Godot num73 mar17 by Godot

editorial

Mujeres de teatro Las mujeres son como cerezas, ¿no? Llega marzo y los árboles que dan mujeres ﬂorecen como cerezos, ofreciéndonos el espectáculo efímero de su belleza, que es solo externa, claro. La ﬂor dará paso al fruto, rojo, brillante, terso, suave, que nos comeremos durante la primavera y el verano. El hueso, lo de dentro, lo escupiremos. Pero el cesto de la fruta no está hecho solo de cerezas, fresas o ciruelas. También hay sandías y chirimoyas, manzanas y peras. Basta ya con la maldita metáfora. Celebrar a la mujer, reivindicar su lugar, no puede ser cosa de un día ni de un mes. Ni siquiera podemos reducir esta legítima demanda a unos pocos colectivos. Muchas de las páginas que encontrarás a continuación tienen protagonistas femeninas. Son las mujeres de teatro, las artistas: actrices, autoras, directoras, poetas, músicas. Solemos tenerlas presentes mes a mes, sin esfuerzo alguno, sino porque existen. Pero a menudo nos olvidamos, tanto en otros meses, como en este marzo tan femenino, de otras mujeres de teatro: de las taquilleras, de las acomodadoras, de las regidoras, de las productoras, de las iluminadoras, de las escenógrafas, de las vestuaristas, de las ayudantes de dirección, de las limpiadoras, de las maquinistas, de las técnicas, utileras, atrezzistas, de las maquilladoras y peluqueras, de las secretarias, de las jefas de prensa, de las responsables de márketing, de las community managers, de las gestoras de públicos, de las azafatas, de las distribuidoras, de las curritas, joder, siempre en la cara oculta facilitando que los brillos de las artistas luzcan como deben. Ellas también crean. Para ellas, también, nuestra admiración y nuestra gratitud.

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sumario exkisitios.4 el arte del actor.6 comedia multimedia.10 teatralia.14 laila ripoll.18 #luchanamujer. 24 zénit.28 alberto conejero.30 antonio rojano.32 magüi mira.36 estrenos.38 lorenzo caprile.44 cómicos.48 lírica.50 danza.53 ellas crean.54 maui.58 foto portada:

David Ruiz

Revista Godot Artes Escénicas

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. COORDINADOR PUBLICACIONES David Hinarejos davidhl@revistagodot.com DIRECTOR GODOT Álvaro Vicente alvarovicente@revistagodot.com JEFE REDACCIÓN Sergio Díaz sergiodiaz@revistagodot.com REDACCIÓN redaccion@revistagodot.com, Ka Penichet, Rubén González, Regina Navarro. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo marisanavajo@revistagodot.com MAQUETACIÓN Y DISEÑO GDT Ediciones COLABORADORES Jorge G. Palomo, Juan Vinuesa, María Morales, Pablo I. Simón, Miguel P. Valiente, Neus Molina, Daniela Pascual. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

exkisitios Taller de FEEAS. Plaza de Guardias de Corps 1, Local

El rincón de las joyas hechas para no gustar En uno de los lugares quizás con más encanto de Madrid, -la Plaza Guardias de Corps-, se encuentra este rincón donde las cosas feeas han encontrado una segunda -y una tercera y una cuarta- vida. Remedios Vincent, una especialista en Bellas Artes con un universo creativo muy original y simbólico, es la maestra de ceremonias de este circo de

los horrores. Una artista que ve en los desechos de unos, tesoros para otros. Remedios se recorre todos los mercadillos y tiendas de anticuarios posibles para hacerse con esos artículos que nadie quiere mirar ya ni darles uso (dentaduras postizas, prótesis ortopédicas, ojos de cristal, jeringuillas...) y gracias a su alma de alquimista los transforma en

joyas preciosas feeas. Joyas singulares que harán que quienes las posean se sientan especiales. Además, en su tienda podemos encontrar una pequeña colección de ropa de segunda mano que combina a la perfección con sus piezas. En una ciudad que tiende a la uniformidad es maravilloso toparse con lugares como este, de los que no hay más.

Centro Dramático Nacional Dirección Ernesto Caballero

Texto y dirección Carmen Losa

Teatro María Guerrero Sala de la Princesa

Reparto (en orden alfabético) Leyre Abadía Ion Iraizoz Voces Iván Artiles Fran Cantos Elías Linder Mateo Linder Carmen Losa Carlos Puchades Eva Rubio

Del 24 de febrero al 19 de marz0 Producción Ireala Teatro y La Caja

Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Festen

Reparto (en orden alfabético) Carolina África Roberto Álvarez Carmen Conesa Manu Cuevas Karina Garantivá Gabriel Garbisu David Lorente Jesús Noguero Clara Sanchis Isabelle Stoffel

de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov

Adaptación teatral Bo Hr. Hansen

La esfera que nos contiene

Versión y dirección Magüi Mira

Del 3 de marzo al 9 de abril

Producción Centro Dramático Nacional

Teatro María Guerrero Del 22 de marzo al 9 de abril

Zenit La realidad a su medida

Joglars Dramaturgia Ramon Fontserè y Martina Cabanas Dirección Ramon Fontserè

Reparto (en orden alfabético) Ramon Fontserè Juan Pablo Mazorra Julián Ortega Pilar Sáenz Dolors Tuneu Xevi Vilà

Producción Joglars Síguenos en:

http://cdn.mcu.es www.entradasinaem.es venta telefónica: 902 22 49 49

el arte del actor por María Morales

El talento Siempre me sorprende mi propia reacción al escuchar que alguien tiene o no tiene talento, me pregunto: ¿Cómo lo sabes? ¿A qué talento te refieres? ¿Crees que el hecho de que a ti no te cautive lo que hace, significa que esa persona no puede cautivar a nadie más? No me siento capaz de definir el talento de nadie, y mucho menos el talento de alguien que se quiere dedicar a la interpretación. Todas las personas tenemos alguno o varios, si atendemos a la definición de talento: aptitud o capacidad para desempeñar una tarea. Y no conozco a nadie para quien haya sido fácil la decisión de dedicarse a esto y mucho menos la dedicación puesta en ello. Si alguien es capaz de asumir las renuncias, las incertidumbres, los sinsabores y el largo recorrido que supone, ¿no será porque sabe que hay algo creativo pugnando por salir aunque no haya encontrado su vía? También conozco a muchas y muchos rechazados en escuelas, compañías o pruebas que han creado su propio camino con éxitos personales y profesionales, y conozco a otros tantos de los que yo misma pensaba que ‘no valían’ y que están trabajando y hasta me gustan ahora.

La opinión de alguien sobre lo que valemos o para lo que valemos en un momento, no es más que eso, la opinión de alguien. No es una verdad ni un absoluto. A veces se ajusta a gustos personales, a cánones establecidos y admitidos por el grueso de la profesión, o a un bloqueo particular y transitorio del propio artista. Darle más valor a eso que a la necesidad personal de la expresión artística me parece un error. Hay miradas de fuera que nos pueden ayudar a descubrir cosas para crecer, pero la decisión de si valemos o no, es sólo nuestra. Intentar acercarse a lo que se supone que es el talento, o la expresión del talento, quizá nos lleve a debilitar el nuestro, o a alejarnos de poder expandirlo y disfrutarlo. Dejémonos guiar por nuestras sensaciones. Casi todos recordamos momentos concretos que nos han sido detonantes maravillosos de nuestra expresión. No paremos de buscarlos, de provocarlos, de vivirlos y de compartirlos. Desarrollemos los talentos personales, que en este mundo todo cabe.

Actriz y profesora de interpretación en el Instituto del Cine de Madrid www.mariamoralesactriz.com

la mujer a escena

La noche de los Teatros Décimo año en que nuestra ciudad rinde homenaje al teatro durante una noche y como antesala del Día Mundial del Teatro el próximo día 27 de marzo. El sábado 25 podremos asistir a toda una serie de actividades escénicas que girarán en esta ocasión en torno a la mujer y a su destacado papel en el mundo de las artes escénicas. Las obras abordarán cuestiones como la superación personal, el aprendizaje y la emancipación vistas desde un punto de vista femenino y en clave tanto dramática como de comedia, con la mujer como actriz, directora, dramaturga y también personaje de los más importantes textos de la historia. El pregón correrá a cargo escrito por la dramaturga Lola Blasco y leído por la actriz Susi Sánchez en la Real Casa de Correos Sol. A continuación, allí mismo se podrá disfrutar del espectáculo de la Maga Amélie para todos los públicos, Interrupted de Teatro en Vilo, Cáscaras Vacías con texto y dirección de Laila Ripoll y Magda Labarda, Esencia de Aída Gómez, Leyendo Lorca de Irene Escolar, Mi lucha de Antonia San Juan, Penal de Ocaña de Nao D’Amores dirigido por Ana Zamora, Antes del silencio… de Tamako Akiyama con dirección de Dimo Kirilov, y Material frágil dirigido por Carlota Ferrer. Además, en la Casa Museo Lope de Vega se podrá asistir a una lectura dramatizada por alumnas de la Resad (Real Escuela Superior de Arte Dramático); en el Auditorio Casa de Correos tendrán lugar las conferencias Mujer y Teatro en la vida y obra de Cervantes por Natalia Menéndez; y en la Plaza de Pontejos y Metro de Madrid se podrá disfrutar de la animación Código Cromático por la compañía Alehop (en la foto).

Toda la programación en www.madrid.org/lanochedelosteatros

la era de la tecnolOrgía por Álvaro Vicente

Producto de entretenimiento definitivo Steve Jobs y Bill Gates, incluso Mark Zuckerberg, son tipos importantes porque con sus juguetitos han cambiado el mundo. La aparición de uno de ellos presentando un nuevo producto tecnológico es un acontecimiento que concita las miradas de medio planeta. Pero hay una cosa innegable: esas presentaciones están cargadas de teatralidad, se sirven de un arte tan antiguo como el teatro para desvelar sus inventos cargados de futuro. Así que, ¿por qué no llevar al teatro un espectáculo inspirado en esos eventos y aprovechar para deslizar una reflexión, en tono absolutamente cómico, sobre nuestra relación con la tecnología? Eso es lo que han hecho Yayo Cáceres a la dirección y Álvaro Tato a la dramaturgia con esta Comedia multimedia, protagonizada por Inma Cuevas, Jacinto Bobo, Fran García y David Ordinas. Entre todos han cocinado un show de sketches que emula una de esas presentaciones, con Miss Web a la cabeza, acompañada de su coro de hologramas, que responden a los nombres -¿o habría que decir nicks?- de Bit, Click y Link. Teatro, música y humor se dan la mano en un montaje que, a qué negarlo, tiene algo del espíritu ronlalero, pues no en vano su director y su dramaturgo son componentes de Ron Lalá.

Cero prejuicios

Como toda obra teatral que se precie, aquí también debemos tener los móviles apagados. De lo contrario quizás nos perdamos algún detalle importante de la decena de escenas que la componen, escenas en las que se habla de gente enamorada de su gps, de videojuegos, redes sociales... “terabytes de carcajadas, emociones y temazos sobre el siglo de los drones -dice Álvaro Tato-. Streaptease de contraseñas. Inquietantes reparadores de discos duros. Odisea griega de la diosa Tecné. Domingo de pesca en red para quienes mueven los hilos. Drama de Dron Juan Tecnorio... Todo acompañado por música original,

“Streaptease de contraseñas. Odisea griega de la diosa Tecné. Drama de Dron Juan Tecnorio...” del pop-rock al bolero, de la coral barroca al hip-hop. Cero prejuicios”. Todo esto va siendo hilado por la maestra de ceremonias, Miss Web, hasta que los hologramas se rebelan contra ella y la juzgan. El final está próximo. Es el momento de enseñar el producto que ha estado presente durante toda la función en el escenario, pero oculto. ¿Qué será?

FOTOS DEL REPORTAJE Y PORTADA: David Ruiz

Azul multimedia

Sólo sabemos que será el producto de entretenimiento definitivo. Hasta llegar ahí disfrutamos de hora y media de show teñido de azul... ¿azul twitter? ¿Azul facebook? “Más que eso -explica Inma Cuevas- es algo inspirado en esos vendedores de las tiendas de Apple en el caso de los actores y de jefa de sección de un gran almacén tecnológico, con una imagen muy pulcra, en mi caso. Ahí todo el mérito es de la diseñadora de vestuario, Tatiana de Sarabia, que se involucra de una manera que yo nunca he visto. Es genial, porque hace que de la misma prenda salga todo”.

