Godot num71 ene17 by Godot

Centro Dramático Nacional

Teatro María Guerrero

Dirección Ernesto Caballero

Jardiel, un escritor de ida y vuelta

Del 16 de diciembre de 2016 al 12 de febrero de 2017

A partir de la obra de Enrique Jardiel Poncela Versión y dirección Ernesto Caballero

Reparto (en orden alfabético) Chema Adeva Felipe Andrés Raquel Cordero Paco Déniz Jacobo Dicenta Luis Flor Carmen Gutiérrez Paco Ochoa Paloma Paso Jardiel Lucía Quintana Cayetana Recio Macarena Sanz Juan Carlos Talavera Pepa Zaragoza Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Juan Sebastián Domínguez Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Producción Centro Dramático Nacional Síguenos en:

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Centro Dramático Nacional

Teatro Valle-Inclán

Dirección Ernesto Caballero

Las brujas de Salem

Reparto (en orden alfabético) Míriam Alamany Nausicaa Bonnín Marta Closas Borja Espinosa Miquel Gelabert Núria González i Llausí José Hervás Lluís Homar Carles Martínez Anna Moliner Nora Navas Albert Prat Carme Sansa Yolanda Sey Joana Vilapuig

de Arthur Miller Adaptación teatral Eduardo Mendoza Dirección Andrés Lima

Del 20 de enero al 5 de marzo 2017

Producción Centro Dramático Nacional Teatre Romea y Grec 2016 Festival de Barcelona

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Los Gondra

Del 18 de enero al 19 de febrero 2017

(una historia vasca)

Reparto (en orden alfabético) Marcial Álvarez Sonsoles Benedicto María Hervás Iker Lastra Borja Ortiz de Gondra Francisco Ortiz Juan Pastor Millet Pepa Pedroche Victoria Salvador Cecilia Solaguren José Tomé

de Borja Ortiz de Gondra Dirección Josep Maria Mestres

Producción Centro Dramático Nacional Colabora Instituto Etxepare Colabora: Síguenos en:

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editorial

El reconocimiento En los días previos al comienzo de las fiestas navideñas pusimos en marcha una experiencia de gamificación en el perfil de Twitter de esta revista (@RevistaGodot) que arrojó algunas conclusiones. La primera, que se estrena mucho en Madrid. La segunda fue que la gente -la del teatro, las compañías, los profesionales, los aficionados-, está deseosa de dos cosas: juego y reconocimiento. Fueron varias las personas que nos felicitaron por poner en marcha lo que Fran Perea -a la sazón ganador con La estupidez- bautizó como “olimpiadas teatrales”. Seleccionamos 32 espectáculos estrenados en 2016 en nuestra ciudad y los dispusimos en 8 grupos de 4 producciones cada uno. Cada uno de esos grupos protagonizó una encuesta en nuestro Twitter. Cada uno de los 8 ganadores se volvió a medir en dos semifinales, de las que salieron los dos finalistas. El día 23/12 conocimos el montaje ganador, el #MejorMontaje2016 (hastagh que utilizamos durante aquellos 11 días). Ganó La estupidez, sí, por delante de La cocina, Todo el tiempo del mundo, Tierra del fuego... o Interrupted, una modesta producción que llegó hasta la final. Eso de que una modesta producción llegara a la final no pareció gustar a todo el mundo y apareció el fantasma del tongo, cruzándose acusaciones y justificaciones en las que no quisimos entrar. La respuesta de las compañías movilizando a familia, amigos y seguidores fue apabullante. Lo que nos planteamos como un simple juego, como alternativa al típico ránking de fin de año, se terminó convirtiendo en algo casi a vida o muerte -si se nos permite la exageración-. La búsqueda de reconocimiento es muy lícita y perfectamente comprensible, pero nos sorprendió hasta qué punto se vuelve trascendente ser el mejor.

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sumario el arte del actor.6 exkisitios.8 las brujas de Salem.10 a house in Asia.14 mayumana.16 blanca portillo. 18 spam.22 eroski paraiso.24 mi última noche con Sara.28 estrenos.30 fernando J. López.40 la flaqueza del bolchevique.46 tres mujeres kamikazes.48 madferia.50 lliure 40 años.52 krystian lupa.54 inverfest.60 foto portada:

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David Ruano

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén Embrujo COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Ka Penichet, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual, Lucas Cavallo. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

el arte del actor por María Morales

El ritmo no para Me dijo hace poco un compañero actor que tengo mucha suerte de estar en los montajes que estoy. Y yo le respondí que sí, y que es eso lo que me recuerdo cada vez que recibo un “no” a un trabajo. No es una consolación conformista, es una creencia profunda. Creo que estamos en los lugares que queremos y decidimos estar, y que son los mejores para nosotros. En nuestro trabajo hay etapas, como en todos, unas más prolíficas que otras. Y el barbecho también es importante. Sé que es más difícil continuar confiando y apostando cuando aparentemente no hay nada a la vista. Pero nunca sabemos quién estará comentando un trabajo nuestro con alguien, diciendo que le gustaría trabajar con nosotros, y eso también pasa. No siempre somos dueñas de nuestro panorama laboral, pero siempre lo somos de cómo nos tomamos lo que nos sucede. En los momentos de subidón, parece que no hay mucho más que hacer que celebrar y compartir, que no es poco. Incluso el buen ánimo nos puede ayudar a seguir sembrando y abriendo caminos. Pero tener trabajo tampoco nos garantiza que sigamos creciendo como profesionales, eso hay que decidir hacerlo. Estamos más acostumbrados, al menos yo, a replanteárnoslo

todo cuando la cosa aprieta: nuestro ser, nuestro cuerpo, la industria, el panorama, la vida, la economía, la estructura… Y puede que eso sea muy beneficioso, sin duda. Pero hay que estar atentas para no dejar entrar la duda. Me recuerdo pensando “no me cogen por gorda, vieja, joven, mala, fea, guapa, cobarde, grande, poderosa, miedosa…” Y eso nos puede ayudar a poner atención en algo y cambiar lo que queramos (siempre ponemos la crítica externa ahí donde está la interna). Pero también es verdad que sigo siendo la misma cuando estoy trabajando. Así que el trabajo no arregla los complejos, como los complejos no justifican la falta de trabajo. No sé si me estoy yendo por las ramas. Esto pretendía ser un empujón de confianza. La confianza inamovible que cada una tiene con lo que sabe que quiere hacer, con lo que sabe que es. Y eso no tiene que ver con los medios para manifestarlo. Empeñarse en un proyecto que se pone muy difícil, a lo mejor es empeñarse en el medio, y no en lo importante. No digo que haya que claudicar a la primera, digo que cuando la cosa no marcha por un camino, a veces lo mejor es aceptarlo, porque hay otro camino por el que va a fluir con alegría.

Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com

exkisitios Il Tavolo Verde. c/Villalar 6 (Retiro, Banco de España)

Cocina natural para saber lo que comemos Il Tavolo Verde es un concepto, una manera de ver, sentir y actuar de sus dueños Martina y Leo. Es un organic café & anticmarket que abrió sus puertas a finales de 2013. Preocupados por la alimentación y los hábitos saludables, se han convertido en fundamentalistas de la comida orgánica y sostenible. Tratan de ir descubriendo nuevos sabores

y olores, cocinar lo que les ofrece su propio huerto, comer lo que cocinan y compartirlo cada día con quienes les visitan. No buscan una cocina pretenciosa, simplemente natural y que guste. Comida natural, ecológica y sostenible. Y el menú va cambiando según los ingredientes de los que disponen cada semana. Esa es su filosofía.

Además son unos apasionados del arte y aquí también podremos disfrutar con una bella colección de muebles antiguos y objetos olvidados a los que han vuelto a dar una nueva vida. Este rincón cerca de la Puerta de Alcalá es un lugar perfecto para disfrutar de la vida de una manera natural y en armonía con lo que nos rodea con todos los sentidos.

caza de brujas por Álvaro Vicente

Cuando una ciudad enloquece Las brujas de Salem es un clásico contemporáneo, una obra del repertorio teatral universal que Arthur Miller escribió en 1952 con la intención de denunciar una situación que él mismo estaba viviendo, pero a través de un relato histórico perteneciente a la pre-Historia de los Estados Unidos. Quiso hablar de su época a través de un acontecimiento de finales del siglo XVII. Este procedimiento es habitual en los escritores y dramaturgos que viven bajo el yugo de regímenes autoritarios que imponen una censura férrea, la cual tratan de burlar a través de estas recreaciones dramáticas de hechos acontecidos tiempo ha. Pero, ¿Estados

miedo, pero también tienen coraje e inteligencia de sobra como para doblegarlo y lanzar su mensaje como quien se lanza a una misión irrenunciable. El llamado ‘Macarthismo’, ese periodo nefasto e infame de la historia reciente de los Estados Unidos, desató tal histeria y tal absurdo en un mundo bipolar en plena Guerra Fría, que Miller sólo encontró para reflejarlo aquel cruento episodio vivido en 1692 en Salem (cerca de lo que hoy es Boston), en el que se mezclaban las luchas de poder colonial, el puritanismo, la perversión de las creencias religiosas, las adhesiones ciegas a postulados dogmáticos y una narración

“Nuestra verdad no tiene por qué ser la única verdad. Nadie está libre de tropezar con el integrismo” Lluis Homar

Unidos era un régimen autoritario a mediados del siglo XX? Esta pregunta no es tan ingenua como parece. Los dramaturgos son personas y tienen

humana basada en el binomio bien-mal, en el enfrentamiento entre dios y el diablo, que tan agarrado sigue al ADN del ‘american way of life’.

FOTOS DEL REPORTAJE Y PORTADA: David Ruano

El ¿antiamericano? Arthur Miller Finalmente, en Las brujas de Salem John Proctor (interpretado en este montaje por Borja Espinosa) prefiere morir a confesar, que significaría traicionar su conciencia. Ahí está el mayor paralelismo (sin llegar a la muerte) con lo que vivió el propio Arthur Miller, que en 1956 rehusó revelar los nombres de los componentes de un círculo literario sospechoso de tener vínculos con el Partido Comunista ante la Comisión de Actividades Antiamericanas que presidía el senador por Wisconsin Joseph Raymond McCarthy. Miller fue acusado de desacato ante el Congreso, aunque la sentencia fue posteriormente anulada.

