un rito. Un teatro que suma lo mejor de lo público y de lo privado en busca de independencia y libertad. Un teatro abierto y en movimiento constante. Un teatro de repertorio. Un teatro para la creación contemporánea. Ese sería, a grandes rasgos, el decálogo del Pavón Teatro Kamikaze, al mando del cual se ha puesto un cuarteto de lujo que aúna arte y gestión en fructífera combinación, como bien llevan demostrando en los últimos años. Dos productores, Aitor Tejada y Jordi Buxó, y dos actores y directores, Miguel del Arco e Israel Elejalde. Y junto a ellos, un equipo que, sin duda, irá creciendo con el proyecto.
FOTO: La funcion por hacer © Emilio Gomez
FOTO: Juicio a una zorra © Sergio Parra
FOTO: Hamlet © Ceferino López
FOTO: La clausura del amor © Josep Aznar
Primera temporada
Esta nueva etapa del viejo Pavón (cuya historia se remonta a los años 20 del pasado siglo), reconvertido en Teatro Kamikaze, comienza con un estreno, el de Idiota, la obra de Jordi Casanovas dirigida por Israel Elejalde. Habrá otros estrenos y habrá reposiciones de títulos ya emblemáticos que han obtenido en los últimos tiempos el beneplácito de crítica y público, empezando por La función por hacer, versión libre de Seis personajes en busca de autor, de Pirandello, que está en el origen de todo esto, como tantas veces se ha señalado. Estará en cartel del 9 al 28 de septiembre y se podrá disfrutar en el Ambigú, uno de los 4 espacios con los que cuenta el teatro, además de la sala principal, el Gallinero y la Terraza. Todos tendrán, paulatinamente, su actividad, en la que están contempladas propuestas también pedagógicas como el taller de danza que este mismo mes empieza a impartir Carlota Ferrer. Porque el Kamikaze quiere ser fuente de experiencias diversas, teniendo siempre muy en cuenta a los espectadores,
FOTO: Kamikazes © Vanessa Rabade
otorgándoles la posibilidad de ser parte crucial de la aventura, miembros de la familia (puedes ser un kamikaze a través de la web www.teatrokamikaze.com). Será una forma privilegiada de vivir una temporada que promete mucho, aunque solo sea por volver a ver joyas rotundas como Juicio a una zorra, La clausura del amor, Misántropo o Hamlet. En fin, mucha mierda y... ¡larga vida al Pavón Teatro Kamikaze! Ávaro Vicente
FOTO: Misántropo © Eduardo Moreno
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sobrevivir a los CIEs por Sergio Díaz
Esperanzas sepultadas en centros de internamiento “Un Centro de Internamiento de Extranjeros (CIE) es un establecimiento público de carácter no penitenciario donde se retiene de manera cautelar y preventiva a extranjeros sometidos a expediente de expulsión del territorio nacional. Los Centros de Internamiento de Extranjeros son un instrumento extendido por toda la Unión Europea adoptado en desarrollo de la política migratoria común suscrita en el acuerdo de Schengen de 1985”. Esta es la descripción que encontramos en la políticamente correcta Wikipedia sobre los CIES. No suena mal, ¿no? Parece una institución más dentro de los modélicos sistemas estatales de control de población. Pero un CIE esconde muchas cosas. Y sobre todo sepulta las esperanzas y las vidas de personas que sólo tratan de buscar un futuro mejor. Ernesto Caballero (el director del CDN) ha elaborado este montaje basándose en Trato de Argel, el texto escrito por Miguel de Cervantes en 1580, tras ser
liberado de su cautiverio en tierras argelinas. Esa obra es una comedia psicológica en la que los protagonistas cristianos intentan mantener la pureza de sus almas y sus cuerpos ante las agresiones de una cultura extraña como era la ‘del turco’ en aquella época. Tratos toma como punto de partida el texto clásico de Cervantes para desarrollar una narración contemporánea acorde a la nueva realidad de confinamiento y deslocalización que tiene lugar en los centros de internamiento para extranjeros. Tratos desarrolla la experiencia vital de una pareja confinada en un CIE que, tras abandonar su país de origen, pretende vivir dignamente en el continente europeo. El resultado escénico lo veremos en pocos días en Conde Duque, pero no se puede negar que la idea dramatúrgica de unir un CIE de nuestros días a través del cautiverio que marcó el carácter de uno de los más grandes escritores de nuestra historia, es magnífica.
FOTO: marcosGpunto
Tratos El director del CDN, Ernesto Caballero, ha elaborado este montaje a partir de Trato de Argel, de Miguel de Cervantes. Del 14 al 24 de septiembre Centro Cultural Conde Duque
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Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero
Del 7 al 18 de septiembre
Texto y dirección Ana Diosdado
El cielo que me tienes prometido
Reparto (por orden alfabético) Irene Arcos María José Goyanes Elisa Mouliaá Voz en off Emilio Gutiérrez Caba
Homenaje a
Producción Salvador Collado Colabora:
Teatro María Guerrero
Ana Diosdado
Este proyecto forma parte del programa de la Capital Europea de la Cultura San Sebastián 2016
Tratos
A partir de Trato de Argel
Centro Cultural Conde Duque
De Miguel de Cervantes
Dramaturgia y dirección Ernesto Caballero
Del 14 al 24 de septiembre
Reparto (por orden alfabético) Chema Adeva Carmen Gutiérrez Ione Irazabal Astrid Jones Primo José Meñán Elton Prince
Coproducción Centro Dramático Nacional y San Sebastián 2016 Colaboran Centro Cultural Conde Duque y Tabakalera (Centro Internacional de Cultura Contemporánea) Colaboran:
Teatro María Guerrero Sala de la Princesa
Del 21 de septiembre al 9 de octubre
El hogar del monstruo
Textos de Espido Freire Fernando Marías Vanessa Montfort y José Sanchis Sinisterra
Reparto (por orden alfabético) Espido Freire Ruth González Fernando Marías Miguel Ángel Muñoz Enrique Sánchez-Ramos Jorge Usón
Dirección y dramaturgia Vanessa Montfort
Producción Compañía Hijos de Mary Shelley Síguenos en:
http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49
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una ópera prima a cuatro manos por Álvaro Vicente y Juan Vinuesa
Raúl Arévalo y David Pulido
“Hemos querido hacer cine sin renunciar a nuestra identidad” “Me han dicho que eres psicólogo clínico, ¿podría enseñarte el tratamiento que he escrito para una película?”. La pregunta se la hizo Raúl Arévalo a David Pulido en 2007. El actor se refería al guión de lo que, años después, sería Tarde para la ira, su debut en la dirección de cine. La película, protagonizada por Antonio de la Torre, Ruth Díaz y Luis Callejo, llega el 9 de septiembre a los cines españoles tras participar en el Festival de Venecia (sección ‘Horizontes’). Inmediatamente después viajará al Festival de Toronto (sección ‘Discovery’). Aquella primera conversación entre Raúl y David sirvió para comprobar que sus mundos estaban destinados a encontrarse. Enseguida empezaron a sucederse las reuniones y discusiones sobre cine, sobre psicología, sobre violencia descarnada... “¿David, una persona sin nada que perder se comportaría así o suena irreal?”. Dudas y avances.
“Raúl, yo he escuchado en consulta cosas que, si las contase, nadie creería”. Y el 21 de septiembre de 2007, Arévalo envió un email a Pulido: “esto lo escribimos entre los dos”. A lo largo de todo este tiempo, muchas cuestiones que iban y venían pero, por encima de todas, el común propósito de responder a una delicada pregunta: “¿qué haría una persona si tuviera enfrente al que le destrozó la vida?” La han respondido con un filme rotundo, resultado de una cocción lenta, muy lenta. Hoy son dos debutantes felices que, además de todo, se jactan de haber fraguado una férrea amistad gracias a este trabajo. Nos encontramos con ellos, pizzas y vino por medio, una noche clara del Madrid de agosto. Curioso. La peli, en un principio se iba a llamar así, Agosto. “Agosto es el mes -dice Pulido- en el que no pasa nada y, de pronto, pasa todo. El tiempo se vuelve un acordeón, es algo muy mágico, estés o no de vacaciones. En realidad, agosto no es un mes, es un estado mental.”
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Cuando os conocéis, Raúl ya estaba dentro del mundo del cine pero por tu lado, Pulido, ¿qué relación había con este arte? Pulido: De alguna u otra forma, mi vida siempre ha girado alrededor de las historias. En mi trabajo como psicólogo, las escucho. En mi afición por el rol, las cuento, ya que juego online y dedico unas dos horas diarias a narrar. Y ahora, como guionista, las he desarrollado en otro medio. En la época que conocí a Raúl, justo me acababa de matricular en los cursos de Factoría del Guión. Arévalo: David te cuenta cualquier historia y la hace en formato cinematográfico. Desde un libro que ha leído, a la peripecia de un amigo. ¿Cuál fue el hilo del que empezásteis a tirar? Arévalo: Principalmente, la violencia. Pero no la violencia como espectáculo, sino una violencia cruda, real, como límite y ámbito de muchas cosas. Me hacía una pregunta: si alguien se entera de que un familiar suyo ha sido agredido en un barrio marginal, peligroso, de esos en los que nadie se atreve a entrar… qué haría, cuál sería su reacción; pero la cosa no quedaba ahí: ¿cómo es pisar ese sitio? ¿El dolor que uno lleva dentro actúa como motor para obviar esa peligrosidad?
el riesgo de que apareciese el héroe, el villano, el vengador… pero como estereotipos. Un psicólogo trabajando en un guión sobre la violencia... ¿demasiada responsabilidad enmarcar todo? Pulido: En terapia conoces situaciones que escapan a la razón. Durante todos estos años he comprobado que la realidad, en ocasiones, no es verosímil, y eso es fascinante. Arévalo: La ficción es un código complicado, es como la frase de Mark Twain que decía “la única diferencia entre la realidad y la ficción es que la ficción tiene que ser creíble”. Como nos pasásemos un poco con alguno de los personajes podíamos caer en “el loco”, “el malo”... en estos detalles David me ha ayudado mucho para dar empaque a la psique de los protagonistas. Tras 12 años de trabajo en cine como actor, ¿notas, Raúl, muchas miradas desconfiadas por este salto a la dirección? Arévalo: No me preocupa. Cierto que alguna vez escuchas en el oficio “otro actor que se mete a dirigir”. Y, desde hace un tiempo, recuerdo una frase que me dio a conocer Víctor García León. La dijo Fernán Gómez y era algo así como: “A todo el mundo le extraña mucho que un actor quiera dirigir, pero a nadie le extraña que alguien, que antes no era nada, se ponga a dirigir”. Hay que tener cuidado con las etiquetas.
