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Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero
Dirección Ernesto Caballero
In memoriam La quinta del biberón Texto y dirección Lluís Pasqual La Kompanyia Lliure
Producción Teatre Lliure y Temporada Alta-Festival de Tardor de Catalunya Girona/Salt
Reparto (en orden alfabético) Joan Amargós Enric Auquer Quim Àvila Eduardo Lloveras Lluís Marquès Joan Solé
Del 22 de febrero al 12 de marzo
Músicos Oriol Algueró Isaac Bachs Marc Díaz Dani Espasa Robert González Guillermo Martínez Joan Palet Ricart Renart
Teatro Valle-Inclán
Las brujas de Salem
de Arthur Miller
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Adaptación teatral Eduardo Mendoza
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Dirección Andrés Lima
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Reparto (en orden alfabético) Míriam Alamany Nausicaa Bonnín Marta Closas Borja Espinosa Miquel Gelabert Núria González i Llausí José Hervás Lluís Homar Carles Martínez Anna Moliner Nora Navas Albert Prat Carme Sansa Yolanda Sey Joana Vilapuig
Del 20 de enero al 5 de marzo 2017
Producción Centro Dramático Nacional Teatre Romea y Grec 2016 Festival de Barcelona
Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva
Los Gondra (una historia vasca) de Borja Ortiz de Gondra Dirección Josep Maria Mestres
Reparto (en orden alfabético) Marcial Álvarez Sonsoles Benedicto María Hervás Iker Lastra Borja Ortiz de Gondra Francisco Ortiz Juan Pastor Millet Pepa Pedroche Victoria Salvador Cecilia Solaguren José Tomé
Del 18 de enero al 19 de febrero 2017
Producción Centro Dramático Nacional Colabora Instituto Etxepare Colabora:
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editorial
La alegría Si me pidieran una palabra para describir la noche en la que entregamos los II Premios Godoff en los Teatros Luchana, esa sería ALEGRÍA. No sería dificultad, sino alegría. No sería desconfianza, sino alegría. No sería cansancio, sino alegría. Preparar esa fiesta fue difícil, minó en ocasiones nuestra confianza y contribuyó al cansancio, no lo vamos a negar, pero la noche del 31 de enero transformó todos esos posos difusos en luz, risa y alegría. Sentir el abrazo común de una gente casi obligada a trabajar de espaldas unos de otros, en un mundo que apunta a la disgresión social para evitarle al poder cualquier tipo de ‘amenaza’ organizada desde abajo, dota de un sentido mucho más profundo a lo que en principio es una mera entrega de premios. Ya lo vimos el año pasado, en la primera edición, pero no fuimos conscientes dada la naturaleza festiva y underground del pequeño evento. Este año se ha sentido mucho más claramente la contentura de la cohesión, la felicidad de la semejanza profesional, la ventura del hermanamiento. Quizás al día siguiente uno sienta que no ha sido más que la reunión de 300 cenicientas, pero encontrarse con los que son como tú, los que aman y desean como tú, los que se ahogan en desvelos creativos como tú, los que se arremangan para sacar adelante un sueño artístico como tú, los que sufren las mismas adversidades que tú, los que luchan en las mismas trincheras que tú... encontrarse y compartir la alegría de la existencia común es el premio que nosotros nos llevamos, casi como testigos privilegiados, desde la atalaya de un pequeño medio de comunicación que quiere reconocer su talento y su valor y contar lo que hacen esos locos y esas locas entrañables. Premio de amor y alegría.
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sumario humor.4 demonios.6 eduard fernández.10 dramaturgas.14 las XL.18 festival de magia. 20 orlando.21 acto primero.22 la ribot.24 estrenos.27 argentina en madrid.32 el lliure en madrid.34 billy budd.38 la villana.39 cómic.41 cómicos.42 foto portada:
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Javier Jimeno
Revista Godot Artes Escénicas
EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. DIRECCIÓN Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com, David Hinarejos DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO Rubén Embrujo COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Ka Penichet, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual, Lucas Cavallo. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.
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Flora y Fauna de las Artes Escénicas Lo que hacen los actores antes de salir a escena Actori cagati Fumar
Pipí-popó
Desesperarse
Hacer misticadas
Fumar Actori cagati nicotinae
Pipí-popó Actori cagati literal
En los camerinos no se puede debe fumar pero no son pocos los que se encaraman hasta un ventanuco y, asomados como presos, dan unas caladas que consideran tranquilizadoras.
Descargar relaja, el cuerpo lo sabe, por eso cuando el cuerpo siente nervios, ¿qué mejor manera de calmarlos que evacuar por delante o por detrás?
Desesperarse Actori cagati en tu pxtx mater Gritar, llorar, insultar, sufrir, en definitiva, muchísimo e intensamente es un recurso muy propio de actores pelma, que requieren esas estridencias para salir a escena llenos de confianza.
Hacer misticadas Actori cagati stupendi Frente a los anteriores, que necesitan de grandes gestos y voces para prepararse, éstos lo hacen con un mutismo oriental, practicando tai chi, quemando incienso y/o viajando a la parte de atrás de su conciencia, donde quiera que quede eso.
Andrea Espier www.andreaespier.com Andrea Espier Ilustración Luis Felipe Blasco Vilches www.editorialactoprimero.com/luis-felipe-blasco-vilches @LuisFelipe_BV
TEMPORADA 2016/17
HOMENAJE
TOMAŽ PANDUR
HOMENAJE
TOMAŽ PANDUR
SALA MARGARITA XIRGU
Mujer no re educable
Fausto
Inmaculata
BASADA EN LA OBRA DE J.W. GOETHE
BASADA EN LA OBRA DE COLM TÓIBÍN
DRAMATURGIA Y ADAPTACIÓN LIVIJA PANDUR
ADAPTACIÓN LIVIJA PANDUR Y TOMAŽ PANDUR
DE STEFANO MASSINI
DIRECCIÓN TOMAŽ PANDUR
DIRECCIÓN LIVIJA PANDUR
INTÉRPRETE MÍRIAM ISCLA
Obra en esloveno con sobretítulos en español
Obra en esloveno con sobretítulos en español
2 — 5 feb
10 — 12 feb
SALA PRINCIPAL
SALA PRINCIPAL
DOS PIEZAS DOS
DIRECCIÓN LLUÍS PASQUAL
9 — 26 feb SALA PRINCIPAL
DOS PIEZAS DOS
SALA PRINCIPAL
SALA PRINCIPAL
Caída del cielo
La armonía del silencio
Vientos de levante
UN ESPECTÁCULO DE ROCÍO MOLINA
ESCRITA Y DIRIGIDA POR LOLA BLASCO
TEXTO Y DIRECCIÓN CAROLINA ÁFRICA
22 — 23 feb
25 — 26 feb
CO-DIRECCIÓN ARTÍSTICA CARLOS MARQUERIE
16 — 18 feb Síguenos en
teatroespanol.es
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libertad de elección por Álvaro Vicente
El perverso substrato del individualismo El dramaturgo sueco Lars Norén (Estocolmo, 1944) escribió Demonios en 1982, pero podría estar escrita la semana pasada. Algo de lo que supuso la década de los 80 en lo social y en lo filosófico en cuanto a revisión de ciertos estamentos como el matrimonio, la familia, la libertad sexual, etc., está emparentado con nuestros días, en los que también estamos cuestionando, “más profundamente que nunca”, en opinión de Julián Fuentes Reta, director de este montaje, “el lugar de lo masculino y lo femenino y si es real esta sociedad libre y democrática que nos han vendido. Ahora somos más cínicos que en los 80 y estamos más desencantados, porque ellos decían estar desencantados y se metían heroína, pero ahora ya ni eso, ya ni droga, ya todo nos da bastante igual”.