Interactividad

Por su parte, toda la música ha sido compuesta para la ocasión por Yayo Cáceres, con letras de Álvaro Tato. La música, de hecho, fue lo primero y a partir de ahí se

fueron añadiendo los distintos elementos que componen el espectáculo. Un espectáculo que llega a Madrid ya muy rodado. Se estrenó el pasado 1 de septiembre de 2016 en el L.A.V.A. de Valladolid y allí hizo sus primeras 12 representaciones. Y desde entonces ha llegado casi a la treintena por diversas ciudades españolas, con lo que se ha ido puliendo gracias al contraste con el público. “Fue muy curioso en Valladolid -rememora la actriz- porque ellos presumen de ser un público muy duro. Y funcionó, así que... además, la media de edad era elevada y aunque piensas a priori que igual no van a pillar ciertas cosas, entraban en el juego, porque interactuamos mucho con el público, tiene un componente muy cabaretero, y se tronchaban de risa”. Apaguen, pues, sus cacharritos y dispónganse a disfrutar del mejor arte mulmedia: el teatro.

Comedia multimedia Con dirección de Yayo Cáceres y textos de Álvaro Tato, Inma Cuevas canta, baila y actúa junto a David Ordinas, Fran García y Jacinto Bobo. Teatros Luchana A partir del 4 de marzo

en familia

TEATRALIA 2017 Llega, del 3 al 26 de marzo, la XXI Edición del Festival Internacional de Artes Escénicas para niños y jóvenes organizado por la Comunidad de Madrid, donde podremos disfrutar con las mejores creaciones nacionales e internacionales para público familiar. 24 obras programadas, de las cuales vamos a destacar 10. Este Festival es uno de los mejores escaparates para observar cómo se trabaja y se cuida al público más exigente

POP UP GARDEN

ALEGRÍA, PALABRA DE GLORIA FUERTES

Espectáculo de danza multimedia de la Compagnia TPO (Italia), que explora nuevas formas de expresión más allá de las barreras culturales.

Espectáculo de clown de la compañía Teatro de Malta, porque el payaso es quizás la mejor voz para los poemas de la gran poeta madrileña.

Teatros del Canal. 3 y 4 de marzo

Centro Cultural Pilar Miró. 8 y 9 de marzo

en familia

FRAGILE (FRÁGIL)

A GRUTA DA GARGANTA

Espectáculo poético y visual que explora el desequilibrio y la inestabilidad. Pensado para peques a partir de 3 años. De Le Clan des Songes (Francia).

Investigación sobre la génesis del lenguaje desde los primeros balbuceos del bebé. A partir de 3 meses. De La Casa incierta (España/Brasil).

Centro Cultural Pilar Miró. 15, 16 y 17 de marzo

Teatros del Canal. 7 y 8 de marzo

SIN PALABRAS (SE LAS LLEVÓ EL AIRE)

MARAVILLA EN EL PAÍS DE LAS MISERIAS

Un espectáculo luminoso, un soplo de vida de LaSal Teatro para bebés a partir de 6 meses. Es una pequeña maravilla escénica que os fascinará.

Espectáculo de Átikus Teatro que pretende inspirar el deseo de ser personas más conscientes, solidarias, comprometidas y libres. A partir de 8 años.

Teatro Pradillo. 10 y 11 de marzo

Teatro de la Abadía. 12 y 14 de marzo

en familia

MOBY DICK

MARVIN

Imaginativo juego teatral de Teatro Gorakada que nos propone un maravilloso viaje por el conocido relato de Herman Melville. A partir de 6 años.

Puppet Theatre Ostrava nos cuenta la historia de un chico adolescente que vive en un internado del que huye adentrándose en su propia fantasía.

Centro Cultural Pilar Miró. 20 y 21 de marzo

Teatros del Canal. 10 y 11 de marzo

ANTE MÍ, EL CIELO

LAMPARITA, GUISANTE Y PLUMA

Espectáculo de teatro físico de los canadienses DynamO Théâtre que se centra en el exilio, en las esperanzas que dejan atrás los que desaparecen.

Espectáculo delicado y suave de Ljubljana Puppet Theatre que embelesa a los pequeños a partir de 1 año y los sitúa en un agradable estado emocional.

Centro Cultural Paco Rabal. 4, 8 y 9 de marzo

Sala Cuarta Pared. 19, 20 y 21 de marzo Toda la programación en www.madrid.org/teatralia/2017

en familia

El mejor circo familiar en Tarambana Del 11 de marzo al 9 de abril llega la IX Edición de Chiquicirco, Festival de Circo en el Teatro Infantil. Todo un clásico de la Sala Tarambana que hará que los más pequeños disfruten con los espectáculos más divertidos y sorprendentes dentro de las disciplinas de circo, clown, magia, títeres, malabares... Esta edición comienza con Alicia Benito metida en el papel de Clementina, una payasa entusiasta, amante de las emociones, muy tierna... pero también muy golosa y testaruda (11 y 12 de marzo. Foto 3). Fiﬁ y Cosquilla nos traen su Circo de pacotilla (18 de marzo. Foto 5), espectáculo clown familiar, inspirado en los circos ambulantes de antaño, interpretado por dos payasos tan charlatanes como artistas. El Mago Oliver y su inestimable compañera Eva nos traen Valores Mágicos (19 de marzo. Foto 1), un espectáculo donde nos deleitarán con increíbles números de magia: objetos y dibujos que recobran vida, magia que sale de los propios espectadores, recetas mágicas inverosímiles e impactantes efectos especiales. El increíble Magomino nos presenta su nuevo espectáculo El cuentista mágico (25 de marzo. Foto 4) donde va narrando sus cuentos a través de la palabra y del Kamishibai, el teatro de papel japonés, donde las historias se sucederán y donde las emociones, la magia y la imaginación serán la mejor compañía. Girasola, cargada de inocencia, pues es la mejor manera de emprender las pasiones que tenemos, nos muestra que la vida es frágil y bella y que es un camino que se puede recorrer con gran entusiasmo. Espectáculo de la compañía Angosta di mente que cierra el festival en el mes de marzo (26 de marzo. Foto 2). Descubre en Tarambana toda la magia del mejor circo.

CHIQUICIRCO Sala Tarambana Del 11 de marzo al 9 de abril

leyenda medieval por Ă lvaro Vicente

Laila Ripoll

FOTO: Javier Naval

“La historia de un rey que pasa de sus obligaciones es muy actual” Al frente de su compañía, Micomicón, Laila Ripoll dirige, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, La judía de Toledo, de Lope de Vega, con un reparto encabezado por Federico Aguado, Ana Varela y Elisabet Altube Micomicón, en estos 25 años de vida de la compañía, se ha caracterizado por combinar los montajes de obras clásicas con textos contemporáneos, aunque llevábais un tiempo ya sin abordar un clásico, si no me equivoco... Pues no tanto, el último pseudo clásico, podríamos decir, lo estrenamos en el pasado festival de Almagro, el Cervantes ejemplar, una relectura de El licenciado Vidriera y El celoso extremeño, que está dentro del proyecto Teatros ejemplares, en el que estaba también Perra vida de José Padilla. ¿A qué responde la elección de una obra como La judía de Toledo? Helena Pimenta da mucha libertad en todas las creaciones y ella, como creadora, entiende que no te mueven

“Nos gustaba mucho La judía de Toledo porque es un texto muy muy político, lleno de claroscuros, puro Lope” la tripa los clásicos en general, te mueven textos concretos. Y le propusimos La judía de Toledo porque llevábamos mucho tiempo con ganas de hacerlo. Y también era una obra que se ajustaba a un número de actores que nos podíamos permitir.

Entiendo que habéis reducido elenco porque sobre el papel es bastante amplio. Lo que pasa es que esta obra tiene la particularidad de que la primera jornada no tiene nada que ver con la segunda y con la tercera, así que la primera la hemos convertido en un NO-DO, porque hemos ambientado la obra en los años 60-70. Realmente lo que nos interesaba era la segunda y la tercera, que es la historia propiamente dicha de la judía de Toledo, la que recoge la leyenda medieval del rey Alfonso VIII y la judía. Y además, es la primera vez que el personaje tiene nombre, Lope la llama Raquel a la judía, lo que también le da algo más de entidad al personaje. ¿Y por qué os gustaba tanto este texto, qué tiene? Porque es un texto muy político, mucho, y es un texto con muchos claroscuros, es muy Lope en ese sentido, y tiene unos personajes que no son ni blancos ni negros, sino todo lo contrario, que lo hace muy interesante. Y porque es una historia de pasiones y de crímenes, llena de teatralidad. Es la historia de un rey que se enamora perdidamente de una chica, que resulta que es judía... En realidad lo mismo da que sea judía, es judía como podía ser biolorrusa, no ahonda demasiado en ese punto. El

FOTOS OBRA: MarcosGpunto

La judía de Toledo El 25 de abril de 2017 hará 25 años del estreno, en el teatro Lope de Vega de Chinchón, de Los melindres de Belisa, de Lope de Vega. Y 25 años después Micomicón estrena La judía de Toledo, de Lope de Vega también. En realidad, Lope ha estado siempre ahí, es el santo laico favorito de la compañía (que también ha acometido La dama boba, El acero de Madrid o El bastardo Mudarra, incluso una versión teatralizada de El arte nuevo de hacer comedias). Pero Micomicón también es contemporaneidad sin renunciar a la tradición, con textos de Laila Ripoll y Mariano Llorente como Atra Bilis, Santa Perpetua, Todas las palabras, Los niños perdidos o los más recientes El triángulo azul y Cáscaras vacías.

Teatro de la Comedia Del 8 al 26 de marzo

rey Alfonso está casado con Leonor y se enamora de otra, tiene una querida, y por tener una querida, se dedica a la holganza con la querida y abandona sus obligaciones. Nos parecía como que era muy actual. ¿Ah sí? No sé por qué lo dices... Si quieres te hago un croquis (risas). Es que ha sido empezar a ensayar y salir todo lo que ha salido. Es eso, el poderoso que por sus placeres, por sus cazas, por sus queridas, abandona sus obligaciones. Y siempre se ha representado esta función en ese sentido, no hay tanto una lectura antisemita o filosemita, da igual el hecho de que sea judía o no el personaje, eso es más la nota exótica. Pero más allá de dar la nota exótica, ¿qué papel juega Raquel? Raquel es la víctima, es el daño colateral. Es la mujer enamorada, recluida en el palacio de Galiana, viviendo muy bien, sí, pero no deja de ser una víctima. Luego hay otro personaje maravilloso que es el de la reina Leonor Plantagenet: ella es la que urde la tragedia, pasa de ser víctima a ser verdugo.

Parece que de un tiempo a esta parte se tiende a dar más importancia a los personajes femeninos del teatro clásico español, se les atribuyen características feministas muy de nuestra época que entonces serían impensables. ¿Qué piensas tú?