“A los 11 años hice mi primer corto, Súper Agente 000, con mi hermana Tamara, mi primo Felisín y mi vecino Josito”
Con situaciones tan al límite, ¿cómo evitáis la amenaza del arquetipo? Pulido: El proceso que hemos seguido es dar una base real a algo que podría pasar, de casos que pueden ser reales y, después, pulirlo desde el código del cine. Si el proceso lo hubiésemos acometido desde el cine en un primer momento, corríamos
En realidad, durante todo este tiempo te has estado preparando para situarte al otro lado: dirigiste cortos como Un amor (Premio del Público Notodofilmefst) o incluso alguna secuencia, como ocurrió en Primos, de Sánchez Arévalo... Arévalo: Mi sueño y mi pasión siempre ha sido dirigir. Ya de pequeño, con 11 años, hice mi primer corto, Súper Agente 000, con mi hermana Tamara,
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mi primo Felisín y mi vecino Josito, a los que les hacía toda clase de putadas. Después llegó la época del instituto, el jugar con el gore, luego estudiar teatro, trabajar como actor... pero siempre, de fondo, la obsesión por dirigir. Mi cabeza siempre ha pensado en Story Board, en imágenes. Y el set, durante estos años, ha sido mi hábitat natural. Conocía a alguien y me imaginaba una historia para él, estábamos en una reunión y me ponía a grabar momentos y a montarlos.
De Pajares y Esteso a Cassavetes Lo que hoy es el director Raúl Arévalo es la suma de un puñado de variopintas referencias. Con 6 años ya
iba al vídeo club Iris del Móstoles que le vio crecer (socio 131) y alquilaba todo aquello que hoy ha sido homenajeado en Stranger Things. “Me lo tragaba todo, Los Cazafantasmas, Bruce Lee y sus imitadores, Jackie Chan, Delta Force, El gran
héroe americano y toda esa mierda. Todo Spielberg también. Ya con 14 años vi por primera vez la que es mi película de cabecera, El Padrino. Y cuando entré en la escuela de interpretación, primero Canco Rodríguez me descubrió a Haneke y a Lars Von Trier y todos estos. Con Quim Gutiérrez y Alicia Rubio encontré a Casavettes y me obsesioné con él un tiempo. También vi todo el cine español, con Los santos inocentes a la cabeza. Saura me apasiona y todo el cine quinqui. Y bueno, un lugar importante en mis recuerdos lo ocupan Pajares y Esteso.”
En el oficio del cine conocéis a mucha gente, ¿habéis pedido consejo? ¿Es difícil filtrarlos para que no terminen dirigiendo la película? Pulido: Hay gente que en el proceso nos ha ayudado mucho y otra que nos daba ciertos consejos ante los que teníamos que estar seguros para seguir firmes en nuestra idea. Supimos diferenciar entre los consejos que hablaban de nuestra película, y la intentaban mejorar, y otros que se encuadraban en un “es que yo lo haría así”. Arévalo: Es importante la seguridad en uno mismo, que no tiene que ver con la vanidad. Si yo quiero recorrer un camino a la pata coja, prefiero los consejos que me ayuden a saber cómo es mejor hacerlo a la pata coja, no los que me digan “creo que lo que deberías hacer es correr”. Pulido: Y luego, dentro de esos consejos, algún momento clave... recuerdo el comentario de dos directores que admiramos, Daniel Sánchez Arévalo y David Serrano, que nos dijeron que
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creían en el proyecto. En el que nosotros habíamos concebido. Estábamos en una fase embrionaria y ese ánimo nos dio un plus de confianza. Arévalo: Hemos tenido también una gran libertad, gracias sobre todo a la productora, Beatriz Bodegas, de La Canica Films, y todo eso nos ha dado una gran seguridad, pero cuidándonos mucho de no caer en la soberbia. Una vez me dijo Luis Tosar una reflexión que le había oído a alguien y que es fundamental: “un artista debe ganar seguridad para crecer. En el momento en el que esa seguridad se transforma en vanidad, está perdido como artista y como persona.”
me da bien trabajar bajo presión y me encanta buscar soluciones, resolver. Pulido: Tenía muy claro lo que quería y transmitía una gran seguridad. ¿Tú estuviste en el rodaje, David? David: Sí, y no es nada habitual que los guionistas vayan a los rodajes, pero he tenido esa suerte. Arévalo: De hecho, cuando hacíamos una pausa en rodaje, venían todos los departamentos a preguntarme cosas y siempre aparecía Antonio de la Torre con dudas sobre el personaje y yo directamente se lo mandaba a
David. Pulido, en la película, ha hecho de guionista, de coach y hasta de psicólogo (risas). En tantos años, vuestro marco referencial va creciendo y mutando. ¿Cómo influye en la película? ¿Teníais claro el tipo de cine que queríais hacer o ha ido surgiendo? Pulido: Evidentemente, entre 2007 y 2014, nuestros gustos fueron cambiando. Esto es un thriller, pero no queríamos contarlo desde el efectismo. Hoy podríamos señalar algunas referencias claras, como Haneke o los hermanos Dardenne... Arévalo: Yo pensaba mucho en imágenes y lo compartía con
¿Y quién es David Pulido?
¿Cómo fue el rodaje, una vez que os vistéis ya ahí en el meollo? Arévalo. El rodaje muy bien. Fue en el montaje cuando entré en pánico, en una fase de oscuridad total. Pero el rodaje lo disfruté muchísimo. Me habían avisado de que en cine cada día pasa algo que no habías previsto y hay que improvisar y yo, por si acaso, tenía planificadas tres versiones de cada secuencia. Luego no era para tanto. Más allá de eso, en el set me he sentido más maduro que nunca, se
Durante años, su trabajo ha sido escuchar historias como psicólogo clínico y su hobbie contarlas a través, primero, de los juegos de rol. Adicto a los cómic books (colecciona los X-Men desde el 21 de abril de 1987, dice), se confiesa amante de la TV y un enfermo de las series. Reconoce verse unas 15 series al mismo tiempo, tanto que ha encontrado una aplicación para el móvil que le lleva el registro de capítulos de cada serie que ve, para no perderse. Justo un par de meses antes de conocer a Raúl Arévalo se matriculó en los cursos de
la Factoría del guión. Nada le hizo pensar que tantos años después debutaría en el Festival de Venecia con
su primer largo. Y le ha cogido el gusto, porque esta entrevista-conversación acabó con el avance de la que podría ser la segunda peli que hagan juntos. De momento no podemos contar nada: secreto de confesión.
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David, te fijas en los grandes pero sabes que nunca vas a llegar a eso. Tenía claro que no pretendía hacer una escena de Haneke, aunque te quedas con algo suyo en un momento dado, o de Tarantino, pero siempre pensando en lo que podía venirle bien a nuestra peli, no por puro fanatismo. No puedo negar que hay algo de cine francés, de Jacques Audiard, algo de Go-
claqueta... debió de ser una especie de orgasmo... Arévalo: Ahora es cuando Pulido dice su fantástico monólogo. Pulido: No, ¿vas a contar eso? Arévalo: Mira: fiesta de fin de rodaje, en mi pueblo, 1 de agosto a las 11 de la noche. Mi padre se vino arriba, de esto que te empiezan a sudar las manos, y se pone a decirle a todo el mundo: gracias por ayudar a mi hijo
“La identidad es importante en el cine. De Kusturica mola Kusturica, no Kusturica imitando a Ridley Scott, ¿no?” morra, de la esencia del cine de Saura de los 70... En definitiva, es cine con identidad, algo que creo que en España no está bien considerado, por miedo a que no funcionen las películas, las teles y todo eso. Pero es que, joder, Almodóvar es Almodóvar porque es español y cuando triunfa una peli coreana en Cannes es porque es muy coreana, porque la identidad es importante también en el cine. De Kusturica mola Kusturica, no Kusturica imitando a Ridley Scott, ¿no? ¿Cómo disteis con el título? Arévalo: Viene de una referencia bíblica, algo así como que Dios es lento para la ira. Y nos venía muy bien para hablar de eso, de que hay cosas que ya no puedes resolver: has llegado tarde para vengarte.
a hacer esta película, aquí tenéis vuestra casa y todo eso. Y en estas, David Pulido se emociona y salta ahí en medio y dice... di, di el monólogo... Pulido: No lo recuerdo bien, era algo así como: “a veces me he preguntado qué podía unir a un viejo pescador con una chica como usted y con unos mocosos.” Y ahora viene la respuesta: “Solo le puedo decir que cuando las personas conectan en una misma onda sienten… como una fuerza superior, como si de repente adquiriesen la sensación de no estar solos, de ser escuchados, de ser amados. Y que lo que dices y lo que haces tiene un sentido para alguien más que para uno mismo.” Julia a Frasco, Verano azul, episodio de la muerte de Chanquete.