La pareja, género en sí mismo
Fuentes Reta asume la dirección de un montaje que parte de la pareja como arquetipo que contiene en sí mismo el reflejo de la sociedad. Como dice Paola Matienzo, que además de ser una de las actrices de la función, la produce, “Lars Norén es muy social y todas sus obras
FOTOS DEL REPORTAJE Y PORTADA: Javier Jimeno
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Además de ser el nombre de una sala muy consolidada del Off madrileño, que lleva 6 años funcionando en el corazón del barrio de Chueca, AZarte es también el nombre de la compañía comandada por Paola Matienzo e Isidro Romero, cuyas producciones no han parado de crecer en número, calidad y presencia en los escenarios de esta ciudad y del resto de España (buen ejemplo de ello es Roma, de Paco Mir, que tantas alegrías les ha traído). Con Demonios asumen la que probablemente es su producción más ambiciosa, una obra que, en palabras de Paola, “es un viaje brutal para los actores, porque los personajes son tan violentos como vulnerables”.
apuntan en esa dirección. Me sentí muy identificada con los personajes de esta obra por cómo están parados ante los otros y ante la sociedad. Lo que les sucede, aunque es a nivel pequeño, se da igual en
parejas. Por un lado están Katarina y Frank, interpretados por la propia Matienzo y por Alberto Berzal. Son una pareja moderna que vive en un piso moderno de una moderna ciudad. No quieren ni oír hablar de tener hijos. Pero tienen unos vecinos, Jenna y Tomás (Ruth Díaz, más que probable ganadora de un Goya este año por su extraordinario papel en la peli Tarde para la ira de Raúl Arévalo, y David Boceta), que tienen pinta de ser una pareja más convencional, al menos porque sí han decidido ser padres y serlo de una manera entregada y voluntariosa.
“Estamos mucho más desencantados que en los 80. Entonces se metían heroína. Ahora ya ni eso” el mundo entre los países y entre las culturas diferentes”. Porque el texto de Norén plantea el enfrentamiento entre dos parejas entre sí y, a su vez, el enfrentamiento entre los miembros de esas dos
“El encuentro entre ambas parejas”, nos cuenta la actriz, “servirá para mostrar las sombras de cada uno de los personajes”. “La obra va a la yugular”, añade el director. “Mete todas las posibilidades que da la supuesta libertad de elección en una túrmix y... aquello peta”.
Entrando en el inconsciente colectivo
La madre de Frank acaba de morir y él regresa a su casa de diseño con las cenizas de su progenitora en una bolsa. Junto a su mujer, Katarina, Frank espera a su hermano, pero éste ha decidido no venir finalmente. Frank y Katarina saben que en una situación así, con el nivel de toxicidad que acumula su
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relación, quedarse solos es una nueva ocasión para convertir la casa en un campo de batalla, así que deciden invitar a los vecinos de abajo, lo que ellos consideran una pareja ideal. La obra pone sobre la mesa, con este planteamiento inicial, una reflexión y una revisión de cómo se relacionan en pareja los hombres y las mujeres, cómo nos relacionamos con nuestros padres cuando somos ya adultos, o cómo se educa a los hijos en nuestra época. “Cada uno tiene su mundo”, apunta Fuentes Reta, “que es lo que nos han vendido. Tú eres un individuo único, eres especial y necesitas estas zapatillas y tal. Pero cuando accedes al substrato del inconsciente colectivo, sobre todo en pulsiones que tienen que ver con el poder,
la muerte o la sexualidad, esto de que somos únicos es bastante rebatible. Rascando rascando, la obra da con ese planeta enorme que hay debajo del individualismo, esa zona que nosotros llamamos atávica, donde las pulsiones estallan con violencia devastadora. Empezamos desde ese marco social pero llegamos a un mundo en el que vemos que no hemos cambiado tanto”. El director reconoce que hacer este tipo de teatro y verlo, es placentero y liberador, porque vivimos en represión constante en pos de la democracia y de esa libertad que termina donde empieza la mía. Los dramaturgos nórdicos, con la herencia de Ibsen y Strindberg a cuestas, son auténticos maestros en hacer saltar por los aires esta corrección. Pura catarsis.
Demonios Julián Fuentes Reta dirige a Paola Matienzo, Ruth Díaz, Alberto Berzal y David Boceta en una obra del autor sueco Lars Nóren. Teatro Galileo Del 9 de febrero al 19 de marzo
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drama interno, drama social por Álvaro Vicente
Eduard Fernández
“En teatro hay que llegar al primer ensayo en pelotas, sin nada preparado” Mientras va coleccionando los premios que le caen por su fantástico trabajo en El hombre de las mil caras (San Sebastián, Premios Gaudí, ¿Goyas?), se enfrenta al doble abismo que supone estrenarse con Arthur Miller e interpretar a un hombre abocado a un destino trágico por traicionar su integridad.
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La actualidad manda y El hombre de las mil caras, película de Alberto Rodríguez que protagonizas y en la que das vida al agente secreto Francisco Paesa, es uno de esos títulos que certifican la buena cosecha de cine que se ha dado en 2016 en España. Sí, nos está dando muchas satisfacciones y a mí, personalmente, me ha gustado mucho hacerla. Recibir o no luego los premios ya es lo que toque. Ahora mismo pues me toca estar de bolos de premios, a ver si cae alguno. Lo de interpretar a Paesa ha debido tener su miga, ¿no? Porque fue tan misterioso este hombre... ¿Fue un trabajo distinto a los demás en ese sentido? Bueno, todos los papeles tienen algo y este en concreto es de una complejidad muy grande, así lo sentí, había que estar muy atrás, mintiendo todo el rato en el trabajo como actor, que es algo muy complicado, no dar demasiadas pistas, o casi ninguna pista de lo que no quiero dar, y a su vez mantener la atención y que el público tenga ganas de seguir viendo a este ser con esa máscara, con ese traje, ese pelo, esas gafas. Es un trabajo que me ha pillado
“La diferencia entre teatro y cine es que en teatro, cuando algo no llega bien al espectador, el que falla soy yo”
en buen momento, porque hace 10 años yo no sé si hubiera podido afrontarlo, francamente. ¿Llegaste a simultanear este trabajo con la preparación de Panorama desde el puente?
No, no, soy muy masculino en eso y procuro no hacer dos cosas a la vez, para hacer las cosas bien solo puedo hacer una y solo una. Cuando alguna vez he tenido que mezclar... hostia, es un lío del copón. Es verdad que soy afortunado y puedo elegir hacer una sola cosa cada vez. ¿Habías hecho alguna obra antes de Arthur Miller? No, es la primera y la verdad es que no había tenido demasiada relación con su teatro, francamente. No sabía gran cosa y creo que nunca vi un montaje de obras suyas, yo soy mal espectador de teatro, voy a veces, pero me cuesta un poco. Cuando me gusta es de las cosas más maravillosas que hay en la vida, pero es muy difícil ver una muy buena función. ¿Habéis hecho trabajo de aproximación al autor, al texto, al contexto en el que se escribió la obra...? Bueno, la verdad es que como el texto está tan bien escrito, todo lo que Miller quiso poner o no quiso de su vida en la obra, está ahí, y con leer y trabajar la obra y saber lo fundamental, evidentemente, es más que suficiente. La diferencia entre teatro y cine es que cuando en teatro algo no llega, es que no yo no llego. En cine dices: igual no está bien escrito, pero en teatro, cuando es buena la obra, si no llegas ya te puedes buscar la vida para llegar. Y en ese sentido, esta obra es muy completa y muy buena, es una maravilla. Imagino que esa dimensión de gran obra, de clásico contemporáneo, es lo que te convence para encarnar a Eddie Carbone... Me convence eso, el personaje y, sobre todo, el director, Georges La-
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Panorama desde el puente Una historia de amor, obsesión y venganza escrita por Arthur Miller (1955), con el drama de los inmigrantes en la Nueva York de los 50 de fondo. Dirige Georges Lavaudant y, junto a Eduard Fernández, están Marina Salas, Merce Pons, Francesc Albiol o Pep Ambròs. Teatros del Canal Del 9 al 26 de febrero
vaudant, un director muy reconocido en Europa, que ha hecho cosas muy buenas, que tiene un trato exquisito con los actores, sabe mucho de actores, y por tanto de personas, y a mí me gusta mucho trabajar con gente así. Yo hago mucho menos teatro que cine y elijo muy bien lo que hago y con quien lo hago. Tiene algo de ritual para mí hacer teatro, tiene algo sagrado y eso lo respeto mucho. ¿Es el director, fundamentalmente, el que te acompaña en el abordaje, digamos, al texto? En teatro hay que llegar a la obra, al primer ensayo, en pelotas y enfrentarte al texto y empezar a ensayar así, cuanto menos traigas preparado mejor. Si el director es bueno y estás en la compañía adecuada, que en este caso es una compañía maravillosa, se trata de empezar a ensayar en vacío y ver a dónde te lleva el director, a dónde te llevas tú, y qué haces con ese abismo que tienes por delante. Debe ser vertiginoso ese momento en el que tienes el abismo delante... Es una sensación que se tiene, de no saber, que es básico en el teatro no saber e ir tirando, como en la vida, que las personas actuamos a veces y no sabes qué estás haciendo, por qué lo haces y tiras hacia delante. Hay algo ahí misterioso
que se ha de desvelar y el escenario es el lugar más adecuado para estar con esa actitud. Uno piensa en Panorama desde el puente y dice: inmigración ilegal, ya no hace falta más excusa para montarla, porque más actual y más vigente no puede ser. En este montaje concretamente, ¿se ha subrayado este tema, digamos, central de la obra o queda como marco de referencia, siendo lo importante el conflicto de Eddie Carbone con su sobrina (interpretada por Marina Salas) y lo que ello trae consigo? La inmigración es uno de los temas de la obra, claro, pero no sé si es el principal. Es el suelo que se pisa, pero el principal creo que yo es eso que le ocurre a Eddie Carbone con su sobrina, que es un amor que no termina de quedar claro qué color tiene y que le lleva a Eddie al abismo personal más brutal, le lleva a suicidarse de alguna manera. El marco sirve para trazar una línea roja que no se puede cruzar jamás, que es la delación, que es lo que le hizo Elia Kazan a Arthur Miller. Luego es ver hacia dónde va el personaje, que como en una tragedia griega, va directo a cruzar esa línea, llevado por una pasión ciega. Ahí vemos cómo ciertas carencias emocionales, aun siendo una persona íntegra, te pueden empujar al abismo.