“En el Siglo de Oro había grandes personajes femeninos porque había grandes actrices y se escribía para ellas”

Hablar de feminismo en textos del siglo XVII está totalmente fuera de lugar. Lo que sí hay son grandísimos personajes femeninos, entre otras cosas porque había grandísimas actrices en esa época. En el teatro isabelino, los personajes femeninos, a excepción de los muy viriles como Lady Macbeth y poco más, son personajes completamente anodi-

nos, la propia Ofelia es una tontuna de personaje, porque lo hacían chavalitos imberbes, aquí en cambio había unas actrices tremendas, que han pasado a la historia, se escribía para ellas. Hay personajes femeninos muy buenos en nuestros clásicos: Finea, Laurencia, esta reina Leonor, personajes con mucha hondura. Lope conocía muy bien a las actrices y escribía para ellas. Igualito que hoy... Bueno, lo único malo es que en el Siglo de Oro todos estos personajes eran jóvenes, son personajes que intentan burlar siempre la autoridad, lógicamente, sobre todo en las historias de amor. No es el caso de La judía de Toledo. Pero en las comedias son mujeres pícaras, muy listas. Por eso casi nunca hay madres, siempre son padres, porque a la madre es imposible burlarla. Más en www.escenagodot.com

la visión kamikaze de molière

A vueltas con la verdad

FOTO: Eduardo Moreno

El reestreno de la versión de Kamikaze Producciones de El misántropo de Molière (que aquí perdió el artículo) nos invita a recordar como nos presentó su director, Miguel del Arco, este proyecto basado en la obra escrita en 1666 con la que su autor quiso expresar su cabreo con el género humano y la sociedad del momento. Alcestes, el misántropo “Cuando arranca la obra, el personaje está ya muy pasado de vueltas, ha llegado a un punto en el que casi es un personaje insufrible. Yo quise poner mucho cuidado, porque a veces el público siente un cierto rechazo hacia Alcestes y no quería que eso ocurriera. La única manera que se me ocurría era que el público empatizara con el dolor, el profundo dolor que él siente. Porque Alcestes ha decidido decir siempre la verdad y hay algo en eso que lo vuelve un personaje incómodo. La verdad es siempre un tema delicado. Cuando dices la verdad, molestas, sobre todo en esta sociedad de lo políticamente correcto. Se está convirtiendo en todo un arte esconder lo que realmente piensas”. ¿Una Comedia? “Misántropo no puede ser sólo una comedia cuando tiene un personaje brutalmente trágico en su interior. Su protagonista es alguien que tiene un dolor infinito que no puede soportar y termina renunciando a todo precisamente porque no sabe manejar ese dolor. La gente se descojona en algunos momentos, porque tiene situaciones muy divertidas, pero no es una comedia”. Contexto actual “Los personajes son algunos de los asistentes a una fiesta, que puede ser la de una gran corporación o la de un partido político, no se especifica. Es un grupo humano en el que medrar, susceptible de que todo el mundo se pelee por los puestos de poder. Se me ocurrió que todo esto sucediera en el callejón de atrás, ese lugar sucio y oscuro al que se sale a fumar o a cualquier otra cosa. Ahí transcurre nuestro Misántropo, mientras en las paredes se proyecta en sombras lo que está sucediendo dentro, en la fiesta, en un guiño al mito de la caverna de Platón. Es gente guapa, estupendamente vestida, pero rodeada de mugre”.

Misántropo Dirección y versión de Miguel del Arco con Israel Elejalde, Ángela Cremonte, José Luis Martínez, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez. Pavón Teatro Kamikaze Del 9 al 26 de marzo

Ciclo #LuchanaMujer por Sergio Díaz

Foto: La Venus abierta, de la Compañía Vuelta de Tuerca

Empoderamiento femenino Marzo es el mes de la mujer y en los Teatros Luchana apuestan por la mujer dentro de las artes escénicas con una programación especial que se engloba dentro de ‘Mujeres en la escena’ Ciclo #LuchanaMujer. El punto de partida será el 6 de marzo con la presentación del ciclo (18h) y un debate posterior (18h30) sobre la presencia de la mujer en las artes escénicas donde participan Berta Ojea (secretaria de Igualdad de la Unión de Actores y Actrices), Sandra Dominique (Asociación de Autores de Teatro), Yolanda Dorado y Conchita Piña (Liga de Mujeres Profesionales del Teatro) y Beatriz Santiago (Dinamia). Un interesante coloquio para abordar cuestiones

preocupantes sobre la desigualdad en este sector, donde la mayor parte de productos teatrales son realizados por hombres y con una temática claramente más orientada al gusto masculino, donde aún hay diferencias entre los salarios de hombres y mujeres, sobre la escasa presencia de las mujeres en puestos importantes de producción, sobre la importancia que tiene que las mujeres puedan tener presencia en el espacio público a través de la escena, etc...

La mujer protagonista

Habrá 17 montajes dentro de este ciclo. Una variada programación que abordará distintas

1. El tren de las 22.27. 2. Fragmentos de Teatro I, de Samuel Beckett. 3. Relatos eróticos, de Victoria Siedlecki. 4. El cuadrilátero, del Laboratorio teatral ‘Cómo me pone la lavadora’.

visiones del universo femenino. Desde la trata de blancas que se aborda en Periodo de reflexión, hasta historias de amor y desamor en Petra y Carina, pasando por las relaciones de desigualdad entre hombres y mujeres en El cuadrilátero, o el aprendizaje sobre las relaciones de pareja que siempre se abordan con mucho humor en Miss Tupper Sex, Abandónate mucho o Histeriotipos. Incluso habrá tres espectáculos infantiles para que nuestros pequeños descubran pronto el significado de la palabra igualdad. Tras la presentación, el mismo día 6 de marzo (19h30) podremos disfrutar con uno de los montajes más interesantes, La Venus abierta, con texto y dirección de Juanma Romero Gárriz (Nada que perder o Prisionero en mayo). Es una comedia de

humor negro que aborda temas como la feminidad, la identidad sexual y los ideales de unos personajes con una idea común: son activistas que, a través del Arte, tratan de luchar por alcanzar la igualdad de género. Una gran iniciativa la que ha puesto en marcha los Teatros Luchana, en un sector, el artístico, que no debería permitirse ningún tipo de desigualdad. La sociedad misma no debería permitirse ningún tipo de desigualdad, actitud machista ni violenta para poder crecer como una sociedad sana que realmente merezca la pena. Pero las Artes en general, con lo que esta disciplina implica para la vida emocional de las personas, debería ser el mejor ejemplo y ser la abanderada en la lucha por el empoderamiento femenino. #NiUnaMenos

Ciclo #LuchanaMujer Programación especial de teatro hecho por mujeres con 14 montajes para adultos y 3 espectáculos infantiles Teatros Luchana Desde el 2 de marzo

delicadeza y ferocidad por Álvaro Vicente

El abismo de la incomunicación entre madre e hijo Dice Pablo Messiez: “como un testigo minucioso y prudente, Santiago Loza reconstruye universos íntimos sirviéndose de la cultura popular y de una escucha alerta de sus modos de habla. Su mirada estratégicamente ubicada en una esquina, termina siempre por revelarnos la extrañeza, la maravilla y el horror de lo cotidiano”. El director argentino afincado en Madrid se estrena en La Abadía y lo hace estrenando en España un texto de un compatriota suyo, un autor nunca representado aquí, Santiago Loza, una figura clave ahora mismo en la dramaturgia latinoamericana y uno de los autores contemporáneos más representados en Buenos Aires. La obra es la historia de una madre y un hijo (Isabel Ordaz y Nacho Sánchez les dan vida) entre los que se extiende el abismo de la incomunicación. El padre va a llevar al chico, que sufre un trastorno mental, a un hospital para dejarlo internado. Ahora, la madre busca las palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una

mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo, quien no solo no lo hace jamás, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo que para los demás humanos es inaccesible. “Amor y horror conviven en sus obras -continúa Messiez- encarnados generalmente en mujeres. Mujeres que no pueden dejar de hablar para intentar comprender de qué se tratan sus vidas”. Y en esas vidas habita la paradoja, como no puede ser de otra manera, como le sucede a Mirian, esa madre que pasa de lo cotidiano a lo misterioso, de la convención de clase media-alta al personaje de tragedia que de pronto decide alejar a su hijo de su vida. Lo inesperado es una clave básica de esta historia, reflejando así los monstruos que a todos nos habitan en las profundidades de nuestro ser. Somos misterios andantes fingiendo ser normales.

He nacido para verte sonreír Pablo Messiez aborda un texto del también argentino Santiago Loza, con Isabel Ordaz y Nacho Sánchez como intérpretes. Teatro de La Abadía Del 1 al 19 de marzo

oda a la ética periodística por Álvaro Vicente

FOTOS: David Ruano

En plena forma a los 55 El periodismo y los periodistas de hoy están en el centro de la diana en el nuevo espectáculo de Els Joglars. Una de las enseñanzas básicas que recuerdo de cuando estudié Periodismo en la Complutense de Madrid era la máxima “el periodista nunca es el protagonista”. ¿Qué ha pasado en estos últimos 20 años para que una compañía como Els Joglars haya puesto en marcha toda su maquinaria sarcástica con el periodista como objetivo? Ha pasado primero el periodismo espectáculo abonado por las televisiones y ha pa-

sado internet y las redes sociales, que nos llevan a consumir titulares de usar y tirar. Y sigue pasando lo de siempre, que el periodismo es más un aliado del poder que su vigilante, que es lo que debería ser. Pero Ramón Fontseré puntualiza que “no es que nos caigan mal los periodistas, ¿eh?, al contrario, para este montaje hemos consultado con muchos amigos periodistas. El espectáculo quiere ser más bien una reflexión sobre la responsabilidad compartida entre el lector y los medios en cuanto a que nos traguemos todas

Zénit Llega lo último de Els Joglars, dirigido y protagonizado por Ramón Fontseré. Teatro María Guerrero Del 22 de marzo al 9 de abril

las noticias que nos embuchan. Los periodistas ocupan un lugar estratégico muy importante y muy peligroso a la vez, pero el espectáculo es un canto a un periodismo responsable, ético”.

Circo mediático

Fontseré es el protagonista, Martín, uno de esos periodistas a la vieja usanza, de los que gastan las suelas pateándose la calle, de los que todavía creen que sin contraste de fuentes y sin confrontación de versiones no hay periodismo que valga. Pero enfrente tiene a los buitres del circo mediático (y lo del circo no es metafórico, porque algo de artes circenses tiene también el espectáculo). Martín aboga por hacer las cosas con detenimiento, con tiempo, pero las leyes del entretenimiento informativo tienen otro ritmo, no hay lugar para el análisis y las tertulias no son más que posicionamientos inquebrantables enfrentados sin lugar al debate verdadero. Todo eso se cuenta con las armas ‘joglarescas’ de siempre, con la ironía más afilada que nunca, con distintas escenas pautadas

musicalmente, escenas corales donde el texto es un elemento más, no el principal. Y todo mirado desde el zénit, de ahí el título, desde ese punto vertical de observación perfecto que te da una visión global sobre algo.

Medio siglo y un documental

Els Joglars está celebrando sus 55 años de trayectoria. 55, sí, pero en plena forma. Para celebrarlo, se estrenará también en el teatro María Guerrero un documental sobre el proceso de creación de Zénit que ha dirigido Arantxa Aguirre. A pesar de toda esa experiencia acumulada, Fontseré reconoce que cada espectáculo nuevo pone el contador a cero y vuelven todos los miedos. Eso sí, Zénit ya ha estado girando con éxito por varias plazas españolas antes de llegar a Madrid. En Catalunya, sin embargo, sigue la relación tirante: “allí todo sigue igual -dice Fontseré-, pero es que tampoco viene gente a vernos, así que para que nos vamos a pelear por ir, no vale la pena. Cuando pase la chifladura, si es que pasa algún día, que lo dudo, ya veremos...”

fin del mundo, principio de todo Álvaro Vicente

Alberto Conejero

“Nadie es realmente libre hasta que se realiza una confesión radical ante otro” ¡Por fin Ushuaia en un escenario! Había mucha gente deseando ver montada esta obra... Sí, por fin. Esta obra empezó a escribirse, si no recuerdo mal, en el 2012, y luego ganó el Premio Ricardo López Aranda en 2013. Así que sí, cinco años hace.

En la ciudad más austral del mundo, Mateo vive recluido en el corazón del bosque, custodiando las reliquias de una historia de amor imposible. Esa vida solitaria se quiebra cuando llega Nina a su vida, una mujer que también guarda más de un secreto.

¿Cómo ha sido el reencuentro con este texto? La primera felicidad que he tenido es poder completar la obra, porque ha tenido un proceso de reescritura muy intenso. Quizá yo no lo sabía, pero aún no estaba listo entonces para escribir Ushuaia, solamente para intuirla, y han tenido que pasar los años y concretarse este montaje, con este director y este elenco, para poder completar el viaje. ¿En qué medida ha cambiado la obra con la reescritura? Alguno de los pilares de la obra están ahí, todo lo que tiene que ver con la identidad, con qué papel juega el recuerdo o la ficción como una guarida peligrosa, la idea de que un hombre o una

mujer somos nosotros y también nuestros fantasmas, la idea de necesitar a otro para tener cierta redención... todo eso está ahí, pero sin embargo creo que con los años yo no soy el mismo, han pasado muchas cosas, estoy más cerca de los 40 y se nota en la escritura. Ahora la obra habla más de la idea de la confesión, de la necesidad que tenemos todos de confesión. Nadie es realmente libre -siguiendo a María Zambrano- hasta que realiza una confesión radical ante otro. ¿Cómo influye todo esto en los personajes? Concretamente creo que los personajes femeninos ahora tienen muchos más matices, están más trabajados, ha habido una conciencia de género que yo no tenía hace 5 o 6 años, sobre el papel de la mujer en la guerra, que está mucho más jugado. Creo que el teatro no debe amagar cuál ha sido el sufrimiento de las mujeres en pos de un discurso más correcto, sino mostrarlo precisamente para denunciarlo.