El último día de rodaje, la última secuencia, la última
El resto de la entrevista en www.escenagodot.com
Tarde para la ira ¿Puede un hecho ocurrido en el pasado seguir marcando las vidas de tanta gente? ¿Qué haría una persona normal si pudiera enfrentarse a aquella gente que le destrozó la vida tiempo atrás? Estreno en toda España el 9 de septiembre
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en memoria de Ana Diosdado por Álvaro Vicente
FOTOS: Guillermo M. Díez
obra sobre mujeres, de mujeres y por mujeres, con menos mística y más humanidad
En octubre hará un año que se nos fue Ana Diosdado. Tendrán que pasar otros 99 para celebrar el “año Diosdado” con grandes titulares. Nos van las fechas redondas y los jolgorios de escaparate. En este país nos hemos dado siempre más prisa en beatificar que en reconocer los talentos. Así nos va. Tendríamos que presumir de mujeres como Ana Diosdado, sin complejos de ningún tipo. Actriz, directora, autora, guionista, novelista, ensayista, lectora voraz, culta y generosa. Amadrinada por Margarita Xirgu, hija del actor Enrique Diosdado e hijastra de la actriz Amelia de la Torre. Desde joven frecuentó junto a ellos las mesas del Café Gijón, ese reducto nebuloso del Madrid tardofranquista donde se hablaba mucho y, todo lo más, se hacían conspiraciones de juguete. María José Goyanes, que también iba
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desde bien joven, no recuerda que desdeñaran a Ana por ser mujer. “Venía de una familia muy culta y muy respetada y hablaba de tú a tú con gente como Fernán Gómez o Juan Benet.” Murió el año pasado, con las botas puestas, en plena gira de El cielo que me tienes prometido, su última obra como autora y directora.
Conflicto y amor
María José Goyanes fue la primera pieza del puzzle. Para ella se pensó una obra sobre Teresa de Ávila y fue ella quien propuso a Ana para escribirla. Luego, además, Ana quiso dirigirla. “Estaba enferma -recuerda Goyanes- pero esto le insufló vida. Aceptó el encargo encantada, pero no quiso hacer una obra sobre la mística Teresa
de Ávila, porque sobre su misticismo ya estaba todo escrito. Le interesaba el ser humano, la Teresa que pierde los estribos, que se enfrenta a la princesa de Éboli (Irene Arcos) dejando que afloren sus pasiones más bajas.” De hecho, como indica Irene Arcos, Ana quiso que esos personajes, sobre el escenario, fueran mujeres reales, mujeres despojadas de sus hábitos, en camisón, mujeres pisando la tierra. Eso sí, en un marco estético muy poético, sobre un tablero de ajedrez en el que Teresa y Éboli juegan su partida definitiva, donde, finalmente, se enfrentan por sus maneras de entender el amor.
FOTO: Tras el preestreno en Talavera, Ana Diosdado le escribió esta nota a Irene Arcos en el programa de mano. Dice: “Esto es sólo el principio de una pedazo de actriz. Gracias”.
El cielo que me tienes prometido María José Goyanes, Irene Arcos y Elisa Mouliaá protagonizan la última obra que escribió y dirigió Ana Diosdado Del 7 al 18 de septiembre CDN - Teatro María Guerrero
Un homenaje de cine y teatro la participación de Luis Merlo, Paloma Pedrero, Hay que morir para ser visto. Lo cuenta SalvaMaría José Goyanes, Luis María Ansón y Antón dor Collado, productor de El cielo que me tienes García Abril. Por su parte, la Fundación SGAE, prometido: “en vida de Ana se le negó el paso con entidad que presidió (fue la primera mujer que este espectáculo en teatros públicos y privados dirigió la SGAE), organiza de Madrid.” Fue muy doun ciclo de cine del 5 al loroso para ella no poder 7 de septiembre en la ver su último espectáculo Sala Berlanga, donde se estrenado en su ciudad. podrán ver títulos que ella Ahora se intenta mitigar escribió para cine y teatro esa ceguera desde una como Los ochenta son nuesinstitución como el Centros, de Manuel Aguado tro Dramático Nacional, FOTO: Ana Diosdado @ SGAE (1989), Olvida los tambores, que acoge este montaje de Rafael Gil (1975), Algo un par de semanas, acomamargo en la boca, de Eloy de la Iglesia (1969) pañado de otras dos actividades: un encuentro o Las llaves de la independencia, de Carlos Gil con el público al acabar la función del 9 de sep(2005). Que sirva todo esto para difundir la tiembre, con la presencia de Pedro Víllora y el propio Salvador Collado, y el primer Lunes con dimensión humana e intelectual de una mujer voz de la temporada, el 12 de septiembre, con irrepetible. ¡Gracias por todo Ana!
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el duro viaje hacia uno mismo por Álvaro Vicente
La infancia es un cuchillo clavado en la garganta Nawal Marwan ha vivido los últimos cinco años de su vida sumida en un silencio total. Acaba de morir. Sus dos hijos, Jeanne y Simon, gemelos, se encuentran ante el notario que abrirá el testamento de su madre. Paradójicamente, el silencio se acaba con la muerte. Nawal abre con su testamento la puerta de entrada a sus secretos, a los dolorosos misterios de una familia. La única herencia que ha dejado a sus hijos es un cuaderno rojo, una chaqueta de tela verde y dos sobres que albergan peticiones cargadas de consecuencias, cajas de Pandora, origen del mal y la maravilla. Una invitación hacia un pasado desconocido, un pasaporte para un viaje duro, pero constructivo. Para los gemelos va a ser como un segundo nacimiento. “La infancia es un cuchillo clavado en la garganta”, escribió el canadiense de origen libanés Wajdi Mouawad, el autor de Incendios. “Solamente las palabras tienen el poder de arrancarlo.” Poner en pie una obra como Incendios es una tarea titánica porque cualquiera que se embarca con los hermanos Marwan en su aventura, se mete
hasta el fondo, con todas las consecuencias. Si este proyecto que desemboca ahora en La Abadía, con Mario Gas en la dirección y Nuria Espert (último Premio Princesa de Asturias de las Artes) al frente del reparto, ha podido levantarse, ha sido gracias al impulso de una mujer: Pilar de Yzaguirre. Igual no os suena ese nombre, si sois ajenos al entorno teatral, pero ella estuvo en el germen del Centro Dramático Nacional en 1980 y puso en pie el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid en 1984. Si hoy muchos presumimos de haber visto los montajes de tal o cual pope del teatro internacional en Madrid, debemos darle las gracias a ella. “Producir en castellano Incendios -dice-, una obra que se ha traducido a 15 idiomas, supone la posibilidad de exponer con fuerza los valores con que nos hemos educado y con los que hemos construido nuestro sistema de vida.” Obras así nos hacen mejores.
Incendios Nuria Espert al frente de un gran reparto a las órdenes de Mario Gas, con Laia Marull, Ramón Barea o Edu Soto entre otros. Del 14 de septiembre al 30 de octubre Teatro Abadía
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una obra inolvidable que adquiere mayor relevancia con el tiempo gracias a Pilar de Yzaguirre, que lo trajo), pero todo aquel que vio aquel montaje, Incendies, salió abrumado, con el alma -claro- incendiada. Ya no olvidaríamos nunca el nombre de Wajdi Mouawad.
Del teatro al cine
Lo han nombrado rey de la tragedia contemporánea y sus obras teatrales suelen dejar un impacto duradero en la mente y el corazón de quien las ve. Pocos como él propician aquello de la catarsis, esa sensación de que, tras ser espectador de un hecho artístico, no vuelves a ser el mismo. En Madrid esto nos sucedió a muchos entre el 28 de mayo y el 8 de junio de 2008. Sólo fueron 11 representaciones en el Teatro Español (de nuevo
La dimensión de aquella obra, que a Madrid llegó con montaje del propio autor desde su cuartel general en Quebec, fue adquiriendo dimensiones planetarias a medida que los grandes festivales caían rendidos ante aquel portento escénico. Pocas obras han abordado lo que supone renacer de las cenizas, lo que significa atravesar el dolor de la travesía hacia tus raíces cuando eres producto de un mundo que obliga a la gente a abandonar su lugar de origen en contra de su voluntad. Nada más contemporáneo. Mouawad llegó a Canadá -pasando por Francia- porque sus padres huían de la guerra del Líbano. Su obra habla de todas esas personas arrancadas del árbol de sus ancestros, que construyen vidas en lugares desconocidos y, muchas veces, hostiles. Todo ese caudal ético fue lo que llamó la atención de Denis Villeneuve, que en 2010 llevó la obra al cine, siendo nominada un año después a los Oscar como Mejor Película de Habla no Inglesa.
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lecciones de psicología por Sergio Díaz
Esta no es una versión más de Pedro y el capitán Empezó como un espectáculo más. Una nueva versión del texto de Benedetti en la sala El Off de la Latina, un espacio que también trataba de hacerse un hueco en el Off madrileño. Han pasado dos años de aquello y ambos objetivos se cumplieron con creces. Primero, porque el equipo de El Off de la Latina en aquella época creyó en el proyecto y puso todo de su parte para que la gente lo
viera. Y segundo, porque el gran trabajo que hacían los dos actores sobre el escenario hizo que empezase a crecer el boca a boca y han estado llenando todos los sábados que han estado programados. Ahora este montaje de El Hangar da un paso más, quieren que aún más gente pueda ver su trabajo. Próxima parada: Teatro Lara. Os dejamos a continuación la crítica que hicimos en su día.
Enfrentarse a un texto teatral muy conocido por el gran público es como jugar con la espada de Damocles. Lo puedes hacer bien porque ya tienes la mitad del trabajo hecho (un gran texto), pero si lo haces mal, el público te juzgará aún más severamente por haber destruido algo que late en su memoria. Pedro y el Capitán es una de esas obras bien conocidas por todos y mucho se ha hablado y se ha escrito sobre el apasionante juego dialéctico que mantienen un torturado y su torturador. En esta versión de Blanca Vega y Tomás P. Sznaiderman puedes sentir el sabor de la sangre y el ambiente cargado de un centro de detención. Puedes sentir el dolor del torturado
Pedro y el capitán José Emilio Vera y Antonio Aguilar protagonizan este conocido texto de Mario Benedetti Desde el 7 de septiembre Teatro Lara
y el miedo del torturador y ese es el mérito de estos dos grandes actores: José Emilio Vera y Antonio Aguilar. Puedes evolucionar al mismo tiempo que lo hace la obra y nunca te sales de ella, porque el pulso que entre ellos establecen hace que nunca baje la tensión FOTO: Daniel Garrido y que tu cabeza esté viajando entre las distintas personalidades de ambos. Gran parte del mérito es de Benedetti, claro está, pero otra parte muy importante es el trabajo de esta compañía que hace un montaje soberbio. Ojalá yo pudiera, cada día, dignificar mi profesión como lo hacen estos dos actores representando esta obra. Un ejercicio magistral de interpretación, trabajo y conciencia teatral.