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mujer, dramaturga y contemporánea por Álvaro Vicente
Dos piezas dos La primera programación del Español desde que Carme Portaceli lleva sus riendas empieza a cumplir las promesas que hizo cuando accedió al cargo. Habría dramaturgias contemporáneas y habría paridad. De todas formas, vamos a pensar que por algún tipo de incompatibilidad, no se ha podido equilibrar un poco más la presencia de autoras y autores en la programación. Porque ciertamente llama la atención que las piezas de las que ahora hablaremos aquí, de Lola Blasco y Carolina África, estén solo 2 días cada una en cartel, cuando las de Antonio Rojano y Alberto Conejero, que se estrenan en marzo, van a estar un mes cada una (algo más en el caso de la obra de Rojano). No queremos hacer juicios, simplemente apuntarlo.
Lo que callamos
La última Premio Nacional de Literatura Dramática, la alicantina Lola Blasco (le dieron el galardón por su obra Siglo mío, bestia mía), presenta en La armonía del silencio (foto de arriba) una historia que tiene la Guerra Civil Española como telón de fondo. Es una historia sobre el abuso de poder, a pequeña y gran escala, una historia sobre el mal y sobre el
odio. A pesar de que hunde sus raíces en el espectáculo de la barbarie humana, encuentra en el compartir, en la ficción y en la búsqueda de la belleza, el consuelo. Todo empieza en el presente, cuando dos hermanos recuperan el piano que perteneció a su abuela. Eso les hará viajar hasta una época donde el silencio se instaló en todos los hogares.
Aires delirantes
Por su parte, Carolina África, que nos emocionó con Verano en diciembre (Premio Calderón de la Barca 2012), nos trae otra entrañable y comprometida historia que transcurre durante un verano en la bahía gaditana titulada Vientos de Levante (foto de abajo). Ainhoa, una escritora en crisis personal, viaja a Cádiz para visitar a su amiga Pepa, que trabaja en una casa hogar con enfermos mentales y en el área de cuidados paliativos de un hospital, donde conoce a Sebastián, enfermo de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica). La convivencia con la enfermedad, la locura y la muerte frente a la idea de exprimir la vida al máximo hasta el final. La obra, además, quiere aportar visibilidad a la ELA, generar atención y concienciar de la necesidad de investigación científica.
La armonía del silencio Luis Bermejo, Antonio Lafuente, Ana Mayo y Mélida Molina en un texto escrito y dirigido por Lola Blasco Teatro Español 22 y 23 de febrero
Vientos de Levante Carolina África es autora, directora y actriz en este montaje protagonizado también por Trigo Gómez, Paola Ceballos, Pilar Manso y Jorge Mayor Teatro Español 25 y 26 de febrero
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escupir a Cupido por Álvaro Vicente
FOTOS OBRA: Pepe Torres
Las XL contra el mito del amor romántico ¿Sabéis esa típica frase de los comentaristas de moda, cuando hablan en los desfiles de que tal colección es para una mujer “muy femenina”? ¿Las mujeres no son femeninas se pongan lo que se pongan? Pues parece que no, parece que ser femenina, ser mujer, implica una serie de cosas que, prácticamente desde que nacemos, se van incrustando en lo más profundo de nuestro cerebro, seamos hombre o mujer. Por-
que se nos inoculan formas de masculinidad y feminidad para las que no parece haber alternativa. Se nos dice cómo vestir (desde el binomio rosa/azul de los recién nacidos), se nos dice a qué jugar, cómo hablar del sexo contrario, que a las niñas les gustan los niños y a los niños las niñas, que hay princesas que esperan y son salvadas por príncipes, etc etc etc... De ahí a la mujer adulta desesperada por encontrar el
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amor de su vida para encontrar, de paso, el sentido de la misma, no hay tanto recorrido. Esta es la base de un espectáculo que sacude como pocos allá por donde pasa. Un espectáculo que, como explica una de sus creadoras, una de Las XL, Nía Cortijo, “parte de la autocrítica, de mirarnos a nosotras mismas, revisarnos y compartir desde el humor esa crítica de lo que somos porque nos han dicho cómo teníamos que ser. Somos las primeras que sufrimos ese imperativo social, que parece que te tienes que levantar con el maquillaje, parece que ya no te ves guapa sin maquillar, como si no te gustara tu cara al natural. Esos patrones ideados y estandarizados por hombres nos convierten en esclavas de algo absolutamente inalcanzable para el común de las mujeres”.
Las fases del amor
Las XL nos proponen relajar un poco esa tensión por estar perfecta, de ahí el título, Abandónate mucho, que hace un guiño al bolero Bésame mucho. No se trata de convertirse en indigentes, pero sí de asumir, como dice Nía, “que no mido 90-60-90, que me salen granos, que a veces soy egoísta, envidiosa y depresiva. Es lo que soy, es lo que somos y hay que aceptarse sin estar tan encorsetadas por ese mandamiento de que todas tenemos que ser buenas, guapas y exitosas”. Ese relax lo ponen en escena a través de un espectáculo cómico-musical en el que, combinando versiones de coplas y canciones propias, repasan las fases del llamado amor
romántico, desde el flechazo hasta la adicción al “te quiero”, “fases muy estudiadas desde el feminismo. Nos hemos apoyado a nivel teórico en las tesis de Paloma Tosar, que es una gran especialista y que para nosotras está suponiendo todo un descubrimiento maravilloso, porque no hacíamos esto desde una conciencia claramente feminista, sino que ha sido después, investigando, leyendo, escuchando, cuando hemos comprobado que nos hemos convertido en unas activistas feministas y que este movimiento político, filosófico y social nos sirve para entendernos y entender el mundo en el que vivimos. De todas formas, tampoco pretendemos ponerle al espectáculo la etiqueta de feminista, porque cualquier etiqueta es reduccionista. Queremos que venga todo el mundo y que, como nos pasó a nosotras, descubran que, quizás, son más feministas de lo que creían”.
Abandónate mucho Marta Sitjà y Nía Cortijo, músicas, actrices, humoristas, celebran el anti San Valentín con un fondo de conciencia feminista y mucha mucha risa. Teatros Luchana Hasta el 18 de febrero
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momentos mágicos
Cita imprescindible con la magia
FOTO: De izq. a der. Shimpei Katsuragawa, Mikael Szanyiel, Jorge Blass y Chris Torrente.
Sin duda estamos ante una de las citas más asentadas desde que se inauguró el Teatro Circo Price. Por séptimo año consecutivo y con el reto de seguir siendo considerado el mejor festival de magia abierto al público de Europa, podremos disfrutar de algunos de los mejores magos de todo el mundo. Bajo la dirección de Jorge Blass (alma mater desde el inicio del festival) este año veremos principalmente dos grandes espectáculos que se componen de distintas actuaciones. Del 9 al 12 de febrero tendrá lugar Magia de cerca, que permitirá disfrutar a corta distancia de cartomagia, micromagia y otras especialidades. En él descubriremos a 3 artistas: Pipo Villanueva (España)
con sus números innovadores y divertidos; Shimpei Katsuragawa (Japón) que fusiona música clásica y cartomagia; y Raymon (España) que traerá sus efectos increíbles con cubos de Rubik. Del 15 de febrero al 12 de marzo será el turno de la Gala Internacional de Magia de Escena en la que participan 8 artistas. Blass encabeza una lista que completan otros grandes invitados como El Gran Carlini (España) con la única y diminuta marioneta que hace magia; Chris Torrente (Francia), Premio Mundial de Magia Cómica en 2015; Mikael Szanyiel (Francia); Galina (Ukrania); Héctor Mancha (España), actual campeón del mundo de magia; Jan Reinder (Holanda) y Marco Zoppi (Italia).