FOTO: Javier Naval

Has citado en otro contexto, hablando de esta obra, a Tennessee Williams: “todos estamos aquí para ser testigos de algo, para ser la guía y el consuelo de otra persona”... Eso también es el teatro y me gusta pensar que hasta que Nina no es testigo, no escucha, no conoce la historia de Mateo, Mateo no puede entenderse y dejarse ir. Mateo ahora, en esta nueva versión, organiza sus recuerdos casi como un director de escena o como un autor, es más teatral. La ficción nos permite conocernos, nos permite perdernos para conocernos. ¿Qué aporta la visión del director, de Julián Fuentes Reta? Julián es un hombre cargado de pasión teatral por un lado, pero con una cabeza prodigiosa, y me ha hecho descubrir muchas cosas. Y no solo él, porque escribir

para el concreto de los actores es un regalo para un dramaturgo. Que coincidan varias obras en cartel ahora mismo, como El cartógrafo y Himmelweg de Mayorga, como Último tren a Treblinka, que extraen de un episodio de horror historias que hablan de esperanza, de bondad, de humanidad, como sucede también en Ushuaia, no es casualidad, ¿no? No es fortuito. La tiniebla está siendo convocada, volvemos al pasado no como arqueólogos, sino para saber qué sabe el pasado de mí. Para mí Ushuaia, que dialoga también con pelis como El lector o El hundimiento, plantea lo compleja que es la realidad. El heroicismo de sofá es muy fácil, pero hay situaciones que nos ponen a los hombres y a las mujeres en posiciones extremas para las que no estamos preparados.

Ushuaia José Coronado al frente de un reparto dirigido por Julián Fuentes Reta, que completan Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas. Teatro Español Del 16 de marzo al 16 de abril

entre olvido y obsesión Álvaro Vicente

Antonio Rojano

“No tengo ni idea de cuál es la forma correcta de enfrentarse al desamor”

Con el estreno de Furiosa Escandinavia, el Teatro Español recupera la tradición de montar las obras ganadoras del Premio Lope de Vega y esta del autor cordobés lo fue en 2016.

¿Qué esconden las dos palabras del título de la obra? Más allá de lo literal, la obra habla de un viaje que culmina en un fiordo noruego, pero de algún modo también todo este paisaje, esta furiosa Escandinavia, tiene mucho que ver con el terreno simbólico, este frío del norte relacionado con el espacio del desamor, ese espacio inhóspito, helado, desolador, incluso romántico, de los antiguos románticos, que es el duelo amoroso. Y lo que ocurre en la obra es que se encuentran Erika, que acaba de ser abandonada por su novio, y Balzacman (que es un nick que usa este personaje en las redes sociales) que también ha sufrido la pérdida de su novia. Los dos se encuentran en el momento en el que acaban de perder el amor. ¿Y la furia? Porque parece que el frío y la furia son antagonistas... o no, tratándose de amor. Furioso por cómo reaccionamos a la derrota amorosa. Balzacman llega hasta Noruega y de algún modo va recreando una ficción

en la que la chica que ha perdido todavía sigue existiendo y lo hace de un modo furioso. Pero no tiene que ver con algo violento necesariamente. He leído que, de alguna forma, esta obra es deudora de En busca del tiempo perdido de Proust... Sí, utilizo aquí un poco el mecanismo de la memoria proustiana, que él usa de forma tan innovadora en esa novela. Furiosa Escandinavia es una obra sobre la memoria y sobre el amor, pero jugando con los opuestos, el cómo enfrentarnos al olvido tras el duelo amoroso, a la pérdida. La novela de Proust me dio pie a jugar con determinados mecanismos que son el motor de la obra. ¿Hay más formas de enfrentar el desamor que el propio paso del tiempo? Lo que Erika quiere aquí es olvidar, y para eso se toma una pastilla, lo cual introduce también un elemento de ciencia-ficción, una pastilla que es capaz de

FOTO: Javier Naval

eliminar el recuerdo de la persona amada. Ella olvida a T., que nunca sabremos qué hay detrás de esa inicial, lo olvida tomándose esa pastilla, y Balzacman se enfrenta al recuerdo generando una fábula donde encuentra a la chica que ha perdido. Digamos que son dos caminos distintos pero complementarios respecto al dolor: uno lo borra, en un proceso más interno, y otro se queda atrapado en un bucle obsesivo y se plasma en un viaje más hacia afuera. Si hay un mensaje en la obra, que tampoco es mi intención, es que ninguna de esas dos formas es la correcta. Y no sé cuál sería la forma correcta. ¿Hasta qué punto la narrativa, la gran narrativa, es decir, Proust, Melville, alimenta tu dramaturgia? Para mí es un alimento y un motor y un impulso fundamental.

Y si consideramos En busca del tiempo perdido como una novela que innova respecto a la narrativa de su época, sí que trato de utilizar más allá de los temas de la novela, diversos recursos que no siempre son bien asimilados por la escena. En esta obra he introducido conscientemente un elemento narrativo en muchas escenas, como fragmentos del diario de Balzacman, que remite un poco al Diario de un loco de Gogol, por ejemplo. Se trata de explorar caminos nuevos. ¿Qué piensa el director de todo esto? Bueno, Víctor conoce la obra desde hace tiempo y él ya me dijo en su día que le parecía un texto con mucho humor, a pesar de tratar el desamor. A Víctor le resultaba muy atractivo por esto y por todos esos lenguajes que yo como autor pongo en juego.

Furiosa Escandinavia Víctor Velasco dirige a Sandra Arpa, Irene Ruiz, David Fernández Fabu y Francesco Carril en una obra que habla ya de la madurez dramatúrgica de Antonio Rojano Teatro Español Del 9 de marzo al 16 de abril

centenario de Gloria Fuertes

Una Poeta, una mujer, irrepetible

El pasado enero el Ayuntamiento de Madrid aprobaba por unanimidad una serie de propuestas para reivindicar la figura de la poeta Gloria Fuertes como homenaje en el centenario de su nacimiento. Una de esas iniciativas será la exposición GLORIA FUERTES 1917-1998 que se abrirá del 14 de marzo hasta el 14 de mayo en el Fernán Gomez. Centro Cultural de la Villa, alrededor de la cual gravitarán todos los demás actos. En ella podremos realizar un recorrido por su vida y obra en una muestra que cuenta con la colaboración de la fundación que lleva su nombre. Poeta, dirigida mayormente a los más pequeños, fue también una mujer adelantada a su época, feminista, pacifista, reivindicativa, surrealista, postista, siempre del lado de los desfavorecidos. Su nacimiento en Lavapiés en el año 1917 y la guerra civil,

el hambre, la censura, la postguerra, desigualdades sociales, penurias, además de su condición de mujer en una época donde ellas se encontraban relegadas a un segundo plano, marcaron su visión del mundo y de sí misma. Fuertes escribía lo que veía y sentía siempre a través del humor, del surrealismo y sobre todo de la poesía social. Una voz diferente dentro del panorama literario español que si bien obtuvo reconocimiento en las décadas de los sesenta y los setenta, su voz poética destinada a los adultos se vio eclipsada por el auge de su poesía infantil. Es por eso que esta exposición se dirige a todos los públicos, de 0 a 99 años, porque para todos ellos escribía. La exposición tendrá un diseño donde las imágenes, los objetos y material de archivo, los audios y sobre todo, sus poemas, nos ayudarán

Inspirando teatro

Algunos de los documentos que podremos ver en la exposición.

a conocerla y a comprenderla en su totalidad. Sin fragmentaciones, rompiendo esquemas predeterminados sobre su obra. Porque realmente se quiere mostrar que Gloria Fuertes, la poeta, no es solo aquel personaje que surge en los años 70 con su participación en televisión. Más allá de la exposición, y unos días antes, comenzará el homenaje de su amada ciudad de Madrid, el fin de semana del 11 y 12 de marzo, con una lectura continuada de su obra en la que participarán representantes de la cultura, la política y la ciudadanía. También el 13 de marzo se organizará en el teatro del Ateneo un homenaje y más adelante se le dedicarán dentro de los cursos de verano de San Lorenzo del Escorial unas jornadas. En la próxima Feria del Libro de Madrid se habilitará un espacio con el nombre de la autora y los Veranos de la Villa programarán actividades por el centenario. Por decidir quedan un par de propuestas aún no concretadas como la inclusión de algunas citas literarias adornando las calles de la capital y el nombrar una plaza próxima a Lavapiés con su nombre.

Varias son las compañías teatrales que han buscado inspiración en Gloria Fuertes para sus espectáculos a lo largo de los años. Con el centenario de su nacimiento coincidiendo con una programación dedicada desde los teatros Luchana especialmente a la mujer (pág. 24) se estrenará la obra para todos lo públicos Deambulantes o la verdadera historia de la poeta errante, un espectáculo inspirado en la vida y obra de la poetisa creado a partir de la actuación. Basado en un trabajo de teatro físico, clown, teatro de objetos y música en vivo, nos narra como Berta inventa máquinas para viajar y otros inventos extravagantes mientras Violeta trata de encontrar su verdadera vocación hasta que un día recibe un regalo inesperado de su tía Calixta: una máquina de escribir. Con sus máquinas deciden ir de pueblo en pueblo compartiendo lo que realmente les gusta hacer: poemas, fábulas, adivinanzas y trabalenguas. Además, en el especial Teatralia que os mostramos en la págs. 14-16 os presentábamos también Alegría, palabra de Gloria Fuertes de Teatro de Malta.

hipocresía social bien cohesionada Álvaro Vicente

Magüi Mira

FOTO: Daniel Dicenta

“Hagamos teatro, que nos sirva para tomar partido y comprometernos”

Mientras sigue en cartel en el Teatro Bellas Artes La velocidad del otoño, Magüi Mira afronta la dirección de Festen, una obra incisiva sobre una familia de clase alta que salta por los aires durante la celebración del 60 cumpleaños del padre, con acusaciones de abuso de menores por medio.

Aprovechamos para felicitarte por la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes que has recibido. Suponemos que es un premio importante para ti además de poner en el foco a las directoras de teatro, que también existen. Muchas gracias. Pues sí, ha sido algo muy importante para mí, sin duda, primero porque es un reconocimiento civil, del Estado, no es un jurado de compañeros de teatro, que también es valiosísimo, pero en este caso trasciende todo eso, porque es el gobierno del PP, no te lo pierdas, que premia a una directora de teatro. Es una satisfacción doble, porque la teoría de la paridad nadie se atreve a discutirla, pero en la práctica no se da, porque tampoco se legisla para que se dé, no es casual. Hay que seguir peleándolo y esto me anima y es precisamente lo que pienso decir cuando me lo den. Este premio es para mí y para todas las mujeres que están en la brecha y que no tienen esta visibilidad, esta posibilidad de decirlo.

¿Cuándo se te hará entrega de la medalla? Pues como lo entregan los Reyes no se sabe, dependemos de la agenda de La Zarzuela... ganas me dan de recoger el premio, saludar muy cortésmente y girarme y decir ¡viva la República! Pero igual me toca pagar una multa, que ahora ponen multas por todo, ¿sabes no? Cosas de la doble moral, lo cual nos viene muy bien para empezar a hablar de Festen, que tiene un poco de esto, ¿no? Un poco no, ¡muchísimo! Porque este texto, brillante, impactante, rabiosamente contemporáneo, donde pone el acento es precisamente ahí, en la doble moral, en esta hipocresía endémica que tenemos en este país, que no salimos de ella, que pase lo que pase miramos hacia otro lado para mantener este sistema, que por otro lado está podrido, corrupto, y que es evidente que no es el sistema que necesita este país para el bienestar de sus ciudadanos.

FOTOS: marcosGpunto

Habrá que seguir haciendo teatro para denunciarlo... Claro, hagamos teatro, que no cambiará el mundo, pero nos va a ayudar a comprenderlo, a comprometernos, a tomar partido. Bueno, el CDN es Estado también al fin y al cabo y mira, nos da una ventanita de luz... Lo que cuenta al final dentro de las instituciones son las personas, y ahí está ese Ernesto Caballero, una persona talentosa, sencilla, solidaria, inteligente y él ha dicho sí a esta obra que yo he querido hacer toda la vida. ¿Por qué te ha interesado tanto este texto? Bueno, vi la película primero y luego vi el montaje teatral en París y me pareció que era perfecto para hablar de todo esto y vi cómo yo quería contarlo.