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juegos de seducción por Sergio Díaz
Erotismo, mentiras y deseos inconfesables El Teatro Fernán-Gómez arranca la temporada con este montaje producido por Teatro del Temple (reconocida compañía fundada en 1994) sobre el texto del
FOTOS: Sergio Parra
Nathalie X Carlos Martín, de Teatro del Temple, dirige esta versión teatral sobre el texto de Philippe Blasband, protagonizado por Cristina Higueras y Mireia Pàmies Del 7 de septiembre al 2 de octubre Teatro Fernán Gómez
escritor belga Philippe Blasband (que seguramente ustedes hayan visto ya como película, bien en el film del mismo nombre de 2003, bien en la adaptación de 2009 llamada Chloe). La obra llega a Madrid (tras su paso por varias ciudades la temporada pasada) con Cristina Higueras dando vida a una de las protagonistas, lo que ha supuesto la vuelta a los escenarios, tras cinco años de
ausencia, de esta gran actriz quizá no suficientemente ponderada. La joven Mireia Pàmies la acompaña en este viaje de erotismo, secretos y seducción al que ha dado forma Carlos Martín (director artístico de Teatro del Temple). Catherine, una mujer casada, requiere los servicios de Marlene, una prostituta conocida como Nathalie X, para que trate de acostarse con su marido, quien según sus sospechas, está cometiendo adulterio. Catherine quiere conocer hasta el menor detalle de la relación y acaba convirtiendo a Marlene en su espía personal. Pero esta mujer, cada vez más fascinada con la prostituta, duda de que las tórridas escenas de cama que ella le relata que ha mantenido con el marido sean realmente ciertas, convirtiéndose a la vez en una especie de iniciación en la búsqueda del placer sexual para sí misma. Un triángulo amoroso que se completa con la mágica atmósfera llena de intriga y seducción que recrea la maravillosa Marina Barba con su violonchelo. Es un montaje lleno de elegancia y erotismo que nos invita a un viaje de autodescubrimiento sobre cómo vivimos nuestra relaciones y nuestra sexualidad.
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el teatro, el amor y la guerra por Álvaro Vicente
Una misión cargada de futuro La guerra es el máximo exponente del desencuentro, por mucho que sea capaz de armar ejércitos y mover a cientos de hombres como un solo cuerpo. Pero lo que separa la guerra, el teatro es capaz, sino de unirlo, al menos de acercarlo. Porque el teatro, siendo un mecanismo de conflicto, es un arte de paz. Y un arte de luz que ilumina las ausencias, que activa la memoria. La piedra oscura es encuentro en la guerra, acercamiento entre humanidad y barbarie, justo alumbramiento de los que quedaron a la sombra en todas las batallas. Minúsculo, fortuito encuentro de dos personas en un tiempo y un espacio que explican por sí solos toda una guerra, todas las guerras. Lorca lo sobrevuela todo, no como una caza cargado de bom-
bas, sino como un cóndor que, desde el cielo, nos habla, por boca de Conejero, de aquel amor segado por las balas. Rafael Rodríguez Rapún (encarnado por Daniel Grao) fue secretario de Federico en La Barraca, pero sobre todo fue su amigo, su compañero. Esperando su final en una inhóspita celda a orillas del Cantábrico, todo su esfuerzo se centra en convencer a su joven carcelero (Nacho Sánchez) de lo importante que es guardar la memoria, para que el pasado sea maestro del presente y diáfano futuro.
La piedra oscura Montaje aclamado y deseado, con texto de Alberto Conejero y dirección de Pablo Messiez Del 8 de septiembre al 6 de noviembre Teatro Galileo
Clásicos teatrales en tiempos de guerra y revolución
Hasta el 2 de octubre está abierta en la Casa Museo Lope de Vega (c/ Cervantes, 11) esta exposición que recomendamos como opción idónea para completar la experiencia ética y estética que supone La piedra oscura. La muestra, comisariada por Emilio Peral, quiere poner en perspectiva el papel de los clásicos teatrales españoles del Siglo de Oro durante la Rusia postrevolucionaria, la II República y la Guerra Civil Española. En ese periodo que abarca las décadas de los 20 y los 30 del s.XX se desarrolló, por ejemplo, la importante actividad de grupos como La Barraca.
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estrenos
La cuestión judía de Flotats Divertida comedia escrita por el dramaturgo francés de origen judío Jean-Claude Grumberg que se ve adaptada a las tablas españolas por uno de nuestros dramaturgos y directores más internacionales, Josep María Flotats. Dos vecinos -interpretados por el propio Flotats y por Arnau Puig- se encuentran a menudo en el rellano de la escalera. Con el paso del tiempo se hacen amigos y mantienen una relación estable. Pero todo se complica cuando uno de ellos descubre en Internet que su vecino es judío. Este hecho abre en él una catarsis de dudas y recelos. Por medio de la risa, la obra hace pensar al público a través de sus afilados diálogos y los encontronazos que van protagonizando los personajes. Con ello se desarrolla una gran lección de tolerancia que escenifica la experiencia vital que ha vivido Grumberg, hijo y nieto de víctimas del Holocausto.
UNA MUJER EN LA VENTANA Teatro Español Desde el 22 de septiembre
SERLO O NO... Teatro Español Desde el 28 de septiembre
Juan Margallo vuelve a dirigir a su compañera vital, Petra Martínez, en esta producción de UROC Teatro. La obra trata sobre una mujer mayor, todavía en buenas condiciones físicas y con ganas de vivir sola y ser independiente, que tiene que aceptar irse a una residencia de ancianos. El dueño del edificio, donde la mujer lleva viviendo más de 40 años, ha conseguido que lo declaren en ruinas y es por esa razón que tiene que abandonar su casa e ingresar en una residencia. Una mujer en la ventana trata de la soledad, de cómo una mujer que ha ido coleccionando recuerdos y afectos durante toda su vida tiene que abandonarlos de un día para otro. En su nueva vida no cabe todo lo que le une al pasado. Preciosa y triste reflexión acerca de lo que supone envejecer.
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REIKIAVIK CDN. Teatro Valle-Inclán Del 28 de septiembre al 30 de octubre
Reposición de esta obra de Juan Mayorga que habla sobre la Guerra Fría, sobre el comunismo, sobre el capitalismo, sobre el ajedrez, sobre el juego teatral y sobre hombres que viven las vidas de otros. Bailén y Waterloo (que han tomado esos nombres de derrotas napoleónicas) reconstruyen ante un muchacho el gran duelo de Reikiavik: el campeonato del mundo de ajedrez que allí disputaron, en plena Guerra Fría, el soviético Boris Spasski y el estadounidense Bobby Fischer. Bailén y Waterloo representan no sólo a Boris y a Bobby, sino también a muchos otros que movieron piezas en aquel tablero. Un gran ejercicio teatral para recordar un hecho histórico que sucedió allá por 1972, pero que está de actualidad, debido a la película El caso Fischer (actualmente en cines).
Luis Merlo, Antonio Molero, Maru Valdivielso e Itziar Atienza en una pieza de Jordi Vallejo dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer, una comedia que desencadena una trama de enredos y verdades escondidas en una sociedad que tiene el dinero como medida de todas las cosas, y que saca lo peor de nosotros. El test construye, sobre un texto que toma derroteros sorprendentes, una trama de relaciones humanas complejas y revela la capacidad de autodestrucción que todo el mundo lleva dentro. La obra parte de un dilema complejo: ¿qué escogerías: 100.000 euros ahora mismo o 1 millón de aquí a 10 años? La decisión la debe tomar un matrimonio con problemas económicos cuando un amigo les plantea el test que ha elaborado su compañera, una psicóloga de gran éxito.
RUNNERS Teatros Luchana Hasta el 30 de octubre
EL TEST Teatro Cofidis Desde el 16 de septiembre
Runners es la opera prima de Karina Garantivá y cuenta con la dirección de Ernesto Caballero. Es una comedia amarga que narra la vida de una pareja burguesa que entra en crisis cuando el marido decide apuntarse a un programa de entrenamiento y correr una maratón. Una decisión que desestabilizará su rutina cotidiana. La obra aborda temas como la influencia de la publicidad en nuestras decisiones más importantes y la incapacidad de aceptar el deterioro del cuerpo ante el avance de la edad, y lo hace desde el humor a través de cinco personajes que aparecen como corredores o ‘runners’ (emoticonos fosforitos en movimiento que se multiplican como conejos. No confundir con Pokemons) encarnando la búsqueda desesperada de la felicidad.
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TERESA O EL SOL POR DENTRO Teatros del Canal Del 14 al 25 de septiembre
La primera vez que se representó este texto de Pedro Muñoz Seca fue en 1918, convirtiéndose al instante en un éxito como comedia ambientada en la España medieval. Su éxito fue tan grande que, hoy en día, es la cuarta obra más representada de todos los tiempos en España. Magdalena está enamorada de Don Mendo, un noble pobre con quien mantiene relaciones secretas. El padre de la joven decide casarla con un rico privado del Rey, Don Pero. Ella, que quiere ascender socialmente, acepta sin decirle nada a Mendo. Por ello, cuando éste último los descubre, Mendo se autoinculpa de robo y acaba encarcelado y condenado a muerte. Un amigo de él, el Marqués de Moncada, le rescata, dándole así oportunidad de llevar a cabo su temida venganza...
LA MENTIRA Teatro Maravillas Desde el 22 de septiembre
Rafael Álvarez ‘El Brujo’ vuelve a sobrecogernos sobre un escenario con esta obra donde se rescata la vida de Santa Teresa de Jesús con motivo del quinto centenario de su nacimiento (celebrado el pasado 2015). El título de la obra es una frase de la propia mística abulense (“me nace un sol por dentro”), y este espectáculo reúne las mejores composiciones poéticas de Santa Teresa y narra su historia, la historia de una mujer excepcional. La propuesta construye un recital teatralizado con las composiciones poéticas más significativas de Santa Teresa hiladas con los episodios más destacados de su vida, pasando siempre todo ello por el tamiz de la ‘juglaría’, el humor y la maestría que destila ‘El Brujo’ en cada una de sus interpretaciones.