VII Festival Internacional de Magia de Madrid Incluye dos espectáculos diferentes: Magia de cerca y la Gala Internacional de Magia de Escena. Teatro Circo Price Del 9 feb. al 12 de marzo
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XXXIV festival de otoño a primavera
FOTO: Frieke Janssens
Oda a la creación del yo
Orlando, de Virginia Woolf El director Guy Cassiers ha creado este monólogo interpretado por Katelijne Damen basándose en la famosa obra de la escritora. Teatros del Canal Del 2 al 4 de febrero
Imagina que un buen día te acuestas como un hombre y te despiertas a la mañana siguiente como una mujer. Podría ser el argumento de un relato de cienciaficción, y sin embargo es la trama de una de las novelas mas singulares de Virgina Woolf. Llamada Orlando, como su protagonista, la novela de 1928 ha sido la inspiración para este montaje ideado por el director Guy Cassiers que una vez más se embarca en la adaptación de un texto no teatral como ya hiciera por ejemplo en su proyecto de El corazón de las tinieblas, la novela de Joseph Conrad. Aquí, con la complicidad y compromiso total de una de sus habituales colaboradoras, la actriz Katelijne Damen, quien firma también la adaptación y ha creado el vestuario, y tras más una década de trabajo han puesto en pie este monumental monólogo. El personaje interpretado por Damen ejerce de guía y narradora a través del periplo vital de Orlando, un personaje inmortal que ni es hombre ni es mujer y ni tiene tampoco nacionalidad. Damen y Cassiers dibujan el cambio de sexo del personaje con sutiles juegos de vestuario. El montaje utiliza como recurso escénico un complejo sistema de videoproyecciones, con todo lo que se ve en la pantalla manipulado en directo sobre la escena. Podría decirse que es un cuadro donde se capturan los diferentes momentos de la vida del personaje. La obra realiza un recorrido histórico durante casi cuatro siglos, desde la época isabelina, pasando por la victoriana, hasta la Europa de finales de 1920. La podremos disfrutar en Neerlandés con sobretítulos en español.
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leer teatro por Esther Santos Tello
Jose Padilla inaugura la Editorial Acto Primero Editorial Acto Primero podría ser una de tantas editoriales que nacen de las modas, si no fuese por el hecho de que detrás de este nombre hay personas con el único objetivo de publicar textos que perduren en el tiempo. ¿Nuestro mayor triunfo? Ver en un escenario cualquiera de los textos que publiquemos y editar aquellas obras que cuando las ves se quedan impregnadas en tu piel y nunca te abandonan. No sólo seremos una editorial de teatro, aunque sí será nuestro eje principal. Dentro de la editorial encontraréis la Colección Samuel Beckett que comprenderá un amplio abanico en el que se podrá encontrar: poesía, narrativa, ensayos… La idea de esta colección es cubrir esos textos que lejos del teatro, al leerlos nos atrapan igualmente. No somos auto edición, la única colaboración económica que pedimos es que se LEA y VEA teatro, cuanto más, mejor. El próximo 27 de febrero en la Librería Enclave de Libros presentamos nuestro primer título, La Isla Púrpura versión libre de Jose Padilla sobre la obra de Mijaíl Bulgákovde, con un prologuista de lujo: Juan Mayorga. Desde luego,
no podríamos tener mejores padrinos. Elegimos la obra de Jose para despegar porque consideramos que ese texto refleja fielmente el enfoque que queremos darle a nuestro sello. Parte de ese prólogo de Mayorga os lo adelantamos aquí: “El satírico es el héroe de la cultura crítica. Tiene suerte la sociedad que encuentra el suyo. Poniendo al desnudo lo inauténtico, el satírico resquebraja la máscara mítica de la sociedad. Bajo esa máscara está la vida, compleja, contradictoria, vergonzosa a veces. Bajo esa máscara está la verdad. La sátira es difícil hoy, cuando se educa en la aceptación del estado de las cosas como si fuese una segunda naturaleza. Y es que, ante la naturaleza, no cabe la crítica. Cuando la naturaleza domina sobre la historia, lo que se ridiculiza es la disidencia. Pero no debería olvidarse que una sociedad sin disidentes, una sociedad satisfecha, incuba la barbarie. Probablemente, una sociedad sin satírico es ya, sin saberlo, una sociedad de censura, y se prepara para ser una sociedad bárbara. La sátira es difícil hoy, pero también hoy se necesitan satíricos”.
La Isla Púrpura Se cuentan las vicisitudes de la compañía teatral de Guenadi Panfílovich, que se ve obligada a montar a toda prisa y sin ninguna preparación una improvisada función de La isla púrpura, ópera prima de un joven dramaturgo, Vasili Artúrovich Dymogatski.
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danza
El regreso de La Ribot
ANOTHER DISTINGUÉE Teatros del Canal Del 22 de febrero al 5 de marzo
Han pasado veintitrés años desde que La Ribot diera comienzo a Las Piezas Distinguidas y el proyecto no ha dejado de desplegarse y transformarse desvelando cada vez nuevas capas y significados. Las distinguidas, acciones cortas organizadas en serie, han sido presentadas en varios dispositivos, pasando del teatro a la galería de arte. Another Distinguée, la nueva serie de piezas estrenada ahora, añade al proyecto un nuevo estrato llevándolo a un lugar sorprendente en el que, todo lo creado hasta ahora, adopta un nuevo significado. Another Distinguée es una invitación al olvido y a la vez, paradójicamente, un ejercicio de memoria. La memoria es caprichosa y no admite ningún control sobre lo que produce. La memoria construye sus relatos como si fueran nuevos cada vez y para ello desplaza, repite, inventa, añade, reprime, etc.
Desde lo más hondo Esta obra es un viaje, un tránsito, un descenso. A través de las luces y las sombras. Rocío Molina, guiada por su baile -que es intuición y materia-, nos precipita en el silencio, la música y el ruido de territorios desconocidos. Lo palpable y lo que se oculta a nuestros ojos se materializan en su cuerpo. Baila y establece una relación diferente con el suelo. Su baile nace entre sus ovarios y esa tierra que patea, convertido en la celebración de ser mujer. El flamenco que propone en Caída del Cielo ahonda en sus raíces y al mismo tiempo las enfrenta, colisionando con otras maneras de entender la escena y con otros lenguajes, en una expresión sin domesticar. Este descenso o caída es el viaje sin retorno de una mujer. Un tránsito, un descenso. Desde un cuerpo en equilibrio a un cuerpo que celebra ser mujer, inmerso en el sentido trágico de la fiesta.
CAÍDA DEL CIELO Del 16 al 18 de febrero Teatro Español
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danza
FOTO: Romain Etienne
Lejos del espacio conocido
LE MOUVEMENT DE L’AIR Teatros del Canal Del 3 al 5 de febrero
En Le mouvement de l’air, de Claire Bardainne & Adrien Mondot, la coreografía acrobática que interpretan los bailarines, el mundo digital en el cual están sumergidos y los sonidos que les acompañan conforman un lenguaje escénico único y permiten a los intérpretes establecer nuevas relaciones con el tiempo y el espacio. Las imágenes abandonan las pantallas y ocupan el espacio central del escenario, del mismo modo que los protagonistas de la pieza vencen la gravedad y se escapan sin esfuerzo aparente de la fuerza de atracción de la Tierra para recorrer el escenario en todas sus dimensiones. Durante una hora, el arte digital se genera y se anima en tiempo real, mientras que la música original se toca en vivo en escena para poner en pie un espectáculo de gran belleza que conjuga el arte y la tecnología y que no sólo hace volar la imaginación, sino también a sus intérpretes.
Inspirándose en la estructura musical de la obra de Prokofiev, Jean-Christophe Maillot descifra, como en un escenario de cine, su Romeo y Julieta. El encuentro de la tradicional oposición político-social entre dos clanes enemigos, la dualidad y ambigüedades de la adolescencia, los impulsos contradictorios: la ternura y la violencia, el temor y el orgullo. Los amantes forman parte de la tragedia, sus emociones extremas y las pasiones e ideales pueden acarrear consecuencias desproporcionadas y hasta fatales. Les Ballets de Monte-Carlo, que ya visitaron los Teatros del Canal con Le Songe -una experiencia que muchos aún recuerdan-, vuelven a desplegar su preciosismo y glamour en otra impecable producción del gran coreógrafo Jean-Christophe Maillot, que dota siempre a sus montajes de una belleza y una elegancias sublimes.