Sentido actual

“Ha habido, hay y seguirá habiendo caza de brujas, sobre todo mientras la caza continúe siendo legal.” Con esta cáustica irreverencia puesta en boca de Lluis Homar (que además de dar vida a la máxima autoridad de Salem, el Vice Gobernador Danforth, rompe la convención para lanzar algunos textos extra al público casi al modo de un corifeo) se abre el montaje de Andrés Lima. El director tiene muy claro que el texto de Miller nos habla muy directo a los seres humanos de hoy. En su primer Miller (también es el primer texto del autor americano que

enfrenta Homar, que a su vez también se estrena a las órdenes del que fuera director de los grandes éxitos de Animalario), ha querido explorar “qué ocurre en una sociedad cuando ésta se vuelve loca. La represión está a la orden del día y las cazas de brujas siguen sucediendo.” Este terrorismo de camiones, este gatillo fácil, esta sinrazón de Alepo: ¿no son síntomas de una delirante humanidad, de una psicosis generalizada? ¿Lo son los juicios sin defensa de las redes sociales? Arthur Miller es un Shakespeare contemporáneo que, con sus personajes enormes y poliédricos, nos demuestra

su profundo conocimiento de la naturaleza humana. Él no quiso ponerse panfletario frente al ‘Macartismo’, recurrió a la poesía escénica. Y su maestría nos sirve hoy todavía para reflexionar, como público, como ciudadanos, sobre lo que nos ocurre en sociedad.

Un maligno plan para derribar a Cristo La obra cuenta cómo una pequeña comunidad rural, con unas normas religiosas y de conducta muy estrictas, se ve sacudida por el rumor de que unas chicas del pueblo son víctimas de un maleficio. La sospecha de que hay brujas en la comunidad y los enfrentamientos entre colonos por la posesión de las tierras acaban causando la condena a muerte de casi 25 personas. El Vice Goberna-

dor Danforth, el personaje que interpreta Lluis Homar, es la máxima autoridad de una comunidad regida por la religión. “Danforth -comenta el actor- está convencido de que existe un complot para derribar a Cristo, lo cree firmemente. Y cree que ese complot está urdido por el diablo, el enemigo a combatir. Y lo que da más miedo es que cree que hay que combatir al diablo y llevar a cabo todas esas ejecuciones por una causa justa. Interpretar a este hombre me ha hecho pensar en mi padre, que era un hombre de misa diaria, un hombre bueno, aunque a pesar de serlo, dios estaba por encima de todo. Cuidado con dar por sentado que nuestra verdad es LA verdad, la única. Nadie está libre de tropezar con el integrismo.”

Las brujas de Salem Andrés Lima dirige un elenco comandado por Lluis Homar, Nora Navas y Nausicaa Bonnín en una adaptación del clásico de Arthur Miller que ha llevado a cabo el último Premio Cervantes, Eduardo Mendoza. Teatro Valle-Inclán Del 20 de enero al 5 de marzo

cine en tiempo real por Neus Molina

God bless America Hay una casa, there is a house y no precisamente la del rising sun. Una casa en Asia, en Abbottabad. Once upon a time. En la casa vive el lobo, o la ballena Moby Dick, o Gerónimo, un apache salvaje, o quizás el enemigo público número uno, el segundo Gerónimo, el más temido: Osama Bin Laden. También hay un vaquero, o un Navy Seal, o a lo mejor el capitán Ahab o -¿por qué no?- un componente de Take That. He aquí los protagonistas de este cuento que bien podría ser un western de John Ford o un videojuego. A partir de la incursión de los americanos en la casa donde estuvo viviendo

Osama Bin Laden después de hacer volar las Torres Gemelas, la Agrupación Sr. Serrano desarrolla un dispositivo escénico donde, jugando con la idea de copia y reflejo, cuenta a través del personaje de Matt Bissonette, el marine que ajustició al líder talibán y luego escribió bajo seudónimo el libro No easy day, la historia de una persecución a la altura del más sofisticado juego de rol. Gracias a lo que la compañía llama cine en tiempo real y sustituyendo los actores por miniaturas, los creadores, armados con cámaras, iphones, tablets y proyectores, narran sus historias ‘en directo’.

La casa y sus reflejos

La casa donde estuvo recluido el terrorista más buscado fue construida en Abottabad, en Pakistán, pero en realidad hay dos casas más, dos réplicas, dos reflejos. La segunda casa no está en Asia, sino en Carolina del Norte, donde la CIA ensayó el ataque al demoníaco personaje; la tercera, está en Jordania donde se rodó la película Zero Dark Thirty. Y así llegamos al teatro, con otra casa, presumiblemente idéntica. En esta cuarta casa, la última copia, la Agrupación Sr. Serrano nos explica la investigación y captura de los más perseguidos: Osama Bin Laden, Gerónimo o Moby Dick. De hecho, la cruzada por atrapar a Bin Laden recibió el nombre de ‘Operación Gerónimo’, el temible apache que 120 años antes había sido el objeto de caza y captura del tercio de caballería, después de una serie de sanguinarias incursiones. Imprescindible el paralelismo entre Gerónonimo-Bin Laden y la ballena Moby Dick. Así, el capitán Ahab, a quien la gloria se la ofrece una ballena blanca, persigue sin descanso a ese animal que finalmente será un reflejo de todos los males del mundo. ¿Y no era eso el indio Gerónimo? ¿O no engendraba a Satán el propio Osama Bin Laden? ¿Y los buenos? ¿Quiénes eran los buenos? ¿Y los malos eran tan malos?

Los malos son los otros

Los buenos eran (presuntamente) los que luchaban por ‘la libertad’, ‘la democracia’ y ‘la tolerancia’. El bueno de Gregoy Peck como capitán Ahab gritando “¡God bless America!” o el atrevido Matt Bissonette que apretó el gatillo por “el bien de todos,” observado por los líderes mundiales desde la Situation Room en Washington DC. Gregory Peck, los western, Blade Runner o los Hermanos Marx… las referencias cinematográficas se funden en un mensaje de ‘americanismo’ casi provinciano que bien podría resumirse en el archiconocido eslogan de Bush hijo: “o estás con nosotros o contra nosotros”. El enemigo como reflejo, como ya lo fue el fantasma del comunismo, los indios sioux o el mundo árabe. La otredad vista como un contrapunto negativo e invisible. El western maniqueo o la ballena blanca para explicar la dualidad del mundo. No hay crítica explícita, los Serrano no se permiten statments. Una voz en off de western y un hombre, que recuerda al narrador tejano de El Gran Lebowsky, aparece al final del espectáculo, con el sombrero ladeado, apoyado en su pick up cerca de un McDonald’s. Recuerda a un cuadro de Edward Hooper. “La paz era esto” parece pensar. God bless America, hermanos.

A house in Asia

Tras su paso por el último Frinje, la Agrupación Sr. Serrano vuelve a Madrid con este artefacto escénico que explora la dualidad bien-mal que mantiene viva la política estadounidense y todos sus negocios paralelos. Teatro de La Abadía Del 25 al 28 de enero

danza y percusión por Sergio Díaz

Mayumana une a Estopa con Shakespeare El grupo de danza y percusión nacido en Israel Mayumana, supuso un soplo de aire fresco para la escena cuando se formó allá por 1996. Surgió de la mano de Eylon Nuphar y Boaz Berman. Ambos querían mostrar algo nuevo que ofrecer al público. Un lenguaje propio basado en el ritmo vertiginoso, la creatividad, la música y la energía en cada montaje. Ahora, 20 años después, se han convertido en todo un fenómeno mundial que no deja de crecer ni de asombrar allí por donde pasa. Rumba! es el nuevo espectáculo con el que llegan a nuestra ciudad. Una apuesta en la que, por primera vez, se adentran en el género del musical, en un espectáculo que versiona el romance de Romeo y Julieta... pero lo hace al ritmo de las canciones de Estopa (esto seguro que sí que no lo habían imaginado los hermanos Muñoz).

Rumba! narra la vida de dos familias que viven enfrentadas en el mismo barrio. En medio de su odio y disputas nace un romance inesperado que desencadenará el conflicto. Para mostrarnos esta historia, la música de Estopa, mezcla de rock y rumba, se suma al vistoso lenguaje corporal de Mayumana, construyendo así, por primera vez, una historia que continúa a lo largo de todo el espectáculo y que les lleva a descubrir nuevos territorios sobre el movimiento, el ritmo, la coordinación y la música. Con este montaje Mayumana ha querido agradecer al público español la acogida que le ha dado en los últimos veinte años, según explicaron en la rueda de prensa de presentación una de sus directoras creativas, Gerry Berman, y el productor del espectáculo, Marcos Cámara, de SOM Produce.

Rumba! Mayumana, la conocida compañía de danza y percusión, llega a Madrid con su nuevo espectáculo basado en las canciones de Estopa Teatro Rialto Desde el 12 de enero

cartografía humana por Álvaro Vicente

Blanca Portillo

“Nunca hemos querido que el virtuosismo actoral se coma el mensaje de esta obra”

FOTOS DE FUNCIÓN: Ceferino López

Hace 12 años protagonizó el montaje que hizo Animalario de Hamelin y luego dirigió su versión del Tenorio. La Portillo y Juan Mayorga se encuentran ahora por primera vez como actriz y director en El cartógrafo, que para el que esto firma, es la mejor obra del autor madrileño junto con Himmelweg.

El pasado mes de abril tuve la suerte y el honor de acompañar a Juan Mayorga a Rumanía, donde se le hizo entrega del Premio Europa de Nuevas Realidades Teatrales. En un traslado nocturno en autobús, tuve además el privilegio de leer El cartógrafo con su autor sentado en el asiento de atrás. Fue en aquel viaje cuando Mayorga me confesó que esta obra estaba escrita expresamente para ti, para Blanca Portillo, y que si no la hacías tú, no la haría nadie... Es muy fuerte, ¿verdad? Cuando la leí, vi que el personaje principal se llamaba Blanca. Le pregunté y me dijo: sí, bueno, es que me gustaría que lo hicieras tú y le puse ese nombre a ver si así conjuraba a los astros... Es maravilloso. Lo digo siempre, soy coetánea de un Lope de Vega, de un Lorca, de uno de nuestros autores más insignes, que me llama por teléfono a casa y me escribe funciones, ¡no lo puedo creer! Y encima fuimos al mismo colegio...