LA VENGANZA DE DON MENDO Teatro Fernán Gómez Del 8 de septiembre al 2 de octubre
Apuesta fuerte del Teatro Maravillas para iniciar esta temporada. Reparto de lujo, pero lujo de verdad (Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río, Mapi Sagaseta), con una dirección del más alto nivel (Claudio Tolcachir), sobre un texto del reconocido novelista y dramaturgo francés Florian Zeller. Así todo es más sencillo para hacerse un hueco en la cartelera en esta época con alta concentración de estrenos. La obra es un auténtico tratado sobre la vida conyugal. ¿Dónde nos lleva la verdad y la mentira dentro del matrimonio? Cada mentira que se cuenta tiene una consecuencia dentro de la relación que no tendrá vuelta atrás y solo se podrán arreglar con otra nueva o, lo que puede ser peor, con una verdad que resulte aún más convincente.
FOTO: Sergio Parra
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PÁNCREAS Teatro Amaya Sin fecha de salida
Vuelve la obra de Patxo Telleria, con dirección de Juan Carlos Rubio, e interpretada por José Pedro Carrión, Fernando Cayo y Alfonso Lara, que fue Premio Ercilla 2015 a la mejor obra teatral. Páncreas es la disparatada historia de tres amigos: Javilo, Raúl y César. El primero necesita con urgencia un trasplante de páncreas. El segundo tiene previsto suicidarse en un futuro no muy lejano, para evitar la decrepitud y la vejez. El tercero les junta para plantear al segundo que se suicide ya y done al primero su páncreas... El lío está servido y entre los tres tendrán que llegar a un acuerdo y encontrar una posible solución en esta tragedia que aúna comedia, vida, muerte, juego y suerte. ¿Qué serías tú capaz de hacer por un amigo?
FOTO: Julio Castro Jiménez
Tres parejas son invitadas a participar de un aparentemente sano esparcimiento terapéutico. Acuden a la terapia porque tienen conflictos distintos, pero tienen un común denominador: dificultades en su vida en común. Bajo terapia surge de la necesidad de profundizar sobre el universo de la pareja, aprovechando la terapia como campo ideal para el juego teatral. A lo largo de esta sesión tan particular, los seis jugadores se sentirán impulsados a jugar con cartas bajo la manga. Una forma radical para poder expresar lo velado; romper orden, códigos y apareamientos que venían funcionando hasta hoy. Y así poder respirar. Sigue dirigiendo Daniel Veronese. Siguen interpretando Gorka Otxoa, Manuela Velasco, Fele Martínez, Melani Olivares,Juan Carlos Vellido y Carmen Ruiz
MASKED Teatros Luchana Desde el 3 de septiembre
BAJO TERAPIA Teatro Marquina Sin fecha de salida
Obra de Ilhan Hatsor que plantea la situación de conflicto que viven tres hermanos palestinos durante la Primera Intifada (1987- 1993): el levantamiento de los habitantes de Gaza y Cisjordania contra los israelíes. Dos de los hermanos pertenecen a un un grupo de resistencia palestino. Ambos sospechan que el hermano mayor es un colaborador israelí. Son tres personajes que, desesperadamente, buscan una verdad que les alejará cada vez más de una posible solución. Iria Marquez dirige a Álvaro Vázquez, Antonio Lafuente y Pedro Santos en una obra que ya descubrimos en la difunta Sala Guindalera hace tres años, y que ahora se repone con mucho acierto (para poder comprender mejor esa herida abierta que no deja de sangrar en Oriente Medio) en los Teatros Luchana.
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el teatro como lugar de reflexión por Sergio Díaz
Songs From My Shows
El performer Ivo Dimchev ofrece uno de sus famosos conciertos para inaugurar esta segunda edición del ciclo (21 sept.). Su característica musicalidad y peculiar voz tienen un papel central en sus trabajos escénicos, para los que escribe y compone la música él mismo.
Som faves
En un espacio blanco, desierto como un museo, armado de una peluca y un teclado, Ivo Dimchev edifica un mundo propio y nos presenta una aparentemente inconexa colección de paisajes que, sin embargo, van dibujando gradualmente un retrato íntimo (23-25 sept.)
La casa
Un teatro y una casa. Dos entidades diseñadas para darnos cobijo, almacenar deseos, para hospedar poesías y fracasos. Nueva creación de la artista Aitana Cordero que gira sobre ese microuniverso que hemos construido y nos cobija (29 de sept., 1 y 2 de oct.)
Contar para / sobre vivir
Programa doble con las piezas de Edurne Rubio, Light Years Away, y de Sergi Fäustino, Fäustino IV, y un programa compartido en el que han invitado a cinco creadores a recoger las ideas que atraviesan el ciclo en sus propuestas: las ideas de casa y relato (6-9 oct.)
el cdn nos propone un ciclo para recuperar la esencia primigenia del teatro. Un lugar de refugio
El lugar sin límites Carlos Marquerie y Emilio Tomé han elaborado este ciclo como una reflexión abierta sobre la idea de casa y la idea de relato. Del 21 de septiembre al 9 de octubre. CDN. Teatro Valle-Inclán
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El violinista que llenaba plazas de toros El violinista Ara Malikian actuará el próximo 15 de septiembre en Las Ventas. Repite conmigo, Las Ventas. Realmente ninguno somos conscientes de lo que está logrando este armenio-libanés que está consiguiendo popularizar el violín y la música clásica de cualquier manera que se le ocurra, ya sean colaboraciones, interpretaciones, representaciones teatrales, actuaciones para niños... Con desparpajo y un carácter extrovertido y divertido, ha conseguido que olvidemos a aquellos tristes profesores de música que hicieron que odiáramos a los clásicos. Antes de partir para tierras americanas, Santander, Málaga, Valencia, Madrid y Zaragoza serán las citas perfectas para ver a Ara Malikian acompañado de una orquesta sinfónica y la promesa de un show de clasicismo y horas de homenaje a la Música a través de los siglos: Paco de Lucía, Paganini, Led Zeppelin, Sarasate, Radiohead, Lola Flores, Verdi, Tchaikovsky.... crema. Rubén González
ARA MALIKIAN Plaza de Toros de Las Ventas 15 de septiembre La recaudación será destinada a ayudar a los refugiados sirios
VIERNES Y SÁBADOS 20H. DOMINGOS 19:30. ENTRADAS EN WWW.TEATROSLUCHANA.ES
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musicales
Perdiendo la virginidad Después del éxito internacional de The Hole y The Hole 2 y de conquistar a más de un millón y medio de espectadores, la saga más provocadora, original e irreverente regresa para mostrarnos cómo empezó todo. Llega la precuela de este gran espectáculo que nos muestra cómo se abrió el agujero. Descubre el origen de este gran universo que mezcla circo, música y humor de una forma muy diferente a los anteriores shows. Adéntrate en las fiestas disco del mítico Studio 54 de finales de los 70 y 80, concretamente en la Nochevieja de 1979. Canco Rodríguez y La Terremoto de Alcorcón te guiarán por esta experiencia visual y sensorial única que se te hará inolvidable (nunca se olvida la primera vez). Y tranquilos, lo que pasa en el Agujero... se queda en el Agujero.
EVITA Nuevo Teatro Alcalá Del 15 de septiembre al 23 de octubre
THE HOLE ZERO Teatro Calderón Desde el 21 de septiembre
Uno de los más importantes musicales de la historia, Evita, se estrenó en Madrid hace 35 años -protagonizado por Paloma San Basilio- y jamás se había vuelto a representar. Ahora, gracias a la ayuda del Cabildo de Tenerife, podemos ver esta nueva versión dirigida por Jaime Azpilicueta, basada en el montaje original de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Los roles protagónicos están encarnados por Inma Mira (Evita), Jadel (el Che) e Ignasi Vidal (Perón) y cuenta con un elenco de 31 artistas, 9 músicos en directo y un coro de 20 niños. La dirección musical es de Julio Awad. Este gran espectáculo narra la vida de Eva Duarte, la esposa del General Perón, quién, como Primera Dama de Argentina, se convirtió en una de las mujeres más conocidas y respetadas de su tiempo.
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el servilletero. crĂtico de bar por Nico Guau
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lecturas que estimulan por Álvaro Vicente
Joumana Haddad por la senda de Lilith Antes de Eva, hubo otra mujer: Lilith. Pero eso la Biblia no lo cuenta, claro. Lilith fue creada, según la leyenda mesopotámica, del mismo barro que Adán. Pero como le salió respondona y terminó largándose del paraíso, Dios creó a otra mujer sumisa para echarle la culpa del pecado original y dejarla para siempre por debajo del hombre que prestó su costilla. Y esto está en la base de nuestra cultura cristiana, también en la de los libaneses nacidos en el seno de esta religión, como la familia de la poeta, periodista, editora, traductora, profesora, escritora y activista beirutí Joumana Haddad. Hay quien asume sus orígenes culturales sin planteárselos, y hay quien, como ella, los cuestiona y los contradice conscientemente, porque está más que comprobado que a una mujer de Oriente Medio, cristiana o musulmana, asumir sus tradiciones no le depara precisamente el paraíso en la tierra.
El cuento de sí misma
En Yo maté a Sherezade: confesiones de una mujer árabe furiosa (Debate, 2011) se definía así: “soy lo que me dijeron que no pensara, que no dijera, no
soñara, no me atreviera. Soy lo que me dijeron que no fuera.” Con aquel libro, Haddad pretendía derribar la imagen de la mujer árabe sumisa y tradicional que circula por Occidente y demostrar que el feminismo tiene sentido en Oriente Medio. Las mil y una noches zafándose de la violencia del sultán a través de los cuentos ya no tienen sentido, no se puede vivir una vida pendiente de salvar tu pellejo, porque eso no es vivir. El modelo Sherezade difícilmente conseguirá subvertir el orden injusto que somete a la mujer (árabe o no). Ella apuesta por Lilith, ella apuesta por la rebeldía y por el inconformismo. “Sherezade tiene que morir para poder contar su propia historia y hacerse humana”, dijo sobre el libro la escritora austriaca Elfriede Jelinek. Seguramente hoy podríamos mantener una fructífera conversación con Haddad al hilo de las últimas polémicas surgidas por la forma de vestir, en casa, en la calle o en la playa, de las mujeres musulmanas. No sé si es valiente un libro así, como no sé si reducir al sustantivo valentía el trabajo de una mujer así. Lo que tengo claro es que hay que leerla y escucharla, por eso recomendamos estos dos títulos suyos.