FOTO: Alice Blangero
Shakespeare versión Maillot
ROMEO Y JULIETA Teatros del Canal Del 10 al 12 de febrero
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estrenos
FOTO: Diego Conesa
Algo tiene la música que siempre nos atrapa, nos evoca y nos hace soñar. Nos divierte, nos sumerge en la nostalgia, nos hace recordar. Y algo tiene este espectáculo que ya ha recorrido varios escenarios de nuestra capital. La soledad, el subidón del enamoramiento, la estabilidad, los celos, las crisis... a ritmo de pop, rock, rancheras, coplas, salsa, y hasta música disco recordando lo más sublime y lo más freak de la historia musical de nuestro país. Así es este espectáculo que hace un recorrido por la música de nuestra vida. Su variado repertorio de canciones hace que llegue a un amplio abanico de público: desde los mayores de la casa que recordarán con nostalgia las canciones de su época, pasando por las generaciones de 30-40 años que vivieron ‘la movida de los 80’, a los adolescentes adictos a la radio fórmula más actual. En definitiva para todos aquellos que disfrutan del ritmo.
SHHH! Teatro Alfil Hasta el 22 de febrero
FOTO: Emilio Tenorio
Recorrido musical y vital
LO TUYO Y LO MÍO Nuevo Teatro Alcalá Hasta el 26 de marzo
Dos actores en escena. Una técnica improvisadora en la cabina. Propuestas del público como único guión. Hasta ahí podríamos estar viendo cualquier espectáculo de improvisación teatral. Pero, ¿y si los actores no pudieran hablar? Esto es lo que se plantearon Edu Ferrés (actor e improvisador fundador de la compañía Improclan), Area Martínez (técnico improvisadora de Improclan) y Rubén Hernández (actor de la compañía Yllana), dar un paso más allá en la improvisación y crear escenas sin palabras. El experimento funciona, y la improvisación y el humor gestual se dan la mano creando una mezcla única en España. Un nuevo formato en el que imaginar y crear historias irrepetibles desde el vacío y la ausencia de palabra.
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FOTO: Eduardo Portal
Queridos maestros No están en su mejor momento la verdad. Los profesores digo. Mirados con lupa, poco respaldados por padres y ministerios, carga de deberes, faltas de respeto, acoso escolar... Deberían ser una figura importante y valorada en esta sociedad porque sobre sus espaldas recae mucha responsabilidad: el futuro de las nuevas generaciones nada menos. Pero no lo son en absoluto. Y la culpa es también suya, en parte. Es verdad que muchas veces tendemos a idealizar profesiones y pensamos que las personas que realizan según qué tareas para la sociedad (profesores, médicos, jueces, policías...) son
mejores que el resto. Y es probable que así sea en muchos casos, pero no es una norma. Y esos colectivos no son ajenos a los mismos pecados que la sociedad de a pie: apatía, desinterés, falta de escrúpulos, falta de vocación... Lo que sí hay que reconocer, y ese es el mérito de este montaje escrito y dirigido por Carmen Losa, es la labor que en este país hicieron los maestros y maestras que se empeñaron, cuando tenían todo en contra, en dar una educación a un pueblo analfabeto, dócil y beato para que abrieran sus ojos y pudieran tener oportunidades en un mundo que avanzaba
hacia la modernidad. La obra, protagonizada por Leyre Abadía e Ion Iraizoz, se adentra en sucesivos acontecimientos en torno a la enseñanza que impartían aquellos maestros y maestras de la República. Un recorrido dramático-documental por una época convulsa de nuestro país contado a través de la historia de nuestra educación. S. Díaz
LA ESFERA QUE NOS CONTIENE Teatro María Guerrero Del 24 de febrero al 19 de marzo
HAMLET El Pavón Teatro Kamikaze Del 9 de febrero al 5 de marzo
FOTO: Lau Ortega
...reflejan como elefantes. El título de este montaje lo han tomado prestado de una obra de Salvador Dalí. En ese cuadro se ven tres cisnes que flotan armoniosamente sobre un lago. Su reflejo, mezclado con el de unos árboles secos, nos confunde y nos muestra a tres majestuosos elefantes. No sabemos quiénes somos -¿los cisnes o su reflejo?- ni si estamos presentes o somos sólo un recuerdo. Ruth es soprano y nos habla de su vida, de las luces y de las sombras que la constituyen. Charla de su cansancio prematuro. Ricardo comparte en tiempo real su mirada con el público, mientras Susana interpreta al piano Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt. ¿Por qué somos una sociedad llena de dolores tempranos, presa de un cansancio crónico?
INTEMPERIE El Pavón Teatro Kamikaze Del 4 al 22 de febrero
Israel EleHamlet. Así tituló la crítica de este montaje mi compañero Álvaro Vicente por la dimensión que adquiere el actor protagonista (Israel Elejalde) en esta versión que ha hecho Miguel del Arco sobre el texto de Shakespeare. Aunque no actúa solo él. Completan el reparto nombres de la talla de Ana Wagener, Jorge Kent, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, José Luis Martínez y Daniel Freire que ayudan a dotar de consistencia a este montaje que sorprende en muchos momentos. Tanto Israel como Miguel, son dos de los cuatro socios que han levantado este proyecto que es el Teatro Pavón Kamikaze que, con joyas propias o ajenas, consiguen cuadrar cada mes una programación muy chula y muy potente. He aquí tres ejemplos.
FOTO: David Arenal
FOTO: Ceferino López
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OBLIVION O CISNES QUE SE... El Pavón Teatro Kamikaze Hasta el 27 de febrero
Potente drama familiar que relata una historia de amor mal entendido combinado con la necesidad de encontrar una estructura familiar. Un texto de Cristina Redondo, dirigido por Laura Ortega e interpretado por Andrea Trepat y Juan Trueba. La función sitúa al espectador en un piso donde los hermanos Nita y Jhonny están cocinando y preparando la mesa. Esperan la llegada de su familia, la cual está a punto de aparecer. Mientras tanto, recuerdan su infancia. Hace 13 años que ambos no se ven. Es por eso por lo que rememoran todo aquello que les unió en el pasado. Pero los pensamientos les llevan hasta su tío Lucas, quien echó a Nita de casa para protegerla del amor de su hermano, aunque este no recuerda nada de aquello...
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Marionetas al servicio del poder En el Teatro Fernán Gómez podremos ver la mejor esencia de Juan Mayorga, el dramaturgo de literatura excelsa que no siempre dirige sus propios textos. Aquí es Raimon Molins el que se encarga de dar forma a las palabras en esta obra que muchos la inscriben dentro del terreno del teatro histórico -por trasladarnos a la Alemania nazi-, pero que el propio autor concibió como un ejercicio de actualidad. Porque no hay nada más actual ni más inherente al ser humano que el miedo. El miedo a enfrentarse al poder establecido. El miedo a alzar la voz ante las injusticias si se pone en riesgo la propia vida.
Esta obra es una fábula que sirve para reflexionar sobre cómo nuestras mentes son moldeadas a conveniencia de los estamentos de poder. Y sobre cómo no somos lo bastante fuertes para querer buscar la verdad. Un delegado de la Cruz Roja visita un campo de concentración de la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial y es engañado por el comandante que lo dirige. Este le hace creer que allí no pasa nada malo. Himmelweg (camino del cielo), era el siniestro y sarcástico eufemismo utilizado por los nazis para referirse a la rampa de acceso a las cámaras de gas donde se
exterminaba sistemáticamente a los judíos. La expresión refleja la perversión del lenguaje, herramienta indispensable para enmascarar estrategias de manipulación y dominio -la asignatura más estudiada por cualquier político-. Sólo aquellos que no tienen miedo y luchan por cambiar las cosas son los que dejan su nombre para que los recuerde la Historia. Los demás seremos olvidados en el mismo presente de nuestra muerte. Sergio Díaz
HIMMELWEG Teatro Fernán Gómez Del 2 de febrero al 5 de marzo
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Soluciones a dos vidas
DOS DÍAS Teatro Lara Miércoles de febrero
Jorge y Silvia se reencuentran después de un año sin verse. Un hombre y una mujer con una historia en común que fue interrumpida antes de empezar. Un hombre y una mujer, frente a frente en el espacio neutral de una habitación de hotel. En sólo dos días tendrán una segunda oportunidad para resolver su relación. Dos días que son también dos caras de una misma historia. Dos miradas, como las de cada uno de ellos. Dos oportunidades para poder dar un sentido a sus vidas. De nuevo el dúo María Inés González / Miguel Ángel Cárcano indagando en el interior del alma humana con este texto protagonizado por Guillermo Barrientos y Eva Marciel. Dos vidas que necesitan volver a unir sus caminos para entender, para comprender, para avanzar. Dos vidas que tendrán que dar sentido a la relación que les une mirando a cada instante el reloj que marca el final de su tiempo. S. Díaz
Tres intentos para el amor Divertida comedia escrita y dirigida por Pepe Cabrera y Javier Andrés y protagonizada por Andrea Duro, José Lozano, Roberto Morales, Begoña Caparrós y Belén González. Cuando entre el caos político actual surge un nuevo partido con el eslogan “Si nos organizamos pillamos todos”, ocurre lo imposible, gana por mayoría absoluta. Su primera medida: nacionalizar las relaciones. Inspirándose en el INEM crean el programa S.I.N.G.L.E.S. (Servicio Integrado de Noviazgo Gubernamental y Ligues para Españoles Solteros) que asigna a cada español una posible pareja, un alma gemela, alguien con quien envejecer... ¿La única pega? Solo puedes rechazar tres parejas. Si gastas todos tus rechazos, se te acabaron las oportunidades, te quedas para vestir santos. ¿Serás capaz de encontrar a tu media naranja?