¿Cuál es tu enfoque? Yo la abordo de una manera muy minimalista y muy radical. Los autores pensaron en su día que algo tan bestia como lo que se cuenta aquí, que no está admitido socialmente, iba a provocar rechazo, pero hicieron la película y se llevaron la sorpresa del éxito y de los premios. ¿Por qué? Ahí es donde he puesto yo el foco. Efectivamente, este mundo oscuro, podrido, injusto, que estamos viviendo, con un sistema aterrador del que no hay manera de salir por esa cohesión de la hipocresía y la corrupción general, tiene enfrente, como ocurre en la obra, a esos hijos kamikazes que se rebelan sostenidos, y esto es lo importante, por el mundo de los criados, que pelean y consiguen hacer aflorar las miserias de los poderosos. Esa revolución radical es lo que yo quiero subrayar.

Festen Carmen Conesa y Roberto Álvarez encabezan el reparto de esta versión teatral que hicieron Thomas Vinterberg y Mogens Rukov de la película Celebración que dirigió el primero y que fue el primer filme del movimiento Dogma 95. Teatro Valle-Inclán Del 3 de marzo al 9 de abril

estrenos

El mejor legado de Fernando Uno de los textos más representativos del teatro español contemporáneo y el mejor y más celebrado de su autor, Fernando Fernán Gómez, sólo comparable a El viaje a ninguna parte. Esta versión teatral está dirigida por César Oliva y protagonizada por Llum Barrera, Esperanza Elipe, Patxi Freytez, Álvaro Fontalba y Manolita Ases, entre otros. En el verano de 1936 estalla la Guerra Civil. En la ciudad de Madrid, la familia formada por don Luis, su esposa Dolores y sus hijos, Manolita y Luisito, comparten la cotidianidad de la guerra con la criada y los vecinos del edificio. Luisito, a pesar de haber sido suspendido, quiere que su padre le compre una bicicleta. Pero la situación va a obligar a postergar la compra. Y el retraso, como la propia guerra, durará mucho más de lo esperado. La cotidianidad de una guerra vista con humor por alguien que fue un maestro en burlar a la vida.

ADDIO DEL PASSATO Teatro Fernán Gómez Del 16 de marzo al 16 de abril

LAS BICICLETAS SON PARA EL VERANO Teatro Fernán Gómez Del 9 de marzo al 30 de abril

Addio del passato es un aria del tercer y último acto de la conocida ópera de Verdi La traviatta. Apoyándose en este momento cumbre de la lírica universal, el conocido periodista teatral Julio Bravo ha construido su primera dramaturgia de gran formato, que tuvo su estreno en la Pensión de las Pulgas. Blanca Oteyza la dirige y Lola Baldrich, Fran Calvo, Noemi Rodríguez, José Emilio Vera, Orencio Ortega y Rebeca Matellán la protagonizan. Margarita Gauthier es una célebre cantante de ópera que conoce a Armando Duval, un joven admirador que desde hace años la sigue por todos los teatros del mundo. Entre ambos surge la pasión. Pero se hace tarde. La muerte espera. Toca despedirse. Y una diva siempre se despide a lo grande.

Fotos de ensayo: marcosGpunto

Dudas y contradicciones para manejarse en el poder El director Emilio Hernández recupera tres décadas después de su estreno esta obra de Antonio Gala en la que el gran protagonista es el poder, encarnado en una de las figuras que ha traspasado los límites de la Historia: Séneca. Este filósofo, político, orador y escritor romano es conocido como el máximo representante del estoicismo y moralismo romano tras la decadencia del gran Imperio. Ese halo de rectitud y virtudes con las que la figura de Séneca ha llegado hasta nuestros días, en contraposición a las muchas contradicciones que adornaban sus actos, le sirvió a Anto-

nio Gala para escribir un texto sobre las luces y sombras de uno de los grandes prohombres. “Se despliegan en Séneca desde la manipulación del gobernante hasta el tácito consentimiento a la injusticia; desde la renuncia hasta la ambición; desde la educación de un rey-filósofo a las solapadas insinuaciones de un filósofo-rey; desde el ejercicio de la libertad hasta el apoyo de la tiranía; desde la sumisión hasta el reto rebelde; desde el asesinato por razones de Estado hasta el adormecimiento de la razón”, escribió el gran Gala para definir cómo se conducía Séneca en su vida.

Esta versión es un espectáculo multidisciplinar que se sustenta en el texto original, pero en el que hay poemas añadidos (versión de Emilio Hernández), coreografías de Amaya Galeote, vestuario contemporáneo de Felype de Lima, música de Marco Rasa y la presencia, imponente y maravillosa presencia, de la cantaora Carmen Linares en directo sobre el escenario. Un lujo escénico 30 años después. Sergio Díaz

SÉNECA Teatro Valle-Inclán Del 24 de marzo al 14 de mayo

EL PINTOR DE BATALLAS Teatros del Canal Del 22 de marzo al 16 de abril

El Sermón del Bufón es un acto insólito en la historia de nuestro teatro. No se trata de ficción como siempre sucede sobre una escena. Es el relato directo y real de un artista expresando sus pensamientos y representando situaciones auténticas de su propia vida. Sin perder nunca el sentido del humor, Albert Boadella desdobla su personalidad entre el niño y el viejo artista, entre el indómito y el cívico, entre el histriónico y el reflexivo. Interpretándose a sí mismo, realiza un repaso mordaz al oficio de comediante y una mirada irónica a su agitada vida con Els Joglars. Las proyecciones de los fragmentos más relevantes de sus obras se entremezclan con osadas reflexiones sobre la belleza y la transgresión, y los tabús de la modernidad.

OFF Teatro Lara Miércoles de marzo y abril

Jordi Rebellón y Alberto Jiménez interpretan esta obra que es la primera novela de ficción de Arturo Pérez-Reverte que se lleva al teatro. Antonio Álamo dirige este texto en el que se relata el encuentro entre un antiguo fotógrafo de guerra, Andrés Faulques, refugiado en un pueblecito de la costa mediterránea, e Ivo Markovic, un exsoldado croata al que Faulques retrató en una fotografía que le valió un importante premio. Markovic le ha buscado durante años y tiene la intención de matarle... Pero antes quiere conocer mejor a Faulques. La novela, publicada en 2006, es un libro “autobiográfico en un 85 o 90 por ciento” según declaró el autor, quién se ha mostrado muy satisfecho con el resultado de esta adaptación teatral.

EL SERMÓN DEL BUFÓN Teatros del Canal Del 8 al 11 de marzo

Producción de Nuev9 Norte Teatro que vuelve al Teatro Lara. Es una comedia escrita y dirigida por Marcos Fdez. Alonso. Daniel es un actor frustrado que malgasta sus 39 años tratando de enseñar literatura a adolescentes poligoneros mientras Carmen, su mujer, triunfa en el cine. Cuando consigue un papel protagonista en la delirante obra que se representa en una sala desvencijada del circuito off de teatro y conoce a los peculiares actores y actrices que la mantienen viva, decide aprovechar la última oportunidad de alcanzar su sueño. La obra habla de cómo salimos de nuestro lugar (off) cuando somos arrastrados por la fascinación, ya sea en lo profesional o en lo amoroso. Es un homenaje al amor, a la literatura, a la fascinación por vivir...

Cosas de familia Estamos, huelga decirlo, ante uno de los grandes clásicos del siglo XX, un intenso drama familiar, profundo, honesto, divertido y sensual. Conflictos universales y eternos (la muerte, la mentira, el sexo, la represión, la homosexualidad, la ambición, la frustración) conforman la obra maestra de Tennessee Williams, que fue estrenada en 1955 y por la cual ganó su segundo premio Pulitzer. Además es la obra favorita del autor, según todas las fuentes. Y con el vasto y buen repertorio que tiene el escritor norteamericano, con títulos como Un tranvía llamada deseo, La Rosa tatuada o El zoo de cristal, ya es mucho decir. Y para no desmerecer a su

autor nos llega una versión de Amelia Ochandiano con equipo artístico de auténtico lujo. Juan Diego, Eloy Azorín, Maggie Civantos, José Luis Patiño, Marta Molina y Ana Marzoa nos narran las difíciles relaciones que mantienen los miembros de una familia. El padre cumple 70 años y le están preparando una fiesta de cumpleaños. Sus dos hijos con sus mujeres han acudido a la casa familiar para celebrar la onomástica y la, aparentemente, recuperada salud del padre. Brick, el hijo menor, pegado a una botella de whisky desde hace unos meses y despreciando a su mujer; Gooper, el mayor, con su esposa Mae haciendo

méritos para hacerse con la posible herencia del patriarca; y Maggie la Gata, en medio de todos, una nuera bella y ansiosa, dispuesta a arañar a todo aquel que ose arrebatarle lo que la vida puede ofrecerle. Ambiciones, deseos, celos, mentiras, fracasos... confluyen para dar lugar a una de las tormentas familiares más famosas del teatro contemporáneo. S. Díaz

UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE Teatro Reina Victoria Desde el 17 de marzo

Los demonios de Lear Manuel Calzada Pérez fue galardonado con el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2014 por su maravillosa obra sobre María Moliner, El diccionario. Tras esa ola de reconocimientos le llegó la hora de enfrentarse de nuevo a su realidad: la de volver a crear y demostrar a los demás -y a sí mismo- su capacidad para lograr de nuevo un texto que estuviese a la altura. Y aquí lo tenemos. Para exorcizar a sus demonios se ha sumergido en un reto mayúsculo, poner frente a un espejo

a uno de los grandes autores de la literatura universal: William Shakespeare, y sacar distintos matices a uno de sus textos más complejos. Un viejo actor tiene una cuenta pendiente con El Rey Lear y con su vida personal. Con ayuda de su compañera, ensaya la función para poder llegar a saldar esa deuda teatral algún día y reconciliarse de igual forma con su hija. Ambos ríen, lloran, bromean y combaten, como en todo buen teatro. Son dos actores intentando ajustar cuentas

con su propio destino. Pero el universo imaginado por Shakespeare es demasiado poderoso como para salir indemne. El Rey Lear y yo, escrita y dirigida por Calzada, cuenta con Helio Pedregal y Begoña Valle como protagonistas. Ambos son también pareja fuera del escenario, lo que dota de más ambigüedad a este juego de espejos, donde la vida real se confunde con el teatro, donde el autor, el actor, la actriz y los espectadores nos podremos mirar a nosotros mismos. Sergio Díaz

EL REY LEAR Y YO Sala Arapiles 16 Del 2 de marzo al 2 de abril

BERTO ROMERO Teatro de la luz Philips Gran Vía Del 2 al 18 de marzo

Hay profesiones en las que el contacto humano es inevitable, y los problemas pueden aparecer en cualquier momento. Y si eres director de una sucursal bancaria, todavía peor. Si eres director de una sucursal, hoy en día, las cosas pueden llegar a complicarse de manera alarmante. Y es que hasta ahora, en nuestro civilizado mundo, cuando alguien necesitaba dinero iba al banco y pedía un crédito. La mayor parte de las veces se lo concedían. Pero si no era así, callaban y volvían para su casa, cabizbajos, pensando que las cosas iban muy mal, que el crédito no fluía y se conformaban. Hoy ya no puedes confiarte... Nuevo reparto con Antonio Pagudo y Vicente Romero para esta comedia que aborda temas muy serios.

PAGAGNINI Teatro Alfil Desde el 8 de marzo

Los rumores eran ciertos. Berto Romero estaba atravesando una etapa complicada. La fama se le había subido a la cabeza, los traumas que acarreaba desde pequeño por su aspecto físico y la tormentosa relación con su familia le habían hecho ir dando tumbos. Digámoslo claro: no estaba bien. Pero Berto ha vuelto. Ahora es un padre responsable, un cómico respetado y está alcanzando la madurez. A un paso de ser un cuarentón, cree haber aprendido algunas buenas lecciones que quiere compartir con nosotros. Ha superado los complejos y traumas que le atenazaron en el pasado, y todo apunta a que está desarrollando unos nuevos. Por lo demás, sigue obstinado en cantar y bailar y en explicar su vida. Y la de los demás. Sigue con nosotros.