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Súpernada
Lilith sigue presente en Superman es árabe (Vaso Roto, 2014), un libro que lleva por subtítulo Acerca de dios, el matrimonio, los machos y otros inventos desastrosos. Igual que en el caso anterior, su prosa directa, su estilo mordaz, su apabullante inteligencia, nos habla del planeta hombre desde la atalaya femenina. Pero ella avisa: “no es un manifiesto en contra de los hombres (...) sí es un grito en la cara del sistema patriarcal y de su absurdo (...) un grito escrito con pasión, no con veneno.” De lo que se trata es de desenmascarar al súper hombre, quitarle el trajecito con capa, que no pasó nunca de ser un disfraz infantil. Es una apuesta por Clark Kent frente a Supermán o, como ella misma escribe, “ha llegado la hora de que se quite el disfraz y se ponga su ropa cotidiana, de que desdeñemos las
Jean Genet en Tánger
Mohamed Chukri Cabaret Voltaire 2013
etiquetas ostentosas para buscar lo auténtico.” El libro es un placer de lectura diversa, divertida y educativa, que combina además poemas, narración y entrevistas. Y, como hombre, te pone frente a frente con las inmundicias de este género. No nos viene nada mal.
Dos malditos. Dos escritores hechos a sí mismos lejos del academicismo y la ortodoxia. Dos hombres de calle, de arrabal, armados con el misterio de la vida en los márgenes. Chukri y Genet se conocieron en Tánger en 1968. En aquel tiempo, Tánger era todavía reflejo de aquel periodo dorado del protectorado y seguía siendo lugar de paso para artistas, escritores e intelecutales de todo el orbe. Pero lo que describe Chukri en este librito es extraordinariamente cotidiano, como sentarte en la mesa de al lado del café y poner la oreja a ver qué se decían estos dos monumentos de la literatura marginal. Con esa economía léxica tan característica de Chukri, con esa precisión en la definición de lo que se piensa y lo que se siente, acompañamos a esta pareja de amigos en aquel Tánger mítico descubriendo sus preocupaciones políticas, sus afecciones, sus gustos literarios, sus opiniones sobre la Historia y sobre otros escritores, sus bromas y sus silencios. También sus tristezas.
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intercity Tàrrega
FIRATÀRREGA 2016 Y LA INTERCULTURALIDAD La ciudad leridana se prepara para una nueva edición, van 36, de esta feria que supone un gran escaparate para la actualidad escénica pero particularmente para las artes de calle, los espectáculos visuales y los no-convencionales. Este año vendrá marcada por la interculturalidad y, por tanto, por la universalidad, una cualidad de las artes de calle que les permite dirigirse desde un código particular a personas y a contextos muy diferentes. Del 8 al 11 de septiembre, 60 espectáculos de 57 compañías y de 9 países diferentes participarán en una edición en la que habrá ni más ni menos que 33 espectáculos de estreno y 15 producidos por FiraTárrega. El conjunto de la programación ofrece un cartel rico en formatos, géneros y estilos, una oferta para todo tipo de públicos y edades que se repartirá entre diversos espacios públicos de la ciudad de Tàrrega (47) y en varias salas (13). El programa de la Fira se estructura en 5 secciones: Sección Oficial (selección de éxitos de la temporada y estrenos de ámbito internacional), Plataforma (espectáculos del Programa de Apoyo a la Creación y otros proyectos de coproducción), Ondara Park (proyectos centrados en la programación más festiva), Programa Abierto (espacio de
colaboración entre el sector privado y FiraTàrrega) y Bonus tracks (propuestas que complementan la programación). Para hacer más accesible toda la programación, la Fira vuelve a organizar un total de 10 itinerarios con espectáculos para todos los gustos y que facilitarán la navegación del espectador por el programa. La compañía francesa Artonik será la encargada de abrir esta edición con The Colour of Time, un espectáculo que celebra colectivamente la amistad, la interculturalidad y el mestizaje. Otras producciones que veremos son los últimos trabajos de Montana Colors Cultura en colaboración con Tope, así como los de Iron Skulls Co., Get Bak, Arcopom, Ravid Goldschmidt & Quim Moya, los estadounidenses Ephrem Asherie Dance, los mexicanos Universiteatro & Gorguz Teatro (que estrenan en España Misa fronteriza), los chilenos Teatro Niño Proletario (que presentan Fulgor, una propuesta genuina a la que acompañará una residencia creativa que servirá para pulsar la salud de la creación escénica chilena del momento), Lapública, Svlbard Company o la compañía de danza de Roberto G. Alonso con su pieza A mí no me escribió Tennesee Williams. www.firatarrega.cat
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intercity Valencia
¿Quieres ser voluntario en el IETM VALENCIA? Desde IETM Valencia se ha lanzado la convocatoria para participar como voluntarios durante este Encuentro Plenario que tendrá lugar del 2 al 6 de noviembre. La organización, formada por la Red de Teatros Alternativos y Teatro de lo Inestable, busca estudiantes, profesionales y amantes de las artes escénicas con buen manejo del inglés, mayores de edad y residentes en Valencia que ayuden dando información y asistencia a los participantes, tanto en el área de registro, como en las sesiones de contenido, espectáculos programados y actividades paralelas de IETM Valencia. Además, trabajarán con el equipo de producción del encuentro recopilando contenidos de las ponencias y distintas informaciones. Las fechas del voluntariado son del 31 de octubre al 6 de noviembre en horario de mañana, tarde y/o noche. Del 02 al 06 de noviembre entre las 08:30 y las 24:00. Por su parte, IETM asegurará a todos los voluntarios y como contrapartida por su participación les proporcionará registro gratuito en la cita (valorado
en 120€), un certificado oficial de participación en el voluntariado con reflejo de las horas de trabajo dedicadas y la oportunidad de conocer a los 700 agentes culturales internacionales especializados en artes escénicas que estarán presentes. Os recordamos que las sesiones de contenidos, programación artística y actividades paralelas tendrán su sedes en el Teatre Musical, Las Naves (en la foto), La Fábrica de Hielo, Teatre Rialto, Sala Matilde Salvador, Sala Escalante, Sala Ultramar, Carme Teatro, Teatro Círculo, Zircó, y en el Teatro de lo Inestable. www.ietm.org/en/valencia Voluntariado: Rellenar el formulario: https://podio.com/webforms/16297395/1094164 Convocatoria abierta hasta 2 de octubre. Proceso de selección y organización del 3 al 9 de oct. Charla informativa y de organización con el voluntariado: viernes 21 de octubre.
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intercity Ávila
Festival Internacional de Circo de Castilla y León Conocido sobre todo como Cir&Co, este festival pondrá patas arriba las calles y multitud de espacios de Ávila del 8 al 11 de septiembre. Y es que las 27 compañías artísticas de nueve nacionalidades diferentes presentes en esta edición van a invadir literalmente sus calles a través de 140 actividades en un gran salto cuantitativo respecto al año pasado. Gracias a la colaboración este año de RENFE o Coca Cola, la consejería de Cultura y Turismo de Castilla y León quiere lograr que adquiera una mayor proyección internacional como cita imprescindible de los amantes del circo contemporáneo en familia. Ávila, declarada Ciudad Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, volcada en el concepto de aunar patrimonio y cultura, ha habilitado un nuevo espacio para este año en la explanada frente al Palacio de Congresos Lienzo Norte, donde se ubicará una segunda carpa, tras el éxito en años anteriores de la carpa de Atrio de San Isidro. Además, otra novedad será Espacios con narices, una iniciativa en la que siete establecimientos hosteleros albergarán espectáculos de
las compañías Wilbur, Raúlezcirq y ‘Zirkozaurre, Cirquez y Ninocir. En esta edición, podremos disfrutar de un estreno mundial, a cargo de la compañía francesa Cie Rasposo y de 13 estrenos en nuestro país como son los espectáculos de Théâtre Du N-ombr’île, Hendrick-Jan de Stuntman, Smart Cie, Circo Zoé, La Tit’Fanfare Cirkus, La Complet’Mandingue, Cie Isi, Au Fil Du Vent, Cirque Dans Les Étoiles y el ya mencionado de Le Cirquez. BabsClown Manouchka Cie, La Famille Goldini, Cirk About It (foto der.) Tiritirantes (foto centro) y Cie 100 Issues (foto izq.), entre otros muchos, también están presentes en la programación. Por otro lado, Cir&Co renovará su compromiso social con actuaciones de La ruta del Clown a cargo de la Escuela Carampa y acogerá del 5 al 7 de este mes el III Encuentro de Escuelas de Circopia en Ávila que va a poner en escena los días 9 y 10 The party must go on, producción inspirada en la obra literaria de Miguel de Cervantes. www.turismocastillayleon.com/cir&co
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Arriba, imagen de promoción de la exposición. En la pág. siguiente, El último vals de Mary-Shelley © Muñoz-Hermida
homenaje al terror por David Hinarejos
Una Exposición y una obra teatral reviven el espíritu de las veladas de Villa Diodati donde hace 200 años Mary shelley concibió a Frankenstein
Verano de 1816. Viajamos 200 años atrás para asistir a una reunión que marcaría la historia de la literatura y del arte sembrando la semilla de géneros como el terror o la ciencia-ficción. Estamos en el gran salón de la Villa Diodati en Cologny, Suiza. El ya exitoso poeta inglés Lord Byron ha alquilado la casa para pasar el verano junto a su buen amigo, el también poeta, Percy Shelley, la mujer de éste, Mary Shelley (hija de la filósofa feminista Mary Wollstonecraft), otros amigos y John Polidori, médico personal de Byron. No era el mejor año para disfrutar del calor y los baños en el cercano lago Leman, el mal tiempo por la erupción del volcán Tambora, en Indonesia, había provocado grandes anomalías climáticas en todo el mundo ocultando el sol y asfixiando el ambiente y obligó al grupo a pasar los días encerrados en la villa. Las noches pasaban entre conversaciones y narraciones de historias tenebrosas acordes a la climatología. Byron, a modo de entretenimiento, propuso que cada uno escribiera una historia de miedo para amenizar las veladas. Sólo dos, precisamente los que no eran escritores, aceptaron el reto: Mary Shelley, que por entonces
sólo tenía 19 años, y Polidori. La primera creó el argumento de su posterior novela Frankenstein o el moderno Prometeo. Polidori escribió el relato El vampiro, que inspiraría el Drácula de Bram Stoker.