S.I.N.G.L.E.S. Teatro Lara 9 y 23 de febrero
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multidisciplinar
#ArgentinaPlataformaARCO Con motivo de su presencia como país invitado en ARCOmadrid 2017, Argentina se prepara para el desembarco en nuestra ciudad de lo más representativo de su arte contemporáneo. Artistas de renombre junto a nuevos valores de distintas disciplinas presentarán bajo el nombre de #ArgentinaPlataformaARCO un programa que se desplegará en 17 sedes icónicas de la Comunidad de Madrid. En el mismo, cabe destacar el espectáculo Under de sí, de Diego Bianchi y Luis Garay que tendrá lugar en Las Naves del Español, en Matadero Madrid; y los espectáculos La Wagner, dirigido por Pablo Rotemberg y Eine Brise y L’Officina della Resurrezione, dirigidos ambos por Fabián Panisello, que tendrá lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. También hay programado un ciclo de teatro en los Teatros Luchana llamado Escenas Argentinas, coordinada por Marcelo Panozzo, donde veremos, entre otros, el montaje Medea
sé Sonal de la directora Guadalupe Suárez Jofré, uno de cine dedicado a la figura de Hugo Santiago en el Círculo de Bellas Artes, unas jornadas de arte y literatura en Caixaforum y un programa de música que se celebrará en una gran carpa (Domo) instalada en la Plaza de Colón, en el que participarán los grupos IKV, Jazz+Stupía, Entre Ríos y Gatti+Fangoria. Uno de los platos fuertes del programa #ArgentinaPlataformaARCO será la exposición colectiva En el ejercicio de las cosas, comisariada por Sonia Becce y Mariano Mayer, de más de 50 artistas de distintas generaciones en ocho sedes de la ciudad: Casa Museo Lope de Vega; Casa de Vacas; Conde Duque; Tabacalera; Museo Cerralbo; Casa de América; Biblioteca Nacional, y Alimentación30. Para más información del resto de exposiciones y actividades podéis visitar: www.ifema.es
Debajo Medea sé Sonal. Más abajo Under de sí.
X X X I V F E S T I VA L D E OTO Ñ O A P R I M AV E R A E N E R O
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RAFAEL SPREGELBURD Y ZYPCE Teatros del Canal, Sala Verde 19, 20 y 21 de enero, 20.30h 22 de enero, 18.30h
DAN JEMMETT / LE K SAMKA & EAT A CROCODILE Teatro de La Abadía, Sala Juan de la Cruz 6, 7 y 8 de abril, 20.30h 9 de abril, 19.30h
Orlando,de Virginia Woolf
Blackbird, de David Harrower
GUY CASSIERS / TONEELHUIS Teatros del Canal, Sala Verde 2, 3 y 4 de febrero, 20.30h 5 de febrero, 18.30h
CARLOTA FERRER El Pavón Teatro Kamikaze 7, 8 y 9 de abril
Le mouvement de l’air
We’re pretty fuckin’ far from okay
ADRIEN M & CLAIRE B Teatros del Canal, Sala Roja 3 y 4 de febrero, 20.00h 5 de febrero, 18.00h
LISBETH GRUWEZ / VOETVOLK Teatro Pradillo 27, 28 y 29 de abril, 21.00h
Give Me a Reason to Live CLAIRE CUNNINGHAM Sala Cuarta Pared 16, 17 y 18 de febrero, 21.00h
Children of Nowhere (Ghost Road 2) FABRICE MURGIA / CIE ARTARA DOMINIQUE PAUWELS / LOD MUZIEKTHEATER Teatro de La Abadía, Sala Juan de la Cruz 7, 8 y 9 de marzo, 19.30h
4 RODRIGO GARCÍA / HUMAIN TROP HUMAIN – CDN MONTPELLIER Teatros del Canal, Sala Verde 1, 2 y 3 de junio, 20.30h 4 de junio, 19.30h
Hamlet, de William Shakespeare OSKARAS KORŠUNOVAS / OKT VILNIUS CITY THEATRE Teatros del Canal, Sala Verde 8, 9 y 10 de junio, 20.30h 11 de junio, 19.30h
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el lliure en Madrid por Álvaro Vicente
Lluís Pasqual
“El teatro más interesante que se está haciendo ahora en Europa es teatro político” Año intenso para uno de los directores escénicos más reputados de este país. Abanderando los 40 años del barcelonés Teatre Lliure, del que es fundador, trae a Madrid sus dos últimos montajes. El Lliure cumple 40 años y pone en marcha un proyecto de compañía joven, ¿de relevo generacional? Esta es la segunda formación, digamos, de la compañía joven. La primera fue hace tres o cuatro años, en el momento de la fuga de jóvenes de España. Se iba todo el mundo, pero los actores... alguno se podría ir, pero los actores de aquí tienen que poder trabajar aquí. Y dijimos, pues vamos a darles paso, de una manera muy humilde, primero eran 6, 3 chicos y 3 chicas, y este año son 8. De momento no da para más, pero vamos a darles una oportunidad, con tiempo y con formación para que puedan profundizar y no estar pensando que de este trabajo tienen que ir a otro. Me gustaría que fueran 20, pero de momento no se puede. Ellos son tu ‘Quinta del biberón’, ¿no? ¿Hasta qué punto esta obra es un proyecto tuyo personal? ¿Sale de una inquietud propia por hablar de aquel episodio de la Guerra Civil?
Yo ya soy muy mayor y he tenido, como todos los directores europeos, mi época de revisión de los clásicos, de hacer las grandes obras universales. He tenido, además, la inmensa suerte de estrenar dos obras de Lorca, El público y Comedia sin título, que es algo que no le ha pasado a nadie. Pero yo empecé, antes del Lliure, haciendo Semana Tràgica, y luego Camí de nit, que eran textos claramente políticos. Y hace un par de años pensé que era hora otra vez de hacer cosas que toquen muy de cerca. Hedda Gabler está muy bien, pero ahora que la hagan los directores de 30. Por otro lado, yo creo que el teatro más interesante que se está haciendo ahora en Europa es el teatro político, de compromiso, y me volvió esa necesidad de hacer algo que políticamente significara algo. Eso se unió, por un lado, al deseo de hacer algo sobre la Guerra Civil, que no se ha hecho tanto en teatro, y por otro, a una cuestión personal, familiar: el hermano mayor de mi padre, mi tío, fue de la Quinta del biberón.
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el lliure en Madrid
¿Qué sabías antes de ponerte a trabajar en este proyecto sobre tu tío y sobre la Quinta del biberón? Empecé muy a ciegas. Yo descubrí por casualidad a los 8 años un petate en el desván de mi casa. Entonces no se preguntaba, era una norma, por miedo. Estaba cubierto de una plomiza capa de silencio. Así que me fui a ver a los supervivientes, estuve 6 meses yendo de casa en casa con una cámara para que me contaran. Entonces pensé que si hacía algo, lo único que tenía que conseguir era que el espectador, al terminar la obra, sintiera lo mismo que estaba sintiendo yo cada vez que me iba de una de esas casas. ¿Cómo lo has hecho para conseguirlo? Tenía claro desde el principio que no tenía que tener una forma de teatro, sino de ese tipo de actos de homenaje que se montan y se hacen una sola vez. ¿Fue alguno de los supervivientes a ver la función en Barcelona? Sí, han venido muchos. Eso ha sido sin duda lo más emocionante, imagínate, tienen 95 años. Y la reacción siempre era la misma, los veías llorando en el patio de butacas y después entraban a los camerinos emocionados y contentísimos y empezaban a hablar y a hablar y a hablar, y les decían a los actores que les repitieran esta o aquella frase, porque son sus frases. Porque el material es real... Es teatro documento. Hay discursos de la época, cine propagandístico de uno y otro bando... es la biografía de 6 chicos desde que son reclutados hasta que vuelven a su casa, 8 o 9 años después. ¿Cuántos no volvieron? Documentados... unos 27.000.