“Estoy obsesionada con los mapas. He pasado a mirar mi propia vida desde un punto de vista cartográfico”

¿Ah, sí? Sí, lo descubrimos hace relativamente poco, hablando de los barrios por los que nos movíamos de jóvenes. Nos llevamos dos años, él estaba un poco por debajo de mí, y ahora nos

hace muchísima ilusión, porque eso le da a nuestro colegio, al Fernando el Católico, como otra categoría, ¿no? (risas) La obra tiene 12 personajes, pero en escena sois solo José Luis (García-Pérez) y tú. ¿Cómo llegáis a esa destilación? Empezamos con la idea de dirigirlo yo y Juan me habló de reducir personajes, sobre todo porque el personaje de la niña era una complicación y porque 12 personajes para una producción privada es mucho. Fuimos reduciendo, reduciendo y un día le propuse: ¿y si lo hacemos solamente José Luis y yo y la diriges tú? Y ahí estalló la bomba. Yo creo que él le tiene un cariño especial a esta función. Además es que tiene una dimensión y una profundidad histórica, humana, filosófica que la convierten en una de sus mejores obras... Totalmente de acuerdo. Y además tiene un nivel poético salvaje. Yo estoy obsesionada ahora mismo con los mapas. Para mí ha sido un gran descubrimiento lo que él vuelca ahí sobre la cartografía y el teatro y la vida... es tremendo. Ya nunca miras un mapa de la mismo forma después de conocer esta historia, ¿no? Pasas a mirar tu propia vida desde un punto de vista cartográfico, que es lo que él propone, y alucinas, porque te obliga a hacer una cosa que hacemos en el teatro sistemáticamente, que es elegir: qué es

lo importante, qué se tiene que ver y qué no, qué ocultamos y qué enseñamos. Una vez elegido este camino para montar la obra, ¿cómo lo trabajáis? Porque en escena estáis solo los dos actores recreando todo un universo... Juan es un hombre que cree en la palabra, en la oralidad, como testigo para pasar al espectador, como algo absolutamente esencial del teatro. Conozco a pocos directores que amen más a los actores, y él como autor lo sabe y sus palabras cobran otro valor. Lo que le dije es que yo no tenía ninguna intención de que el virtuosismo actoral de dos actores se comiera el mensaje y la poética de la función. Fue un trabajo muy lento, arduo, para llegar a quitar todo lo que

no fuera estrictamente necesario para contar esta historia y apelando siempre a lo más

“Con esta obra, Mayorga quiere luchar contra la tiranía del presente, contando algo pequeño para hablar de lo universal” básico del teatro: la imaginación del espectador. ¿Cómo ha sido para ti entrar en la historia del gueto de Varsovia? Ha sido muy doloroso. Hay una cosa que dice Juan que es cierta, que todos tenemos la impresión de que sabemos lo que pasó, a través de las películas, los libros, los documentales,

FOTO: MarcosGpunto

cuando en realidad no tenemos ni la más remota idea ni la podremos tener nunca. Hay una idea de muerte generalizada, de asesinato masivo, que se nos escapa. Y porque todos esos millones de personas tenían nombre y apellidos, y vida. Es ponernos frente a lo indecible, lo incomprensible, frente a la lacra que arrastramos desde entonces como sociedad y que se nos olvida. Mira Alepo... La historia se reproduce cuando uno olvida. Yo me fui a Varsovia, porque también creía que sabía mucho, y el genocidio judío es mucho más que las cifras y las pelis de Spielberg. Entender lo que era el gueto de Varsovia... yo leía la función y decía: ¿por qué a esta mujer le impresiona tanto? Y me fui a hacer el mismo recorrido que había hecho Juan, que está en el origen de esta obra, que es el mismo recorrido que hace el personaje. Y llegas a una ciudad amable,

acogedora, moderna... pero a nada que escarbas encuentras cosas que te ponen los pelos de punta. Las casas de hoy están construidas sobre los escombros de lo que quedó, sabes que ahí debajo están los últimos que resistieron, ahí murieron y ahí están, como dice la función. Hay tanto dolor ahí, y sobre todo tanta injusticia y tanto mirar hacia otro lado de toda Europa, que parece mentira. Creo que hemos preferido convertirlo en un cuento a asimilar lo que fue. Y Juan, con esta obra, lo que intenta es luchar contra lo que él llama la tiranía del presente, contar algo pequeño para hacerlo mucho más universal, sin renunciar a contar la Historia de Europa. La historia del anciano y la niña es íntima y pequeña, que es lo único que te puede dar la dimensión de lo que fue aquello. No se puede creer cuando estás allí, no se puede... Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

El cartógrafo En la Varsovia de nuestros días, Blanca oye la leyenda del cartógrafo del gueto y de su nieta, y se lanza obsesivamente a la búsqueda de aquella historia, que es la búsqueda de sí misma. Naves del Español Matadero Del 26 de enero al 26 de febrero

de profesión, inclasificable por Álvaro Vicente

Obra ambiciosa, compleja, delirante y seductora

SPAM El autor, director y actor argentino Rafael Spregelburd presenta, junto al músico Zypce, una delirante ópera hablada Teatros del Canal Del 19 al 22 de enero

La identidad como tema, una vez más. Claro. Uno quisiera saber más de la identidad de Rafael Spregelburd (y del origen de su apellido, que parece el sonido que hace una botella de plástico al ser aplastada entre las dos manos). Como a tantos creadores argentinos, nos lo trajo el Festival de Otoño (cuando todavía no llegaba hasta la primavera) hace años y los que vimos aquella su ‘estupidez’, nos apuntamos mentalmente a un club de fans que probablemente no exista. (Por cierto, Spregelburd estará en Madrid al tiempo que se re-presenta 3 días el montaje de La estupidez de las huestes de Fran Perea en sus Luchana, ¿irá a verlo? Morbillo...) Pero hablemos de SPAM, que se nos llena la página de ídem. Es el año 2012 y a los mayas se les acaba el tiempo. Pero el tiempo en realidad no existe: es mera admi-

nistración del hambre. Una ridícula fantasía apocalíptica con fondo de fin de fiesta. Tal es la propuesta que nos trae Spregelburd, alias ‘delirio escénico’. Es la historia de un profesor napolitano que sufre un insólito accidente y pierde la memoria de los hechos. Hay que reconstruirlo todo en contra de las burdas leyes del azar; hay que reunir causa con efecto. Hasta donde sabemos, el tipo se ha negado a corregir la tesis de una alumna. Después, un mail de ‘spam’ lo involucra en una aventura formidable, digna de James Bond entre traductores de Google, mafias seudochinas en la isla de Malta, métodos dudosos para alargar el pene, retazos mal deducidos de un diccionario extinto de la antigua Mesopotamia, fantasmas de Caravaggio... ¿por qué creer que una crisis de los bancos en Europa es el fin del mundo conocido?

antropología del presente por Álvaro Vicente

Arraigar de nuevo En una gran ciudad como Madrid, cuando un cine o un teatro se convierten en gimnasio, supermercado o tienda de ropa ‘made in Amancio’, nos indignamos, nos movilizamos (cada vez menos) y entonamos un lastimero réquiem no solo porque es una pérdida irreparable para la cultura, sino porque se arrancan las raíces de los lugares en los que socializamos para convertirlos en lugares en los que consumimos. A más pequeña escala, esto pasa hasta en el pueblo más perdido. Pongamos que pasa, por ejemplo, en la localidad gallega de Muros, en la que la vieja sala de fiestas O Paraíso, donde

tantos vivieron sus primeras noches de juerga, donde muchos conocieron a sus parejas, pasados los años, se ha convertido en un Eroski. Ese es el punto de partida de este montaje. No es el único.

Una obra a partir de un documental

El propio Xron, dramaturgo y director de esta nueva pieza de la compañía gallega Chévere, nos cuenta cómo, tras decidir llevar a escena una idea del actor Miguel de Lira (uno de los protagonistas de la función), se fueron a Muros para rastrear sobre el terreno los recuerdos,

FOTOS: Matteo Bertolino

más o menos fosilizados, de lo que fue aquel lugar y de lo que allí sucedió. “En esa especie de antropología del presente nos dimos cuenta de que estábamos trabajando sobre las formas de vida de una serie de personas que vivían en un lugar y, un poco sobre la marcha, sin pretenderlo, descubrimos que el teatro es una forma idónea de exponer estas formas de vivir contemporáneas. Se está haciendo desde diversas perspectivas, pero nosotros quisimos poner en el escenario una zona marginal, un pueblo

“El teatro es una forma idónea para exponer las formas de vida contemporáneas” apartado de Galicia cuyas vidas a priori no tienen el atractivo o el interés para ser llevadas a un escenario”. Esto lo hacen a través de una historia y unos personajes inventados para la ocasión y con una forma que combina los lenguajes teatral y cinematográfico. “El ritmo escénico surge un poco a partir de la mecánica de un rodaje, pero sin proyecciones ni cámaras. Todo parte de una chica que nació en aquel pueblo pero que de pequeña salió de allí con sus padres y que nunca ha vivido allí realmente, pero ahora vuelve para

30 años y Premio Nacional

En este 2017 que arrancan en Madrid, la compañía Chévere, Premio Nacional de Teatro 2014, celebra su 30 cumpleaños. Veteranos de la escena galega, su trayectoria estuvo íntimamente ligada a la Sala Nasa de Santiago de Compostela, que cerró en 2011 ante la pasividad de las autoridades después de 25 años de actividad. Desde entonces tienen su residencia artística en la localidad de Teo, donde se han tenido que reinventar una vez más. Desde allí dan vida ahora al concepto de teatro que han manejado siempre, “teatro como instrumento, como medio de intervenir en la sociedad en que vivimos, directamente ligado a lo que pasa fuera del recinto teatral”, según Xron, director de la compañía.

hacer un documental sobre aquel lugar, el Paraíso, que es donde se conocieron sus padres, a los que invita a recrear aquella noche. Queríamos hacerlo lo más teatral posible, para lo que las cámaras y los vídeos eran totalmente accesorios. También era una manera de tender un puente al público, para que cada espectador sea la cámara y sea el montador del documental, que se monte los planos del documental que se está rodando en su cabeza”.

“Cuando mejor vivíamos, perdimos el paisaje, las costumbres, los espacios y el idioma”

Sin nostalgia, sin morriña

La obra trata el desarraigo, el que sufrimos sin movernos del sitio, porque se esfuman las formas de vida que tuvimos en el pasado, y el que sobreviene con los flujos migratorios. Estas zonas apartadas de Galicia sufrieron en los 80 y los 90 la emigración, como sufrieron el azote de la droga. “En una sociedad en la que supuestamente hemos estado viviendo mejor, perdemos el paisaje, perdemos las costumbres, los espacios en los que nos relacionamos e incluso el idioma, que es algo también presente. Pero todo esto lo abordamos evitando a toda costa el componente nostálgico. Al contrario, el centro de la obra es la hija que vuelve y provoca de nuevo los encuentros, los reencuentros y la reconstrucción. Y contado, además y sin pretenderlo, con mucho humor”.