EL CRÉDITO Teatro Maravillas Desde el 3 de marzo

El exitoso espectáculo que Yllana coproduce junto a Ara Malikian, regresa para celebrar su décimo aniversario después de visitar 28 países... aunque en esta ocasión el violinista libanés no estará sobre el escenario, pero no importa. Thomas Potiron junto con Eduardo Ortega, Fernando Clemente y Gueorgui Fourdnajev aunarán en un mismo plano el humor, la locura de Yllana y la música. Estos cuatro grandes músicos, repasan algunos momentos cumbre de la música clásica fusionados con otros estilos musicales, consiguiendo un divertido y sorprendente Des-Concierto, gracias a su virtuosismo, con el que pretenden reinventar la manera de concebir un recital, para que el público descubra en los pasajes musicales una mirada diferente.

25 años en la moda y el teatro por Regina Navarro

Lorenzo Caprile

“Al contrario que en el taller, en el teatro lo último es mi propia visión” Lorenzo Caprile está satisfecho. “Hace unas semanas actualizaba mi currículum y me daba cuenta de que, en los últimos diez años, he logrado tener un gran bagaje en el mundo del vestuario teatral”, nos explica mientras conversamos en una coqueta cafetería del centro de Madrid.

Es la imagen de una persona que disfruta con lo que hace. Un cuarto de siglo al frente del taller que abrió en la calle Claudio Coello le han dado para mucho, incluso, para tocar techo. Explica que eso sucedió justo después de crear aquel vestido rojo que la entonces Princesa Letizia lució en la boda de Victoria de Suecia. Llevaba quince años diseñando trajes de novia, prendas para mujeres de la alta sociedad, y necesitaba afrontar nuevos retos. Tenía energías y ganas para empezar, o más bien retomar, algo que había dejado aparcado: crear para artes escénicas. El mundo del vestuario teatral era algo que siempre le había llamado la atención. Al mismo tiempo que confeccionaba su primer traje de novia para Carla Royo Villanova, participaba en Los amigos del muerto, un corto dirigido por Icíar Bollaín en el que aparecían Álex Angulo, Ana Duato, Cayetana Guillén Cuervo o Francis Lorenzo, por nombrar a unos pocos, y que les auguró, a la mayoría, un floreciente porvenir. “Al terminar salió otro proyecto que rechacé y que hizo Paco Delgado. Siempre pienso que, de haber elegido ese trabajo en lugar de continuar con las novias, tal vez habría llegado a lo que alcanzó él”, suspira Caprile. Pero los vericuetos de la vida le devolvieron la oportunidad de resarcirse. Fue tras una conversación con amigos cuando decidió escribir unas líneas a Eduardo Vasco, entonces director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. A partir de ahí empezaron las colaboraciones, cada vez más recurrentes -alcanzan la docena

solo con Vasco-, los trabajos fuera de España, los retos con Carlos Aladro, José Martret de La Casa de la Portera, con Magüi Mira, con Nacho García -con quien preparó una ópera para Bilbao- con José Luis Alonso de Santos, con Josep María Pou en Mérida... El 3 de marzo se estrena Festen, una obra dirigida por Magüi Mira para la que has hecho el vestuario. ¿Cómo ha sido ese trabajo? Es la segunda vez que trabajamos juntos. Me llevo muy bien con ella y da la casualidad de que nos acaban de conceder a los dos la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Ella tenía las ideas muy claras y es verdad que la obra, desde el punto de vista del vestuario, es relativamente fácil. Es una cena de gala, una familia de un altísimo nivel social en la que salen todos los trapos sucios habidos y por haber. Quería magníficamente bien vestidos a los hombres, que van de esmoquin, y para ellas vestidos de fiesta. A mí, que me den carta blanca diciéndome que tengo que hacer cuatro trajes de noche deslumbrantes... me hace muy feliz. Todo es en blanco y en negro. Todo ha sido muy sencillo, lógicamente con las angustias y los contratiempos que tienen todos los montajes. ¿Qué aspectos tienes en cuenta a la hora de abordar el vestuario? Una de las peculiaridades del vestuario teatral es que, como es todo en tiempo real y muy inmediato, ahí reside también su esencia, es necesario identificar muy bien los personajes. En eso me

FOTOS: En la otra página, Lorenzo Caprile con los actores del Ricardo III de Eduardo Vasco. Sobre estas líneas, diseños para La dama boba y para Hedda Gabler.

baso mucho en el mundo del cómic: si los malos van de negro, es bueno que vayan siempre así, para que en un golpe se puedan identificar y no haya dudas. Es mi manera de trabajar. Creo que es bueno que haya golpes de efecto llamativos. Es cierto que las prendas tienen que estar bien hechas y rematadas, pero no me pierdo en ese detalle minucioso de tardar cuatro horas en elegir un botón, porque eso en teatro no se aprecia. Si buscas un efecto tiene que ser algo realmente potente para que se pueda ver desde todos los ángulos del teatro y que desde todos los puntos de vista tenga la misma fuerza. Vaya, que aquí las sedas naturales no son necesarias. Que va, esos tejidos, bajo los focos, se deslucen. La mayoría de las veces, los tejidos que mejor funcionan sobre el escenario son los que en la mano parecen un horror. ¿Sueles seguir un proceso muy similar cuando se sumerge en el diseño de un vestuario? Sí, siempre es muy parecido. Lo primero es el texto, es lo que manda, después va el director, a fin de cuentas, es el que firma el espectáculo, el que tiene su visión y su modo de entender el personaje. Luego va el actor. Para mí los tres están en paralelo y las tres visiones tienen la misma importancia. En teatro, al contrario que en el

taller, donde en realidad tengo que elegir todo, lo último es mi propia visión. ¿Es común que los directores marquen mucho lo que quieren? Depende de cada director y de cada montaje hay muchas pautas o todo viene más marcado. A veces te dan vía libre y, en otras ocasiones, necesitan que seas una herramienta más para llevar a cabo lo que ellos necesitan. Además de en España, tus creaciones han viajado hasta Alemania, las veíamos hace poco en el Ballet de Berlín. Sí, fue un proyecto muy enriquecedor al que llegué a través de Nacho Duato. ¿Hay mucha diferencia a la hora de trabajar en el extranjero? No, la mayor diferencia es el presupuesto. Allí tenían una cantidad que, desgraciadamente, aquí no tenemos. Pero la forma de trabajar al final es muy similar en un sitio y en otro. A fin de cuentas es crear ropa, escenario, pruebas... Comentabas que recibiste la Medalla de Oro al mérito de las Bellas Artes, igual que Magüi Mira. ¿Cómo te sentiste cuando te la otorgaron? Muy sorprendido y con mucha ilusión, no me lo esperaba para nada, entre tú y yo, creo que es un

FOTOS: Las fotos de estas dos páginas pertenecen a sendos montajes de La dama boba y El rey pastor.

poquito exagerada, pero si el ministro te la da, supongo que tendrá sus motivos. Pero muy contento sobre todo porque él hizo especial hincapié en mi trayectoria como modista en mi taller, pero sobre todo él destacaba todos los aspectos de mi trabajo como figurinista teatral. Hace poco tuve que actualizar mi CV y en diez años empiezo a tener un bagaje que no está nada mal. He tocado todos los palos: teatro, ballet clásico, baile español, ópera… solo me queda la zarzuela. ¿Y con qué te gustaría estrenarte? Ay, yo soy muy castizo. Me encantaría una Verbena de la Paloma, una Revoltosa… pero nada de llevada a los años 80 y con el vaquero. No, no, no, con los aditamentos de la época. Todo llegará. A veces algunos figurinistas se han quejado de que su trabajo no es del todo reconocido. ¿Qué opinas al respecto? Yo creo que sí, sobre todo porque por detrás de nosotros tenemos a grandes maestros, uno de los cuales falleció hace un par de años, Javier Artiñano, y gracias también al padre de todos nosotros que es Pedro Moreno. Ya se han encargado ellos de allanarnos el camino y dejar claro cuál es la importancia de nuestro trabajo. Es cierto que un mal vestuario puede desmejorar mucho la obra… Efectivamente, no se trata simplemente de hacer un dibujito mono para poner en el programa de mano. El problema ahora mismo de nuestro

trabajo es el problema que tiene todo el teatro español, que vamos muy justitos de presupuesto. Todos se quejan siempre de lo mismo, y no les falta razón. Pero me siento querido y respetado, al menos desde mi experiencia nunca me he sentido ninguneado. Llevas 25 años creando y, desde hace diez, inmerso en el mundo del teatro. ¿Cómo valorarías ese periodo? Mis primeros encargos fueron en el año 93, pero empezaron a gestarse mucho antes. Empecé a trastear y a moverme en el mundillo de la moda en el otoño del 92. A lo largo de 25 años han pasado por mis manos mujeres muy diferentes tanto en personalidad y gustos o ideas, como en edad o forma del cuerpo, eso es algo muy enriquecedor. Por suerte también lo permite el mundo del teatro, allí hay de todo. Nuestra conversación avanza hacia el lenguaje, que maravilla a Caprile y lo llevó a estudiar Filología. Nos explica que le encanta escribir para los medios, cuando se lo permiten; que detesta el término diseñador porque carece de significado; que él prefiere que lo llamen modista, sí, terminado en “a”, porque es lo correcto y no tiene sentido decirlo de otra manera; que las novias siguen ocupando la mitad de su agenda, igual que los vestidos de fiesta; que reserva la otra media al teatro. Pero, sobre todo, nos explica que, si llegado un punto tuviera que decantarse por una de sus grandes pasiones, estaría en un gran aprieto.

cómicos por Jorge Gª Palomo @jorgegpalomo

Virginia Riezu

“La comedia siempre fue mi mejor arma para vencer la timidez” Le iba siguiendo la pista, pero no coincidíamos nunca. Y, de pronto, durante unos días, estuve con Virginia Riezu a todas horas: en la fiesta de Buscando la comedia (para La Sala de RNE), grabando vídeos y en la gran velada de los II Premios Godoff, donde fue la estrella de la noche. La ‘vis cómica’ es el arma más letal de Virginia Riezu, esta actriz, monologuista e improvisadora, que derrocha naturalidad e ingenio. Esta mujer es una sorpresa andante y se merece todo lo bueno que le pase.

¿Quién es Virginia Riezu? Una actriz emprendedora que llegó a Madrid hace 16 años. Ya había pasado por el Club de la Comedia, pero dejé el ‘stand up’ a un lado, porque quería ser actriz, pero las oportunidades no llegaban y pensé que podía fabricarlas. Por eso me hice cómica, aunque me imponía mucho. Pero decidí que era poderosa y que iba a hacer las cosas que me daban miedo. La comedia siempre fue mi mejor arma para vencer mi timidez desde pequeña. El humor para ti es... Mi medio de vida. Un sello, a veces hasta involuntariamente. Y siempre un gran misterio porque creo que no se enseña. No creo en los cursos de comedia, creo en sacar la

comedia de cada uno, específica, la que te mueve; creo en la formación autodidacta, en leer, ver y rodearte de comedia. Creo también en el poder de contar tus miserias, en exponerte, en lo íntimo, lo pudoroso. El teatro y la cultura hoy son... Conceptos muy grandes. Tan grandes que el teatro es de las pocas cosas que no puedes meter ni ver en tu teléfono móvil. De hecho debes apagarlo cuando vas... ¿Qué y quiénes te hacen reír? Juan Vinuesa es la persona que más me hace reír del mundo. Por necesidad, no puedo dejar de fijarme en

Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.

las mujeres cómicas: desde la Sardá a Eva Hache, Ana Morgade, Patricia Sornosa, Malena Pichot & Charo López, Caitlin Moran, Ellen Degeneres, Ali Wong, Amy Schummer, Iliza... Y también Ignatius, Faemino y Cansado, Ilustres Ignorantes, Louis CK. ¿Y dónde podemos verte dándolo todo cómicamente? Con mi show Para ser mujer eres bastante graciosa actúo por locales de toda España, aunque estoy ya mirando teatros para establecerme en Madrid. ¿Es difícil ser cómica en la actualidad? ¡Somos pocas! Es una pescadilla que se muerde la cola. (Virginia Riezu dibuja un círculo vicioso). A ver: Hay pocas cómicas. Tengo miedo, porque es muy complicado (para todos). Es machista el circuito (y la vida). No lo hago. Hay pocas cómicas... y vuelta a empezar. (Cierra el círculo). ¿Cómo fue tu primera vez... en escena? Como actriz en una obra del grupo de teatro universitario de Pamplona; recuerdo salir a escena y que me deslumbraran los focos en la cara. Y sentirme una puta estrella. Y ni siquiera hablaba. Como monologuista, en un certamen también universitario que gané y con el que fui al Club de la Comedia. Recuerdo no tenerlo escrito, haberlo cambiado todo a última hora porque me vino la inspi-

ración -¡trabajo bien bajo presión, Jorge!- y también tomarme un par de chupitos antes de salir, porque estaba cagada. Un momento inolvidable de tu vida fuera de los escenarios... Pues yo era una chica exenta de gimnasia que llevaba un corsé ortopédico, con 15 años, imagínate, en plena adolescencia... Era Robocop. Uno de los primeros días iba en el autobús, éste dio un frenazo y yo me caí, pero en bloque, como una cucaracha boca arriba y no podía levantarme porque era toda “de una pieza”. Veía todo cabezas mirándome desde arriba, y me dio por reír. Te vimos también radiante en los Premios Godoff. ¡Enhorabuena de nuevo! ¿Qué claves nos darías para hacer un buen ‘show’? ¡Muchas gracias! Conozco bien el sector ‘low cost’ del teatro y tenía muchas ganas de reírme de nuestras penurias… (Risas. Y no, no nos da ninguna clave, pero sugerimos ver cómo conduce una gala para aprender observando a esta gran artista). Un sueño de futuro, acaso un sueño cómico. Sacar las tostadas del tostador sin quemarme. Y tener una serie propia al estilo Roseanne, Aída, Amy Schummer o Lena Dunham... ¡Por pedir!