In memoriam. La quinta del biberón Coproducción del Teatre Lliure y el festival Temporada Alta de Girona en la que Lluis Pasqual ha querido homenajear a la joven generación que fue reclutada en abril de 1938 para cubrir las numerosas bajas del ejército republicano en la Guerra Civil. El montaje es, además, el segundo que afronta La Kompanyia Lliure, un grupo de jóvenes actores reclutados por la institución catalana para ayudarles en su formación y crecimiento artístico y darles la oportunidad de trabajar en un proceso creativo profesional. Teatro María Guerrero Del 22 de febrero al 12 de marzo
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el lliure en Madrid
Obra maestra de Fabià Puigserver
El 8 de febrero de 1989 se estrenaba en el Lliure de Gràcia (todavía faltaban dos años para que se abriera la sede de Montjuic) Les noces de Fígaro (Las bodas de Fígaro), de Caron de Beaumarchais, con dirección y espacio escénico de Fabià Puigserver y un reparto de lujo comandado por Lluís Homar, Anna Lizarán, Emma Vilarasau, Jordi Bosch y Carlota Soldevila. No fue un estreno fácil; de hecho, estuvo en peligro apenas unas semanas antes, pues la institución atravesaba uno de sus periodos más difíciles en lo económico, una auténtica crisis. Los 40 años que está celebrando este mítico centro de producción catalán no han
estado exentos, como vemos, de momentos complicados. Pero artísticamente, Las bodas de Fígaro se convirtieron en uno de los montajes emblemáticos del Lliure, hasta el punto de que se retoma este año, volviendo a construir la escenografía original de Puigserver y con el protagonista de entonces, Lluís Homar, como director. Se ha sumado a esta nueva producción la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que ahora acoge la función en su sede. En palabras de Homar, “un montaje repleto de lo que para Fabià significaba el teatro: juego, generosidad, sabiduría y un grandísimo amor y espíritu de servicio hacia el público”.
Las bodas de Fígaro Lluís Homar dirige esta reposición de la obra de Beaumarchais, que fue uno de los montajes más celebrados de Fabià Puigserver al frente del Teatro Lliure Teatro de La Comedia Del 3 al 26 de febrero
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el lliure en Madrid
Teatro de urgencia y necesidad Stefano Massini (Florencia, 1975) es una de las voces más interesantes del teatro italiano actual. En 2007, un año después del asesinato de la periodista rusa Anna Politkóvskaya, escribe Donna non rieducabile (Mujer no reeducable), un retrato sin concesiones, una inmersión teatral total en violaciones y represalias, sobornos y chantajes, desesperación y coraje... “En Rusia -dice un fragmento de la obra- existe un vacío de información que aleja la muerte de nuestra ignorancia, sólo nos queda Internet. Quien quiera trabajar como periodista o es servil a Putin o puede pagar su activismo con la muerte, la bala o el veneno”. Ella acabó recibiendo este castigo fatal y de
la indignación surgió un relato escénico que impresionó a Lluís Pasqual hasta el punto de que en pocos días se puso en contacto con él y leyó todo lo que cayó en sus manos firmado por Massini. Además, pensó inmediatamente en Míriam Iscla para acometer este monólogo y dar vida a una mujer que fue asesinada por estar en contra del posicionamiento ruso en el conflicto checheno, por tener una opinión contraria a la oficial. El montaje, que abrió y cerró la pasada temporada del Teatre Lliure en la sala de Gràcia, recibió en 2016 el Premio Butaca al Mejor Montaje de Pequeño Formato. Como dice Pasqual, es un teatro urgente contra los que quieren reeducarnos.
Mujer no reeducable Texto de Stefano Massini que dirige Lluís Pasqual e interpreta en solitario Míriam Iscla, una de las mejores actrices catalanas de la actualidad Teatro Español Del 9 al 26 de febrero
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100% masculino Miguel P. Valiente
El bien, el mal y la pulsión homosexual Siguiendo el éxito cosechado por El holandés errante, desde el 31 de enero y durante diez funciones el Teatro Real ofrece el esperado estreno madrileño de Billy Budd, otra obra de temática marina y, sin duda, la ópera más interesante de FOTO: Javier del Real las que se van a ver esta temporada en el coliseo madrileño. Aunque el protagonista de la obra es el joven Billy Budd, el verdadero foco del trabajo se encuentra en el dilema moral al que se enfrenta el capitán Vere, forzado a escoger entre salvar a un hombre al que sabe inocente o cumplir las reglas a las que, en su calidad de máxima autoridad del navío, se halla sometido. Esta obra, de extraordinaria calidad dramática y profundo simbolismo, tiene la inusual característica de estar compuesta exclusivamente para voces masculinas. También es original por el hecho de haber llevado a los escenarios operísticos una temática tan poco habitual como es la forma contradictoria en la que cada uno de los personajes principales, Vere y Claggart, administran la pulsión homosexual que sienten hacia el encantador Billy Budd. Por otro lado, este triángulo representa la más que limitada capacidad de influencia del ser hu-
Billy Budd Estreno de la ópera de Benjamin Britten en Madrid, con Déborah Warner como directora escénica, uno de los grandes acontecimientos del Bicentenario del Real. Teatro Real Hasta el 28 de febrero
mano (Vere) en la lucha eterna entre el bien (Billy) y el mal (Claggart). El estreno de Billy Budd tuvo lugar como parte de la programación del Festival of Britain en la edición de 1951 y de hecho hasta hoy en día sigue siendo el encargo del British Arts Council para este festival que más éxito ha cosechado. Fue en el Covent Garden de Londres el 1 de diciembre de 1951 con un reparto formado en sus principales roles por el tenor Peter Pears en el papel del capitán Vere, el barítono Theodor Uppman como el joven Budd y el bajo Frederick Dalberg como el malvado contramaestre John Claggart. El éxito fue apoteósico y el reparto tuvo que salir a saludar 17 veces. En España su estreno tuvo lugar en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el 26 de enero de 1975 con un reparto y orquesta completamente británico. Volvería en 2001 al mismo teatro, coincidiendo con el 25º aniversario de la muerte de Benjamin Britten. Por fin le toca a Madrid.
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FOTO: Javier del Real
lírica
Drama castellano 90 años, se dice pronto, desde su estreno y 30 desde su última representación han pasado para que el Teatro de la Zarzuela vuelva a poner en pie esta obra de Amadeo Vives. Con dirección de escena de Natalia Menéndez y musical del Maestro Gómez Martínez, el libreto escrito por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw -basado en ‘Peribáñez y el comendador de Ocaña’ de Lope de Vega- nos presenta el drama que, por culpa del abuso del comendador, se les viene encima a los recién casados Casilda y Peribáñez. Entre los trigales y cielos de Castilla ideados por el escenógrafo
Nicolás Boni y el iluminador Juan Gómez-Cornejo asistiremos a “un desafío permitido contra la injusticia, donde el vicio, la violencia y la tiranía son castigados, y la virtud, la honradez y la dignidad obtienen su recompensa”, en palabras de Menéndez. El reparto está encabezado en el papel de Casilda por la soprano Nicola Beller Carbone y por el tenor Jorge de León en el papel de Don Fadrique, el comendador. El tercer protagonista, Peribañez, será interpretado por el reconocido barítono Ángel Ódena. En escena también intervendrán 11 bailarines coreografiados por Mónica Runde.