Eroski Paraíso Chévere presenta en Madrid la primera pieza creada tras serle concedido el Premio Nacional de Teatro hace dos años Naves del Español Matadero Del 19 de enero al 5 de febrero

homenaje a una artista muy grande Sergio Díaz

Eva Manjón

“Sara Montiel fue una mujer muy valiente y moderna, adelantada a su tiempo”

El Teatro Rialto acoge el estreno de la primera obra teatral homenaje que se le rinde a Sara Montiel. Y todo por el empeño de Eva Manjón, una actriz que atesora tanto talento como perseverancia y que ha conseguido sacar adelante este proyecto, que pondrá a la figura de Sara Montiel en el lugar que realmente merece

¿Por qué Sara? ¿De dónde te viene esa fascinación por ella? Sara fue muy grande en su época y nunca se le ha rendido un homenaje en forma de espectáculo, ni de película, ni de serie de tv. Se han hecho biopics a muchos artistas, toreros, cantantes, incluso a ladrones de bancos, pero nunca a Sara. Y como me encantaba desde siempre, por su sensualidad, su belleza, y sus agallas para irse de España a probar suerte en México y EEUU, porque aquí no la veían (hace falta estar ciego para no haberla visto), pues decidí hacerlo yo misma. Has luchado mucho por este gran proyecto ¿Cuándo sentiste que podía tomar forma? Empecé hace unos 3 años buscando productor, escritor, director y compañía. Y ahora tengo el mejor guión que podía soñar, con el mejor director para defenderlo y la compañía que quería. Sentí que esto se hacía realidad en marzo de 2016. Y en cuanto lo decidí me puse a trabajar día y noche con una idea

en la cabeza y mucha ilusión. Y el 19 de agosto, por fin se hizo realidad sobre un escenario. Es una obra homenaje a una de nuestras más grandes artistas que nos habla de una noche en la vida de Sara ¿Por qué esa última noche? Era una excusa perfecta para contar cosas de ella y mostrar sus canciones y su época. Esa noche de la que hablamos en la obra nos facilita poder contar cómo era, o cómo sentía, por qué sufría y a quién amaba. ¿Piensas que esta obra puede ser una oportunidad para acercar la figura de Sara al público más joven? Desde luego. Sara es un icono, fue mito, es mito. Los medios de comunicación no han reflejado lo que significaron sus éxitos cinematográficos, ni que grabara 40 discos. Fue una Marilyn a la española. El guión es muy moderno y muy cinematográfico -escrito por David Planell no podía ser de otra manera-. Se ajusta

mucho a lo que mucha gente joven quiere ver, y es un guión y una historia con fuerza que seguro gustarán a la gente joven. Sara no fue una folklórica y ya. Se rodeó de los más intelectuales y de los hombres más influyentes de la cultura, tanto en España como en EEUU. Sara tiene mucho que contar, y sobre todo seguro que en muchas cosas les da mil vueltas a muchas mentes que se consideran jóvenes. Era muy adelantada a su tiempo, una mujer muy valiente y muy moderna desde bien joven. Te vemos cada día en la tv, te hemos visto en muchos musicales, pero cantar las canciones de Sara Montiel en directo ¿cómo te hace sentir? Me llena profundamente. Esos temas forman parte de la historia de nuestra música y me gustan. Y los arreglos que tienen ahora

son muy bonitos. Cantar Quizás quizás quizás, Volver, Fumando espero o Bésame mucho, entre otros, es un lujo, son temas míticos, que siempre me han gustado. ¿Qué supone para ti estrenar la obra en Madrid en el Teatro Rialto? ¡¡Imagínate!! ¡Un sueño hecho realidad! ¿La Gran Vía? ¿El teatro que vio los éxitos mundiales de Sara? Es un placer enorme y un sueño. Y agradezco mucho a Som Produce, gestora del Rialto, que haya confiado en mí. Imagino que será un momento mágico, igual que haber estrenado en Campo de Criptana Espero que sea igual de mágico que en agosto, que fue muy muy bonito. Eso sí, la Gran Vía impone, y Madrid mucho, pero espero que todo vaya bien.

Mi última noche con Sara David Planell escribe. Clara Bilbao viste. Juanjo Molina pone la música, y Rodrigo Poisón y Jesús Lara acompañan sobre el escenario a Eva Manjón en este gran proyecto Teatro Rialto Desde el 24 de enero

estrenos

FOTO: Sergio Parra

De Hovik Keuchkerian ya se ha escrito lo suficiente como para que venga yo a poder aportar más. De sus inicios como boxeador, de sus caídas a la lona -que las tuvo, a pesar de ser un gran campeón-, de reinar en las noches de Madrid con sus monólogos cómicos, de su magistral trabajo en la película Alacrán enamorado y de su primer papel dramático en este texto del canadiense Wajdi Mouawad, en el que describe sus vivencias a la hora de abandonar su tierra natal, Líbano, sumida en la guerra. Hovik, de padre libanés y madre española, es el narrador perfecto para trasladarnos este desgarrador relato puesto que sabe perfectamente de lo que está hablando. Un cuerpo rocoso, un armazón de acero abierto en canal, sintiendo en primer persona -para que podamos entender de una puta vez- lo que supone escapar de un país en guerra -que parece que se nos ha olvidado ya-. Sergio Díaz

CELESTINA Teatro de la Abadía Desde el 18 de enero

FOTO: Ramón Jiménez

Directo a la mandíbula

UN OBÚS EN EL CORAZÓN Teatros del Canal Del 9 al 29 de enero

Tras su estreno en el Teatro de la Comedia, Celestina vuelve a Madrid, a la casa de teatro de donde partió el pulso para este montaje. Al hogar de José Luis Gómez, quien interpreta de forma magistral a la alcahueta construida por Fernando de Rojas. La obra hilvana una trama donde las costumbres, relaciones y sentimientos tienen igual importancia para todos independientemente de su condición social. Es una urdimbre urbana donde tensiones e intereses enredan el espacio público y el privado, ambos marcados por la preocupación por la ‘limpieza de sangre’, la persecución de los judíos españoles sin la cual sería imposible comprender en toda su plenitud la escritura y trayectoria vital de Rojas.

Transportista colaborador

FOTO: marcosGpunto

Secretos de familia ¿Qué pensarían si ahora me pusiera a hablar de los Díaz Jiménez? Los Díaz Jiménez, sí, mi familia. Una familia castellana por los cuatro costados. Una familia compuesta de pastores, campesinos, ganado y hambre. Una familia sólo educada en el trabajo, la fe, las apariencias y el respeto. Una familia de verdades a medias, de sentimientos escondidos, de ideas políticas encontradas, de nula inteligencia emocional. Una familia. La mía. Una historia que no le interesa a nadie. Pero hay familias que sí nos interesan. O al menos hay un miembro de esa familia que cuenta las cosas tan bien

que hace que nos interese. Y vamos a conocer su historia. La familia vasca Gondra es la protagonista de este drama escrito por Borja Ortiz de Gondra, al que ha dado forma Josep María Mestres. La obra trata de hallar respuestas a los grandes enigmas que han ido pasando de generación en generación en el entorno de esta familia. Interpretada en castellano y euskera, los 100 años que abarca la historia están repletos de secretos que nadie se atreve a desvelar: las verdades a medias y los misterios se van acumulando para asfixiar a los miembros de este clan.

Todos hemos indagado en nuestros orígenes buscando respuestas a lo que somos. Tratando de descifrar las causas. Tratando de averiguar dónde residía la culpa. Borja Ortiz quizás sea más valiente. Quizás tenga más talento también y haya sido capaz de desvelar y compartir sus secretos. Quizás sean muy parecidos a los nuestros. Quizás la diferencia la marque un frontón. Sergio Díaz

LOS GONDRA Teatro Valle-Inclán Del 18 de enero al 19 de febrero

¿Qué es lo que deseas?

DRAC PACK Teatro de la Luz Phillips Gran Vía Hasta el 21 de enero

Las Vegas, Transilvania, qué más da. Miles de focos desafían la ciudad de nuestro Drácula particular. Estamos a finales de los años cincuenta y junto a sus dos amigos, son mundialmente conocidos como el Drac Pack. Nuestro protagonista es la estrella musical del momento y sabe que ha llegado la hora de despedirse del escenario, pero para ello necesita un sucesor. Una noche conoce a una joven cantante que tan sólo necesita un nombre para poder volar. Él le regala la fama y la convierte en una estrella, en un mito. Pero para ser una estrella eterna tiene que tomar una decisión: vivir bajo la fría luz de los focos o vivir bajo la cálida luz del sol… Fernando Soto dirige a Najwa Nimri, Alba Flores, Kimberley Tell y Anna Castillo en un texto original, seductor y elegante, como todo lo que lleve el sello de Najwa Nimri. Soñarás con ella... pero ningún sueño sale gratis.

Sigue siendo el más grande El mago más carismático de nuestro país, uno de los personajes que han hecho historia en la televisión, vuelve a Madrid para ofrecernos los mejores números de su carrera, en un renovado espectáculo cargado de humor, telepatía e improvisación. Las aportaciones de Tamariz al arte y la historia de la magia lo corroboran como un maestro del género. Magia, alegría y humor es lo que siempre ha destilado este mago que será inmortal en la memoria de todos. Pero además telepatía, misterio, improvisación y emoción forman parte del repertorio de este montaje. La representación está compuesta por siete bloques en los que se sucederán diferentes números de magia, que van desde juegos colectivos hasta efectos mágicos pequeños e íntimos. Además, en esta ocasión, contará con la colaboración de la maravillosa maga colombiana Consuelo Lorgia y el Mago Alan.

MAGIA POTAGIA... Y MÁS Teatro de la Luz Phillips Gran Vía Del 26 de enero al 5 de febrero

Regresa una gran versión

EL ALCALDE DE ZALAMEA Teatros de la Comedia Hasta el 29 de enero

Vuelve El alcalde de Zalamea, la conocida obra de Calderón dirigida por Helena Pimenta y versionada por Álvaro Tato, con la que el Teatro de la Comedia reabrió sus puertas. Un reparto compuesto por diecisiete actores (con Carmelo Gómez a la cabeza), una cantante y dos músicos en directo que ya han conquistado el corazón del público en las 104 representaciones que llevan realizadas de este texto inmortal que es una obra sobre el amor porque el autor pone el acento en el desamor. Es una obra sobre la justicia porque predomina la injusticia. Lo es sobre el honor como opinión de los demás, como virtud militar, o como conciencia y dignidad personal y, con demasiada frecuencia y demasiado pronto, hacen acto de presencia el deshonor, el abuso, el fingimiento. Este montaje obtuvo once nominaciones en los últimos Premios Max, y Joaquín Notario recibió el premio al mejor actor de reparto.

Actual y necesario Eduardo Galán y Alberto Castrillo-Ferrer llevan a los escenarios esta adaptación de la obra de Benito Pérez Galdós, que mantiene su contemporaneidad y la necesidad de manifestar la lucha de la mujer en su conquista de la independencia. Un montaje actual para una historia adelantada a su tiempo. La obra trata un tema tan de actualidad como es la igualdad de la mujer en un mundo de hombres. El personaje de Tristana se convierte en una de las protagonistas femeninas de la literatura de finales del siglo XIX en su lucha por la independencia de la mujer, como también lo fueron Ana Karenina, Nora (Casa de muñecas), La señorita Julia, o Madame Bovary. El personaje de Tristana lo interpreta Olivia Molina, que estará acompañada por María Pujalte como Saturna, Pere Ponce como Don Lope y Alejandro Arestegui poniéndose en la piel de Horacio.