Productos de su tiempo
A principios del S.XIX la Ilustración y el Siglo de las Luces habían dejado paso al Romanticismo. Los grandes avances científicos y la filosofía habían conseguido arrancar al ser humano del yugo histórico de la religión. La libertad de pensamiento había germinado en los creadores y el terror y el miedo pasaron de ser el arma arrojadiza de la Iglesia a servir de entretenimiento e inspiración. Por su parte, la revolución industrial trajo consigo nuevos temores hacia el avance científico y sus consecuencias. Shelley y Polidori supieron canalizar en sus relatos el nuevo tiempo que se vivía y abordaron muchos de los temas que han servido de base para todo tipo de manifestaciones artísticas alrededor de los géneros del terror, la ciencia-ficción o la fantasía.
Doble cita con Shelley
Este mes tenemos dos propuestas para disfrutar del espíritu que nació en Villa Diodati. Por un lado la exposición Terror en el laboratorio: de Frankenstein al doctor Moreau y, por otro, el estreno de El hogar del monstruo en el Centro Dramático Nacional. La exposición, que se puede ver gratuitamente en el Espacio Fundación Telefónica, conmemora los 200 años del germen de Frankenstein y reflexiona sobre cómo éste y otros personajes de Stevenson, Wells, Hoffmann o Villiers de L`Isle-Adam se convirtieron en iconos del género. La muestra, que cuenta con patrimonio de la Filmoteca Española, piezas de los Museos Complutenses y co-
lecciones privadas como la de Sara Torres, Jesús Palacios o Daniel Aguilar, se estructura a través de seis grandes obras: Frankenstein o el Moderno Prometeo, La Isla del doctor Moreau, El extraño caso del Doctor Jekyll y Mr. Hyde, El hombre Invisible, El hombre de la arena o La Eva futura, que abordan temas tan atemporales como los monstruos, la genética, la robótica o la inteligencia artificial. La exposición también trae consigo numerosos talleres y encuentros, entre ellos un homenaje a Shelley organizado por la compañía Los Hijos de Mary Shelley liderada por Fernando Marías. A ese homenaje ya no podremos asistir ya que fue el pasado 16 de junio pero, por suerte para nosotros, ésta compañía es la protagonista de la segunda propuesta de la que os hablamos. El CDN ha querido en su inicio de temporada contar con ésta primera compañía española de teatro fantástico para poner sobre las tablas una velada teatral que se inicia desde el mismo vestíbulo del teatro. Dividido en dos programas diferentes, en cada uno de ellos se representarán una serie de historias escritas por Espido Freire, Fernando Marías, Vanessa Montfort o José Sanchis Sinisterra, poseídos para la ocasión por el alma de Shelley. A modo de monólogos, teatro-testimonio o musical, noche tras noche, asistiremos a un oasis de misterio, intriga e, incluso, algunos dirían que hasta de terror.
Obra. El hogar del monstruo Del 21 al 30 de sept. -Abril en Estambul de Espido Freire. -Dr. Darwin & Mr. Hyde de Vanessa Montfort. -El último vals de Mary Shelley de Vanessa Montfort. Del 1 al 9 de octubre. -El espectro de la estación de Atocha de Fernando Marías. -La Criatura o ¿sabe el pez lo que es el agua? de José Sanchís Sinisterra. -Sirena negra de Vanessa Montfort. Teatro María Guerrero
Exposición. Terror en el laboratorio: de Frankenstein al doctor Moreau Hasta 16 de octubre. Espacio Fundación Telefónica.
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festival por la integración por Sergio Díaz
IDEM 2016 en la Casa Encendida
Un lugar para dar voz a los excluidos horizontes a la diversidad y complejidad humana No hay nada mejor que mirarse en el espejo de los planteando múltiples miradas. demás para comprender verdaderamente si nuesOs destacamos algunas de las propuestas. Abre tras circunstancias vitales son realmente complejas el ciclo el concierto al aire libre de Da La Nota, un o si, por el contrario, no tenemos tantos motivos proyecto músico-social que está cambiando las para quejarnos, porque descubrimos que hay vidas de niños y jóvenes de Lavapiés. gente que sí que lo pasa realmente mal -ponerse Desde Madeira llega Bichos, de Dançando com a en la piel del otro-. Diferença group (GDD), una compañía reconocida El ÍDEM 2016. Festival internacional de artes escéinternacionalmente por su labor de visibilización y nicas, se consolida en su cuarto año consecutivo valoración de las capacidacomo un evento de referencia des artísticas, al contar en su al acercar al público proelenco con intérpretes con puestas de gran nivel artístico y sin diversidad funcional. realizadas en torno a / o En el apartado audiovisual, por colectivos en riesgo de disfrutaremos de La tetilla, exclusión social. Se trata de una pieza artística de Belén un evento que apuesta por la Sánchez. En lo que respecta integración, por la inclusión, a la música disfrutaremos del por la comprensión... por dar concierto de Música cuántivisibilidad, mediante accioca a cargo del pianista ciego nes escénicas, a realidades FOTO: Lucrecia y Judith © Roberto Rojas Raúl Thais, una invitación cotidianas que están lejos de para escuchar la música nuestras miradas, si no las desde el cuerpo y las emociones. sufrimos en carne propia o muy cercana. Bailar el agua es una pieza escénica con total vocación inclusiva que, además de música y danza Cita los fines de semana en directo, propone una estimulación sensorial y Del 9 al 25 de septiembre, de viernes a domingo, emocional en todos los sentidos. se podrá disfrutar de artistas procedentes de difeDesde Austria llega Cie. Laroque Helene Weinzierl rentes lugares del mundo que, a través del teatro, con una performance que profundiza con humor en la danza, la música, el cine o la performance, abren
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FOTOS: 1. La Tetilla © Teresa Isasi. 2. Bailar el agua. 3. 15 cuadros de una exposición. 4. Bichos. 5. CECI30. 6. Democrazy, Cie. Laroque © Peter Brenkus
la auténtica libertad de elección y la responsabilidad individual y colectiva en democracia. Para desmitificar el rechazo y la confrontación social frente a la diversidad llega CECI 3.0, donde la silla de ruedas de Fadunito, se paseará por las calles de Lavapiés para evidenciar y derribar barreras con gran ingenio. El festival culmina con otro estreno absoluto, el último trabajo de la compañía Palmyra Teatro, Lucrecia & Judith, que mira con ironía la realidad del mundo
femenino desde la genial dramaturgia del autor chileno Marco Antonio de la Parra. Este Festival es un espacio de reflexión para empatizar, para compartir y comprender, junto a los protagonistas de estos procesos creativos, las dificultades que se encuentran en su vida diaria. Es un ejemplo transformador para convertir nuestra energía diaria negativa en un combustible mucho más vital, en una sonrisa y una mano tendida que pueda ayudar a los demás.
Festival IDEM Festival Internacional que ofrece propuestas realizadas en torno a colectivos en riesgo de exclusión social Del 9 al 25 de septiembre La Casa Encendida
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cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo
Raquel Sastre
“Los humoristas vamos con miedo por si nos denuncian por algún chiste” Tras esa apariencia cándida y guasona… brotan la osadía, el vitriolo y la máxima expresión del humor cáustico. Como recalca desde sus multitudinarias redes sociales, Raquel Sastre hace humor del negro. Chistes de esos que congelan la carcajada, a medio camino entre la diversión canalla y la vocación de pasarse siete pueblos por el arco de la risa. Sin filtros. Con un par.
¿Cómo nos explicarías todo lo que haces, que no hay quien te pare? Básicamente, me gano la vida haciendo reír a la gente de todas las formas legales posibles. ¿Cómo se inspira Raquel Sastre para desatar la vis cómica? Pienso en temas que me dan rabia, o tristeza, o miedo y les doy la vuelta para sacar una risa con ello. Llevarlos a una invención cómica donde no me hagan sentir emociones negativas, algo que en la realidad me las provocan. El humor para ti es… Una ficción con la que disfruto mucho y de la que he hecho mi profesión. Es maravilloso poder dedicarte a escribir ficción, a interpretar esa ficción y que la
gente ría con tu ficción. ¿Os he dicho ya que es ficción? Mira, Fiscalía: FICCIÓN. ¿Cómo crees que andamos de humor y carcajadas en España? Cada vez peor. Los humoristas vamos con miedo por si nos denuncian por algún chiste, que es al fin y al cabo una obra de ficción humorística. Al humor se le da una connotación que no se le da al resto de ficciones. ¿Qué límites o líneas rojas tiene el humor para ti? El humor, al igual que el resto de ficciones, no debe tener límites. Otra cosa es el espectador: él sí tiene límites y por eso debe consumir las obras que le gusten y dejar las que no para la gente que sí quiera verlas.
Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.
¿Quiénes te hacen reír? Voy a ser muy clásica: me gustan Bill Hicks, George Carlin, Joan Rivers, Monty Python, Richard Pryor, Sarah Silverman, Doug Stanhope, Tina Fey, Ricky Gervais... De España estaría un clásico como Goyo Jiménez y también otros menos conocidos como Luis Álvaro, Dani Alés o Dennis Horror. Un momento memorable de tu vida fuera de los escenarios... Una vez conseguí dormir dos noches seguidas en el mismo hotel. Os parecerá una tontería, pero es que aunque haya 10 km de separación entre los locales de actuación, te cambian de hotel, lo que es un coñazo cuando has llegado a las 6 de la madrugada a dormir... Un viaje inspirador para gente estupenda, como nosotros… El viaje más inspirador es ir a una biblioteca. Un teatro o lugar para reír a carcajadas.