La villana Nueva producción del coso lírico madrileño, es una zarzuela en tres actos creada por Amadeo Vives. La dirección musical es de Miguel Ángel Gómez Martínez y la dirección de escena de Natalia Menéndez. Teatro de La Zarzuela Hasta el 12 de febrero
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lírica
Una ciudad, cuatro mujeres
LA CIUDAD DE LAS MENTIRAS Teatro Real Del 20 al 26 de febrero
Este encargo y nueva producción del Teatro Real supone el estreno absoluto de la ópera de Elena Mendoza que, con el libreto y colaboración musical de Matthias Rebstock, ha creado basándose en los relatos Un sueño realizado, El álbum, La novia robada y El infierno tan temido de Juan Carlos Onetti. El montaje de la compositora española nos habla de las soledades y fantasías de cuatro mujeres: dos cantantes, una acordeonista y una violista. Cada una de ellas se esconde a su manera en existencias paralelas tan irracionales como humanas, en un intento de sobrevivir a una realidad marcada por la hipocresía social, la desesperanza y el aislamiento del individuo. La acción, situada en la simbólica ciudad de Santa María, se desarrolla al ritmo de una partitura de portentosa riqueza tímbrica que nos sumerge de lleno en la visión pesimista de Onetti.
Placeres terrenales Cuando Carl Orff compuso su Carmina Burana entre 1935 y 1936 basándose en 24 poemas (de los 300 existentes) del códice original de los siglos XII y XIII nunca hubiera imaginado lo que una compañía como La Fura dels Baus crearía a partir de ella. A los mandos encontramos al director artístico de la compañía, Carles Padrissa, que también se ha hecho cargo de la dramaturgia para presentarnos un Carmina Burana trepidante, donde el espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso fragancias primaverales, se sumerge en la contundente y visceral música de Carl Orff. Si aquellos versos antiguos ya nos hablaban del placer terrenal de vivir, del vino, del amor, las mujeres... en manos de La Fura las palabras tornan a un espectáculo fascinante, sensorial y que aúna todas las artes escénicas.
CARMINA BURANA Nuevo Teatro Alcalá Del 9 al 19 de febrero
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novelas gráficas Pablo Iglesias Simón @piglesiassimon
Cómics para soñar despierto Emigrantes, de Shaun Tan, convierte en poesía visual el drama de quienes tienen que huir de su tierra natal para buscarse la vida en tierras extranjeras. Como un prestidigitador dibuja unas viñetas cargadas de un lirismo vintage que, por arte de magia y sin palabras, logran hacernos compartir la tragedia de aquellos que abandonan hogares asediados por la ausencia de oportunidades, la guerra o la represión, la extrañeza de la llegada a un país desconocido, la solidaridad entre quienes se sienten iguales en la diferencia y el extraordinario poder de las cadenas de favores desinteresados. El país de la memoria blanca, de Carl Norac y Stéphane Poulin, nos traslada a una urbe de pesadilla donde los sueños están prohibidos. Donde se despierta un animal desmemoriado que, para redescubrirse, se verá obligado a forzar el candado de lo posible con las ganzúas de la imaginación. La historia se relata, así, a través de imágenes que cuentan más de lo que muestran y que se acompañan de textos de una literalidad ilusoria. Los autores nos conducen por un mundo que sólo podrá
ser vencido mirándose a un espejo fragmentado que inevitablemente nos devolverá el reflejo del peor de nuestros enemigos. En Daytripper, ganadora del premio Eisner 2011 a la mejor serie limitada, los hermanos gemelos Fábio Moon y Gabriel Bá, construyen un relato onírico del indisoluble binomio de la vida y la muerte. A lo largo de una decena de episodios somos testigos de los diez momentos fundamentales de la vida del protagonista, Brás de Oliva Domingos, redactor de necrológicas y novelista en ciernes, y de cómo cualquiera de ellos podría haberse visto truncado con su muerte. De este modo, orquestan una oda al carpe diem, donde la muerte caprichosa nos incita a crear una vida donde elegir y formular posibilidades de dicha. Ante el inevitable callejón sin salida que nos espera, el existir se revela como un andar que construye los caminos que divergen y convergen hacia ella. La fugacidad de los instantes, nos arroja a la posibilidad de hacerlos esenciales. El pasado que nos instituye y el futuro que nos aguarda se miran entonces con la complicidad de aquellos amantes que nunca fueron pero pudieron ser. Memoria y porvenir de Brás de Oliva Domingos, su pequeña cotidianidad y sus grandes sueños, sus vidas probables y sus muertes inesperadas, hilvanan una inspiradora propuesta cuyo dibujo invita a sentir intensamente los latidos del corazón, que, quizás, pudieran ser los últimos.
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cómicas por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo
Susi Caramelo
“A mi lo que más gracia me hace es la parte más miserable de las personas” No desvelemos aún de dónde viene su nombre artístico. Lo cuenta ella misma, Susi Caramelo, una mujer de Barcelona que llegó a Madrid con la maleta cargada de humor, atrevimiento e irreverencia. No se amilana nunca ante los retos y, en ocasiones, el caramelo que nos da contiene cierto veneno. Porque sí, a nuestra invitada le gusta reírse de las miserias que todos tenemos. De ahí también nace la mejor comedia. ¡Gracias y bienvenida a Godot!
¿Quién es Susi Caramelo y por qué un nombre tan dulce para alguien con un humor sin límites? Susi Caramelo es la versión más ‘hardcore’ y ruin de mí misma, Susana Cabero. Un amigo me bautizó así una noche ¡y me encantó! Realmente, yo no elegí el nombre. El nombre me eligió a mí. ¿Cómo logras encontrar el lado cómico de la vida? A mí lo que más gracia me hace es la parte más miserable de las personas. Todos tenemos esa parte miserable que abarca pensamientos impuros y vergonzosos. A mí me gusta potenciar eso. ¿Vivimos buenos tiempos para el humor o nos envuel-
ve la corrección? Imagino que cada cómico se pone los límites que quiere. A mí personalmente me gusta el humor negro, pero sí es cierto que, si te pasas, corres el riesgo de que ciertos colectivos puedan ofenderse. Allá cada uno con las consecuencias que esté dispuesto a asumir. De todas maneras, es comedia: no hay que tomarse las cosas tan en serio. Pero claro que tiene que haber ciertos límites. El humor para ti es... La mejor medicina natural. El teatro y la cultura hoy son... La cultura es la base de la vida. El teatro es cultura, así que también.
Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.
¿Qué y quiénes te hacen reír? Las personas que más me hacen reír no se dedican a la comedia, aunque podrían hacerlo perfectamente: mi madre, mi abuela y mi mejor amiga. Mi madre es la mujer más graciosa del mundo, pero ella no lo sabe. Mi abuela tiene 80 y pico años, sigue bebiendo alcohol y fumando como un carretero y se pasa el día cagándose en la madre que parió a todo el mundo; y luego está mi mejor amiga, Anabel, que no tiene ningún filtro a la hora de expresarse, es auténtica. ¿Es difícil ser cómica en la actualidad? Hay cientos de monologuistas y creadoras providenciales. ¡Reivindiquemos la paridad del ‘stand up comedy’! Me parece que es tan difícil ser cómica como cómico. La profesión de cómico es muy difícil. Hay días en los que la actuación te sale cojonuda y te vienes arriba y otros en los que te comes una mierda y te vas con la moral por los suelos a tu casa. Es duro, pero yo no me paro a pensar si es más duro para mí por ser mujer. Creo que puedo ser tan buena como un hombre o incluso mejor. Puede sonar vanidoso, pero he visto a cómicas que le pegan 20.000 patadas a otros cómicos varones igual que he visto a cómicos que le pegan 20.000 patadas a otras cómicas. No creo que tenga que ver con el género. Sé que hay lugares que se niegan a programar a mujeres porque
piensan que no somos graciosas, pero me parece que es consecuencia de una mente retrógrada. Eso no es cierto. Lo que pasa es que en proporción somos muchas menos mujeres las que nos dedicamos a esto, pero eso no quiere decir que las que lo hacemos seamos menos graciosas que los hombres. Un momento inolvidable de tu vida... Cuando tenía 8 años fui al circo con el cole y uno de los monos llevaba el mismo chándal que yo. Lo pasé fatal. Me acordaré toda la vida. Del mono y del chándal. Un sueño de futuro, acaso un sueño cómico. Sí, el sueño de mi vida es acariciar un mono. Aprovecho cualquier oportunidad para decirlo. Estoy segura de que tiene algo que ver con lo que me pasó de niña... ¿Dónde podemos localizarte? Suelo moverme mucho por los ‘opens’ de Madrid porque los cómicos necesitamos probar textos continuamente. Me podéis ver por las salas del Madrid Comedy Club (el Hebe de Vallecas los lunes, el Intruso los martes, algún viernes o sábado en Agrado Cabaret); y también en el Fotomatón Bar cuando Luis Álvaro requiere de mis servicios porque me encanta ir con él a actuar. ¿Y por qué ir a verme a mí? ¡Porque ya me hacen entrevistas! (Risas.) ¡Algo tendré!
Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com