TRISTANA Teatro Fernán-Gómez Del 17 de enero al 26 de febrero

La Joven aún más intrépida ¿Hay algo con lo que no se atrevan los chicos y chicas de La Joven Compañía? Pues parece que no. Tras todo en lo que se han embarcado ya (Proyecto Homero, Fuenteovejuna, El señor de las moscas...), ahora nos traen la versión teatral de una obra que yo aún no he visto nunca sobre un escenario: La isla del Tesoro. Más allá de la historia de piratas y aventuras, de barcos veleros y mapas del tesoro, la obra de Robert Louis Stevenson es un certero retrato de la codicia humana, pero también un precioso canto a la amistad y, por encima de todo, una reﬂexión sobre el tránsito de la niñez a la edad adulta. La adaptación teatral de Bryony Lavery, dirigida por Jose Luis Arellano, mantiene el espíritu de la novela original, sus grandes temas y su agudo retrato del alma humana. Jim Hawkins, su intrépida protagonista, es ahora una niña que no se resigna al papel que le reserva la Historia, porque como ella misma dice, “las chicas también necesitan aventuras”.

01 DIC 15 ENE Teatro Español de Madrid C/Príncipe 25. Madrid T. 913 601 484 venta de entradas

teatroespanol.es

LA ISLA DEL TESORO Teatro Conde Duque Desde el 24 de enero

RICARDO III SHAKESPEARE

versión Yolanda Pallín dirección Eduardo Vasco

noviembreteatro.es

25 años de humor genuino Cuando algo me hace gracia se me nota... y mucho. Mi carcajada es estruendosa, resuelta, natural, incluso imagino que molesta para los que están alrededor. No puedo modularme cuando algo hace saltar mis resortes más profundos. Y reír es una sensación que vivo y disfruto con todo el cuerpo. Sin contenerme. Ni ganas. Star Trip fue el primer montaje que vi de Yllana. Fui un día. Fui dos días. Fui tres días... en menos de dos semanas. Qué manera de reírme, por favor. Seguro que gran parte del público asistente hubiese querido matarme... en cada una de las tres funciones, pero creo que ha sido uno de los montajes con los más he

disfrutado en mi vida. Luego llegaron 666, Brokers, The Gagfather, Chefs, Far West, Olimplaff... y así muchos más títulos de obras maestras (algunas más, algunas menos) del humor en este país. Yllana nace en 1991 como compañía de teatro de humor gestual. Ahora tocan ya todos los palos, pero siempre con el humor como premisa. Siempre con la creatividad por bandera. Para celebrar sus 25 años de trayectoria presentan este espectáculo que repasa los grandes momentos de la compañía con una selección de sus mejores sketches. Un regalo para que sus seguidores podamos volver a vivir momentos inolvidables. Sergio Díaz

FOTOS: Diego Conesa

YLLANA25 Teatros del Canal Del 11 al 29 de enero

TOOM PAK presenta El cubo de Rubbish, un espectáculo donde la música, el reciclaje y el sentido del humor se mezclan en esta divertida comedia con diálogos en inglés y castellano. Este espectáculo narra las peripecias que sufren un grupo de músicos, Los Hermanos Marranos, un prestigioso quinteto de músicos de cámara, a la hora de dar un concierto. El robo de sus instrumentos y la búsqueda desesperada por encontrarlos les llevará a conocer a Rubbish, un personaje a medio camino entre un buscador de basura, un mago y un científico loco, que se muestra dispuesto a ayudarles y con el que aprenderán a fabricar instrumentos a partir de la basura. Pero, cuidado, no todo es lo que parece.

THE PRIMITALS Teatro Alfil Hasta el 29 de enero

FOTO: Javier Naval

IMPROVISA TÍO!!! Teatro Alfil Hasta el 24 de febrero

Master-show improvisado en el que los espectadores se convierten en alumnos, sus butacas en pupitres y los cuatro actores en profesores de la improvisación. Los actores-profesores mostrarán muchos ejemplos de nuestra vida cotidiana en las que la improvisación nos puede venir muy bien. En el autobús, en el mercado, en una cena familiar, en el hospital... En el espectáculo sólo existen dos consignas: no juzgar el imaginario de estos irreverentes profesores y rozar siempre el ridículo. Porque está comprobado que el público es feliz observando las trampas que se ponen unos a otros. Y porque un problema compartido siempre es menos problema. Cuando la vida te ponga a prueba... déjate seducir por los masters de Improclan.

EL CUBO DE RUBBISH Teatro Cofidis Alcázar 8 y 22 de enero. 12 y 26 de febrero

Si los componentes de Primital Bros ya eran una pasada en sí mismos, ahora que se han unido a otra tribu de genios locos como los Yllana pueden acabar arrasando con todo. Es una divertida comedia musical a capela en la que descubrimos a cuatro extraños aborígenes llegados del más lejano rincón del mundo, que quieren conquistar el escenario y así someter al público -bien a carcajadas, bien a machetazos, según les dé- pero siempre utilizando la música, ese elemento que dominan a la perfección tras haberlo ido aprendiendo en sus distintos viajes por los confines del espacio/ tiempo. Extraña y surrealista historia de una tribu ligeramente disfuncional, sueños de grandeza, desequilibrios mentales y farmacopea milenaria.

Realismo extremo

DANNY Y ROBERTA Teatro Lara Hasta el 20 de febrero

Danny y Roberta, de John Patrick Shanley, es uno de los mejores retratos de dos perdedores del teatro contemporáneo. Es una radiografía de los miedos y las miserias de una sociedad que hace de la violencia el escape final hacia ninguna parte. Son dos personas anónimas y desconocidas que se encuentran en un triste bar. Cada uno arrastra una vida de fracasos, frustraciones y descontentos que los ha hecho ser tal y como son. Roberta es una madre joven que no soporta vivir con sus padres, a los que le ata una relación enfermiza y malsana. Danny es una persona violenta que resuelve los problemas de su vida con los puños. Su encuentro les permite conocerse y descubrir que no están tan solos como creen. Aunque sí constatan que son tan infelices como parece. Pero siempre hay esperanza... Versión dirigida por Mariano de Paco y protagonizada por Armando del Río y Laia Alemany.

Boda y divorcio en uno Lo que una mujer teme más a medida que va cumpliendo años, no es el descolgamiento, las arrugas o la retención de líquidos, es... ¡parecerse a su madre! Algo que, igual que lo anterior, llega irremediablemente. El mayor deseo de los hombres, es saber qué se cuece a sus espaldas cuando sus mujeres desaparecen con la excusa de ir al baño. Lo que un recién casado no puede sospechar, es que se esté fraguando su inminente divorcio. Cuatro amigas y las madres que las parieron, sufren una catarsis al descubrir durante la boda de una de las primeras, secretos y sentimientos hasta ahora desconocidos, que ponen patas arriba las relaciones madre-hija. Pero el que más descubre, es el recién estrenado marido. Gabriel Olivares dirige en esta loca comedia a Marisol Ayuso, Juana Cordero, Esperanza Pedreño, Paula Prendes, Natalia Hernández, Diego París, Aurora Sánchez y Ana Villa.

LA MADRE QUE ME PARIÓ Teatro Fígaro Desde el 18 de enero

Adiós estupidez

LA ESTUPIDEZ Teatros Luchana Del 17 al 19 de enero

Fotografía cedida por: Picasa

Pues veremos, veremos si el autor de este texto -el argentino Rafael Spregelbrud- se pasa a ver la versión que han hecho de su obra, aprovechando que en los Teatros del Canal estará su nueva creación Spam. Será la última oportunidad de ver en Madrid este montaje dirigido por Fernando Soto y protagonizado por Fran Perea, Toni Acosta, Javi Coll, Ainhoa Santamaría y Javier Márquez. La obra estará únicamente tres días en los Teatros Luchana, tres funciones muy especiales porque quienes asistan a ellas, con la compra de su entrada, colaborarán en la culminación de la producción Desmontando La Estupidez, una película documental dirigida por Tristán Rosa que refleja el proceso creativo de la obra y un estudio psicológico desarrollado a lo largo de este proceso. Un viaje dialéctico y reflexivo entre estos dos procesos, que pone de manifiesto la propia naturaleza difusa de la identidad. Un interesante proyecto por el cual el teatro se une al cine.

Más de 600.000 niños padecen desnutrición aguda.

www.accioncontraelhambre.org

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la vida en un hashtag por Álvaro Vicente

Fernando J. López

“Queremos que la adolescencia sea un oasis de virtudes en una sociedad que no lo es” Novelista y dramaturgo, estrena en el Centro Dramático Nacional una obra sobre la edad más controvertida, gracias al programa Escritos en la escena.

Llevas varios meses preguntándonos cosas en Facebook y ya nos tienes absolutamente intrigados con #malditos16, la obra que vas a estrenar. ¿Qué habéis estado haciendo con todas las respuestas que has recibido? Pues estamos descubriendo, para empezar, que la adolescencia toca mucho la fibra, en general. Es un tema que tenemos muy solapado, quizás porque es una edad que duele mucho y preferimos no recordar, pero en cuanto horadas en ella salen muchas cosas. A nosotros mismos, el proceso de este montaje nos está removiendo mucho. ¿Tiene que ver, quizás, con que nosotros mismos hemos ido dando de lado la adolescencia como algo ya superado? Creemos haber madurado y no le damos la importancia que tiene en una vida la adolescencia. No solo no le damos la importancia que tiene, sino que la subestimamos. No nos damos cuenta de cómo influye en lo que somos, de cómo el adolescente que fuimos tiene que ver directamente con el adulto que somos. Nuestros miedos y nuestros complejos vienen de allí, nacen en aquel momento. La adolescencia tiene un nivel de valentía enorme, porque te enfrentas a las

preguntas más duras del ser humano, es la edad más existencialista, te lo cuestionas todo y de una forma muy extrema. Eso requiere tanta rebeldía como valentía y pasión. Por eso es una edad tan vehemente y tan dolorosa. Con esta obra queremos reivindicar la adolescencia y mirarla desde un lugar de interés, de empatía, no queremos juzgar ni subestimar, que es lo que hacemos normalmente. No en vano, la llamamos la edad del pavo... Claro. En el montaje estamos trabajando con la idea de unos personajes que se mueven en dos niveles, cuando tienen 16 y cuando tienen 22 años. Tienen dos edades y dos momentos, pero no lo contamos a través de flashbacks, sino con una estructura que superpone los dos tiempos. El objetivo es contar eso, que somos lo que fuimos, el adolescente que éramos está vivo, está en nosotros. ¿Con qué material estáis armando la obra? Todo el contenido nace de la realidad, todo en #malditos16 está basado en experiencias reales, bien de mi propia experiencia como educador, como profesor de instituto o colaborando con grupos de adolescentes en un hospital, y también con las experiencias de los

En librerías Fernando J. López no solo es un estupendo dramaturgo, un hábil comediógrafo y un profe de instituto al que sus alumnos adoran. También es un escritor que ha revitalizado la novela juvenil con temas muy candentes (la trilogía que conforman Los nombres del fuego, La edad de la ira y El reino de las tres lunas son best sellers en las aulas). Sus dos últimos títulos demuestran además que se mueve en otros terrenos igual de bien. Dilo en voz alta y nos reímos todos (Ediciones Martínez Roca), por un lado, es un cáustico acercamiento al día a día de un instituto, donde reciben por igual los profesores, los alumnos y los padres. Es mucho más que un anecdotario, es un motivo amable para reflexionar y para acercar posturas entre estos tres estamentos de la educación. Y El sonido de los cuerpos (Editorial Dos Bigotes) es una novela para adultos en forma de thriller intimista.