Puedes leer la entrevista completa en www.escenagodot.com

ópera Miguel P. Valiente

Celebrando las virtudes del amor conyugal Rodelinda fue el brillante colofón con el que Georg Friedrich Händel cerró ese asombroso periodo de un año (1724-1725) en el que el compositor alemán afincado en Londres compuso del tirón nada menos que tres obras maestras encargadas por la Royal Academy of Music. Tras los éxitos del sensacional Giulio Cesare (febrero de 1724) y del no menos aclamado Tamerlano (octubre de 1724), Rodelinda se estrenó en febrero de 1725 y supuso un éxito inmediato. No poco tuvo que ver en esta acogida que Händel, además de su habitual artillería de melodías maravillosas, volviera a utilizar para su producción a la pareja del momento, el legendario castrato Senesino y la no menos famosa y siempre polémica prima donna Francesca Cuzzoni. Extravagantemente pagados, el dúo formaba una fórmula de éxito en un Londres que por aquel entonces era la capital mundial de la ópera. Con un libreto firmado por Nicola Francesco Haym Rodelinda, regina de’ Longobardi, HWV 19 trata, al igual que las otras dos óperas mencionadas de ese fabuloso año, de luchas de poder dinástico. Si bien, en esta ocasión, los personajes presentan un semblante más realista y se percibe una mayor apuesta del autor por resaltar el humanismo de los protagonistas y, de paso, celebrar las virtudes del amor conyugal. Tras la muerte de Händel, Rodelinda y todas sus demás óperas fueron paulatinamente desapareciendo de los teatros, olvidadas por un público más interesado en los nuevos códigos románticos. La soberbia partitura languideció en biblio-

Rodelinda Se representa por primera vez en Madrid esta ópera de Händel tras su estreno como concierto hace cinco años. Teatro Real Del 24 de marzo al 5 de abril

tecas hasta que en el primer cuarto del siglo XX, el historiador del arte Oskar Hagen se dio cuenta de que, además de contener una abundante sucesión de arias da capo, la obra poseía una dramaturgia solvente que podía enganchar al público de la época. Así fue como el 26 de junio de 1920 tuvo lugar el estreno moderno de una ópera de Händel. El éxito fue tal que en pocas décadas se recuperó la producción operística de Händel en su totalidad, que se ha posicionado como uno de los autores más programados en teatros de ópera del mundo. Rodelinda fue presentada en Madrid en versión concierto en el Auditorio Nacional en octubre de 2012 con Alan Curtis a la batuta. Gracias a la coproducción del Teatro Real con otros cuatro teatros europeos (Gran Teatre del Liceo, la Ópera de Lyon y la Ópera de Frankfurt), el público madrileño podrá disfrutar, por primera vez, de la ópera representada. En esta ocasión la dirección musical correrá a cargo del director musical del Real, Ivor Bolton, un especialista en Händel. Firma la dirección escénica el reputado Claus Guth cuyo estreno en el Real tuvo lugar el año pasado con un sobresaliente Parsifal.

lírica

Lluís Pasqual en la Zarzuela La producción de zarmontaje se edifica en zuela Château Marbase a la versión libre gaux y La viejecita es que propone Pasqual, un programa doble que transforma la esintegrado por estas cena en un chispeandos obras firmadas te concurso de radio por Manuel Fernánen la España de los dez Caballero. En años 50. 2009 ganó el Premio Château Margaux es al mejor espectácuun juguete cómicolo operístico de la lírico en un acto con temporada que cada música de Fernández CHÂTEAU MARGAUX / LA VIEJECITA año conceden los Caballero y libreto de Teatro de la Zarzuela Del 25 de marzo al 8 de abril Críticos de Ópera de José Jackson Veyán. Barcelona. Se trata La Viejecita es una de un espectáculo zarzuela cómica en producido por el Teatro Arriaga, el Festival un acto con libreto de Miguel Echegaray. Son Grec de Barcelona y el Teatro Campoamor de dos juegos líricos sobre las apariencias para Oviedo, que cuenta con la dirección musical conseguir los objetivos, sobre los fines que no de Miquel Ortega y con la dirección de escena justifican los oscuros medios utilizados. de Lluís Pasqual, que con este proyecto afronta Qué gran noticia disfrutar de tanto Lluís Pasqual por primera vez la dirección de una zarzuela. El por nuestra ciudad últimamente.

MARINA / MADAME BUTTERFLY Teatro de la Luz Philips Gran Vía Del 23 al 26 marzo y del 28 mar. al 2 de abril

La Compañía Estudio Lirico de Madrid y La Orquesta Filarmónica Mediterránea nos presentan a finales de este mes dos óperas populares muy diferentes entre sí. En primer lugar llegará Marina, ópera en tres actos de Emilio Arrieta que es una adaptación de la Zarzuela de Francisco Camprodón de Miguel Ramos Carrión que fue estrenada en 1855. La acción transcurre en Lloret de Mar y cuenta los amores y desamores de Marina, Jorge y Pascual. Después podremos ver Madame Butterfly, ópera de Giacomo Puccini en tres actos con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en la obra Madame Butterfly de David Belasco. La historia nos narra la dramática vida de una mujer que pierde absolutamente todo.

danza

FOTO: Johan Persson

El universo Bourne

EARLY ADVENTURES Teatros del Canal Del 15 al 18 de marzo

Llega a los Teatros del Canal el espectáculo que lanzó la carrera del exitoso coreógrafo británico Matthew Bourne, quien está considerado como uno de los coreógrafos y directores con más éxito del Reino Unido. En Early Adventures, Bourne apuesta por un programa que incluye las obras que lanzaron su carrera, deslumbrando con su estilo, ingenio e imaginación. The Infernal Galop es un retrato de la Francia tradicional desde la visión conservadora inglesa. Town and Country es una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos. Y Watch with Mother – Seen but not heard? está basada en las famosas parodias de guardaría de Joyce Grenfell, con música de Percy Grainger, Bach y Faure. El estreno en España de este espectáculo forma parte de las celebraciones del trigésimo aniversario de la compañía New Adventures.

Los hombres de la danza Los Ballets Trockadero de Montecarlo -compañía de danza formada solo por hombres, fundada en 1974 y conocida como Los Trocks- ofrecen un espectáculo que fusiona la danza y la comedia a partes iguales. Parodiando obras clásicas, desde El lago de los cisnes a Giselle, y coreografías de Merce Cunningham, Pina Bausch y George Balanchine, entre otros, los Trocks presentan una divertidísima y pomposa fiesta, combinando su conocimiento y amor por la danza con una perversa sensibilidad cómica. La compañía de danza estadounidense se ha especializado en el repertorio clásico y original del estilo ruso, que interpretan exagerando todas sus peculiaridades e incluyendo gags como caídas. Su objetivo es hacer pasar un buen rato al público entremezclando travestismo, danza clásica, teatro y humor.

BALLETS TROCADERO MONTECARLO Teatros del Canal Del 29 de marzo al 9 de abril

reivindicando a las creadoras

COMPROMISO CON LAS MUJERES, COMPROMISO CON LA CULTURA

La verdad es que desearíamos que llegase el momento que no fuera necesaria una nueva edición de este festival, que llegase el instante en que las mujeres en la cultura, como en la sociedad, tuvieran el mismo espacio y las mismas oportunidades que los hombres y no tuvieran que luchar día a día para reclamarlo. Lamentablemente no es así y los pequeños pasos dados en esa dirección distan mucho de ser suficientes. Una nueva edición de Ellas Crean es un nuevo recordatorio de la vergüenza que arrastramos en nuestra todavía sociedad patriarcal y por eso mismo debe hacer retumbar una vez más nuestras conciencias y en este caso particular los cimientos de un sector que se considera tan ‘progre’ como el de la cultura. Y es que si la educación es la base para fomentar el cambio de mentalidad, la cultura debe ser la herramienta más poderosa para hacer que ese cambio sea visible. El Instituto de la Mujer y para la Igualdad de Oportunidades y el Centro Cultural Conde Duque se han encargado de organizar por decimotercera vez esta gran celebración del talento femenino con más de 100 propuestas que se desarrollarán durante todo el mes de marzo y hasta el 7 de abril bajo el paraguas de la celebración del 8 de marzo, Día Internacional de las Mujeres. Este año hay dos líneas fundamentales alrededor de las

cuáles se vertebra el festival: recuperar la memoria de mujeres esenciales de nuestra cultura y convertir este encuentro en el festival de las oportunidades para las más jóvenes.

Música

Las jazzistas centran una programación que traerá voces como las de Sidsel Endresen, Mariola Membrives (2), Hindi Zahra, Patricia Barber (1) y Tonina -las dos últimas doblando en piano y contrabajo respectivamente-. Además podremos escuchar las guitarras de Mary Halvorson y Golfam Khayam, componente la última del dúo Naqsh que completa la clarinetista Mona Matbou Riahi. Más allá de este estilo acudirán a la cita el folclore y pop, desarrollado respectivamente por la griega Savina Yannatou y por la norteamericana Sophie Auster. Y aún hay espacio para que el dúo integrado por el pianista Alberto Portugheis y el violinista David de la Varga Rojo, nos regalen un muestrario de obras de la compositora clásica Elena Romero, la primera mujer que se puso al frente de una orquesta sinfónica en nuestro país, y tres títulos escritos por Mercedes Zavala. Y como en años anteriores, el talento femenino llenará las salas de música en directo, con más de veinte actuaciones, coordinadas por la Asociación La Noche en Vivo.

Teatro

La Liga de las Mujeres Profesionales del Teatro, cuyo objetivo es crear una red de mujeres profesionales de las artes escénicas, presentará en esta edición una selección de tres propuestas de su primer programa de mentorías, Dirige, realizada por Beatriz Cabur y Yolanda Dorado. Este año Ellas Crean abre las puertas a los centros de educación. Ochenta chicos y chicas de diferentes institutos de Madrid, con edades comprendidas entre los catorce y los dieciséis años, presentarán durante dos días sus reflexiones sobre la trata de personas. Piel con Piel (4) es fruto de diversos talleres coordinados por Calatea y la Fundación Lydia Cacho. El problema de los refugiados y la experiencia real vivida por la dramaturga Astrid Menasanch sustentan la acción de Pasaje Nocturno. Esa realidad también atraviesa los diálogos de las dos mujeres protagonistas de Ecos de Henry Naylor y dirigida por Alexandra Fierro en la que una estudiante perteneciente al ISIS y una joven victoriana estarán unidas por las mismas frustraciones; un rasgo que, igualmente, refleja Beatriz Bergamín en No hay papel. Completa el apartado teatral la lectura dramatizada, dirigida por Belén Yuste, Pierre y Marie Curie, Ellos mismos (3), homenaje a María SKlodowska-Curie, dos veces Premio Nobel e icono de la ciencia universal.