Un teatro donde actúe Goyo Jiménez. Y un lugar para reír a carcajadas es cualquiera junto a tu pareja. Si no os reís juntos a carcajadas, malo... Una película, libro y/o canción para sentirnos bien en tiempos convulsos. Para inyectarme una dosis de buen humor tengo una lista con Proyecto Jass, El niño de la hipoteca, El Chivi, Mamá Ladilla... Un libro muy variado: Antología del humor negro de André Breton. Y una película para reír mucho, a pesar de los plagios descarados, es “Barfi!”. Un sueño de futuro, acaso un sueño cómico. Escribir un libro que mezcle el humor y la ciencia ficción. Un mensaje a los lectores de Godot, ávidos de cultura, risas y provocación. Reíd siempre que podáis, que la vida (y los discos de Melendi) ya os harán llorar. ¡Un abrazo!
Puedes leer el resto de la entrevista en www.escenagodot.com
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ideas que merecen ser apoyadas
ME VUELVES LORCA www.mevuelveslorca.com/
Un teatro al aire libre “extraído” de la montaña, un espacio singular, un sueño hecho realidad por la gente de Laroles, un pueblo de la Alpujarra granadina de 600 habitantes. Con sus propias manos y con los materiales con los que se han hecho toda la vida los bancales agrícolas, han conseguido dinamizar la zona a base de cultura a través del festival Me vuelves Lorca, que este verano ha vivido su 2ª edición. Obras de teatro, conciertos bajo las estrellas, talleres... todo al servicio de un emotivo proyecto de desarrollo social en entorno rural.
http://soundpaintingmadrid.com
TEATRO
SOUNDPAINTING MADRID
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Espacio Labruc (http:// espaciolabruc.com) El pasado julio asistíamos en la Cineteca de Matadero a la presentación pública de los 5 proyectos becados por Factoría Cultural en la primera convocatoria de EmprendeEscena. Uno de ellos fue Espacio Labruc, la sala de creación e investigación de Malasaña a la que dedicamos este mes nuestra portada de Godoff, con motivo de su #inlabrucfest.
MÚSICA
El soundpainting es el arte de la composición multidisciplinar en tiempo real. Es un lenguaje universal de señas (unas 1200) interpretado en vivo por músicos, actores, bailarines y artistas visuales, que ejecutan la “partitura” que crea frente a ellos el compositor o soundpainter. El primero de ellos fue Walter Thompson, que creó este arte en Woodstock, Nueva York, en 1974. En España lo ha introducido recientemente un alumno de Thompson, Ricardo Gassent (en la foto), que en 2014 creó Soundpainting Madrid. La iniciativa se vertebra en torno al colectivo RELATE, formado por 20 artistas entre músicos, bailarines, actores, artistas visuales y performers, que han generado un nuevo modelo de compañía. En la última edición del Talent de los Teatros del Canal quedaron como finalistas.
FOTO: Helena Palma
FACTORÍA CULTURAL HA OTORGADO 5 BECAS ESTE AÑO A OTRAS TANTAS IDEAS DE NEGOCIO INNOVADORAS EN ARTES ESCÉNICAS A TRAVÉS DE SU PROGRAMA EMPRENDEESCENA
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FONDO DE RECURSOS ESCÉNICOS
ALLTHEATER
www.facebook.com/proyectofre
Seguro que muchas veces os habéis preguntado qué hacen los teatros y las compañías con las escenografías una vez que “mueren” los montajes. Pues este proyecto pretende recogerlas, inventariarlas, arreglarlas si es necesario en un taller propio, y ponerlas a disposición de otros profesionales, en un loable ejercicio de reciclaje.
http://alltheater.es
Ninguna pantalla puede suplantar la experiencia del espectáculo en vivo, pero tantas veces nos perdemos una obra de teatro o es necesaria su revisión... he aquí la solución. Alltheater es un servicio de teatro en streaming que, además, nos permite volver a ver obras ya estrenadas. Una buena herramienta cuyo catálogo no deja de crecer.
TEATRO
REINA JUANA, CON CONCHA VELASCO 10 DE SEPTIEMBRE, 19:00 H Grupo Marquina Producciones Entrada 15 €. Todos los públicos
INFANTILES
P R O G R A M A C I Ó N
SPANISH CIRKUS 22 DE OCTUBRE, 19:00 H
Teatro infantil CAPERUCITA ROJA, EL MUSICAL 25 DE SEPTIEMBRE, 12:00 H Teatralmente producciones Entrada general 8 € /Reducida 6 €
DE ACÁ Y DE ALLÁ 9 DE OCTUBRE, 12:00 H
EL SÓTANO ENCANTADO 30 DE OCTUBRE, 12:00 H
PEDRO GUERRA 8 DE OCTUBRE, 19:00 H
Teatro Mutis Entrada general 5,60 € /Reducida 5 €
Entrada general 15 € /Reducida 12 € Todos los públicos
DANZA
MÚSICA
Entradas 6,70 €. Mayores de 16 años
Producciones Che y Moche Entrada general 8 €/ Reducida 6 € Todos los públicos
CENTRO CULTURAL
Compañía Ché y Moche Entrada general 5,60 € /Reducida 5 €
Dirección: Laura Varela
EL FUNERAL, OUA UMPLUTE 15 DE OCTUBRE, 19:00 H
SANCHINARRO
EN EL VERGEL 28 DE OCTUBRE, 19:00 H Compañía La Clá Entradas 6,70 €. A partir de 14 años CENTRO CULTURAL SANCHINARRO C/ Princesa de Éboli, s/n. 28050 Madrid. www.centroculturalsanchinarro.com
S ENTRAAVDEANTA
YA A L .COM GIGLON
distrito Hortaleza
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danza por Sergio Díaz
Víctor Ullate en los Teatros del Canal Los Teatros del Canal siempre dejan un importante hueco dentro de su cartelera para la danza. Y siempre, a comienzo de la nueva temporada, hay un hueco para que el Ballet de Víctor Ullate presente sus nuevas creaciones. Hasta el 18 de septiembre mostrará un programa doble. Tierra Madre es una obra con música de Mari Boine Persen y coreografiada por Eduardo Lao, donde los sueños y las esperanzas del ser humano evocan a la naturaleza a través de canciones y danza. Pastoral de L. V. Beethoven es una pieza muy especial para Víctor Ullate, creada como homenaje a su querida amiga Ángela del Moral, de la que fue compañero en la Compañía de Antonio. Pastoral es el camino de la vida: la niñez, los años del despertar, la madurez, hasta llegar a la vejez y la muerte. La magia de la danza hace resucitar a los protagonistas en el más allá: bailando, los ancianos vuelven a la vida y rejuvenecen. El espectáculo cuenta con la participación como artistas invitadas de dos grandes estrellas de la danza como son Lucía Lacarra y Marlon Dino.
FOTO: Josep Aznar
Tierra Madre Pastoral
El ballet de Víctor Ullate presenta sus dos nuevas creaciones. Una pieza evocadora de los sueños y esperanzas del hombre y un homenaje a su compañera Ángela del Moral con adaptación de Beethoven. Hasta el 18 de septiembre. Teatros del Canal
FOTO: Paco Ruiz
Escuela de danza Víctor Ullate Desde que en 1983 Víctor Ullate creara la escuela que lleva su nombre, el Centro de Danza y AAEE Víctor Ullate, su método de enseñanza siempre se ha caracterizado por la excelencia de la docencia y la pedagogía, transmitiendo a sus alumnos esa perfección y disciplina que le caracterizan como profesional. Si pensamos en calidad de enseñanza, la Escuela Victor Ullate es un referente de compromiso con una formación del alumno basada en el desarrollo personal a través de esta disciplina. Una institución que considera el trabajo como motor fundamental del desarrollo del alumno para que alcance el nivel más elevado de realización profesional y personal.
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celos, poder y locura por Miguel Pérez Valiente
10 razones para no perderse este gran estreno Otello La primera temporada del Real íntegramente bajo la dirección de Joan Matabosh se abre con la ópera de Verdi, coproducida con la English National Opera y la Kugliga Operan de Estocolmo Del 15 de septiembre al 13 de octubre. Teatro Real
1. Brillante libreto: A diferencia de la mayoría de las óperas del repertorio clásico que tienen música maravillosa pero libretos lamentables, Otello es una magnífica creación dramática de Arrigo Boito, un concentrado de la esencia del del original de Shakespeare. 2. Lo mejor de uno de los mejores: En efecto, su penúltima ópera, es una obra genial, un alarde de los logros compositivos de uno de los mejores creadores del siglo XIX. 3. La (r)evolución de la ópera italiana: Otello es la obra con la que Verdi, tras dieciséis años de sequía creativa, revolucionó, no solo su estilo compositivo, sino también la ópera italiana.
4. Exigencia absoluta: Uno de los papeles para tenor (Otelo) más difíciles de todo el repertorio. 5. Morbo: Cuenta con el villano de ficción posiblemente más pérfido de todos los tiempos, Iago (barítono). Su «Credo» (primer acto) hace quedar a Donald Trump a la altura de Daniel el travieso. 6. Espectáculo: Posee uno de los más impactantes comienzos de todo el repertorio. Y la entrada en escena más hiperdramática que haya protagonizado jamás un personaje de ópera. Esultate! 7. Belleza: Momentos del más hondo lirismo de toda la historia de la ópera como el dúo de
amor del final del primer acto y la delicadísima escena de Desdémona del cuarto acto (Canción del Sauce y Ave María). 8. Grandeur: Una impactante producción del director de cine y teatro David Alden, famoso (y polémico) por sus creaciones operísticas. 9. Uno de los mejores otelos en el panorama actual, el norteamericano Gregory Kunde. 10. Guerra, poder, venganza, traición, CELOS, asesinato, suicidio y ¡hasta epilepsia! al servicio de obra que transita sobre la eterna lucha moral entre el bien y el mal. Todo sabiamente combinado en un colosal trabajo operístico que simplemente no te debes perder.
Para saber más: www.escenagodot.com/reportajes/106-Otello-de-Verdi-en-el-Teatro-Real