FOTO: marcosGpunto. Foto de ensayo #malditos16

propios actores. Luego hemos hecho talleres con expertos en varios temas que trata la obra: sobre transexualidad, violencia y sus secuelas, suicidio adolescente... Quería que fueran temas poco visibles, hablar de personajes y situaciones de los que no se suele hablar. ¿Qué relación tienen los protagonistas con el suicidio? Precisamente son cuatro adolescentes que han intentado quitarse la vida o, cuando menos, se han autolesionado y han sido internados porque suponían un peligro para sí mismos. Y con 22 años vuelven a ese hospital porque se les pide participar en una terapia con otros chicos y chicas que han pasado por ahí.

Queremos llamar la atención de familias y educadores, porque se nos están escapando muchas señales, aunque por otro lado es un canto vitalista, porque son historias de superación, son cuatro personas que se rompieron y han sido capaces de reconstruirse. Es tu cruzada personal en favor de los adolescentes... Es que la adolescencia comporta una gran fuerza. Al final, el mensaje que queremos lanzar es ese, que eres tan fuerte que te puedes reconstruir. Y en este contexto de crisis, ellos tienen que saber que son capaces de desarrollar sus propios mecanismos. Tengo mucha fe en ellos. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

#malditos16 A un mes y pico de su estreno ya habían agotado las entradas. El tema interesa, y mucho. Con dirección de Quino Falero y un elenco comandado por Rocío Vidal y David Tortosa, López disecciona la adolescencia actual. Teatro María Guerrero Del 25 de enero al 5 de febrero

apuntes sobre...

FOTOS: Vanessa Rabade

por Alberto Conejero

Todo el tiempo del mundo de Pablo Messiez Quiero reunir aquí —sin más voluntad que la de no fiar a mi memoria su salvaguarda— algunas de las ideas que me acompañaron en los días que siguieron a la representación de la obra de Pablo. No pretenden estas palabras ser una crónica y tampoco un escolio pergeñado a la sombra de ese animal quimérico que es el teatro. En este tiempo fiero en el que se nos ha dado vivir, sentimos más pudor compartiendo el

agradecimiento o la alegría que el enfado o la queja. Pero yo quisiera convertir esta página en una saludación al amigo y en una celebración del talento. Hay algunas obras que nacen con la voluntad de siempre, con la fiereza luminosa de pulverizar almanaques; Agamben distinguió entre las creaciones que son serviles con su tiempo —aunque sea desde el ruido y el escándalo— (modernas)

y las que abren una grieta en el corazón del presente: por extrañas, por desafiantes, por indómitas, por reclamar una intimidad exigente (contemporáneas). Para este último grupo ha nacido Todo el tiempo del mundo. Como afirma Juarroz, la poesía ahonda en la escala de lo real. No lo huye, no lo esquiva, no lo esconde. Así el teatro de Pablo. Lo he visto ensayar con ojos de niño inquieto, que es como miran los poetas aun desde la madurez. Lo he visto revindicar la alegría radical de juntarse para hacer teatro, celebrando el homo ludens que alguna vez fuimos y que necesitamos ser.

otro (porque la vida no entiende de taxonomías): nos arrastra de la sonrisa a la congoja, de la melancolía al festín de la vida. Flores, Anelo, Aurora, Doroty, Nené, Amelia y el Hombre que vino con la lluvia se convierten en nuestros propios visitadores. En uno de los monólogos más bellos que yo recuerdo en un teatro, uno de los personajes (Dorothy) habla así de este cuento que es la vida y que abandonamos apresuradamente dejando atrás sólo unos zapatos: “Dónde están las dueñas, las muertas. Todas las muertas que usaron que usarán estos zapatos. Este sitio (el mundo) es un cementerio de señoras. Qué otra historia hay que esa, qué otro hecho digno de ser contado. Sólo unas muertes. Unas muertes solas. Nos vamos muriendo todas. Eso es lo que pasa. Lo innegable. La verdad. Nos vamos muriendo todas“.

Nos vamos muriendo pero mientras tanto el teatro nos permite, de vez en cuando, suspender esa muerte, asomarnos a un estallido de pura vida

Como la función va a girar (y ojalá regrese a Madrid) no voy a anticipar el sortilegio que dispone. Pero en esta obra Pablo, como escribió Lorca “trae la luz viva de las horas viejas”. Como Así que pasen cinco años, la obra es una leyenda del tiempo y también del sueño. Pero si en la obra de García Lorca las edades de un hombre se despliegan para interrogarse sobre el amor postergado, aquí Flores, el zapatero protagonista, se encuentra cada noche con la fantasmagoría de los deudos. Para saber quiénes pudimos ser y no fuimos pero no podremos nunca dejar de ser. Para reconocernos en nuestros padres, nuestros abuelos. Para entender que una muerte es siempre la misma muerte y que quizá el amor es siempre el mismo amor repartido entre los cuerpos. Pablo se maneja como un funámbulo de un género a

Nos vamos muriendo pero mientras tanto el teatro nos permite, de vez en cuando, suspender esa muerte, asomarnos a un estallido de pura vida. La única forma de eternidad de la que disponemos. Gracias, Pablo, y gracias a Íñigo RodríguezClaro, María Morales, Javier Lara, Carlota Gaviño, José Juan Rodríguez, Mikele Urroz y Rebeca Hernando. Una vez al menos tuvimos todo el tiempo del mundo.

acertada adaptación por Sergio Díaz

FOTOS OBRA: Sergio Parra

El camino incierto de la franqueza La flaqueza del bolchevique fue el comienzo de muchas cosas. Y la consecuencia de otras. Para Lorenzo Silva, el hombre que creó el texto, fue el espaldarazo necesario para saber que podría dedicarse a la escritura el resto de su vida. Era su tercera novela (1997) y con ella quedó finalista del Premio Nadal. Cuando la novela se llevó al cine (2003) descubrimos por primera vez el rostro angelical de María

Valverde, una actriz que ya a sus 16 años nos cautivó. Y nos cuadraba perfectamente que Luis Tosar perdiera el control de su vida por ella. Un Tosar al que ya habíamos descubierto en Los lunes al sol, y esa interpretación tan cruda y real le llevó a protagonizar este film en un papel que bordaba, como casi todo lo que ha hecho este pedazo de actor al que tengo muchas ganas de ver en teatro.

La flaqueza del bolchevique fue la primera vez que tuve una cita con alguien que ha sido muy importante en mi vida. Cuando se estrenó (2003) yo tenía veintipocos años y el cine era una buena excusa para poder quedar con alguien que te gustaba (después ya he preferido el teatro). En aquellos años también estaba completamente subyugado por el ‘rock transgresivo’ que marcó a algunos de mi generación. Y que las canciones de mi grupo favorito de entonces -y de siempre-, Extremoduro, fuesen la banda sonora de una película de cine, de esas que se podían ver en pantalla grande, era algo que no me podía ni imaginar cuando rebobinaba sus cintas de cassette con mi boli (aunque ya habían aparecido en Barrio y El día de la bestia, pero yo desconocía eso). Perdonen mis motivos tan prosaicos, pero sólo por eso le tengo tanto cariño a este título.

Versión teatral

Y la última pata que faltaba por fin vio la luz la temporada pasada (si ya la toman como hilo para hacer un musical de Extremo me podría morir tran-

quilo). K Producciones se embarcó en llevar a cabo este proyecto que ya estaba tardando en hacerse. Incluso el propio Lorenzo Silva siempre ha manifestado que cuando escribía su obra pensaba en que tenía mayor posibilidad de ser llevada al teatro que al cine debido a la gran cantidad de reflexiones en primera persona que contiene. Pero Manuel Martín Cuenca fue el más rápido y llegó a los cines primero. Como tantas veces. Tras haber estado durante un tiempo en el Teatro Lara y haber girado por nuestro país, ahora llega a los Teatros Luchana la versión teatral protagonizada por Adolfo Fernández, un actor que nunca me ha decepcionado en todos los trabajos en los que le he visto. Es el director de la obra, junto a David Álvarez (el encargado también de la adaptación) y da vida a Jaime. Susana Abaitua le acompaña sobre el escenario dando vida a Rosana, la joven nínfula que hace que el maduro Jaime pierda la cabeza. Han pasado muchos años y las emociones no son las mismas que cuando vi la película, pero la obra en teatro sigue mereciendo la pena. Por las

magníficas interpretaciones de Adolfo y Susana y porque el texto siempre deja huella. Siempre conviene reflexionar sobre las consecuencias que puede tener cualquiera de nuestros actos, por pequeños que sean. Es un magnífico texto sobre la venganza, la mala hostia, la desesperanza, la obsesión... Un retrato construido con un sentido del humor tremendamente mordaz y cáustico sobre la sociedad que nos rodea. Un grito sincero ahogado por la soledad. Una posible luz al final del túnel. Una luz vestida con falda de cuadros.

La flaqueza del bolchevique David Álvarez ha adaptado para el teatro la novela de Lorenzo Silva, en una obra protagonizada por Adolfo Fernández y Susana Abaitua Teatros Luchana Desde el 13 de enero

tres mujeres kamikazes por Álvaro Vicente

Juicio a una zorra Carmen Machi es Helena de Troya a las órdenes de Miguel del Arco, en una revisión del mito clásico que él mismo escribió El Pavón Teatro Kamikaze Del 12 al 29 de enero FOTO: Sergio Parra

Repertorio de voces femeninas Lo bueno de Kamikaze Producciones es que tienen un repertorio envidiable. Cuando se hicieron con la gestión -junto a Jordi Buxó- del Pavón nos empezamos a frotar las manos ante la posibilidad de volver a ver obras que -a la vista estásiguen interesando y ganando nuevos públicos. Es el caso de Juicio a una zorra, que supuso la ocasión perfecta para disfrutar del inmenso talento de una de nuestras grandes actrices: Carmen Machi. Un monólogo visceral, magnético, dionisíaco, en el que da vida a la mujer más hermosa que ha pisado la Tierra, ella que está tan lejos de los cánones

absurdos de belleza de esta era frívola de la Humanidad. Helena de Troya desencadenó la guerra más célebre de la antigüedad y fue una de las mujeres más vilipendiadas de la Historia. O eso dicen las crónicas oficiales. Pero lo único que hizo fue tomar la decisión de amar a un hombre por encima de todas las cosas. “Esta noche las palabras que den forma a los hechos serán las mías”, explica Helena, no las de los hombres poderosos obsesionados con la posteridad y la riqueza. Merecedora de los premios Ercilla y Valle-Inclán, la interpretación de Machi aquí habría que enmarcarla.