Danza

Olga Pericet presenta con su compañía La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora, con la dirección escénica y la dramaturgia de Carlota Ferrer, en su estreno en Madrid. Por su parte, la joven bailaora y coreógrafa Patricia Guerrero nos ofrece con Catedral (5) una reflexión sobre el papel de la religión en las dinámicas de opresión de la mujer. Otro estreno será Tríptico (6), de las jóvenes coreógrafas Begoña Quiñones, Mar Rodríguez y Verónica Garzón, un proyecto creativo que se nutre de trabajos anteriores. La que regresará al Conde Duque tras su premio del público en la pasada edición del Certamen Coreográfico de Madrid será Patricia Hastewell con All these places have their moments. Y cierra el capítulo de danza la compañía valenciana Maduixa, con Mulïer, un homenaje a todas las mujeres que reclaman su derecho a la libertad.

Cine

Cuando se cumplen 50 años de la edición del diccionario que lleva su nombre, María Moliner será la protagonista del documental María Moliner. Tendiendo palabras. Esta película, con guión y dirección de Vicky Calavia, se proyecta en riguroso estreno. Por otra parte, Joana Biarnés,

una entre todos (2), un documental de Óscar Moreno y Jordi Rovira, nos acercará a la figura de la fotógrafa Joana Biarnés, pionera del fotoperiodismo en España. También podremos ver Sands of Silence: Waves of Courage/Arenas del silencio: Olas de valor, de Chelo Álvarez-Stehle, un imprescindible alegato contra la explotación sexual. Por su parte Dirigido por mujeres es el nombre que agrupa cuatro películas internacionales de distintas realizadoras: !Women Art Revolution de la estadounidense Lynn Hersham; Plaza de la Soledad, de la fotógrafa mejicana Maya Goded; Janis. Little Girl Blue (1) de la también estadounidense Amy Berg; y La bailarina de la francesa Stéphanie Di Giusto. Como colofón, el ciclo Pioneras del cine español estará dedicado a figuras imprescindibles de nuestro cine.

Poesía

Con el protagonismo absoluto de la celebración del centenario de Gloria Fuertes, inaugurarán el festival lecturas de sus poemas y la presentación de dos de sus obras: Glorierías (3) y Pecábamos como ángeles. La voz de las poetas de la Generación del 27 estará presente en el recital de música y poesía Donde me pidas iré, de Pepa Merlo. Testigo poético es el nombre elegido por la poeta y editora Nuria Ruiz de Viñaspre para el recital en el que participan Isel Rivero, Marifé Santiago, María Antonia Ortega, Pilar Martin, Luz Pichel, Cinta Montagut, Yaiza Martínez y Noni Benegas (4), que acompañará la presentación de la Colección Eme (escritura de mujeres en español). El Aula de las Metáforas traerá una conferencia sobre las nuevas cantautoras latinoamericanas y un exquisito recital de música y poesía, La Flor del Ciruelo.

Exposiciones y actividades

La Biblioteca Histórica Municipal inaugurará la exposición Una escritora en “la edad de la razón”. Elena Fortún y su mundo (5). Mientras la Hemeroteca Municipal ha seleccionado un nutrido número de páginas de revistas literarias (6) en las que aparecen mujeres esenciales de la Generación del 27, injustamente ausentes, sin embargo, en las antologías. Por otra parte, el colectivo Tres en Suma traerá una propuesta multidisciplinar en casas-estudio del barrio de Lavapiés. Destacar por último los debates sobre la situación de las mujeres en el mundo de la cultura; otro sobre la figura de la compositora María Rodrigo; la programación especial del Institut Français de Madrid y del Instituto Italiano de Cultura de Madrid; así como la participación de dieciséis museos nacionales y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Toda la programación en ellascrean.com

performances

Unalmés, en la casa encendida

Tres artistas van a pasar todavía por el ciclo Unalmés que comenzó en febrero en La Casa Encendida y que acercará al publico de cualquier edad, a través de diferentes performances, el desarrollo de nuevos lenguajes contemporáneos de lo escénico. Unalmés tiene en Quim Bigas Bassart el protagonista de marzo, que presenta los días 16 y 17 Molar. El artista barcelonés ha centrado su actividad en investigar el movimiento y cuestionar ideas relacionadas con el proceso creativo o los protocolos del espacio escénico. En Molar centra su mirada en lo que supone para la gente

gustar, ‘ser guay’, sirviéndose de un abanico de imágenes relacionadas con la felicidad que provocan emociones colectivas y hacen que el cuerpo del intérprete en movimiento y el público se unan de manera afectuosa. El concepto de felicidad con el que juega la publicidad es algo que se puede comprar, un bien de consumo que se alcanza a través de la compra de lo que se intenta vender. Tras él, podremos disfrutar de Societat Doctor Alonso con Anarchy (27-28 abril) y de Juan Dominguez con Entre lo que ya no está y lo que todavía no está (27-28 mayo), entre otros.

vasto universo musical por Sergio DĂaz

Maui

Maui. Soy una feria Ciclo de 5 conciertos. Los viernes desde el 24 de febrero al 24 de marzo. Teatro Galileo

“Nunca me pongo límites a la hora de crear” La polifacética artista Maui presenta en el Teatro Galileo Soy una feria, un ciclo de cinco conciertos únicos en los que estará acompañada en el escenario por artistas de la talla de Rosario, Martirio, Jorge Pardo, Carmen París... Un ciclo que pretende aunar ritmo, humor, teatro, mucho arte y sobre todo música.

Es este un show muy teatral, con una puesta en escena muy potente... ¡Sí! Siempre, en mis conciertos, hay algo de teatro e imagen, pero esta es la primera vez que voy a poner todas las cartas sobre la mesa, digamos que hemos cuidado todos los detalles para que esto sea un verdadero show. De teatro va a haber mucho, estoy preparándome para ello, y además nos visitarán actores con los que comparto una bonita amistad y que me ayudarán mucho.

¿Qué es lo que vamos a encontrar en este ciclo de cinco conciertos Soy una feria? Soy una feria es una miscelánea de arte en torno a una candela. El público encontrará el calor, la risa, la lágrima, la sorpresa, la emoción, y se desprenderá de la rabia por esa factura de la luz, del problema con su pareja, del hastío provocado por los telediarios... En definitiva, se trata de una fiesta a todo color en la que la música será la mejor anfitriona con la intención de pasarlo bien.

¿En qué punto está tu segundo disco en solitario? Está amasándose, tenemos la receta y casi todos los ingredientes, pero no tengo ninguna prisa porque sé que para cocinar algo rico hay que cuidar los detalles y sobre todo hay que echarle cariño y las prisas son contraproducentes. En Soy una Feria, estrenaremos algunas canciones nuevas, en primicia, para aquellos que me siguen y ya esperan impacientes lo nuevo, esto nos servirá para afianzar arreglos y cositas que solo el directo puede hacerte ver.

¿Qué significa para ti compartir escenario con artistas como Martirio, Rosario o Jorge Pardo? Un privilegio, un regalo que la vida me está haciendo. Me siento muy agradecida y sé que voy a aprender lo más grande de esta experiencia. Martirio es tu madrina musical. ¿Qué consejos te ha ido dando en tu trayectoria? Que sea fiel a mí misma, que camine sin ataduras, con libertad... ella me ha enseñado muchas cosas, es mi guía desde que llegué a este Madrid de locos. Cuando disfrutas de Martirio en el escenario, descubres ‘la verdad’, el arte en estado puro, y eso engancha, hace que una se ponga las pilas en búsqueda de la esencia de todo esto, el origen. ¿Qué supone actuar en el Teatro Galileo? Una alegría muy grande, ese espacio me parece precioso e ideal. La disposición del público favorece totalmente a esa idea de reunión en torno a una candela, con la que iniciaba Soy una Feria y creo que allí van a pasar cosas mágicas.

Tus raíces beben del flamenco, pero trabajas con el jazz, el pop, la música cubana... ¿Tienes algún límite a la hora de crear? Nunca me pongo límites, más bien me gustan los retos y me atrevo a decir que no tengo miedo a los experimentos. El texto te guía, lo que se cuenta o se canta, siempre induce a encontrar el estilo, la forma, el color de la música que envolverá esa historia. Por supuesto, hay que conocer, escuchar y estudiar mucha música para trabajar con conocimiento, yo en casa lo mismo escucho a Rostropovich que a Fernanda de Utrera. ¿Por dónde van a ir los tiros en este nuevo disco? ¿Seguirá predominando el flamenco? El flamenco por supuesto estará presente. Siempre lo está cuando compongo, y es como algo inevitable. También estará el surrealismo, la ironía fina, los giros armónicos inesperados que ya son mi sello, y como no, el compás.

tristes guerras por Rubén González

Paco Damas pone voz a Miguel Hernández El 28 de marzo de 1942 moría Miguel Hernández de una tuberculosis; la “segunda” Guerra Civil española se cobraba una nueva víctima, otra de tantas. La primera, de 1936 a 1939, enfrentó a fascistas sublevados contra el legítimo gobierno republicano. La segunda se llevó a cabo en los presidios a la conclusión de aquella. Una dura represión por el régimen franquista que aniquiló en prisión a aquellos que se signiﬁcaron políticamente no sólo durante la contienda, sino durante la República. Miguel Hernández murió en la prisión de Alicante y perdimos a un referente de la literatura castellana, un poeta comprometido, hondo, sublime y eterno. Paco Damas es un cantante y compositor que dejó la medicina por la música hace ya veinte años y que desde entonces viene signiﬁcándose en defensa de una Cultura de la Paz, Justicia

Social y La Solidaridad además de cantar y compartir escenario con sus adorados Carlos Cano, Luis Pastor, Hilario Camacho, Mónica Molina o Amparo Sánchez, compaginando temas propios con textos de Neruda, Lorca, Teresa de Jesús, Juan Ramón Jiménez, María Teresa León, María Zambrano, Rosalía de Castro... Junto a la Fundación Cultura de Paz, el jienense ha reeditado recientemente su disco de 2009, Tristes Guerras, un homenaje a la ﬁgura de Miguel Hernández donde colaboran Pastora Soler y Luis Eduardo Aute, un himno a la paz y a la no violencia en todas sus manifestaciones. El disco se presenta en la actualidad en dos formatos, un CD digipack cuidado y un CD-ROM con contenido divulgativo y propuestas didácticas para el alumnado y los centros educativos que quieran conmemorar el 75º aniversario de la muerte del poeta oriolano.

el sonido de una generación Rubén González

HAVALINA, DINERO Y RUFUS T. FIREFLY abanderan un nuevo INDIE-ROCK SIDERAL CON ECOS EN LOS 70’s Y 80’s

Lleva tanto tiempo la etiqueta indie entre nosotros, que seguir discutiendo si existe o no ya se antoja innecesario. Debatir si el indie de la actualidad se asemeja al de los emocionantes 90’s pues como que también. Lo que nos interesa más, es ver el camino que ha tomado el indie de nuestros días, evolucionando desde su cercanía al folk allá por el 2008, con propuestas tan interesantes como las de Russian Red, DePedro o The Sunday Drivers, amén del cálido pop

anglosajón de Vetusta Morla y Deluxe, o sixties de Lori Meyers, hoy vemos cómo el péndulo vira hacia el final de los años 70’s y los 80’s con una devoción inusitada por los sintetizadores y los teclados que aparte de ejercer de colchón, son capaces de crear unas estructuras siderales, supersónicas, que nos llevan a nuevos senderos sonoros. Sidonie, Zahara, Tulsa, Miss Caffeina, Mucho, Pasajero o Tuya son una pequeña muestra junto a estos tres grupos que acaban de sacar disco.

Havalina

Dinero

Rufus T. Firefly

La formación liderada por Manuel Cabezalí deja atrás los ecos de stoner que le caracterizaba y ponen al alza su gran referencia, The Cure. Muerdesombra es una puerta abierta a un mundo onírico.

Sean Marholm y Ekain Elorza saben que el rock se cuenta por energía, fuerza y rabia a partes iguales. Lo suyo es autenticidad. En Cero se unen a Charly Bautista para enseñarnos mil matices nunca vistos.

Hijos aventajados de Radiohead, Víctor Cabezuelo y Julia Martín Maestro remodelan la banda en Magnolia, un evocador canto en defensa de la naturaleza con Syd Barret, Thom Yorke y Tame Impala por bandera.