Leyendo Lorca A los 80 años del asesinato del poeta, Irene Escolar le homenajea con un portentoso recital El Pavón Teatro Kamikaze Hasta el 24 de enero

Palabras como balas en dos diatribas furibundas escritas por Pascal Rambert e interpretadas por Bárbara Lennie e Israel Elejalde El Pavón Teatro Kamikaze Del 13 de enero al 3 de feb.

Amor y mujer

Tanto Juicio a una zorra como Leyendo Lorca forman parte de un programa especial de El Pavón Teatro Kamikaze, Femenino plural, que arrancó en noviembre y que, completándose con charlas, conferencias y otras citas participativas, ha querido poner a la mujer en el centro de todas las miradas, con idea de luchar contra la discriminación y promover el intercambio de ideas sobre igualdad de género y el empoderamiento femenino. En Leyendo Lorca, Irene Escolar nos regala un puñado de fragmentos (de Bodas de sangre, de Doña Rosita la soltera, Yerma, Sonetos de amor oscuro o El público) con el amor y la mujer como hilo argumental, sin artificiosidad, valiéndose tan solo de un atril y su presencia. Pura esencia.

Devastadora crónica de un final

Y puestos a ver actrices en esplendor, brillando como faros catárticos sobre el escenario, la posibilidad de volver a vivir La clausura del amor de la mano de Bárbara Lennie (y de Israel Elejalde) es, sencillamente, un privilegio. Se puede estar más o menos de acuerdo con la visceralidad de la propuesta, pero lo que está claro es que cualquiera que tenga un corazón latiendo dentro de sí vibrará con esta devastadora crónica de una separación. Dos cuerpos atravesados por el dolor, la rabia, la crueldad y la pasión para dibujar con palabras un final, para interpretar la sinfonía del desamor, para desarmar aquello que nació con visos de eternidad. Y todo a pelo, bajo la sofocante luz blanca de un montón de tubos fluorescentes.

FOTO: Josep Aznar

La clausura del amor

intercity Madrid

La Feria de Artes Escénicas de nuestra ciudad nació hace trece años impulsada por ARTEMAD (Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de Madrid) en asociación con COFAE (Coordinadora de Ferias y Artes Escénicas del Estado español) y con el patrocinio de la Comunidad de Madrid y el apoyo del INAEM y el Ayuntamiento de Madrid. La iniciativa vino a cubrir la ausencia de un foro en el que los agentes implicados en el sector pudieran reunirse para abordar la actualidad de las Artes Escénicas y mostrar nuevos proyectos y producciones. Lo cierto es que resultaba extraño que Madrid, principal motor de exhibición, no albergara una cita de estas características hasta entonces y por eso a MADferia no le costó convertirse en un evento imprescindible para el ámbito cultural de ésta ciudad. La feria, que tendrá lugar del 17 al 20 de enero en las salas de Matadero y Cuarta Pared, combina cada año en su programación una serie de actividades orientadas a profesionales con la exhibición de proyectos. Entre las novedades de esta edición están algunas nuevas actividades como la rueda de negocios,

que consiste en una serie de encuentros breves entre programadores -locales e internacionalesy compañías, con el fin de establecer vínculos laborales y comerciales entre ellos. Además, se contará con la presencia de invitados internacionales, gracias a la colaboración de la AC/e, quienes participarán de actividades organizadas por COFAE y asistirán a los espectáculos de la feria. La búsqueda del fomento del diálogo y la reflexión entre los profesionales se abordará también en actividades paralelas como un taller de formación sobre email marketing, la presentación de proyectos de diferente índole o jornadas de reflexión. En cuanto a la parte de exhibición, la programación cuenta con 16 espectáculos de teatro, danza y circo, con énfasis en los nuevos lenguajes escénicos y las creaciones contemporáneas. Procedentes de Madrid, Cataluña, Galicia, Valencia, Andalucía y La Rioja, las compañías esperan cautivar a los programadores asistentes a MADferia, con el objetivo de que sus espectáculos sean incluidos en las programaciones de sus espacios escénicos. Toda la información en: www.madferia.com

40 años de una institución ejemplar por Álvaro Vicente

“Un nou teatre per a un teatro nou” “Íbamos Fabià y yo caminando por el Paseo de Gràcia y nos encontramos con un compañero de mili de Fabià que le dijo: oye, te puedo pedir un favor. Sí. Mira, es que mi suegro es presidente de la cooperativa obrera La lealtad y tienen un local donde antes hacían teatro. Luego lo transformaron en sala de baile, pero ahora la gente va a las discotecas y no saben muy bien qué hacer... ¿por qué no vais a verlo, por si se os ocurre algo? Y cuando llegamos allí fue como si se nos apareciera la virgen de Lourdes”. Esta, diríamos, es la anécdota seminal del Teatre Lliure, contada por Lluis Pasqual que, junto a Fabià Puigserver, Pere Planella, Carlota Soldevila o Lluis Homar, dieron vida a lo que hoy es un referente absoluto del teatro catalán y español, que abrió sus puertas en diciembre de 1976 con la obra Camí de nit, 1854 en la calle Montseny, 47, en el barcelonés barrio de Gràcia.

Ser normales

En aquel efervescente 1976, recuerda Pasqual, en un tiempo en el que la palabra libertad tenía tantas connotaciones, “en realidad lo único que pretendíamos era ser normales. Esto ahora suena raro, pero cuando tienes que pasar la censura, cuando estás hasta los huevos de hacer obras que ocurren en un país imaginario, con un dictador imaginario que oprime a un pueblo imaginario, dices basta, yo quiero hacer un Shakespeare sin que parezca que con Romeo y Julieta no estoy queriendo matar a Franco. Queríamos normalidad nosotros y el público. Ser normales era lo más difícil

de conseguir entonces, en lo creativo y en la relación con el público”.

Puigserver y el espacio escénico

Aquel espacio felizmente hallado terminó por determinar una nueva relación del hecho escénico con el espectador. Y en eso tuvo mucho que ver el escenógrafo Fabià Puigserver. Ahora, como espectadores, nos parece muy normal tener a los actores a un metro de nosotros, a nuestro nivel, trabajando con elementos y materiales que más que mostrar, sugieren. Pero entonces supuso toda una revolución. “El espacio creó sus propias reglas -rememora Pasqual- y esas reglas influirán en todo, en la interpretación, en el vestuario, en la dramaturgia...” El Lliure realmente inauguró muchos caminos en el teatro catalán y español, en lo creativo, como vemos, pero también en la gestión. Su vocación fue siempre la de ser un teatro público, entendido en un sentido muy profundo, tratando de que, una vez convertido en fundación, todas las administraciones aportaran su grano de arena sin que ninguna fuera preponderante. Hoy, con Lluis Pasqual de nuevo al frente y con el recuerdo siempre vivo del que fue y es el alma del proyecto, Fabià Puigserver (que murió de sida en 1991, poco después de presentar la segunda sede de Montjuic), celebra cuatro décadas con un pie también en Madrid, donde veremos en febrero dos producciones estrenadas allí en esta temporada de celebración: La quinta del biberón en el Teatro María Guerrero y Las bodas de Fígaro en el Teatro de la Comedia. Seguiremos informando.

El Palau de l’Agricultura, construido para la Exposición Universal de Barcelona de 1929, se convirtió en segunda sede del Lliure en 1991. Debajo, dos fotos de Ros Ribas: la sala del Lliure de Gràcia, donde nació el proyecto de la mano, entre otros, de Fabià Puigserver y Lluis Pasqual (en la foto inferior). Los carteles son de la obra que inauguró el teatro en 1976 y de otra de 1982.

un sabio del teatro por Álvaro Vicente

Krystian Lupa

“El gobierno polaco actual tiene las mismas ideas respecto al arte que los nazis”

Con el montaje de Ante la jubilación, el director polaco vuelve a Bernhard, autor que conoce como la palma de su mano. Pudimos asistir a su estreno mundial en el Festival Temporada Alta de Girona y allí tuvimos la ocasión, irrechazable, de charlar con este pope del teatro europeo. No solemos hablar de las obras que están en cartel en Barcelona, pero por ésta vale la pena una escapada a la capital catalana. No podemos desaprovechar esta ocasión para preguntarle por la situación política y cultural en Polonia, que con la llegada de la ultraderecha ultranacionalista y ultracatólica al poder, se está viendo sacudida. Pues se vive de una manera casi física. La gente que es sensible, ve y sabe hasta qué punto es difícil respirar en un país en el que no existe la libertad de pensamiento principalmente; hasta qué punto el nivel que alcanza la mentira lo infecta absolutamente todo. La peor miseria humana sale de los gestos públicos de los políticos. Cuando estamos en un país ‘normal’ no lo percibimos, pero al volver a Polonia nos damos cuenta de la dimensión que alcanza esta amenaza. Esto provoca directamente que uno tenga ganas de huir de inmediato, porque los artistas cada vez tienen más reducido el campo de actuación y hay una devaluación del trabajo y los mensajes de los artistas. Es una situación terrible, el gobierno polaco actual tiene unas ideas respecto al arte muy parecidas a las de los regímenes fascistas, a las de los nazis, donde se tiene que

volver a dar preponderancia a los mitos nacionales de una manera completamente idealizada. Los responsables de las instituciones culturales más vanguardistas están siendo sustituidos por nuevos equipos que tienen entre sus funciones enarbolar la bandera de la patria y de dios. Y todo esto a través de formas muy kitsch. ¿Se ha planteado seriamente la idea de abandonar Polonia, al menos culturalmente? De alguna manera podríamos decir que este exilio cultural ya ha tenido lugar en mi caso, porque después de terminar mi colaboración con los teatros con los que podía colaborar a causa de esos cambios en las direcciones artísticas, ya no voy a poder trabajar allí. Hay algunas obras mías que todavía siguen girando, pero ya no creo que vuelva a dirigir mientras la situación sea la que es. El hecho de montar Ante la jubilación, ¿tiene que ver con la situación política europea, en la que asistimos al ascenso y mayor protagonismo de la extrema derecha? Quizás tiene más sentido ahora que cuando Bernhard la escribió (1979). El director de Temporada Alta quería que hiciera este texto de Bernhard y al principio, al volver a leerla, me parecía que los signos de esta obra eran demasiado persistentes y torpes, demasiado evidentes. Pero después de montar en Vilnius La plaza de los héroes, también de Bernhard, de pronto descubrí otra actualidad de Ante la jubilación y acepté la propuesta de Temporada Alta. Estoy muy satisfecho de haber emprendido este viaje, porque he comprobado que la obra está llena de misterios, es como cuando entras en una cueva y no ves nunca el

FOTOS: Felipe Mena

final. Empezamos a escarbar y vimos que no solo podíamos hacer las alusiones al nazismo alemán que hace la obra, sino también al fascismo español y al fascismo creciente en Polonia. Los textos de Bernhard son muy esqueléticos y entre actores y público deben llenarlos de músculo, de víscera, de emoción. ¿Cuál es el papel del director en ese tránsito del hueso a la emoción? Si atendemos solo a lo que dicen los personajes, nos quedamos en lo superficial, porque Bernhard, como Beckett, a quien admiraba, hace hablar mucho a los personajes, pero todo aquello que es importante, lo crucial, queda silenciado. Entramos en diferentes estructuras de la mentira alrededor de todo lo que en el fondo queda silenciado.

Tenemos que atender especialmente a lo que esconden las réplicas de los personajes, no a lo que dicen. Hay que hacer toda una pesquisa casi detectivesca, tenemos que mirar a esos tres hermanos de la obra y descubrir lo que Bernhard camufla, las mentiras inconscientes de los personajes. ¿Necesitan los actores bucear en el fascista que todos llevamos dentro para poder dar relieve a esos personajes? Lo que tuvimos que hacer fue profundizar en estos personajes hasta entenderlos y amarlos. Al fin y al cabo, es gente que se siente perjudicada por el mundo, por la opinión general, que no les deja ser como son. Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

Davant la jubilació (Ante la jubilación) Retrato descarnado de una familia intoxicada por el nazismo, a la que dan vida Marta Angelat, Mercè Aránega y Pep Cruz bajo la batuta del gran Krystian Lupa. Teatre Lliure (Gràcia) Del 13 de enero al 5 de febrero

cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo

Charlie Under

“De pronto, el lado absurdo de la vida ha vuelto para dar un golpe de estado” Lleva el humor en la sangre. Charlie Under siempre ha mostrado devoción por el ‘stand up comedy’ y tenía la certeza de que compartiría sus propias historias desde el escenario. Y así, paso a paso, ha irrumpido en la escena. Es un claro ejemplo del “quien la sigue, la consigue”, aunque el camino no sea fácil. Lo comprobamos en el documental Buscando la comedia, un canto de amor al oficio de ser cómico. Bienvenido a Godot.

¿Cómo te presentarías para quien no te conozca? Hola, ¿qué tal? Soy Carlos, un placer... Es que soy muy educado. (Risas.) Soy una persona desorganizada y dispersa, tengo imágenes mentales fuertes que hacen parecer que vivo en un mundo paralelo. Necesito mi espacio de una forma obsesiva. ¿Qué andas tramando? Tengo próxima la grabación en Comedy Central de mi monólogo, que se llama Mi generación. Lo llevo probando un año. Estoy terminando de cerrar mi show Generación perdida, que es más grande que yo. Espero que alguien se lo encuentre en algún momento y ya elija si amarme... o cagarse en mí.

¿Cómo encuentras el lado cómico de la vida y cómo es tú día a día? Creo que vivo en él. Acabé en la comedia porque no puedo evitar abrir los ojos debajo del agua, aunque escueza. ¿Sabes eso que tanto miedo te da pensar en ello? Para mí, ahí está tu comedia. ¿Vivimos buenos tiempos para la lírica humorística? Sin ninguna duda. Vivimos una absoluta crisis económica, social y de valores… Nadie lee filosofía porque no cabe en 140 caracteres. Somos una generación nacida en el mundo de las piruletas y venida a menos. De pronto, el lado absurdo de la vida ha vuelto para dar un golpe de estado.

Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.

¿Es difícil ser cómico, empezar en este mundo, hoy en día? No es difícil ser cómico. Creo que o eres cómico o no lo eres. Pero si lo eres... hay que trabajar mucho para hacer comedia de calidad. Lo difícil es tener unos ingresos que te sustenten y que sea solo de la comedia. A veces te tienes que debatir entre ser buen cómico o un cómico que funcione. El humor para ti es... Tragedia. Me gusta la expresión que dice “El humor es mirar el mundo sin cristales de colores”. Una forma de afrontar el mundo. En mi caso, el camino de intentar darle un sentido a todo. Me considero una persona muy sensible y con la comedia le planto cara a la muerte, al sufrimiento y a la ansiedad de no saber qué coño hacemos aquí. El humor es un arma. Y la comedia es un arte. El teatro y la cultura hoy son… ¡Buf! que pregunta más difícil. Siempre que hablo de teatro o cine me da miedo descubrir que vivimos en un eterno bostezo. El que arriesga rara vez encuentra la luz. Me impresiona ver que el buen teatro está secuestrado en las salas pequeñas. A veces tengo la sensación de que todo el arte gira en torno a la tienda de regalos que hay a la salida del museo. ¿Qué y quiénes te hacen reír?

Todos mis compañeros. El ‘stand up comedy’, cuando está hecho desde el corazón y las tripas, me hace reír muchísimo. ¿Nombres? Coged Comedy Central y descubridlo. También me gustan Yllana, Ron Lalá, Jamming o Teatro Envilo. Me hacen sentirme orgulloso de hacer comedia. Tu mejor chiste… Mi mejor chiste estará por escribirse, espero. Para mí, el mejor chiste no es el que hace reír, sino el que le da la vuelta al mundo del espectador, y siente tanta tensión que se tiene que reír para liberarla. El “No entiendo que me esté riendo de esto”. Un teatro o lugar para reír a carcajadas. De Madrid o del mundo entero. Cualquier lugar donde haya un escenario, poca luz para el público, olor a cerveza y que no haya máquinas que suenen durante el show. Un mensaje a los lectores de Godot y teatreros del mundo, amigo… Muchas gracias por apoyar el teatro. Gracias a ti y a todos los que trabajáis para continuar con este oficio. El teatro nos honra como seres humanos lo que tantas veces se pisotea con dinero. Y a los lectores, que continúen yendo al teatro. A mí me encantaría poder ir a ver sus profesiones y aprender, como ellos pueden hacer con la nuestra.

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

abriendo boca musical por Sergio Díaz

llega la tercera edición de inverfest, el festival de música del price Escribo esto ahora que acaba de entrar el invierno. Cuando cada día que nace le vamos ganando un minuto a la oscuridad. A partir de ahora ya sí vale pensar en el verano. Y el verano es luz, mar, noches cálidas y eternas y música. El verano sobre todo es música. Y en los distintos veranos de mi vida es donde yo me he podido reencontrar con Xoel y su acento galego cantándome eso de “El amor no es lo que piensas, el amor no es lo que piensas”; con el magnético Shuarma cabalgando a sus Elefantes y susurrando “Deseo, Mi cuerpo se ha convertido en deseo, deseo de tocarte a todas horas, deseo de tenerte junto a mi”; con la belleza de la gaita de Carlos Núñez que te conecta con algo muy profundo de ti

mismo; el duende de Miguel Campello y Carmen Linares cantando juntos en Tuyo; la caña que le meten los adolescentes de Furious Monkey House (que ni te esperas la rabia de estos chavales); todas las canciones que resumen el indie-pop de una vida de La Habitación Roja; o el trance en el que te meces con esa mezcla maravillosa de la electrónica de Ale Acosta y la mágica voz que tiene Nita y que te hace volar -casi literalmente vuelas con Fuel Fandango-, con quienes viví una de las mejores experiencias de mi vida y sin tomar ningún tipo de estupefaciente. Y esos son algunos de mis veranos. Pero afortunadamente no hay que esperar tanto para poder revivir esas mismas sensaciones…

Inverfest

LA HABITACIÓN ROJA. 12 de enero a las 20h30 CARLOS NÚÑEZ. 13 a las 21h MIGUEL CAMPELLO. 14 a las 21h JOSÉ MERCÉ. 19 a las 21h FUEL FANDANGO. 20 a las 21h ELEFANTES. 21 a las 21h JAMES RHODES. 22 enero. XOEL LÓPEZ. 25 a las 21h CARMEN LINARES. 26 a las 21h THE NEW RAEMON & MCENROE. 27 a las 21h THE GIFT. 28 de enero a las 21h

CMY

Música para el invierno

El Teatro Circo Price nos ofrece, del 12 al 29 de enero, la tercera edición de Inverfest. En su carpa, en el corazón de Madrid, damos la bienvenida al nuevo año con música y propuestas culturales para todo tipo de públicos. Y es que son muchos los palos musicales que se abordan en este festival, para que nadie se sienta excluido. Además de los ya mencionados, que es la música que yo he podido disfrutar alguna vez en directo -con lo especial que es eso-, podremos disfrutar

también con la poderosa voz de José Mercé, el talento de James Rhodes al piano, el pop-rock de The Gift o el indie más actual con The New Raemon&Mcenroe. Y para toda la familia, para captar a los New Rockers, vendrán Chumi Chuma, Muchachito, The Pinker Tones, Flamenquillos... Inverfest es el ciclo donde se estrenan giras y trabajos discográﬁcos que anticipan el panorama musical del 2017. Porque en invierno también tenemos hambre y ganas de música en vivo.

Los conejos Quizá la figura más llamativa, a

nivel de vestuario, de El Público son esos conejos ensangrentados. La idea partió de la estética de Álex Rigola y su gusto, según explica Silvia, por los peluches y los muñecos. “Había una mezcla de inocencia, pureza de la representación, en cierto modo, de la masculinidad, algo que compartía con el personaje del centurión”. Pero quisieron pervertir la imagen dulce y cándida del muñeco añadiendo dos elementos: la sangre y un bate de béisbol. Recrearon, sobre el escenario, una pesadilla infantil.

“Inteligencia dramática y nervio teatral” ABC

“Interpretación portentosa”

“Una Lolita deliciosa”

TIME OUT

EL MUNDO

“Teatro de alta tensión y fascinante sensualidad” CULTURAMAS

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Inverfest: New Rockers

THE PINKER TONES. 15 a las 12h FLAMENQUILLOS. 21 a las 12h SOLO MUCHACHITO & SANTOS VERACRUZ. 22 a las 12h CHUMI CHUMA. 29 a las 12h FURIOUS MONKEY HOUSE. 2 9 a las 18h